Themen im deutschen Theater. "Im Kino"

DAS THEATER

1. Im vorigen Sommer war ich bei meinen Verwandten in Moskau zu Besuch.

2. Einmal kam mein Onkel freudig nach Hause.

3. Er hatte Karten fürs Bolschoi-Theater für den Sonntag besorgt.

4. Man gab die Oper "Eugen Onegin". von Tschaikowski.

5. Ich hatte immer den Wunsch, das Bolschoi-Theater zu besuchen.

6. Das Bolschoi-Theater ist eines der schönsten Gebäude Moskaus.

7. Es befindet sich im Zentrum der Stadt.

8. Um halb sieben waren wir schon im Theater.

9. In der Garderobe legen wir unsere Jacken ab.

10. Am Eingang zeigten wir unsere Eintrittskarten vor und betraten den Zuschauerraum.

11. Alles war schon: Roter Samt, Gold, schöne Kronleuchter.

12. Wir hatten unsere Platze im Parkett und wir brauchen keine Opernglaser.

13. Es klingelte zum dritten Mal.

14. Der Vorhang geht auf. Der Dirigent Hob den Taktstock.

15. Die Ouvertüre begann.

16. Wir sahen begeistert auf die Bühne.

17. Die Besetzung war sehr gut.

18. In der Pause gingen wir ins Foyer.

19. Dort war eine interessante Fotoausstellung von beruhmten Sängern wie Schaljapin, Sobinow, Koslowski.

20. Es klingelte und wir gingen wieder in den Zuschauerraum.

21. Am Schluss der Vorstellung klatschten wir Beifall.

22. Die Schauspieler wurden 3mal hervorgebracht.

23. Wir verbrachten einen wunderbaren Abend.

24. Dieser Theaterbesuch machte auf mich einen unvergesslichen Eindruck

Zum Thema: Methodische Entwicklungen, Präsentationen und Notizen

ZWECK DES PROJEKTS: Schaffung von Bedingungen für: - Lösung sprachintellektueller Suchaufgaben im Prozess der Bearbeitung von Sprachmaterial und Entwicklung der Haupttypen von Sprachaktivitäten auf dieser Grundlage ...

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Themen im Deutschen zur Entwicklung der Monologsprache

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Thema: Theaterbesuch in Deutschland

Thema: Theaterbesuch in Deutschland

Ich heiße Lena und lerne in einem Lyzeum mit vertieftem Sprachunterricht. Mein Hauptfach ist Deutsch. Im vorigen Jahr versucht bei uns eine junge Lehrerin aus Deutschland. Sie hat mich und meine Freundin Angela zu sich nach Hamburg eingeladen. Ich war sehr froh darauf, Deutschland mit eigenen Augen zu sehen und deutsch zu sprechen.

Mein Name ist Lena, ich studiere am Lyzeum mit Vertiefung Fremdsprachen. Mein Hauptfach ist Deutsch. Letztes Jahr hatten wir eine junge Lehrerin aus Deutschland. Sie hat mich und meine Freundin Anita zu sich nach Hamburg eingeladen. Ich war sehr froh, dass ich Deutschland jetzt mit eigenen Augen sehen und Deutsch sprechen kann.

Wir waren in Hamburg 2 Wochen lang. Alles Kriegsklasse! Unsere Lehrerin zeigte uns die Stadt. Und einmal hat sie uns ins Theater eingeladen. Das war eine Premiere im Hamburg Ballett. Es wurde das Ballett „Orpheus“ gegeben. Wir bekamen die Eintrittskarten im Voraus. Dadurch bekamen wir Zeit, in Ruhe this alte Sage über Orpheus und Eurydike zu lesen.

Wir waren 2 Wochen in Hamburg. Alles war großartig! Unser Lehrer zeigte uns die Stadt. Und eines Tages lud sie uns ins Theater ein. Es war die Premiere beim Hamburg Ballett. Sie gaben das Ballett "Orpheus". Wir haben Tickets im Voraus bekommen. Daher hatten wir Zeit, in Ruhe die alte Legende von Orpheus und Eurydike zu lesen.

Der Sänger Orpheus wurde in der ganzen Welt geliebt. Ihm hört Vögel in der Luft, Fische im Wasser, Tiere im Wald zu. Apollon hat ihm eine wundervolle Leier geschenkt. Orpheus liebte sehr seine Frau Eurydike. Die Hochzeit haben sie vor kurzem gefeiert. Aber sie wurden nicht lange glücklich. Eurydike wurde von einer giftigen Schlange todlich gebissen. Orpheus beschloss seine Geliebte im Reich der Toten zu finden und zu retten. Er stieg in die Unterwelt hinab. Vor dem Thron des Herrschers Hades sang Orpheus zum Klang der Leier. Er bat ihn, seine Geliebte Eurydike zu befreien. Alle Totenschatten weint. Der düstere Herrscher hatte Mitleid mit dem Sänger. Orpheus bekam seine Gemahlin zurück. Aber während des Rückwegs durfte er nicht zurückblicken. Orpheus blickte aber nach der Geliebten um und verlor sie für ewig. Der Sänger lebte 3 Jahre in seiner Trauer und wollte keine andere Frau sehen. Er wurde dadurch von den wütenden Weibern getötet. Die Nymphen brachten ihn zu seiner Eurydike in die Totenwelt.

Alle liebten den Sänger Orpheus. Vögel im Himmel, Fische im Wasser, Tiere im Wald wurden mit seinem Gesang gehört. Apollo selbst schenkte ihm eine wunderschöne Leier. Orpheus mochte Eurydike sehr. Kürzlich feierten sie ihre Hochzeit. Aber sie waren für eine sehr kurze Zeit glücklich. Eurydike wurde von einer giftigen Schlange gebissen. Sie starb. Orpheus beschloss, seine Geliebte im Reich der Toten zu finden und sie zu retten. Er stieg in die Hölle hinab. Vor dem Thron des Herrschers des Hades begann Orpheus, seine Lieder zu singen und die Leier zu spielen. Er bat darum, Eurydike freizulassen. Alle Schatten weinten. Der düstere König der Toten hatte Mitleid mit der Sängerin. Orpheus bekam seine Eurydike. Aber bei der Rückkehr musste er gehen, ohne sich umzusehen. Orpheus blickte zurück, sah seine Geliebte an und verlor sie im selben Moment für immer. Der Sänger war 3 Jahre lang traurig und wollte keine Frau mehr ansehen. Daraufhin töteten wütende einheimische Frauen ihn, indem sie ihn mit Steinen bewarfen. Die Nymphen trugen ihn in das Reich der Toten zu Eurydike.

Das Gebäude des Ballettzentrums gefiel mir auch sehr. Es sah wie ein Museum aus. Der Regieführer des Hamburger Balletts hat eine neue Interpretation dem Publikum vorgestellt. Er wollte das Sujet modern machen. Die Bühnenbilder sind auch stilistisch geandert. Der Sänger Orpheus bekam eine Geige statt der alten Leier. Die Musik unterstützt den neuen Blick. Neben Strawinsky und Barock erklingen Melodien aus einem aktuellen Musical. Sie wurden auch durch Lautsprecher gespielt. Somit wurde Orpheus wie ein Künstler von heute für Zuschauer gegeben. Was aber blieb - das ist die Idee der ewigen Liebe. Das Publikum im Saal würdigt die moderne Variante der alten Sage durch ihren heftigen Applaus sehr hoch. Die neue Interpretation fand auch in der Choreographie ihres Ausdrucks. Der Orpheus-Darsteller Otto Bubenicek tanzte technisch glänzend. Musik und Tanz verschmelzen sich in mir eng zusammen. Die Kostüme waren elegant neoklassisch, dem Tanzstil angepasst.

Das Gebäude des Ballettzentrums hat mir sehr gut gefallen. Es sah aus wie ein Museum. Der Regisseur des Stücks bot dem Publikum seines an neue Version Ballett. Er modernisierte die Handlung der Legende. Auch der Dekorationsstil wurde stilistisch aktualisiert. Der Sänger Orpheus spielte nicht die Leier, sondern die Geige. Musik betonte Neuheit. Neben den Klassikern von Strawinsky und der Antike des Barock erklangen die Melodien eines modernen Musicals aus den Lautsprechern. Daher tritt Orpheus als der Sänger von heute vor das Publikum. Aber die Hauptidee der Legende blieb unverändert - die Ewigkeit der Liebe. Das Publikum im Saal brachte seine Freude mit tosendem Applaus zum Ausdruck. Die Neuinterpretation spiegelt sich in der Choreografie wider. Der Darsteller der Rolle des Orpheus - Otto Bubenchik tanzte brillant. Musik und Tanz sind in meiner Vorstellung zu einem Ganzen verwoben. Die Kostüme der Künstler unterstrichen elegant die Klassik im modernen Geist.

Das Zentrum wurde 1929 eingerichtet. Das Innere wurde mit einem schönen Wandgemälde „Orpheus mit den Tieren“ von der Kunstmalerin Anita Rée geschmückt. Das Gemälde zeigt Orpheus auf einer Antilope reitend. Um ihn herumliegen Tiere, die sein Spiel und Singen umblättern. Die Ballettsäle werden nach bekannten Choreografen benannt: Petipa, Nijinsky, Balanchine, und andere.

Spricht man über das deutsche Theater der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, sollte man sich dem Ende der 60er Jahre zuwenden. Die schwierige gesellschaftspolitische Lage maßgeblich beeinflusst Theaterleben. Ständige Theater waren nur Höflinge (in den Residenzen der Herrscher). Das Touring-System war weit verbreitet. Im führenden Berlin Königliches Theater Klassikwerke wurden inszeniert, ohne dass versucht wurde, das routinierte, deklamatorische Pathos loszuwerden. Und die Stücke, die hier gezeigt wurden, hatten eine chauvinistische Richtung und wurden von gewöhnlichen Autoren geschrieben.

Eine bemerkenswerte Erscheinung war gleichzeitig das Hoftheater in der Hauptstadt des Herzogtums Sachsen-Meiningen, in der Stadt Meiningen. Sein Ursprung geht auf das 18. Jahrhundert zurück.

Meininger Theater war in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts eines der bedeutendsten Theater Deutschlands. Aber trotz der Tatsache, dass das Theater Hof war, wurde er vom Geschmack des bürgerlichen Publikums beeinflusst.

Seit 1869 ist ein Schauspieler, der zuvor in diesem Theater gearbeitet hat, Direktor und Direktor des Theaters. Ludwig Kroneg (1837-1891). Und das Theater tritt in den 70-80er Jahren in seine Blütezeit.

Drei Personen standen an der Spitze des Theaters: Herzog Georg II., der sich hauptsächlich mit der dekorativen Seite der Aufführung beschäftigte, aber in allen Angelegenheiten des Theaterlebens eine entscheidende Stimme hatte; seine Frau, frühere Schauspielerin dieses Theaters, Helene Franz, zu deren Aufgaben hauptsächlich die Rezitation gehörte, und Ludwig Kroneg, ein begabter Regisseur und ein umfassend gebildeter Mensch.

Bei der Entwicklung der Pläne des Regisseurs suchte Kroneg die Wahrheit des Lebens, die Genauigkeit der Darstellung der historischen Epoche, ihrer Lebensweise und Bräuche. Er war auch der Organisator der Theatertournee. Meiningen reiste durch ganz Deutschland, besuchte Holland, Schweden, Belgien, Dänemark, die Schweiz, England, besuchte zweimal Russland - 1885 und 1890. Nach dem Tod von Kroneg im Jahr 1891 wurde die Tournee eingestellt und das Theater in Meiningen begann ohne Unterbrechung zu arbeiten.

Die künstlerische Leitung des Meininger Theaters orientierte sich an den Grundsätzen von Goethes Wirken im Weimarer Theater und den Experimenten K.L. Immermann(1796-1840), einer der ersten Regisseure des deutschen Theaters. In Fortführung der Goethe-Tradition bemühte sich das Meininger Theater um ein hohes ideologisches und künstlerisches Niveau des Repertoires, wobei es sich hauptsächlich auf die Klassik konzentrierte. In Fortführung der Traditionen des Weimarer Theaters behaupteten die Meiningenisten die Hauptrolle des Regisseurs im Stück. Von Immermann erbten die Meiningenianer den Wunsch nach Ensemble, nach historischer und alltagstauglicher Aufführung.

Neben den nationalen Traditionen der deutschen Regie bediente sich das Meininger Theater weitgehend der Prinzipien des englischen Regisseurs Charles Keane, der den Anspruch historischer Authentizität mit der äußeren Pracht und Pracht der Aufführung verband.

An der Wurzel des Repertoires stand die Dramaturgie Schillers („Die Fiesco-Verschwörung“, „Räuber“, „Wallensteins Lager“, „Wallensteins Tod“, „Wilhelm Tell“). Shakespeares Stücke: „Julius Caesar“, „Twelfth Night“, „The Merchant of Venice“, „Macbeth“, „The Winter’s Tale“, „The Taming of the Shrew“. Weiterhin im Repertoire waren: „Iphigenie in Aulid“, Goethe, „Frau Sarah Sampson“, Lessing, Stücke von Kleist. Aus Französische Dramaturgie zum Repertoire des Theaters gehörten Molières Komödien „Die imaginäre Patientin“ und „Gelehrte Frauen“.

Georg II. bestimmte die Auswahl der Stücke und deren Interpretation. Gesellschaftlich bedeutsame Werke der deutschen Dramatik – Schillers „Intrige und Liebe“, Lessings „Emilia Galotti“ – gehörten deshalb nicht zum Repertoire des Theaters. Aber es gab Theaterstücke, die nationalistische Gefühle verstärkten.

Regie am Meininger Theater strebte danach, ein vollständiges und integrales Kunstwerk zu schaffen, in dem alle Bestandteile der Aufgabe des vollständigsten Ausdrucks der Idee des Stücks untergeordnet sind. Dies bestimmte die besondere Reihenfolge und Art der Arbeit an der Aufführung. Es begann mit einer detaillierten Untersuchung der Richtung des historischen Zeitalters, des Lebens. Dann lasen sie das Stück, das zuerst als Ganzes und dann für einzelne Akte, Szenen, Rollen besprochen wurde. Schauspieler mussten nicht nur ihre Rolle, sondern das ganze Stück kennen. Während der Probenarbeit wurden zahlreiche Gespräche geführt, in denen die Rollen detailliert analysiert, ihre literarische und psychologische Analyse durchgeführt wurde. Nachdem der Regisseur und der Künstler den Produktionsplan erstellt hatten, begannen die Proben Massenszenen. Ihre sorgfältige Entwicklung war eines der wichtigsten Mittel, um die künstlerische Einheit der Aufführung zu schaffen. Die Szenen in den Aufführungen von Meiningen waren lebhaft, dynamisch, so dass die Menge organisch an der Aktion teilnahm. Die Komparsen wurden in Gruppen eingeteilt, in jeder Gruppe wurde ein Anführer (ʼʼʼʼʼʼʼ) unter den Theaterkünstlern ernannt, der dafür sorgte, dass die Teilnehmer an den Massenszenen nicht die gleichen Posen einnahmen, die notwendigen Gesten rechtzeitig machten, genaue Nachbildungen gaben die speziell für sie geschrieben wurden.

Besonderes Augenmerk legte die Regie auf die Arbeit an episodischen Rollen. Die Aufgabe, ein Bühnenensemble zu schaffen, erforderte die Abkehr vom Rollensystem. Schauspieler auftritt Hauptrolle, beim nächsten Auftritt könnte er episodisch agieren oder sogar als Komparse in die Massenszene gehen.

Das einheitliche künstlerische Bild der Aufführung und die größtmögliche Plausibilität der Darstellung des Lebens auf der Bühne erforderten eine sorgfältige Designentwicklung. Aus diesem Grund wurde das Hauptaugenmerk auf die Genauigkeit der Wiedergabe des Alltags gelegt, wofür die historischen Quellen der materiellen Kultur gründlich studiert wurden. Bei der Inszenierung von Iphigenie auf Tauris verwendete das Theater beispielsweise Materialien aus Schliemanns archäologischen Ausgrabungen; bei der Inszenierung von „Maria Stuart“ beschäftigten sie sich mit der Geschichte der von Schiller bezeichneten Orte; Für die Inszenierung von „Die Jungfrau von Orleans“ reiste der Künstler in die Heimat von Jeanne d’Arc – das französische Dorf Domrem Und - und fertigte vor Ort Landschaftsskizzen an.

Herkömmliche, nichtssagende Pavillons wurden durch Dekorationen ersetzt, die nicht nur ethnographisch korrekt waren, sondern auch den Eindruck von sozialem Status, Lebensstil und Beruf der Bewohner des Hauses trugen. Anstelle von gemalten Kulissen mit Säulen stellten sie Säulen auf die Bühne. Die Ebene der Szene wurde in einzelne Abschnitte (Hügel, Schluchten) unterteilt, Leitern, Plattformen und Passagen wurden eingeführt, die es ermöglichten, malerische und dynamische Inszenierungen zu erstellen.

Die Ausdruckskraft der Bühne wurde durch die Verwendung von Geräusch- und Lichteffekten verstärkt: ein Lichtbild von fallendem Regen, Sonnenauf- und -untergang, Mondlicht, sich bewegende Wolken usw. Im Theaterstück „Wilhelm Tell“ wurde eine ganze Reihe von Geräuschen in das Bild des Sturms eingearbeitet: das Heulen des Windes, Donnergrollen, das Rauschen des Regens, das Aufschlagen der Wellen eines Bergsees. Das Theater mit Soundeffekten konnte die Illusion eines großen Raums erzeugen, der über die Bühne hinausgeht.

Aber Innovation im Bereich der Inszenierungstechnik harmonierte nicht mit der Schauspielerei; falsches deklamatorisches Pathos, Stelzen und Klischees waren dort noch erhalten. Die Meininger ʼʼ haben die alten rein schauspielerischen Techniken des Spiels nicht aktualisiertʼʼ (Stanislavsky). Das Hauptmittel, um die Idee der Aufführung zu vermitteln, war nicht der Schauspieler, sondern Regie- und Inszenierungstechniken.

Die Forderung der Meininger Regie, dass große Schauspieler episodische Rollen spielen, manchmal mit schlechter Darstellung der Hauptrollen, führte zur Zerstörung des Ensembles und der Integrität des künstlerischen Eindrucks. EIN. Ostrovsky machte darauf aufmerksam, wie im Stück "Julius Caesar" eine der wichtigsten Szenen durch eine misslungene Aufführung verzerrt wird: „Die schöne Rede, die Shakespeare an Anthony hielt, wurde vom Schauspieler schwach gehalten, und die geschickt trainierte Menge war aufgeregt und belebt, als ob die Rede stark und mit Enthusiasmus gehalten worden wäre.“

Naturalistische Ersetzung von Verallgemeinerungen und Typisierungen durch externe naturalistische Plausibilität wurde in der Auswahl der Schauspieler gefunden. Also wählte Croneg für die Rolle von Julius Caesar einen Schauspieler, der wie Caesar aussieht, aber kein Talent hat. Und bei dieser Gelegenheit, A.N. Ostrovsky bemerkte das ʼʼ gehört bei den Meiningenianern und Julius Cäsar selbst zu Fälschungen ʼʼ.

Im Artikel „Überlegungen und Schlussfolgerungen zur Meininger Truppe“. EIN. Ostrovsky stellt die positiven Aspekte des Meininger Theaters fest: die Entwicklung von Massenszenen, den geschickten Einsatz von Lichteffekten, die gute Qualität der Kulissen und Requisiten. Aber im Allgemeinen definiert er dieses Theater als „eine hervorragend disziplinierte Truppe, bestehend aus mittelmäßigen Schauspielern und ekelhaft jammernden und brechenden Schauspielerinnen“. und macht seinen ʼʼSatzʼʼ: ʼʼ…was wir in ihnen gesehen haben, ist keine Kunst, sondern Können, ᴛ.ᴇ. Handwerk.

KS Stanislavsky schätzte Kronegs Talent, seinen Regieeinfallsreichtum und seine strenge Disziplin im Theater sehr, verurteilte aber gleichzeitig den Despotismus des Regisseurs, der die Individualität des Schauspielers unterdrückt, und die Verlagerung des Schwerpunkts der Aufführung vom Schauspieler zum Regisseur Inszenierungstechniken.

Vl.I. Nemirowitsch-Danchenko solidarisierte sich mit der Einschätzung von Ostrovskys Performance „Julius Caesar“.

Das Meininger Theater hatte kein eigenes klares ideologisches und ästhetisches Programm und wurde nicht mit dem modernen Drama in Verbindung gebracht, in Verbindung damit wirkte das kreative Bild des Theaters eklektisch. Aber eine hohe Produktionskultur basiert auf der Entwicklung des Prinzips einer einheitlichen Kunstform Aufführung, ein sorgfältig durchdachter Produktionsplan, die strenge Beachtung des historischen und nationalen Kolorits hatten einen großen Einfluss auf die Entwicklung des Regiedenkens am Ende des 19. Jahrhunderts.

historische Kulisse weiterhin schwierig. Gesellschaftspolitische Verhältnisse in Zentraleuropa waren scharf genug: Frankreich beanspruchte die Hegemonie und war an der Zersplitterung Deutschlands interessiert. Der Grund für den Funko-Preußischen Krieg von 1870-1871. es gab einen Streit um das Elsass, um Lothringen, Grenzgebiete.

1871 ᴦ. Der Deutsch-Französische Krieg endete mit der vollständigen Niederlage Frankreichs, in der das Zweite Reich fiel und eine Republik (die Pariser Kommune) ausgerufen wurde. Frankreich wurde von preußischen Truppen besetzt, die an der Niederschlagung der Kommune beteiligt waren.

Im selben Jahr 1871 ᴦ. die in Versailles versammelten Monarchen der „Zwergenstaaten“ riefen den preußischen König Wilhelm I. zum deutschen Kaiser aus. Dies bedeutete die nationale Einigung Deutschlands. Aber der Einheitsstaat war nur der Form nach parlamentarisch, aber in Wirklichkeit behielt er viele feudale Spuren, der bürokratische Apparat stand unter dem Einfluss der Bourgeoisie und wurde von der Polizei bewacht. Die preußischen Junker hatten im ganzen Reich eine einflussreiche Stellung. Das deutsche Volk wurde im Geiste des Chauvinismus (ᴛ.ᴇ. extremer Nationalismus) erzogen. Die rasante Entwicklung des Kapitalismus begann und bis zum Ende des 19. Jahrhunderts. Deutschland ist zu einer großen Monopolmacht geworden.

Das reaktionäre Regime provozierte Widerstand, und die Sozialistische Arbeiterpartei Deutschlands entstand (August Bebel und Wilhelm Liebknecht). Vertreter der fortschrittlichen Intelligenz wurden nach und nach in die Arbeiterbewegung hineingezogen.

Konfrontation der sozialen Kräfte im späten XIX - frühen XX Jahrhundert. eine schwierige Situation geprägt, aber dieser Umstand hat auch eine komplexe Geisteskultur entstehen lassen.

In dieser Zeit gerieten die konservativen Kreise der deutschen Intelligenz unter den Einfluss der philosophischen Lehren Friedrich Nietzsches, der die reaktionäre Theorie der „Meistermoral“ und der „starken Persönlichkeit“ aufstellte.

Aber es gab Kräfte, die gegen den Chauvinismus waren. Er leistete einen großen Beitrag zur realistischen Ästhetik Franz Mehring (1846-1919): In seinen literaturkritischen Artikeln befasste er sich mit den Grundproblemen und Phänomenen des Dramas am Ende des 19. Jahrhunderts.

Sowohl das Repertoire als auch die künstlerischen Techniken mussten dringend aktualisiert werden. Den Anfang machte das Theater Meiningen.

Den nächsten wichtigen Schritt tat Regisseur Otto Brahm, der erstmals in Deutschland damit begann, moderne Dramen zu inszenieren - Stücke von Ibsen, Hauptmann, L. Tolstoi, I. Turgenjew.

Der Höhepunkt der kreativen Suche im Theater des frühen zwanzigsten Jahrhunderts. in Deutschland gab es innovative Auftritte von M. Reinhardt. Sein Theater zeichnete sich durch eine harmonische Kombination aus klassischem und modernem Repertoire aus; Darüber hinaus spiegelte das moderne Repertoire die akutesten Trends und Widersprüche der Ära wider.

Gerhard Hauptmann(1852-1946) - ein herausragender deutscher Dramatiker des späten 19. - frühen 20. Jahrhunderts. Er begann als Maler und war stark vom Naturalismus beeinflusst. Aber sein Interesse an sozialen Prozessen und moralischen Konflikten ermöglichte es ihm, in seinen Stücken realistische Verallgemeinerungen vorzunehmen.

Frühe Stücke ( vor Sonnenaufgang, 1889) entsprechen dem Naturalismus. In ihnen verkörpert er die Idee der vollständigen Abhängigkeit eines Menschen von der Umwelt, und die Psychologie wird durch Vererbung bestimmt. Das Stück widmet sich dem Thema des Zusammenbruchs einer wohlhabenden Bauernfamilie, die vom Alkoholismus infiziert ist und keine moralischen Prinzipien hat. 1891 ᴦ. Psychodrama entsteht einsam und Sozialdrama „Weber“.(darin stützt er sich auf den Aufstand der Weber Schlesiens 1844 ᴦ.). Die Handlung im Stück entwickelt sich dynamisch. Zu Beginn des Stücks sind die Weber eine unterdrückte, hungrige Masse, erschöpft von harter Arbeit. Im Laufe der Handlung verwandeln sie sich von gehorsamen Sklaven in aktive Kämpfer. Hauptmann gibt im Drama nach neuer Typ ein Heldenkämpfer in den Bildern des pensionierten Soldaten Moritz Jaeger und seines Freundes Becker, eines Webers. Das Drama zeigt die Entwicklung vieler Bilder: Der alte Mann Baumert wird nach und nach in den Kampf hineingezogen, Louise Gilse ist eine junge Weberin, die zusammen mit anderen Weberinnen in den Kampf zieht. Auch ihr Mann Gottlieb schließt sich schließlich der Rebellion an. Die Mächtigen werden satirisch dargestellt.

Als erbärmliches Volksdrama wurde ʼʼʼʼʼʼ von den progressiven Gestalten des Theaters hoch geschätzt.

Dramatisches Märchen „Die versunkene Glocke“.(1896) - ϶ᴛᴏ eine Hymne an die Natur. Die Handlung entsteht durch die kreative Vorstellungskraft von Hauptmann, aber er hat auch ausgiebig von Themen Gebrauch gemacht Deutsche Märchen. Hier wird ein wichtiger Gedanke zum Ausdruck gebracht – über die Freiheit der Kreativität des Künstlers, die nicht durch die Konventionen des kirchlichen Dogmas eingeschränkt ist, über Kreativität, ĸᴏᴛᴏᴩᴏᴇ kann nur in unmittelbarer Nähe zur Natur Harmonie finden. Stilistisch verbindet das Stück Romantik, Bilder der Volkspoesie, Realismus und Symbolik.

Hauptmanns bedeutendstes Stück ist ein ϶ᴛᴏ realistisches Drama vor dem Sonnenuntergang(1932). In diesem Drama werden zwei Linien meisterhaft kombiniert – lyrisch und sozial anklagend. Οʜᴎ sind eng miteinander verflochten. Matthias Clausen sah, wie kaufmännisches Kalkül, Zynismus im Leben entsteht; er verurteilte die Welt und wandte sich von ihr ab. Dies ist nicht nur eine Welt der Krämer, Heuchelei und des Zynismus, dies ist die Welt des fortschreitenden Faschismus, verkörpert in der Figur seines Schwiegersohnes Klamroth.

In dieser Zeit der inneren Befreiung von der Vergangenheit dringt das junge Mädchen Inken Peters in Clausens Leben ein. Sie hauchte seiner Existenz Leben ein. Nach langen Zweifeln und Zögern fasst er den Entschluss, sich mit ihr zu verbinden. Als die Familie davon erfährt, bereitet sie sich auf einen „Angriff“ vor: Immerhin kann der „armen Näherin“ Inken ein kolossales Erbe zufallen. Und sie fordern eine gerichtliche Anordnung zur Einrichtung einer Vormundschaft für den Vater, der angeblich den Verstand verloren hat. Mattias ist erstaunt, er hat keine Kraft, sie zu bekämpfen. Er verlässt sein eigenes Haus. Die Kinder versuchen, ihn in eine psychiatrische Klinik zu bringen. Und Matthias beschließt zu sterben.

In den Jahren des Faschismus lebte Hauptmann zurückgezogen auf seinem Gut und schuf eine Tetralogie zu antiken Themen: „Iphigenie in Aulis“, „Der Tod des Agamemnon“, „Elektra“ und „Iphigenie in Delphi“. Damit protestierte er gegen das Regime. Die Dramaturgie Hauptmanns leistete einen bedeutenden Beitrag zur Literatur und zum Theater Deutschlands.

Deutsches Theater - Begriff und Typen. Einordnung und Merkmale der Sparte „Deutsches Theater“ 2017, 2018.

Ins Theater gehen - Deutsches Thema

Es gibt viele Möglichkeiten, die Freizeit zu verbringen. Einige sitzen die ganze Zeit vor dem Fernseher und sehen alle Sendungen, die anderen besuchen Diskotheken. Viele gehen aber ins Theater. In jeder Grostadt gibt es viele Theater, in denen Opern, Ballette, Dramen, Operetten aufgeführt werden.

Die Geschichte des Theaters ist sehr reich und interessant. Es gibt verschiedene Formen des Theaters: griechisches Theater, Barocktheater und modernes Theater.

Jede Grostadt in unserer RB hat ihr eigenes Theater mit seinem einmaligen Antlitz. Die bekanntesten Theater in Weißrussland sind das Sprechtheater in Grodno, das Jakub-Kolas-Theater in Witebsk. Mit vollständigem Recht nennt man Minsk eine Theaterstadt. Das Janka-Kupala-Theater, das russische Sprechtheater und a. M. sind weit über die Grenzen der Republik bekannt. Das Janka-Kupala-Theater trägt den Namen des belorussischen Dichters Iwan Dominikowitsch Luzewitsch, dessen Pseudonym Kupala ist. Sein Pseudonym Kupala idt mit dem belorussischen Volksfest, die so genannte Kupala-Nacht verbunden. Dieses Fest ist sehr schon und wird heute gefeiert. Auf dem Spielplan stehen die Werke von den belorussischen Schriftstellern, auch ausländischen Autoren. Die bekanntesten belorussischen Schauspieler sind Stanyta, Garbuk, Jeremenko.

Ich interessiere mich für Theater und suche Theater gern. Ich kann auch immer wählen: entweder in die Oper oder ins Ballett zu gehen, entweder sich ein Drama oder ein Lustspiel ansehen.

In Deutschland gibt es viele Theaterfreunde. Allein Berlin hat über 150 Theater, darunter das "deutsche Theater", die komische Oper, das "Berliner Ensemble". Auch in der Provinz werden Theaterstücke gegeben. Auf deutschen Bühnen führt man die Werke der Klassik auf, z.B. Schillers "Kabale und Liebe". Die zeitgenössischen Werke werden auch gegeben.

Neuer Titel, neuer Name - das ist immer wieder interessant. Theater ist ewig, es kann nicht altmodisch sein. Ich könnte mir ein Leben des Menschen ohne Theater gar nicht vorstellen. Es ware bestimmt ein langweiliges Leben. Ich glaube, ein jeder geht mit vielen Erwartungen ins Theater. Nicht alle können natürlich erfullt werden. Um einmal den Alltag zu vergessen, gehe ich ins Theater, vor allem ins Sprechtheater. Ich wahle mir etwas Lustiges, wenn ich schlechtere Laune bin, wenn ich aber eine gute Laune habe, sehe ich mir etwas Trauriges an.

Natürlich besuche ich das Theater nicht allein. Viel interessanter geht es mit den Freunden: man kann in den Pausen das Stuck besprechen und Meinungen austauschen. Gewohnlich kaufe ich Eintrittskarten im Vorverkauf auf, wenn natürlich keine Premiere gegeben wird. In diem Fall muss man unmittelbar im Theater tun. Ich erkundige mich immer nach den Schauspielern, die Hauptrollen spielen. Das ist doch sehr angenehm und spannend, bekanntes Künstlerspielen zu sehen.

In der Regel beginnt die Aufführung um 1900 Uhr. Um halb 19 00 hole ich meine Freundin ab und wir machen uns auf den Weg. Das Wichtigste hier ist nicht zu spat zu kommen.

In der Garderobe legen wir ab und gehen ins Foyer. Dort flanieren auf und ab zahlreiche Theaterbesucher. Da sind viele Menschen: Kinder und Erwachsene warten auf den Beginn der Vorstellung. Wir kaufen ein Programm und schließen uns ihnen an. Wenn es zum 2. Mal lautet, gehen wir zu unseren Plätzen. Wir setzen uns, und jetzt haben wir die Zeit, unsere Umgebung zu betrachten. Es ist ein großer, festlicher Raum. Von links und rechts stromen durch die offenen Türen Menschen hierin. Sie sind festlich gekleidet. Die meisten haben frohe Mienen. Sie lachen und scherzen, nicken einander freundlich zu und plaudern vergnügt, während sie ihre Plätze aufsuchen. Bald klingelte es zum dritten Mal. Schnell fühlt sich der Zuschauerraum. Das Licht nahm rasch ab und erlosch nach ein paar Sekunden ganz. Stille herrschte im Zuschauerraum, man vernahm nur das Rauschen der Programmhefte. Ganz leise erklang zarte Musik, die Scheinwerfer strahlen ihr helles Licht auf die Bühne, langsam geht der Vorgang auf. Wenn der erste Aufzug zu Ende ist, klatschen die Zuschauer Beifall. Der Vorgang geht zu.

In der Pause ging ich im Foyer auf und ab und beobachtete das Publikum. Einige Zuschauer unterhielten sich über das Stuck, tauschten ihre Eindrücke und Meinungen aus, andere gingen in den Erfrischungsraum. Es klingelte kahl. Der zweite Aufzug beginnt. Alle sehen gespannt zur Bühne. Die Schlußzene ist am schonsten.

Die Vorstellung ist zu Ende. Der Vorgang fällt und die Zuschauer klatschen Beifall. Die Schauspieler haben viele Vorhänge, sie bekommen Blume.

Nach Hause kehrt zurück, ich spuckte am Abend zurück, ziemlich schlammig und überaus zufrieden. Das eben gesehene Stuck hat mich stark behalten, aber ich habe schon einen neuen Theaterbesuch vor…