Die Bedeutung von Molière in der Entwicklung des französischen Dramas, die Bildung des Genres der „hohen Komödie“ in seinem Werk. Merkmale des Genres Hohe Komödie Molières Hohe Komödie

Die Kombination der besten Traditionen der Franzosen. Volkstheater mit fortgeschrittenen humanistischen Ideen, die von der Renaissance geerbt wurden, und mit der Erfahrung des Klassizismus schuf Molière ein neues eine Art Komödie, die sich an die Gegenwart richtet und die sozialen Missstände der adeligen bürgerlichen Gesellschaft aufdeckt. In Stücken, die „wie in einem Spiegel die ganze Gesellschaft widerspiegeln“, stellte M. vor neue künstlerische Prinzipien: die Wahrheit des Lebens, die Individualisierung von Charakteren mit einer hellen Typisierung von Charakteren und die Bewahrung der Bühnenform, die das heitere Element des quadratischen Theaters vermittelt.

Seine Komödien richten sich gegen Heuchelei, die sich hinter Frömmigkeit und prahlerischer Tugend versteckt, gegen die geistige Leere und den arroganten Zynismus der Aristokratie. Die Helden dieser Komödien erworben große Kraft soziale Typisierung.

Die Entschlossenheit, Kompromisslosigkeit von M. war besonders ausgeprägt in den Charakteren von Menschen aus dem Volk - aktive, intelligente, fröhliche Diener und Dienstmädchen, voller Verachtung für müßige Aristokraten und selbstzufriedene Bourgeois.

Ein wesentliches Merkmal der hohen Komödie war tragisches Element , am deutlichsten manifestiert in Misanthrope, das manchmal Tragikomödie und sogar Tragödie genannt wird.

Molières Komödien berührt ein breites Spektrum von Problemen des modernen Lebens Schlüsselwörter: Beziehung zwischen Vätern und Kindern, Erziehung, Ehe und Familie, die moralische Verfassung der Gesellschaft (Heuchelei, Gier, Eitelkeit usw.), Klasse, Religion, Kultur, Wissenschaft (Medizin, Philosophie) usw.

Die Methode des Bühnenaufbaus der Hauptfiguren und der Ausdruck sozialer Probleme im Stück wird Hervorhebung einer Eigenschaft, die dominierende Leidenschaft des Protagonisten. An diese Leidenschaft ist natürlich auch der Hauptkonflikt des Stückes „gebunden“.

Das Hauptmerkmal von Molieres Charakteren - Unabhängigkeit, Aktivität, die Fähigkeit, sein Glück und sein Schicksal im Kampf gegen das Alte und Überholte zu ordnen. Jeder von ihnen hat seine eigenen Überzeugungen, sein eigenes System von Ansichten, die er vor seinem Gegner verteidigt; die figur des gegners ist für die klassische komödie obligatorisch, weil sich die handlung darin im rahmen von streitigkeiten und diskussionen entwickelt.

Ein weiteres Merkmal von Molieres Charakteren ist ihre Mehrdeutigkeit. Viele von ihnen haben nicht eine, sondern mehrere Qualitäten (Don Juan), oder im Verlauf der Handlung gibt es eine Komplikation oder einen Wechsel in ihrem Charakter (Argon in Tartuffe, Georges Danden).

Aber jeder Negative Charaktere haben eines gemeinsam - Verstoß gegen Maß. Maß ist das Hauptprinzip der klassischen Ästhetik. In den Komödien von Molière ist es identisch mit dem gesunden Menschenverstand und der Natürlichkeit (und damit der Moral). Ihre Träger entpuppen sich oft als Repräsentanten des Volkes (eine Magd in Tartuffe, eine plebejische Frau von Jourdain in den Philistern des Adels). Moliere zeigt die Unvollkommenheit der Menschen und setzt das Hauptprinzip des Comedy-Genres um - harmonisieren die Welt und die menschlichen Beziehungen durch Lachen .

Parzelle viele Komödien unkompliziert. Aber eine so unkomplizierte Handlung erleichterte es Molière, lakonische und wahrheitsgemäße psychologische Merkmale zu liefern. In der neuen Komödie sei die Bewegung der Handlung nicht mehr das Ergebnis der Tricks und Feinheiten der Handlung, sondern „folgte aus dem Verhalten der Charaktere selbst, wurde von ihren Charakteren bestimmt“. In dem lauten anklagenden Gelächter Molières schwingt die Empörung der zivilen Massen mit.

Molière war äußerst empört über die Position der Aristokraten und des Klerus und „versetzte der adeligen bürgerlichen Gesellschaft der Molièrenanes mit seiner Komödie „Tartuffe“ den ersten vernichtenden Schlag“. Am Beispiel von Tartuffe zeigte er mit brillanter Eindringlichkeit, dass die christliche Moral es einem Menschen ermöglicht, völlig unverantwortlich für sein Handeln zu sein. Ein Mann, der seines eigenen Willens beraubt und vollständig dem Willen Gottes überlassen ist. Die Komödie wurde verboten, und Molière kämpfte sein ganzes Leben lang dafür.

Wichtig in der Arbeit von Moliere, laut Mr. Boyadzhiev, und dem Bild von Don Juan. „Im Bild von Don Juan stigmatisierte Molière den verhassten Typus des ausschweifenden und zynischen Aristokraten, einen Mann, der seine Gräueltaten nicht nur ungestraft begeht, sondern auch damit prahlt, dass er aufgrund seiner adeligen Herkunft das Recht dazu hat rechnen Sie mit den Gesetzen der Moral, die nur für Menschen mit einfachem Rang bindend sind.

Moliere war der einzige Schriftsteller des 17. Jahrhunderts, der zur Annäherung des Bürgertums an die Massen beigetragen hat. Er glaubte, dass dies das Leben der Menschen verbessern und die Gesetzlosigkeit des Klerus und des Absolutismus einschränken würde.

1. Philosophische und moralisch-ästhetische Aspekte von J.-B. Molter ("Tartuffe", "Don Juan"). Synthese von Belehrung und Unterhaltung im Werk des Dramatikers.

Moliere hebt nicht unterhaltsame, sondern erzieherische und satirische Aufgaben hervor. Seine Komödien zeichnen sich durch scharfe, geißelnde Satire, Unnachgiebigkeit gegenüber gesellschaftlichem Übel und gleichzeitig sprühenden gesunden Humor und Fröhlichkeit aus.

"Tartuffe"- die erste Komödie von Moliere, in der gewisse Züge des Realismus zu finden sind. Im Allgemeinen gehorcht es, wie seine frühen Stücke, den Schlüsselregeln und Kompositionstechniken des klassischen Werks; Moliere weicht jedoch häufig von ihnen ab (zum Beispiel wird in Tartuffe die Regel der Einheit der Zeit nicht vollständig eingehalten - die Handlung enthält eine Hintergrundgeschichte über die Bekanntschaft von Orgon und dem Heiligen).

In Tartuffe geißelt Molière die Täuschung, personifiziert durch den Protagonisten, sowie Dummheit und moralische Ignoranz, vertreten durch Orgon und Madame Pernel. Durch Täuschung trickst Tartuffe Orgon aus und dieser fällt aufgrund seiner Dummheit und Naivität auf den Köder herein. Gerade der Widerspruch zwischen Offensichtlichem und Scheinbarem, zwischen Maske und Gesicht ist die Hauptquelle der Komik des Stücks, denn dank ihm bringen der Betrüger und der Dummkopf den Zuschauer zum Lachen.

Die erste - weil er erfolglose Versuche unternahm, sich als eine völlig andere, diametral entgegengesetzte Person auszugeben, und sogar eine ihm völlig fremde Eigenschaft auswählte -, was für einen Zhuir und einen Wüstling schwieriger sein könnte, die Rolle eines Asketen, Eifers und keusche Wallfahrt. Der zweite ist lächerlich, weil er absolut nicht die Dinge sieht, die jedem normalen Menschen aufgefallen wären, er bewundert und sich in äußerster Freude darüber freut, was, wenn nicht homerisches Gelächter, dann auf jeden Fall Empörung hervorrufen sollte. In Orgon hob Moliere vor anderen Aspekten des Charakters die Knappheit, Engstirnigkeit und Begrenztheit einer Person hervor, die von der Brillanz rigoristischer Mystik verführt wird, betäubt von extremistischer Moral und Philosophie, deren Hauptidee der völlige Verzicht auf die ist Welt und Verachtung aller irdischen Freuden.

Das Tragen einer Maske ist eine Eigenschaft von Tartuffes Seele. Heuchelei ist nicht sein einziges Laster, aber es wird in den Vordergrund gerückt, und andere negative Merkmale verstärken und betonen diese Eigenschaft. Molière gelang es, ein wahres Konzentrat von Heuchelei zu synthetisieren, stark verdichtet, fast bis zum Absoluten. In Wirklichkeit wäre dies unmöglich.

Moliere besitzt verdientermaßen die Lorbeeren des Schöpfers des Genres „High Comedy“ – einer Komödie, die nicht nur den Anspruch erhebt, zu amüsieren und lächerlich zu machen, sondern auch hohe moralische und ideologische Ansprüche zum Ausdruck bringt.

In Konflikten tauchen eindeutig Komödien neuen Typs auf die Hauptwidersprüche der Realität. Nun werden die Figuren nicht nur in ihrer äußeren, objektiv komischen Essenz gezeigt, sondern mit subjektiven Erfahrungen, die für sie manchmal geradezu dramatischen Charakter haben. Dieses dramatische Erlebnis verleiht den Negativfiguren der neuen Lebenskomödie Wahrhaftigkeit, wodurch die satirische Denunziation besondere Kraft erhält.

Hervorheben einer Charaktereigenschaft. Alle „goldenen“ Komödien Molieres – „Tartuffe“ (1664), „Don Juan“ (1665), „Der Menschenfeind“ (1666), „Der Geizhals“ (1668), „Der eingebildete Kranke“ (1673) – sind gebaut auf der Grundlage dieser Methode. Es ist bemerkenswert, dass selbst die Titel der gerade aufgeführten Stücke entweder die Namen der Hauptfiguren oder die Namen ihrer dominierenden Leidenschaften sind.

In Bezug auf die Person von Tartuffe hat der Zuschauer (Leser) von Anfang an keine Zweifel: ein Heuchler und ein Halunke. Darüber hinaus sind dies keine individuellen Sünden, die jedem von uns auf die eine oder andere Weise innewohnen, sondern die Natur der Seele des Protagonisten. Tartuffe erscheint erst im dritten Akt auf der Bühne, aber schon jetzt weiß jeder, wer genau auftaucht, wer der Schuldige an der elektrisierten Situation ist, die der Dramatiker in den beiden vorherigen Akten gekonnt ausschreibt.

Vor der Veröffentlichung von Tartuffe stehen also noch zwei volle Aktionen an, und der Konflikt in der Familie Orgon tobt bereits in voller Wucht. Alle Auseinandersetzungen – zwischen den Verwandten des Besitzers und seiner Mutter, mit ihm persönlich und schließlich mit Tartuffe selbst – entspringen der Heuchelei des Letzteren. Wir können sagen, dass nicht einmal Tartuffe selbst die Hauptfigur der Komödie ist, sondern sein Laster. Und es ist das Laster, das seinen Träger ins Verderben bringt, und schon gar nicht die Versuche ehrlicher Schauspieler, den Betrüger zu reinem Wasser zu bringen.

Molières Stücke sind diagnostische Stücke, die er auf menschliche Leidenschaften und Laster setzt. Und wie oben erwähnt, sind es diese Leidenschaften, die zu den Hauptfiguren seiner Werke werden. Wenn das in Tartuffe Heuchelei ist, dann in "Don Juan" eine solch dominante Leidenschaft ist zweifellos Stolz. In ihm nur ein lustvolles Männchen zu sehen, das die Zurückhaltung nicht kennt, bedeutet zu primitisieren. Lust allein ist nicht in der Lage, zu der Rebellion gegen den Himmel zu führen, die wir in Don Juan sehen.
Molière konnte in seiner zeitgenössischen Gesellschaft eine echte Kraft sehen, die sich der Duplizität von Tartuffe und dem Zynismus von Don Juan widersetzte. Diese Kraft ist der protestierende Alceste, der Held von Molières dritter großer Komödie Der Menschenfeind, in der der Komiker seine bürgerliche Ideologie mit größter Leidenschaft und Vollständigkeit zum Ausdruck brachte. Das Bild von Alceste, das in seinen moralischen Qualitäten das direkte Gegenteil der Bilder von Tartuffe und Don Juan ist, ist ihnen in seiner funktionalen Rolle im Stück völlig ähnlich, da es die Last des Handlungsmotors trägt. Alle Konflikte entwickeln sich um die Person von Alceste (und teilweise um seine "weibliche Version" - Célimène), er ist gegen die "Umwelt" in der gleichen Weise wie Tartuffe und Don Giovanni.

Wie bereits erwähnt, ist in einer Komödie meist die dominante Leidenschaft des Protagonisten ursächlich für den Ausgang (egal ob fröhlich oder umgekehrt).

19. Deutsches Theater der Aufklärung. G.-E. Lessing und Theater. Regie- und Schauspieltätigkeiten von F.L. Schröder.

Der Hauptvertreter des deutschen Theaters ist Gotthold LESSING – er ist der Theoretiker des deutschen Theaters, der Schöpfer des Sozialdramas, der Autor der nationalen Komödie und der Erziehungstragödie. Seine humanistischen Überzeugungen verwirklicht er im Kampf gegen den Absolutismus auf der Theaterbühne des Hamburger Theaters (Schule des Pädagogischen Realismus).

1777 wird das Nationaltheater Monheim in Deutschland eröffnet. Die wichtigste Rolle in ihrer Arbeit spielte der Schauspieler-Regisseur-Dramatiker-Iffland. Die Schauspieler des Magheimer Theaters zeichneten sich durch ihre virtuose Technik aus, sie transportierten die Charakterzüge der Figuren genau, der Regisseur achtete auf Kleinigkeiten, tat es aber nicht ideologischer Inhalt Theaterstücke.

Das Weymour Theatre ist berühmt für die Arbeit von Dramatikern wie Goethe und Schiller. Es gab Auftritte von Dramatikern wie Goethe, Shilir, Lesing und Walter. Die Grundlagen der Regiekunst waren gelegt. die Grundlagen für ein realistisches Spiel wurden gelegt. Ensemble-Prinzip.

20. Italienisches Theater der Aufklärung: K. Goldoni. C. Gozzi.

Italienisches Theater: Die folgenden Arten von Bühnenaufführungen waren im Theater beliebt: Komödie delarta, Opernfan, ernste Oper, Puppentheater. Aufklärungsideen in Italienisches Theater wurden in den Werken zweier Dramatiker verwirklicht.

Für Galdoni ist es charakteristisch: Die Ablehnung der Masken der Tragödie von Delarte zugunsten der Bildung des Charakters der Enthüllung von Helden, Versuche, die Improvisation in der Schauspielerei aufzugeben, das Schreiben eines Stücks als solches, in dem Menschen des 18. Jahrhunderts auftreten die Arbeit.

Gozzi, ein Dramatiker und Theatermann, verteidigte Masken, die er als seine wichtigste Aufgabe festlegte – die Wiederaufnahme der Improvisation. (Königshirsch, Prinzessin Turandot). Entwickelt das Genre des Theatermärchens.

22. Die Geburt der nationalen Theatertradition im Kontext der Kultur des 17. Jahrhunderts.

Merkmale des russischen Theaters des 17. Jahrhunderts.

Das Theater wird am Hof ​​​​von Alexei Mikhailovich erscheinen. Wann die Uraufführung in Moskau stattfand, darüber gibt es keine genauen Angaben. Es wird angenommen, dass nach dem Einmarsch der Betrüger europäische Komödien in den Botschaftshäusern aufgeführt werden könnten. Es gibt Hinweise auf das Jahr 1664, nach Angaben des englischen Botschafters - das Botschaftshaus auf der Pokrovka. Die zweite Version ist, dass die Bojaren die Stücke inszenieren könnten. Atamon Medwedew konnte 1672 Theateraufführungen in seinem Haus inszenieren.

Offiziell erscheint das Theater in der russischen Kultur dank der Bemühungen von zwei Personen. Alexei Mikhailovich, die zweite Person wird Johann Gotward Gregory sein.

Die ersten Aufführungen waren mit mythologischen und religiösen Handlungen verbunden, die Sprache dieser Aufführungen zeichnete sich durch literarisches und schweres Gewicht aus (im Gegensatz zu Folk, Possenreißern), zuerst waren die Stücke auf Deutsch, dann auf Russisch. Die ersten Auftritte waren extrem lang und konnten bis zu 10 Stunden erreichen.

Die Tradition des Theaters verschwand mit dem Tod von Alexei Mikhailovich und wurde mit Peter 1 wiederbelebt.

23. Die Rolle des Theaters im System der petrinischen Reformen und im Kontext des Säkularisierungsprozesses der russischen Kultur.

Russisches Theater in der Ära des 18. Jahrhunderts. Die Erneuerung der Theatertradition unter den Bedingungen des 18. Jahrhunderts erfolgte unter dem Einfluss der Reformen Peters des Großen. 1702 gründet Peter ein ÖFFENTLICHES Theater. Ursprünglich war geplant, dass dieses Theater auf dem Roten Platz erscheinen würde. Das Theater wurde "COMEDY STORAGE" genannt. Das Repertoire wurde von KUNSOM gestaltet.

Peter wollte das Theater zu einem Ort machen, der zur wichtigsten Plattform für die Erklärung seiner politischen und militärischen Reformen werden sollte. Das Theater sollte damals eine ideologische Funktion erfüllen, auf der Bühne wurden jedoch hauptsächlich Werke der deutschen Dramaturgie aufgeführt, die beim Publikum keinen Erfolg hatten. Peter verlangte, dass die Aufführungen nicht länger als drei Akte seien, dass sie keine Liebesbeziehung enthalten sollten, dass diese Stücke weder zu fröhlich noch zu traurig sein sollten. Er wollte, dass die Stücke in russischer Sprache aufgeführt werden, und bot deshalb Schauspielern aus Polen seine Dienste an.

Peter betrachtete das Theater als Mittel zur Erziehung der Gesellschaft. Und deshalb erwartete er, dass das Theater eine Plattform für die Umsetzung der sogenannten "Triumphkomödien" werden würde, die militärischen Siegen gewidmet sein würden. Seine Projekte waren jedoch nicht erfolgreich, wurden von der deutschen Truppe nicht akzeptiert, infolgedessen spielten die Schauspieler, was sie spielen konnten, hauptsächlich die Deutschen waren die Schauspieler, aber später tauchten russische Schauspieler auf, sie wurden unterrichtet die Grundlagen des Schauspiels, die es ermöglichten, Inszenierungen in russischer Sprache zu inszenieren.

Peters Initiativen wurden auch vom Publikum nicht akzeptiert, die Belegung des Theaters war sehr gering.

Die Gründe für die Unbeliebtheit des Theaters hängen mit einer fremden Truppe, einem fremden Drama, der Isolation vom Alltag, vom Alltag zusammen, die Lieder waren nicht sehr dynamisch, sehr rhetorisch, hohe Rhetorik konnte mit grobem Humor koexistieren. Auch wenn im Theater eine Übersetzung ins Russische durchgeführt wurde, lebte diese Sprache nicht, da es viele altslawische Wörter aus dem deutschen Wortschatz gibt. Das Publikum nahm das Spiel der Schauspieler nicht gut wahr, da auch die Gestik der Mimik und die Moral schlecht an das russische Leben angepasst waren.

1706 - die komödie chromina wurde eingestellt, die schauspieler wurden trotz aller bemühungen des nachfolgers der kunst, oto fürst, entlassen. Alle Kulissen und Kostüme wurden in das Theater von Peters Schwester Natelya Alekseevna gebracht. 1708 versuchten sie, Khramina abzubauen, es wurde bis 35 abgebaut.

Neben Khramina wird Folgendes gebaut: Vergnügungspalast des Bojaren Miloslavsky - Im Dorf Pereobraschenski wurde ein Holztheater eröffnet. Theater in Leforts Haus.

Im Gegensatz zum elitäreren Theater von Alexej Michailowitsch war das Theater zur Zeit Peters des Großen zugänglicher und das Publikum wurde aus den Reihen der Stadtbewohner gebildet.

Nach dem Tod von Peter 1 entwickelte sich das Theater jedoch nicht.

24. Theater im Kontext Kulturleben Russland XVIII-XIX Jahrhundert. Festungstheater als Phänomen der russischen Kultur.

Theater unter Kaiserin ANNA IUANOVNA, da Katharina die Erste und Peter 2 gleichgültig waren Theaterkunst, selten inszenierte Theaterszenen bei Hofe. An theologischen Bildungseinrichtungen gab es ein Schultheater.

Anna Ionowna liebte Kreisverkehre und Aufführungen, die Aufführungen waren komischer Natur. Anna mochte deutsche Komödien sehr, in denen sich die Schauspieler am Ende gegenseitig schlagen müssen. Neben deutschen Truppen kommen in dieser Zeit auch italienische Operntruppen nach Russland. Während ihrer Regierungszeit wurde daran gearbeitet, ein permanentes Theater im Palast zu bauen. Das Publikum zu dieser Zeit ist der Petersburger Adel.

Theater in der Zeit von Elizabeth Petrovna. Zusammen mit ausländischen Truppen werden Theateraufführungen im Adelskadettenkorps gegeben. Hier wurde 1749 zum ersten Mal die Tragödie von Sumorokov "KHOREF" aufgeführt, das Codet Corps trainierte die Elite der russischen Adligen, Fremdsprachen, Literatur, Tänze für den zukünftigen diplomatischen Dienst vorbereitet. Für Studenten wurde unter der Leitung von Sumorokov ein Kreis von Literaturliebhabern gegründet. Das Theater wurde Teil der Arbeit dieses Kreises. Theateraufführungen als Teil angesehen Bildungsprogramm und galten als eine Art Unterhaltung. In diesem Adelskorps studierten nicht nur Kinder des Adels, sondern auch Menschen aus anderen sozialen Schichten. Der Staat übernimmt in dieser Einrichtung den Auftrag, die Ausbildung begabter Menschen zu finanzieren.

Neben den Hauptstädten begannen sich Ende der 40er und Anfang der 50er Jahre Unterhaltungszentren in Provinzstädten zu konzentrieren. Die Gründe für dieses Phänomen hängen mit der Tatsache zusammen, dass die Kaufleute in dieser Zeit beginnen, finanzielle Unabhängigkeit zu erlangen . Kaufleute lernen die Errungenschaften der westeuropäischen Kultur kennen. Eins sein. aus den mobilsten Schichten der russischen Gesellschaft. Russische Handelsstädte werden reicher, was zur wichtigsten Voraussetzung für die Organisation des Theatergeschäfts wird. Das Zentrum dieser Theatralik ist die Provinz Jaroslawl. In Jaroslawl wird unter der Leitung von Fjodor Wolkow ein lokales Amateurtheater eröffnet, das später 1752 nach St. Petersburg verlegt wird, und dies wird zur Voraussetzung für den Erlass eines Dekrets über die Gründung eines russischen Theaters in St Petersburg, in dem die Jaroslawler Truppe als Schauspieler auftreten wird. Das Dekret wird 1756 entstehen.

Katharinentheater 2. Das Theater, das als notwendige Bedingung für die Bildung und Aufklärung des Volkes angesehen wurde, würde darin drei Hoftruppen betreiben: die italienische Oprah-Truppe, die Balletttruppe und die russische Schauspieltruppe.

Erstmals starten Bildungstheater für die kostenpflichtige Aufführung von Theaterstücken. Sie wird eine Reihe von Reformen im Zusammenhang mit der Unternehmensfreiheit zum Zwecke der Unterhaltung durchführen.

1757 wurde in Moskau eine italienische Oper und 1758 ein kaiserliches Theater eröffnet. Darbietungen wurden gegeben, Bolkonsky.

Burgtheater.

Festungstheater sind ein einzigartiges Phänomen in der Geschichte der Weltkultur, sie werden an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert eine besondere Entwicklung erfahren, die Gründe für die Entstehung dieses Phänomens sind darauf zurückzuführen, dass wohlhabende Adlige begannen, ihren Weg zu formen Leben mit Blick auf den kaiserlichen Hof, europäisch erzogen, begannen die Adligen, Theatertruppen zur Unterhaltung der Gäste aus ihren eigenen Leibeigenen zu sammeln, da ausländische Truppen teuer waren. Moskau und Jaroslawl wurden zu Zentren der Entwicklung des Leibeigenentheaters, die berühmtesten waren die Leichen der Muromskys, der Sheremetevs. Galitsin.

Das Festungstheater entwickelte sich als synthetische, musikalisch-dramatische Aufführung mit Opern- und Balletteinlagen. Solche Aufführungen erforderten eine besondere Ausbildung der Schauspieler, sie lehrten Sprachen, Umgangsformen, Choreografie, Diktion und schauspielerische Fähigkeiten. Zu den berühmtesten Schauspielerinnen des Leibeigenentheaters: Zhemchugova, Shilokova-Granat, Izumrudova.

Das sogenannte Rohrstocksystem wurde sehr ernsthaft inszeniert, dies war besonders charakteristisch für Truppen, in denen es oft Ballettaufführungen gab.

Das Festungstheater wird die Entstehung der russischen Dramaturgie anregen. Im Festungstheater war die Stenokunst sehr entwickelt.

Die westeuropäische Theaterpraxis (Drama, westliche Lehrer) hatte einen sehr starken Einfluss auf das Leibeigenentheater, während die Herausbildung nationaler Züge im Leibeigenentheater dieses Phänomen aus Sicht des westeuropäischen Theaters sehr wichtig macht.

26. Reform des westeuropäischen Theaters an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Phänomen neues Schauspiel».

Die Jahrhundertwende des 20. Jahrhunderts ist in der Geschichte der westeuropäischen Literatur durch einen gewaltigen Aufstieg der dramatischen Kunst gekennzeichnet. Die Zeitgenossen nannten die Dramaturgie dieser Zeit das "neue Drama" und betonten die Radikalität der Veränderungen, die in ihr stattgefunden hatten.

Das "Neue Drama" entstand in der Atmosphäre des Wissenschaftskults, hervorgerufen durch die ungewöhnlich schnelle Entwicklung von Naturwissenschaft, Philosophie und Psychologie, und absorbierte mit der Entdeckung neuer Lebensbereiche den Geist der allmächtigen und alles durchdringenden wissenschaftlichen Analyse. Sie nahm die unterschiedlichsten künstlerischen Phänomene wahr, wurde von verschiedenen ideologischen und stilistischen Strömungen beeinflusst und beeinflusst Literarische Schulen, vom Naturalismus zum Symbolismus. "New Drama" erschien während der Herrschaft von "gut gemachten", aber weit entfernten Lebensspielen und versuchte von Anfang an, die Aufmerksamkeit auf seine brennendsten, brennendsten Probleme zu lenken. Die Ursprünge des neuen Dramas waren Ibsen, Björnson, Strindberg, Zola, Hauptmann, Shaw, Hamsun, Maeterlinck und andere herausragende Schriftsteller, von denen jeder einen einzigartigen Beitrag zu seiner Entwicklung leistete. In historisch-literarischer Hinsicht markierte das „Neue Drama“, das als radikale Umstrukturierung der Dramaturgie des 19. Jahrhunderts diente, den Beginn der Dramaturgie des 20. Jahrhunderts.

Vertreter des "neuen Dramas" appellieren an wichtige soziale und öffentliche Philosophische Probleme ; sie ertragen Akzent von Außenhandel und Ereignisdrama um den Psychologismus zu stärken, Subtext und mehrwertige Symbolik zu schaffen .

Laut Eric Bentley „ist den Helden von Ibsen und Tschechow ein wichtiges Merkmal eigen: Sie tragen alle in sich und breiten sich gleichsam um sie herum aus ein Gefühl des Untergangs, weiter als ein Gefühl für das persönliche Schicksal. Da der Untergangsstempel ihrer Stücke von der ganzen Kultur geprägt ist, agieren beide als Sozialdramatiker im weitesten Sinne des Wortes. Von ihnen gezüchtet Charaktere sind typisch für ihre Gesellschaft und ihre Epoche". Aber dennoch in die Mitte ihrer Werke, Tschechow, Ibsen, Strindberg inszenierten kein katastrophales Ereignis, sondern äußerlich ereignisloser Alltag mit seinen unmerklichen Forderungen, mit seinem charakteristischen Prozess der ständigen und unumkehrbaren Veränderung. Besonders deutlich kommt diese Tendenz in Tschechows Dramaturgie zum Ausdruck, wo statt der vom Renaissancedrama etablierten dramatischen Handlungsentwicklung ein gleichmäßiger narrativer Lebensverlauf ohne Höhen und Tiefen, ohne festen Anfang und Ende steht. Auch der Tod von Helden oder ein Todesversuch sind für die Lösung des dramatischen Konflikts nicht wesentlich, da der Hauptinhalt des "neuen Dramas" wird keine äußere Handlung, sondern eine Eigentümlichkeit "lyrische Handlung", die Bewegung der Seele der Charaktere, kein Ereignis, aber Sein , nicht die Beziehung der Menschen zueinander, sondern ihre Beziehung zur Realität.
Externer Konflikt im "neuen Drama" zunächst unentscheidbar . Die von ihr entdeckte Tragik des Alltags ist nicht so sehr die treibende Kraft des Dramas, sondern der Hintergrund der sich entfaltenden Handlung, der das tragische Pathos der Arbeit bestimmt. Echt Stange dramatisch Aktionen wird interner Konflikt . Es kann auch durch äußere, fatal unterjochende Umstände im Rahmen des Spiels unauflösbar sein. Daher sucht der Held, der in der Gegenwart keine Unterstützung findet, nach moralischen Richtlinien in einer ausnahmslos schönen Vergangenheit oder in einer unbestimmten glänzenden Zukunft. Nur dann fühlt er eine Art spirituelle Erfüllung, erlangt Seelenfrieden.

Gemeinsam mit "neuem Drama" es könnte in Betracht gezogen werden Symbolkonzept , mit deren Hilfe der Künstler das Dargestellte ergänzen, die unsichtbare Bedeutung von Phänomenen offenbaren und die Realität gleichsam mit Andeutungen ihrer tiefen Bedeutung fortführen wollte. "In dem Wunsch, das Symbol an die Stelle eines bestimmten Bildes zu setzen, hat sich zweifellos die Reaktion gegen naturalistische Bodenständigkeit, Faktographie ausgewirkt." Meistens im weitesten Sinne des Wortes verstanden das Symbol fungierte als Bild , zwei Welten verbinden : privat, alltäglich, einzeln und universell, kosmisch, Ewigkeit. Das Symbol wird zu einem „Realitätscode“, der notwendig ist, um „die Idee in eine visuelle Form zu bringen“.

Im "neuen Drama" Änderung der Vorstellung von der Anwesenheit des Autors im Text des Stücks und infolgedessen in seiner Bühneninkarnation. Die Subjekt-Objekt-Organisation wird zum Eckpfeiler. Diese Veränderungen fanden ihren Ausdruck im System der Bemerkungen, die nun nicht mehr eine rein nebensächliche Rolle spielen, sondern dazu aufgerufen sind, die Stimmung, das Gefühl auszudrücken, das lyrische Leitmotiv des Dramas zu bezeichnen, seinen emotionalen Hintergrund, Wesen und Umstände zu vereinen die Biografie der Charaktere und manchmal des Autors selbst. Sie richten sich weniger an den Regisseur als vielmehr an den Betrachter und Leser. Sie können die Einschätzung des Autors über das Geschehen enthalten.

los ändern in "neues Drama" und in der Struktur des dramatischen Dialogs . Die Bemerkungen der Charaktere verlieren ihre generische Qualität einer Worthandlung und wachsen zu lyrischen Monologen heran, die die Ansichten der Charaktere darlegen, von ihrer Vergangenheit erzählen und Hoffnungen für die Zukunft offenbaren. Gleichzeitig wird das Konzept der individuellen Sprache der Charaktere bedingt. Die Bühnenrolle bestimmt nicht so sehr die persönlichen Qualitäten der Charaktere, ihre sozialpsychologischen oder emotionalen Unterschiede, sondern die Universalität, die Gleichwertigkeit ihrer Position, ihres Gemütszustandes. Die Helden des „neuen Dramas“ bemühen sich, ihre Gedanken und Erfahrungen in einer Vielzahl von Monologen auszudrücken.
Schon der Begriff „Psychologe“ im „neuen Drama“ erhält einen bedingten Begriff. Dies bedeutet jedoch nicht den Ausschluss von Charakteren aus dem Interessenbereich von Künstlern dieser Richtung. „Charakter und Handlung sind in Ibsens Stücken so gut aufeinander abgestimmt, dass die Frage nach der Priorität des einen oder anderen jeden Sinn verliert. Die Helden von Ibsens Stücken haben nicht nur Charakter, sondern auch Schicksal. Charakter war nie Schicksal an sich. Das Wort "Schicksal" bedeutete immer äußere Gewalt gegenüber Menschen, die über sie hereinfielen, "jene Gewalt, die außerhalb von uns lebt, Recht übt" oder umgekehrt Unrecht.

Tschechow und Ibsen entwickelten " neue Charakterdarstellungsmethode , die man " biographisch ". Jetzt erwirbt die Figur eine Lebensgeschichte, und wenn der Dramatiker sie nicht in einem Monolog darstellen kann, berichtet er hier und da Informationen über das frühere Leben der Figur in Stücken, damit der Leser oder Zuschauer sie später zusammensetzen kann. Dies " die Der biografische Charakter der Figuren, neben der Einführung in die Stücke - unter dem Einfluss des Romans - mit umfangreichen realistischen Details, ist anscheinend das eigentümlichste Merkmal des "neuen Dramas" in Bezug auf die Schaffung von Charakteren in der Darstellung einer Figur durch eine konkrete Wiedergabe der Dynamik des Lebens wettgemacht werden "

Der Haupttrend des "neuen Dramas" liegt in seiner Streben nach zuverlässigem Bild, wahrheitsgetreuer Darstellung innerer Frieden, soziale und alltägliche Merkmale des Lebens der Charaktere und der Umwelt. Die genaue Farbe des Ortes und der Zeit der Handlung ist ihr charakteristisches Merkmal und eine wichtige Bedingung für die Bühnenverkörperung.

"New Drama" regte die Entdeckung an neue Prinzipien der darstellenden Kunst basierend auf der Forderung nach einer wahrheitsgetreuen, künstlerisch zuverlässigen Wiedergabe des Geschehens. Dank des "neuen Dramas" und seiner Bühnenverkörperung in Theaterästhetik, Konzept der vierten Wand “, wenn der Schauspieler, der auf der Bühne steht, als würde er die Anwesenheit des Zuschauers nicht berücksichtigen, so K.S. Stanislavsky „muss aufhören zu spielen und anfangen, das Leben des Stücks zu leben und sein Protagonist zu werden“, und das Publikum wiederum, das an diese Illusion der Plausibilität glaubt, beobachtet mit Spannung das leicht erkennbare Leben der Figuren im Stück.

"Neues Drama" entwickelt Gattungen des sozialen, psychologischen und intellektuellen "Ideendramas" , die sich in der Dramaturgie des 20. Jahrhunderts als ungewöhnlich produktiv herausstellte. Ohne ein „neues Drama“ ist die Entstehung weder des expressionistischen noch des existentialistischen Dramas vorstellbar Episches Theater Brecht, noch das französische "Anti-Drama". Und obwohl uns vom Moment der Geburt des „neuen Dramas“ mehr als ein Jahrhundert trennt, hat es seine Aktualität, besondere Tiefe, künstlerische Neuartigkeit und Frische nicht verloren.

27. Reform des russischen Theaters an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert.

Zu Beginn des Jahrhunderts erlebte das russische Theater seine Erneuerung.

großes Ereignis im Theaterleben des Landes geworden ist Eröffnung des Kunsttheaters in Moskau (1898), gegründet von K.S. Stanislawski und V. N. Nemirowitsch-Dantschenko. Moskauer Künstler Das Theater führte eine Reform durch, die alle Aspekte des Theaterlebens abdeckte - Repertoire, Regie, Schauspiel, Organisation des Theaterlebens; Hier wurde zum ersten Mal in der Geschichte die Methodik des kreativen Prozesses geschaffen. Der Kern der Truppe bestand aus Schülern der Schauspielabteilung der Musik- und Schauspielschule der Moskauer Philharmonie (O. L. Knipper, I. M. Moskvin, V. E. Meyerhold), wo Schauspiel von V. I. Nemirovich-Danchenko unterrichtet wurde und Teilnehmer an Amateuraufführungen Regie führten von K. S. Stanislavsky "Gesellschaft für Kunst und Literatur" (M. P. Lilina, M. F. Andreeva, V. V. Luzhsky, A. R. Artyom). Später gehörten zur Truppe V. I. Kachalov, L. M. Leonidov.

Die erste Aufführung Das Moskauer Kunsttheater wurde " Zar Fjodor Ioannovich“ nach dem Theaterstück von A. K. Tolstoi; Die wahre Geburt des neuen Theaters ist jedoch mit der Dramaturgie von A. P. Tschechow und M. Gorki verbunden. Die subtile Atmosphäre von Tschechows Lyrik, sanftem Humor, Melancholie und Hoffnung fand sich in den Aufführungen von „Die Möwe“ (1898), „Onkel Wanja“ (1899), „Drei Schwestern“ (1901), „Der Kirschgarten“ und „Iwanow“ (beide 1904). Nachdem Stanislawski und Nemirowitsch-Dantschenko die Wahrheit des Lebens und der Poesie, die innovative Essenz von Tschechows Dramaturgie verstanden hatten, fanden sie eine besondere Art ihrer Aufführung und entdeckten neue Methoden, um die geistige Welt des modernen Menschen zu enthüllen. 1902 inszenierten Stanislavsky und Nemirovich-Danchenko M. Gorkis Stücke Die kleinen Bürger und Am Ende, die von einer Vorahnung bevorstehender revolutionärer Ereignisse durchdrungen waren. In der Arbeit an den Werken von Tschechow und Gorki, a neuer Akteurstyp , die auf subtile Weise die Merkmale der Psychologie des Helden vermitteln, Prinzipien der Regie , Suche nach einer Ensemblebesetzung, Schaffung einer Stimmung, einer allgemeinen Aktionsatmosphäre, einer dekorativen Lösung (Künstler V. A. Simov), waren Es wurden szenische Mittel entwickelt, um den sogenannten Subtext zu vermitteln, der in gewöhnlichen Wörtern verborgen ist (interner Inhalt). Zum ersten Mal in der Welt der darstellenden Künste wurde das Moskauer Kunsttheater eröffnet die Bedeutung des Regisseurs - kreativer und ideologischer Interpret des Stücks.

In den Jahren der Niederlage der Revolution von 1905-07 und der Verbreitung verschiedener dekadenter Trends, Moskau Künstlerisches Theater für kurze Zeit wurde er von Recherchen im Bereich des symbolistischen Theaters („Das Leben eines Mannes“ von Andreev und „Drama des Lebens“ von Hamsun, 1907) mitgerissen. Danach wandte sich das Theater dem klassischen Repertoire zu, inszenierte es jedoch in einer innovativen Regieweise: Griboyedovs Woe from Wit (1906), Gogols The Inspector General (1908), Turgenevs A Month in the Country (1909), Enough Simplicity for Every Wise Man Ostrovsky (1910), „Die Brüder Karamasow“ nach Dostojewski (1910), „Hamlet“ von Shakespeare, „Reluctant Marriage“ und „Imaginary Sick“ von Molière (beide 1913).

28. Innovation der Dramaturgie von A. P. Tschechow und ihre weltweite Bedeutung.

Tschechows Dramen durchdringen eine Atmosphäre des Unglücks . Darin keine glücklichen Menschen . Ihre Helden haben in der Regel weder im Großen noch im Kleinen Glück: Sie alle entpuppen sich auf die eine oder andere Weise als Versager. In The Seagull zum Beispiel gibt es fünf Geschichten gescheiterte Liebe, in Der Kirschgarten, ist Epichodow mit seinem Unglück die Verkörperung der allgemeinen Unbeholfenheit des Lebens, an der alle Helden leiden.

Allgemeine Probleme werden immer schlimmer ein Gefühl totaler Einsamkeit . Deaf Firs in The Cherry Orchard ist in diesem Sinne eine Symbolfigur. Zum ersten Mal in alter Livree und mit hohem Hut vor das Publikum tretend, geht er über die Bühne, spricht mit sich selbst, aber kein einziges Wort ist zu verstehen. Lyubov Andreevna sagt ihm: "Ich bin so froh, dass du noch lebst", und Firs antwortet: "Vorgestern." Im Wesentlichen ist dieser Dialog ein grobes Modell der Kommunikation zwischen allen Figuren in Tschechows Drama. Dunyasha in The Cherry Orchard teilt mit Anya, die aus Paris angereist ist, ein freudiges Ereignis: „Der Angestellte Epikhodov hat mir nach dem Heiligen ein Angebot gemacht“, antwortete Anya: „Ich habe alle Haarnadeln verloren.“ In den Dramen regiert Tschechow eine besondere Atmosphäre der Taubheit - psychische Taubheit . Die Menschen sind zu sehr mit sich selbst, ihren eigenen Angelegenheiten, ihren eigenen Schwierigkeiten und Misserfolgen beschäftigt, und deshalb hören sie einander nicht gut zu. Die Kommunikation zwischen ihnen wird kaum zu einem Dialog. Bei gegenseitigem Interesse und gutem Willen können sie sich in keiner Weise durchdringen, da sie mehr „mit sich und für sich reden“.

Tschechow hat ein besonderes Gefühl Drama des Lebens . Das Böse wird in seinen Stücken gleichsam zermalmt, dringt in den Alltag ein, löst sich im Alltag auf. Daher ist es in Tschechow sehr schwierig, einen offensichtlichen Schuldigen, eine spezifische Quelle menschlichen Versagens zu finden. Der offene und direkte Träger des sozialen Übels fehlt in seinen Dramen . Da ist so ein Gefühl in einem Chaos von Beziehungen zwischen Menschen ist bis zu einem gewissen Grad schuldig jeder Held einzeln und alle zusammen . Das bedeutet, dass das Böse in den Grundlagen des Lebens der Gesellschaft verborgen ist, in seiner Zusammensetzung. Das Leben in den Formen, in denen es jetzt existiert, hebt sich gleichsam auf und wirft einen Schatten des Untergangs und der Minderwertigkeit auf alle Menschen. Daher werden Konflikte in Tschechows Stücken gedämpft, abwesend ins klassische Drama übernommen eine klare Aufteilung der Helden in positiv und negativ .

Besonderheiten der Poetik des "neuen Dramas". Allen voran Tschechow zerstört "durch Aktion" , ein Schlüsselereignis, das die Handlungseinheit des klassischen Dramas organisiert. Das Drama zerfällt jedoch nicht, sondern wird auf der Grundlage einer anderen, inneren Einheit zusammengesetzt. Die Schicksale der Charaktere, bei all ihren Unterschieden, bei aller Plot-Eigenständigkeit, „reimen“, hallen aufeinander und verschmelzen zu einem gemeinsamen „Orchesterklang“. Aus vielen unterschiedlichen, sich parallel entwickelnden Leben, aus den vielen Stimmen verschiedener Helden erwächst ein einziges „Chorschicksal“, eine gemeinsame Stimmung für alle. Deshalb sprechen sie oft von der "Polyphonie" von Tschechows Dramen und nennen sie sogar "soziale Fugen", indem sie eine Analogie dazu ziehen musikalische Form wo zwei bis vier musikalische Themen und Melodien gleichzeitig erklingen und sich entwickeln.

Mit dem Verschwinden der Handlung in Tschechows Stücken klassisches One-Heldentum wird ebenfalls eliminiert, die Konzentration der dramatischen Handlung um die Hauptfigur herum. Die übliche Einteilung der Helden in Positiv und Negativ, Haupt- und Nebensache wird zerstört, jeder führt seine eigene Stimme, und das Ganze entsteht wie in einem Chor ohne Solisten im Gleichklang vieler gleicher Stimmen und Echos.

Tschechow kommt in seinen Stücken zu einer neuen Offenbarung des menschlichen Charakters. Im klassischen Drama offenbarte sich der Held in Taten und Handlungen, die darauf abzielten, das Ziel zu erreichen. Daher war das klassische Drama laut Belinsky gezwungen, sich immer zu beeilen, und die Verzögerung der Handlung führte zu Mehrdeutigkeiten, mangelnder Klarheit der Charaktere und wurde zu einer antikünstlerischen Tatsache.

Tschechow eröffnete neue Möglichkeiten der Charakterdarstellung im Drama. Sie offenbart sich nicht im Ringen um das Ziel, sondern in der Erfahrung der Widersprüche des Seins. Das Pathos der Aktion wird durch das Pathos der Reflexion ersetzt. Dem klassischen Drama unbekannt, Tschechows „nach

Trotz des Erfolgs von Die lachenden Kosaken spielt Molières Truppe immer noch oft Tragödien, wenn auch immer noch ohne großen Erfolg. Nach einer Reihe von Fehlschlägen kommt Molière zu einer bemerkenswert kühnen Idee. Die Tragödie lockt mit der Gelegenheit, große soziale und moralische Probleme aufzuwerfen, aber sie bringt keinen Erfolg, sie ist dem Publikum des Palais Royal nicht nahe. Comedy zieht das breiteste Publikum an, tut es aber nicht toller Inhalt. Dies bedeutet, dass es notwendig ist, moralische Fragen von der Tragödie mit ihren bedingten antiken Charakteren auf eine Komödie zu übertragen, die das moderne Leben darstellt. gewöhnliche Menschen. Diese Idee wurde erstmals in der Komödie „Die Schule der Ehemänner“ (1661) umgesetzt, gefolgt von der noch helleren Komödie „Die Schule der Ehefrauen“ (1662). Sie stellten das Problem der Bildung. Um es zu enthüllen, kombiniert Molière die Handlungen der französischen Farce und der italienischen Maskenkomödie: Er stellt Wächter dar, die elternlose Mädchen großziehen, um sie anschließend zu heiraten.

Reife Arbeit von Molière. Für 1664-1670. macht die höchste Blüte der Kreativität des großen Dramatikers aus. In diesen Jahren schuf er seine besten Komödien: Tartuffe, Don Juan, Misanthrope, The Geizhals, The Tradesman in the Nobility.

Bei Molières größter Komödie Tartuffe oder der Betrüger» (1664-1669) war das schwerste Schicksal. Es wurde erstmals 1664 während einer großen Feier aufgeführt, die der König zu Ehren seiner Frau und seiner Mutter arrangierte. Molière schrieb ein satirisches Stück, in dem er die „Gesellschaft der Heiligen Gaben“ entlarvte – eine geheime religiöse Institution, die versuchte, alle Lebensbereiche des Landes ihrer Macht zu unterwerfen. Dem König gefiel die Komödie, da er eine Stärkung der Macht der Kirchenmänner befürchtete. Doch die Königinmutter Anna von Österreich empörte sich zutiefst über die Satire: Immerhin war sie die unausgesprochene Patronin der Gesellschaft der Heiligen Gaben. Die Kirchenmänner forderten, dass Molière wegen Beleidigung der Kirche brutal gefoltert und auf dem Scheiterhaufen verbrannt wird. Comedy wurde verboten. Aber Moliere arbeitete weiter daran, fügte der Originalversion zwei neue Aktionen hinzu, verbesserte die Eigenschaften der Charaktere und bewegte sich von der Kritik an ziemlich spezifischen Phänomenen zu allgemeineren Themen. "Tartuffe" erwirbt die Eigenschaften der "hohen Komödie".

1666 starb Anna von Österreich. Moliere nutzte dies und präsentierte 1667 die zweite Version von Tartuffe auf der Bühne des Palais Royal. Er benannte den Helden Panyulf um, nannte die Komödie "Der Betrüger", warf oder milderte besonders harte satirische Passagen. Die Komödie war ein großer Erfolg, wurde aber nach der Uraufführung wieder verboten. Der Dramatiker gab nicht auf. Schließlich inszenierte er 1669 die dritte Version von Tartuffe. Diesmal intensivierte Molière den satirischen Klang des Stücks und vollendete seine künstlerische Form. Es war diese dritte Version von Tartuffe, die veröffentlicht wurde und seit mehr als dreihundert Jahren auf der Bühne gelesen und aufgeführt wird.

Molière konzentrierte sich darauf, den Charakter von Tartuffe zu erschaffen und seine abscheulichen Aktivitäten aufzudecken. Tartuffe (sein von Moliere geprägter Name kommt von dem Wort „Täuschung“) ist ein schrecklicher Heuchler. Er versteckt sich hinter der Religion, gibt vor, ein Heiliger zu sein, aber er selbst glaubt an nichts, tut heimlich seine Taten. A. S. Puschkin schrieb über Tartuffe: „In Molière schleppt sich ein Heuchler hinter die Frau seines Wohltäters, ein Heuchler; verlangt nach einem Glas Wasser, der Heuchler." Heuchelei ist für Tartuffe überhaupt kein dominanter Charakterzug, sondern der Charakter selbst. Dieser Charakter von Tartuffe ändert sich im Laufe des Stücks nicht. Aber es entfaltet sich allmählich. Moliere kreierte die Rolle des Tartuffe und war ungewöhnlich lakonisch. Von den 1962 Zeilen von Tartuffes Komödie gehören 272 vollständige und 19 unvollständige Zeilen (weniger als 15% des Textes). Zum Vergleich: Die Rolle des Hamlet ist fünfmal voluminöser. Und in Molieres Komödie selbst umfasst die Rolle des Tartuffe fast 100 Zeilen weniger Rolle Orgon. Die Aufteilung des Textes nach Aktionen ist unerwartet: In den Akten I und II fehlt Tartuffe völlig auf der Bühne, Tartuffe dominiert nur in Akt III (166 volle und 13 unvollständige Zeilen), seine Rolle ist in Akt IV merklich reduziert

(89 vollständige und 5 unvollständige Zeilen) und verschwindet fast in Akt V (17 vollständige und eine unvollständige Zeile). Das Bild von Tartuffe verliert jedoch nicht an Kraft. Es offenbart sich durch die Ideen der Figur, ihre Handlungen, die Wahrnehmung anderer Figuren, das Bild der katastrophalen Folgen der Heuchelei.

Die Komposition der Komödie ist sehr originell und unerwartet: Die Hauptfigur Tartuffe erscheint erst im dritten Akt. Die ersten beiden Akte sind ein Streit um Tartuffe. Das Familienoberhaupt, in das sich Tartuffe eingerieben hat, Orgon und seine Mutter, Madame Pernel, halten Tartuffe für eine heilige Person, ihr Vertrauen in den Heuchler ist grenzenlos. Der religiöse Enthusiasmus, den Tartuffe in ihnen erweckte, macht sie blind und lächerlich. Das andere Extrem - Orgons Sohn Damis, Tochter Mariana mit ihrer Geliebten Valera, Frau Elmira, andere Helden. Unter all diesen Charakteren, die Tartuffe hassen, sticht die Magd Dorina besonders hervor. In Molière, in vielen Komödien, sind Menschen aus dem Volk klüger, einfallsreicher, energischer, talentierter als ihre Meister. Für Orgon ist Tartuffe der Gipfel aller Vollkommenheit, für Dorina ist es „ein Bettler, den ein Magerer und Barfüßiger hierher gekommen ist“, und nun „wächst er sich selbst als Meister“.

Der dritte und vierte Akt sind sehr ähnlich aufgebaut: Tartuffe, der schließlich erscheint, tappt zweimal in die „Mausefalle“, sein Wesen wird offensichtlich. Dieser heilige Mann hat beschlossen, Orgons Frau Elmyra zu verführen und handelt völlig schamlos. Zum ersten Mal es offene Geständnisse Elmira wird von Orgons Sohn Damis gehört. Aber Orgon glaubt seinen Offenbarungen nicht, er vertreibt Tartuffe nicht nur nicht, sondern gibt ihm im Gegenteil sein Haus. Diese ganze Szene musste speziell für Orgon wiederholt werden, damit er klar sehen konnte. Diese Szene des vierten Akts, in der Tartuffe erneut Liebe von Elmira verlangt und Orgon am Tisch sitzt und alles mit anhört, ist eine der berühmtesten Szenen im gesamten Werk Molières.

Jetzt verstand Orgon die Wahrheit. Doch plötzlich widerspricht ihm Madame Pernel, die nicht an das Verbrechen von Tartuffe glauben kann. Egal wie wütend Orgon auf sie ist, nichts kann sie überzeugen, bis Tartuffe die ganze Familie aus dem Haus vertreibt, das ihm jetzt gehört, und einen Offizier bringt, um Orgon als Verräter des Königs zu verhaften (Orgon vertraute Tartuffe die geheimen Dokumente der Fronde an Teilnehmer). So betont Moliere die besondere Gefahr der Heuchelei: Es ist schwer, an die Gemeinheit und Unmoral eines Heuchlers zu glauben, bis man seiner kriminellen Tätigkeit direkt begegnet, man sieht sein Gesicht nicht ohne eine fromme Maske.

Der fünfte Akt, in dem Tartuffe, seine Maske abwerfend, Orgon und seiner Familie mit den größten Schwierigkeiten droht, gewinnt tragische Züge, Komödie wird zur Tragikomödie. Die Grundlage der Tragikomik bei Tartuffe ist die Einsicht von Orgon. Solange er Tartuffe blind glaubte, verursachte er nur Gelächter und Verurteilung. Könnte eine Person, die beschloss, Tartuffe seine Tochter zur Frau zu geben, obwohl er wusste, dass sie Valera liebt, andere Gefühle hervorrufen? Aber schließlich erkannte Orgon seinen Fehler und bereute ihn. Und jetzt beginnt er, als Person, die Opfer eines Bösewichts geworden ist, Mitleid und Mitgefühl hervorzurufen. Die Dramatik der Situation wird dadurch verstärkt, dass die ganze Familie mit Orgon auf der Straße war. Und es ist besonders dramatisch, dass nirgendwo eine Erlösung zu erwarten ist: Keiner der Helden des Werks kann Tartuffe überwinden.

Aber Molière gehorcht den Gesetzen des Genres und beendet die Komödie mit einem Happy End: Es stellt sich heraus, dass der Offizier, den Tartuffe zur Verhaftung von Orgon gebracht hat, einen königlichen Befehl hat, Tartuffe selbst zu verhaften. Der König verfolgte diesen Betrüger seit langem, und sobald Tartuffes Aktivitäten gefährlich wurden, wurde sofort ein Dekret zu seiner Verhaftung erlassen. Das Ende von „Tartuffe“ ist jedoch eine scheinbar glückliche Auflösung. Tartuffe ist keine bestimmte Person, sondern ein verallgemeinertes Bild, ein literarischer Typus, hinter ihm stehen Tausende von Heuchlern. Der König dagegen ist kein Typus, sondern einzige Person im Staat. Es ist unmöglich, sich vorzustellen, dass er über alle Tartuffes Bescheid wissen könnte. Der tragikomische Schatten des Werks wird also durch sein Happy End nicht beseitigt.

Jahrhundertelang war Tartuffe Molières beliebteste Komödie. Diese Arbeit wurde von Hugo und Balzac, Puschkin und Belinsky sehr geschätzt. Der Name Tartuffe ist ein bekannter Name für einen Heuchler geworden.

Das Verbot von „Tartuffe“ im Jahr 1664 brachte der Truppe von Molière erheblichen Schaden: Die Aufführung sollte zur Hauptpremiere des Jahres werden. Der Dramatiker schreibt dringend eine neue Komödie - Don Juan. Es wurde 1664 fertiggestellt und Anfang des nächsten Jahres geliefert. Wenn wir uns daran erinnern, dass Tartuffe von 1664 noch kein so großer Tartuffe ist, sondern ein Dreiakter, der verbessert und poliert werden musste, wird klar, warum Don Giovanni, der später als die ursprüngliche Version von Tartuffe erschien, als der erste große gilt Komödie von Molière.

Die Handlung ist dem Theaterstück des spanischen Schriftstellers aus dem 17. Jahrhundert entnommen. Tirso de Molinas „Seville Schelmischer oder steinerner Gast“ (1630), in dem Don Juan (auf Französisch – Don Juan) zum ersten Mal auftrat. Wir kennen diesen weltliterarischen Typ also unter dem Namen, den Molière dem Helden gegeben hat. Der französische Dramatiker vereinfacht die Handlung von Tirso de Molinas Stück stark. Er konzentriert sich auf den Zusammenstoß zwischen Don Juan und seiner Dienerin Sganarelle.

Der Name Don Juan ist ein bekannter Name für einen Ausschweifenden, der viele Frauen verführt und sie dann im Stich lässt. Diese Eigenschaft des Don Juan in Molières Komödie rührt von seiner Zugehörigkeit zur Aristokratie her, der alles erlaubt ist und die sich für nichts verantwortlich fühlen will.

Don Juan ist ein Egoist, aber er hält es nicht für schlimm, denn Egoismus entspricht voll und ganz der privilegierten Stellung eines Aristokraten in der Gesellschaft. Das Porträt eines Aristokraten wird ergänzt durch Gottlosigkeit, völlige Verachtung der Religion.

Dem aristokratischen Freigeist von Doi Juan steht die bürgerliche Gutmütigkeit von Sganarelle gegenüber. Auf wessen Seite steht Molière? Keiner. Wenn Don Juans Freidenker sympathisch ist, dann verschwindet dieses Gefühl, wenn Doi Juan wie Tartuffe auf Heuchelei zurückgreift. Sein Gegner Sganarelle, der Moral und Religion verteidigt, ist feige, heuchlerisch, liebt Geld über alles.

Deshalb werden im Finale des Stücks, das sich ebenfalls von einer Komödie zu einer Tragikomödie entwickelt, beide Helden im Verhältnis zu ihren Charakteren bestraft: Don

Juan fällt in die Hölle, dorthin gezogen von der Statue des Kommandanten, den er getötet hat, und Sganarelle denkt, dass der Besitzer, der in die Hölle gefallen ist, ihn nicht bezahlt hat. "Mein Gehalt, mein Gehalt, mein Gehalt!" - Mit diesen traurigen Schreien von Sganarelle endet die Komödie.

Die Kirchenmänner erkannten sofort, dass es kein Zufall war, dass Molière in dem Stück die Anweisung gab, die Religion gegenüber einer solchen Nichtigkeit wie Sganarelle zu verteidigen. Die Komödie lief 15 Mal und wurde verboten. Es wurde nach dem Tod des Dramatikers veröffentlicht und erst 1841 in Frankreich erneut aufgeführt.

In der Komödie "Menschenfeind"(1666) beschloss Moliere, ein anderes Laster zu erforschen – Misanthropie. Allerdings macht er den misanthropischen Alceste, einen Comedy-Helden, nicht zu einer negativen Figur. Im Gegenteil, er zeichnet einen ehrlichen, direkten Helden, der das Menschliche in sich bewahren will. Doch die Gesellschaft, in der er lebt, mache einen schrecklichen Eindruck, "überall herrscht abscheuliches Unrecht".

Molière bringt den Protagonisten der Komödie Alceste unmittelbar nach dem Heben des Vorhangs ohne Vorbereitung auf die Bühne. Er ist schon aufgeregt: „Lasst mich bitte in Ruhe!“ (übersetzt von T. L. Shchepkina-Kupernik) - sagt er zu dem vernünftigen Filint und fügt hinzu: "Ich war bis jetzt wirklich mit Ihnen befreundet, / Aber wissen Sie, ich brauche keinen solchen Freund mehr." Der Grund für die Lücke ist, dass Alceste Zeuge von Philintes zu herzlichem Empfang eines Mannes war, den er kaum kannte, wie er später zugab. Philint versucht, darüber zu lachen („… Obwohl die Schuld schwer ist, / lass mich mich noch nicht aufhängen“), was eine Zurechtweisung von Alceste hervorruft, die überhaupt nicht akzeptiert und Humor nicht versteht: „Wie du werden zur falschen Zeit scherzen!“. Philints Position: "Wir drehen uns in der Gesellschaft und sind Nebenflüsse des Anstands, / die sowohl von Sitten als auch von Sitten gefordert werden." Alcestes Antwort: „Nein! Wir müssen mit rücksichtsloser Hand strafen / All die Gemeinheit weltlicher Lügen und solche Leere. / Wir müssen Menschen sein...“. Philints Position: „Aber es gibt Fälle, in denen diese Wahrhaftigkeit / lächerlich oder schädlich für die Welt wäre. / Manchmal - möge mir deine Strenge verzeihen! - / Wir müssen verbergen, was in den Tiefen des Herzens ist. Alcestes Meinung: „Überall - Verrat, Verrat, Schwindel, Schmeichelei, / Überall herrscht abscheuliche Ungerechtigkeit; / Ich bin wütend, ich habe keine Kraft, mit mir fertig zu werden, / Und ich möchte die ganze Menschheit zum Kampf rufen! Als Beispiel nennt Alceste einen gewissen Heuchler, mit dem er einen Rechtsstreit hat. Filintus stimmt der vernichtenden Charakterisierung dieses Mannes zu und schlägt Alceste deshalb vor, sich nicht mit seiner Kritik, sondern mit dem Kern der Sache auseinanderzusetzen. Doch Alceste will im Vorgriff auf die Gerichtsentscheidung nichts unternehmen, er würde den Fall gerne verlieren, und sei es nur, um eine Bestätigung für "Geiz und Bosheit unter den Menschen" zu finden. Aber warum erleidet er, der das Menschengeschlecht so gering schätzt, die Unzulänglichkeiten des frivolen Célimène, bemerkt er sie wirklich nicht, fragt Philinte seinen Freund. Alceste antwortet: „Oh nein! Meine Liebe kennt keine Blindheit. / Alle Mängel darin sind mir ohne Zweifel klar.<...>Das Feuer meiner Liebe - daran glaube ich fest - / Wird ihre Seele von der Schuppe des Lasters reinigen. Alceste kam hierher, zu Célimène, um mit ihr zu sprechen. Orontes erscheint, ein Bewunderer von Célimène. Er bittet Alceste, ein Freund zu werden, und verherrlicht seine Tugenden maßlos. Dazu sagt Alceste wunderbare Worte über Freundschaft:

„Schließlich ist Freundschaft ein Sakrament, und das Geheimnis ist ihr lieber; / Sie sollte nicht so nachlässig spielen. / Union by choice - das ist der Ausdruck von Freundschaft; Erst - Wissen, dann - Annäherung. Orontes willigt ein, in Freundschaft zu warten und bittet Alceste um Rat, ob er sein letztes Sonett der Öffentlichkeit präsentieren könne. Alceste warnt, dass er als Kritiker zu aufrichtig sei, aber das hält Orontes nicht auf: Er braucht die Wahrheit. Philint hört sich sein Sonett „Hoffnung“ an: „Ich habe noch nie eine elegantere Strophe gehört“ – und Alceste: „Es ist nur gut, sie wegzuwerfen! /<...>Ein leeres Wortspiel, Zeichnen oder Mode. / Aber, mein Gott, sagt die Natur das? - und liest zweimal die Strophen eines Volksliedes, in dem schlicht und ohne Schnörkel von Liebe die Rede ist. Orontes ist gekränkt, der Streit mündet fast in ein Duell, und erst Philints Eingreifen entspannt die Situation. Der kluge Philint klagt: „Du hast dir einen Feind gemacht! Nun, vorwärts Wissenschaft. / Und es wäre dir wert, das Sonett ein wenig zu loben ... “, Alcestes Antwort: „Kein Wort mehr.

Der zweite Akt beginnt wie der erste ohne jede Vorbereitung mit einer stürmischen Erklärung von Alceste und Célimène: „Willst du, dass ich dir die ganze Wahrheit sage? / Madame, Ihr Temperament hat meine Seele gequält, / Sie quälen mich mit solcher Behandlung. / Wir müssen uns auflösen - sehe ich mit Verdruss. Alceste wirft seiner Geliebten Leichtsinn vor. Célimène entgegnet: Treiben Sie die Ventilatoren nicht mit einem Stock an. Alceste: „Hier braucht es keinen Stock – ganz andere Mittel: / Weniger Weichheit, Höflichkeit, Koketterie<...>/ Inzwischen magst du diese Balz! - und dann legt Molière Alceste Worte in den Mund, die einige Forscher als Verkörperung seiner persönlichen Erfahrungen an seine Frau Armande Bejart, die die Rolle der Célimène spielte, betrachten: „Wie man dich lieben muss, um dich nicht zu trennen ! / UM! Könnte ich dir mein Herz aus den Händen reißen, / es vor unerträglicher Qual retten, / würde ich dem Himmel rührend dafür danken.<...>/ Ich liebe dich für meine Sünden.<...>/ Meine verrückte Leidenschaft ist unbegreiflich! / Niemand, gnädige Frau, hat so sehr geliebt wie ich.

Célimène empfängt Gäste, mit denen sie viele Bekannte berührt. Ihre Verleumdung ist brillant. Alceste wirft den Gästen vor, diese Verleumdung zu fördern, während sie sich beim Treffen mit den von ihnen belächelten Personen in ihre Arme werfen und ihnen Freundschaft versichern. Dann gibt Célimène Alceste eine schroffe Charakterisierung: „Der Widerspruch ist seine besondere Gabe. / Die öffentliche Meinung ist für ihn schrecklich, / Und ihm zuzustimmen ist ein direktes Verbrechen. / Er würde sich für immer in Ungnade fallen lassen, / Wenn er tapfer gegen alle vorgehen würde! Der eintreffende Gendarm hat den Auftrag, Alceste ins Büro zu eskortieren: Die Kritik am Sonett wirkte in so unerwarteter Form. Aber Alceste weist alle Ratschläge zurück, um sein Urteil zu mildern: „Bis der König selbst mich zwang, / Damit ich solche Verse lobe und verherrliche, / Ich werde argumentieren, dass sein Sonett schlecht ist / Und der Dichter selbst verdient eine Schleife dafür!“

Akt III widmet sich der Darstellung weltlicher Sitten: Die Marquisen Clitandre und Akaet, die die Gunst von Célimène suchen, sind bereit, einander nachzugeben, wenn sie eine von ihnen bevorzugt; Célimène, die ihre Freundin Arsinoe bissig charakterisiert, schildert stürmische Freude bei ihrer Ankunft, jeder erzählt dem anderen all die bösen Dinge, die in der Welt über sie gesagt werden, und fügt mit diesem Schirm dem Gift und von sich selbst Jod hinzu. Alceste erscheint nur im Finale. Er hört von Arsinoe Lob für seinen Verstand und andere Eigenschaften, die "das Gericht bemerken sollte", die sie durch ihre Verbindungen einbringen kann. Doch Alceste lehnt diesen Weg ab: „Ich bin nicht vom Schicksal für das Leben bei Hofe geschaffen, / ich neige nicht zu einem diplomatischen Spiel, - / ich bin mit einer rebellischen, rebellischen Seele geboren, / und ich kann mich unter den Dienern der nicht durchsetzen Gericht. / Ich habe eine Gabe: Ich bin aufrichtig und mutig, / Und ich könnte niemals mit Menschen spielen “; Eine Person, die nicht weiß, wie sie ihre Gedanken und Gefühle verbergen soll, muss die Absicht aufgeben, einen Platz in der Welt einzunehmen. / Wir dürfen niemals Narren spielen, / Wir dürfen keine mittelmäßigen Reime preisen, / Wir dürfen die Launen schöner Damen nicht ertragen / Und den Witz leerer Marquisen nicht ertragen! Dann geht Arsinoe zu Celimene und versichert, dass sie genaue Beweise für ihre Untreue gegenüber Alceste hat. Er, der Arsinoe wegen Verleumdung ihrer Freundin verurteilt hat, will sich dennoch mit diesen Beweisen vertraut machen: „Eines möchte ich: Licht ins Dunkel bringen. / Die ganze Wahrheit wissen - es gibt keine anderen Wünsche.

In Akt IV von Philints Geschichte wird die Szene im Büro wiederhergestellt, in der die Richter versuchten, Alceste zu zwingen, seine Meinung über das Sonett von Orontes zu ändern. Er blieb hartnäckig standhaft: „Er ist ein ehrlicher Edelmann, daran besteht kein Zweifel, / Er ist tapfer, würdig, freundlich, aber er ist ein schlechter Dichter;<...>/ Vergib ihm Gedichte, das könnte ich nur, glaub mir, / Wenn er sie unter Todesangst schrieb. Die Versöhnung gelang erst, als Alceste sich bereit erklärte, in einem mutmaßlichen Plan den Satz zu äußern: „Es tut mir sehr leid, dass ich so streng urteile, / Ia, aus Freundschaft zu Ihnen, möchte es Ihnen aus tiefstem Herzen sagen / Ich sage Ihnen, dass die Gedichte unbestreitbar gut sind!“. Celimenas Cousine Eliante, der Philinte diese Geschichte erzählt, gibt Alceste gute Noten für seine Aufrichtigkeit und gibt ihrer Gesprächspartnerin zu, dass ihr Alceste nicht gleichgültig ist. Philint wiederum gesteht Eliante seine Liebe. Molière baut daher ein Jahr vor der Premiere von Andromache eine Liebeskette ähnlich der von Racine auf, in der die Charaktere mit unerwiderter Liebe ausgestattet sind, jeder liebt denjenigen, der den anderen liebt. In The Misanthrope liebt Philinte Eliante, die Alceste liebt, die Célimène liebt, die niemanden liebt. Für Racine führt eine solche Liebe zu einer Tragödie.

Eliante ist bereit, Alcestes Liebe zu Célimène zu fördern, in der Hoffnung, dass Alceste selbst ihre Gefühle bemerken wird; Filinta ist genauso bereit, auf Eliantes Gunst zu warten, wenn sie frei von Gefühlen für Alceste ist; Célimène stört das Fehlen von Liebe nicht. Arsinoe, der sich in Alceste verliebte und sich in Célimène, Akaetes, Clitander, Orontes verliebte, deren seichte Gefühle die Liebeskette in The Misanthrope erschweren, wird sich nicht lange sorgen, das Gewünschte nicht erreicht zu haben, reagiert in keiner Weise zu den Wechselfällen von Eliants Liebe. Und nur die Anspannung von Alcestes Gefühlen macht seine Situation beinahe tragisch. Er ist nicht geneigt, Gerüchten zu trauen. Aber Arsinoe überreicht ihm einen Brief von Célimène an Orontes voller zärtlicher Gefühle. Überzeugt von Célimènes Untreue eilt Alceste mit einem Heiratsantrag zu Eliante, ohne zu verbergen, dass er von Eifersucht und dem Wunsch getrieben wird, sich an Célimène zu rächen. Das Erscheinen von Célimène ändert alles: Sie versichert, dass sie diesen Brief an eine Freundin geschrieben hat. Alcestes kritischer Verstand sagt ihm, dass dies nur ein Trick ist, aber er neigt dazu zu glauben, weil er verliebt ist: „Ich bin dein, und ich will bis zum Ende folgen, / Wie du den Blinden in der Liebe täuschen wirst. " Eine solche Spaltung des Helden, wenn ein Wesen in ihm das andere kritisch beobachtet, ist eines der Beispiele, das uns zu dem Schluss kommen lässt: Molière ist Racine voraus, wenn es darum geht, das Prinzip des Psychologismus in der französischen Literatur zu etablieren.

Im fünften Akt erreicht die Intensität von Alcestes Konflikt mit der Gesellschaft ihre höchste Entfaltung. Alceste verlor den Fall vor Gericht, obwohl sein Gegner falsch lag und die niedrigsten Mittel einsetzte, um sein Ziel zu erreichen – und das wussten alle. Alceste will die Gesellschaft verlassen und wartet nur darauf, was Célimène ihm sagen wird: „Ich muss, ich muss wissen, ob ich geliebt werde oder nicht, / Und ihre Antwort wird den Rest des Lebens entscheiden.“ Doch zufällig hört Alceste genau dieselbe Frage von Célimène Orontes. Sie ist ratlos, sie will keinen der Jugendlichen verlieren, die sich von ihr mitreißen lassen. Das Erscheinen von Acaste und Clytandra mit Briefen von Célimène, in denen sie alle ihre Verehrer, darunter auch Alceste, verleumdet, führt zu einem Skandal. Alle verlassen Célimène, außer Alceste: Er findet nicht die Kraft, seine Geliebte zu hassen, und erklärt dies Eliante und Philinto mit Versen, die den zukünftigen Tiraden von Racines tragischen Helden so ähnlich sind: „Siehst du, ich bin ein Sklave meiner Unglücklichen Leidenschaft: / Die Schwäche meines kriminellen Selbst ist an der Macht! / Aber das ist nicht das Ende - und zu meiner Schande / In Liebe werde ich bis zum Ende gehen. / Sie nennen uns weise... Was bedeutet diese Weisheit? / Nein, jedes menschliche Herz verbirgt menschliche Schwäche ... "Er ist bereit, Célimène alles zu vergeben, um die Untreue mit dem Einfluss eines anderen, ihrer Jugend, zu rechtfertigen, aber er ruft seine Geliebte auf, das Leben mit ihm außerhalb der Gesellschaft zu teilen, in der Wildnis, in der Wüste: „Oh, wenn wir lieben, wozu brauchen wir die ganze Welt? Célimène ist bereit, die Frau von Alceste zu werden, aber sie möchte die Gesellschaft nicht verlassen, eine solche Zukunft reizt sie nicht. Sie hat keine Zeit, den Satz zu beenden. Alceste hat vorher alles verstanden, jetzt ist er reif für eine Entscheidung: „Genug! Ich war sofort geheilt: / Du hast es jetzt mit deiner Weigerung geschafft. / Da du in der Tiefe deines Herzens nicht kannst - / Wie ich alles in dir fand, so finde alles in mir, / Lebewohl für immer; wie eine schwere Last, / frei endlich werfe ich deine Ketten ab! Alceste beschließt, die Gesellschaft zu verlassen: „Alle haben mich verraten und alle sind grausam zu mir; / Ich verlasse den Teich, wo die Laster regieren; / Vielleicht gibt es eine solche Ecke auf der Welt, / wo eine Person frei ist, ihre Ehre zu schätzen “(übersetzt von M. E. Levberg).

Das Bild von Alceste ist psychologisch komplex, was eine Interpretation erschwert. Aufgrund der Tatsache, dass The Misanthrope in Versen geschrieben ist, war es für große Zwecke gedacht und nicht, um die Probleme des aktuellen Repertoires des Palais-Royal zu lösen. Der Dramatiker hat den ursprünglichen Untertitel „Hypochondriac in Love“ entfernt, der erahnen lässt, in welche Richtung sich die Idee zuerst entwickelt hat und was der Autor am Ende aufgegeben hat. Moliere erklärte sein Verständnis des Bildes von Alceste nicht. In der Erstausgabe der Komödie platzierte er seinen „Brief über den Menschenfeind“. ehemaliger Feind Donno de Vize. Aus dieser Rezension folgte, dass das Publikum Filint als eine Person anerkennt, die Extreme vermeidet. „Was den Misanthrop betrifft, er muss in seinesgleichen den Wunsch wecken, zugrunde zu gehen.“ Es wird angenommen, dass Molière sich dadurch mit ihm identifiziert, indem er diese Rezension in die Veröffentlichung der Komödie einfügt.

Im nächsten Jahrhundert ändert sich die Situation. J.-J. Rousseau verurteilte Molière, weil er Alceste verspottete: "Wo immer der Misanthrop lächerlich ist, erfüllt er nur die Pflicht eines anständigen Menschen" ("Brief an D'Alembert").

Ist Alceste wirklich lustig? So charakterisieren ihn die Charaktere der Komödie (der erste ist Philint: Act I, yavl. 1), aber nicht die Situationen, die der Dramatiker geschaffen hat. So sieht in der Szene mit dem Sonett von Orontes Orontes, nicht Alceste, komisch aus (Orontes sucht Alcestes Freundschaft, bittet ihn, über das Sonett zu sprechen, er selbst schmälert die Bedeutung des Gedichts und verweist darauf, dass er es „in ein paar Minuten“ usw.). Gedichte sind offen gesagt schwach, daher erweist sich Philints Lob als unangemessen und macht ihm keine Ehre. Kritik am Sonett ist keine Kleinigkeit, gemessen an den Folgen: Der Gendarm begleitet Alceste zum Büro, wo die Richter über die Versöhnung von Orontes und Alceste entscheiden. Und in anderen Fällen zeigen Vertreter der säkularen Gesellschaft Unzulänglichkeiten. Moliere, der Alceste spielte, betonte die Schärfe und Schärfe und nicht die Komik der Figur.

Ist Alceste wirklich ein Misanthrop? Seine Aussagen über Menschen sind nicht schärfer als die Angriffe von Célimène, Arsinoe, anderen Teilnehmern der „Schule der Verleumdung“, Philintus, der sagt: „Ich stimme zu, dass Lügen und Ausschweifungen überall sind, / dass überall Bosheit und Eigennutz herrschen, / Dass nur noch List zum Glück führt, / Dass Menschen anders hätten erschaffen werden sollen. Der Titel der Komödie „Der Menschenfeind“ täuscht: Alceste, zu leidenschaftlicher Liebe fähig, ist weniger ein Menschenfeind als Célimène, die niemanden liebt. Alcestes Misanthropie manifestiert sich immer in konkreten Situationen, d.h. Motive hat und nicht seinen Charakter ausmacht, der diesen Helden von anderen Charakteren unterscheidet. Es ist charakteristisch, dass, wenn die Namen Tartuffe oder Harpagon im Französischen zu Eigennamen wurden, der Name Alceste ihn nicht ersetzte, sondern im Gegenteil durch den Eigennamen "Misanthrope" ersetzt wurde persönlichen Namen, wie Rousseau, der es mit einem Großbuchstaben schrieb, aber es änderte seine Bedeutung und wurde nicht mehr zu einem Symbol für Misanthropie, sondern für Direktheit, Ehrlichkeit und Aufrichtigkeit.

Molière entwickelt das Bildersystem und die Handlung der Komödie so, dass nicht Alceste sich an die Gesellschaft wendet, sondern die Gesellschaft an ihn. Was veranlasst die schöne und junge Célimène, die vernünftige Eliante, die heuchlerische Arsina, seine Liebe zu suchen, und den vernünftigen Philinte und den präzisen Orontes, seine Freundschaft zu suchen? Alceste ist nicht jung und hässlich, er ist nicht reich, er hat keine Verbindungen, er ist am Hof ​​nicht bekannt, er glänzt nicht in Salons, er engagiert sich nicht in Politik, Wissenschaft oder irgendeiner Kunst. Offensichtlich fühlt er sich zu etwas hingezogen, was andere nicht haben. Eliante nennt diese Eigenschaft: „Solche Aufrichtigkeit ist eine besondere Qualität; / In ihr steckt eine Art edler Heldenmut. / Hier ist eine sehr seltene Eigenschaft für diese Tage, / ich würde mich gerne öfter mit ihr treffen. Aufrichtigkeit ist der Charakter von Alceste (diese grundlegende Eigenschaft, die in allen Manifestationen seiner Persönlichkeit liegt). Die Gesellschaft will Alceste entpersönlichen, ihn wie alle anderen machen, aber sie beneidet auch die erstaunliche Ausdauer dieser Person. Es gibt eine lange Tradition zu glauben, dass Moliere sich selbst im Bild von Alceste und seine Frau Armande Bejart im Bild von Célimène dargestellt hat. Aber das Publikum der Premiere sah in den Charakteren der Komödie ganz andere Prototypen: Alceste - der Herzog von Montosier, Orontes - der Herzog von Saint-Aignan, Arsinoe - die Herzogin von Navay usw. Molière, nach seinen Botschaften an den König zu urteilen, den Widmungen, dem Versailler Impromptu, ähnelt eher Philinte. Dies wird durch die erhaltene Beschreibung des Charakters von Moliere bestätigt, wie ihn seine Zeitgenossen in Erinnerung hatten: "Was seinen Charakter betrifft, war Moliere freundlich, hilfsbereit und großzügig." Alceste ist eher kein Porträt des Dramatikers, sondern sein verborgenes Ideal. Äußerlich wird also ein Grund dafür gegeben, Alceste wegen seiner Neigung zu Extremen zu verspotten, aber in der Struktur des Werks gibt es eine verborgene Schicht, die Alceste als einen echten tragischen Helden verherrlicht, der sein eigenes Schicksal wählt. Deshalb erklingen im Finale nicht nur traurige Töne, sondern auch Alcestes Befreiungsgeständnis, das kam, als er, wie die Helden von Corneille, den richtigen Weg wählte. Moliere hat in seinem Werk die Ideen der Aufklärung brillant vorweggenommen. Alceste - ein Mann des XVIII Jahrhunderts. Zu Molieres Zeiten ist er noch zu einsam, er ist eine Seltenheit, und wie jede Seltenheit kann sie Überraschung, Spott, Sympathie, Bewunderung hervorrufen.

Die Handlung von „Der Menschenfeind“ ist originell, obwohl das Motiv der Menschenfeindlichkeit in der Literatur nicht neu war (die Geschichte von Timon von Athen, der im 5 Mark Anthony, enthalten in den Comparative Biographies „Plutarch, in „Timon of Athens“ von W. Shakespeare und anderen). Das Thema der Aufrichtigkeit ist zweifellos mit dem Thema der Heuchelei in Tartuffe verbunden, für die Aufhebung des Verbots, gegen das Moliere in den Jahren der Entstehung von The Misanthrope gekämpft hat.

Für Boileau war Molière in erster Linie der Autor von The Misanthrope. Auch Voltaire schätzte diese Arbeit sehr. Rousseau und Mercy kritisierten den Dramatiker, weil er Alceste verspottete. Zu Beginn der Französischen Revolution schuf Fabre d'Eglantin die Komödie Molières Philint oder die Fortsetzung des Misanthropen (1790). Alceste darin wurde als echter Revolutionär gezüchtet, und Philinte - ein Heuchler wie Tartuffe. Sehr geschätzt das Bild von Goethes Alceste, Romantik. Es gibt Grund, über die Nähe des Bildes von Alceste und des Bildes von Chatsky aus Griboyedovs Komödie "Woe from Wit" zu sprechen.

Das Bild des Misanthropen ist eine der größten Schöpfungen des menschlichen Genies, er steht auf einer Stufe mit Hamlet, Don Quijote, Faust. "Misanthrope" ist das markanteste Beispiel für "High Comedy". Dieses Stück ist in perfekter Form. Molière arbeitete daran mehr als an jedem seiner anderen Stücke. Dies ist sein Lieblingswerk, es hat Lyrik, die die Nähe des Bildes von Alceste zu seinem Schöpfer anzeigt.

Kurz nach The Misanthrope schreibt Moliere, der weiterhin für Tartuffe kämpft, in kurzer Zeit eine Komödie in Prosa "Geizig"(1668). Und wieder ein gestalterischer Sieg, der vor allem mit dem Image des Protagonisten verbunden ist. Das ist Harpagon, der Vater von Cleanthe und Eliza, der in Mariana verliebt ist. Die vom antiken römischen Dramatiker Plautus erzählte Geschichte überträgt Molière auf das zeitgenössische Paris. Harpagon lebt in seinem eigenen Haus, er ist reich, aber geizig. Der Geiz, der die höchste Grenze erreicht hat, verdrängt alle anderen Eigenschaften der Persönlichkeit des Charakters und wird zu seinem Charakter. Geiz macht Harpagon zu einem echten Raubtier, was sich in seinem Namen widerspiegelt, der von Molière aus dem Lateinischen gebildet wird Harpago- "Harpune" (der Name spezieller Anker, die während Seeschlachten feindliche Schiffe vor einer Enterschlacht hochzogen, bildlich - "Grabber").

Das Komische in „Der Geizhals“ erhält weniger einen Karnevals- als vielmehr einen Satirecharakter, was die Komödie (neben „Tartuffe“) zur Krönung von Molieres Satire macht. Im Bild von Harpagon war die klassische Herangehensweise an den Charakter, bei der die Vielfalt der Einheit unterlegen ist, das Individuelle - dem verallgemeinerten Typischen - besonders deutlich betroffen. A. S. Puschkin verglich die Helden von Shakespeare und Moliere und schrieb: „Die von Shakespeare geschaffenen Gesichter sind nicht wie die von Moliere Typen von dieser und jener Leidenschaft, diesem und jenem Laster, sondern lebendige Wesen voller vieler Leidenschaften, vieler Laster; Umstände entfalten vor dem Betrachter ihre vielfältigen und facettenreichen Charaktere. Bei Moliere geizig geizig, und nur ...“ („Tischgespräch“). Molières Herangehensweise an die Darstellung von Charakteren hat jedoch eine sehr große künstlerische Wirkung. Seine Charaktere sind so bedeutend, dass ihre Namen zu gebräuchlichen Substantiven werden. Der Name Harpagon wurde auch ein bekannter Name, um eine Leidenschaft für das Horten und Geiz zu bezeichnen (der erste bekannte Fall einer solchen Verwendung stammt aus dem Jahr 1721).

Molières letzte große Komödie "Der Kaufmann im Adel"(1670) wurde es im Genre des "Comedy-Ballett" geschrieben: Auf Anweisung des Königs war es notwendig, Tänze aufzunehmen, die eine Verhöhnung türkischer Zeremonien enthielten. Es war notwendig, mit dem berühmten Komponisten Jean-Baptiste Lully (1632-1687) zusammenzuarbeiten, einem gebürtigen Italiener, einem wunderbaren Musiker, der mit Moliere durch frühere Arbeiten an Komödien-Balletts und gleichzeitig durch gegenseitige Feindschaft verbunden war. Moliere fügte gekonnt Tanzszenen in die Handlung der Komödie ein und bewahrte die Einheit ihres Designs.

Das allgemeine Gesetz dieser Konstruktion ist, dass die Charakterkomödie vor dem Hintergrund der Sittenkomödie erscheint. Träger der Moral sind alle Helden der Komödie, mit Ausnahme der Hauptfigur Jourdain. Die Sphäre der Moral sind die Bräuche, Traditionen und Gewohnheiten der Gesellschaft. Die Figuren können diese Sphäre nur in ihrer Gesamtheit ausdrücken (wie die Frau und Tochter von Jourdain, seine Diener, Lehrer, die Aristokraten Dorant und Dorimena, die vom Reichtum des bürgerlichen Jourdain profitieren wollen). Sie sind mit charakteristischen Merkmalen ausgestattet, aber nicht mit Charakter. Diese Merkmale, auch komisch zugespitzt, verletzen dennoch nicht die Plausibilität.

Jourdain fungiert im Gegensatz zu den Figuren der Sittenkomödie als komödiantische Figur. Die Eigentümlichkeit von Molieres Charakter besteht darin, dass die in der Realität vorhandene Tendenz so stark konzentriert wird, dass der Held aus dem Rahmen seiner natürlichen, „vernünftigen“ Ordnung ausbricht. Dies sind Don Juan, Alceste, Harpagon, Tartuffe, Orgon - der Held der höchsten Ehrlichkeit und Unehrlichkeit, Märtyrer edler Leidenschaften und Narren.

Das ist Jourdain, ein Bourgeois, der sich entschieden hat, Adliger zu werden. Vierzig Jahre lebte er in seiner eigenen Welt, kannte keine Widersprüche. Diese Welt war harmonisch, weil alles darin an seinem Platz war. Jourdain war klug genug, scharfsinnig auf bürgerliche Art. Die zum Charakter des bürgerlichen Jourdain gewordene Lust, in die Welt des Adels einzutauchen, zerstört die harmonische Familienordnung. Jourdain wird ein Tyrann, ein Tyrann, der Cleont daran hindert, Lucille, Jourdains Tochter, zu heiraten, die ihn liebt, nur weil er kein Adliger ist. Und gleichzeitig sieht er immer mehr wie ein naives Kind aus, das leicht zu täuschen ist.

Jourdain ruft sowohl fröhliches Lachen als auch satirisches, verurteilendes Lachen hervor (man erinnere sich, dass diese Unterscheidung zwischen den Arten des Lachens von M. M. Bakhtin tiefgehend begründet wurde, einschließlich der Bezugnahme auf die Werke von Molière).

Durch die Lippen von Cleont wird die Idee des Stücks formuliert: „Menschen ohne Gewissensbisse eignen sich einen Adelstitel an - diese Art von Diebstahl ist anscheinend zur Gewohnheit geworden. Aber in dieser Hinsicht bin ich gewissenhafter, das gestehe ich. Ich glaube, dass jeder Betrug einen Schatten auf einen anständigen Menschen wirft. Sich für die zu schämen, von denen der Himmel einen dazu bestimmt hat, in die Welt geboren zu werden, mit einem fiktiven Titel in der Gesellschaft zu glänzen, vorzugeben, nicht das zu sein, was man wirklich ist - das ist meiner Meinung nach ein Zeichen geistiger Niedrigkeit.

Aber diese Idee steht im Widerspruch zur weiteren Entwicklung der Handlung der Komödie. Der edle Cleont gibt sich am Ende des Stücks als sein Sohn aus, um Jourdains Erlaubnis zu erhalten, Lucile zu heiraten Türkischer Sultan, und ehrliche Madame Jourdain und Lucille helfen ihm bei dieser Täuschung. Die Täuschung war erfolgreich, aber am Ende gewinnt Jourdain, weil er ehrliche Menschen, seine Verwandten und Diener entgegen ihrer Ehrlichkeit und ihres Anstands gezwungen hat, zu täuschen. Unter dem Einfluss der Jourdains verändert sich die Welt. Dies ist eine Welt der bürgerlichen Beschränkungen, eine Welt, in der das Geld regiert.

Moliere hob die poetische und prosaische Sprache der Komödie auf das höchste Niveau, er beherrschte komödiantische Techniken und Kompositionen auf brillante Weise. Besonders bedeutend sind seine Verdienste bei der Schaffung komödiantischer Charaktere, in denen die ultimative Verallgemeinerung durch die Authentizität des Lebens ergänzt wird. Die Namen vieler Charaktere von Molière sind zu bekannten Namen geworden.

Er ist einer der beliebtesten Dramatiker der Welt: Allein dreihundert Jahre lang auf der Bühne des Pariser Theaters Comédie Francaise wurden seine Komödien mehr als dreißigtausend Mal gezeigt. Moliere hatte einen großen Einfluss auf die spätere Entwicklung der künstlerischen Weltkultur. Moliere wurde vollständig von der russischen Kultur beherrscht. L. N. Tolstoi sagte schön über ihn: „Molière ist vielleicht der beliebteste und daher ein wunderbarer Künstler der neuen Kunst.“

Komposition

Mitte der 1660er Jahre schafft Moliere seine besten Komödien, in denen er die Laster von Klerus, Adel und Bürgertum kritisiert. Das erste davon war "Tartuffe oder der Betrüger" (herausgegeben 1664, 1667 und 1669)._Das Stück sollte während der grandiosen Hoffeier "Unterhaltung der verzauberten Insel" gezeigt werden, die im Mai 1664 in Versailles stattfand. Das Spiel störte jedoch den Urlaub. Gegen Moliere entstand eine regelrechte Verschwörung, angeführt von der Königinmutter Anna von Österreich. Moliere wurde beschuldigt, die Religion und die Kirche beleidigt zu haben, und forderte dafür Bestrafung. Die Aufführungen des Stücks wurden abgesagt.

Moliere unternahm den Versuch, das Stück in einer Neuauflage zu inszenieren. In der Erstausgabe von 1664 war Tartuffe ein Geistlicher. Der reiche Pariser Bürger Orgon, in dessen Haus dieser Schelm eindringt und sich als Heiliger ausgibt, hat noch keine Tochter - der Priester Tartuffe konnte sie nicht heiraten. Trotz der Anschuldigungen seines Sohnes Orgon, der ihn dabei erwischte, wie er seiner Stiefmutter Elmira den Hof machte, kam Tartuffe geschickt aus einer schwierigen Situation heraus. Der Triumph von Tartuffe bezeugte eindeutig die Gefahr der Heuchelei.

In der zweiten Auflage (1667; wie die erste hat sie uns nicht erreicht) erweiterte Molière das Stück, fügte den bestehenden drei Akten zwei weitere hinzu, in denen er die Verbindungen des Heuchlers Tartuffe mit dem Gericht, dem Gericht und der Polizei darstellte . Tartuffe wurde Panyulf genannt und verwandelte sich in einen Mann von Welt, der beabsichtigte, Orgons Tochter Marianna zu heiraten. Die Komödie mit dem Titel "The Deceiver" endete mit der Entlarvung von Panyulf und der Verherrlichung des Königs. In der letzten uns überlieferten Ausgabe (1669) hieß der Heuchler wieder Tartuffe, und das ganze Stück hieß "Tartuffe oder der Betrüger".

Der König wusste von Molieres Stück und billigte seine Idee. Im Kampf um Tartuffe verteidigte Molière in der ersten Petition an den König die Komödie, verteidigte sich gegen Vorwürfe der Gottlosigkeit und sprach über die gesellschaftliche Rolle des Satireautors. Der König hob das Verbot des Stücks nicht auf, aber er befolgte nicht den Rat der tollwütigen Heiligen, „nicht nur das Buch zu verbrennen, sondern auch seinen Autor, einen Dämon, einen Atheisten und einen Wüstling, der ein teuflisches, voll von Abscheulichkeitsspiel, in dem er die Kirche und die Religion verspottet, die heiligen Funktionen“ („Der größte König der Welt“, Broschüre von Dr. Sorbonne Pierre Roullet, 1664).

Die Erlaubnis, das Stück in seiner zweiten Auflage zu inszenieren, erteilte der König mündlich, in Eile, als er zur Armee aufbrach. Unmittelbar nach der Premiere wurde die Komödie vom Präsidenten des Parlaments (der höchsten Justizbehörde) Lamoignon erneut verboten, und der Pariser Erzbischof Perefix veröffentlichte eine Botschaft, in der er allen Gemeindemitgliedern und Geistlichen verbot, „ein gefährliches Stück vorzuführen, zu lesen oder anzuhören “ unter Androhung der Exkommunikation. Molière vergiftete die zweite Petition an das Hauptquartier des Königs, in der er erklärte, dass er vollständig aufhören würde zu schreiben, wenn der König nicht für ihn eintrete. Der König versprach, es zu regeln. Inzwischen wird Komödie in Privathäusern gelesen, als Manuskript verbreitet, in geschlossenen Hausaufführungen aufgeführt (zum Beispiel im Palast des Prinzen von Conde in Chantilly). 1666 starb die Königinmutter und dies gab Ludwig XIV. Gelegenheit, Molière eine vorzeitige Bühnenerlaubnis zu versprechen. Es kam das Jahr 1668, das Jahr des sogenannten "Kirchenfriedens" zwischen orthodoxem Katholizismus und Jansenismus, der zu einer gewissen Toleranz in religiösen Dingen beitrug. Damals wurde die Herstellung von Tartuffe erlaubt. Am 9. Februar 1669 war die Aufführung des Stücks ein großer Erfolg.

Was war der Grund für solche heftigen Angriffe auf "Tartuffe"? Molière war schon lange vom Thema Heuchelei angezogen, das er überall im öffentlichen Leben sah. In dieser Komödie wandte sich Moliere der damals gängigsten Art der Heuchelei zu – der religiösen – und schrieb sie auf der Grundlage seiner Beobachtungen der Aktivitäten einer geheimen religiösen Gesellschaft – der „Gesellschaft der heiligen Gaben“, die von Anna von Österreich unterstützt wurde und deren Mitglieder sowohl Lamoignon als auch Perefix waren, und die Fürsten der Kirche und die Adligen und die Bourgeoisie. Der König erteilte keine Erlaubnis für die offene Tätigkeit dieser weitverzweigten Organisation, die seit mehr als 30 Jahren bestand, die Tätigkeit der Gesellschaft war von größtem Geheimnis umgeben. Unter dem Motto „Alles Böse unterdrücken, alles Gute fördern“ haben sich die Mitglieder des Vereins den Kampf gegen Freidenkertum und Gottlosigkeit zur Hauptaufgabe gemacht. Mit Zugang zu Privathäusern erfüllten sie im Wesentlichen die Funktionen einer Geheimpolizei, führten eine verdeckte Überwachung von Verdächtigen durch, sammelten Fakten, die angeblich ihre Schuld beweisen, und übergaben auf dieser Grundlage mutmaßliche Kriminelle an die Behörden. Mitglieder der Gesellschaft predigten Strenge und Askese in der Moral, behandelten jede Art negativ gesellschaftliche Unterhaltung und Theater, verfolgte eine Leidenschaft für Mode. Moliere beobachtete, wie die Mitglieder der "Gesellschaft der Heiligen Gaben" sich einschmeichelnd und geschickt in die Familien anderer Leute einrieben, wie sie Menschen unterjochten, ihr Gewissen und ihren Willen vollständig eroberten. Dies veranlasste die Handlung des Stücks, während die Figur von Tartuffe aus den typischen Merkmalen geformt wurde, die den Mitgliedern der "Gesellschaft der Heiligen Gaben" innewohnen.

Wie sie ist Tartuffe mit dem Gericht verbunden, mit der Polizei, er wird am Hof ​​bevormundet. Er verbirgt sein wahres Aussehen und gibt sich als verarmter Adliger aus, der auf der Kirchenvorhalle nach Essbarem sucht. Er dringt in die Familie Orgon ein, weil in diesem Haus nach der Heirat des Besitzers mit der jungen Elmira statt der einstigen Frömmigkeit freie Sitten, lustige, kritische Reden zu hören sind. Außerdem hinterließ ihm Orgons Freund Argas, ein politischer Exilant, Mitglied der parlamentarischen Fronde (1649), belastende Dokumente, die in einer Kiste aufbewahrt werden. Eine solche Familie konnte der „Gesellschaft“ sehr wohl verdächtig vorkommen, und für solche Familien wurde eine Überwachung eingerichtet.

Tartuffe ist nicht die Verkörperung der Heuchelei als universelles Laster, sondern ein gesellschaftlich verallgemeinerter Typus. Kein Wunder, dass er in der Komödie nicht allein ist: Sein Diener Laurent, der Gerichtsvollzieher Loyal und die alte Frau – Orgons Mutter, Mrs. Pernel, sind heuchlerisch. Sie alle kaschieren ihre unschönen Taten mit frommen Reden und beobachten wachsam das Verhalten der anderen. Das charakteristische Aussehen von Tartuffe entsteht durch seine imaginäre Heiligkeit und Demut: „Er betete jeden Tag in der Kirche neben mir, / In einem frommen Impuls kniete er nieder. // Er zog alle Blicke auf sich" (I, 6). Tartuffe ist nicht ohne äußere Attraktivität, er hat höfliche, einschmeichelnde Manieren, hinter denen sich Klugheit, Energie, ehrgeiziger Machthunger, die Fähigkeit zur Rache verbergen. Er hat sich im Haus Orgon gut eingelebt, wo der Besitzer nicht nur seine kleinsten Launen befriedigt, sondern auch bereit ist, ihm seine Tochter Marianna, eine reiche Erbin, zur Frau zu geben. Orgon vertraut ihm alle Geheimnisse an, einschließlich der Betrauung mit der Aufbewahrung der wertvollen Kiste mit belastenden Dokumenten. Tartuffe hat Erfolg, weil er ein subtiler Psychologe ist; Er spielt mit der Angst vor dem leichtgläubigen Orgon und zwingt diesen, ihm irgendwelche Geheimnisse zu offenbaren. Tartuffe verdeckt seine heimtückischen Pläne mit religiösen Argumenten. Er ist sich seiner Stärke wohl bewusst und hält daher seine bösartigen Neigungen nicht zurück. Er liebt Marianne nicht, sie ist für ihn nur eine einträgliche Braut, er war fasziniert von der schönen Elmira, die Tartuffe zu verführen versucht. Seine kasuistische Argumentation, dass Verrat keine Sünde ist, wenn niemand davon weiß, empört Elmira. Damis, der Sohn von Orgon, Zeuge eines geheimen Treffens, will den Bösewicht bloßstellen, aber er, der eine Pose der Selbstgeißelung und Reue für angeblich unvollkommene Sünden eingenommen hat, macht Orgon erneut zu seinem Beschützer. Als Tartuffe nach dem zweiten Date in eine Falle gerät und Orgon ihn aus dem Haus wirft, beginnt er sich zu rächen und zeigt seine bösartige, korrupte und egoistische Natur.

Aber Molière entlarvt nicht nur Heuchelei. In Tartuffe wirft er eine wichtige Frage auf: Warum ließ sich Orgon so täuschen? Dieser schon mittleren Alters, offensichtlich nicht dumm, mit starkem Temperament und starkem Willen, erlag der weit verbreiteten Frömmigkeitsmode. Orgon glaubte an die Frömmigkeit und "Heiligkeit" von Tartuffe und sieht ihn als seinen spirituellen Mentor. Er wird jedoch zum Spielball in den Händen von Tartuffe, der schamlos erklärt, Orgon würde ihm lieber "als seinen eigenen Augen" glauben (IV, 5). Der Grund dafür ist die Trägheit von Orgons Bewusstsein, das in der Unterwerfung unter Autoritäten aufgewachsen ist. Diese Trägheit gibt ihm nicht die Möglichkeit, die Phänomene des Lebens kritisch zu erfassen und die Menschen um ihn herum zu bewerten. Wenn Orgon nach der Entlarvung von Tartuffe dennoch ein gesundes Weltbild erlangt, dann hat seine Mutter, die alte Frau Pernel, eine dumm fromme Anhängerin träger patriarchalischer Ansichten, nie das wahre Gesicht von Tartuffe gesehen.

Die in der Komödie vertretene jüngere Generation, die sofort das wahre Gesicht von Tartuffe sah, wird von der Magd Dorina geeint, die lange und treu im Hause Orgon diente und hier geliebt und geachtet wird. Ihre Weisheit, ihr gesunder Menschenverstand und ihre Einsicht helfen dabei, die am besten geeigneten Mittel zu finden, um den gerissenen Schurken zu bekämpfen.

Die Komödie „Tartuffe“ war von großer gesellschaftlicher Bedeutung. Darin stellte Moliere nicht private Familienbeziehungen dar, sondern das schädlichste soziale Laster - Heuchelei. Im Vorwort zu Tartuffe, einem wichtigen theoretischen Dokument, erklärt Molière die Bedeutung seines Stücks. Er bekräftigt den öffentlichen Zweck der Komödie, erklärt, dass „die Aufgabe der Komödie darin besteht, die Laster zu züchtigen, und hier sollte es keine Ausnahmen geben. Das Laster der Heuchelei ist aus staatlicher Sicht eines der gefährlichsten in seinen Folgen. Das Theater hat die Fähigkeit, dem Laster entgegenzuwirken. Es war die Heuchelei, nach Molieres Definition das wichtigste Staatslaster Frankreichs seiner Zeit, das zum Gegenstand seiner Satire wurde. In einer Komödie, die Lachen und Angst hervorruft, zeichnete Molière ein tiefes Bild von dem, was in Frankreich geschah. Heuchler wie Tartuffe, Despoten, Betrüger und Rächer, beherrschen ungestraft das Land, begehen echte Gräueltaten; Gesetzlosigkeit und Gewalt sind die Ergebnisse ihrer Aktivitäten. Moliere malte ein Bild, das die Regierenden des Landes hätte alarmieren müssen. Und obwohl der ideale König am Ende des Stücks gerecht wird (was durch Molieres naiven Glauben an einen gerechten und vernünftigen Monarchen erklärt wurde), wirkt die von Moliere skizzierte soziale Situation bedrohlich.
Moliere, der Künstler, der "Tartuffe" kreierte, bediente sich einer Vielzahl von Mitteln: Hier finden sich Elemente der Farce (Orgon versteckt sich unter dem Tisch), Intrigenkomödien (die Geschichte der Kiste mit Dokumenten), Sittenkomödien (Szenen in das Haus eines reichen Bürgers), Komödien von Charakteren (Abhängigkeit der Entwicklungshandlungen von der Natur des Helden). Gleichzeitig ist Molières Werk eine typische klassische Komödie. Alle „Regeln“ werden darin strikt eingehalten: Es soll den Zuschauer nicht nur unterhalten, sondern auch anleiten. Im „Vorwort“ zu „Tartuffe“ heißt es: „Solche Leute kann man nicht erwischen, indem man ihre Unzulänglichkeiten darstellt. Sie hören sich Vorwürfe mit Gleichgültigkeit an, aber sie können Spott nicht ertragen. Komik in angenehmer Lehre wirft den Menschen ihre Unzulänglichkeiten vor.

In den Jahren des Kampfes um Tartuffe schuf Moliere seine bedeutendsten satirischen und oppositionellen Komödien.

Molières Komödie

Jean-Baptiste Poquelin (Molière) (1622-1673) war der erste, der die Komödie wie ein der Tragödie gleichgestelltes Genre erscheinen ließ. Er synthetisierte die besten Errungenschaften der Komödie von Aristophanes bis zur zeitgenössischen Komödie des Klassizismus, einschließlich der Erfahrung von Cyrano de Bergerac, den Wissenschaftler oft unter den direkten Schöpfern der ersten Beispiele der nationalen französischen Komödie erwähnen.

Das Leben und der Schaffensweg von Molière sind ausreichend erforscht. Es ist bekannt, dass der zukünftige Komiker in der Familie eines Hofpolsterers geboren wurde. Das väterliche Geschäft wollte er jedoch nicht erben und lehnte 1643 die entsprechenden Privilegien ab.

Dank seines Großvaters lernte der Junge das Theater früh kennen. Jean Baptiste war ernsthaft begeistert von ihm und träumte davon, Schauspieler zu werden. После окончания школы иезуитов в Клермоне (1639) и получения диплома адвоката в 1641 году в Орлеане он организовал в 1643 году труппу «Блистательный театр», в состав которой вошли его друзья и единомышленники на многие годы – мадемуазель Мадлена Бежар, мадемуазель Дюпари, мадемуазель Дебри und andere. Der junge Poquelin träumt von einer Karriere als tragischer Schauspieler und nimmt den Namen Molière als Theaterpseudonym an. Als tragischer Schauspieler fand Moliere jedoch nicht statt. Nach einer Reihe von Rückschlägen im Herbst 1645 wurde das Brilliant Theatre geschlossen.

Die Jahre 1645-1658 sind die Wanderjahre der Molière-Truppe in den französischen Provinzen, die den Dramatiker mit unvergesslichen Eindrücken und Lebensbeobachtungen bereichern. Während der Reise wurden die ersten Komödien geboren, deren Schreiben sofort Molieres Talent als zukünftiger großer Komiker offenbarte. Zu seinen ersten erfolgreichen Experimenten gehörten „Naughty, or Everything at random“ (1655) und „Love Annoyance“ (1656).

1658 - Molière und seine Truppe kehren nach Paris zurück und spielen vor dem König. Ludwig XVI. erlaubt ihnen, in Paris zu bleiben und ernennt seinen Bruder zum Patron der Truppe. Die Truppe erhält das Gebäude des Petit Bourbon Palace.

Seit 1659, mit der Produktion von "The Ridiculous Pretenders", beginnt der Ruhm des Dramatikers Molière tatsächlich.

Im Leben des Komikers Molière gab es Höhen und Tiefen. Trotz aller Kontroversen um sein Privatleben und seine Beziehungen zum Hof ​​lässt das Interesse an seinen Kreationen nicht nach, die für nachfolgende Generationen zu einer Art Kriterium für hohe Kreativität geworden sind, wie die „Schule der Ehemänner“ (1661). Weiberschule“ (1662), „Tartuffe“ (1664), „Don Giovanni oder der steinerne Gast“ (1665), „Der Misanthrop“ (1666), „Der widerstrebende Doktor“ (1666), „Der Kaufmann im Adel" (1670) und andere.

Wissenschaftler wie S. Mokulsky, G. Boyadzhiev, J. Bordonov und R. Brae untersuchten die Moliere-Traditionen in den Werken von Schriftstellern anderer Jahrhunderte und versuchten, das Phänomen Moliere, die Natur und den Inhalt der lustig in seinen Werken. E. Faguet argumentierte: "Moliere ist der Apostel des "gesunden Menschenverstandes", dh jener allgemein akzeptierten Ansichten der Öffentlichkeit, die er vor Augen hatte und wem er gefallen wollte." Das Interesse an Molière lässt nicht nach Moderne Literaturkritik. In den letzten Jahren sind Arbeiten erschienen, die sich nicht nur den oben genannten Themen widmen, sondern auch den Fragen der Romantisierung des klassizistischen Konflikts (A. Karelsky), die das Theater von Molière im Konzept von M. Bulgakov (A. Grubin) bewerten.

In der Arbeit von Molière erhielt Komödie weitere Entwicklung wie ein Genre. Solche Formen wie "hohe" Komödie, Komödie-"Schule" (Begriff von N. Jerofejewa), Komödien-Ballett und andere wurden gebildet. G. Boyadzhiev wies in dem Buch „Molière: Historical Ways of the Formation of the High Comedy Genre“ darauf hin, dass die Normen des neuen Genres entstanden, als sich die Komödie der Realität näherte und infolgedessen eine Problematik erhielt, die durch objektiv vorhandene soziale Probleme bestimmt wurde in Wirklichkeit selbst. Basierend auf den Erfahrungen antiker Meister, Commedia dell'arte und Farce, erhielt die klassizistische Komödie, so der Wissenschaftler, ihre höchste Entwicklung von Molière.

Moliere skizzierte seine Ansichten über Theater und Komödie in den polemischen Stücken Kritik der Schule für Ehefrauen (1663), Impromptu von Versailles (1663), im Vorwort zu Tartuffe (1664) und anderen. Das Hauptprinzip der Ästhetik des Schriftstellers ist „unterhaltend lehren“. Moliere setzte sich für eine wahrheitsgetreue Reflexion der Realität in der Kunst ein und bestand auf einer sinnvollen Wahrnehmung der Theaterhandlung, deren Thema er am häufigsten die typischsten Situationen, Phänomene und Charaktere wählte. Gleichzeitig wandte sich der Dramatiker an Kritiker und Zuschauer: "Lasst uns nicht das nehmen, was jedem innewohnt, und wir werden so viel Nutzen wie möglich aus der Lektion ziehen, ohne den Anschein zu erwecken, dass es um uns geht."

Schon in den frühen Werken von Moliere, so G. Boyadzhiev, „verstand man die Notwendigkeit der Übertragung romantische Helden in die Welt der einfachen Leute. Daher die Handlungen von "Funny Pretenders", "School of Wives", "School of Husbands" und einschließlich "Tartuffe".

Parallel zur Entwicklung des Genres der "hohen" Komödie im Werk von Molière bildet sich eine Komödien-"Schule" heraus. Davon zeugen bereits die „Lustigen Schüchternheiten“ (1659). In dem Stück wandte sich der Dramatiker der Analyse der Normen des aristokratischen Geschmacks an einem bestimmten Beispiel zu. Bei der Beurteilung dieser Normen konzentrierte er sich auf den natürlichen, gesunden Geschmack der Menschen. Daher wandte er sich am häufigsten seiner Lebenserfahrung zu und sprach seine an schärfsten Beobachtungen und Bemerkungen zum Parterre.

Überhaupt nimmt der Begriff der „Tugend“ in Molieres Ästhetik einen wichtigen Platz ein. Vor den Aufklärern warf der Dramatiker die Frage nach der Rolle von Moral und Moral bei der Organisation des privaten und öffentlichen Lebens eines Menschen auf. Meistens kombinierte Moliere beide Konzepte und forderte, Sitten darzustellen, ohne Persönlichkeiten zu berühren. Dies widersprach jedoch nicht seiner Forderung, Menschen korrekt darzustellen, "aus dem Leben" zu schreiben. Tugend war schon immer ein Spiegelbild der Moral, und Moral war ein verallgemeinertes Konzept des moralischen Paradigmas der Gesellschaft. Gleichzeitig wurde die Tugend als Synonym für Moral zum Kriterium, wenn nicht schön, dann gut, positiv, vorbildlich und damit moralisch. Und Molieres Humor wurde auch maßgeblich durch den Entwicklungsstand der Tugend und ihrer Bestandteile bestimmt: Ehre, Würde, Bescheidenheit, Vorsicht, Gehorsam usw., also jene Eigenschaften, die einen positiven und idealen Helden auszeichnen.

Der Dramatiker zeichnete positive oder negative Beispiele aus dem Leben und zeigte auf der Bühne typischere Situationen, soziale Tendenzen und Charaktere als seine Autorenkollegen. Molières Innovation wurde von G. Lanson bemerkt, der schrieb: „Keine Wahrheit ohne Komödie und fast keine Komödie ohne Wahrheit: Hier ist Molières Formel. Komik und Wahrheit stammen bei Molière aus derselben Quelle, nämlich aus Beobachtungen menschlicher Typen.

Wie Aristoteles sah Molière das Theater als „Spiegel“ der Gesellschaft. In seinen Komödien-„Schulen“ festigte er den „Verfremdungseffekt“ des Aristophanes durch den „Lerneffekt“ (Begriff von N. Erofeeva), der im Werk des Dramatikers weiterentwickelt wurde.

Die Performance – eine Form des Spektakels – wurde als didaktisches Mittel für den Zuschauer präsentiert. Er sollte das Bewusstsein wecken, die Notwendigkeit zu streiten, und in einem Streit wird bekanntlich die Wahrheit geboren. Konsequent (aber indirekt) bot der Dramatiker jedem Betrachter eine „Spiegelsituation“, in der das Alltägliche, Vertraute und Alltägliche wie von außen wahrgenommen wurde. Es wurden mehrere Varianten einer solchen Situation angenommen: gewöhnliche Wahrnehmung; eine unerwartete Wendung, wenn das Vertraute und Verständliche ungewohnt wurde; das Auftauchen einer Handlungslinie, die die Situation dupliziert, die möglichen Konsequenzen der dargestellten Situation hervorhebt, und schließlich das Ende, dessen Wahl der Betrachter angehen muss. Darüber hinaus war das Ende der Komödie eines der möglichen, wenn auch wünschenswerten für den Autor. Wie die reale Situation auf der Bühne bewertet wird, ist nicht bekannt. Moliere respektierte die Wahl jedes Zuschauers, seine persönliche Meinung. Die Charaktere wurden durch eine Reihe von moralischen, philosophischen und psychologischen Lektionen geführt, die der Handlung den endgültigen Inhalt gaben, und die Handlung selbst wurde als Informationsträger zu einer Gelegenheit für ein substanzielles Gespräch und die Analyse einer bestimmten Situation oder eines Phänomens in Das Leben der Menschen. Sowohl in der „hohen“ Komödie als auch in der „Schul“-Komödie wurde das didaktische Prinzip der Klassik voll verwirklicht. Molière ging jedoch noch weiter. Die Ansprache an das Publikum am Ende des Stücks bedeutete eine Einladung zur Diskussion, und wir sehen dies zum Beispiel in The School of Husbands, wenn Lisette, sich zum Parkett wendend, wörtlich Folgendes sagt:

Sie, wenn Sie Werwolf-Ehemänner kennen, schicken Sie sie wenigstens zu unserer Schule.

Die Einladung „in unsere Schule“ hebt die Didaktik als Grenze zwischen Autor-Lehrer und Zuschauer-Schüler auf. Der Dramatiker trennt sich nicht vom Publikum. Er konzentriert sich auf den Ausdruck „für uns“. In der Komödie nutzte Moliere oft die semantischen Möglichkeiten von Pronomen. So sagt Sganarelle, obwohl er davon überzeugt ist, dass er Recht hat, stolz zu seinem Bruder „meine Lektionen“, aber sobald er Angst verspürt, informiert er Arist sofort über die „Konsequenz“ „unserer Lektionen“.

Bei der Schaffung der „Schule der Ehemänner“ folgte Molière Gessendy, der den Vorrang der Erfahrung vor der abstrakten Logisierung bekräftigte, und Terence, in dessen Komödie „Brüder“ das Problem der wahren Erziehung gelöst wurde. Bei Molière streiten sich wie bei Terence zwei Brüder über die Inhalte der Erziehung. Zwischen Arist und Sganarelle entbrennt ein Streit darüber, wie und mit welchen Mitteln eine gute Erziehung von Leonora und Isabella erreicht werden kann, um sie später heiraten und glücklich zu sein.

Erinnern Sie sich daran, dass der Begriff "l "? ducation" - "Erziehung, Bildung" - im weltlichen Wörterbuch der Europäer aus dem 15. Jahrhundert auftauchte. Er stammt aus dem Lateinischen educatio und bezeichnet den Prozess und die Mittel der Beeinflussung einer Person im Laufe der Zeit Bildung, Erziehung Wir beobachten beide Konzepte in der Komödie "Schule der Ehemänner". Ausgangspunkte, die das Wesen des Streits zwischen den Brüdern bestimmten, waren zwei Szenen - die zweite im ersten Akt und die fünfte im zweiten.

Zum Streitthema ließ Molière als erster Ariste zu Wort kommen. Er ist älter als Sganarelle, aber risikofreudiger, vertritt fortschrittliche Bildungsauffassungen, lässt Leonora einige Freiheiten zu, etwa Theaterbesuche, Bälle. Er ist überzeugt, dass sein Schüler eine „weltliche Schule“ durchlaufen solle. Die „weltliche Schule“ ist wertvoller als die Erbauung, da das darin erworbene Wissen durch Erfahrung geprüft wird. Vertrauen, das auf Vernunft aufgebaut ist, sollte ein positives Ergebnis liefern. Damit zerstörte Moliere die traditionelle Vorstellung eines älteren konservativen Vormunds. Der jüngere Bruder von Arista Sganarelle entpuppte sich als solch ein Konservativer. Bildung ist seiner Meinung nach vor allem Strenge, Kontrolle. Tugend und Freiheit können nicht vereinbar sein. Sganarelle liest Isabella Notizen vor und weckt dadurch in ihr den Wunsch, ihn zu täuschen, obwohl dieser Wunsch von dem Mädchen nicht offen geäußert wird. Das Erscheinen von Valera ist ein Strohhalm, nach dem Isabella greift und sich ihrem Vormund entzieht. Das ganze Paradoxon liegt in der Tatsache, dass der junge Vormund nicht in der Lage ist, die Bedürfnisse des jungen Schülers zu verstehen. Nicht umsonst wird im Finale das Komische durch das Dramatische abgelöst. Die „Lektion“, die Isabella dem Vormund erteilt, ist ganz natürlich: Einer Person muss vertraut werden, ihr Wille muss respektiert werden, sonst wächst ein Protest, der verschiedene Formen annimmt.

Der Geist der Freiheit bestimmt nicht nur das Handeln von Isabella, sondern auch das Verhalten von Aristo und Leonora. Wie Terentius verwendet Moliere „liberalitas“ nicht wie im Goldenen Zeitalter – „liberalis“ – „großzügig“, sondern im Sinne von „artes liberales, homo liberalis“ – jemand, dessen Verhalten den Titel eines freien Mannes, eines Adligen, verdient (Z. Korsch).

Sganarelles Idealvorstellung von Bildung wird zerstört. Dabei erweist sich Leonora als tugendhaft, da ihr Verhalten von einem Gefühl der Dankbarkeit geleitet wird. Die Hauptsache für sich selbst ist der Gehorsam gegenüber dem Vormund, dessen Ehre und Würde sie aufrichtig respektiert. Molière verurteilt Isabellas Tat jedoch auch nicht. Es zeigt ihr natürliches Bedürfnis nach Glück und Freiheit. Der einzige Weg, um Glück und Freiheit für ein Mädchen zu erreichen, ist Betrug.

Für den Dramatiker war die Tugend das Endergebnis des Bildungsprozesses Bestandteil Begriffsketten "Schule" - "Unterricht" - "Bildung (Erziehung)" - "Schule". Es gibt eine direkte Verbindung zwischen dem Titel und dem Ende. Die „Schule“, von der Lisette am Ende des Stücks spricht, ist das Leben selbst. Es ist notwendig, bestimmte Normen und Verhaltensregeln sowie Kommunikationsfähigkeiten zu beherrschen, um immer eine respektierte Person zu bleiben. Dabei hilft der praxiserprobte „Unterricht der weltlichen Schule“. Sie basieren auf den universellen Konzepten von Gut und Böse. Bildung und Tugend hängen nicht vom Alter ab, sondern von der Lebenseinstellung eines Menschen. Vernünftig und egoistisch sind unvereinbar. Egoismus führt zu einer negativen Wirkung. Dies wurde durch Sganarelles Verhalten vollständig bewiesen. Die Lektion erscheint nicht nur als Grundlage der Handlungsstruktur des Stücks, sondern auch als Ergebnis der Ausbildung der Figuren in der „Schule der menschlichen Kommunikation“.

Bereits in der ersten Comedy-"Schule" entdeckte Moliere einen neuen Blick auf die Ethik seiner zeitgenössischen Gesellschaft. Bei der Bewertung der Realität ließ sich der Dramatiker von einer rationalistischen Analyse des Lebens leiten und untersuchte konkrete Beispiele der typischsten Situationen und Charaktere.

In The School for Wives lag das Hauptaugenmerk der Dramatikerin auf der „Lektion“. Das Wort „Lektion“ kommt in allen Schlüsselszenen der Komödie siebenmal vor. Und das ist kein Zufall. Moliere definiert den Gegenstand der Analyse klarer - die Vormundschaft. Der Zweck der Komödie ist es, allen Vormündern Ratschläge zu geben, die das Alter, das Vertrauen, die wahre Tugend vergessen haben, die die Grundlage der Vormundschaft im Allgemeinen ist.

Im Verlauf der Handlung beobachten wir, wie sich der Begriff „Unterricht“ erweitert und vertieft, ebenso wie die Situation selbst, die den Zuschauern aus dem Alltag vertraut ist. Die Vormundschaft nimmt die Züge eines gesellschaftlich gefährlichen Phänomens an. Als Bestätigung dafür klingen Arnolfs selbstsüchtige Pläne, zu deren Erreichung er unter dem Deckmantel einer tugendhaften Person bereit ist, Agnes eine engstirnige Erziehung zu geben, die ihre persönlichen Rechte einschränkt. Für den Schüler wählt Arnolf die Position eines Einsiedlers. Dies brachte ihr Leben in völlige Abhängigkeit vom Willen des Vormunds. Die Tugend, von der Arnolf so viel spricht, wird tatsächlich zu einem Mittel, um einen anderen Menschen zu versklaven. Schon vom Begriff der „Tugend“ interessiert den Vormund nur solche Komponenten wie Gehorsam, Reue, Demut, und Gerechtigkeit und Barmherzigkeit werden von Arnolf einfach ignoriert. Er ist sich sicher, dass er Agnes bereits favorisiert hat, woran er sie von Zeit zu Zeit erinnert. Er hält sich für berechtigt, über das Schicksal des Mädchens zu entscheiden. Im Vordergrund steht die ethische Dissonanz im Verhältnis der Figuren, die das Finale der Komödie sachlich erklärt.

Im Laufe der Handlungsentwicklung begreift der Betrachter die Bedeutung des Wortes „Lektion“ als ethisches Konzept. Zunächst wird eine „Unterrichtsanweisung“ entwickelt. Also versichert Georgette, die den Besitzer umschmeichelt, dass er sich an alle seine Lektionen erinnern wird. Strenge Ausführung des Unterrichts, also Anweisungen, Regeln, verlangt Arnolf von Agnes. Er besteht darauf, dass sie sich die Regeln der Tugend einprägt: "Du musst diese Lektionen mit deinem Herzen lernen." Eine Unterrichtsanweisung, eine Aufgabe, ein zu befolgendes Beispiel – versteht natürlich wenig ein junger Mensch, der nicht weiß, wie es anders sein könnte. Und auch als Agnes sich den Lehren des Wächters widersetzt, realisiert sie ihren Protest nicht ganz.

Die Handlung kulminiert im fünften Akt. Überraschungen bestimmen die letzten Szenen, in deren Mittelpunkt Agnes' Vorwurf steht, den sie dem Vormund vorträgt: „Und du bist der Mann, der sagt, er wolle mich zur Frau nehmen. Ich habe deine Lektionen befolgt, und du hast mir beigebracht, zu heiraten, um die Sünde wegzuwaschen.“ Gleichzeitig sind „Ihre Lektionen“ nicht mehr nur Unterrichtsanweisungen. In den Worten von Agnes - eine Herausforderung für den Vormund, der ihr eine normale Erziehung und eine säkulare Gesellschaft vorenthielt. Die Aussage von Agnes kommt jedoch nur für Arnolf überraschend. Zuschauer beobachten, wie dieser Protest allmählich wächst. Die Worte von Agnes führen zum Verständnis der moralischen Lektion, die das Mädchen im Leben erhalten hat.

Arnolf erhält auch eine Morallektion, die eng mit der „Warnlektion“ verbunden ist. Diese Lektion im ersten Akt wird von Arnolfs Freund Chrysald erteilt. In einem Gespräch mit Arnolf zeichnet er, sich über einen Freund lustig machend, das Bild eines betrogenen Ehemanns. Arnolf hat Angst davor, ein solcher Ehemann zu werden. Er, kein junger Mann mehr, ein eingefleischter Junggeselle, der sich entschieden hat zu heiraten, hofft, dass er das Schicksal vieler Ehemänner vermeiden kann, dass sein Lebenserfahrung hat viele gute Beispiele gegeben und er wird in der Lage sein, Fehler zu vermeiden. Doch die Angst, die eigene Ehre zu beflecken, wird zur Leidenschaft. Sie treibt auch Arnolfs Wunsch, Agnes zu isolieren, aus weltliches Leben voll, seiner Meinung nach, von gefährlichen Versuchungen. Arnolf wiederholt Sganarelles Fehler, und die „Warnstunde“ ertönt für alle vergessenen Wächter.

Abschließend wird auch der Name der Komödie geklärt, der sowohl als Thema (Vormundschaft) als auch als Lehrmethode fungiert, an die Naturgesetze erinnert, dass sie nicht abgelehnt werden können, und auch wie ein Ratschlag klingt, eine Warnung an Ehemänner, die , wie Arnolf, es wagen, das natürliche Menschenrecht auf Freiheit und freie Wahl zu verletzen. "Schule" erschien erneut als ein System von Lebensmethoden, deren korrekte Entwicklung eine Person vor einer lächerlichen Situation und Dramen schützt.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass bereits im Werk von Molière die Komödien-„Schule“ als Genreform aktiv entwickelt wurde. Ihre Aufgabe ist es, die Gesellschaft zu erziehen. Diese Erziehung ist jedoch im Gegensatz zur moralistischen Dramaturgie frei von offener Didaktik, sie basiert auf einer rationalistischen Analyse, die darauf abzielt, die traditionellen Vorstellungen des Zuschauers zu ändern. Bildung war nicht nur ein Prozess, in dessen Verlauf sich das Weltbild des Betrachters veränderte, sondern auch ein Mittel zur Beeinflussung seines Bewusstseins und des Bewusstseins der Gesellschaft insgesamt.

Die Helden der Komödien-„Schule“ waren das charakteristischste Beispiel für Leidenschaft, Charakter oder Phänomen im sozialen Leben. Sie durchliefen eine Reihe von moralischen, ideologischen und sogar psychologischen Lektionen, beherrschten bestimmte Kommunikationsfähigkeiten, die nach und nach ein neues System bildeten ethische Konzepte eine andere Wahrnehmung der Alltagswelt zu erzwingen. Gleichzeitig wurde die „Lektion“ in der Komödien-„Schule“ in fast allen historisch etablierten lexikalischen Bedeutungen offenbart - von „Aufgabe“ bis „Abschluss“. Die moralische Zweckmäßigkeit der Handlungen einer Person beginnt, ihre Nützlichkeit im Leben zu bestimmen. individuelle Familie und sogar die ganze Gesellschaft.

Das Hauptkonzept der Komödie – „Schule“ – wird zur „Tugend“. Moliere verbindet es in erster Linie mit Moral. Der Dramatiker führt in den Inhalt von "Tugend" Begriffe wie "Rationalität", "Vertrauen", "Ehre", "freie Wahl" ein. „Tugend“ fungiert auch als Kriterium für „schön“ und „hässlich“ im Handeln der Menschen und bestimmt maßgeblich die Abhängigkeit ihres Verhaltens vom sozialen Umfeld. Darin war Molière den Aufklärern voraus.

Die „Spiegel“-Situation half, den Dogmatismus des gewöhnlichen Weltbildes zu überwinden und durch die Methode der „Verfremdung“ den gewünschten „Lerneffekt“ zu erzielen. Das eigentliche Bühnengeschehen stellte nur ein Verhaltensmodell dar, als anschauliches Beispiel für die rationalistische Realitätsanalyse des Zuschauers.

Molières Komödie war eng mit dem Leben verbunden. Daher gibt es oft ein dramatisches Element darin. Seine Träger sind Charaktere, die in der Regel bestimmte persönliche Eigenschaften in ihren Charakteren verkörpern, die im Widerspruch zu allgemein anerkannten Normen stehen. Auf der Bühne erklingen oft schwere gesellschaftliche Konflikte. Bei ihrer Entscheidung wird Charakteren einfacher Herkunft - Dienern - ein besonderer Platz eingeräumt. Sie fungieren auch als Träger gesunder Prinzipien des sozialen Lebens. A. S. Puschkin schrieb: „Beachten wir, dass hohe Komödie nicht nur auf Lachen basiert, sondern auf der Entwicklung von Charakteren und dass sie oft einer Tragödie nahe kommt.“ Diese Bemerkung kann voll und ganz der Komödien-„Schule“ zugeschrieben werden, die sich im Werk von Molière parallel zur „hohen“ Komödie entwickelt.

Der Klassizist Moliere sprach sich gegen die Wichtigtuerei und Unnatürlichkeit des klassischen Theaters aus. Seine Charaktere sprachen in gewöhnlicher Sprache. Während seines gesamten Schaffens folgte der Dramatiker seinem Anspruch, das Leben wahrheitsgetreu wiederzugeben. Die Träger des gesunden Menschenverstandes waren in der Regel junge Charaktere. Die Wahrheit des Lebens wurde durch die Kollision solcher Helden mit der Hauptfigur der Satire sowie durch die Gesamtheit der Kollisionen und Beziehungen der Charaktere in der Komödie aufgedeckt.

In vielerlei Hinsicht von strengen klassizistischen Normen abweichend, blieb Moliere dennoch im Rahmen dieses künstlerischen Systems. Seine Schriften sind rationalistisch im Geiste; Alle Charaktere sind einlinear, ohne spezifische historische Details und Details. Und doch waren es seine komischen Bilder, die zu einem lebendigen Spiegelbild der Prozesse wurden, die mit den wichtigsten Tendenzen in der Entwicklung der französischen Gesellschaft in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts verbunden waren.

Die Merkmale der "hohen" Komödie zeigten sich am deutlichsten im berühmten Stück "Tartuffe". A. S. Puschkin, der die Arbeit von Shakespeare und Moliere vergleicht, bemerkte: „Die von Shakespeare geschaffenen Gesichter sind nicht wie die von Moliere Typen von dieser und jener Leidenschaft, diesem und jenem Laster; sondern Lebewesen, erfüllt von vielen Leidenschaften, vielen Lastern; Umstände entfalten vor dem Betrachter ihre vielfältigen und facettenreichen Charaktere. Molière ist geizig – und nur bei Shakespeare ist Shylock geizig, schlagfertig, rachsüchtig, kinderliebend, witzig. In Molière schleppt der Heuchler die Frau seines Wohltäters hinterher, der Heuchler, nimmt den Nachlass zur Aufbewahrung an, der Heuchler; verlangt nach einem Glas Wasser, der Heuchler." Puschkins Worte wurden zu einem Lehrbuch, weil sie die Essenz des Charakters der zentralen Figur des Stücks sehr genau wiedergaben, was eine neue Etappe in der Entwicklung der französischen Nationalkomödie bestimmte.

Das Stück wurde erstmals am 12. Mai 1664 bei einem Fest in Versailles aufgeführt. „Die Komödie um Tartuffe begann mit allgemein begeisterter und wohlwollender Aufmerksamkeit, die sofort größtem Erstaunen Platz machte. Am Ende des dritten Akts wusste das Publikum nicht mehr, was es denken sollte, und es blitzte der Gedanke auf, dass Monsieur de Molière vielleicht nicht ganz bei Verstand war. So beschreibt M.A. Bulgakov die Reaktion des Publikums auf die Aufführung. Nach den Erinnerungen von Zeitgenossen und in Literaturstudien des 17. Jahrhunderts, einschließlich der Theatergeschichte, wird festgestellt, dass das Stück sofort einen Skandal auslöste. Es richtete sich gegen die jesuitische „Gesellschaft der Heiligen Gaben“, was bedeutete, dass Molière in einen Bereich von Beziehungen eindrang, der allen verboten war, einschließlich dem König selbst. Auf Drängen von Kardinal Hardouin de Beaumont de Perefix und unter dem Ansturm empörter Höflinge wurde Tartuffe die Aufführung verboten. Mehrere Jahre lang überarbeitete der Dramatiker die Komödie: Er entfernte Zitate aus dem Evangelium aus dem Text, änderte das Ende, entfernte Tartuffe die Kirchenkleidung und stellte ihn nur als frommen Menschen dar, milderte auch bestimmte Momente ab und zwang Cleante zu einem Monolog über wahrhaft fromme Menschen. Nach einer einmaligen Aufführung in überarbeiteter Form 1667 kam das Stück erst 1669, also nach dem Tod der Mutter des Königs, einer fanatischen Katholikin, wieder auf die Bühne.

Das Stück wurde also im Zusammenhang mit bestimmten Ereignissen im sozialen Leben Frankreichs geschrieben. Sie werden von Molière in die Form einer neuattischen Komödie gekleidet. Es ist kein Zufall, dass die Charaktere alte Namen tragen - Orgon, Tartuffe. Der Dramatiker wollte zunächst die Mitglieder der „Gesellschaft der Heiligen Gaben“ lächerlich machen, die vom Vertrauen ihrer Mitbürger profitieren. Zu den wichtigsten Inspiratoren der "Gesellschaft" gehörte die Mutter des Königs. Die Inquisition zögerte nicht, sich durch Denunziationen gegen die leichtgläubigen Franzosen zu bereichern. Die Komödie wurde jedoch zu einer Anklage gegen die christliche Frömmigkeit als solche, und die Hauptfigur Tartuffe wurde zu einem geläufigen Wort für einen Fanatiker und Heuchler.

Das Bild von Tartuffe baut auf dem Widerspruch zwischen Worten und Taten, zwischen Schein und Wesen auf. Mit anderen Worten, er „geißelt alle sündigen Dinge öffentlich“ und will nur das, „was dem Himmel gefällt“. Aber in Wirklichkeit tut er alle Arten von Niedrigkeit und Gemeinheit. Er lügt ständig, ermutigt Orgon zu schlechten Taten. Also weist Orgon seinen Sohn aus dem Haus, weil Damis sich gegen die Heirat von Tartuffe mit Mariana ausspricht. Tartuffe frönt der Völlerei, begeht Hochverrat, indem er sich betrügerisch der Spende an das Eigentum seines Wohltäters bemächtigt. Die Magd Dorina charakterisiert diesen „Heiligen“ wie folgt:

... Tartuffe ist ein Held, ein Idol. Die Welt sollte über seine Tugenden staunen; Seine Taten sind wunderbar, und was er sagt, ist ein Urteil des Himmels. Aber als er einen solchen Einfaltspinsel sieht, täuscht er ihn mit seinem Spiel ohne Ende; Er machte aus Heuchelei Profit und bereitet sich darauf vor, uns zu lehren, solange wir leben.

Wenn wir die Handlungen von Tartuffe sorgfältig analysieren, werden wir feststellen, dass alle sieben Todsünden vorhanden sind. Gleichzeitig ist die Methode, mit der Molière das Bild der Hauptfigur konstruiert, eigenartig.

Das Bild von Tartuffe ist nur auf Heuchelei aufgebaut. Heuchelei wird durch jedes Wort, jede Tat, jede Geste verkündet. Es gibt keine anderen Eigenschaften in Tartuffes Charakter. Moliere selbst schrieb, dass Tartuffe in diesem Bild von Anfang bis Ende kein einziges Wort ausspricht, das dem Publikum keinen schlechten Menschen zeigen würde. Der Dramatiker, der diese Figur zeichnet, greift auch zu satirischen Übertreibungen: Tartuffe ist so fromm, dass er sich bei Gott dafür entschuldigt, ein Lebewesen getötet zu haben, als er während des Gebets einen Floh zerquetscht.

Um den scheinheiligen Anfang in Tartuffe hervorzuheben, baut Molière zwei Szenen hintereinander auf. Im ersten bittet der „heilige Mann“ Tartuffe verlegen die Magd Dorina, ihr Dekolleté zu bedecken, doch nach einer Weile versucht er, Orgons Frau Elmira zu verführen. Molières Stärke liegt in dem, was er zeigte – christliche Moral, Frömmigkeit stören nicht nur nicht beim Sündigen, sondern helfen sogar, diese Sünden zu bedecken. So lenkt Molière in der dritten Szene des dritten Akts mit der Technik des „Maskenabreißens“ die Aufmerksamkeit des Betrachters darauf, wie geschickt Tartuffe das „Wort Gottes“ einsetzt, um die Leidenschaft für den Ehebruch zu rechtfertigen. Damit entlarvt er sich.

Tartuffes leidenschaftlicher Monolog endet mit einem Geständnis, das den heiligen Heiligenschein endgültig seiner frommen Natur beraubt. Moliere entlarvt durch den Mund von Tartuffe sowohl die Sitten der High Society als auch die Sitten der Kirchenmänner, die sich kaum voneinander unterscheiden.

Tartuffes Predigten sind so gefährlich wie seine Leidenschaften. Sie verändern einen Menschen, seine Welt so sehr, dass er, wie Orgon, aufhört, er selbst zu sein. Orgon selbst gesteht den Streit mit Cleanthes:

... Wer ihm nachfolgt, schmeckt die gesegnete Welt, Und alle Geschöpfe im Universum sind ihm ein Greuel. Ich wurde durch diese Gespräche mit ihm völlig anders: Von nun an habe ich keine Eigensinne, Und ich schätze nichts mehr auf der Welt; Lass meinen Bruder, meine Mutter, meine Frau und meine Kinder sterben, ich werde mich darüber so sehr aufregen, sie-sie-sie!

Comedy-Argumentator Cleante fungiert nicht nur als Beobachter der Ereignisse in Orgons Haus, sondern versucht auch, die Situation zu ändern. Er erhebt offen Anschuldigungen gegen Tartuffe und ähnliche Heilige. Sein berühmter Monolog ist ein Urteil über Heuchelei und Heuchelei. Wie Tartuffe widersetzt sich Cleante Menschen mit einem reinen Herzen und erhabenen Idealen.

Auch die Magd Dorina konfrontiert Tartuffe und verteidigt die Interessen ihrer Herren. Dorina ist die witzigste Figur in der Komödie. Sie überschüttet Tartuffe buchstäblich mit Spott. Ihre Ironie fällt auch auf den Besitzer, denn Orgon ist ein abhängiger Mensch, zu vertrauensselig, weshalb Tartuffe ihn so leicht hintergeht.

Dorina verkörpert ein gesundes Volksprinzip. Die Tatsache, dass der aktivste Kämpfer gegen Tartuffe der Träger des gesunden Menschenverstandes ist, ist zutiefst symbolisch. Es ist kein Zufall, dass Cleanthe, der den erleuchteten Geist verkörpert, Dorinas Verbündeter wird. Das war der Utopismus von Molière. Der Dramatiker glaubte, dass dem Bösen in der Gesellschaft durch die Vereinigung von Volksverstand und aufgeklärter Vernunft widerstanden werden könne.

Auch Dorina hilft Mariana bei ihrem Kampf ums Glück. Sie äußert sich offen gegenüber dem Besitzer über seine Pläne, seine Tochter mit Tartuffe zu verheiraten, obwohl dies unter den Dienern nicht akzeptiert wurde. Der Streit zwischen Orgon und Dorina lenkt die Aufmerksamkeit auf das Problem der Familienerziehung und die Rolle des Vaters darin. Orgon hält sich für berechtigt, die Kinder und ihr Schicksal zu kontrollieren, also trifft er ohne jeden Zweifel eine Entscheidung. Die unbegrenzte Macht des Vaters wird von fast allen Figuren des Stücks verurteilt, aber nur Dorina geißelt Orgon in ihrer üblichen ätzenden Art scharf, sodass die Bemerkung die Haltung des Meisters zu den Aussagen der Magd treffend einfängt: „Orgon ist immer bereit, Dorina ins Gesicht zu schlagen und dreht sich bei jedem Wort, das er zu seiner Tochter sagt, um, um Dorina anzusehen …“

Die Ereignisse entwickeln sich so, dass der utopische Charakter des Finales der Komödie offensichtlich wird. In der ersten Version war er natürlich ehrlicher. Monsieur Loyal kam, um den Gerichtsbeschluss zu erfüllen – das Haus von der ganzen Familie zu räumen, da nun Monsieur Tartuffe der Eigentümer dieses Gebäudes ist. Moliere fügt ein dramatisches Element in die Schlussszenen ein und enthüllt bis zum Äußersten die Trauer, in der sich die Familie aufgrund der Laune Orgons befand. Die siebte Manifestation des fünften Aktes macht es schließlich möglich, das Wesen von Tartuffes Wesen zu verstehen, das sich nun als ein schrecklicher und grausamer Mensch offenbart. Zu Orgon, der diesen Heuchler in seinem Haus beherbergte, erklärt Tartuffe arrogant:

Seien Sie ruhig, mein Herr! Wohin rennst du so? Du hast einen kurzen Weg zu einer neuen Unterkunft für die Nacht, Und auf Wunsch des Königs werde ich dich verhaften.

Molière verkündete kühn genug, was verboten war – durch den Willen des Königs wurden die Mitglieder der „Gesellschaft der heiligen Gaben“ in ihren Aktivitäten geleitet. I. Glikman bemerkt die Anwesenheit politisches Motiv in Aktion, die mit dem vergangenen Schicksal der Helden des Stücks verbunden ist. Insbesondere der fünfte Akt erwähnt eine bestimmte Truhe mit Dokumenten von staatlicher Bedeutung, von denen Orgons Verwandte nichts wussten. Das sind die Dokumente des Auswanderers Argas, der vor staatlicher Repression geflohen ist. Wie sich herausstellte, nahm Tartuffe die Aktenkiste durch Täuschung in Besitz und präsentierte sie dem König, um die Verhaftung von Orgon zu erreichen. Deshalb verhält er sich so unspektakulär, als ein Beamter und ein Gerichtsvollzieher zu Orgons Haus kommen. Laut Tartuffe wurde er vom König zum Haus Orgon geschickt. Also kommt alles Böse im Staat vom Monarchen! Ein solches Ende konnte nur einen Skandal hervorrufen. Der Text des Stücks enthält jedoch bereits in der überarbeiteten Fassung ein Element des Wunders. In dem Moment, als Tartuffe im Vertrauen auf seinen Erfolg verlangt, dass der königliche Befehl in Gang gesetzt wird, bittet der Offizier Tartuffe unerwartet, ihm ins Gefängnis zu folgen. Molière macht einen Knicks vor dem König. Der Offizier, der auf Tartuffe zeigt, bemerkt zu Orgon, wie barmherzig und gerecht der Monarch ist, wie weise er seine Untertanen regiert.

Gemäß den Anforderungen der Ästhetik des Klassizismus gewinnt also das Gute am Ende und das Laster wird bestraft. Das Finale ist das meiste Schwachstelle spielt, aber er reduzierte nicht den gesellschaftlichen Gesamtklang der Komödie, die bis heute nicht an Aktualität verloren hat.

Unter den Komödien, die die gegensätzlichen Ansichten von Molière bezeugen, kann man das Stück Don Juan oder der steinerne Gast nennen. Dies ist das einzige Stück in Prosa, in dem gleich Schauspieler sind der Aristokrat Don Juan und die Bauern, die Diener, sogar der Bettler und der Bandit. Und jeder von ihnen hat seine eigene charakteristische Sprache. Hier entfernt sich Molière mehr als in allen seinen Stücken vom Klassizismus. Es ist auch eine der aufschlussreichsten Komödien des Dramatikers.

Das Stück basiert auf einer geliehenen Handlung. Der spanische Dramatiker Tirso de Molina hat es erstmals in der Komödie „Der schelmische Mann von Sevilla“ in die große Literatur eingeführt. Molière lernte dieses Stück durch italienische Schauspieler kennen, die es während der Spielzeit 1664 auf Tournee aufführten. Molière hingegen schafft ein originelles Werk mit offener Anti-Adels-Orientierung. Jeder französische Zuschauer erkannte in Don Juan einen vertrauten Typ von Aristokrat - zynisch, ausschweifend, seine Straflosigkeit zur Schau stellend. Die Moral, von der Don Juan sprach, herrschte am Hof, besonders unter der „goldenen Jugend“ aus dem Gefolge von König Ludwig XIV. Molières Zeitgenossen nannten die Namen der für Ausschweifungen berühmten Höflinge „Mut“ und Blasphemie, aber Versuche zu erraten, wen der Dramatiker unter dem Namen Don Juan brachte, waren vergebens, denn die Hauptfigur der Komödie ähnelte auffallend vielen Menschen und niemand besonders. Und der König selbst gab oft ein Beispiel für solche Moralvorstellungen. Zahlreiche frivole Abenteuer und Siege über Frauenherzen galten bei Hofe als Unfug. Molière hingegen betrachtete die Tricks von Don Juan aus einer anderen Position – vom Standpunkt des Humanismus und der Staatsbürgerschaft. Den Titel des Stücks „Die Schurken von Sevilla“ lehnt er bewusst ab, weil er Don Juans Verhalten nicht als Schalk und unschuldige Streiche ansieht.

Der Dramatiker bricht kühn die Kanons des Klassizismus und verletzt die Einheit von Zeit und Ort, um das Bild seines Helden so lebendig wie möglich zu zeichnen. Die allgemeine Einstellung ist in Sizilien, aber jeder Akt wird von einer Bemerkung begleitet: der erste „die Szene stellt den Palast dar“, der zweite „die Szene stellt das Gebiet an der Küste dar“, der dritte „die Szene stellt den Wald dar“. ,", das vierte, "die Szene stellt Don Giovannis Gemächer dar", und fünftens - "die Szene stellt einen offenen Bereich dar." Dies ermöglichte es, Don Juan in Beziehungen mit verschiedenen Menschen zu zeigen, einschließlich Vertretern verschiedener Klassen. Der Aristokrat trifft auf seinem Weg nicht nur Don Carlos und Don Alonso, sondern auch Bauern, einen Bettler und den Kaufmann Dimansh. Damit gelingt es dem Dramatiker, die wesentlichsten Züge des „goldenen Jünglings“ aus dem Gefolge des Königs in der Figur des Don Juan darzustellen.

Sganarelle gibt seinem Meister sofort beim ersten Auftritt des ersten Aktes eine vollständige Charakterisierung, als er dem Stallknecht Guzman erklärt:

„... mein Meister Don Juan ist der größte aller Schurken, den die Erde je getragen hat, ein Ungeheuer, ein Hund, ein Teufel, ein Türke, ein Ketzer, der weder an den Himmel noch an Heilige noch an Gott glaubt, noch im Teufel, der wie ein abscheuliches Vieh lebt, wie ein epikureisches Schwein, wie ein echter Sardanapalus, der nicht auf christliche Lehren hören will und alles, was wir für Unsinn halten, für Unsinn hält “(übersetzt von A. Fedorov). Weitere Maßnahmen bestätigen nur all das Obige.

Don Juan von Molière ist ein zynischer, grausamer Mann, der rücksichtslos die Frauen zerstört, die ihm vertrauten. Darüber hinaus erklärt der Dramatiker den Zynismus und die Grausamkeit der Figur damit, dass er ein Aristokrat ist. Bereits im ersten Akt des ersten Phänomens wird dies dreimal angedeutet. Sganarelle gesteht Guzman: „Als auch ein edler Herr schlechter Mann, dann ist das schrecklich: Ich muss ihm treu bleiben, obwohl ich unerträglich bin. Nur die Angst macht mich fleißig, sie zügelt meine Gefühle und zwingt mich, das zuzulassen, was meiner Seele widerspricht. So wird deutlich, warum Sganarelle auf den Zuschauer so dumm und witzig wirkt. Angst treibt sein Handeln an. Er gibt vor, ein Narr zu sein und versteckt seine natürliche Weisheit und moralische Reinheit hinter clownesken Launen. Das Bild von Sganarelle soll die ganze Niedrigkeit von Don Juans Natur beschatten, die auf Straflosigkeit vertraut, weil sein Vater ein Hofaristokrat ist.

Der Wüstlingstyp bot dem Dramatiker einen fruchtbaren Boden, um moralische Verantwortungslosigkeit vom Standpunkt einer rationalistischen Ethik aus aufzudecken. Gleichzeitig entlarvt Molière Don Juan aber vor allem unter einem gesellschaftlichen Gesichtspunkt, der das Bild der Hauptfigur über die abstrakt-logische Natur der Klassiker hinausführt. Molière stellt Don Juan als typischen Lasterträger seiner Zeit dar. Auf den Seiten der Komödie erwähnen verschiedene Charaktere ständig, dass alle Herren Heuchler, Wüstlinge und Betrüger sind. Also erklärt Sganarelle seinem Meister: „Oder vielleicht denkst du, wenn du aus einer adligen Familie stammst, dann hast du eine blonde, kunstvoll gelockte Perücke, einen Hut mit Federn, ein goldbesticktes Kleid und feurige Bänder . .. vielleicht denkst du, dass du dadurch klüger bist, dass dir alles erlaubt ist und sich niemand traut, dir die Wahrheit zu sagen? Der gleichen Meinung ist der Bauer Pierrot, der Don Giovanni von Charlotte vertreibt: „Verdammt noch mal! Da Sie ein Meister sind, können Sie dann unsere Frauen vor unserer Nase belästigen? Nein, mach weiter und bleib bei deinem."

Anzumerken ist, dass Moliere auch Beispiele hoher Ehre aus aristokratischem Umfeld zeigt. Einer von ihnen ist Don Juans Vater, Don Luis. Der Edelmann bleibt dem Ruhm seiner Vorfahren treu, widersetzt sich dem unanständigen Verhalten seines Sohnes. Er ist bereit, ohne auf die himmlische Strafe zu warten, seinen Sohn selbst zu bestrafen und seiner Ausschweifung ein Ende zu bereiten. Es gibt keinen traditionellen Denker in der Komödie, aber es ist Don Luis, der aufgefordert wird, seine Rolle zu spielen. Die an den Sohn gerichtete Rede ist ein Appell an den Saal: „Wie tief bist du gefallen! Errötest du nicht, weil du deiner Herkunft so wenig würdig bist? Haben Sie, sagen Sie mir, einen Grund, stolz auf ihn zu sein? Was haben Sie getan, um den Titel eines Adligen zu rechtfertigen? Oder meinst du, dass ein Name und ein Wappen genügen und dass edles Blut uns schon an sich erhebt, auch wenn wir schändlich gehandelt haben? Nein, nein, Adel ohne Tugend ist nichts. Wir nehmen am Ruhm unserer Vorfahren nur in dem Maße teil, in dem wir selbst danach streben, wie sie zu sein ... Verstehen Sie schließlich, dass ein Adliger, der ein schlechtes Leben führt, ein Monster der Natur ist, dass Tugend das erste Zeichen des Adels ist, dass ich Ich lege viel weniger Wert auf Namen als auf Taten, und das schätze ich den Sohn einer Haushälterin, wenn er ein ehrlicher Mann ist, höher ein als den Sohn eines Königs, wenn er so lebt wie du. Die Worte von Don Luis spiegelten sowohl die Ansichten des Dramatikers selbst als auch die Stimmung des Teils des Adels wider, der bereit war, sich der Freizügigkeit der Vertreter dieser Klasse und Kaste im öffentlichen Leben zu widersetzen.

Die antiadlige Ausrichtung der Komödie wird auch durch die Art und Weise verstärkt, wie das Bild des Protagonisten aufgebaut ist. Bei der Darstellung von Don Juan weicht Molière von der Ästhetik des Klassizismus ab und verleiht dem negativen Charakter eine Reihe positiver Eigenschaften, die im Gegensatz zu den von Sganarelle gegebenen Merkmalen stehen.

Don Juan kann man Witz, Mut und Großzügigkeit nicht absprechen. Anders als zum Beispiel der Kommandant im Drama von Lope de Vega steigt er zum Werben um Bäuerinnen hinab. Aber dann entlarvt Molière sehr genau und darin sein künstlerisches Können jede positive Eigenschaft seines Helden. Don Juan ist mutig, wenn er zwei gegen drei kämpft. Als Don Juan jedoch erfährt, dass er gegen die Zwölf kämpfen muss, gewährt er dem Diener das Recht, an seiner Stelle zu sterben. Dies zeigt die niedrigste Stufe moralischer Charakter ein Adliger, der erklärt: "Glücklich ist der Diener, dem ein glorreicher Tod für seinen Herrn gegeben ist."

Don Juan wirft großzügig einen goldenen Bettler zu. Aber die Szene mit dem Wucherer Dimansh, in der er gezwungen wird, sich vor dem Gläubiger zu demütigen, zeigt, dass Don Juans Großzügigkeit eine Verschwendung ist, denn er wirft das Geld anderer Leute weg.

Zu Beginn der Handlung wird der Zuschauer von der Geradlinigkeit von Don Juan angezogen. Er will nicht heuchlerisch sein und Elvira ehrlich erklären, dass er sie nicht liebt, dass er sie bewusst verlassen hat, sein Gewissen hat ihn dazu veranlasst. Abweichend von der Ästhetik des Klassizismus nimmt Molière im Laufe der Entwicklung des Stücks aber auch Don Giovanni diese positive Qualität. Sein Zynismus gegenüber der Frau, die ihn liebt, ist frappierend. Ein aufrichtiges Gefühl ruft keine Reaktion in seiner Seele hervor. Don Juan verlässt Doña Elvira und offenbart die ganze Gefühllosigkeit seiner Natur:

Don Juan. Aber wissen Sie, ich habe wieder etwas in ihr gespürt, in dieser ungewöhnlichen Form von ihr habe ich einen besonderen Reiz gefunden: Nachlässigkeit in der Kleidung, träger Blick, Tränen - all dies erweckte in mir die Überreste eines erloschenen Feuers.

Sganarelle. Mit anderen Worten, ihre Reden hatten überhaupt keine Wirkung auf Sie.

Don Juan. Essen, leben!

Moliere achtet besonders auf Heuchelei. Es wird nicht nur verwendet, um eine Karriere bei den Höflingen zu erreichen, sondern auch in Beziehungen zwischen nahen Menschen. Dies wird durch den Dialog zwischen Don Juan und seinem Vater belegt. Heuchelei ist ein Mittel, um Ihre eigenen egoistischen Ziele zu erreichen. Don Juan kommt zu dem Schluss, dass Heuchelei bequem und sogar profitabel ist. Und er gesteht dies seinem Diener. Moliere legt Don Juan eine Hymne an die Heuchelei in den Mund: „Heute schämt man sich dessen nicht mehr: Heuchelei ist ein modisches Laster, und alle modischen Laster gelten als Tugenden. Die Rolle eines Mannes mit guten Regeln ist die beste aller Rollen, die man spielen kann. Heuchelei hat in unserer Zeit enorme Vorteile. Dank dieser Kunst wird Betrug immer respektiert, selbst wenn er aufgedeckt wird, wird es dennoch niemand wagen, ein einziges Wort dagegen zu sagen. Alle anderen menschliche Laster Kritik ausgesetzt, steht es jedem frei, sie offen anzugreifen, aber Heuchelei ist ein Laster, das besondere Vorteile genießt, es bringt jeden mit seiner eigenen Hand zum Schweigen und genießt ruhig völlige Straflosigkeit ... "

Don Juan ist ein Bild, mit dem auch das antireligiöse Thema der Komödie verbunden ist. Molière macht aus seinem negativen Helden auch einen Freidenker. Don Juan erklärt, dass er weder an Gott noch an den schwarzen Mönch glaubt, sondern glaubt, dass zweimal zwei vier macht.

Auf den ersten Blick mag es scheinen, als ob Molière, indem er den negativen Helden zum Freidenker machte, selbst das Freidenken ablehnte. Um das Bild von Don Juan zu verstehen, sollte jedoch daran erinnert werden, dass es im Frankreich des 17. Jahrhunderts zwei Arten von Freidenkerei gab - aristokratisch und echt. Für die Aristokratie war die Religion ein Zaumzeug, das sie daran hinderte, einen ausschweifenden Lebensstil zu führen. Aber das freie Denken der Aristokratie war eingebildet, da die Religion von ihr für ihre eigenen Interessen benutzt wurde. Echtes freies Denken fand seinen Ausdruck in den Schriften von Descartes, Gassendi und anderen Philosophen. Es ist diese Art von freiem Denken, die die gesamte Komödie von Molière durchdringt.

In Anlehnung an Don Juan macht sich Molière über die Anhänger des aristokratischen Freidenkertums lustig. In den Mund einer komischen Figur, des Dieners von Sganarelle, legt er die Rede des Verteidigers der Religion. Aber die Art, wie Sganarelle es ausspricht, zeugt von den Absichten des Dramatikers. Sganarelle will beweisen, dass es einen Gott gibt, er lenkt die Geschicke der Menschen, aber all seine Argumente beweisen das Gegenteil: „Glaube ist gut und Dogmen sind gut! Es stellt sich heraus, dass Ihre Religion die Arithmetik ist? Was für absurde Gedanken tauchen, um die Wahrheit zu sagen, in den Köpfen der Menschen auf ... Ich, mein Herr, habe Gott sei Dank nicht wie Sie studiert, und niemand kann sich rühmen, dass er mir etwas beigebracht hat, außer ich mit meinem Verstand , mit meinem kleinen gesunden Menschenverstand verstehe ich alles besser als alle Schreiber, und ich verstehe sehr gut, dass diese Welt, die wir sehen, nicht über Nacht wie ein Pilz wachsen kann. Wer, lass mich dich fragen, hat diese Bäume, diese Felsen, diese Erde und diesen Himmel über uns erschaffen? Nehmen Sie zum Beispiel wenigstens Sie: Sind Sie allein auf die Welt gekommen, musste nicht deswegen Ihre Mutter von Ihrem Vater schwanger werden? Können Sie sich all die komplizierten Dinge ansehen, aus denen die Maschine des menschlichen Körpers besteht, und sich nicht darüber wundern, wie alles zusammenpasst? Nerven, Knochen, Venen, Arterien, genau diese ... Lungen, Herz, Leber und andere Teile, die hier sind und ... "

Die Szene mit dem Bettler ist auch von einer tiefen antireligiösen Bedeutung erfüllt. Der Bettler ist fromm, er hungert, er betet zu Gott, aber dennoch ist er arm, und die gute Tat geht auf den Gotteslästerer Don Juan zurück, der ihm aus angeblicher Menschenliebe Gold zuwirft. Gleichzeitig ist er nicht abgeneigt, den gottesfürchtigen Bettler zu verspotten, von dem er Gotteslästerung für Gold fordert. Wie D. D. Oblomievsky schreibt, ist Don Juan „ein Verführer von Frauen, ein überzeugter Lästerer und ein Heuchler, der eine religiöse Bekehrung nachahmt. Verderbtheit ist natürlich die Haupteigenschaft von Don Juan, aber sie unterdrückt nicht seine anderen Züge.

Auch das Finale des Stückes bekommt einen breiten antireligiösen Klang. Der Atheist Don Juan gibt der Statue seine Hand und stirbt. Die Statue spielt die Rolle der höchsten Vergeltung, die in diesem Bild verkörpert ist. Molière behält genau das Ende von Tirso de Molinas Stück bei. Aber wenn das Publikum nach der Komödie des spanischen Dramatikers entsetzt das Theater verließ, dann wurde das Ende von Molières Komödie von Gelächter begleitet. Tatsache ist, dass hinter den Kulissen der Bestrafung des Sünders sofort Sganarelle auftauchte, der mit seinen Possen und komischen Bemerkungen für Gelächter sorgte. Gelächter beseitigte alle Angst vor Gottes Strafe. Dabei erbte Moliere die Traditionen sowohl der antiken Komödie als auch der Renaissance-Komödie und Literatur im Allgemeinen.

Das Stück löste einen riesigen Skandal aus. Nach der fünfzehnten Vorstellung wurde es verboten. Die Komödie kehrte erst nach 176 Jahren auf die französische Bühne zurück. Molière wurde vorgeworfen, dass seine Ansichten völlig mit denen Don Juans übereinstimmten. Der Theaterkenner Rochemont erklärte die Komödie zu einem „teuflischen Stück“ und widmete ihrer Analyse in „Bemerkungen zu Molières Komödie mit dem Titel Der steinerne Gast“ (1665) viele abwertende Zeilen.

Aufgaben zum selbstständigen Arbeiten

1. Machen Sie sich mit der methodischen Literatur für den Lehrer vertraut: In welcher Klasse wird vorgeschlagen, die Arbeit von Molière zu studieren?

2. Erstellen Sie einen zusammenfassenden Plan zum Thema „Molières Arbeit in der Schule studieren“.

Kreative Arbeit am Thema

1. Entwickeln Sie einen Unterrichtsplan zum Thema „Mr. Jourdain und seine Welt“.

2. Schreiben Sie einen Aufsatz zum Thema: „The Misanthrope“ von Moliere und „Wehe von Wit“ von Griboedov (Ähnlichkeit und Unterschied zwischen den Charakteren).

Frage zum Kolloquium

Das komödiantische Werk von Molière.

Schljakowa Oksana Wassiljewna
Berufsbezeichnung: Lehrerin für russische Sprache und Literatur
Bildungseinrichtung: MBOU OSOSH Nr. 1
Ortschaft: Siedlung Orlovsky, Gebiet Rostow
Material Name: methodische Weiterentwicklung
Thema: Literaturunterricht in der 9. Klasse „J.B. Moliere „Tartuffe“. Das Können und die Innovation von Moliere. Aktualität und Relevanz der Komödie.“
Veröffentlichungsdatum: 20.02.2016
Kapitel: Sekundarschulbildung

Zusammenfassung des Literaturunterrichts (Klasse 9)

Unterrichtsthema
:
JB Molière "Tartuffe". Das Können und die Innovation von Molière. Aktualität u

Relevanz der Komödie.

Der Zweck des Unterrichts
: Schaffung einer figurativ-emotionalen pädagogischen Situation in einer Literaturstunde, um folgende Ziele zu erreichen: pädagogisch - Einführung in den Inhalt der Komödie J-B. Moliere "Tartuffe", um festzustellen, was Moliere als Komiker kann, an welchen Traditionen des Klassizismus der Autor festhält und auch was seine Innovation ist. pädagogisch - Schaffung von Bedingungen für die Selbstentwicklung und Selbstverwirklichung von Schülern im Prozess der Zusammenarbeit in Gruppen, um den Wunsch zu wecken, sich der Weltkultur anzuschließen, um die Idee ins Bewusstsein zu rücken, dass Kultur ohne Traditionen nicht existiert. entwickeln - die Fähigkeit entwickeln, literarische Werke zu analysieren, ihren Standpunkt selbstständig zu formulieren und angemessen auszudrücken.
Unterrichtstyp
: Lektion lernen neues Material
Ausrüstung
: Texte der Komödie „Tartuffe“ von J.B. Molière, eine Multimedia-Installation zur Demonstration von Dias zum Unterrichtsthema und Schülerpräsentationen, Illustrationen zur Arbeit.
Unterrichtsinhalt
ICH.
Organisatorische, motivationale Phasen
:
1. Begrüßung.

2. Schaffung einer figurativ-emotionalen pädagogischen Situation
(während der ganzen Unterrichtsstunde). An der Tafel sind Dias zu sehen, die Szenen aus Theateraufführungen mit klassischer Musik zeigen.
3. Wort des Lehrers
Frankreich ... Mitte des 17. Jahrhunderts ... Die Stücke von Jean-Baptiste Molière werden mit überwältigendem Erfolg auf der Bühne aufgeführt. Seine Komödien sind so beliebt, dass der König von Frankreich, Ludwig XIV. selbst, das Molière-Theater einlädt, um seine Kunst am Hof ​​zu zeigen, und ein hingebungsvoller Bewunderer der Arbeit dieses talentierten Dramatikers wird. Molière ist ein einzigartiges Genie in der Geschichte der Weltkultur. Er war ein Mann des Theaters im wahrsten Sinne des Wortes. Moliere war Gründer und Leiter der besten Schauspieltruppe seiner Zeit, ihr Hauptdarsteller und einer der besten Komiker der gesamten Theatergeschichte, Regisseur, Erneuerer und Theaterreformer. Heute wird er jedoch vor allem als talentierter Dramatiker wahrgenommen.
4. Zielsetzung
Heute werden wir in der Lektion versuchen, das Können und die Innovation des Dramatikers Molière am Beispiel seiner berühmten Komödie Tartuffe herauszufinden und darüber nachdenken, ob seine Komödie heute als relevant und aktuell angesehen werden kann. Notieren Sie in Ihren Heften das Thema der Lektion „J.B. Molière "Tartuffe". Das Können und die Innovation von Molière. Aktualität und Relevanz der Komödie.
II. Arbeit an neuem Material.

1. Präsentation des individuellen Schülerprojekts „Kreativität von J. B. Molière“
Ich denke, es wird für Sie interessant sein, zunächst einige Fakten aus der Biographie und dem Werk von Jean Baptiste Molière zu erfahren. Tanya Zvonareva, die nach Erhalt einer individuellen Aufgabe eine Präsentation vorbereitet hat, wird uns davon erzählen. Diashow, gefolgt von einer Schülergeschichte. Die Schüler zeichnen in Notizbüchern die Hauptphasen der Arbeit des Dramatikers auf.
- Danke Tatjana. Ihre Arbeit verdient eine hervorragende Bewertung. Ich möchte nur noch etwas hinzufügen:
2. Wort des Lehrers
. Molière ist der Künstlername von Jean Baptiste Poquelin, dem Sohn eines wohlhabenden Pariser Bürgertums, der eine hervorragende klassische Ausbildung erhielt. Er war früh von einer Leidenschaft für das Theater besessen, seine erste Truppe gründete er im Alter von 21 Jahren. Es war das 4. Theater in Paris, ging aber bald bankrott. Molière verlässt Paris für lange 12 Jahre für das Leben eines wandernden Schauspielers. Um das Repertoire seiner Truppe aufzufüllen, beginnt Moliere Theaterstücke zu schreiben. Moliere ist ein geborener Komiker, alle Stücke, die unter seiner Feder entstanden sind, gehören zum Genre der Komödie: unterhaltsame Komödien, Sitcoms, Komödien der Manieren, Komödien-Balletts, "hoch" - klassische Komödien. Ein Beispiel für eine „hohe“ Komödie ist „Tartuffe“ oder „Der Betrüger“, die Sie für die heutige Lektion lesen, diese Komödie war die schwerste für Molière und brachte ihm gleichzeitig den größten Erfolg seines Lebens.
3. Arbeiten Sie an der Arbeit

A)
- Lass uns erinnern
Comedy-Inhalt
. Kurz vorbei
Parzelle…
- Natürlich, während Sie Komödien lesen. Jeder stellte sich auf seine Weise ihre Charaktere vor, Szenen aus dem Stück.
B)
Versuchen Sie jetzt, den Text aufzugreifen
Worte, die zur Szene passen.

Wortschatzarbeit
- Welche
Laster
macht sich der Autor lustig? (Heuchelei und Heuchelei)
Heuchelei
- Verhalten, das Unaufrichtigkeit, Bosheit mit vorgetäuschter Aufrichtigkeit, Tugend abdeckt.
Fanatismus
- Verhalten, das für Heuchler charakteristisch ist. Ein Heuchler ist ein Heuchler, der sich hinter Tugend und Frömmigkeit versteckt.
G) -
Wie wäre es mit dieser Komödie
tolle Leute haben gesprochen
: A. S. Puschkin: "Der unsterbliche" Tartuffe "ist die Frucht der stärksten Spannung des komischen Genies ... Hohe Komödie basiert nicht nur auf Lachen, sondern auf der Entwicklung von Charakteren - und kommt oft der Tragödie nahe." V.G. Belinsky: „... Der Schöpfer von Tartuffe darf nicht vergessen werden! Hinzu kommt der poetische Reichtum gesprochene Sprache..., denken Sie daran, dass viele Ausdrücke und Verse aus der Komödie zu Sprichwörtern wurden - und Sie werden die dankbare Begeisterung der Franzosen für Moliere verstehen! .. “- Stimmen Sie diesen Aussagen zu? - Versuchen wir, ihre Gerechtigkeit zu beweisen, indem wir in Gruppen arbeiten. Jetzt werden wir besprechen, welche Fragen sich die einzelnen Gruppen stellen werden, und dann wählen Sie die Gruppe aus, in der es Ihrer Meinung nach interessant für Sie ist, zu arbeiten. Bitte beachten Sie, dass A. S. Puschkin die Komödie „hoch“ nennt und sie sogar mit der Tragödie vergleicht. Gibt es einen Widerspruch in dieser Aussage?
e) Vorbereitungsphase: Aktualisierung des für Antworten erforderlichen Wissens.
Lass uns diskutieren. Die Komödie wurde also Mitte des 17. Jahrhunderts geschrieben. Welche Literarische Richtung dominiert derzeit Europa? (Klassizismus) Erinnern Sie sich an die Hauptmerkmale dieser künstlerischen Methode ...
Klassizismus
- eine literarische Richtung, deren Hauptmerkmal darin besteht, einem bestimmten Regelsystem zu folgen, das für jeden Autor verbindlich ist; die Antike als klassisches und ideales Vorbild ansprechen. Die Hauptmerkmale des Klassizismus 1. Der Vernunftkult; das Werk soll den Betrachter oder Leser anleiten. 2. Strenge Hierarchie der Genres. High Low Tragedy Öffentliches Leben, historische Ereignisse werden dargestellt; Helden, Generäle, Monarchen Akt Komödie Das Alltagsleben der einfachen Leute wird dargestellt Ode Fabel Epos Satire 3. Menschliche Charaktere werden klar umrissen, nur ein Charakterzug wird betont, positiv und böse Jungs sind dagegen. 4. Es gibt einen Denkerhelden im Werk, eine Figur, die dem Betrachter eine moralische Lektion erteilt, der Autor selbst spricht durch den Mund des Denkers 5. Die klassische Regel der drei Einheiten: die Einheit von Zeit, Ort und Handlung . Ein Theaterstück hat in der Regel 5 Akte. - So,
Zuordnung zur ersten Gruppe: „Betrachte die Komödie „Tartuffe“ in Sachen Compliance

oder Widerspruch zu diesen Regeln des Klassizismus"
(Fragen werden an der Tafel angezeigt)
- A. S. Puschkin, mit den Worten
"High Comedy" bedeutete höchstwahrscheinlich Innovation

Molière im Genre der Komödie.

Was ist Innovation in der Literatur?
? (Fortsetzung der Tradition, darüber hinaus). - Keine leichte Aufgabe
, die zweite Gruppe: „Warum nennt A.S. Puschkin das Stück „Tartuffe“

"hohe Komödie"? Was war die Innovation von Molière als Komiker?
Die Antwort auf diese Frage finden Sie im Vorwort, das Moliere zu seiner Komödie geschrieben hat. - Und endlich,
Zuordnung zur dritten Gruppe: „Finde im Text der Komödie „Tartuffe“ Ausdrücke,

die als Aphorismen betrachtet werden können "
Was ist ein „Aphorismus“? (kurzer Ausdruck)
e) Arbeiten Sie in Gruppen. 3. Gruppe - am Computer
. Antworten auf Fragen und Aufgaben ...
1 Gruppe. „Betrachten Sie die Komödie Tartuffe unter dem Gesichtspunkt der Konformität oder Inkonsistenz

diese Regeln des Klassizismus"
Die Komödie „Tartuffe“ entspricht den Regeln des Klassizismus, denn: Komödie ist eine niedere Gattung, die Umgangssprache enthält. So findet sich zum Beispiel in dieser Komödie häufig ein gängiges Vokabular: "Narr", "keine Familie, sondern ein Irrenhaus". "Tartuffe" besteht aus fünf Akten, alle Handlungen werden an einem Tag an einem Ort im Haus von Orgon aufgeführt - all dies ist ein charakteristisches Merkmal des Klassizismus. Das Thema der Komödie ist das Leben gewöhnlicher Menschen, nicht Helden und Könige. Der Held von „Tartuffe“ ist der bürgerliche Orgon und seine Familie. Der Zweck der Komödie besteht darin, die Fehler lächerlich zu machen, die eine Person daran hindern, perfekt zu sein. In dieser Komödie werden solche Laster wie Heuchelei und Heuchelei lächerlich gemacht. Die Charaktere sind nicht komplex, in Tartuffe wird ein Merkmal betont - Heuchelei. Cleante nennt Tartuffe eine "schlüpfrige Schlange", er kommt aus jeder Situation "trocken aus dem Wasser", nimmt die Gestalt eines Heiligen an und schimpft über den Willen Gottes. Seine Heuchelei ist eine Quelle des Profits. Durch falsche Predigten unterwarf er den gutmütigen und vertrauensvollen Orgon seinem Willen. In welcher Position sich Tartuffe auch befindet, er benimmt sich nur wie ein Heuchler. Er gesteht Elmira seine Liebe und ist nicht abgeneigt, Marianne zu heiraten; er betet in der Kirche zu Gott und zieht alle Blicke auf sich: Jetzt brach plötzlich ein Stöhnen aus seinen Lippen, Jetzt hob er weinend die Hände zum Himmel, Und dann legte er sich lange hin und küsste die Asche. Und ist diese wahre Demut, wenn "er dann die Reue in den Himmel brachte, dass er sie ohne Mitleid austeilte?" Beim Helden wird nur eine Qualität betont - auch dies ist ein Merkmal des Klassizismus. Molières Komödie „Tartuffe“ ist ein typischer Klassiker.
2 Gruppe. „Warum nennt A. S. Puschkin das Stück „Tartuffe“ eine „hohe Komödie“? Worin

war die Innovation von Molière, dem Komiker?"
A. S. Puschkin nennt Molières Komödie "hoch", denn indem er den Betrüger Tartuffe anprangert, ist klar, dass der Autor die Heuchelei und Heuchelei nicht einer Person anprangert, sondern soziale Laster, die Laster, die die Gesellschaft getroffen haben. Nicht umsonst ist Tartuffe nicht allein in der Komödie: Sein Diener Laurent, der Gerichtsvollzieher Loyal und die alte Frau – Orgons Mutter, Madame Pernel, sind heuchlerisch. Sie alle verdecken ihre Taten mit frommen Reden und beobachten wachsam das Verhalten anderer. Und es wird sogar ein bisschen traurig, wenn man merkt, wie viele solcher Leute es geben kann. Lehrerzusatz zur Antwort der 2. Gruppe: - Molière hält sich zwar an die Gesetze des Klassizismus, wie die 1. Gruppe bewiesen hat, aber wie Sie wissen, sind die Schemata nicht auf große Werke anwendbar. Der Dramatiker, der den Traditionen des Klassizismus folgt, bringt die Komödie (niedriges Genre) auf eine andere Ebene. Die Jungs haben sehr subtil bemerkt, dass die Komödie nicht nur Lachen, sondern auch traurige Gefühle hervorruft. Das ist die Innovation von Moliere - in seinem Werk war die Komödie kein Genre mehr, das darauf abzielte, das Publikum zum Lachen zu bringen, er brachte der Komödie ideologischen Inhalt und soziale Schärfe.
Molière selbst schrieb über seine Innovation im Genre der Komödie: (Markierung an der Tafel): „Ich finde es viel einfacher, über Hochgefühle zu sprechen, in Versen gegen das Glück zu kämpfen, dem Schicksal die Schuld zu geben, die Götter zu verfluchen, als eins zu nehmen Schau dir die lustigen Features persönlich genauer an und zeige auf der Bühne die Laster der Gesellschaft auf unterhaltsame Weise ... Wenn du porträtierst gewöhnliche Menschen, hier ist es notwendig, aus der Natur zu schreiben. Porträts sollten ähnlich sein, und wenn Menschen Ihrer Zeit darin nicht erkannt werden, dann haben Sie Ihr Ziel nicht erreicht ... Anständige Menschen zum Lachen zu bringen, ist keine leichte Aufgabe ... “, Moliere, und damit die Komödie auf das Niveau von zu heben Tragödie, sagt, dass die Aufgabe eines Komikers schwieriger ist als die Aufgabe des Autors Tragödien.
Gruppe 3 „Finden Sie im Text der Komödie „Tartuffe“ Ausdrücke, die berücksichtigt werden können

Aphorismen"

G) Heuristische Fragen
- Sie wissen bereits, dass Moliere ein wunderbarer Schauspieler war, in jedem seiner Stücke gab es eine Rolle, die er selbst spielte, und der Charakter dieser Figur ist immer der zweideutigste im Stück. Auch das ist die Innovation von Molière.
- Was denkst du, wen hat er in der Komödie "Tartuffe" gespielt?
(In Tartuffe spielte er Orgon)
-Warum?
(Es ist dieses Bild, das weniger komisch als tragisch ist. Immerhin konnte Tartuffe den Willen des Eigentümers des Hauses, Orgon, eines erwachsenen, erfolgreichen Geschäftsmanns, eines Familienvaters, vollständig unterwerfen ist bereit, mit jedem zu brechen, der es wagt, ihm die Wahrheit über Tartuffe zu sagen, und vertreibt ihn sogar aus dem Haus seines Sohnes.)
"Warum hat Orgon sich so täuschen lassen?"
(Er glaubte an die Frömmigkeit und „Heiligkeit“ von Tartuffe, sieht ihn als seinen spirituellen Mentor, da Tartuffe ein subtiler Psychologe ist, warnt er vor Versuchen von Orgons Verwandten, ihn bloßzustellen. Der Grund ist die Trägheit von Orgons Bewusstsein, das in Unterwerfung erzogen wurde Orgon im spirituellen Plan fehlt ihm ein eigener innerer Inhalt, den er durch den Glauben an die Güte und Unfehlbarkeit Tartuffes auszugleichen versucht.
- Was denken Sie, kann die Komödie "Tartuffe" als relevant und aktuell angesehen werden,

heute interessant? Warum?
- In der Tat, viele von Ihnen mochten die Komödie und einige Jungs äußerten den Wunsch, sich an der Schauspielerei zu versuchen. (Schüler zeigen eine Szene).
III. Auswertung.Ergebnis
(Für die Präsentation von "TV-in Moliere", für das Poster, für die Arbeit in Gruppen - die aktivsten Schüler, die begründete, vollständige Antworten geben). Zusammenfassung der Lektion: - Was hat Ihnen an der Lektion gefallen? -Was ist die Fähigkeit von Molière als Komiker? Seine Innovation?
Hausaufgaben:
Schreiben Sie eine Petition an den König mit der Bitte, die Produktion einer Komödie zuzulassen (im Auftrag eines Adligen des 17. Jahrhunderts).