De største Ukiyo-e-artistene. Hokusai - Japans verden Moderne japanske kunstnere mann og kone

Japansk kunst generelt og japansk maleri spesielt virker sammensatt og uklart for mange vestlige, akkurat som kulturen i Østen generelt. Dessuten er det sjelden at noen skiller mellom stilene til japansk maleri. Men det ville være fint for en kultivert person, spesielt hvis han er en skjønnhetskjenner, å forstå dette emnet.

Japansk kultur og maleri i antikken

Representanter for den tidlige Jomon-kulturen (rundt 7000 f.Kr.) var engasjert i produksjon av leirfigurer, hovedsakelig figurer av kvinner. I en senere periode begynte nykommere å lage kobbervåpen, bronseklokker med figurer skjematisk tegnet på, og primitiv keramikk. Veggmalerier av gamle graver og konturbilder på bjeller regnes som de tidligste eksemplene på japansk maleri.

Innflytelse av buddhisme og kinesisk kultur

Utviklingen av kunst i Japan fikk en alvorlig impuls med ankomsten av buddhismen fra Korea og Kina til japansk territorium. Folk med makt viste spesiell interesse for buddhismen. Maleri fra det 7.-9. århundre kopierte nesten fullstendig den kinesiske billedtradisjonen på den tiden var Buddha, alt knyttet til ham, og scener fra buddhistiske guder. På 1000-tallet var japansk maleri sterkt påvirket av Pure Land-skolen for buddhisme.

På 600-700-tallet begynte byggingen av templer og klostre i hele Japan, noe som krevde spesiell tematisk utsmykning. Tempelveggmaling er en av de første stadiene i utviklingen av japansk kunst. Levende eksempler på tempelmaleri er freskene i templene til Asuka-dera, Shitenoji og Horyuji. Noen av de mest fremragende verkene på den tiden er i Golden Hall of Horyuji Temple. I tillegg til veggmalerier ble statuer av Buddha og andre guddommer installert i templene.

I midten av Hainan-perioden ble den kinesiske malerskolen erstattet i Japan med sin egen stil kalt Yamato-e. Malerier i Yamato-e-stil dekorerte foldeskjermer og skyvedører, som regel var hovedtemaet til Yamato-e Kyoto og scener fra byens liv. Landskapsark og illustrasjoner på ruller (emaki) som hovedformater for maleri dukket opp nesten samtidig med Yamato-e. De mest kjente verkene i emaki-stilen kan sees i det japanske eposet The Tale of Genji, som dateres tilbake til 1130, selv om det kunne vært skrevet tidligere.

Under maktovergangen fra aristokratiet til samuraiene, investerte aristokrater, som fryktet å miste rikdommen, ofte pengene sine i kunstverk, og nedlatende kjente kunstnere fra den tiden på alle mulige måter. Klassiske eksempler på arbeid som aristokrater valgte, ble som regel designet i stil med konservatisme. Samuraiene foretrakk realisme under Kamakura-perioden (1185-1333) disse to trendene rådde i den japanske kunsten.

På 1200-tallet følte den japanske kulturen seg ganske sterkt påvirket av Zen-buddhismen. Blekkmaling ble mye praktisert i klostrene i Kamakura og Kyoto ble oftest brukt til å dekorere ruller, veggtepper eller rørruller. Blekktegningene var i en enkel monokrom stil, i hovedsak en malerstil som kom til Japan fra China of the Song (960-1279) og Yuan (1279-1368) imperiene. Ved slutten av 1400 ble monokrome blekkmalerier kalt shibokuga spesielt populære.

Edo periode maleri

I 1600 kom Tokugawa-shogunatet til makten, og relativ orden og stabilitet hersket i landet, og dette ble manifestert i alle livets sfærer - fra økonomi til politikk. Handelsstanden begynte raskt å bli rik og vise interesse for kunst.

Malerier fra perioden 1624-1644 viser representanter for forskjellige klasser og eiendommer i det japanske samfunnet som samles i et av Kyoto-distriktene nær Kamogawa-elven. Lignende områder fantes i både Osaka og Edo. En egen ukiyo-e-stil dukket opp i maleriet med fokus på hot spots og kabuki-teater. Verk i ukiyo-e-stilen ble populær over hele landet på begynnelsen av 1700-tallet, ukiyo-e-stilen var oftest representert i form av tresnitt. De første trykte bildene i denne stilen var dedikert til sensuelle og erotiske emner eller tekster. På slutten av 1700-tallet skiftet sentrum for ukiyo-e-maleraktiviteten fra Kyoto-Osaka-regionen til Edo, hvor portretter av kabuki-skuespillere og bilder av japanske skjønnheter ble sentralt i motivgalleriet.

Sent på 1700-tallet regnes som den gyldne æraen til ukiyo-e-stilen. På dette tidspunktet jobbet den fantastiske japanske kunstneren Torii Kienaga, og skildret hovedsakelig grasiøse japanske skjønnheter og nakenbilder. Etter 1790 begynte nye trender og kunstnere å dukke opp på kunstscenen, blant dem de mest kjente var Kitagawa Utamaro, Katsuhika Hokusai, Ando Hiroshige og Utagawa Kunieshi.

For representanter for den vestlige kunstskolen har den japanske ukiyo-e-stilen blitt ikke bare en av de eksotiske malestilene, men en ekte kilde til inspirasjon og lån av visse detaljer. Kunstnere som Edgar Degas og Vincent van Gogh brukte Ukiyo-e stilistiske komposisjoner, perspektiv og farger i verkene sine. I vestlig kunst var temaet natur ikke veldig populært, men i Japan ble natur og dyr malt ganske ofte, noe som igjen utvidet temaene til vestlige mestere. Den franske kunstneren og glassmesteren Emile Galle brukte skisser av fisk av Hokusai i dekorasjonen av vasene sine.

Under epoken til keiser Meiji (1868-1912) og hans pro-vestlige politikk, bremset ukiyo-e-stilen, som alltid er nært knyttet til folkekulturen, dens utvikling betydelig og falt praktisk talt i forfall. Flere og flere vestlige motiver dukket opp i verkene til japanske kunstnere, og stilen til europeisk kunst påvirket i stor grad arbeidet til slike japanske kunstnere som Maruyama Okio, Matsumara Goshun og Ito Yakushu, som, til tross for all deres europeisering, kombinerte japansk tradisjoner, Kinesisk og vestlig maleri i sine arbeider.

Moderne japansk maleri

I løpet av Meiji-perioden gjennomgikk japansk kultur ganske radikale transformasjoner: vestlige teknologier ble introdusert overalt, og denne prosessen gikk ikke utenom kunsten. Regjeringen sendte mange kunstnere for å studere i Europa og USA, mens det i kulturen var en ganske merkbar kamp mellom vestlige nyvinninger og tradisjonelle japanske stiler. Dette fortsatte i flere tiår, og etter hvert ble vestlig innflytelse i japansk kunst dominerende under Taisho-perioden (1912-1926).

Hokusai, en japansk kunstner fra 1700-tallet, skapte en svimlende mengde kunstverk. Hokusai jobbet inn i alderdommen, og hevdet alltid at "alt han gjorde før han fylte 70 var ikke verdt og ikke verdt oppmerksomhet."

Kanskje den mest kjente japanske kunstneren i verden, han skilte seg alltid ut fra sine samtidige for sin interesse for hverdagen. I stedet for å skildre glamorøse geishaer og heroiske samuraier, malte Hokusai arbeidere, fiskere og urbane sjangerscener, som ennå ikke var et emne av interesse for japansk kunst. Han tok også en europeisk tilnærming til komposisjon.

Her er en kort liste over nøkkelbegreper som hjelper deg med å navigere litt i Hokusai sitt arbeid.

1 Ukiyo-e er trykk og malerier som er populære i Japan fra 1600- til 1800-tallet. En bevegelse i japansk kunst som har utviklet seg siden Edo-perioden. Dette begrepet kommer fra ordet "ukyo", som betyr "foranderlig verden". Uikiye er et hint om de hedonistiske gledene til den spirende handelsklassen. I denne retningen er Hokusai den mest kjente artisten.

Hokusai brukte minst tretti pseudonymer gjennom hele livet. Til tross for at bruken av pseudonymer var en vanlig praksis blant japanske kunstnere på den tiden, overgikk han betydelig andre store forfattere i antall pseudonymer. Hokusais pseudonymer brukes ofte for å periodisere stadiene i arbeidet hans.

2 Edo-perioden er tiden mellom 1603 og 1868 i japansk historie, da økonomisk vekst og en ny interesse for kunst og kultur ble notert.

3 Shunrō er den første av Hokusais aliaser.

4 Shunga betyr bokstavelig talt "bilde av våren" og "vår" er japansk slang for sex. Dette er altså graveringer av erotisk karakter. De ble skapt av de mest respekterte kunstnerne, inkludert Hokusai.

5 Surimono. Den siste "surimonoen", som disse tilpassede trykkene ble kalt, var en stor suksess. I motsetning til ukiyo-e-trykk, som var ment for massepublikum, ble surimono sjelden solgt til allmennheten.

6 Mount Fuji er et symmetrisk fjell som tilfeldigvis er det høyeste i Japan. Gjennom årene har det inspirert mange kunstnere og poeter, inkludert Hokusai, som publiserte ukiyo-e-serien Thirty-Six Views of Mount Fuji. Denne serien inkluderer Hokusais mest kjente trykk.

7 Japonisme er den varige innflytelsen Hokusai hadde på påfølgende generasjoner av vestlige kunstnere. Japonisme er en stil inspirert av de livlige fargene til ukiyo-e-trykk, mangel på perspektiv og komposisjonell eksperimentering.

Japansk maleri er en helt unik bevegelse i verdenskunsten. Den har eksistert siden antikken, men som tradisjon har den ikke mistet sin popularitet og evne til å overraske.

Oppmerksomhet på tradisjoner

Østen handler ikke bare om landskap, fjell og den stigende solen. Dette er også menneskene som har skapt historien hans. Det er disse menneskene som har støttet tradisjonen med japansk maleri i mange århundrer, utviklet og forbedret kunsten deres. De som har gitt et betydelig bidrag til historien er japanske kunstnere. Takket være dem har moderne beholdt alle kanonene til tradisjonell japansk maleri.

Utførelsesmåte for malerier

I motsetning til Europa foretrakk japanske kunstnere å male nærmere grafikk enn å male. I slike malerier finner du ikke de grove, uforsiktige oljestrekene som er så karakteristiske for impresjonistene. Hva er den grafiske naturen til slik kunst som japanske trær, steiner, dyr og fugler - alt i disse maleriene er tegnet så tydelig som mulig, med solide og selvsikre blekklinjer. Alle objekter i komposisjonen må ha en kontur. Fylling inne i omrisset gjøres vanligvis med akvareller. Fargen vaskes ut, andre nyanser legges til, og et sted er fargen på papiret igjen. Dekorativitet er nettopp det som skiller japanske malerier fra hele verdens kunst.

Kontraster i maleriet

Kontrast er en annen karakteristisk teknikk som brukes av japanske kunstnere. Dette kan være en forskjell i tone, farge eller kontrasten til varme og kalde nyanser.

Kunstneren tyr til denne teknikken når han ønsker å fremheve et element ved emnet. Dette kan være en blodåre på en plante, et separat kronblad eller en trestamme mot himmelen. Deretter avbildes den lyse, opplyste delen av objektet og skyggen under den (eller omvendt).

Overganger og fargeløsninger

Når man maler japanske malerier, brukes ofte overganger. De kan være forskjellige: for eksempel fra en farge til en annen. På kronbladene til vannliljer og peoner kan du legge merke til en overgang fra en lys nyanse til en rik, lys farge.

Overganger brukes også i bildet av vannoverflaten og himmelen. Den jevne overgangen fra solnedgang til mørk, dypere skumring ser veldig vakker ut. Når du tegner skyer, brukes også overganger fra forskjellige nyanser og reflekser.

Grunnleggende motiver for japansk maleri

I kunst henger alt sammen med det virkelige liv, med følelsene og følelsene til de som er involvert i det. Som i litteratur, musikk og andre former for kreativitet er det flere evige temaer i maleriet. Dette er historiske emner, bilder av mennesker og natur.

Japanske landskap finnes i mange varianter. Ofte i malerier er det bilder av dammer - et favorittmøbel for japanerne. En dekorativ dam, flere vannliljer og bambus i nærheten - slik ser et typisk bilde fra 1600- og 1700-tallet ut.

Dyr i japansk maleri

Dyr er også et ofte tilbakevendende element i asiatisk maleri. Tradisjonelt er det en letende tiger eller en huskatt. Generelt er asiater veldig glad i og derfor finnes deres representanter i alle former for orientalsk kunst.

Faunaens verden er et annet tema som japansk maleri følger. Fugler - traner, dekorative papegøyer, luksuriøse påfugler, svaler, upåfallende spurver og til og med haner - alle finnes i tegningene til orientalske mestere.

Fiskene er et like relevant tema for japanske artister. Koi karper er den japanske versjonen av gullfisk. Disse skapningene lever i Asia i alle dammer, selv i små parker og hager. Koi karpe er en slags tradisjon som tilhører spesifikt Japan. Disse fiskene symboliserer kamp, ​​besluttsomhet og å nå målet ditt. Det er ikke for ingenting at de er avbildet flytende med strømmen, alltid med dekorative bølgetopper.

Japanske malerier: skildring av mennesker

Mennesker i japansk maleri er et spesielt tema. Kunstnere avbildet geishaer, keisere, krigere og eldste.

Geisha er avbildet omgitt av blomster, alltid iført forseggjorte kapper med mange folder og elementer.

Vismenn er avbildet når de sitter eller forklarer noe for elevene sine. Bildet av den gamle vitenskapsmannen er et symbol på Asias historie, kultur og filosofi.

Krigeren ble fremstilt som formidabel, noen ganger skremmende. De lange ble tegnet i detalj og så ut som tråd.

Vanligvis blir alle detaljer i rustningen avklart med blekk. Ofte er nakne krigere dekorert med tatoveringer som viser en østlig drage. Det er et symbol på Japans styrke og militære makt.

Herskere ble avbildet for keiserlige familier. Vakre klær og dekorasjoner i menns hår er det slike kunstverk bugner av.

Landskap

Tradisjonelt japansk landskap - fjell. Asiatiske malere har lykkes i å skildre en rekke landskap: de kan skildre den samme toppen i forskjellige farger, med forskjellige atmosfærer. Det eneste som forblir uendret er den obligatoriske tilstedeværelsen av blomster. Vanligvis, sammen med fjellene, skildrer kunstneren en slags plante i forgrunnen og tegner den i detalj. Fjellene og kirsebærblomstene ser vakre ut. Og hvis de maler fallende kronblader, vekker bildet beundring for sin triste skjønnhet. Kontrasten i atmosfæren i bildet er en annen fantastisk kvalitet ved japansk kultur.

Hieroglyfer

Ofte kombineres sammensetningen av et bilde i japansk maleri med skrift. Hieroglyfene er ordnet slik at de ser vakre ut komposisjonsmessig. De er vanligvis tegnet til venstre eller høyre for maleriet. Hieroglyfer kan representere det som er avbildet i maleriet, tittelen eller navnet på kunstneren.

Japan er et av de rikeste landene i historie og kultur. Over hele verden anses japanerne generelt for å være pedantiske mennesker som finner estetikk i absolutt alle livets manifestasjoner. Derfor er japanske malerier alltid veldig harmoniske i farge og tone: hvis det er sprut av noen lyse farger, er det bare i de semantiske sentrene. Ved å bruke malerier av asiatiske kunstnere som eksempel, kan du studere fargeteori, korrekt representasjon av form ved hjelp av grafikk og komposisjon. Teknikken for utførelse av japanske malerier er så høy at den kan tjene som et eksempel for å jobbe med akvareller og utføre "vask" av grafiske verk.

Hei, kjære lesere – søkere etter kunnskap og sannhet!

Japanske artister har en unik stil, finpusset av hele generasjoner av mestere. I dag skal vi snakke om de mest fremtredende representantene for japansk maleri og deres malerier, fra antikken til moderne tid.

Vel, la oss stupe inn i kunsten til Land of the Rising Sun.

Kunstens fødsel

Den eldgamle malekunsten i Japan er først og fremst forbundet med skriftets særegenheter og er derfor bygget på kalligrafiens grunnlag. De første prøvene inkluderer fragmenter av bronseklokker, fat og husholdningsartikler funnet under utgravninger. Mange av dem ble malt med naturmaling, og forskning gir grunn til å tro at produktene ble laget tidligere enn 300 f.Kr.

En ny runde med kunstutvikling begynte med ankomsten til Japan. Emakimono - spesielle papirruller - ble dekorert med bilder av gudene til det buddhistiske panteonet, scener fra livet til læreren og hans tilhengere.

Overvekten av religiøse temaer i maleri kan spores i middelalderens Japan, nemlig fra 900- til 1400-tallet. Navnene på kunstnerne fra den tiden, dessverre, har ikke overlevd til i dag.

I perioden på 1400- og 1700-tallet begynte en ny tid, preget av fremveksten av kunstnere med en utviklet individuell stil. De skisserte vektoren for videre utvikling av kunst.

Lyse representanter for fortiden

Tense Xubun (tidlig på 1400-tallet)

For å bli en fremragende mester studerte Xiubun skriveteknikkene til Kinas sangartister og deres verk. Deretter ble han en av grunnleggerne av maleriet i Japan og skaperen av sumi-e.

Sumi-e er en kunststil som er basert på tegning med blekk, som betyr én farge.

Syubun gjorde mye for å sikre at den nye stilen slo rot i kunstneriske kretser. Han lærte kunst til andre talenter, inkludert fremtidige kjente malere, for eksempel Sesshu.

Xiubuns mest populære maleri heter "Reading in a Bamboo Grove."

"Reading in the Bamboo Grove" av Tense Xubun

Hasegawa Tohaku (1539–1610)

Han ble skaperen av en skole oppkalt etter seg selv - Hasegawa. Først prøvde han å følge kanonene til Kano-skolen, men etter hvert begynte hans individuelle "håndskrift" å spores i verkene hans. Tohaku ble guidet av Sesshu-grafikk.

Grunnlaget for verkene var enkle, lakoniske, men realistiske landskap med enkle titler:

• "furu";
• "Lønnetre";
• "furutrær og blomstrende planter."

"Pines" av Hasegawa Tohaku

Brødrene Ogata Korin (1658-1716) og Ogata Kenzan (1663-1743)

Brødrene var utmerkede håndverkere på 1700-tallet. Den eldste, Ogata Korin, viet seg helt til maleriet og grunnla rimpa-sjangeren. Han unngikk stereotype bilder, og foretrakk den impresjonistiske sjangeren.

Ogata Korin malte naturen generelt og blomster i form av lyse abstraksjoner spesielt. Penstene hans tilhører maleriene:

• "Plum blomst rød og hvit";
• "Bølger av Matsushima";
• "Krysantemum".

"Waves of Matsushima" av Ogata Korin

Den yngre broren, Ogata Kenzan, hadde mange pseudonymer. Selv om han var engasjert i maleri, var han mer kjent som en fantastisk keramiker.

Ogata Kenzan mestret mange teknikker for å lage keramikk. Han ble preget av sin ikke-standardiserte tilnærming, for eksempel laget han plater i form av en firkant.

Hans eget maleri var ikke preget av prakt - dette var også hans særegne. Han elsket å bruke rullelignende kalligrafi eller utdrag fra poesi på gjenstandene sine. Noen ganger jobbet de sammen med broren.

Katsushika Hokusai (1760–1849)

Han skapte i stil med ukiyo-e – et slags tresnitt, med andre ord graveringsmaleri. I løpet av hele karrieren skiftet han rundt 30 navn. Hans mest kjente verk er "Den store bølgen utenfor Kanagawa", takket være at han ble berømt utenfor hjemlandet.

"The Great Wave Off Kanagawa" av Hokusai Katsushika

Hokusai begynte å jobbe spesielt hardt etter fylte 60 år, noe som ga gode resultater. Van Gogh, Monet og Renoir var kjent med arbeidet hans, og til en viss grad påvirket det arbeidet til europeiske mestere.

Ando Hiroshige (1791-1858)

En av de største kunstnerne på 1800-tallet. Han ble født, bodde og jobbet i Edo, fortsatte arbeidet til Hokusai og ble inspirert av verkene hans. Måten han skildret naturen på er nesten like imponerende som antallet verk i seg selv.

Edo er det tidligere navnet på Tokyo.

Her er noen figurer om arbeidet hans, som er representert av en serie malerier:

• 5,5 tusen - antall alle graveringer;
• “100 visninger av Edo;
• "36 visninger av Fuji";
• "69 stasjoner i Kisokaido";
• "53 stasjoner i Tokaido."

Maleri av Ando Hiroshige

Interessant nok malte den eminente Van Gogh et par kopier av graveringene hans.

Modernitet

Takashi Murakami

En kunstner, skulptør, klesdesigner, han fikk et navn allerede på slutten av 1900-tallet. I sitt arbeid følger han motetrender med klassiske elementer, og henter inspirasjon fra anime og manga tegneserier.

Maleri av Takashi Murakami

Verkene til Takashi Murakami regnes som en subkultur, men samtidig er de utrolig populære. For eksempel, i 2008, ble et av verkene hans kjøpt på auksjon for mer enn 15 millioner dollar. På en gang jobbet den moderne skaperen sammen med motehusene Marc Jacobs og Louis Vuitton.

Stille Ashima

En kollega av den forrige kunstneren lager hun moderne surrealistiske malerier. De skildrer utsikt over byer, gater i megalopoliser og skapninger som fra et annet univers - spøkelser, onde ånder, fremmede jenter. I bakgrunnen av malerier kan du ofte legge merke til uberørt, noen ganger til og med skremmende natur.

Maleriene hennes når store størrelser og er sjelden begrenset til papirmedier. De overføres til lær og plastmaterialer.

I 2006, som en del av en utstilling i den britiske hovedstaden, skapte en kvinne rundt 20 buede strukturer som reflekterte skjønnheten i landsbyens og byens natur, dag og natt. En av dem dekorerte en t-banestasjon.

Hei Arakawa

Den unge mannen kan ikke bare kalles en kunstner i ordets klassiske forstand – han lager installasjoner som er så populære i det 21. århundres kunst. Temaene for utstillingene hans er virkelig japanske og berører vennlige forhold, samt arbeid av hele teamet.

Hei Arakawa deltar ofte på ulike biennaler, for eksempel i Venezia, stiller ut på Museum of Modern Art i hjemlandet og mottar fortjent ulike typer priser.

Ikenaga Yasunari

Samtidsmaleren Ikenaga Yasunari klarte å kombinere to tilsynelatende uforenlige ting: livet til moderne jenter i portrettform og tradisjonelle japanske teknikker fra antikken. I sitt arbeid bruker maleren spesielle børster, naturlig pigmentert maling, blekk og kull. I stedet for det vanlige lin - linstoff.

Maleri av Ikenaga Yasunari

Denne teknikken for å kontrastere den avbildede epoken og utseendet til heltinnene skaper inntrykk av at de har kommet tilbake til oss fra fortiden.

En serie malerier om kompleksiteten i en krokodilles liv, nylig populær i internettsamfunnet, ble også laget av den japanske tegneserieskaperen Keigo.

Konklusjon

Så, japansk maleri begynte rundt det 3. århundre f.Kr., og har endret seg mye siden den gang. De første bildene ble brukt på keramikk, deretter begynte buddhistiske motiver å dominere i kunsten, men navnene på forfatterne har ikke overlevd til i dag.

I den moderne tid fikk børstens mestere mer og mer individualitet og skapte forskjellige retninger og skoler. Dagens kunst er ikke begrenset til tradisjonelt maleri - installasjoner, karikaturer, kunstneriske skulpturer og spesielle strukturer brukes.

Tusen takk for oppmerksomheten, kjære lesere! Vi håper du fant artikkelen vår nyttig, og historiene om livet og arbeidet til de lyseste representantene for kunst tillot deg å bli bedre kjent med dem.

Selvfølgelig er det vanskelig å snakke om alle kunstnerne fra antikken til i dag i én artikkel. La derfor dette være det første skrittet mot å forstå japansk maleri.

Og bli med – abonner på bloggen – vi skal studere buddhisme og østlig kultur sammen!

Kunst og design

3356

01.02.18 09:02

Dagens kunstscene i Japan er veldig mangfoldig og provoserende: ser på verkene til mestere fra Land of the Rising Sun, vil du tro at du har kommet til en annen planet! Hjem til innovatører som har endret landskapet i bransjen på global skala. Her er en liste over 10 moderne japanske artister og deres kreasjoner, fra de utrolige skapningene til Takashi Murakami (som feirer bursdagen sin i dag) til det fargerike universet til Kusama.

Fra futuristiske verdener til stiplede konstellasjoner: moderne japanske kunstnere

Takashi Murakami: tradisjonalistisk og klassisk

La oss starte med anledningens helt! Takashi Murakami er en av Japans mest ikoniske samtidskunstnere, som arbeider med malerier, storskala skulpturer og moteklær. Murakamis stil er påvirket av manga og anime. Han er grunnleggeren av Superflat-bevegelsen, som støtter japanske kunstneriske tradisjoner og landets etterkrigskultur. Murakami promoterte mange av sine samtidige, og vi vil også møte noen av dem i dag. "Subkulturelle" verk av Takashi Murakami presenteres på kunstmarkedene for mote og kunst. Hans provoserende My Lonesome Cowboy (1998) ble solgt i New York på Sotheby's i 2008 for rekordhøye 15,2 millioner dollar. Murakami har samarbeidet med verdenskjente merker Marc Jacobs, Louis Vuitton og Issey Miyake.

Stille og rolig Ashima og hennes surrealistiske univers

Som medlem av kunstproduksjonsselskapet Kaikai Kiki og Superflat-bevegelsen (begge grunnlagt av Takashi Murakami), er Chicho Ashima kjent for sine fantastiske bylandskap og rare popskapninger. Kunstneren skaper surrealistiske drømmer bebodd av demoner, spøkelser, unge skjønnheter, avbildet på bakgrunn av besynderlig natur. Arbeidene hennes er vanligvis i stor skala og trykt på papir, lær og plast. I 2006 deltok denne japanske samtidskunstneren i Art on the Underground i London. Hun skapte 17 påfølgende buer for plattformen - det magiske landskapet snudde gradvis fra dagtid til natt, fra urbant til landlig. Dette miraklet blomstret på Gloucester Road t-banestasjon.

Chiharu Shima og de endeløse trådene

En annen kunstner, Chiharu Shiota, jobber med store visuelle installasjoner for spesifikke landemerker. Hun er født i Osaka, men bor nå i Tyskland – i Berlin. De sentrale temaene i arbeidet hennes er glemsel og hukommelse, drømmer og virkelighet, fortid og nåtid, og også konfrontasjon av angst. Chiharu Shiotas mest kjente verk er ugjennomtrengelige nettverk av svart tråd som dekker en rekke hverdagslige og personlige gjenstander – som gamle stoler, en brudekjole, et brent piano. Sommeren 2014 bandt Shiota sammen donerte sko og støvler (som det var mer enn 300 av) med tråder av rødt garn og hengte dem på kroker. Chiharus første utstilling i den tyske hovedstaden fant sted under Berlin Art Week i 2016 og vakte oppsikt.

Hei Arakawa: overalt, ingen steder

Hei Arakawa er inspirert av tilstander av endring, perioder med ustabilitet, elementer av risiko, og installasjonene hans symboliserer ofte temaer om vennskap og teamarbeid. Credoet til den moderne japanske kunstneren er definert av den performative, ubestemte «overalt, men ingen steder». Kreasjonene hans dukker opp på uventede steder. I 2013 ble Arakawas verk stilt ut på Veneziabiennalen og i utstillingen av japansk samtidskunst på Mori Museum of Art (Tokyo). Installasjonen Hawaiian Presence (2014) var et samarbeid med New York-kunstneren Carissa Rodriguez og ble inkludert i Whitney-biennalen. Også i 2014 tilbød Arakawa og broren Tomu, som opptrådte som en duo kalt United Brothers, besøkende til Frieze London deres "arbeid" "The This Soup Taste Ambivalent" med "radioaktive" Fukushima daikon rotgrønnsaker.

Koki Tanaka: Relasjoner og repetisjoner

I 2015 ble Koki Tanaka anerkjent som "Årets artist". Tanaka utforsker den delte opplevelsen av kreativitet og fantasi, oppmuntrer til utveksling mellom prosjektdeltakere og tar til orde for nye regler for samarbeid. Installasjonen i den japanske paviljongen på Veneziabiennalen 2013 besto av videoer av objekter som forvandlet rommet til en plattform for kunstnerisk utveksling. Installasjonene til Koki Tanaka (ikke å forveksle med hans fulle navnebror skuespiller) illustrerer forholdet mellom objekter og handlinger, for eksempel inneholder videoen opptak av enkle bevegelser utført med vanlige gjenstander (en kniv som skjærer grønnsaker, øl som helles i et glass , åpner en paraply). Ingenting vesentlig skjer, men den tvangstanke gjentakelsen og oppmerksomheten på de minste detaljene gjør at betrakteren setter pris på det hverdagslige.

Mariko Mori og strømlinjeformede former

En annen japansk samtidskunstner, Mariko Mori, «tryller» frem multimediaobjekter ved å kombinere videoer, fotografier og objekter. Hun er preget av en minimalistisk futuristisk visjon og slanke surrealistiske former. Et tilbakevendende tema i Moris verk er sammenstillingen av vestlig legende med vestlig kultur. I 2010 grunnla Mariko Fau Foundation, en pedagogisk kulturell ideell organisasjon, som hun opprettet en serie kunstinstallasjoner som hedrer de seks bebodde kontinentene for. Senest ble stiftelsens permanente installasjon «Ring: One with Nature» reist over en pittoresk foss i Resende nær Rio de Janeiro.

Ryoji Ikeda: lyd- og videosyntese

Ryoji Ikeda er en ny mediekunstner og komponist hvis arbeid primært omhandler lyd i forskjellige "rå" tilstander, fra sinusbølger til støy ved hjelp av frekvenser på kanten av menneskelig hørsel. Hans oppslukende installasjoner inkluderer datamaskingenererte lyder som visuelt transformeres til videoprojeksjoner eller digitale mønstre. Ikedas audiovisuelle kunst bruker skala, lys, skygge, volum, elektroniske lyder og rytme. Kunstnerens berømte testanlegg består av fem projektorer som lyser opp et område som er 28 meter langt og 8 meter bredt. Oppsettet konverterer data (tekst, lyder, bilder og filmer) til strekkoder og binære mønstre av enere og nuller.

Tatsuo Miyajima og LED-tellere

Samtidens japanske billedhugger og installasjonskunstner Tatsuo Miyajima bruker elektriske kretser, videoer, datamaskiner og andre dingser i kunsten sin. Miyajimas kjernekonsepter er inspirert av humanistiske ideer og buddhistiske læresetninger. LED-tellerne i installasjonene hans blinker kontinuerlig i repetisjon fra 1 til 9, og symboliserer reisen fra liv til død, men unngår finaliteten som er representert med 0 (null vises aldri i Tatsuos arbeid). De allestedsnærværende tallene i rutenett, tårn og diagrammer uttrykker Miyajimas interesse for ideer om kontinuitet, evighet, forbindelse og flyten av tid og rom. Nylig ble Miyajimas «Arrow of Time» vist frem på den første utstillingen «Unfinished Thoughts Visible in New York».

Nara Yoshimoto og de onde barna

Nara Yoshimoto lager malerier, skulpturer og tegninger av barn og hunder – emner som gjenspeiler barndommens følelser av kjedsomhet og frustrasjon og den voldsomme uavhengigheten som kommer naturlig for småbarn. Det estetiske i Yoshimotos verk minner om tradisjonelle bokillustrasjoner, en blanding av rastløs spenning og artistens kjærlighet til punkrock. I 2011 var Asia Society Museum i New York vertskap for Yoshimotos første separatutstilling, med tittelen "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool", som dekker den 20-årige karrieren til den moderne japanske kunstneren. Utstillingene var nært knyttet til globale ungdomssubkulturer og deres fremmedgjøring protest.

Yayoi Kusama og verdensrommet vokser til merkelige former

Den fantastiske kreative biografien om Yayoi Kusama varer i syv tiår. I løpet av denne tiden klarte den fantastiske japanske kvinnen å studere feltene maleri, grafikk, collage, skulptur, kino, gravering, miljøkunst, installasjon, samt litteratur, mote og klesdesign. Kusama utviklet en veldig særegen stil med punktkunst som har blitt hennes varemerke. De illusoriske visjonene som er skildret i 88 år gamle Kusamas verk – der verden ser ut til å være dekket i viltvoksende, merkelige former – er et resultat av hallusinasjoner hun har opplevd siden barndommen. Rom med fargerike prikker og "uendelig" speil som reflekterer deres klynger er gjenkjennelige og kan ikke forveksles med noe annet.