Vortrag über die hohe Kunst des Realismus. Präsentation – hohe Kunst des Realismus

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Hohe Kunst des Realismus

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Was ist REALISMUS?
Der Realismus ist ein Trend in Kultur und Kunst der Mitte des 19. Jahrhunderts, der sich im Wunsch nach einer vollständigeren, tieferen und umfassenderen Reflexion der Realität in all ihren Erscheinungsformen äußert.

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Hauptthemen der Kreativität:
Interesse am Leben eines einfachen Menschen. Alltagsbilder des Lebens. Realistische Landschaft. Geschichte und Realität

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Westeuropäische realistische Künstler
Gustave Courbet Theodore Rousseau Charles Daubigny John Constable Julien Dupre Jules Breton Léon Lhermitte Jules Bastien-Lepage John Everett Millet

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Gustave Courbet
Jean Désiré Gustave Courbet (französisch Gustave Courbet; 10. Juni 1819, Ornans – 31. Dezember 1877, La Tour-de-Peil, Waadt, Schweiz) war ein französischer Maler, Landschaftsmaler, Genremaler und Porträtmaler. Er gilt als einer der Finalisten der Romantik und als Begründer des Realismus in der Malerei. Einer der größten Künstler Frankreichs im 19. Jahrhundert, eine Schlüsselfigur des französischen Realismus.

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Werke von Courbet

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Werke von Courbet

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Werke von Courbet

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Werke von Courbet

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„Steinbrecher“

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Beschreibung des Kunstwerks „Steinbrecher“
Gustave Courbets Werk „Der Steinbrecher“ erzählt von der tiefen Armut, der man nur auf dem Weg außerhalb der Stadt begegnen kann. Der Künstler selbst sagte, er sei von einer Reise zurückgekehrt, als er die beiden sah. Die erste Figur, die einem ins Auge fällt, ist ein alter Mann mit einem breitkrempigen Hut. Beim Bau einer Straße, für die Material benötigt wird, zertrümmert er mit seinem Hammer große Felsbrocken in kleine Steine. Unter dem Hut kann man sehen, wozu diese Art von Arbeit führt. Dünne Wangen, spitze Nase und ungesunde Hautfarbe. Seine Stiefel haben Löcher, aus denen seine nackten Absätze hervorschauen. Nachdem er einen weiteren Kopfsteinpflasterstein zertrümmert hat, übergibt der alte Mann seine Überreste dem jungen Arbeiter – der zweiten Figur im Bild. Noch mehr Arbeit erwartet ihn – den Korb mit Steinen zur im Bau befindlichen Straße zu tragen. Er verfügt über keinen Wagen oder ein anderes Gerät zum Transportieren der Ladung. Es bleibt nur noch, einen schweren Korb nach dem anderen zu tragen. Seine Kleidung unterscheidet sich kaum von der eines alten Mannes. Zerrissene Lumpen zeigen seinen dünnen, gebräunten Körper. Neben dem jungen Mann stehen bereits zerrissene Körbe. Dies unterstreicht einmal mehr, wie hart die Arbeit der beiden ist.

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Theodore Rousseau

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„Markt in der Normandie“

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„Morgen im Wald von Fontainebleau“
Der schlichte Wald-Look ist in schimmernden Perlmuttfarben lackiert. Die Landschaft ist in einen Bogen aus Bäumen eingebettet, der den Raum des Gemäldes überspannt, und verblüfft durch die Frische und Intimität des Bildes. Die Gestalten der Kühe im Dunst des Morgennebels werfen undeutliche Reflexe auf die silbrige Oberfläche der Pfütze, aus der sie Wasser trinken. Rousseau schildert mit großer Subtilität den von Feuchtigkeit durchnässten Wald und das blasse, wechselhafte Licht der Morgendämmerung.

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Charles Daubigny

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Daubignys Werke

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Daubignys Werke

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John Constable
Constable, Constable John (1776–1837), englischer Maler. In den Jahren 1800-1805 besuchte er die Akademie der Künste in London, doch als Künstler entwickelte sich Constable, der größte Landschaftsmaler Großbritanniens im 19. Jahrhundert, hauptsächlich unabhängig und studierte die Werke von Jacob van Ruisdael, Nicolas Poussin, Claude Lorrain und Thomas Gainsborough. Arbeitete in London und Suffolk. Constable gab viele der für die Landschaftsmalerei des 18. Jahrhunderts charakteristischen Konventionen auf, wandte sich der direkten Beobachtung der Natur zu und war der erste europäische Meister, der Landschaften vollständig nach dem Leben malte. Constable malte seine Gemälde mit einfachen Motiven, natürlicher und gleichzeitig majestätischer Komposition, voller Sinn für die harmonische Einheit der Natur, auf der Grundlage von Skizzen, die er im Freien anfertigte, und stellte mit kühnen, unruhigen Strichen die Frische und das Leben wieder lebendige Dynamik der Farben, Abstufungen des Lichts, der wechselnde Zustand der Licht-Luft-Umgebung

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Landschaften von Costable

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Landschaften von Costable

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Julien Dupre
Genre: Landschaft, Porträt Julien Dupré (französisch: Julien Dupré) ist ein französischer Künstler, ein Vertreter des Realismus. Geboren am 19. März 1851 in Paris. Er studierte Malerei bei Isidore Pil und Henri Leman. Teilnehmer des Pariser Salons von 1876 bis 1899. Gestorben im April 1910.

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„Milchfrau“, „Cowgirl“

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"Auf der Wiese." "Aus dem Bereich."

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„Heuernte“

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Jules Breton
1. Mai 1827 – 5. Juli 1906 Französischer Künstler, Genre- und Landschaftsmaler. Die Themen von Bretons Gemälden sind dem Volksleben entlehnt. Die meisten seiner Gemälde sind idyllischer Natur; sie stellen das Leben von Hirten oder Bauern auf dem Feld dar; Die Ausführung zeichnet sich im Allgemeinen durch Realismus aus, aber dem Konzept selbst sind einige idealistische Untertöne nicht fremd. BERÜHMTE BILDER „Rückkehr von der Ernte“ (1853) „Lied der Lerche“ (1885) „Erstkommunion“ (1886)

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„Ausruhen“

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„Frauenporträts“

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„Auf dem Feld“, „Wäscherinnen“

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Jules Bastien-Lepage
Der französische Maler Bastien-Lepage wurde am 1. November 1848 in Danvillers in Lothringen geboren. Er studierte bei Alexandre Cabanel und ab 1867 an der Ecole des Beaux-Arts in Paris. Er nahm regelmäßig an Salonausstellungen teil und erregte erstmals als Schöpfer des Gemäldes „Frühlingslied“ (1874) die Aufmerksamkeit der Kritiker.

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Bastien-Lepage malte Porträts und historische Kompositionen („Die Vision der Jeanne d’Arc“, 1880, Metropolitan Museum of Art), ist aber vor allem für Gemälde mit Szenen aus dem Leben lothringischer Bauern bekannt, um die lyrische Ausdruckskraft von Menschenbildern zu verstärken und der Natur griff Bastien-Lepage oft auf Freilichtmalerei zurück („Heuernte“, 1877, Louvre, Paris; „Landliebe“, 1882, Staatliches Museum der Schönen Künste, Moskau). In den Werken des Künstlers werden Szenen des ländlichen Lebens in jedem dargestellt Detail, Einfachheit und Unerfahrenheit der Moral der Dorfbewohner werden mit der für diese Zeit charakteristischen Sentimentalität gelobt. Bastien-Lepage starb am 10. Dezember 1884 in Paris.

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"Jeanne d'Arc"

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„Landliebe“

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Ländlicher Alltag

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John Everett Millais
John Everett Millais (1829-1896) – großer englischer Künstler und Maler. Berühmt nicht nur für seine atemberaubenden Gemälde, sondern auch als einer der Gründer der Präraffaeliten-Bruderschaft oder Präraffaeliten-Bewegung

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Millets Werke

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Millets Werke

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Millets Werke

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Leon Lhermitte und sein Werk „Reckoning with the Reapers“

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„Wasserträgerin“, „Lesestunde“

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„Familie“, „Ernte“

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Herausragende Künstler des russischen Realismus:
A. G. Venetsianov I. N. Kramskoy N. A. Yaroshenko P. A. Fedotov V. G. Perov F. A. Vasiliev I. I. Shishkin I. I. Levitan N. N. Ge I. E. Repin V. I. Surikov

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P. A. Fedotov
N. N. Ge
I. N. Kramskoy
I. I. Levitan
V. G. Perov
I. E. Repin
I. I. Shishkin
W. I. Surikow
F. A. Wassiljew
A. G. Venetsianov

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Interesse am Leben des einfachen Mannes
Ein gewöhnliches, prosaisches, aber zugleich erhaben schönes Schicksal. Im Vordergrund steht nicht die Idealisierung, sondern die Aufgabe der künstlerischen Kenntnis der Menschen, ihrer Geschichte, Bedingungen, Ursachen und Lebensumstände

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A. G. Venetsianov Frühling. Ackerland

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Kramskoy Polesovshchik
Imker

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N. A. Jaroschenko Feuerwehrmann

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D.h. Repin
herausragender russischer Maler. Studierte in St. Petersburg an der Zeichenschule der Gesellschaft zur Förderung der Künste bei I.N. Kramskoy und die Akademie der Künste. Mitglied der Association of Traveling Art Exhibitions. Das erste eigenständige Werk des Künstlers ist das Gemälde „Barge Haulers on the Wolga“ (1870-1873. Russisches Museum). Während einer Fahrt auf einem Dampfschiff auf der Newa im Jahr 1863 sah Repin zum ersten Mal Lastkähne. Menschen, die wie Vieh an Geschirre gespannt waren, zogen den Lastkahn, während kluge Herren sorglos am Ufer entlang spazierten. Dieser Kontrast überraschte den Künstler. Er hatte die Idee, diese Szene zu schreiben, basierend auf der Opposition. Der berühmte Landschaftsmaler F. A. Vasiliev bemerkte: „Das Bild sollte breiter und einfacher sein, was an sich schon heißt... Lastkahnschlepper, also Lastkahnschlepper!“ Und Repin verzichtete auf eine geradlinige Tendenz. Er ging an die Wolga, um seine zukünftigen Helden besser zu studieren. .

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Über das Gemälde „Religiöse Prozession in der Provinz Kursk“
Anhand der Handlung des Kreuzzuges versuchte Repin in seinem Film, ein Bild des gesamten Landes zu schaffen, um ein verallgemeinertes, ganzheitliches Panorama des russischen Lebens zu vermitteln. Entlang einer staubigen Straße, entlang eines Abhangs mit den Überresten von Baumstümpfen eines abgeholzten Gehölzes bewegt sich der Kreuzzug langsam. Der Künstler vermittelte meisterhaft die Charaktervielfalt der Teilnehmer dieser Theateraufführung. Rechts geht eine Gruppe angesehener älterer Bauern in guter Kleidung mit dicken Bärten mit einer mit Bändern geschmückten gläsernen Kirchenlaterne spazieren. Zwei bürgerliche Frauen mittleren Alters mit niedlichen Halbschleifen tragen einen Ikonenkoffer. Es folgen Kindersänger unter der Aufsicht eines Lehrers und Regenten. Als nächstes kommt ein rötlicher Diakon mit rötlichem Haar und schließlich die Hauptfigur der Prozession – eine kleine, rundliche Dame, die eine wundersame Ikone trägt. Alle privilegierten Teilnehmer der Prozession sind durch die Teilnahme an der feierlichen Aktion voller selbstzufriedenem Bewusstsein ihrer eigenen Bedeutung und werden vom Künstler mit trauriger Ironie dargestellt. Nur wenige Teilnehmer der Prozession entgehen den Pfeilen des Spotts des Autors.

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„Die Kosaken schreiben einen Brief an den türkischen Sultan“

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Alltägliche Bilder des Lebens
P. A. Fedotov zeigte das tägliche Leben der Menschen der Kaufmanns- und Kleinbürgerschicht

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Über den Künstler P. Fedotov
Pavel Andreevich Fedotov ging als herausragender realistischer Künstler, als ironischer und subtiler Maler in die Geschichte der russischen Malerei ein. Der moderne Forscher D.V. Sarabyanov bemerkte zu Recht: „Er hat alles gemalt: wie Menschen sich hinsetzen und wie sie in Gegenwart ihrer Vorgesetzten sitzen, wie sie durch die Straßen gehen oder sich am Kartentisch verhalten, wie sich Figuren aus den komplexesten Blickwinkeln entfalten, was für ein menschliches Auge oder Nase sieht aus wie. Er malte Porträts fast „Alle seiner Bekannten. Es schien, als hätte er nicht genug Modelle, Zeit, Papier, Bleistifte, um seinen grenzenlosen Beobachtungsdurst zu stillen. Es war eine Leidenschaft.“ Ein buntes Kaleidoskop aus Typen und Charakteren P.A. Fedotov beobachtete im wirklichen Leben.

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Über das Gemälde „Frischer Kavalier“
Der zweite Titel des Gemäldes lautet „Der Morgen des Beamten, der das erste Kreuz empfing“. Dies ist das erste Gemälde des Künstlers und alle Merkmale von P.A.s Werk sind darin bereits sichtbar. Fedotova. Im Zentrum von Fedotovs Kunst steht die Fähigkeit, mithilfe ausdrucksstarker Details eine unterhaltsame Geschichte zu konstruieren. Das Gemälde zeigt einen Beamten in der Pose eines römischen Redners. Er hält sein zerrissenes Gewand wie eine Toga hoch und die Locken in seinem Haar sind wie ein Lorbeerkranz. Mit der Hand zeigt er auf den Stanislaw-Orden, als Antwort zeigt ihm der lebhafte Koch einen zerrissenen Stiefel. Vor uns liegt eine Parodie auf Heldenszenen im antiken Geist, die in der akademischen Historienmalerei immer noch beliebt sind. Dinge, die das Geschehen ausführlich kommentieren, werden als eigenständige Charaktere interpretiert: ein kaputter Stuhl, kaputtes Geschirr, leere Flaschen, sogar eine Kakerlake auf dem Tisch. Die Gitarrensaiten sind gerissen, eine sich streckende Katze zerreißt mit ihren Krallen die Polsterung eines billigen Stuhls. Äußerst spezifische Details charakterisieren die Interessen und die spirituelle Welt des Helden: Die Wurst ist in die Zeitung „Gazette of Police“ eingewickelt, unter dem Stuhl liegt ein minderwertiger Roman von F.V. Bulgarin „Iwan Wyschigin“. Zusammengenommen erfüllen Objekte eine weitere sehr wichtige Rolle. Der Künstler stellt sie mit einer solchen materiellen Ausdruckskraft dar, dass sie an sich schon schön sind, unabhängig davon, was sie genau über das chaotische Leben des „frischen Herrn“ erzählen sollen.

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V.G.Perov
Der Künstler Wassili Grigorjewitsch Perow wird als Autor des Alltagslebens der russischen Realität bezeichnet. Sein Pinsel umfasst viele Werke, in denen er mit Vertretern der machtlosesten und ungeschütztesten Klasse sympathisiert. Besonders erfolgreich war der Künstler mit Gemälden mit Alltagsszenen des Volkslebens: „Predigt im Dorf“, „Teeparty in Mytischtschi bei Moskau“ (1862), „Troika“ (1866), „Ertrunkene Frau“, „Die letzte Taverne“. am Außenposten“ (1868), „Ländliche religiöse Prozession zu Ostern“ (1861).

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V. G. Perov Troika

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Über das Gemälde „Troika“
Das Bild hat einen realen Alltagsbezug: Im 19. Jahrhundert wurde Moskau über spezielle Brunnen mit Wasser versorgt, von wo aus es in die Häuser geliefert wurde. Kinder auf der Leinwand von V.G. Perov trägt Wasser aus dem Brunnen auf dem Trubnaja-Platz. Ihr Weg führt über den Rozhdestvensky Boulevard, vorbei an den frostbedeckten Mauern des Geburtsklosters. Für V.G. wurde es zu einer gewöhnlichen Szene. Perov als Anlass, ein für das damalige Russland typisches und „zum Himmel schreiendes“ Phänomen anzuprangern – zermürbende Kinderarbeit. Kinder ziehen durch einen Schneesturm ein überwältigendes, vereistes Fass einen steilen Anstieg hinauf. Sie bewegen sich fast direkt auf den Betrachter zu, sodass ihre Gesichter uns zugewandt sind und im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit stehen. Im Erscheinungsbild seiner Figuren betonte der Künstler die Merkmale der Sanftmut und des süßen kindlichen Charmes. Perov betont ihr helles und freundliches Wesen und versucht, dem Betrachter ein Gefühl des Mitgefühls für die unschuldig leidenden Helden zu vermitteln. Perovs künstlerische Sprache ist äußerst asketisch. Eine zurückhaltende Farbgebung, in der graubraune Töne vorherrschen, das Fehlen ausdrucksstarker Texturen, schöne Details (selbst die Eiszapfen auf der Oberfläche des Fasses scheinen Flecken zu sein, der Reif an der Klostermauer sieht aus wie Staub und der Schnee hat ein unangenehmer Braunstich) - bewusste Ausdrucksmittel: Nichts soll die Aufmerksamkeit von der Geschichte über die „Erniedrigten und Beleidigten“ ablenken.

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Perov verabschiedet den Verstorbenen

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Die Ankunft der Gouvernante“

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Ertrunkene Frau

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„Die letzte Taverne am Außenposten“

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Über das Gemälde „Die letzte Taverne am Außenposten“
Perov zeigte den Stadtrand in der späten Dämmerung. In den ein- und zweistöckigen Häusern brannte bereits das Licht. Das entfernte Gebäude liegt im völligen Schatten. Auf einer zerfurchten, verschneiten Straße steht ein Schlittenpaar. Einige sind leer, in anderen Ecken sitzt eine kühle junge Bäuerin. In der Nähe, im Schnee, ist ein Hund. Ein Pferd kaut ein auf den Boden geworfenes Stück Heu. In der Ferne stehen die Obelisken des Außenpostens. Dahinter verlassen kaum sichtbare Schlitten die Stadt. Der Himmel, ein brennender, reiner Zitronenton, kontrastiert mit der dunklen Decke, die bereits auf den Boden gefallen ist. Das ist alles, was der Künstler dargestellt hat, aber das kleine Bild ist voller schmerzlicher Melancholie ...

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Ländliche Prozession zu Ostern“

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„Ländliche religiöse Prozession zu Ostern“
Der Künstler präsentiert dem Publikum ein deprimierendes Schauspiel: eine Prozession betrunkener Menschen mit Bannern und Ikonen entlang einer schlammigen Dorfstraße. Indem er sie in solchen Mengen in einer Komposition sammelt, schafft Perov das Bild eines hoffnungslosen Lebens, in dem alle heiligen Dinge mit Füßen getreten werden. Der Künstler vergleicht das Bild mit einer Bühne, auf der alle Charaktere gleichzeitig präsentiert werden. Er selbst und das Publikum sind vom Geschehen getrennt und fungieren als unparteiische Richter eines unvollkommenen Lebens. Die Trostlosigkeit des Dargestellten steht voll und ganz im Einklang mit den künstlerischen Mitteln: eine strenge Zeichnung, eine harte, wie künstliche Beleuchtung, eine Farbe, die nur die Oberflächen „malt“, ohne den Reichtum und die Vielfalt ihrer Texturen zu vermitteln. Die anklagende Kraft der „Prozession“ war so offensichtlich, dass das Gemälde sofort aus der Dauerausstellung der Gesellschaft zur Förderung von Künstlern entfernt wurde und eine gedruckte Reproduktion bis zur Revolution von 1905 verboten war. Das Gemälde wurde bereits vor der Ausstellung von P.M. erworben. Tretjakow, in dessen Zusammenhang der Künstler V.G. Khudyakov schrieb ihm: „... es gibt Gerüchte, dass die Heilige Synode Sie bald fragen wird, auf welcher Grundlage Sie solche unmoralischen Gemälde kaufen und öffentlich ausstellen... Perov, statt Italien, wie soll man nicht in Solovetsky landen!“ "

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„Teetrinken in Mytischtschi“
Die Handlung der „Teeparty“ sowie der „Landprozession“ basierten auf tatsächlichen Vorfällen, die Perow auf Reisen am Stadtrand von Moskau beobachtete. Eine ähnliche Teeparty fand vor seinen Augen statt, als er zur Trinity-Sergius Lavra ging. Er sah sowohl einen selbstgefälligen, gleichgültigen Mönch als auch einen schüchternen Novizen, den er später in seinem Gemälde darstellte. Das Einzige, was ihm einfiel, war ein verkrüppelter alter Krieger und ein zerlumpter Junge, der von einer jungen Magd vertrieben wurde.

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„Eltern am Grab ihres Sohnes“

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„Jäger in Ruhe“

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G. G. Myasoedov
Der Maler verband kreatives Schaffen stets mit aktiver sozialer Aktivität. Er war es, der die Initiative ergriff, eine neue Art von Künstlerorganisation zu gründen – die Association of Travelling Art Exhibitions. Die Idee einer solchen Organisation entstand bei Myasoedov im Jahr 1867, als er im Ausland war und Gelegenheit hatte, die Aktivitäten europäischer Künstler bei der Organisation von Wanderausstellungen zu beobachten, die hauptsächlich kommerziellen Zwecken dienten. Am 16. Dezember 1870 fand die erste Mitgliederversammlung des TPHV statt, bei der ein Vorstand gewählt wurde, dem Myasoedov (zusammen mit I. N. Kramskoy, N. N. Ge, V. G. Perov, M. K. Klodt) angehörte.

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„Mäher“

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„Zemstvo isst zu Mittag“

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V. V. Makovsky
Vladimir Egorovich Makovsky gehört zu den größten Meistern des alltagsrealistischen Genres. Aus seinen Gemälden sowie aus dokumentarischem Material kann man Ereignisse, Szenen des Alltags und die Charaktere von Menschen studieren. Die Themen seiner Gemälde weisen viele Ähnlichkeiten mit den Werken von N.A. auf. Nekrasova, M.E. Saltykova-Shchedrina, V.G. Korolenko, A.P. Tschechow. Eine bis ins kleinste Detail durchdachte Komposition, die Auswahl der ausdrucksstärksten Details, die Fähigkeit, alle Feinheiten des psychologischen Zustands der Figuren meisterhaft zu vermitteln – das sind die charakteristischen Merkmale seiner Leinwände. Mitte der 1870er Jahre wurde Makovskys Hauptthema bestimmt – das städtische Leben. In ihren kammerartigen, oft zweifigurigen Kompositionen

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„Datum“, „Erklärung“

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„Auf dem Boulevard“

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I. N. Kramskoy
Russischer Künstler, Kritiker und Kunsttheoretiker. Geboren in Ostrogozhsk (Provinz Woronesch) in eine arme Mittelklassefamilie. Seit meiner Kindheit interessiere ich mich für Kunst und Literatur. Seit seiner Kindheit war er Autodidakt im Zeichnen, dann begann er auf Anraten eines Zeichenliebhabers mit der Aquarellmalerei. Nach seinem Abschluss an der Bezirksschule (1850) diente er als Schreiber, dann als Retuscheur für einen Fotografen, mit dem er durch Russland streifte. Während seiner Studienjahre scharte er die fortgeschrittene akademische Jugend um sich. Er führte den Protest der Akademie-Absolventen („Aufstand der Vierzehn“) an, die sich weigerten, Bilder („Programme“) zu malen, die auf der vom Konzil vorgegebenen mythologischen Handlung basierten.

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"Unbekannt"

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„Mina von Moses“, „Christus in der Wüste“

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Meister der realistischen Landschaft
Sie tauchen den Betrachter in eine Welt tiefer Reflexionen über das Wesen des Seins und ewige spirituelle Werte ein. Der Wunsch der Künstler, in das Geheimnis der Klangharmonien einzudringen und eine Fülle von Halbtönen innerhalb eines engeren Farbraums zu erreichen

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F. A. Vasiliev Tauwetter

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Wassiljews nasse Wiese

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I.I.Shishkin
Iwan Iwanowitsch Schischkin ist nicht nur einer der größten, sondern vielleicht auch der beliebteste unter den russischen Landschaftsmalern. Shishkin kannte die russische Natur „wissenschaftlich“ (I. N. Kramskoy) und liebte sie mit der ganzen Kraft seiner kraftvollen Natur. Aus diesem Wissen und dieser Liebe entstanden Bilder, die längst zu einzigartigen Symbolen Russlands geworden sind. Schon die Figur Schischkins verkörperte für seine Zeitgenossen die russische Natur. Er wurde „Waldhelden-Künstler“, „König des Waldes“, „alter Waldmann“ genannt, man könnte ihn mit „einer alten starken, mit Moos bewachsenen Kiefer“ vergleichen, aber er ist eher wie eine einsame Eiche Baum aus seinem berühmten Gemälde, trotz vieler Fans, Anhänger und Nachahmer.

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I. I. Shishkin-Kiefernwald

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Shishkin Roggen

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„Eichen“, „Klippe“

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„Landschaft mit See“

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I. I. Levitan
Die Studienjahre an der Schule wurden für Isaac zu einer Zeit schwieriger Prüfungen, da seine Eltern zu diesem Zeitpunkt bereits gestorben waren und es niemanden gab, von dem er Hilfe erwarten konnte. Doch bereits innerhalb der Mauern der Schule entdeckte er nicht nur enorme Fähigkeiten, sondern schaffte es auch, in der russischen Landschaft ein neues Wort zu sagen. Er war Mitglied der Association of Itinerants. Es gelang ihm, die landschaftlichen Konventionen der klassisch-romantischen Landschaft zu überwinden, die teilweise von den Wanderern bewahrt wurden. Ungewöhnlich empfänglich für die Eindrücke der Natur, vermittelte er in seinen Gemälden und Aquarellzeichnungen die poetische Stimmung, die der Anblick ihrer verschiedenen Phänomene hervorruft, ohne auf Details einzugehen, und hielt darin getreu und kühn fest, was eine solche Stimmung hervorruft. Seine „Stimmungslandschaften“ erlangten eine besondere psychologische Intensität und drückten das Leben der menschlichen Seele aus, die in die Natur als Mittelpunkt der Geheimnisse des Daseins blickt

Realismus Realismus in der Kunst ist eine wahrheitsgetreue, objektive Wiedergabe der Realität unter Verwendung spezifischer Mittel, die einer bestimmten Art künstlerischen Schaffens innewohnen. Im engeren Sinne wird der Begriff „Realismus“ (der erstmals Mitte des 19. Jahrhunderts im ästhetischen Denken Frankreichs auftauchte) im Bereich der bildenden Künste auf künstlerische Phänomene angewendet, die im 17. und 18. Jahrhundert entstanden. und erreichte im kritischen Realismus des 19. Jahrhunderts seine volle Enthüllung. In diesem Sinne ist ein charakteristisches Merkmal des Realismus die Verwendung von Kunst zur direkten Darstellung des Alltagslebens von Menschen, ohne jegliche religiöse oder mythologische Handlungsmotivation. Julien Dupre

Realismus Die Geschichte des Realismus als Kunstrichtung ist mit der Landschaftsmalerei in Frankreich, mit der sogenannten Barbizon-Schule, verbunden. Barbizon ist ein Dorf, in das Künstler kamen, um ländliche Landschaften zu malen. Sie entdeckten die Schönheit der Natur Frankreichs, die Schönheit der Arbeit der Bauern, die die Aneignung der Realität darstellte und zu einer Neuheit in der Kunst wurde. Theodore Rousseau

Gustave Courbet Jean Désiré Gustave Courbet ist ein französischer Maler, Landschaftsmaler, Genremaler und Porträtmaler. Er gilt als einer der Finalisten der Romantik und als Begründer des Realismus in der Malerei. Einer der größten Künstler Frankreichs im 19. Jahrhundert, eine Schlüsselfigur des französischen Realismus. Gustave Courbet

Courbet bezeichnete sich im Laufe seines Lebens immer wieder als Realist: „Malerei besteht darin, Dinge darzustellen, die der Künstler sehen und anfassen kann... Ich bin der festen Überzeugung, dass Malerei eine äußerst konkrete Kunst ist und nur in der Darstellung realer gegebener Dinge bestehen kann.“ uns... Das ist eine völlig physische Sprache. „Windsieger“

Gustave Courbet Die interessantesten Werke Courbets: „Begräbnis in Ornans“, sein eigenes Porträt, „Rehe am Bach“, „Kampf der Hirsche“, „Welle“ (alle fünf im Louvre in Paris), „Nachmittagskaffee in Ornans“ (im Museum von Lille), „Straßensteinbrecher“, „Feuer“, „Village Priests Returning from a Fellowship Revel“ (ätzende Satire auf den Klerus), „Badende“, „Frau mit Papagei“, „Eingang zu das Tal des Puy Noir“, „Felsen von Orannon“, „Hirsch am Wasser“ (im Museum von Marseille) und viele Landschaften, in denen das Talent des Künstlers am deutlichsten und vollständigsten zum Ausdruck kam. „Beerdigung in Ornans“

Theodore Rousseau Rousseau führte das Konzept der „intimen Landschaft“ ein, dessen Motive vor allem der Wald von Fontainebleau lieferte. Angesichts der Einfachheit und Natürlichkeit des Dargestellten soll die Gesamtkolorierung des Bildes die Hauptrolle spielen, die die Stimmung, die die Natur zu einem bestimmten Zeitpunkt in der Seele des Künstlers erzeugt hat, stark und poetisch zum Ausdruck bringt. In Es war sein erstes Mal im Freien. Winter Rousseau verbrachte Zeit zusammen mit den Künstlern Narcisse Virgil Díaz de la Peña und Claude Félix Théodore Aligny in Barbizon. Die Natur von Barbizon machte auf ihn einen so großen Eindruck, dass Rousseau ab 1848 jedes Jahr dorthin kam. zog schließlich mit seiner Frau dorthin. Blick auf Barbizon

Theodore Rousseau Im Laufe der Zeit bildete sich um Rousseau ein Kreis seiner Künstlerkollegen, wie er, der die Natur in der Natur von Daubigny und Dupre malte. So entstand nach und nach die Schule von Barbizon. Die berühmtesten Gemälde von Theodore Rousseau: „Ausgang aus dem Wald von Fontainebleau“, „Altes Dormoir in Bas-Breau“, „Sumpf in den Landes“, „Flussufer“, „Sturm“, „Pastelage mit einem zwischen ihnen fließenden Fluss“. “, „Landschaft in der Morgenstunde, mit Kühen, die zur Tränke gehen, „Kühe grasen an einer Waldpfütze“, „Sonnenuntergang“ und „Frühlingsnachmittag“, „Markt in der Normandie“, „Ende Oktober“ und „Schinkeneichen“ (eingraviert vom Künstler selbst). Im Wald von Fontainebleau

Charles Daubigny Charles-François Daubigny (15. Februar 1817, Paris 19. Februar 1878, ebenda) Französischer Künstler, Mitglied der Schule von Barbizon. Daubigny versuchte, die Landschaft von poetischen und subjektiven Komponenten zu befreien und die Natur direkt und ohne Ausschmückung darzustellen. Daubigny glaubte, dass die persönliche Wahrnehmung des Künstlers nicht an der Reflexion dessen, was er sah, beteiligt sein sollte.

Charles Daubigny Die Öffentlichkeit und Kunstkritiker nannten Daubignys skizzenhafte Aquarelle „charmant, attraktiv und poetisch“. Obwohl Daubigny dies nicht anstrebte, galten auch die auf der Grundlage dieser Vorskizzen entstandenen Landschaften als „poetisch“. Daubigny versuchte nicht, ihnen eine poetische Stimmung zu verleihen, und um letztendlich den Verdacht bewusster Poesie loszuwerden, begann er, die unattraktivsten und unattraktivsten Motive zu wählen und strebte nur nach absoluter Wahrhaftigkeit. "Abend"

Bemerkenswert waren die Bemühungen von Charles Daubigny Daubigny, die Spontaneität und Spontaneität des Pleinairs in seinen Werken zu bewahren. Dafür erntete er zeitweise sowohl Lob als auch heftige Kritik. Doch seiner Maltechnik bleibt Daubigny treu, sein voluminöser Farbauftrag und seine scharfen Pinselstriche wirken dadurch bis in die 60er Jahre hinein. 19. Jahrhundert Einfluss auf die Impressionisten. „Bauernhof“

John Constable „Constable's Land“ war das Dedam Valley in Suffolk. Seine besten Werke, darunter die berühmte Kathedrale von Salisbury, Das weiße Pferd, Der Damm von Dedam und Der Heuwagen, sind mit diesen Orten verbunden und entstanden im Jahrzehnt reifer Kreativität zwischen 1815 und 1825. 1819 besuchte Constable Venedig und Rom. Im Jahr 1824 wurden mehrere seiner Werke im Pariser Salon ausgestellt und „The Hay Wain“ erhielt die Goldmedaille der Ausstellung. „Heuwagen“

Julien Dupre Julien Dupre (19. März 1910), französischer Künstler. Julien Dupre ist einer der bedeutendsten realistischen Künstler des späten 19. Jahrhunderts. Seine Landschaften zeichnen sich durch Realismus und Klarheit aus. Er schilderte die Härten des Lebens französischer Bauern und malte Landfrauen in heroischem Stil. Dupres Gemälde über das Leben im französischen Dorf sind von einzigartiger Lebendigkeit und Frische erfüllt.

Jules Breton Jules Adolphe Aimé Louis Breton (1. Mai 1827, Pas de Calais 5. Juli 1906, Paris) französischer Künstler, Genremaler und Landschaftsmaler. Die Themen von Bretons Gemälden sind dem Volksleben entlehnt. Die meisten seiner Gemälde sind idyllischer Natur; sie stellen das Leben von Hirten oder Bauern auf dem Feld dar; Die Ausführung zeichnet sich im Allgemeinen durch Realismus aus, aber dem Konzept selbst sind einige idealistische Untertöne nicht fremd. "Erstkommunion"

Leon Lhermitte Leon Lhermitte () ist ein französischer realistischer Künstler. Alle Gemälde von Lhermitte sind dem Leben der Bauern gewidmet. Lhermitte war der Sohn eines Bauern und erlebte die Härte der Bauernarbeit aus erster Hand. In seinen Gemälden wird das Landleben wie von innen gesehen, die Gesten der arbeitenden Menschen sind überzeugend und die Beziehungen zwischen ihnen verlässlich. „Schnitter“

Jules Bastien-Lepage Jules Bastien-Lepage (1. November 1848, Danvilliers, Meuse 10. Dezember 1884, Paris) Französischer Künstler, Vertreter des Naturalismus in der Malerei als integraler Bestandteil des Realismus. Er war neben dem großen Jules Breton einer der ersten französischen Künstler, der das bäuerliche Leben im Geiste des Naturalismus darstellte. "Allerheiligen"

Kritischer Realismus Der kritische Realismus, der in der Kunst europäischer Länder und Amerikas existierte, konzentrierte sich auf die Darstellung des Lebens der benachteiligten Teile der Gesellschaft, die Gegenüberstellung ihres Lebens mit dem der reichen Teile und die Sympathie für das unglückliche menschliche Schicksal. Das Studium der sozialen Widersprüche wurde von John Everett Millais entwickelt. Das berühmteste Gemälde ist „Ophelia“, das Millais‘ geliebten Rossetti darstellt. „Ophelia“

„Das neunzehnte Jahrhundert wird sich von allen vorherigen Jahrhunderten durch seine genaue und feurige Darstellung des menschlichen Herzens unterscheiden.“ Stendhal E. Delacroix „Die Freiheit führt das Volk“, 1830 Die französische bürgerliche Revolution von 1848 und dann die erste proletarische Revolution der Welt von 1871 (Pariser Kommune) zerstreuten schließlich romantische Illusionen und zwangen uns, unsere Aufmerksamkeit auf die Bedürfnisse des einfachen Mannes zu richten .

Romantik, Realismus, Einstellung zur Realität, Besonderheiten, behebt Laster und Mängel im Leben der Gesellschaft. Zeigt viele subjektive und individuelle Dinge. Konzentriert die Aufmerksamkeit auf die Gründe, die zum Bösen in der Gesellschaft geführt haben. Strebt nach Objektivität und nutzt künstlerische Techniken der satirischen Lächerlichkeit. Merkmale des Bildes einer Person Einheit der Ansichten des Autors und seiner Charaktere. Das Individuum beeinflusst die Gesellschaft. Zwischen dem Autor und den Figuren herrschte eine gewisse Distanz. Die Gesellschaft hat einen erheblichen Einfluss auf den Einzelnen. „Realismus ist eine wahrheitsgetreue Reproduktion typischer Charaktere unter typischen Umständen“ F. Engels

REALISMUS – (realis vom lateinischen Wort – Material) – der Wunsch nach einer vollständigeren, tieferen und umfassenderen Reflexion der Realität in all ihren Erscheinungsformen. In den 50er Jahren Im 19. Jahrhundert wurde der Begriff „Realismus“ erstmals vom französischen Literaturkritiker J. Chanfleury verwendet, um Kunst zu bezeichnen, die der Romantik und dem Symbolismus gegenüberstand. Im Jahr 1857 veröffentlichte er ein Buch mit dem Titel „Realismus“, in dem er vorschlug, Realismus als etwas Unbestimmtes, Veränderliches zu betrachten, das das Wesen einer bestimmten Ära am genauesten widerspiegelt.

Naturalismus ist der extreme Grad des Realismus. „Realismus kann nicht mit der sichtbaren Ähnlichkeit der Realität verwechselt werden … Die Perfektion eines künstlerischen Bildes hängt nicht vom Grad der Nachahmung der Natur ab.“ Emile Zola Aus der Mitte des 19. Jahrhunderts. Die Begriffe „Realismus“ und „Naturalismus“ wurden oft synonym verwendet, und ab den 1870er Jahren begann der Naturalismus in der literarischen und künstlerischen Bewegung eine herausragende Rolle zu spielen. Emile Zola () Zola ist ein Befürworter der Prinzipien des Naturalismus (Buch „The Experimental Novel“, 1880). In Zolas künstlerischem Werk verschränken sich die Merkmale des Naturalismus mit den Merkmalen des kritischen Realismus.

Die Geburt des Realismus wird am häufigsten mit der Arbeit des französischen Künstlers Gustave Courbet () in Verbindung gebracht, der 1855 in Paris seine persönliche Ausstellung „Pavillon des Realismus“ eröffnete (von 13 Gemälden wurden 11 Gemälde ausgewählt – zwei wurden abgelehnt). Gustave Courbet (1819 - 1877) Er verstand es, jeder Figur ihre typische Bedeutung zu verleihen und in jedem Helden das Schicksal einer ganzen Generation zu erahnen. Französischer Maler, Landschaftsmaler, Genremaler und Porträtmaler. Gilt als einer der Finalisten der Romantik und Begründer des Realismus in der Malerei. Landschaftsmaler, Genreporträtist, Romantik, Realismus

Die letzten Lebensjahre von G. Courbet 1871 trat Gustave Courbet der Pariser Kommune bei. Dieser Schritt wurde ihm nicht verziehen. Nach der Niederlage der Kommune während des Terrors von Versailles wurde Courbet vor Gericht gestellt. Ihm wurde vorgeworfen, die 1783 errichtete Vendôme-Säule zerstört zu haben. Durch eine Gerichtsentscheidung wurde Courbet ins Gefängnis geworfen und zu einer kolossalen Geldstrafe verurteilt. Freunde kamen dem Künstler zu Hilfe: Er floh in die Schweiz, wo er die letzten Jahre seines Lebens verbrachte. Das rührende Relief „Frau und Möwe“ war das letzte Werk, das er vor seinem Tod schuf. „Die Frau und die Möwe“

„Daumier zeichnet besser als wir alle.“ E. Delacroix Honore Daumier () Französischer Maler, Zeichner, Karikaturist, Bildhauer, Meister der Lithographie (Steindruck) Daumier wurde 1830 als Künstler geboren, als die Wochenzeitung „Caricatures“ mit der Veröffentlichung seiner Stiche begann. Schon bei den ersten kreativen Schritten zeigen sich seine politischen Sympathien.

Er fertigt Karikaturen von Louis Philippe an, der während der Revolution von 1830 nach der Vertreibung der Bourbonen den Thron bestieg, und stellt ihn mit einem birnenförmigen Kopf dar. Der Kern der Bildmetapher bestand darin, dass das Wort „poire“ im Französischen sowohl „Birne“ als auch „Narren“ bedeutet. Louis Philippe als Gargantua. Karikatur von Louis Philippe.

Legislative Gebärmutter. Als Mitarbeiter der Zeitung hatte er das Recht, das Pressefach des Bourbonenpalastes zu betreten und nahm daher an den Sitzungen der Kammer teil, in der über die französische Politik entschieden wurde. Er studierte seine zukünftigen „Helden“ und fertigte, als er nach Hause kam, Miniaturbüstenporträts an. So entstand die Zeichnung „Legislative Womb“.

Transnonenstraße 15. April 1834. Im April 1834 kam es in Lyon zu einem Weberaufstand, der sich dann auf Paris ausweitete. Zur Unterdrückung wurden Truppen entsandt. Bewohner des Hauses in der Transnonen-Straße, die sich nicht am Bau der Barrikaden beteiligten, wurden zu unschuldigen Opfern der Behörden: Jemand feuerte aus einem Fenster im fünften Stock eine Pistole ab, die Strafkräfte brachen in das Haus ein und begannen, alle zu töten , darunter Frauen und Kinder. Für die Zeitgenossen war das Bild ein Schock. Die Regierung verbot die Veröffentlichung: Bündel unverkaufter Lithographien wurden beschlagnahmt und verbrannt.