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셰익스피어의 세계관에서 르네상스의 과학적, 철학적 아이디어. 작품 속의 셰익스피어와 르네상스 셰익스피어 아이디어

이 사람이 세상, 사고 방식, 인식, 예술에 대한 태도를 바꾸었다고 안전하게 말할 수 있습니다. 학교 커리큘럼에서 작품을 공부하는 윌리엄 셰익스피어는 진정한 천재였습니다. 그의 희곡과 시는 인간관계의 진정한 백과사전, 일종의 삶의 거울, 인간의 결점과 장점을 비추는 거울이라 할 수 있다.

위대한 천재

셰익스피어의 작품은 세계 문학에 대한 인상적인 공헌입니다. 그의 생애 동안 위대한 영국인은 17편의 희극, 11편의 비극, 12편의 연대기, 5편의 시, 154편의 소네트를 창작했습니다. 그들의 주제, 거기에 기술된 문제들이 오늘날에도 관련되어 있다는 것은 흥미롭습니다. 극작가의 작품에 대한 많은 연구자들조차도 16세기에 한 사람이 어떻게 모든 세대를 흥분시키는 작품을 만들 수 있었는지 대답할 수 없습니다. 작품은 한 사람이 아니라 특정 작가 그룹이 쓴 것이 아니라 하나의 가명으로 썼다는 가설까지 세웠다. 그러나 진실은 아직 확립되지 않았습니다.

짧은 전기

많은 사람들의 사랑을 받는 셰익스피어는 많은 미스터리와 역사적 사실을 거의 남기지 않았습니다. 그는 1564년 Stratford-upon-Avon 시의 Birmingham 근처에서 태어난 것으로 여겨집니다. 그의 아버지는 무역에 종사했고 부유한 시민이었습니다. 그러나 문학과 문화의 문제는 Little William과 논의되지 않았습니다. 그 당시 도시에는 재능 개발에 도움이 될 환경이 없었습니다.

소년은 무료 학교에 갔고 18 세에 부자 소녀와 (강제로) 결혼했으며 그녀는 그보다 8 살 더 많았습니다. 분명히 셰익스피어는 가족 생활을 좋아하지 않았기 때문에 방황하는 예술가 그룹에 합류하여 런던으로 떠났습니다. 그러나 그는 배우가 되는 운이 좋지 않아 유력 인사를 기리는 시를 쓰고, 부유한 극장 방문객의 말을 모시고, 프롬프터로 활동하고, 희곡 집필을 마쳤다. 셰익스피어의 첫 작품은 그가 25세 때 등장했다. 그런 다음 그는 점점 더 많이 썼습니다. 그들은 배달되었고 성공했습니다. 1599년에 셰익스피어를 포함한 그룹의 예술가들을 희생하여 유명한 글로브 극장이 세워졌습니다. 그 안에서 극작가는 지칠 줄 모르고 일했습니다.

작품의 특징

그때도 셰익스피어의 작품은 전통적인 드라마나 희극과는 달랐다. 그들의 특징은 깊은 내용, 사람들을 변화시키는 음모의 존재였습니다. William은 고귀한 사람조차도 상황의 영향을 받아 얼마나 낮아질 수 있는지, 반대로 악명 높은 악당이 얼마나 큰 일을하는지 보여주었습니다. 극작가는 줄거리가 전개됨에 따라 등장인물이 점차 자신의 성격을 드러내도록 강요했고, 관객은 등장인물에 공감하여 장면을 따라가도록 했다. 셰익스피어의 작품은 또한 높은 도덕적 파토스가 특징입니다.

대중이 그의 작품을 정확하게 요구했기 때문에 그의 생애 동안 이미 극작의 천재가 많은 작가의 수입을 박탈했다는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 그리고 그는 수요의 요구 사항을 충족했습니다. 그는 새로운 연극을 쓰고 고대 이야기를 재생하고 역사적 연대기를 사용했습니다. 성공은 윌리엄에게 번영을 안겨 주었고 심지어 귀족의 문장까지 남겼습니다. 그는 친근한 서클에서 생일을 기념하여 쾌활한 잔치 후에 일반적으로 믿는 것처럼 죽었습니다.

셰익스피어 작품(목록)

이 기사에서 가장 위대한 영국 극작가의 모든 작품을 나열할 수는 없습니다. 그러나 셰익스피어의 가장 유명한 작품을 지적합시다. 목록은 다음과 같습니다.

"로미오와 줄리엣".
"작은 촌락".
"맥베스".
"여름밤의 꿈".
"오델로".
"리어 왕".
"베니스의 상인".
"아무것도에 대한 많은 고뇌".
"폭풍".
"두 개의 베로나".

이 연극은 자존심이 강한 극장의 레퍼토리에서 찾을 수 있습니다. 그리고 물론 유명한 속담을 바꿔 말하면 햄릿을 꿈꾸지 않는 배우는 나쁘고 줄리엣을 연기하고 싶지 않은 여배우는 나쁘다고 말할 수 있습니다.

될 것인가 말 것인가?

셰익스피어의 작품 "햄릿"은 가장 밝고 가장 관통하는 작품 중 하나입니다. 덴마크 왕자의 이미지는 영혼 깊은 곳까지 흥분되고 그의 영원한 질문은 당신의 삶에 대해 생각하게 만듭니다. 정식 버전의 비극을 아직 읽지 않은 분들을 위해 요약을 알려 드리겠습니다. 극은 왕들의 유령의 등장으로 시작된다. 그는 햄릿을 만나 왕이 자연사한 것이 아니라고 말했습니다. 아버지의 영혼은 복수를 요구한다는 것이 밝혀졌습니다. 살인자 Claudius는 고 왕의 아내뿐만 아니라 왕좌도 차지했습니다. 나이트 비전의 말의 진실성을 확인하기 위해 왕자는 미친 사람인 척하고 방황하는 예술가를 궁전으로 초대하여 비극을 연출합니다. Claudius의 반응은 그를 포기했고 Hamlet은 복수하기로 결정합니다. 궁전 음모, 그의 사랑하는 사람과 전 친구의 배신은 심장이없는 복수 왕자를 만듭니다. 그는 자신을 방어하기 위해 그들 중 몇 명을 죽이지 만 죽은 오필리아의 형제의 칼에 죽임을 당합니다. 결국 모든 사람이 죽습니다. 거짓으로 왕좌를 차지한 클라우디우스와 햄릿을 위해 준비한 남편이 독살 한 포도주를 마신 어머니, 왕자 자신과 그의 상대 인 Laertes. 그의 작품이 눈물을 흘리는 셰익스피어는 덴마크뿐만 아니라 문제를 설명했습니다. 그러나 전 세계, 특히 세습 군주제.

두 연인의 비극

셰익스피어의 "로미오와 줄리엣"은 자신이 선택한 사람과 함께하기 위해 자신을 희생할 준비가 된 두 젊은이에 대한 감동적인 이야기입니다. 자녀가 함께 행복하지 못하게 한 전쟁 가족의 이야기입니다. 그러나 전쟁 귀족의 아이들은 정해진 규칙에 신경 쓰지 않고 함께하기로 결정합니다. 그들의 만남은 부드러움과 깊은 감정으로 가득 차 있습니다. 그러나 소녀를 위해 신랑을 찾았고, 그녀의 부모는 그녀에게 결혼식 준비를 하라고 합니다. 줄리엣의 동생은 전쟁을 벌이는 두 가문의 대표들 사이의 거리 싸움에서 살해되고 로미오는 살인자로 간주됩니다. 통치자는 범죄자를 도시 밖으로 내보내고 싶어합니다. 젊은이들은 승려와 간호사의 도움을 받지만 탈출에 대한 모든 세부 사항을 충분히 논의하지는 않았습니다. 결과적으로 줄리엣은 물약을 마시고 로미오에 빠지지만 사랑하는 사람이 죽은 것으로 간주하고 지하실에서 독을 마신다. 깨어 난 소녀는 남자의 단검으로 자살한다. Montagues와 Capulets는 화해하며 자녀를 애도합니다.

기타 작업

그러나 윌리엄 셰익스피어는 작품과 다른 작품을 썼습니다. 고양되고 가볍고 생생한 재미있는 코미디입니다. 그들은 유명하지만 사랑, 열정, 삶을 위해 노력하는 데 외계인이 아닌 사람들에 대해 이야기합니다. 말장난, 오해, 행복한 사고는 등장인물들을 해피엔딩으로 이끈다. 연극에 슬픔이 있으면 무대 위의 명랑한 소동을 강조하는 것처럼 덧없는 것입니다.

위대한 천재의 소네트도 독창적이며 깊은 생각, 감정, 경험으로 가득 차 있습니다. 구절에서 저자는 사랑하는 친구에게로 향하고 이별을 애도하며 회의에서 기뻐하며 실망합니다. 특별한 멜로디 언어, 기호 및 이미지는 애매한 그림을 만듭니다. 흥미롭게도 대부분의 소네트에서 셰익스피어는 한 남자, 아마도 극작가의 후원자인 사우샘프턴 백작 헨리 리슬리를 언급합니다. 그리고 나서야 후기 작품에서 잔인한 요염한 거무스름한 여인이 나타납니다.

후기 대신

각 사람은 단순히 적어도 번역본을 읽을 의무가 있지만 셰익스피어의 가장 유명한 작품의 전체 내용은 가장 위대한 천재가 현대 사회의 문제를 식별할 수 있었기 때문에 선지자의 능력을 가지고 있는지 확인합니다. . 인간의 영혼을 연구하던 그는 인간 영혼의 단점과 장점을 간파하고 변화를 추진했다. 그리고 그것이 예술과 거장의 목적이 아닐까요?

윌리엄 셰익스피어

위대한 영국 작가 윌리엄 셰익스피어의 작품은 전 세계적으로 중요합니다. 셰익스피어의 천재성은 모든 인류에게 소중합니다. 인본주의 시인의 아이디어와 이미지의 세계는 정말 거대합니다. 셰익스피어의 보편적 의미는 그의 작품의 사실성과 국적에 있습니다.

William Shakespeare는 1564년 4월 23일 Stratford-on-Avon에서 글로버 가족으로 태어났습니다. 미래의 극작가는 문법 학교에서 공부했으며 그곳에서 라틴어와 그리스어, 문학과 역사를 가르쳤습니다. 지방 도시에서의 생활은 사람들과 긴밀한 접촉을 할 수 있는 기회를 제공했으며, 셰익스피어는 영국 민속학과 토착어의 풍부함을 배웠습니다. 한동안 셰익스피어는 주니어 교사였습니다. 1582년에 그는 Anna Hathaway와 결혼했습니다. 그는 세 자녀를 두었습니다. 1587 년 셰익스피어는 배우로서 큰 성공을 거두지 못했지만 런던으로 떠났고 곧 무대에서 연주하기 시작했습니다. 1593년부터 버비지 극장에서 배우, 감독, 극작가로 일했고 1599년부터 글로브 극장의 주주가 되었다. 셰익스피어의 연극은 매우 인기가 있었지만 당시에는 그의 이름을 아는 사람이 거의 없었습니다.

런던에서 셰익스피어는 젊은 귀족들을 만났습니다. 그들 중 한 명인 사우샘프턴 백작은 자신의 시인 Venus and Adonis(Venus and Adonis, 1593)와 Lucrece(Lucrece, 1594)를 헌정했습니다. 이 시들 외에도 그는 소네트 모음집과 37편의 희곡을 썼습니다.

1612년 셰익스피어는 극장을 떠나 희곡 쓰기를 중단하고 스트랫퍼드 온 에이번으로 돌아갔다. 셰익스피어는 1616년 4월 23일에 사망하여 그의 고향 도시에 묻혔습니다.

셰익스피어의 삶에 대한 정보의 부족은 이른바 셰익스피어 질문을 불러일으켰습니다. XVIII 세기부터 시작합니다. 일부 연구자들은 셰익스피어의 연극이 셰익스피어가 쓴 것이 아니라 그의 저자임을 숨기고 셰익스피어의 이름으로 그의 작품을 출판한 다른 사람이 썼다는 생각을 표현하기 시작했습니다. Herbert Lawrence는 1772년에 극작가가 철학자 Francis Bacon이라고 말했습니다. Delia Bacon은 1857년에 Bacon이 포함된 Walter Raleigh의 서클 멤버들이 연극을 썼다고 주장했습니다. 1907 년 Carl Bleibtrey, 1918 년 Dumblon, 1924 년 F. Shipulinsky는 Rutland 경이 연극의 저자임을 증명하려고했습니다. 일부 학자들은 옥스퍼드 백작, 펨브룩 백작, 더비 백작이 저자라고 주장합니다. 우리나라에서는이 이론이 V.M. Friche에 의해 뒷받침되었습니다. I. A. Aksenov는 많은 연극이 셰익스피어가 쓴 것이 아니라 그에 의해서만 편집되었다고 믿었습니다.

셰익스피어의 저자임을 부정하는 이론은 지지할 수 없습니다. 그들은 셰익스피어 전기의 원천이 된 전통에 대한 불신과 대학을 졸업하지 않은 민주적 출신의 사람에게서 천재적인 재능을 보지 않으려는 의지를 바탕으로 발생했습니다. 셰익스피어의 삶에 대해 알려진 것은 그의 저자임을 완전히 확인시켜줍니다. 철학적 마음, 시적 세계관, 지식의 폭, 도덕적 및 심리적 문제에 대한 깊은 통찰력-셰익스피어는 독서 증가, 사람들과의 의사 소통, 시대 문제에 대한 적극적인 참여, 삶에 대한 세심한 태도 덕분에이 모든 것을 소유했습니다.

셰익스피어의 생애는 세 시기로 나뉜다. 첫 번째 기간 (1591-1601)에는 "Henry VIII"(1613)를 제외한시 "Venus and Adonis"와 "Lucretia", 소네트 및 거의 모든 역사적 연대기가 만들어졌습니다. 세 가지 비극 : "Titus Andronicus", "Romeo and Juliet", "Julius Caesar". 이 기간의 가장 특징적인 장르는 쾌활하고 밝은 코미디 ( "말괄량이 길들이기", "한여름 밤의 꿈", "베니스의 상인", "윈저의 즐거운 아내", "아무것도 아닌 것에 대한 많은 소동"이었습니다. , "좋아하는대로", "열두 번째 밤").

두 번째 시기(1601-1608)는 비극적 갈등과 비극적 영웅에 대한 관심으로 특징지어진다. 셰익스피어는 햄릿, 오델로, 리어 왕, 맥베스, 안토니우스와 클레오파트라, 코리올라누스, 아테네의 티몬 등 비극을 만듭니다. 이 시기에 쓰여진 희극들은 이미 비극적 반성을 품고 있다. 코미디 "Troilus and Cressida"와 "Measure for Measure"에서는 풍자적 요소가 강화됩니다.

세 번째 기간 (1608-1612)에는 환상과 우화가 등장하는 비극 코미디 "Pericles", "Cymbeline", "The Winter 's Tale", "The Tempest"가 포함됩니다.

셰익스피어의 소네트(1592-1598, 1699년 출판)는 영국 르네상스 시의 절정이자 세계 시 역사의 이정표였습니다. XVI 세기 말까지. 소네트는 영시의 주요 장르가 되었습니다. 철학적 깊이, 서정적 힘, 극적인 느낌 및 음악성에서 셰익스피어의 소네트는 당시 소네트 예술 발전에서 뛰어난 위치를 차지합니다. 셰익스피어가 창작한 154개의 소네트는 멋진 청년과의 헌신적인 우정과 거무스름한 여인에 대한 열렬하고 고통스러운 사랑을 노래하는 서정적 영웅의 이미지로 결합됩니다(The Dark Lady of the Sonnets). 셰익스피어의 소네트는 서정적인 고백입니다. 영웅은 상충되는 감정에 대해 마음의 삶에 대해 이야기합니다. 이것은 열정적 인 독백으로 사회를 지배하는 위선과 잔인 함을 분노하게 비난하고 우정, 사랑, 예술과 같은 지속적인 영적 가치로 반대합니다. 소네트는 시대의 문제에 생생하게 반응하는 서정적 영웅의 복잡하고 다면적인 영적 세계를 드러냅니다. 시인은 인간의 정신적 아름다움을 고양함과 동시에 당시 상황에서 삶의 비극을 묘사합니다.

깊은 철학적 아이디어를 표현하는 예술적 완성도는 소네트의 간결하고 간결한 형식과 불가분의 관계입니다. 셰익스피어의 소네트는 abab cdcd efef gg와 같은 운율 체계를 사용합니다. 3개의 4행시에서는 주제의 극적인 발전이 종종 대조와 대립의 도움을 받아 은유적 이미지의 형태로 주어집니다. 마지막 distich는 주제의 철학적 사고를 공식화하는 격언입니다.

130 번째 소네트에 나오는 거무스름한 여인의 이미지는 진실한 서정적 초상화의 기술로 구별됩니다. 셰익스피어는 여성의 실제 얼굴을 묘사하기 위해 예의 바르고 완곡한 비교를 거부합니다.

그녀의 눈은 별처럼 보이지 않고 입술은 산호라고 부를 수 없으며 그녀의 열린 피부는 백설 공주가 아니며 가닥은 검은 철사처럼 꼬입니다. 다마스크 장미, 진홍색 또는 흰색으로 이 뺨의 그늘은 비교할 수 없습니다. 그리고 몸은 몸이 냄새를 맡는 방식으로 냄새를 맡습니다. 섬세한 보라색 꽃잎이 아닙니다. (S. Marshak 번역)

가장 중요한 사회적 사상을 표현한 소네트 중에서 66번째 소네트가 눈에 띈다. 이것은 저속함, 비열함, 속임수에 기반한 사회에 대한 분노한 비난입니다. 부당한 사회의 모든 궤양에 이름이 붙여져 있습니다. 서정적 영웅은 그 앞에 열린 승리의 악의 끔찍한 그림에 대해 너무 걱정하여 죽음을 요구하기 시작합니다. 그러나 소네트는 가벼운 분위기를 엿보며 끝맺는다. 영웅은 그가 살아야 할 사랑하는 사람을 기억합니다.

내가 보는 모든 것이 사악하지만 친애하는 친구여, 당신을 떠나는 것이 유감입니다!

분노의 직접적인 폭발 인 그의 비난 독백은 서정적 영웅이 한숨을 쉬게합니다. 이것은 10개의 시적 행에서 결합 "and"의 반복으로 전달됩니다. 소네트의 시작과 끝에서이 모든 "(모든 것에 지쳐 ...)"와 함께 "tir"d라는 단어를 사용하면 서정적 영웅의 경험과 당시의 사회적 문제 사이의 직접적인 연결을 강조합니다. .영웅은 공적 세계에서 사람이 걱정하는 모든 것을 그의 영적 세계로 흡수합니다.서정적 영웅의 드라마 경험은 활기찬 문구의 강요로 표현되며, 각각은 실제 사회적 모순을 재현하는 대조입니다.영웅은 할 수 없습니다. 더 이상 호화로운 옷차림의 무, 완벽에 대한 거짓 선고, 무례하게 학대받는 순결, 부적절한 명예, 수치, 포로의 권력, 약점, 이빨없는 ...

서정적 영웅의 강렬한 감정은 유음과 두운의 빈번하고 엄격한 교대에 해당합니다.

그리고 어리석음-의사-같은-제어 스킬... 그리고 포로 선장 수행 캡틴 병...

언어와 스타일을 통해 흥분한 영웅의 모든 감정이 완벽하게 전달됩니다. Sonnet 146은 그의 영적 탐구와 지칠 줄 모르는 창조적 불타는 덕분에 불멸을 얻을 수 있는 사람의 위대함에 전념합니다.

덧없는 삶 속에서 죽음을 지배하라, 그러면 죽음은 죽고 너는 영원히 남을 것이다.

정치적, 경제적, 법적, 군사적 개념을 바탕으로 한 은유적 이미지는 서정적 영웅의 정신 세계와 당대 사회생활의 다양한 측면의 다양한 연결을 강조한다. 사랑은 실감으로 드러나기 때문에 연인의 관계를 당시의 사회정치적 관계와 비교한다. 26번째 소네트에서는 가신 의존(vassalage)과 대사적 의무(ambassage)의 개념이 나타납니다. 46번째 소네트에서 - 법적 용어: "피고가 청구를 거부합니다"(피고가 항변을 거부함); 107 번째 소네트에서 경제와 관련된 이미지 : "사랑은 임대와 같습니다"(내 진정한 사랑의 임대); 두 번째 소네트에서 - 군대 용어: "마흔 겨울이 당신의 이마를 포위하고 아름다움의 들판에 깊은 참호를 파게 될 때 .. .).

셰익스피어의 소네트는 음악적이다. 그의 시의 전체적인 조형적 구조는 음악에 가깝다.

셰익스피어의 시적 이미지도 회화적 이미지에 가깝다. 소네트의 언어 예술에서 시인은 르네상스 예술가들이 발견한 관점의 법칙에 의존합니다. 24번째 소네트는 "나의 눈은 조각사가 되어 당신의 모습을 진실되게 가슴에 새겼습니다"라는 말로 시작됩니다. 그 이후로 나는 살아있는 프레임 역할을 해왔고 예술에서 가장 좋은 것은 관점입니다.

원근법은 존재의 역동성, 실생활의 다차원성, 인간 개성*의 고유성을 표현하는 방식이었습니다.

* 참조: Samarin P.M. 셰익스피어 리얼리즘. -M., 1964, Ch. "셰익스피어 소네트의 미학적 문제". 소네트의 서정적 비극은 셰익스피어의 비극에서 발전합니다. Sonnet 127은 Othello의 비극적 주제를 예상합니다.

검은색이 아름답다고 여겨지지 않던 시절, 세상에서 아름다움이 귀하게 여겨졌던 시절. 그러나 분명히 백색광이 변했습니다. -아름다운 것은 불명예로 폄하되었습니다.

미니어처의 66 번째 소네트는 비극 "햄릿"의 철학적 내용과 서정적 어조를 담고 있습니다.

셰익스피어의 소네트는 I. Mamun, N. Gerbel, P. Kuskov, M. Tchaikovsky, E. Ukhtomsky, N. Kholodkovsky, O. Rumer에 의해 러시아어로 번역되었습니다. 1949년에 출판된 S.Ya.

셰익스피어의 인본주의 적 세계관은 그의 역사 연대기에 나오는 사회 정치적 갈등과 개인과 사회의 삶의 비극적 모순에 대한 예술적 분석에서 특별한 힘으로 드러납니다. 역사 연대기 장르의 본질은 실제 인물과 국가 역사의 사건을 극적으로 묘사하는 데 있습니다. 셰익스피어가 디자인을 위해 역사적 사실의 정확한 묘사에서 벗어난 비극과 달리 연대기는 역사적 사건의 충실한 재현이 특징이지만 예술적 추측과 자료의 예술적 재창조를 전제로 합니다*.

* 참조: Shvedov Yu.F. 윌리엄 셰익스피어: 연구. -M., 1977; Komarova V.P. 셰익스피어의 역사 드라마에서 성격과 국가. -L., 1977.

셰익스피어의 역사 연대기는 10개의 희곡을 포함합니다.

"헨리 6세. 파트 1 "(Henry VI 왕의 첫 번째 부분, 1590-1592);

"헨리 6세. 2 부 "(Henry VI 왕의 두 번째 부분, 1590-1592);

"헨리 6세. 3 부 "(Henry VI 왕의 3 부, 1590-1592);

"리차드 3세"(리처드 3세의 비극, 1592-1593);

"리차드 2세"(리처드 2세의 비극, 1595-1597);

"존 왕"(존 왕의 삶과 죽음, 1595-1597);

"헨리 4세. 1 부 "(Henry IV 왕의 첫 번째 부분, 1597-1598);

"헨리 4세. 2 부 "(Henry IV 왕의 두 번째 부분, 1597-1598);

"헨리 5세"(헨리 5세 왕의 생애, 1598-1599);

"헨리 8세"(헨리 8세의 유명한 역사, 1612-1613).

역사 연대기에서 셰익스피어는 역사적 사건과 역사적 인물의 행동에 대한 이해와 해석을 제공합니다. 과거의 자료를 바탕으로 동시대 사람들이 걱정했던 문제를 해결합니다. 그의 연대기의 역사는 현재 사회 상태를 인식하는 역할을합니다. 연대기와 비극은 선과 악의 문제에 대한 철학적 공식화, 개인과 그의 운명에 대한 인본주의 적 관심 인 윤리적 파토스가 특징입니다. 연대기는 여러면에서 셰익스피어의 비극뿐만 아니라 셰익스피어의 코미디에도 가깝습니다. 그들은 "Falstaffian 배경"을 코믹하게 묘사합니다.

역사적 연대기 장르의 출현은 영국 현실 자체의 모순 때문입니다. V. G. Belinsky는 영국에서 역사 연대기의 발전을 다음과 같이 정당화했습니다. “국가 생활의 이질적인 요소가 투쟁하는 경우에만 역사 드라마가 가능합니다. 드라마가 영국에서만 가장 높은 발전을 이룬 것은 아무것도 아닙니다. 셰익스피어가 다른 주가 아닌 영국에 나타난 것은 우연이 아닙니다. 영국에서와 같이 그들 사이의 투쟁에서 그러한 모순에 빠진 국가 생활의 요소는 어디에도 없었습니다.

* 벨린스키 V. G. 폴리. 콜. cit.: 13권 - M, 1954.-T. 5. - S. 496.

셰익스피어가 역사 연대기라는 장르에 호소한 것도 민족 국가 강화를 위한 투쟁의 시기에 민족사에 대한 대중의 관심이 높아졌기 때문이다. 역사 연대기 플롯의 출처는 이미 언급 된 R. Holinshed "Chronicles of England, Scotland and Ireland"의 작업이었습니다.

3 부작 "Henry VI"에는 넓은 캔버스가 그려져 있습니다. Scarlet과 White Roses의 전쟁은 영국 남작이 Lancasters와 Yorks 사이의 인턴 투쟁에서 잔인하게 서로를 몰살 시켰을 때 묘사됩니다. 셰익스피어는 봉건 영주의 피비린내 나는 불화를 정확하게 보여 주었고 양측을 비난했습니다. 극작가는 봉건 전쟁을 종식시킬 수있는 강력한 왕권을 옹호합니다. 따라서 그는 국가를 다스릴 수 없고 호전적인 남작들을 진정시킬 수 없는 나약한 왕 헨리 6세를 비난합니다. 헨리 6세는 만행을 저지르지 않았지만 국가 원수의 의무를 회피하고 왕위를 포기하고 양치기가 되는 꿈을 꾸는 죄를 지었습니다. 헨리 6세는 자신에게 주어진 권력을 현명하게 사용하지 못했기 때문에 죽었습니다.

셰익스피어의 역사 연대기는 사람들의 힘을 보여줍니다. 남작들은 대중의 분위기를 고려해야만 합니다. "헨리 6세"의 두 번째 부분은 1450년 존 캐드의 반란을 묘사합니다. 셰익스피어는 봉건적 내전으로 인한 농민과 도시 장인의 곤경과 관련하여 발생한 대중적 저항의 패턴을 밝혔습니다. 그러나 셰익스피어는 봉건 영주들이 자신들의 이기적인 목적을 위해 민중 반란을 어떻게 이용하는지 보았습니다.

3 부작 "Henry VI"는 폭군의 출현으로 이어지는 사회 생활의 그러한 조건을 설명합니다. 귀족들의 피비린내 나는 경쟁은 미래 Richard III 인 Gloucester의 Richard의 권력 상승을위한 전제 조건이었습니다. 3부작의 피날레에서 Richard Gloucester의 어두운 성격은 점점 더 영향력을 발휘합니다.

연극 "Richard III"에서 이 캐릭터가 중심이 됩니다. 극 자체는 구조상 비극에 가깝다. "Henry VI"의 특징 인 역사적 사건 과정에 대한 관심은 "Richard III"에서 영웅의 성격과 다른 사람들과의 갈등에 대한 관심으로 대체됩니다. 리차드 3세는 권력을 찬탈하는 인물일 뿐만 아니라 심리적으로 설득력 있는 성격으로 나타난다. 셰익스피어는 토머스 모어의 저서 리차드 3세의 역사(1514-1518)에서 그에게 제시된 폭군으로서의 비난적 특성을 발전시킵니다. Richard III는 셰익스피어에 의해 권력을 얻기 위해 Machiavellian 방식을 사용하고 왕좌를위한 투쟁에서 범죄 행위에 의지하는 정치인으로 비난받습니다. 그는 선에 대한 위선적인 주장으로 자신의 잔인함과 범죄 계획을 은폐합니다. 동시에 그는 혼자서 자신의 교활함과 양심을 고려하지 않으려는 의식적인 의도에 대해 직접적으로 말합니다.

Richard III는 똑똑하고 용감하며 불신과 적대감으로 그를 대하는 사람들을 정복하는 큰 의지력을 가지고 있습니다. 그의 행동은 많은 사람들을 오도하는 게임입니다. 그는 남편을 죽인 것을 알고 Anna를 유혹했습니다. Richard III의 악랄한 모습에는 거대한 시작이 있습니다. V. G. Belinsky가 다음과 같이 쓴 것은 우연이 아닙니다. “비극적인 얼굴은 반드시 참여를 불러일으켜야 합니다. Richard III 자신은 악당의 괴물이며 거대한 정신의 힘으로 자신의 참여를 불러 일으 킵니다. "주먹은 우리의 양심, 법은 우리의 검이다"라는 말로 자신의 잔인함을 정당화했던 리처드 3세는 마침내 양심의 가책을 느끼고 죽음 앞에서 자신의 서약을 어기고 살인을 저지른 자신을 정죄합니다. 외로움에 자신을 파멸.

* 벨린스키 V. G. 폴리. 콜. 인용: 13권 - M, 1955. - T. 7. - S. 534.

연극의 액션은 주인공의 교활한 악랄한 계획의 구현이며 폭력과 살인 장면에서 배우이자 감독으로 활동하는 Richard III의 음모 기술을 보여줍니다. 그는 자신 있고 대담하게 플레이하며 그의 행동은 성공으로 이어집니다. 그는 왕좌를 찾습니다. 그러나 폭군은 왕이 된 후 범죄를 통해 자신의 권력을 강화할 수 없다고 느낀다.

폭정을 비난하면서 셰익스피어는 국가의 평화와 평온을 확립할 수 있는 군주제에 대한 아이디어를 제시합니다. 폭군 Richard III는 Tudor 왕조의 창시자 인 Earl of Richmond에 반대합니다. 이 이미지는 여기에만 설명되어 있지만 그 이데올로기 적 및 구성 적 의미는 큽니다. 폭정에 대한 승리의 법칙 인 전제주의에 맞서 싸울 필요성에 대한 아이디어가 관련되어 있습니다. 리치몬드의 이미지에 요약 된 국가의 이익을 돌보는 군주의 주제는 다음 연대기 인 "King John"에서 애국적인 군주의 주제로 성장합니다. 이 연극은 영국이 카톨릭 스페인의 위협을 느꼈을 때 만들어졌습니다. 따라서 애국심의 주제와 천주교 비난의 주제가 연대기의 중심이되었습니다. 애국심의 주제는 John the Landless와 Bastard Fockenbridge의 이미지에서 드러납니다.

셰익스피어의 애국적인 입장은 연극 "리차드 2 세"에서 등장 인물의 행동을 평가하는 주요 기준입니다. 줄거리에서이 드라마는 Christopher Marlowe의 "Edward II"에 가깝습니다. 두 작품 모두 타락한 왕의 왕위 거부와 그의 죽음이 그려져 있습니다. 그러나 줄거리 상황의 유사성은 Marlo의 드라마가 셰익스피어의 드라마에 미치는 영향이 아니라 역사적 인물의 운명의 근접성으로 설명됩니다. 슬기로운 리차드 2세는 시간이 자신에게 불리하게 돌아갔다고 느낍니다. 깊은 영적 위기의 상태에서 그는 왕관을 거부합니다.

Richard II의 적대자 인 Duke Henry Bolingbroke는 똑똑하고 미묘한 정치인입니다. Bolingbroke의 용기와 용기는 사람들의 동정심을 불러 일으켰습니다. 공작은 서민들 사이에서 자신의 인기를 능숙하게 이용하여 야심찬 계획을 실행합니다. 셰익스피어는 Bolingbroke의 애국심을 큰 동정심으로 대하지만 그의 위선, 신중함, 야망에 대해서는 명백한 적대감으로 말합니다. 권력 찬탈은 범죄로 이어지는 부도덕한 행위, 즉 Richard P.

셰익스피어 최고의 사극은 "헨리 4세"와 "헨리 5세"의 두 부분입니다. 헨리 4세가 된 볼링브로크는 봉건 영주들과 충돌하게 된다. 그의 주요 상대는 Percy 가족의 남작입니다. 왕에 대한 반란을 일으켜 봉건 영주는 일관되지 않게 행동하고 이기적인 이익으로 인해 단결하지 못합니다. 반란 기간 동안 이러한 분열의 결과로 Hotspur("Hot Spur")라는 별명을 가진 용감한 Henry Percy가 비극적으로 사망합니다. 그리고 이 연대기에서 셰익스피어는 왕권과의 충돌에서 봉건 영주의 패배의 필연성을 보여줍니다. 그럼에도 불구하고 홋스퍼 기사단은 긍정적으로 묘사된다. 그는 군사적 명예, 용기 및 두려움의 이상에 대한 충성심에 대해 동정심을 불러 일으 킵니다. 셰익스피어는 용감한 기사의 도덕적 자질에 매력을 느낍니다. 그러나 그는 Hotsper를 봉건 영주의 이익을 표현하고 과거로 퇴색하는 세력과 관련된 인물로 받아들이지 않습니다. Hotspur는 Henry IV, Harry 왕자 및 Falstaff의 적으로 작용하며 새롭고 진화하는 사회 세력을 대표하는 이러한 영웅보다 분명히 열등합니다. 연극은 시간의 객관적인 규칙성을 반영합니다. 봉건 영주의 비극적인 죽음과 새로운 세력인 절대주의의 점진적인 확립입니다.

능숙한 외교적 행동 덕분에 왕좌에 오른 헨리 4 세는 결국 그의 활동을 잃고 전임자들과 마찬가지로 도덕적 위기에 처해 있습니다. 헨리 4세는 동족상잔 전쟁의 나라를 없애지 못한 것에 대해 우려하고 있습니다. 병든 헨리 4 세가 죽기 직전에 아들과의 대화에서 이전의 의심과 비밀에서 벗어나 영국의 운명에 대한 우려를 직접 표명하고 해리 왕자에게 공무에 대한 조언을 제공했습니다. 하인리히 4세는 자신이 항상 봉건 영주처럼 행동하고 왕위를 찬탈하여 봉건 영주로서 권력을 잡았기 때문에 봉건 영주와의 투쟁을 끝낼 수 없었습니다.

"Henry IV"의 두 부분의 음모에서 가장 중요한 역할은 미래의 Henry V 왕인 Harry 왕자의 이미지에 의해 수행됩니다. 르네상스 시대에 존재했던 전설에 따라 셰익스피어는 Harry 왕자를 용감한 동료로 제시했습니다. Falstraff 회사에서 재미 있고 재미있는 모험에 빠지십시오. 그러나 그의 방탕에도 불구하고 해리 왕자는 도덕적으로 순수한 사람입니다. 실제로 해리 왕자는 잔인한 모험가였지만 셰익스피어는 그를 멋진 청년으로 묘사했습니다. 왕자의 이상화는 국가를 통합하는 절대 군주제의 진보적 성격에 대한 셰익스피어의 믿음에서 비롯됩니다.

해리 왕자의 성격은 다면적입니다. 그는 전투에서 단호하고 용감하게 행동하고 사람들을 대할 때 활기차고 직접적이며 국정에서 현명하고 멀리 내다 봅니다. Harry 왕자는 Falstaff, Bardolph 및 Pistol과 함께 엔터테인먼트에서 평생을 보내고 Boar 's Head Tavern에서 즐거운 시간을 보냅니다. 하지만 흥청거리는 장면에서도 해리는 여전히 귀족이다. 그는 평범한 사람들에 대한 친절한 태도, 그들과 공통 언어를 찾는 능력에 매력을 느낍니다. 방종한 사람의 삶을 영위하면서 동시에 왕자는 그가 어떻게 권력을 잡고 나라를 다스릴 것인지에 대해 매우 진지하게 생각합니다. 해리 왕자에게 하층 사회와의 민주적 의사 소통은 그의 주제가 될 사람들과의 폭 넓은 친분의 한 형태입니다.

역사 연대기 "Henry IV"와 "Henry V"는 농민, 하인, 군인, 상인, 소위 "Falstaff 배경"과 같은 다양한 평민 사회 계층을 묘사합니다. 사극의 리얼리즘은 사회의 다면적이고 다면적인 묘사에 의해 결정되었다. 국민의 지위, 군주와 국민의 관계에 대한 문제를 제기하는 것은 매우 중요합니다. "Falstaff의 배경"은 연대기의 행동이 일어나는 시간뿐만 아니라 셰익스피어와 동시대의 영국 사회의 하층 계급의 삶에 대한 사실적인 그림입니다.

"Falstaffian background"의 캐릭터 중 John Falstaff 경의 밝은 만화 이미지가 가장 먼저 눈에 띕니다. 이 뚱뚱한 기사는 끝없는 익살과 재치 있는 입담으로 웃음을 자아낸다. Falstaff에는 많은 악덕이 있습니다. 그는 방종자, 술고래, 거짓말쟁이, 강도입니다. 따라서 이 이미지의 풍자적 터치. 그러나 Falstaff에서 가장 중요한 것은 재미, 예술적 플레이, 끝없는 독창성의 요소입니다. 이 이미지는 사회적 관습에 얽매이지 않는 인간 본성의 매력을 전달한다. Falstaff는 성격이 좋고 솔직하며 쾌활하고 쾌활하며 진취적이고 현명합니다. 코믹한 캐릭터들에 둘러싸여 등장하는 장난꾸러기 팔스타프는 중세의 종교적 도덕성과 부르주아 집단의 청교도적 위선에 모두 반대하는 명랑한 르네상스 정신을 구현하고 있다. Falstaff는 종교적 편협함을 비웃습니다. 가난한 귀족이자 기사인 그는 고속도로에서 강도질을 하며 살고 있습니다. 그는 돈의 힘을 의식하면서도 동시에 그들 앞에 절하지 않는다. 부르주아지와 달리 Falstaff는 비축에 대한 갈증이나 사소한 비축과 검소함을 박탈당했습니다. 그는 인생을 즐기기 위해 돈이 필요합니다.

Falstaff는 기사 명예를 거부하여 Hotspur에 반대합니다. 봉건 영주의 기사 적 명예는 내부 전쟁에 의무적으로 참여하도록 축소되었습니다. 기사 Falstaff는 무의미한 전쟁의 잔인 함을 보았 기 때문에 기사 명예에 대해 부정적인 태도를 보입니다. Falstaff는 당시 전사의 만화 이미지입니다. 세상 그 무엇보다 소중한 자신의 목숨이 걱정되어 특별히 열심히 봉사하지 않고 교활함과 거짓말로 봉사의 부족함을 은폐한다.

Falstaff는 삶에 대한 무한한 사랑, 자유로운 환상, 장난기 가득한 익살, 자신감, 봉건적 도덕성에 대한 통찰력 있고 재치있는 비판으로 매력적입니다. Falstaff의 냉소적 판단은 봉건 사회에서 매력적이지 않은 관계의 본질을 드러내고 강조하는 형식입니다.

셰익스피어가 만든 가장 중요한 이미지 중 하나인 Falstaff는 셰익스피어 드라마의 코미디 세계를 나타내고 Hamlet은 비극의 세계를 나타냅니다. Falstaff의 이미지는 역사 연대기의 주요 내용에 대한 비극적 계획에 대한 코믹한 대응입니다. 비극적 인 측면에서 메인 스토리 라인에서 드러나는 문제는 "Falstaffian background"에서 코믹한 방식으로 제공됩니다. Falstaff의 연설은 비극적 인물의 시적 연설과 달리 산문으로 제시됩니다. 그의 말투는 직설적이어서 아주 자연스럽게 자국어의 웃음 문화를 드러낸다. 종종 Falstaff의 재담은 패러디에서 동음이의 단어 소리를 기반으로합니다. Falstaff의 코믹한 이미지는 또한 뚱뚱하고 노인 운동가의 외모와 쾌활하고 대담한 행동과 청년의 진술 사이의 밑줄이 그어진 불일치를 기반으로합니다.

Harry 왕자는 재치 있는 쾌락주의자 Falstaff와 친구입니다. 왕자가 헨리 5세 왕이 되었을 때, 그는 자신에게서 팔스타프를 제거합니다. 이러한 캐릭터 관계에는 Henry V와 Falstaff의 원형으로 간주되는 John Oldcastle 경의 실제 관계에 대한 메아리가 있습니다.

Falstaff와 Harry 왕자의 관계는 깊은 의미로 가득 차 있습니다. Falstaff와의 우정 덕분에 Harry 왕자는 비판과 쾌활함의 르네상스 정신에 동참하고 서민의 삶과 관습에 대해 알게됩니다. Harry 왕자와의 관계에서 Falstaff는 신뢰하고 있습니다. 그는 왕자를 그의 진정한 친구라고 생각합니다. 이 친근한 애정, 르네상스 성격의 영적 관대함, "이상적인 군주"에 대한 Falstaff의 우월함이 나타납니다. 그러나 Falstaff는 새로운 상황에 대한 냉정한 평가에서 해리 왕자보다 열등합니다. Falstaff와의 Harry 왕자의 단절은 불가피합니다. 권력을 잡은 "이상적인 군주"인 Henry V는 이전 르네상스 자유인을 버립니다. 절대주의 정권을 강화하기 위해 유머도 관대함도 필요하지 않습니다.

창의력의 첫 번째 기간에 역사 연대기와 함께 셰익스피어는 사람이 자신의 행복의 창조자 역할을하여 때로는 어려운 극적인 상황을 극복하는 명랑하고 낙관적 인 코미디를 만들었습니다. 코미디에는 오류의 코미디 (1591), 말괄량이 길들이기 (1594), 베로나의 두 신사 (1594-1595), 결실없는 사랑의 노력 "(Love "s Labor"s Lost, 1594 -1595), "한여름 밤의 꿈"(A Midsummer-Night "s Dream, 1594-1595), "베니스의 상인"(베니스의 상인, 1595) , "윈저의 즐거운 아내"(The Merry Wives) of Windsor, 1597), "아무것도 아닌 것에 대한 많은 소동"(아무것도 아닌 것에 대한 많은 소동, 1598-1599), "당신이 좋아하는대로"(당신이 좋아하는대로, 1599-1600), "십이야, 또는 무엇이든"(십이야 또는 What You Will, 1600).

유쾌한 연극 The Taming of the Shrew에서 Catarina와 Petruchio의 밝은 캐릭터가 등장하여 Padua의 계산적인 마을 사람들 사이에서 눈에 띕니다. Katarina는 완고한 소녀로 유명하고 그녀의 여동생 Bianca는 온유함으로 유명합니다. Katarina의 완고함과 무례 함은 그녀의 존엄성을 방어하는 방법, 사소한 계산에 저항하는 방법, 그녀의 아버지와 집을 포위하는 구혼자들의 독재에 저항하는 방법 일뿐입니다. Katharina는 구혼자의 저지대 인 Bianchi의 얼굴없는 것에 짜증이납니다. 평소의 무례함으로 그녀는 Petruchio도 만납니다. 그들 사이에 긴 결투가 시작되고 그 결과 둘 다 에너지, 인내, 삶에 대한 사랑 및 재치면에서 서로 열등하지 않으며 마음과 의지에서 서로 합당하다고 느낍니다.

삶과 사랑의 승리에 대한 아이디어는 코미디 한여름 밤의 꿈에서도 드러납니다. 이 코미디의 시적 세계는 지상의 현실과 환상적이고 환상적인 것이 기이하게 혼합되어 있습니다. 이 희극에서 인본주의자 셰익스피어는 전통적인 도덕의 인습적인 본성을 인간의 감정과 열정의 자연스러운 자연스러움과 대조합니다. 사랑의 주제는 여기에서 서정적이고 유머러스하게 다룹니다. 젊은 영웅들의 사랑은 순수하고 밝은 느낌입니다. 인간 캐릭터와 인간 행동의 모든 변덕과 변덕에도 불구하고 승리합니다.

셰익스피어 희극에는 깊은 극적인 갈등과 비극적 모티브가 있습니다. 이와 관련하여 코미디 "베니스의 상인"이 대표적입니다. 베니스의 경쾌한 카니발 분위기를 배경으로 기쁨, 신뢰, 고귀함의 세계와 이기심, 탐욕, 잔인함의 세계가 첨예하게 충돌합니다. 이 희극에서 셰익스피어는 조반니 피오렌티노의 단편 소설의 모티프를 발전시켜 드라마틱한 깊이를 더했다. 이 연극은 Portia, Antonio, Bassanio 및 모든 인간 관계를 소유 이익에 종속시키는 사람들과 같이 사심없는 우정을 가장 중요하게 생각하는 사람들을 날카롭게 대조합니다. 안토니오는 포샤를 짝사랑하는 친구 바사니오를 돕기 위해 전당포 샤일록에게 돈을 빌린다. 빌린 돈을 제때 돌려주지 않은 안토니오가 법정에 출두한다. 법안에 따르면 잔인한 Shylock은 빚을 갚지 않은 것에 대해 Antonio에게 고기 1 파운드를 요구합니다. 변호사로 변장한 포샤가 안토니오를 변호한다. 선이 악을 이깁니다. 젊은이들은 고리대금업자를 물리칩니다.

Shylock의 이미지는 코미디에서 악의 화신으로 제시됩니다. 샤일록의 성격은 복잡하다. Shylock의 다재다능함은 Pushkin에 의해 언급되었습니다. 이 이미지에는 비극적인 시작이 있습니다. 샤일록은 잔인하고 복수심에 불타는 고리대금업자로 보여지지만 동시에 사회에서 굴욕적인 지위로 고통받는 남자로 나타난다. 샤일록은 국적의 차이에도 불구하고 인간은 본질적으로 평등하다고 말하는 인간 존엄성이 뛰어납니다. Shylock은 딸 Jessica를 사랑하고 그녀가 집에서 도망친 것에 충격을 받았습니다. Shylock의 일부 기능은 동정심을 유발할 수 있지만 일반적으로 그는 "영혼에 음악이없는 사람"으로 자비를 모르는 사람으로 포식자로 비난받습니다. Shylock의 사악한 세계는 밝고 즐거운 관대함과 귀족의 세계로 코미디에서 반대됩니다. Shakespeare의 Girls and Women (1838)에서 Heinrich Heine은 다음과 같이 썼습니다. "Portia는 Shylock이 구현하는 우울한 불행과는 대조적으로 밝은 기쁨의 조화롭게 명확한 구체화입니다"**.

* 푸쉬킨 비평가. - M, 1950. - S. 412.

** 하이네 G. 소브르. cit.: 10권 - M; L., 1958. - T. 7. - S. 391.

쾌활한 가정 코미디 The Merry Wives of Windsor에는 전체 만화 이미지 갤러리가 제공됩니다. 그의 조카 Slender 인 Shallow 판사의 어리 석음은 조롱을 받고 Hugh Evans 목사는 농담을합니다. Falstaff, Bardolph, Shallow, Pistol, Mrs. Quickly와 같은 역사적인 연대기 "Henry IV"의 전체 만화 캐릭터 그룹이이 코미디에 전달되었습니다.

Falstaff의 이미지는 The Merry Wives of Windsor에서 상당한 변화를 겪습니다. 그는 자유로운 사고, 유머, 독창성을 잃었습니다. 이제 Falstaff는 Windsor의 아내로부터 교훈을 얻은 불행한 빨간 테이프 역할을합니다. 중산층 환경에 들어가면 그는 비참하고 지루한 주민이되고 신중하고 검소해집니다.

코미디 "The Merry Wives of Windsor"는 재미있는 카니발 분위기로 가득 차 있습니다. 그러나 다른 코미디와 달리 그 행동은 부르주아 환경에서 이루어지기 때문에 셰익스피어는 특히 페이지와 포드의 일상적인 존재를 묘사하는 장면에서 당시의 실생활과 관습을 더 많이 전달할 수 있습니다. 여관의 생활, 카이우스와 에반스의 결투, 페이지의 시험.

코미디 Much Ado About Nothing의 기발한 음모와 액션 설정은 Bandello와 Ariosto의 작품에서 가져 왔습니다. 셰익스피어는 비극과 희극의 독창적인 조합인 스펜서도 사용했던 잘 알려진 줄거리에 도입했습니다.

Thomas Lodge의 목가 소설 Rosalind 또는 Euphues의 황금 유산을 기반으로 한 코미디 As You Like It은 본질적으로 목가 스타일의 패러디입니다. 자연의 품, 아르덴 숲 속의 삶은 일종의 유토피아이며 단순하고 자연스러운 삶에 대한 꿈의 표현입니다. 코미디의 전체적인 색은 목가적 요소가 아니라 로빈 후드에 대한 발라드의 민속 전통에 의해 결정됩니다. Ardennes 숲에는 양치기 Sylvius와 Phoebe뿐만 아니라 망명자도 있습니다. 폐위 된 공작 Rosalind는 잔인한 삼촌에게 쫓기고 그녀의 형제 Orlando에게 강탈당했습니다. 잔인하고 탐욕스러운 현대 사회에 맞서는 아르덴 숲 주민들의 인간 세상. 귀족 사회의 악에 대한 풍자적 비판은 그의 민속 유머와 우울한 Jacques가있는 재치있는 광대 Touchstone의 진술에 나와 있습니다. Jester Touchstone은 농부 여성 Audrey의 삶을 매우 간단하고 정확하게 판단합니다.

극의 유머러스한 요소는 올랜도와 로잘린드의 다정한 감정을 서정적인 주제와 결합합니다. 창의력의 첫 번째 기간에 대한 셰익스피어 코미디의 독특한 결과는 코미디 Twelfth Night 또는 Anything이었습니다. 반델로의 단편 소설 중 하나의 줄거리에 쓰여진 이 곡은 크리스마스 연휴의 즐거움이 끝난 크리스마스 이후 12번째 밤에 공연되었기 때문에 그 이름이 붙여졌습니다. Twelfth Night는 셰익스피어의 즐겁고 유쾌한 카니발 코미디의 마지막 작품이었습니다.

Twelfth Night에서 셰익스피어는 인간의 마음 깊은 곳으로 침투하여 인간 행동의 놀라움, 예상치 못한 영적 움직임, 감정의 선택성에 대해 이야기합니다. 코미디 음모의 기초는 사람의 운명을 갑자기 바꾼 우연의 일치입니다. 코미디는 운명의 모든 변덕에도 불구하고 사람은 자신의 행복을 위해 싸워야한다는 생각을 확인합니다.

연극의 무대는 이국적인 나라 일리리아. 통치자 듀크 오르시노는 매혹적인 사랑과 음악의 세계에 살고 있습니다. 그에게 최고의 가치는 사랑입니다. Orsino는 자신의 감정에 보답하지 않는 Olivia와 사랑에 빠졌습니다. 그녀는 죽은 오빠에 대한 슬픈 생각에 잠기며 은둔 생활을 한다. 난파선에서 살아남은 비올라는 자신이 공작의 영역에 있음을 알게 됩니다. 남자로 변장 한 그녀는 Cesario라는 이름으로 공작의 봉사에 들어갑니다. Viola Cesario는 Orsino와 사랑에 빠졌지 만 Olivia에게 가서 그의 사랑에 대해 이야기하라는 Duke의 요청을 사심없이 이행합니다.

Olivia의 집에 입장하기를 원하는 Cesario의 인내, 그녀에게 말한 그의 웅변은 은둔자를 사로 잡습니다. Olivia는 Cesario와 사랑에 빠지고 그에 대한 열정을 고백하며 사랑에 대해 이야기합니다.

사랑은 항상 아름답고 바람직하며 특히 예상치 못한 경우에 그러합니다. (E. Lipetskaya 번역)

운명의 의지에 따라 난파선에서 사라진 Viola의 형제 Sebastian은 그의 여동생과 매우 유사한 Illyria에 있음이 밝혀졌습니다. Sebastian을 만난 Olivia는 그를 Cesario로 착각합니다. 비밀이 밝혀지면 행복한 결혼이 이루어진다.

코미디 이미지 시스템에서 중요한 장소는 Jester Festa에 속합니다. Feste의 특징은 그의 유머가 슬프다는 것입니다. 그는 삶과 행복의 덧없음, 죽음의 필연성에 대해 이야기합니다. Jester Feste는 명랑한 동료이자 조커인 Toby Belch와 함께 Olivia의 집사인 오만한 청교도 Malvolio를 조롱합니다. Malvolio는 유머 감각이 부족합니다. Feste의 재치가 그를 짜증나게 합니다. 우울한 Malvolio는 재미와 기쁨의 적입니다. 그가 말하는 모든 것은 지속적인 교화와 책망입니다. Malvolio의 청교도 적 심각성에 대한 응답으로 Toby Belch는 영국에서 날개 달린 말을 그에게 말합니다.

창의력의 첫 번째 기간에 셰익스피어는 "Titus Andronicus"(Titus Andronicus, 1594), "Romeo and Juliet"(Romeo and Juliet, 1595), "Julius Caesar"(Julius Caesar, 1599)의 세 가지 비극을 만들었습니다.

"Titus Andronicus"는 Seneca 비극의 전통에서 "피의 비극"장르로 작성되었습니다. 이 연극의 줄거리 에피소드는 차례로 이어지는 살인입니다. Titus Andronicus의 20 명의 아들이 죽고 그의 딸과 그 자신, 다른 많은 캐릭터가 죽습니다. 사령관 Titus Andronicus는 로마에 대한 애국적 의무에 충실합니다. 그러나 애국자의 높은 도덕성은 더 이상 로마를 부패로부터 구하지 못합니다. 교활하고 잔인한 Saturninus, Tamora 및 Moor Aron은 Titus Andronicus와의 투쟁에 들어갑니다. 그러나 극적으로 날카로운 충돌은 비극적 갈등의 본질을 깊이 건드리지 못한 채 피비린내 나는 만행의 연쇄로 드러난다.

셰익스피어의 비극적 예술은 완벽하게 비극 로미오와 줄리엣에 처음 등장했습니다. 소스로 셰익스피어는 Arthur Brooke의시 "Romeo and Juliet"(1562)를 사용했으며 그 줄거리는 이탈리아 작가의 작품으로 거슬러 올라갑니다. 브룩의 시를 시작으로 셰익스피어는 독창적인 발상과 예술적 기교로 작품을 탄생시켰다. 그는 그 안에서 중세 봉건적 도덕의 족쇄에서 벗어난 젊음의 느낌의 성실함과 순수함, 사랑을 노래합니다. V. G. Belinsky는 이 연극의 아이디어에 대해 다음과 같이 말합니다. 별의 ... 이것은 로미오와 줄리엣의 서정적 독백에서 서로를 존경 할뿐만 아니라 엄숙하고 자랑스럽고 황홀한 사랑을 신성한 느낌으로 인식하는 것을 볼 수 있기 때문에 이것은 사랑의 파토스입니다.

* 벨린스키 V. G. 폴리. 콜. cit.: 13권 - T. 7. - S. 313.

"로미오와 줄리엣"에는 셰익스피어의 코미디와 가시적인 연결이 있습니다. 코미디에 대한 근접성은 사랑이라는 주제의 주역, 간호사의 코믹한 캐릭터, Mercutio의 재치, 하인들과의 희극, Capulet 하우스의 카니발 분위기, 전체 연극의 밝고 낙관적 인 색상. 그러나 주요 주제 인 젊은 영웅의 사랑을 발전시키면서 셰익스피어는 비극으로 변합니다. 비극적 시작은 내적, 영적 투쟁의 드라마가 아니라 사회적 세력의 갈등의 형태로 극에 등장한다.

Romeo와 Juliet의 비극적 인 죽음의 원인은 Montague와 Capulet 가족의 가족 불화와 봉건적 도덕입니다. 가족 간의 분쟁은 다른 젊은이인 Tybalt와 Mercutio의 목숨을 앗아갑니다. 후자는 죽기 전에 "당신의 두 집에 전염병"이라는이 분쟁을 비난합니다. 공작도 마을 사람들도 적대감을 멈출 수 없었습니다. 그리고 로미오와 줄리엣이 죽은 후에야 전쟁을 벌이는 Montagues와 Capulets의 화해가 이루어집니다.

연인의 높고 밝은 감정은 새로운 시대의 새벽에 사회의 새로운 힘의 각성을 나타냅니다. 그러나 구도덕과 신도덕의 충돌은 필연적으로 영웅들을 비극적인 결말로 이끈다. 비극은 아름다운 인간 감정의 활력에 대한 도덕적 확인으로 끝납니다. "로미오와 줄리엣"의 비극은 서정적이며 젊음의시, 영혼의 고귀함, 모든 것을 정복하는 사랑의 힘으로 스며 듭니다. 연극의 마지막 말은 서정적 비극으로 부채질됩니다.

그러나 로미오와 줄리엣의 이야기보다 더 슬픈 이야기는 세상에 없습니다. (T. Shchepkina-Kupernik 번역)

비극의 등장 인물들에서 르네상스 남자의 영적 아름다움이 드러납니다. Young Romeo는 자유로운 사람입니다. 그는 이미 가부장적 가족에서 벗어나 봉건적 도덕에 얽매이지 않습니다. Romeo는 친구들과 의사 소통하는 데 기쁨을 느낍니다. 그의 가장 친한 친구는 고귀하고 용감한 Mercutio입니다. Juliet에 대한 사랑은 Romeo의 삶을 비추고 그를 용감하고 강한 사람으로 만들었습니다. 감정의 급속한 상승과 젊은 열정의 자연스러운 폭발 속에서 인간 성격의 꽃이 피기 시작합니다. 승리의 기쁨과 고난의 예감으로 가득 찬 그의 사랑 속에서 로미오는 활동적이고 활기찬 성격으로 행동합니다. 그는 줄리엣의 죽음 소식으로 인한 슬픔을 어떤 용기로 견디는가! 줄리엣이 없는 삶은 그에게 불가능하다는 것을 깨닫는 데 얼마나 많은 결단력과 용기가 있었습니까!

Juliet에게 사랑은 위업이되었습니다. 그녀는 아버지의 Domostroy 도덕성에 맞서 영웅적으로 싸우고 혈투의 법칙을 무시합니다. Juliet의 용기와 지혜는 그녀가 두 가족 사이의 오랜 갈등을 극복했다는 사실에서 드러났습니다. 로미오와 사랑에 빠진 줄리엣은 사회 전통의 잔인한 관습을 거부합니다. 사람에 대한 존경과 사랑은 전통에 의해 봉헌 된 모든 규칙보다 그녀에게 더 중요합니다. 줄리엣 말한다 :

결국, 당신의 이름만이 나의 적입니다. 그리고 당신은 Montagues가 아니라 당신입니다.

사랑에 빠진여 주인공의 아름다운 영혼이 드러납니다. Juliet은 성실함과 부드러움, 열정과 헌신으로 마음을 사로 잡습니다. 평생 동안 로미오와 사랑에 빠졌습니다. 사랑하는 사람의 죽음 이후 그녀의 삶이란 있을 수 없고, 용기를 내어 죽음을 선택한다.

Monk Lorenzo는 비극 이미지 시스템에서 중요한 위치를 차지합니다. 로렌조 형제는 종교적 광신과는 거리가 멀다. 이것은 인본주의 과학자이며 사회에서 나타나는 새로운 경향과 자유를 사랑하는 열망에 공감합니다. 그래서 그는 어쩔 수 없이 결혼 생활을 숨길 수밖에 없는 로미오와 줄리엣을 돕는다. Wise Lorenzo는 젊은 영웅들의 감정의 깊이를 이해하지만 그들의 사랑이 비극적 인 결말로 이어질 수 있음을 알고 있습니다.

푸쉬킨은 이 비극을 높이 평가했습니다. 그는 로미오와 줄리엣의 이미지를 "셰익스피어의 은총의 매력적인 창조물"이라고 불렀고 Mercutio는 "세련되고 애정이 넘치며 고귀한", "모든 비극의 가장 멋진 얼굴"이라고 불렀습니다. 전체적으로 푸쉬킨은 이 비극에 대해 다음과 같이 말했습니다.

비극 "Julius Caesar"는 역사 연대기의 순환을 완성하고 셰익스피어의 위대한 비극의 모습을 준비합니다. 극작가는 Plutarch의 Comparative Lives의 자료를 사용하여 국가 권력의 문제, 정치인의 본질, 정치인의 철학적 견해와 그의 실제 행동 간의 관계에 대한 깊은 이해를 제공하는 독창적 인 역사적 비극을 만들었습니다. 도덕과 정치, 성격과 사람들의 문제. "Julius Caesar"에서 1세기의 역사적 갈등으로 전환합니다. BC, 로마에서 공화주의 통치에서 독재정권으로의 전환이 있었을 때, 셰익스피어는 또한 봉건 영주의 고립된 지위가 절대주의 권력으로 대체된 현대 영국의 사회정치적 갈등을 염두에 두었습니다.

셰익스피어는 사회에 대한 그들의 용감한 봉사를 보여주면서 공화당에 공감하지만, 동시에 그는 제왕파가 시대의 요구에 따라 행동한다는 것을 알고 있습니다. 공화국을 복원하려는 브루투스의 시도는 그가 시대의 지시에 반하는 행동을 했기 때문에 실패할 운명에 처해 있습니다. 그는 카이사르의 암살에 동의하는데, 그 이유는 그에게서 공화국의 주요 상대를 보기 때문입니다. 그러나 브루투스는 국민이 시대정신에 따라 당시 전제정치를 유지하고 있었기 때문에 공화정 정부의 선익을 국민에게 납득시키는 데 실패했습니다. 사람들은 브루투스를 통치자로 인정할 준비가 되어 있지만, 그에게서 새롭고 더 나은 카이사르를 보기를 원합니다. 사람들의 목소리는 Brutus가 추구하는 것과 비극적으로 상충됩니다. 사람들은 말합니다. 공화국이 파멸했다고 확신한 브루투스는 자살한다.

연대기에서 사람들이 활동하는 세력 중 하나이고 많은 영웅 중 하나라면 "Julius Caesar"에서는 셰익스피어 드라마에서 처음으로 사람들이 주인공이됩니다. 공화당원과 카이사르교도 모두 그를 생각해야 합니다. 사람들의 이미지는 특히 방금 죽인 카이사르의 시체에 대한 포럼에서 공화당과 카이사르 사이의 정치적 분쟁 장면에서 표현됩니다. 이 분쟁은 카이사르 안토니우스의 편을 드는 사람들에 의해 해결됩니다. 비극 "Julius Caesar"는 셰익스피어가 사회 역사적 모순, 사회의 비극적 갈등에 깊이 침투했음을 증언합니다.

셰익스피어의 세계관에서 창의성의 두 번째 기간에는 중요한 변화가 발생합니다. 그들은 영국 사회의 사회 정치적 삶의 새로운 현상에 대한 극작가의 태도에 의해 결정되었습니다. 절대주의 권력은 자신의 타락을 점점 더 명백히 드러냈고 진보적 의미를 잃었습니다. 의회와 엘리자베스 여왕 사이에 모순이 생겼습니다. 제임스 1세 스튜어트(1603)가 집권하면서 반동적인 봉건 체제가 국가에 수립되었습니다. 의회와 왕권 사이의 모순은 더욱 심화되었습니다. 민중은 곤경에 처했다. 봉건 절대주의 체제의 위기와 스튜어트의 정책과 부르주아지의 이익 사이의 불일치로 인해 절대주의에 대한 부르주아 반대가 커졌습니다. 부르주아 혁명의 전제조건이 이 나라에서 나타나고 있다.

이러한 상황에서 셰익스피어는 이상적인 군주에 대한 믿음에서 벗어납니다. 그의 작품에 대한 비평적 파토스가 심화된다. 셰익스피어는 봉건적 반동과 부르주아 이기주의를 모두 반대합니다.

창의성의 첫 번째 기간의 많은 작품의 쾌활하고 햇살이 가득한 카니발 캐릭터는 사회 생활의 문제, 세상의 무질서에 대한 무거운 반성으로 대체됩니다. 셰익스피어 작품의 새로운 시대는 위대한 사회적, 정치적, 철학적 문제의 공식화, 시대의 비극적 갈등에 대한 심층 분석, 전환기 성격의 비극이 특징입니다. 이것은 셰익스피어가 가부장적 기사 세계의 붕괴 시대에 발생한 비극적 충돌과 재앙의 역사적 성격과 냉소적 인 포식자의 역사 경기장 진입을 전달한 위대한 비극의 시대였습니다 새로운 자본주의 관계.

셰익스피어 작업의 두 번째 기간은 비극 햄릿(햄릿, 덴마크 왕자, 1600-1601)으로 시작됩니다. 비극의 출처는 Saxo Grammaticus의 "History of the Danes", Belforet의 "The Tragic Tales", Thomas Kyd의 "The Spain Tragedy", Thomas Kyd의 Hamlet에 대한 연극으로 우리에게 전해지지 않았습니다.

다른 시대에 셰익스피어의 "햄릿"은 다르게 인식되었습니다. 괴테의 관점은 소설 "빌헬름 마이스터의 가르침의 해"(1795-1796)에서 표현한 것으로 알려져 있습니다. 괴테는 비극을 순전히 심리적인 것으로 보았다. 햄릿의 성격에서 그는 자신에게 맡겨진 위대한 행위에 해당하지 않는 의지의 약점을 강조했습니다.

VG Belinsky는“셰익스피어의 드라마 햄릿. Hamlet 역의 Mochalov(1838)는 다른 관점을 표현합니다. V. G. Belinsky에 따르면 Hamlet은 의지의 약점을 물리 치기 때문에 비극의 주된 아이디어는 의지의 약점이 아니라 "의심으로 인한 붕괴의 아이디어", 삶의 꿈 사이의 모순입니다. 그리고 삶 그 자체, 이상과 현실 사이. Belinsky는 제작 과정에서 Hamlet의 내면 세계를 고려합니다. 그러므로 의지의 나약함은 천성이 강한 인간 햄릿의 영적 발전의 한 계기로 여겨진다. Hamlet의 이미지를 사용하여 19 세기 30 년대 러시아에서 생각하는 사람들의 비극적 상황을 특징 짓는 Belinsky는 활동적인 성격의 무결성을 파괴 한 반성을 비판했습니다.

I.S. XIX 세기 60 년대 Turgenev. "불필요한 사람들"의 "Hamletism"에 대한 사회 심리적, 정치적 평가를 제공하기 위해 Hamlet의 이미지를 나타냅니다. "Hamlet and Don Quixote"(1860) 기사에서 Turgenev는 Hamlet을 이기주의자, 모든 것을 의심하고 아무것도 믿지 않으므로 행동 할 수없는 회의론자로 제시합니다. Hamlet과 달리 Turgenev의 해석에서 Don Quixote는 진실을 믿고 그것을 위해 싸우는 아이디어의 종인 열광 자입니다. IS Turgenev는 생각과 의지가 비극적 인 격차에 있다고 씁니다. 햄릿은 생각하는 사람이지만 의지가 약하고, 돈키호테는 의지가 강하지만 반쯤 미친 사람이다. Hamlet이 대중에게 쓸모가 없다면 Don Quixote는 사람들이 행동하도록 고무합니다. 동시에 Turgenev는 Hamlet이 악에 대한 무자비한 돈키호테와 가깝고 사람들이 Hamlet에서 생각의 씨앗을 인식하고 전 세계에 퍼뜨린다는 것을 인정합니다.

소비에트 문학 비평에서 A.A. Anikst, A.A. Smirnov, R.M. Samarin, I.E. Vertsman, L. E. Pinsky, Yu.F.* * 참조 : Anikst A.A. 셰익스피어의 작품. -M., 1963; 자신의. 셰익스피어: 극작가의 기술. -M., 1974; Smirnov A.A. 셰익스피어. -L.; M., 1963; 사마린 P.M. 셰익스피어 리얼리즘. -M., 1964; V e r c m a n I.E. 셰익스피어의 햄릿. -M., 1964; 핀스키 L.E. 셰익스피어: 드라마투르기의 기초. -M., 1971; Shvedov Yu.F. 셰익스피어 비극의 진화. -M., 1975.

Wittenberg 대학의 학생, Elsinore에있는 덴마크 왕 Claudius의 궁정에있는 Hamlet은 외로움을 느낍니다. 덴마크는 그에게 감옥처럼 보입니다. 이미 비극이 시작될 때 인본주의 사상가 햄릿과 부도덕 한 클라우디우스 세계 사이, 자유를 사랑하는 성격과 절대 주의적 권력 사이에 갈등이 나타납니다. 햄릿은 세상을 비극적으로 인식합니다. Prince는 Elsinore에서 무슨 일이 일어나고 있는지 깊이 이해합니다. 클라우디우스 궁정에서의 갈등, 그는 평화의 상태로 이해합니다. Hamlet의 지성, 그의 현명한 격언적 판단은 당시 사회 관계의 본질을 드러냅니다. 햄릿에서는 부조리한 사회에서 생각하는 사람의 비극으로 영웅의 지성이 시화된다. Hamlet의 마음은 전제적인 Claudius의 불합리함과 모호함에 반대합니다.

Hamlet의 도덕적 이상은 사회적 악이 비난받는 위치에서 인본주의입니다. 클라우디우스의 범죄에 대한 유령의 말은 사회악에 맞서는 햄릿의 투쟁을 시작하는 원동력이 되었다. 왕자는 아버지를 죽인 클라우디우스에게 복수하기로 결심한다. Claudius는 Hamlet을 그의 주요 적대자로 여기고 그의 신하 Polonius, Rosencrantz 및 Guildenstern에게 그를 감시하라고 말합니다. 통찰력있는 햄릿은 그의 계획을 알아 내고 그를 파괴하려는 왕의 모든 속임수를 풀었습니다. 소비에트 문학 평론가 L. E. Pinsky는 Hamlet을 삶에 대한 지식의 비극이라고 부릅니다. “... 본질적으로 활동적인 영웅은 자신의 세계를 완벽하게 알고 있기 때문에 예상되는 행동을 수행하지 않습니다. 이것은 의식, 인식의 비극입니다 ... "*

*핀스키 L.E. 셰익스피어: 드라마투르기의 기초. - S. 129.

Hamlet의 비극적 인 전망, 그의 철학적 성찰은 Elsinore에서 일어난 일 (Hamlet의 아버지 살해 및 그의 어머니 Gertrude 여왕과 Claudius의 결혼)이 아니라 세계에 만연한 일반적인 불의에 대한 의식 때문입니다. Hamlet은 악의 바다를 보고 사회에서 부패에 직면했을 때 사람이 어떻게 행동해야 하는지에 대한 그의 유명한 독백인 "To be or not to be"를 반영합니다. 독백 "To be or not to be"는 햄릿의 비극의 본질을 외부 세계와 그의 내면 세계 모두에서 드러냅니다. 문제는 Hamlet 이전에 발생합니다. 악의 심연이 보이는 곳에서 어떻게 행동해야 화해하거나 싸울 수 있습니까?

존재 여부가 문제입니다. 더 고귀한 것은 무엇입니까-영적으로 맹렬한 운명의 슬링과 화살에 복종하거나 문제의 바다에 맞서 무기를 들고 대결로 그들을 죽이기 위해? (M. Lozinsky 번역)

햄릿은 악에 굴복할 수 없습니다. 그는 세상을 지배하는 잔인함과 불의에 맞서 싸울 준비가 되어 있지만, 이 투쟁에서 자신이 죽을 것임을 알고 있습니다. Hamlet은 "그리움과 천 가지의 자연적 고통"을 끝내는 방법으로 자살에 대한 생각을 가지고 있지만, 악은 세상에 남아 있고 사람의 양심에 남아 있기 때문에 자살은 선택 사항이 아닙니다. 꿈은 죽음의 꿈에서 꿈이 될 것입니다..." ). 또한 Hamlet은 정직하고 인도적인 사람에게 분노를 불러 일으키는 사회적 악에 대해 말합니다.

세기의 채찍과 조롱, 강자의 억압, 교만한 자의 조롱, 경멸스러운 사랑의 고통, 판사의 느림, 권위의 오만과 모욕, 온유한 공덕에 가해지는 ...

악의 바다에서 인류의 장기적인 재난에 대한 반성은 Hamlet이 당시 가능했던 투쟁 방법의 효과를 의심하게 만듭니다. 그리고 의구심은 오랫동안 행동하겠다는 결심이 행동 자체에서 실현되지 않는다는 사실로 이어집니다.

햄릿은 의지가 강하고 활기차고 활동적인 성격입니다. 영혼의 모든 힘을 다해 그는 진리를 찾고 정의를 위해 투쟁하도록 지시받습니다. Hamlet의 고통스러운 생각과 망설임은 악과의 싸움에서 더 올바른 방법을 찾는 것입니다. 그는 마침내 자신을 설득하고 다른 사람들에게 Claudius의 죄책감을 확신시켜야하기 때문에 복수의 의무를 다하는 것을 주저합니다. 이를 위해 그는 "쥐덫" 장면을 준비합니다. 그는 방황하는 배우들에게 클라우디우스를 노출시킬 수 있는 연극을 해달라고 요청합니다. 공연 도중 Claudius는 혼란스러워하며 자신을 배신합니다. Hamlet은 자신의 죄책감을 확신하지만 복수를 계속 지연시킵니다. 이것은 그에게 자신에 대한 불만, 정신적 불화를 유발합니다.

Hamlet은 명백한 악과 비열함에 반응하지 않을 수없는 예외적 인 경우에만 유혈 사태에 의지합니다. 그래서 그는 Polonius를 죽이고 Rosencrantz와 Guildenstern이 그를 감시하도록 보낸 다음 Claudius 자신을 죽입니다. 그는 적의 손에 든 도구로 밝혀진 사랑하는 오필리아에게 가혹하고 잔인하게 말합니다. 그러나이 그의 악은 의도적이지 않고 그의 의식의 긴장, 영혼의 혼란, 상충되는 감정으로 찢겨진 것입니다.

시인이자 철학자인 햄릿의 고결한 성격은 목표를 달성하기 위해 어떤 일도 서슴지 않는 사람들의 입장에서 보면 나약해 보인다. 사실 햄릿은 강한 사람입니다. 그의 비극은 그가 세상의 불의한 상태를 바꾸는 방법을 모른다는 사실, 그가 가진 투쟁 수단의 비효율성을 알고 있다는 사실, 정직하고 생각하는 사람이 자신의 주장을 입증할 수 있다는 사실에 있습니다. 그의 죽음의 비용.

Hamlet의 우울함은 "시간이 관절에서 벗어났다"는 이해의 결과로 발생하며 무질서와 문제의 상태에 있습니다. 비극의 구성에서 왕자의 서정적, 철학적 독백은 시대 정신에 대한 깊은 인식이 표현되는 큰 자리를 차지합니다.

Hamlet의 반성의 일반적인 철학적 특성은이 비극을 다른 시대에도 가깝게 만듭니다. 햄릿은 자신이 세상을 지배하는 악을 이길 수 없다는 것을 깨닫습니다. 클라우디우스가 죽은 후에도 악은 사라지지 않을 것임을 압니다. 악은 당시 사회 생활의 구조 자체에 포함되어 있기 때문입니다. 주변 사람들을 언급하면서 Hamlet은 "사람 중 누구도 나를 기쁘게하지 않습니다. "라고 말합니다. 동시에 인본주의 자 햄릿에게 이상은 아름다운 인간 성격입니다. “정말 훌륭한 창조물입니다. 얼마나 고귀한 마음입니까! 그의 능력, 형태 및 움직임은 얼마나 무한합니까! 행동이 얼마나 정확하고 경이로운지요! 그는 얼마나 깊은 통찰력을 가지고 있는지 천사와 같습니다! 그는 얼마나 신과 같은가! 우주의 아름다움! 살아있는 모든 것의 왕관! Hamlet은 그의 아버지와 그의 친구 Horatio에게서 이 이상의 구현을 본다.

비극에서 음모의 발전은 주로 왕자의 미친 광기에 의해 결정됩니다. Hamlet의 미친 행동과 진술의 의미는 무엇입니까? Claudius의 미친 세계에서 행동하기 위해 Hamlet은 광기의 가면을 써야합니다. 이 역할에서 그는 위선적이거나 거짓말할 필요가 없으며 쓴 진실을 말합니다. 광기의 가면은 왕자의 영적 불화, 그의 행동의 충동, 클라우디우스의 폭정 아래 진리를위한 투쟁의 미친 용기에 해당합니다.

비극적 인 사고는 줄거리에서 큰 역할을합니다. 비극이 끝나면 결투 교환 레이피어에 참여하는 영웅, 독 음료가 담긴 유리가 잘못된 사람에게 떨어지는 등 일련의 사고가 발생합니다. 비극적 결과는 피할 수 없는 필연성으로 다가오고 있다. 그러나 그것은 예상치 못한 형태와 예상치 못한 시간에 온다. 사회 구조의 비합리성은 합리적인 계획과 무모한 계획을 모두 혼돈시키고 "우발적 인 처벌, 예기치 않은 살인"의 비극적 필연성을 유발합니다.

햄릿은 자신의 임무를 완수하는 데 느리지만 언제든지 행동할 준비가 되어 있으며 마지막 장면에서 그에게 "준비가 모든 것"입니다. 햄릿은 영웅적인 사람입니다. 그는 악에 맞서 싸울 준비가 되어 있고 자신의 죽음을 대가로 하여도 진리를 긍정합니다. 죽은 햄릿의 모든 비극적 사건 이후 Fortinbras의 요청에 따라 그들이 군사적 명예와 함께 묻힌 것은 우연이 아닙니다. 햄릿은 죽기 전에 사람들이 그의 삶과 투쟁에 대해 알기를 바라는 소망을 표현합니다. 그는 Horatio에게 비극적 인 사건의 원인을 세상에 밝히고 덴마크 왕자의 이야기를 들려달라고 요청합니다.

햄릿은 르네상스 휴머니즘이 위기의 시기에 접어든 시대적 복합성을 반영한 사실주의적 비극이다. 비극 자체는 삶의 객관적인 묘사가 필요하다는 생각을 표현합니다. 배우들과의 대화에서 Hamlet은 셰익스피어의 미적 입장과 완전히 일치하는 예술에 대한 견해를 표현합니다. 우선, "헤롯을 거듭나게" 할 준비가 된 사람들의 현란한 효과가 거부됩니다. "행동에 말을, 말에 행동을" 일치시키고 "자연의 단순함을 넘어서지 말 것"을 제안합니다. 예술의 본질이 공식화됩니다. "자연 앞에서 거울을 들고 자신의 외모, 오만함 (자신의 외모, 그리고 모든 연령과 지위)의 미덕과 각인을 보여주기 위해."

XVI 세기 말의 주요 역사적 충돌. -기사적인 영웅주의의 세계와 절대주의 권력의 범죄 사이의 갈등은 각각 Hamlet의 아버지와 Claudius라는 두 형제의 이미지로 구현됩니다. Hamlet은 그의 아버지 영웅을 존경하고 위선적이고 배신적인 Claudius와 그의 뒤에 서있는 모든 것을 싫어합니다. 사악한 음모와 일반적인 부패의 세계.

비극 "Othello"(Othello, the Moor of Venice, 1604)는 Geraldi Cinthio의 소설 "The Moor of Venice"를 바탕으로 만들어졌습니다. Othello와 Desdemona의 사랑 이야기와 비극적 인 죽음은 셰익스피어가 광범위한 사회적 배경에 대해 보여줍니다. 베니스 정부 대표가 비극에 등장합니다-총독, Brabantio 상원 의원, Gratiano, Lodovico; 군사 환경이 묘사됩니다-Iago, Cassio, Montano. 이러한 배경에서 Othello와 Desdemona의 운명은 깊은 사회 심리적 의미를 얻습니다.

Moor Othello는 뛰어난 성격입니다. 그의 용기 덕분에 그는 사회에서 높은 지위를 얻었고 베네치아 사령관이되었습니다. 이 전사의 삶은 위험으로 가득 차 있었고 많은 것을 보고 많은 것을 견뎌야 했습니다. 모든 시련에서 Othello는 감정의 순수함과 열정을 유지하면서 용감하고 용감한 사람으로 나타났습니다. 그것은 아름다운 사람의 르네상스 이상을 구현합니다. 고귀한 무어인은 똑똑하고 활동적이며 용감하고 정직합니다. 이를 위해 베네치아 상원 의원 Desdemona의 딸이 그를 사랑했습니다.

나는 두려움 없이 그녀와 사랑에 빠졌고, 그녀는 동정심으로 나와 사랑에 빠졌다. (B. Pasternak 번역)

오셀로와 데스데모나의 사랑은 전통적인 관습에 대한 영웅적인 도전이었습니다. 이 사랑은 깊은 상호 이해와 신뢰를 기반으로 합니다.

Desdemona의 캐릭터는 Othello의 캐릭터와 관련이 있습니다. Desdemona는 또한 두려움과 속임수가 특징입니다. 오델로가 키프로스의 총독으로 임명되자 그녀는 사랑하는 사람을 위해 가출하고 베니스를 떠납니다. Othello는 그녀를 "아름다운 전사"라고 부릅니다. Desdemona의 매혹적인 모습에서 용기는 부드러움과 결합됩니다. 그러나 Desdemona가 끝까지 조화 롭고 온전한 사람으로 남아 있다면 Othello는 그의 영혼에 "혼돈"을 허용했고 이것은 재앙을 일으켰습니다. Desdemona는 Othello에 대한 확신을 유지합니다. 그러나 그의 자신감은 기지와 위험한 Iago의 음모의 영향으로 흔들립니다.

오셀로가 그녀를 위해 변한 이유를 설명하는 방법을 모르는 Desdemona는 그 이유가 질투가 아니라는 것을 이해합니다. 그녀는 말한다:

오셀로는 똑똑하고 질투심 많은 저속한 사람들처럼 보이지 않습니다...

그리고 하인 Emilia가 Desdemona에게 Othello가 질투하는지 묻자 그녀는 자신있게 대답합니다.

당연히 아니지. 열대의 태양 이 모든 결점은 그에게 불타고 있습니다.

Desdemona는 누구와도 달리 Othello의 영혼을 이해합니다. 실제로 오델로에서 질투는 의심, 보복 또는 야망의 결과가 아니라기만적인 신뢰감, 불쾌한 존엄성의 표현으로 발생합니다. 비극적 인 아이러니로 오델로는 속기 쉬운 무어를 속인 이아고가 아니라 순수하고 충실한 데스데모나가 속은 신뢰감의 원인이라고 생각합니다. 오델로는 자신에 대해 이렇게 말합니다.

쉽게 질투하지 않던 그는 감정의 폭풍에 분노에 휩싸이는데…

A.S. Pushkin은 Othello를 다음과 같이 특징지었습니다. "Othello는 본질적으로 질투하지 않습니다. 반대로 그는 신뢰하고 있습니다."

Othello는 Desdemona를 죽이기로 결정했을 때에도 Desdemona를 매우 사랑합니다. 그는 자신의 의무를 다하면서 정의를 회복하고 있다고 생각합니다. Iago의 비방을 믿는 그는 Desdemona가 다른 사람을 속이는 것을 허용할 수 없다고 믿습니다. 그는 사람들에 대한 높은 의무 의식으로 가득 차 있습니다. Desdemona의 살인은 그에게 일반적인 위험으로 거짓말을 제거하는 것을 의미합니다. 오셀로의 비극은 속은 신뢰의 비극, 열정에 눈이 멀어지는 비극입니다. 사람과 세상에 대한 그녀의 단호한 오델로의 태도에 대한 사랑. 그들의 결합이 조화로울 때 Othello는 세상을 아름다운 것으로 인식했습니다. 그가 Desdemona의 부정직을 믿었을 때 모든 것이 우울하고 혼란스러운 형태로 그 앞에 나타났습니다.

정직한 오델로는 Iago가 자신을 속이고 있다는 사실을 깨닫지 못한 채 사악한 음모의 희생자가 됩니다. 셰익스피어는 Iago가 오델로를 증오하는 이유를 직접적으로 밝히지 않지만 Iago는 경력을 쌓고자 하는 욕망, 오델로에 대한 질투, 데스데모나에 대한 정욕에 대해 이야기합니다. Iago의 성격에서 가장 중요한 것은 어떤 대가를 치르더라도 다른 사람들보다 우위를 점하려는 Machiavellian 욕망입니다. 물론 Iago는 똑똑하고 활동적이지만 그의 능력, 그의 "용맹"은 그의 이기적인 계획에 전적으로 종속됩니다. Iago의 "용맹"은 개인주의적이고 부도덕합니다. 그는 자신의 주요 관심사를 다음과 같이 공식화합니다. "지갑을 꽉 채우십시오." 사기꾼 Iago는 냉소적이고 위선적입니다. 오델로에 대한 그의 증오는 그들의 본성, 견해, 삶에 대한 태도의 근본적인 차이로 설명됩니다. 오델로의 고귀함은 이아고의 부르주아적 자기중심주의를 부정하는 것이다. 그렇기 때문에 그는 오셀로의 삶의 윤리적 원칙에 대한 확언에 자신을 화해시킬 수 없습니다. Iago는 기본 수단에 의지하여 솔직한 오델로를 고귀한 삶의 길에서 밀어내고 그를 개인 주의적 열정의 혼돈에 빠뜨리는 것을 의미합니다.

현실주의자 셰익스피어는 봉건적 족쇄에서 해방된 인간이 갈 수 있는 길을 보여주었다. 사람은 오델로의 영웅적 인물처럼 밝고 도덕적으로 아름다워질 수도 있고, 냉소적인 이아고처럼 비도덕적일 수도 있습니다. 도덕적 열등감은 개인의 자유를 그 반대, 즉 어두운 열정과 이기적인 이익에 노예처럼 의존하게 됩니다. Iago는 비방과 속임수로 Othello와 Desdemona에 대항하여 행동합니다. 그는 오델로의 속임수를 이용하고 영웅의 열렬한 기질과 사회 관습에 대한 무지를 이용합니다. 고귀한 오델로가 영웅에서 어두운 열정에 눈이 멀어지는 급속한 전환은 당시의 사회적 관계 수준이 인본주의 적 성격의 이상이 현실에서 완전히 실현되는 것을 허용하지 않았기 때문에 자유 분방 한 르네상스 성격이 취약하다는 것을 나타냅니다. 셰익스피어는 부르주아 사회의 진정한 기반 관계에 빠져 어두운 열정으로부터 자신을 보호할 수 없는 자신을 발견한 용감한 성격의 비극을 보여주었습니다.

"인정"의 에피소드는 영웅의 인간 존엄성, 그의 도덕적 위대함을 드러냅니다. 영적인 기쁨으로 Othello는 Desdemona가 그를 사랑하고 그에게 충실했다는 것을 알게되었지만 동시에 최악의 일이 일어났다는 사실에 충격을 받았습니다. 그는 무고한 사람을 죽이고 그에게 Desdemona를 바쳤습니다. 마지막 장면에서 오델로의 자살은 인간에 대한 믿음에서 벗어난 자신에 대한 처벌입니다. 따라서 비극적 결말은 악의 어둠의 세력에 대한 귀족의 도덕적 승리를 확증합니다.

새로운 양상의 개인과 사회의 갈등은 비극 "리어왕"(리어왕, 1605-1606)에서 나타난다. 이것은 불의한 사회에서 인간의 존엄성에 대한 비극입니다.

Lear의 성격의 본질과 진화는 N. A. Dobrolyubov에 의해 매우 정확하게 정의되었습니다. 자신의 개인적인 변덕을 만족시키기 위해. 이것은 자신을 모든 기쁨과 슬픔의 근원, 그의 왕국에서 모든 삶의 시작과 끝이라고 생각하는 데 익숙한 사람에게 완벽하게 이해할 수 있습니다. 여기에서 행동의 외부 범위와 모든 욕망을 쉽게 충족시킬 수 있으므로 그의 영적 힘을 표현할 것이 없습니다. 그러나 이제 그의 자기숭배는 상식의 모든 한계를 뛰어넘는다. 그는 그 후에도 사람들이 그에게 떨리는 것을 멈추지 않을 것이라고 확신하면서 권력을 버리기로 결정합니다. 이 광기의 신념은 그로 하여금 그의 왕국을 그의 딸들에게 주게 하고, 그로 인해 그의 야만적인 무의미한 위치에서 평범한 사람의 단순한 칭호로 넘어가 인간의 삶과 관련된 모든 슬픔을 경험하게 합니다. “그를 보고 우리는 먼저 이 방탕한 전제군주에 대한 증오를 느낍니다. 그러나 드라마의 전개에 따라 우리는 남자와 같이 그와 점점 더 화해하고 더 이상 그에게가 아니라 그와 전 세계에 대한 분노와 불타는 악의로 가득 차게됩니다. 그 거칠고 비인간적 인 상황 그것은 Lear와 같은 사람들에게도 그러한 방탕으로 이어질 수 있습니다.

*Dobrolyubov N.A. 소브. cit.: 9권 - M; L., 1962. T. 5. - S. 52.

** 동일합니다. -S.53.

"리어 왕"은 사회적 비극입니다. 그것은 사회에서 다양한 사회 집단의 경계를 보여줍니다. 오래된 기사 명예의 대표자는 Lear, Gloucester, Kent, Albany입니다. 부르주아 포식의 세계는 Goneril, Regan, Edmond, Cornwall로 대표됩니다. 이 세계들 사이에는 날카로운 투쟁이 있습니다. 사회는 깊은 위기에 처해 있습니다. Gloucester는 사회적 기반의 파괴를 다음과 같이 특징지었습니다. 도시, 불화의 마을, 반역의 궁전에서 폭동이 일어나고 부모와 자녀 간의 가족 유대가 무너지고 있습니다 ... 최고의 시간이 지났습니다. 괴로움, 배신, 비참한 불안이 우리를 무덤까지 동반 할 것입니다.”(B. Pasternak 번역).

리어왕의 비극적 이야기가 펼쳐지는 것은 이러한 폭넓은 사회적 배경에 반한다. 연극 초반에 Lear는 사람들의 운명을 지휘하는 권력을 가진 왕입니다. 이 비극에서 셰익스피어는 (그가 그의 다른 희곡에서보다 당대의 사회적 관계에 더 깊이 침투한) Lear의 권력이 그의 왕권에 있는 것이 아니라 그가 부와 땅을 소유하고 있다는 사실에 있음을 보여주었습니다. Lear는 자신의 왕국을 딸 Goneril과 Regan 사이에 나누어 왕권 만 남기고 권력을 잃었습니다. 소유물이 없는 왕은 자신이 거지의 위치에 있음을 알게 되었습니다. 사회의 소유권은 가부장적 혈연적 인간관계를 파괴했다. Goneril과 Regan은 아버지가 집권했을 때 사랑을 맹세했고, 아버지가 재산을 잃었을 때 등을 돌렸습니다.

비극적 시련과 영혼의 폭풍을 겪은 Lear는 사람이 됩니다. 그는 가난한 사람들의 어려움을 인식하고 사람들의 삶에 동참했으며 주변에서 일어나는 일을 이해했습니다. 리어 왕은 지혜를 얻습니다. 새로운 세계관의 출현으로 폭풍우가 치는 동안 대초원에서 노숙자 불행한 불쌍한 톰과의 만남이 큰 역할을했습니다. (형 Edmond의 박해를 피해 숨어 있던 Edgar Gloucester였습니다.) 충격을 받은 Lear의 마음 속에서 사회는 새로운 시각으로 나타나고 무자비한 비판을 받습니다. Lear의 광기는 깨달음이 됩니다. Lear는 가난한 사람들을 동정하고 부자들을 비난합니다.

노숙자, 벌거벗은 가련한 자여, 지금 어디 있느냐? 이 혹독한 날씨의 타격을 어떻게 격퇴 하시겠습니까? 누더기, 머리가 드러나지 않고 배가 마른 채로? 내가 전에 이것에 대해 얼마나 적게 생각했는지! 여기 당신을 위한 교훈이 있습니다, 오만한 부자여! 가난한 이들을 대신하여 그들이 느끼는 것을 느끼고 하늘의 가장 높은 공의의 표시로 그들에게 당신의 남음의 몫을 나누어 주십시오. (B. Pasternak 번역)

Lear는 자의가 지배하는 사회에 대해 분개합니다. 권력은 그에게서 도망치는 거지를 쫓는 개의 상징적 이미지의 형태로 그에게 나타난다. Lear는 판사를 도둑이라고 부릅니다. 다른 사람들이 이해하지 못하는 것을 이해하는 척하는 정치인은 악당입니다.

고귀한 켄트와 광대는 끝까지 리어에게 충성을 다합니다. 광대의 이미지는 이 비극에서 매우 중요한 역할을 합니다. 그의 재치, 역설적 농담은 사람들 사이의 관계의 본질을 대담하게 드러냅니다. 비극적 인 광대는 쓰라린 진실을 말합니다. 그의 재치있는 발언은 무슨 일이 일어나고 있는지에 대한 사람들의 관점을 표현합니다.

두 아들의 아버지 인 글로스터 백작의 운명과 관련된 스토리 라인은 리어의 운명을 시작하여 일반화하는 의미를 부여합니다. Gloucester는 또한 배은망덕의 비극을 경험합니다. 그는 그의 사생아인 에드먼드와 반대한다.

인본주의적 이상은 Cordelia의 이미지로 구현됩니다. 그것은 옛 기사의 세계와 새로운 마키아벨리적 세계를 모두 받아들이지 않습니다. 그녀의 캐릭터에는 특별한 힘으로 인간의 존엄성이 강조됩니다. 그녀의 위선적인 자매들과 달리, 그녀는 성실하고 진실하며, 그녀의 아버지의 독재적인 성질을 두려워하지 않고 그녀의 생각을 그에게 말합니다. 감정 표현에 대한 제한에도 불구하고 Cordelia는 아버지를 진정으로 사랑하고 용감하게 그의 불만을 받아들입니다. 그 후 심한 시련을 겪은 Lear가 인간의 존엄성과 정의감을 얻었을 때 Cordelia는 그 옆에있었습니다. 이 아름다운 두 사람은 잔인한 사회에서 죽어 가고 있습니다.

비극의 끝에서 선은 악을 이깁니다. 고귀한 Edgar가 왕이 될 것입니다. 통치자로서 그는 Lear가 그의 비극적 운명에서 찾은 지혜에 의지할 것입니다.

R. Holinshed의 "Chronicles of England, Scotland and Ireland"의 자료로 만들어진 비극 "Macbeth"(Macbeth, 1606)는 폭군 정권 하에서 국가와 개인의 비극적 상태 문제에 전념합니다.

맥베스는 폭군이자 살인자입니다. 그러나 그는 즉시 그렇게 되지 않았습니다. 이미지는 개발, 역학, 내면 세계의 모든 복잡성과 불일치로 드러납니다. 양심의 가책과 맥베스의 영혼에 대한 야심 찬 충동 사이의 투쟁, 그의 피비린내 나는 행위의 무의미 함을 깨닫는 것-이 모든 것이 그를 평범한 악당과 구별하고 그를 비극적 인 성격으로 만듭니다.

1막에서 맥베스는 스코틀랜드의 적들에 대한 승리의 장엄한 장면에서 영웅으로 등장한다. 이것은 강하고 용감하며 용감한 전사입니다. Macbeth는 본질적으로 친절하며 인간성이 결여되어 있지 않습니다. 그는 그의 공적을 통해 명성을 얻었습니다. 그의 강점과 본성의 가능성에 대한 자신감은 그에게 더욱 위엄 있고 더 큰 영광을 얻고 자하는 열망을 불러 일으 킵니다. 그러나 당시의 사회 구조는 개인의 발전을 제한하고 사람의 무한한 능력을 왜곡했습니다. 그래서 Macbeth의 용기는 야망으로 바뀌고 야망은 그를 최고의 권력을 얻기 위해 Duncan을 살해하는 범죄를 저 지르도록 강요합니다. 야망에 의한 용맹의 왜곡은 비극의 첫 장면에 나오는 마녀들의 말이 "아름다운 것은 사악하고 악한 것은 아름답다"는 매우 정당한 특징입니다. Macbeth의 행동에서 선과 악의 경계가 점점 흐려집니다.

Macbeth의 미래 운명을 예측하는 역겨운 마녀의 이미지는 그의 의도와 행동에 있었던 비인간성을 상징합니다. 마녀는 영웅의 행동을 지시하는 치명적인 힘을 나타내지 않습니다. 그들은 Macbeth의 생각에서 이미 일어난 것을 표현합니다. 맥베스의 형사 결정은 치명적인 힘이 아니라 자신의 의지에 의해 결정됩니다. 범죄 행위는 점점 더 개인의 재생을 향해 나아가고 있습니다. 친절하고 용감한 남자에서 Macbeth는 살인자이자 폭군이됩니다. 하나의 범죄가 다른 범죄로 이어집니다. 맥베스는 왕좌를 지키려고 더 이상 살인을 거부할 수 없습니다.

나는 이미 피비린내 나는 수렁에 빠져서 수렁을 통해 되돌아가는 것보다 앞으로 나아가는 것이 더 쉬울 것입니다. 머리 속에는 내 끔찍한 계획이 아직 태어나지 않았고 손은 그것을 성취하기 위해 노력합니다. (Y. Korneev 번역)

Macbeth의 전제주의가 모든 사람에게 명백해지면서 그는 자신이 완전히 혼자임을 알게 됩니다. 모두가 폭군에게서 반발했습니다.

범죄를 통해 Macbeth는 운명을 바꾸고 시간의 흐름에 개입하기를 원합니다. 그는 이미 무언가를 놓치는 것을 두려워하고 끊임없는 피비린내 나는 행동으로 주장되는 반대자들의 행동보다 앞서 나가려고 노력하고 있습니다. 폭군은 범죄의 도움으로 "내일"로 향하고 "내일"은 그를 점점 더 피할 수없는 끝으로 밀어 붙입니다. 폭군의 잔학 행위는 반대를 불러 일으 킵니다. 사회 전체가 전제군주에 맞서 일어선다. Macbeth에게는 자연의 힘도 그를 대적하는 것 같습니다. Birnam Forest는 Dunsinan으로 진군하고 있습니다. 이들은 Macduff와 Malcolm의 전사들로, 녹색 가지 뒤에 숨어 Macbeth에 대한 저항할 수 없는 눈사태를 일으키고 그를 분쇄합니다. 비극의 등장인물 중 한 명인 스코틀랜드 귀족 로스는 권력욕의 본질에 대해 다음과 같이 말합니다.

오 힘에 대한 사랑이여, 당신은 당신이 살고 있는 것을 집어삼키고 있습니다!

인류에 반대하는 발언을 한 맥베스는 완전한 고립, 외로움, 죽음을 맞이합니다. Lady Macbeth는 그녀가 위대한 사람이라고 생각하는 남편에게 광적으로 헌신합니다. 그녀는 그와 마찬가지로 야망이 있습니다. 그녀는 맥베스가 스코틀랜드의 왕이 되기를 원합니다. Lady Macbeth는 권력을 얻기로 결심하고 남편을 지원하며 그가 Duncan을 죽일 계획을 세울 때 도덕적 의심을 극복하도록 돕습니다. Lady Macbeth는 손에서 피를 씻는 것으로 충분하다고 생각하며 범죄는 잊혀 질 것입니다. 그러나 그녀의 인간성은 실패하고 미쳐갑니다. 정신 나간 몽유병 상태에서 그녀는 손에 묻은 피를 씻어내려 하지만 그럴 수 없습니다. 남편이 죽은 날 맥베스 부인은 자살한다.

다른 셰익스피어 비극에 비해 맥베스의 비극적 분위기는 매우 조밀하다. 범죄를 통해 권력을 잡는 주제의 발전과 관련하여 펌핑됩니다. 동작은 더욱 압축되고 집중되며 격렬해집니다. 일반적으로 밤과 폭풍을 배경으로 발생합니다. 불길한 예감과 징조의 역할을 수행하는 초자연적 요소 (마녀, 환상)가 넓은 장소를 차지합니다. 그러나 결국 어둠은 사라지고 인류는 악을 이깁니다.

셰익스피어의 비극은 당대의 비극적 모순의 본질에 대한 깊은 통찰이 특징입니다. 셰익스피어의 드라마투르기에서는 르네상스 시대의 사회 정치적 갈등이 놀랍도록 진실되게 반영됩니다. 봉건제가 새로운 부르주아 체제로 대체되었을 때 역사상 거대한 격변과 관련된 삶의 심오한 변화-이것이 셰익스피어의 비극의 기초입니다. 셰익스피어의 역사주의는 당시의 사회적 관계의 비극적 의미를 드러내면서 구약과 신구 사이에서 펼쳐지는 실제 투쟁의 주요 경향을 이해하는 데 있습니다. 순진하고 시적인 세계관으로 셰익스피어는 사회 생활에서 사람들의 중요성을 보여줄 수있었습니다.

셰익스피어의 시적 역사주의는 비극적 주제에 새로운 내용을 도입하고 비극을 미학적 문제로 재구성하여 새롭고 독특한 특성을 부여했습니다. 셰익스피어의 비극은 The Canterbury Tales(The Monk's Prologue and The Monk's Tale)에 표현된 비극에 대한 Chaucer의 관점에서 비극에 대한 중세의 개념과 다릅니다. 중세의 생각에 따르면 비극은 높은 지위에 있는 사람들에게 일어날 수 있고 행복하게 살며 섭리의 힘을 잊을 수 있습니다. 그러한 사람들은 성격, 장점 및 단점에 관계없이 운명의 변화에 따르게됩니다. 그들의 매우 높은 지위는 교만의 원인이었기 때문에 재앙은 항상 가까이에 있었습니다. 중세 사상에 따르면 운은 사람에게 전혀 예기치 않게 그리고 이유없이 불행을 가져 왔습니다. 인간은 섭리의 지혜 앞에 속수무책이며 운명의 타격을 피할 수 있는 사람은 아무도 없다. 비극의 중세 개념은 사람의 성격과 운명과의 충돌에서 비롯된 것이 아니라 초자연적 힘의 전능함에 대한 믿음에서 비롯되었으므로 중세 문학의 비극적 작품에서 서사시, 서사적 시작이 우세했습니다. 극적인.

셰익스피어의 비극은 숙명론, 숙명론에서 자유롭다. 그리고 그의 영웅들이 신과 행운을 모두 언급하지만 셰익스피어는 사람들이 자신의 욕망과 의지에 따라 행동하지만 삶의 상황에 직면하는 방식에 따라 행동한다는 것을 보여줍니다. 개인, 공공 및 국가 이익을 표현하는 다른 사람들의 의지와 욕구로. 사회와 인류를 대표하는 민중 자신의 충돌에서 승패가 흐른다. 비극은 사람들 자신과 그들의 투쟁에 내재되어 있으며 운명론적 예정에 의존하지 않습니다. 영웅의 비극적 인 운명, 그의 죽음의 필연성은 그의 성격과 삶의 상황의 결과입니다. 많은 일이 우연히 발생하지만 결국 모든 것은 필요에 따라 달라집니다.

셰익스피어 비극의 초자연적 인 유령과 마녀는 극작가 자신의 미신을 표현한 것보다 민속 동기에 대한 찬사이며 시적 관습이자 캐릭터를 묘사하고 비극적 인 분위기를 강요하는 독특한 기술입니다. Hamlet과 Macbeth는 모두 초자연적 힘의 명령이 아니라 자신의 열망과 의지에 따라 행동합니다. 셰익스피어와 그의 영웅들은 비극적 사건의 의미를 항상 이해하는 것은 아니지만, 가혹한 시간의 법칙에 따라 인과 관계의 법칙에 따라 발생한다는 것은 항상 분명합니다.

셰익스피어의 필연성은 시간의 역사적 움직임으로 나타날 뿐만 아니라 인간 삶의 자연스러운 도덕적 토대에 대한 확실성과 논쟁의 여지가 없는 것으로 나타납니다. 공적 생활에서는 보편적인 인간애가 필요합니다. 인간의 정의에 기초한 도덕은 사람들이 노력해야 할 이상이며 위반할 경우 비극적인 결과를 초래합니다.

셰익스피어의 비극은 변증법적입니다. 사회는 자연스러운 도덕 관계를 위반하고 영웅을 죽음으로 이끌 수 있으며(로미오와 줄리엣), 영웅은 그의 여러 부정적인 속성으로 인해 악을 행하고 사회에 피해를 줄 수 있습니다(맥베스). 사회는 서로에 대해 유죄가 될 수 있습니다 ( Lear 왕). 모든 것은 시대의 사회적 모순과 각 개인의 심리적 갈등의 진정한 복잡성에 달려 있습니다. 선과 악 사이의 투쟁은 공공 영역뿐만 아니라 인간의 영혼에서도 계속됩니다.

셰익스피어 비극의 갈등은 극도로 긴장되고 날카로우며 화해할 수 없으며 두 개의 적대적인 세력의 충돌로 전개됩니다. 전경에서-다른 캐릭터, 다른 삶의 원칙과 견해, 다른 열정을 구현하는 두 명의 강력한 영웅의 투쟁. Hamlet과 Claudius, Othello와 Iago, Lear와 Goneril, Caesar와 Brutus - 이들은 싸움에 들어간 반대 캐릭터입니다. 그러나 셰익스피어의 고귀한 영웅은 일부 개별 적대자와 싸울뿐만 아니라 전 세계 악의 세계와의 투쟁에 들어갑니다. 이 투쟁은 영웅의 최고의 영적 가능성을 드러내지 만 악을 유발하기도합니다. 투쟁은 영웅 자신의 영혼에서 동시에 진행됩니다. 영웅은 고통스럽게 진실, 진실, 정의를 찾습니다. 그 앞에 열린 악의 심연을보고 영웅의 정신적 고통은 참으로 비극적입니다. 그러나 그 자신은 진실을 찾기 위해 어딘가에서 실수를 저지르고 때로는 악과 접촉하고 선의 모습으로 숨어 비극적 인 비난을 서두르고 있습니다.

뛰어난 사람들 인 셰익스피어의 비극적 영웅들의 행동은 사회 전체에 영향을 미칩니다. 캐릭터는 너무 중요해서 각자가 전 세계입니다. 그리고 이 영웅들의 죽음은 모두를 충격에 빠뜨립니다. 셰익스피어는 활동적이고 강한 사람, 이성과 위대한 열정, 용기와 높은 존엄성을 지닌 사람의 크고 복잡한 캐릭터를 창조합니다. 셰익스피어의 비극은 인간 성격의 가치, 성격의 독창성과 개성, 내면 세계의 풍부함을 확인합니다. 인간 영혼의 삶, 경험과 고통, 사람의 내면의 비극은 무엇보다 셰익스피어에게 관심이 있습니다. 그리고 이것은 또한 비극 분야에서 그의 혁신에 영향을 미쳤습니다. 인물들의 내면 세계의 이미지는 그들의 인간성을 너무나 깊이 드러내 감탄과 깊은 공감을 불러일으킨다.

셰익스피어의 많은 영웅들 - Macbeth, Brutus, Anthony("Antony and Cleopatra") - 그들의 비극에 대해 유죄입니다. 그러나 죄책감이라는 개념은 많은 고귀한 영웅들과 양립할 수 없습니다. 젊은 로미오와 줄리엣이 죽어가고 있다는 사실은 진실하고 온전한 인간의 감정에 적대적인 사회의 잘못입니다. Hamlet, Othello, Lear 왕은 그들의 고귀한 성격의 도덕적 기반을 바꾸지 않는 실수와 오류가 있었지만 악과 불의의 세계에서 비극적 인 결과를 초래했습니다. 이런 의미에서만 그들의 "비극적 죄책감"에 대해 말할 수 있습니다. 이 영웅들과 함께 Ophelia, Cordelia, Desdemona와 같은 완전히 순수한 본성이 고통 받고 죽습니다.

발생한 재앙 속에서 악의 실제 가해자와 "비극적 죄책감"을 짊어진 자, 그리고 완전히 결백한 자 모두 멸망합니다. 셰익스피어의 비극은 단순한 규칙으로 구성된 "시적 정의"와는 거리가 멀다. 악은 처벌되고 미덕은 승리한다. 악은 결국 스스로를 처벌하지만, 선은 영웅의 실수가 마땅히 받아야 할 것보다 훨씬 더 큰 비극적 고통을 견뎌냅니다.

셰익스피어의 비극적 영웅은 활동적이고 도덕적 선택이 가능합니다. 그는 자신의 행동에 대해 책임감을 느낍니다. 상황, 사회가 도덕의 이상과 모순되고 위반한다면 캐릭터의 도덕적 선택은 상황과의 투쟁에 있습니다. 악과 화해할 수 없는 상태에서, 비록 그것이 그들 자신의 파멸로 이어지더라도. 이것은 Hamlet에서 가장 분명합니다.

"인정"의 에피소드, 오류와 죄책감에 대한 인식, 죽음 전의 통찰력은 캐릭터의 가장 강렬한 경험과 가장 중요한 도덕적 아이디어로 셰익스피어의 비극으로 가득 차 있습니다. 이 에피소드는 깊은 이념적, 심리적 내용이 특징입니다. "인정"의 에피소드는 영웅이 견뎌낸 내부 투쟁과 고통의 결과로 진리와 선의 도덕 원칙의 승리로 비극에서 중요합니다. 이 에피소드는 영웅의 전 생애를 새로운 빛으로 비추고 인간 정신의 위대함과 삶의 도덕적 기반의 중요성을 확인합니다.

셰익스피어 희곡에 나오는 악당들의 캐릭터도 개성이 다르다. 그들은 교활하고 야심 찬 계획에 적극적으로 봉사하는 의지와 마음을 가지고 있습니다. 이 악당들은 시대의 실제 현상 인 Machiavellianism의 구체화입니다. 자유로운 마음은 이기적인 목표를 효과적으로 추구하는 매우 개인주의적인 형태로 나타납니다. 셰익스피어의 악당은 결코 추상적인 악의 관습적인 인물이 아니라 부르주아 체제의 구체적이고 전형적인 악입니다. 부러움, 악의, 증오가 악당의 주인공입니다. 그러나 셰익스피어는 그들을 악마로 표현하려고 하지 않았습니다. 악당도 사람이지만 여러 가지 이유로 인간성을 잃었습니다. 때때로 그것은 도덕 원칙이없는 그들의 존재의 쓸모 없음을 강조하기 위해 깨어납니다 (Edmond, Lady Macbeth).

셰익스피어는 인간의 친절과 고귀함, 불굴의 정신과 창조적 에너지에 대한 인본주의적 믿음을 표현했습니다. 그는 인간의 존엄성과 인간 업적의 위대함을 확인했습니다. 모든 재난과 문제에서 인간의 본성은 패배하지 않고 나타납니다. 셰익스피어의 진정한 인본주의는 그의 낙관주의입니다. 셰익스피어는 악의 힘과 그것이 가져오는 불행을 알고 있었기 때문에 이러한 낙관주의는 공평하지 않았습니다. 셰익스피어 비극의 낙관주의는 절망에 대한 승리와 사회적 악에 대한 인간의 승리에 대한 강한 믿음에 있습니다.

삶의 묘사와 인물 묘사의 다재다능함은 비극과 희극의 결합과 상호침투에서 변함없이 드러난다. 이것은 인간과 사회를 묘사하는 새로운 방법을 발견한 셰익스피어의 혁신이었습니다.

셰익스피어는 또한 비극의 줄거리와 구성 구조의 혁신가였습니다. 그의 비극에는 두 번째 줄거리가 등장합니다. 사이드 스토리는 삶의 다재다능함과 현실의 폭 넓은 범위에 대한 인상을줍니다. 비교와 대조에 사용되는 캐릭터와 줄거리의 평행 기술은 셰익스피어의 비극에서 자연 이미지로 보완됩니다. 캐릭터의 영혼에 대한 혼란, 가장 높은 긴장에 도달하는 비극적 인 열정 투쟁은 종종 자연의 폭풍을 동반합니다 ( "King Lear", "Macbeth").

구조의 복잡성, 셰익스피어 비극의 자유로운 사건 흐름은 여러 측면에서 19세기와 20세기 소설의 시학을 예상합니다. 액션의 포화, 캐릭터의 드라마, 사건의 미스터리, 역사의 파노라마 이미지, 시간과 공간의 자유, 밝은 대비-셰익스피어 비극의 이러한 모든 기능은 소설 장르에서 더욱 발전합니다.

셰익스피어 작업의 마지막 세 번째 기간에 그는 더 이상 새로운 자본주의 질서의 인본주의에 대한 환상이 없었지만 인본주의의 이상에 충실했습니다. 삶의 구체화를 찾지 못한 셰익스피어의 창의적 환상에서 인본주의의 이상은 아름다운 신세계에 대한 미래에 대한 꿈의 형태를 취했습니다. 현실에서 실현 가능성이 없는 이 꿈은 말기 셰익스피어 작품의 특징인 환상적 요소, 목가적 풍경, 알레고리의 형태로 구현되었다. The Winter's Tale과 The Tempest의 예술적 방법은 매우 논리적이고 미학적으로 필요하며 셰익스피어 작품의 진화에서 한 단계 더 나아간 것입니다.

Pericles, Cymbeline, The Winter's Tale, The Tempest는 새로운 미적 특성을 나타냅니다. 그들은 비극 코미디, 목가적 드라마 및 우화의 장르적 특징을 결합합니다. 세 번째 시대의 드라마에서 셰익스피어는 환상과 현실의 혼합, 민속 모티브, 동화와 유토피아 상황, 자연을 배경으로 펼쳐지는 그림 같은 장면으로 변합니다. 셰익스피어의 후기 비극 코미디에서 서정적-영웅적 원칙, 예외적 사건의 로맨스가 지배합니다. 이 연극은 상반된 사회와 자연, 잔인한 궁중 풍습, 목가적인 시골 생활을 주제로 한 것이 특징이다. 그러나 여기서 사회와의 단절은 이 사회에 대한 도덕적, 윤리적 비판의 한 형태이지 그것으로부터 도피하라는 요구가 아니다. 영웅들이 악과의 싸움을 계속하기 위해 사회로 돌아온 것은 우연이 아닙니다.

희극 The Winter's Tale (1610-1611)은 민중시의 정신으로 쓰여졌다. 무한한 권력을 누리는 시칠리아 왕 레온테스는 보헤미안 왕 폴리제노스를 질투한 아내 헤르미오네를 잔인하게 다루기로 결정하고, 헤르미오네는 아버지라는 이름의 늙은 양치기와 함께 보헤미아에서 피난처를 찾는다. . Loss는 Polyxenes 왕의 아들 Florizel 왕자와 사랑에 빠졌습니다. Florizel은 계급 차이를 무시하고 Loss와 결혼하기를 원했습니다. Polixenes가이 결혼에 동의하지 않자 Florizel과 Loss는 보헤미아를 떠납니다. 사람들의 평등의 이상은 말로 확인됩니다. 판잣집과 궁전 너머로 같은 태양이 하늘에서 빛나고 있다는 상실의.

이 연극에서 선은 악을 이깁니다. Leontes는 결국 자신의 죄책감을 깨닫고 Hermione과 함께 행복을 되 찾습니다.

연극의 철학적 내용에서 가장 중요한 것은 합창단의 이미지 인 시간입니다. 4 막의 프롤로그에서 연극 영웅의 운명에 대해 언급하면서 Time은 사회 생활의 끊임없는 변화에 대한 아이디어 인 개발 아이디어를 표현합니다. 시간은 발전의 관점을 설정하고 Hermione의 슬픈 이야기를 일반적인 역사 흐름의 특정 위치에 배치합니다. 발전의 영원한 법칙의 관점에서 볼 때 비극적 사건은 극복되고 과거의 일이 되고 전설이 되는 분리된 순간일 뿐입니다. 역사적 시간의 척도에서는 선이 필연적으로 승리합니다. The Winter's Tale에서 셰익스피어는 인류의 멋진 미래에 대한 믿음을 표현했습니다.

정의로운 사회에 대한 셰익스피어의 꿈은 비극 코미디 The Tempest (The Tempest, 1611)의 환상적인 음모로 표현됩니다. 난파 후 섬에 상륙한 Gonzalo는 이곳의 모든 것을 나폴리 왕국과 다르게 정리하는 꿈을 꿉니다. 그는 관료와 재판관을 폐지하고, 빈곤과 부를 파괴하고, 상속권과 토지 봉쇄를 폐지하기를 원합니다. 그리하여 곤잘로는 불의한 사회에 만연한 악을 근절하고자 한다. 그러나 Gonzalo는 또한 무역, 과학 및 노동을 폐지하고 자연 자체가 제공하는 것만으로 사는 순진한 소망을 표현합니다. Gonzalo의 독백에서 Thomas More의 "Utopia" 아이디어의 영향은 가시적입니다.

곤잘로의 유토피아적 꿈은 잔학 행위가 자행되는 실제 사회와 반대된다. 12년 전, 안토니오는 정당한 공작인 그의 형제 프로스페로를 몰아내고 밀라노에서 권력을 장악했습니다. 프로스페로와 그의 딸 미란다는 환상적인 생물이 사는 섬에 도착합니다. 그러나 여기에도 악이 있습니다. 추악하고 야만적인 마녀에게서 태어난 괴물 칼리반은 자신에게 많은 도움을 준 프로스페로의 신뢰를 이용해 미란다를 욕되게 하기로 결심한다. 마법사 프로스페로는 검은 본능의 힘을 구현한 칼리반을 정복하고, 선한 공기의 정령 아리엘의 도움으로 선행을 한다.

연극은 선과 악의 갈등을 드러낸다. 인본주의 과학자 Prospero의 이미지는 좋은 마음과 사람들에 대한 유익한 영향의 구체화입니다. Wise Prospero는 사람을 합리적이고 아름답게 변화시킵니다.

Prospero는 섬에서 전능하고 산, 개울, 호수, 숲의 영혼이 그에게 복종하지만 그는 고향 인 이탈리아로 돌아가 다시 바쁜 사회 생활에 뛰어 들어 악과 싸우기를 원합니다. 셰익스피어는 인류에 대한 사랑, 인간의 아름다움에 대한 감탄, 아름다운 신세계의 도래에 대한 믿음을 The Tempest에서 표현했습니다. 인본주의 시인은 행복한 삶을 만들어갈 미래세대의 마음에 희망을 둡니다.

"어두운 왕국의 빛의 광선"기사에서 N. A. Dobrolyubov는 셰익스피어의 세계적인 중요성을 다음과 같이 정의했습니다. 그의 문학 활동은 사람들의 일반적인 의식을 여러 수준으로 옮겼는데, 그 이전에는 아무도 올라가지 않았고 일부 철학자들은 멀리서만 지적했습니다. 이것이 바로 셰익스피어가 그토록 보편적인 의미를 지닌 이유입니다. 그는 인간 발달의 몇 가지 새로운 단계를 지정합니다.

*Dobrolyubov N.A. 소브. cit.: 9권 - M; L. -1963. - T. 6. - S. 309-310.

셰익스피어가 만든 캐릭터는 다면적이며 인생 자체에서 일어나는 것처럼 비극과 만화의 시작을 결합합니다.

르네상스의 리얼리즘과 셰익스피어의 작품에는 고유한 관습적 형식이 있습니다. 예를 들어 조건부로 행동 장소. 셰익스피어의 연극 활동은 덴마크, 스코틀랜드, 시칠리아, 보헤미아에서 일어날 수 있지만 극작가는 항상 영국을 염두에두고 고국의 갈등, 인물 및 관습을 묘사했습니다. 셰익스피어의 드라마는 다성적이다. 그것들은 다양한 시적 요소와 서로 다른 플롯 모티프를 결합하며 다양한 양상과 변주로 드러난다. 셰익스피어의 리얼리즘은 종종 환상적이고 우화적인 이미지, 과장되고 은유적인 스타일, 한심하고 음악적인 분위기, 효과적인 무대 형식으로 엄청나게 낭만적인 형태로 나타납니다. 셰익스피어에게 가장 중요한 문제는 인간의 성격 문제입니다. 대부분의 셰익스피어 드라마 줄거리의 중심에는 현재 벌어지고 있는 투쟁에서 드러나는 인물이 있다. 셰익스피어는 등장인물에 배경을 제공하지 않습니다. 셰익스피어의 작품 속 인물은 극작가에게 동시대 사회의 삶과 연결되어 있다. A.S. Pushkin은 셰익스피어 캐릭터의 다양성에 대해 다음과 같이 말했습니다. 상황은 시청자 앞에서 다양하고 다각적 인 성격을 발전시킵니다.

* 푸쉬킨 비평가. - S.412.

셰익스피어는 영국 민속 문화의 성격 인 영국 현실의 국가적 풍미를 전달했습니다. 그 이전의 어느 누구도 역사의 과정 자체를 묘사할 수 없었고, 하나의 역동적인 시스템에서 사회의 다양한 계층을 보여줄 수 없었습니다.

셰익스피어는 그의 작품에서 시대의 전환점, 옛 것과 새 것 사이의 극적인 투쟁을 포착했습니다. 그의 작품은 비극적 모순 속에서 역사의 움직임을 반영했다. 셰익스피어의 비극은 세계의 영웅적 상태를 반영하는 역사와 전설의 줄거리 소재를 기반으로 합니다. 그러나이 전설적이고 역사적인 자료에서 셰익스피어는 심각한 현대 문제를 제기했습니다. 사회 생활에서 사람들의 역할, 영웅적인 성격과 사람들의 관계는 비극 Coriolanus (Coriolanus, 1608)에서 놀라운 철학적 깊이로 드러납니다. 용감한 사령관 Coriolanus는 그가 Corioli에서 승리를 거두면서 그의 고향 로마의 이익, 국민의 이익을 대표할 때 위대합니다. 사람들은 그들의 영웅을 존경하고 그의 용기와 직접성에 감사합니다. Coriolanus도 사람들을 사랑하지만 그들의 삶에 대해 거의 알지 못합니다. Coriolanus의 가부장적 의식은 아직 사회에서 발전하는 사회적 모순을 파악할 수 없습니다. 그러므로 그는 사람들의 곤경에 대해 생각하지 않고 그들에게 빵을 주기를 거부합니다. 사람들은 영웅에게서 등을 돌립니다. 사회에서 추방 된 Coriolanus에서 혼자임을 발견하고 엄청난 자부심, 평민에 대한 증오가 깨어납니다. 이것은 그를 조국에 대한 반역으로 이끈다. 그는 자신의 백성에 대해 로마에 반대하며, 이것으로 자신을 죽음에 이르게 합니다.

셰익스피어의 국적은 그가 시대의 이익에 따라 살았고 인본주의의 이상에 충실했으며 그의 작품에서 윤리적 원칙을 구현했으며 민속 예술의 보물에서 이미지를 그렸고 광범위한 민속 배경에 대해 영웅을 묘사했다는 것입니다. 셰익스피어의 작품에서-드라마, 가사 및 현대 소설 발전의 기원.

셰익스피어 드라마의 민중적 성격도 언어에 의해 결정된다. 셰익스피어는 런던 주민들의 풍부한 구어를 사용하여 단어에 새로운 음영, 새로운 의미를 부여했습니다 *. 셰익스피어 연극 영웅들의 생생한 민속 연설은 말장난으로 가득 차 있습니다. 셰익스피어의 연극에서 언어의 이미지는 정확하고 그림 같은 비교와 은유를 자주 사용함으로써 달성됩니다. 주로 첫 번째 기간의 연극에서 등장 인물의 연설은 종종 한심해지며 완곡 어법을 사용하여 달성됩니다. 그 후 셰익스피어는 완곡한 스타일에 반대했습니다.

* 참조: 셰익스피어에 관한 Morozov M. 기사. - 엠, 1964.

셰익스피어의 연극에서는 운문(빈 운문)이 산문과 번갈아 나타납니다. 비극적 인 영웅은 주로 운문으로 말하고 만화 캐릭터, 광대는 산문으로 말합니다. 그러나 때때로 산문은 비극적 영웅의 연설에서도 발견됩니다. 시는 다양한 리듬 형식(약강 5피트, 6피트 및 4피트 약강, 하이픈 연결)으로 구별됩니다.

캐릭터의 연설은 개별화됩니다. Hamlet의 독백은 본질적으로 철학적이고 서정적입니다. Othello의 서정적 연설은 이국적인 이미지가 특징입니다. Osric의 연설 ( "Hamlet")은 허세입니다. 셰익스피어의 언어는 관용적이고 격언적입니다. 많은 셰익스피어의 표현이 캐치프레이즈가 되었습니다.

소비에트 문학 비평은 셰익스피어의 작품을 사실적으로 간주합니다. 소비에트 극장은 셰익스피어 작품의 사실적인 본질을 드러내는 데 큰 역할을했습니다. 소비에트 번역가들은 셰익스피어의 창조적 유산을 발전시키기 위해 많은 노력을 기울였습니다.

많은 소련 셰익스피어 학자들의 작품에서 셰익스피어의 세계관 문제, 작품의 시대 화, 연극의 연극 역사, 사실주의와 국적의 문제가 제기됩니다. 소비에트 셰익스피어학의 사회적 관심은 "셰익스피어와 러시아 문학"의 문제에 주어졌다.

셰익스피어의 희극은 르네상스 유럽 희극의 가장 주목할 만한 예에 속합니다. 셰익스피어는 먼저 고대 로마 코미디와 16세기 이탈리아의 "배운 코미디"로 눈을 돌렸습니다. 삶의 길에서 어려움을 극복하는 코미디의 영웅들은 사람과 그의 능력에 대한 믿음을 확인하는 고유 한 낙관주의로 행복을 구축합니다. 영웅은 활기차고 쾌활하며 수완이 풍부하고 재치가 있습니다. 젊은이들은 서로 다른 배경을 가진 많은 인물들에 둘러싸여 사랑을 위해 싸우는 연인들입니다. 사랑과 진정한 우정을 주제로 합니다.; 휴일 분위기, 웃음 코미디. 사람들의 전통과 르네상스-이탈리아 코미디의 종합. 젊음의 정신.

코미디의 구조: 연인들은 연결할 수 없다. 그들은 활동적이며 자신의 운명을 창조합니다. 그것은 외부 장애물 (금지, 부모) 및 내부 (캐릭터의 성격)를 극복하여 결혼으로 끝납니다. 본성 정령 / 사람. 그리다!! 중요한 영웅 인 광대는 똑똑하고 바보의 가면만을 착용합니다. 바보는 바보입니다.

셰익스피어 희극의 진화: 최초의 "오류 희극" - 상황 희극. 쌍둥이를 통한 이중성의 동기. "The Taming of the Shrew"는 분열된 성격의 주제, 불가해한 갈등의 비극을 향한 움직임입니다. 열두 번째 밤은 다크 코미디입니다. 극적 갈등과 비극적 동기를 가진 희극에는 시적 감정과 재미의 세계가 공존한다. 밝은 재미가 우울한 위선을 이겼지 만 사심없는 감정이 계급적 편견을 이겼습니다. 코미디 상황의 기본은 사람들의 운명을 크게 바꾸는 상황의 무작위 우연입니다. 운명의 변화에도 불구하고 사람은 자신의 행복을 위해 싸워야합니다.

코미디 "The Taming of the Shrew"는 셰익스피어가 15년(93?)에 썼지만 처음으로 그의 죽음 이후인 1623년에 출판되었습니다. 이 코미디의 출처에 대해 아직 해결되지 않은 분쟁이 있습니다.

1594 년에 "말괄량이 길들이기라는 재미있는 발명 이야기"라는 익명의 연극이 출판되었습니다. 익명의 연극의 모든 것 – 성격을 가진 캐릭터, 연극의 주요 "도덕"까지도 셰익스피어의 코미디에 해당합니다. 약간의 차이만 있습니다. 익명은 파도바가 아니라 아테네에서 열립니다. 캐릭터의 모든 이름이 다릅니다. 주인공은 Ferrando라고하고여 주인공은 항상 Ket로 축약됩니다. 그녀는 한 명이 아니라 두 명의 자매가 있습니다. Emilia와 Filena는 각각 한 청년에게 구애를 받고 셰익스피어에는 여러 명의 찬사를받는 한 자매가 있습니다. 어나니머스는 비밀결혼을 하지 않고 전체 결과가 불분명하다.

두 극에서 에피소드의 교대와 행동의 전개는 동일하며 어떤 곳에서는 한 극이 다른 극을 직접 복사합니다. 그러나 텍스트 자체가 다르며 전체 연극에서 정확히 일치하는 라인은 6개뿐입니다.

셰익스피어는 줄거리와 이미지를 빌려 완전히 새로운 텍스트를 만들 때 다른 사람의 연극을 처리하는 방식이 특징입니다. 여기서 그는 이전 연극의 두세 구 또는 표현만을 사용하지만 동시에 모든 내용물은 비정상적으로 깊어지고 장식되며 완전히 새로운 의미로 채워집니다. . The Taming of the Shrew에서 셰익스피어는 인간 본성에 대한 미묘한 이해를 보여주었습니다. 이 연극의 도덕성에 대해 해설자들 사이에서 논란이 있습니다. 어떤 사람들은 연극에서 여자가 남자에게 무조건 종속된다는 중세 원칙을 옹호하려고 시도했고, 다른 사람들은 그것을 이데올로기 적 내용이없는 단순한 농담으로 간주했습니다.

연극의 모든 캐릭터 중 밝고 잘 발달 된 캐릭터는 Katarina와 Petruchio, Bianca입니다. 코미디 Petruchio의 주인공은 용감하고 편견이없고 힘이 넘치는 현대의 전형적인 남자입니다. 그는 투쟁, 성공, 부를 갈망하고 Katarina라는 인물에서 합당한 상대를 만납니다. 똑똑한 약혼자 Petruchio에게 진정된 Catarina는 좋은 매너로 이상적인 아내로 변했습니다. 완고한 비앙카의 이중성은 완고한 카타리나의 성실함과 대조된다. 연극이 끝날 무렵 아내에 대한 일종의 시험이 열리면 천 성적으로 온유했던 비앙카가 다투는 변덕스러운 사람으로 변한 반면 카타리나 자신은 온유함과 친근 함의 화신이 된 것으로 밝혀졌습니다. 연극은 그녀의 유명한 독백으로 끝납니다. 그녀는 여성의 타고난 약점을 확인하고 남편에게 복종하도록 요구합니다.

연극의 다른 모든 영웅은 조건부 인물, 고정 관념 그로테스크입니다. 이것은 행동의 우스꽝스러운 성격에 해당합니다. 모든 종류의 속임수, 싸움, 순전히 웃음, 서정없이, 부드럽고 이상적인 감정은 거의 동시적이고 우스꽝스러운 "오류 코미디"에 있습니다.

셰익스피어는 남편이 가족의 머리가 되어야 한다는 그의 시대에 일반적으로 받아들여지는 의견을 공유했습니다. 그러나 동시에 카타리나 본성의 풍부함을 보여줌으로써 그는 여성과 남성의 내적 동등성에 대한 인본주의 적 아이디어를 강조합니다.

현대 독자는 연극의 시작과 주요 주제 사이의 구성 연결을 잘 이해하지 못합니다.

그러나 셰익스피어는 현대 사회에서 귀족의 특징을 보여주고 싶었습니다. 그는 구리 세공인의 상당히 놀라운 예를 통해 이것을 보여줍니다.

Coppersmith Christopher Sly는 선술집 문지방에서 술에 취해 잠에 빠집니다. 영주는 사냥꾼과 하인과 함께 사냥에서 돌아와 잠자는 사람을 찾아 속임수를 쓰기로 결정합니다. 그의 종들은 Sly를 고급스러운 침대로 데려가 향기로운 물로 씻기고 값비싼 드레스로 갈아입습니다. Sly가 깨어 났을 때 그는 광기에 휩싸여 구리 세공인을 꿈꾸며 15 년 동안 잠을 잤던 귀족 영주라는 말을 들었습니다. 처음에 Sly는 자신이 태어날 때부터 행상인, 교육을 통해 빗질하는 사람, 운명의 변천으로 인해 버그베어, 현재 직업으로 구리 세공인이라고 주장하지만 점차 자신이 정말 중요한 사람이고 결혼했다고 확신하게 됩니다. 매력적인 아가씨에게 (사실 이것은 변장 한 영주 페이지입니다) . 영주는 유랑 극단을 자신의 성으로 진심으로 초대하고 멤버들에게 장난 계획을 시작한 다음 표면 상 상상의 귀족이 질병을 제거하도록 돕기 위해 재미있는 코미디를 연기하도록 요청합니다.

따라서 이러한 서론과 양반 생활의 필연적인 면모를 보여주는 것은 이 작품에서 매우 중요한 요소라는 점에 주목해야 한다.

따라서 셰익스피어는 주요 아이디어를 밝힐 뿐만 아니라 사회가 어떻게 재미를 느끼는지 보여줍니다.

그러나 연극에서 가장 중요한 것은 코미디 전체가 서있는 하나의 조건이라고 할 수 있습니다. 이것이 침례교의 상태입니다.

그는 장녀의 남편을 찾을 때까지 비앙카와 결혼하지 않겠다고 비앙카의 구혼자들에게 알립니다. 그는 가난한 사람이 강제 격리에 지루하지 않도록 Bianchi의 음악과시 교사를 찾는 데 도움을 요청합니다. Hortensio와 Gremio는 Katarina의 남편을 찾기 위해 일시적으로 경쟁을 제쳐두기로 결정합니다. 악마 자신이 대처할 수 없기 때문에 이것은 쉬운 일이 아닙니다. 주인공은 모든 것에 대해 너무 악의적이고 완고합니다.

그러나 위에서 언급했듯이 결말은 예측할 수 없습니다. Katarina는 Bianchi를 대신하여 온유함과 친근함으로 모두를 놀라게합니다.

따라서 셰익스피어의 작품은 다양하며 그의 드라마, 코미디, 비극은 현재의 문제 외에도 성격의 심리적 측면을 다루기 때문에 독특합니다. 극작가의 세계관은 사건과 정치적 변화의 영향을 받았습니다. 셰익스피어의 모든 시대의 작품은 인본주의 적 세계관이 특징입니다. 사람, 감정, 열망 및 열정에 대한 깊은 관심, 사람들의 고통과 돌이킬 수없는 실수에 대한 슬픔, 사람과 모든 인류의 행복에 대한 꿈 .

르네상스의 주요 아이디어는 합당한 사람의 아이디어였습니다. 시간은 이 생각을 비극적인 시험에 처하게 했고, 그 증거는 셰익스피어의 작품이었습니다. 그의 작품을 만들 때 셰익스피어는 종종 전임자의 문학적 유산에 자비를 베풀었지만 그에 대한 호소는 그가 완전히 새롭고 깊은 내용을 부여한 작품의 형식으로 만 사용되었습니다. 사실, 감정은 셰익스피어의 주요 미적 원칙입니다. 거짓된 거짓도, 거짓된 감정도 없기 때문에 그의 펜에서 나온 모든 것이 인상적입니다.

셰익스피어 비극의 본질은 항상 인본주의 적 감정, 즉 순수하고 고귀한 인간성과 이기심과 이기심에 기반한 저속함 또는 비열함의 충돌에 있습니다.

셰익스피어에 따르면 각 사람의 운명은 그의 성격과 주변 환경의 상호 작용의 결과입니다. 철 논리를 가진 셰익스피어는 가장 고상하고 지적이고 재능있는 최고의 사람들이 어둠의 세력 (Hamlet, Lear)의 맹공격으로 어떻게 멸망하는지, 때때로 악이 사람의 영혼을 얼마나 쉽게 차지하는지, 그리고 이것이 어떤 끔찍한 결과를 초래하는지 (Macbeth)를 보여줍니다. ).

여기에서 르네상스 말기에 반동 세력의 맹공격으로 이상이 무너진 결과 인본주의 자들 사이에서 발생하는 비극적이며 동시에 영웅적인 삶의 특별한 느낌이 표현됩니다. 한편으로 이것은 중세의 신념과 제도, 봉건주의의 모든 "신성한 유대"의 붕괴에 대한 느낌으로, 많은 사람들을 위해 살았던 위대한 세계의 붕괴 인 거대한 재앙의 느낌을 불러 일으켰습니다. 다른 한편으로, 이것은 오래된 세계를 대체하는 새로운 세계가 더 나쁜 형태의 인간 노예화, 억제되지 않은 약탈의 정신, "chistogan"의 영역을 가져오고 있다는 의식입니다. 신흥 자본주의의 특징. 따라서 세계적인 대격변의 느낌, 모든 기반의 붕괴, 사람들이 매분 떨어질 수 있고 떨어질 수 있는 심연의 가장자리를 따라 방황하고 있다는 느낌. 인간 본성의 타고난 성향을 따르는 자연에 대한 충성심은 더 이상 행동의 충분한 기준이 아니며 행복을 보장하지 않습니다. 모든 환상에서 해방된 인간은 자신이 단지 "가난하고 벌거벗은 두 다리 동물"(리어의 말)에 불과하다는 사실을 깨닫게 됩니다.

이를 바탕으로 많은 비평가들은 셰익스피어 작품의 두 번째 기간의 "비관주의"에 대해 이야기합니다. 단, 이 기간은 예약이 필요합니다. 낙담과 싸움 거부로 이어지는 우울한 비관주의는 셰익스피어에게 외계인입니다. 우선, 셰익스피어가 묘사한 고통과 재앙이 아무리 끔찍하더라도 그것들은 결코 목적 없는 것이 아니라 사람에게 일어나는 일의 의미와 깊은 규칙성을 드러냅니다. Macbeth, Brutus 또는 Coriolanus의 죽음은 올바른 길을 찾지 못할 때 사람을 사로잡는 열정이나 망상의 치명적인 힘을 보여줍니다. 반면에 셰익스피어의 가장 심각한 비극조차도 절망적이지 않습니다. 그들은 더 나은 미래에 대한 전망을 열고 인간의 기초에 대한 진리의 내적 승리를 확인합니다. 로미오와 줄리엣의 죽음은 동시에 그들의 승리입니다. 그들의 사랑에 대한 기념비를 세우겠다고 약속한 전쟁 중인 가족들 사이에서 그들의 관에 대한 화해가 이루어지기 때문입니다. "햄릿"은 Claudius의 죽음과 잔인한 덴마크 법원의 패배로 끝납니다. Fortinbras의 가입으로 더 나은 삶에 대한 희망을 허용하는 새로운 시대가 시작되어야 합니다. 마찬가지로 맥베스는 폭군의 죽음과 합법적이고 선한 통치자의 대관식으로 끝납니다. Lear에서 옛 왕은 깨달음을 얻고 진리와 사람에 대한 사랑으로 가득 차 죽습니다. 그가 견뎌낸 고통의 대가로 "가난하고 벌거 벗은 두 다리 동물"의 Lear는 왕의 존엄성을 부여받은 이전 Lear보다 더 큰 단순한 인간성으로 사람으로 변합니다. 셰익스피어의 비극은 이 투쟁이 항상 성공을 약속하지는 않았지만 투쟁에 대한 용감한 부름인 쾌활함을 발산합니다. 이 염세주의의 영웅적 성격은 숙명론적 절망과는 거리가 멀다.

셰익스피어의 작품은 그 규모, 즉 엄청난 관심사와 생각의 범위로 구별됩니다. 그의 연극은 다양한 유형, 위치, 시대, 민족, 사회적 환경을 반영했습니다. 이 풍부한 환상과 행동의 신속성, 이미지의 풍부함, 묘사된 열정의 힘, 인물의 의지적 긴장은 르네상스의 전형입니다. 셰익스피어는 풍부한 형태와 색상으로 인간의 개성의 번영과 삶의 풍요로움을 묘사하지만, 이 모든 것을 규칙성이 우세한 통일성으로 가져왔습니다.

셰익스피어 극작의 출처는 다양하지만 빌린 모든 것을 특이한 방식으로 마스터했습니다. 그는 고대로부터 많은 것을 가져갔습니다. 그의 초기 오류 코미디는 Plautus의 Manechmas를 모방한 것입니다. "Titus Andronicus"와 "Richard III"에서 Seneca의 영향은 매우 두드러집니다. 셰익스피어의 "로마" 비극은 줄거리뿐만 아니라 부분적으로 이데올로기적으로 르네상스 시대에 자유와 시민 감정에 대한 사랑의 교사였던 플루타르크로 거슬러 올라갑니다. 셰익스피어의 작품에는 고대 신화의 감각적이고 명랑하고 표현적인 이미지가 끊임없이 등장합니다.

셰익스피어의 또 다른 출처는 이탈리아 르네상스 예술이었습니다. "Othello", "The Merchant of Venice"및 기타 여러 코미디의 음모는 그가 이탈리아 소설가들로부터 빌린 것입니다. The Taming of the Shrew와 몇몇 다른 희극에서 우리는 이탈리아 commedia dell'arte의 영향을 감지할 수 있습니다. 우리는 셰익스피어의 연극에서 완전히 다른 출처에서 비롯된 이탈리아 의상, 고유명사 및 모든 종류의 모티프를 자주 접하게 됩니다. 고대부터 셰익스피어가 이미지의 구체성과 명확성, 예술적 논리, 말의 명확성을 배웠다면 이탈리아 르네상스의 영향은 그의 작품에서 미적 및 그림 적 특징을 강화하고 삶에 대한 인식을 색상과 형태의 회오리 바람으로 인식하는 데 기여했습니다. 더 중요한 것은 이 두 자료가 셰익스피어 작품의 인본주의적 기반을 강화했다는 것입니다.

그러나 기본적으로 이러한 매력과 함께 셰익스피어는 민속 영국 드라마의 전통을 이어갑니다. 예를 들어 여기에는 그가 체계적으로 사용한 비극과 희극의 혼합이 포함되며, 이는 르네상스 드라마투르기에서 학식 있는 고전주의 경향의 대표자들에 의해 금지되었습니다.

셰익스피어에서 우리는 사람과 사건의 가지각색의 혼합, 비정상적으로 빠른 행동 속도, 한 곳에서 다른 곳으로의 빠른 이동을 관찰합니다. 이러한 생동감, 화려함, 스타일의 용이성, 풍부한 움직임, 인상적인 효과는 민속극의 특징이다. 그것의 가장 높은 표현은 그의 인본주의 적 아이디어에 대해 그가 진실한 단순함에서 구체적이고 매우 명확하고 진실한 진정한 민속 표현 형식을 발견한다는 사실에 있습니다. 이것은 민속 지혜의 정수를 나타내는 King Lear의 광대 연설뿐만 아니라 Hamlet과 같은 세련된 교육 캐릭터의 진술에도 적용됩니다.

셰익스피어의 사실주의는 사람들과 불가분의 관계가 있습니다. 셰익스피어의 리얼리즘은 삶의 모든 현상에 대한 생생하고 직접적인 관계를 기반으로 합니다. 동시에 셰익스피어는 현실을 사실적으로 묘사할 뿐만 아니라 그 속으로 깊숙이 침투하여 그 속에서 가장 본질적인 것을 알아차리고 드러내는 방법도 알고 있습니다. 예술의 사실적 본질에 대한 셰익스피어 자신의 견해는 햄릿이 배우들과 나눈 대화(3막 2장)에서 표현되는데, 여기서 햄릿은 모든 가식, 과장법, 효과를 위한 효과를 비난하고 척도와 비율의 준수, 자연스러움, 현실 대응.

셰익스피어의 사실주의는 감정의 모든 음영과 전환에 주목하면서 움직임과 상호 조건의 현상을 묘사한다는 사실에서 나타납니다. 이것은 그에게 모든 복잡성과 동시에 개발 과정에서 전체 사람들을 그릴 수있는 기회를 제공합니다. 이런 점에서 셰익스피어의 캐릭터 구축도 매우 사실적입니다. 일반적이고 근본적인 의미를 지닌 캐릭터의 전형적인 특징을 강조하면서 동시에 캐릭터를 개별화하여 진정으로 살아있게 만드는 다양한 추가 기능을 부여합니다. 셰익스피어의 등장인물은 투쟁 속에서 변화하고 성장합니다.

셰익스피어의 사실주의는 캐릭터의 감정적 경험 분석의 정확성과 행동 및 동기의 동기에서도 발견됩니다.

위대한 비극의 모든 영웅은 태도의 급격한 변화를 경험합니다. 영적 위기의 발전에 대한 그들의 개인적 동기와 구체적인 조건은 그들에게 다르며, 그들의 영적 반응과 행동은 동일하지 않으며, 그들 모두의 도덕적 충격의 정도는 극단적이며, 그들의 고통스러운 경험은 개인적인 운명에 국한되지 않습니다. 획기적인 확신의 위기 상태를 나타냅니다. 비극적 영웅들의 의심은 다면적이지만 특정한 중심을 향하고 있으며, 사회의 상태와 인간의 문제에 초점을 맞추고 있다.