rumah › Sistem penyejuk › Seni moden anime dan manga Jepun. Kawaii Meletup: Cara Memahami Seni Jepun Kontemporari

Seni moden anime dan manga Jepun. Kawaii Meletup: Cara Memahami Seni Jepun Kontemporari

Pameran menarik sedang berlangsung di Hermitage - Seni Moden Jepun "MONO-NO AWARE. Charm of things".

Untuk mengatakan bahawa saya peminat seni kontemporari - saya tidak boleh. Saya lebih suka apabila ada sesuatu untuk dilihat (grafik yang sibuk, atau seni dan kraf, etnos adalah segala-galanya). Mengagumi keindahan konsep murni tidak selalu menyeronokkan bagi saya. (Malevich, maaf! Saya tidak suka Black Square!)

Tetapi hari ini saya sampai ke pameran ini!

Berharga, jika anda berada di St. Petersburg, berminat dengan seni dan belum pernah ke sana, maka pameran itu akan berlangsung sehingga 9 Februari! Pergi, kerana ia menarik!

Konsep meyakinkan saya sedikit, seperti yang saya tulis di atas. Saya entah bagaimana berfikir bahawa dalam setahun melawat pameran moden, satu atau dua objek kelihatan paling lucu kepada saya. Dan banyak perkara yang tidak menyentuh saya sehingga saya berasa kesal dengan masa yang saya habiskan. Tetapi ia adalah dalam mana-mana genre, dalam mana-mana seni, peratusan nisbah bakat dan biasa-biasa sahaja, ia adalah baik jika ia adalah satu daripada sepuluh! Tetapi saya suka rancangan ini.

Ciptaan Jepun diletakkan di dalam dewan pameran Kakitangan Am. Pemasangan pertama yang menyambut pengunjung adalah labirin luar biasa yang dipenuhi dengan garam di atas lantai. Lantai kelabu, garam putih, ruang yang ditanda dengan sangat kemas, ditenun menjadi satu bidang. Besar bilik pameran, dan hiasan putih tersebar di seluruh lantai seperti loach yang menakjubkan. Dan anda faham betapa sementara seni ini. Pameran akan ditutup, labirin akan dihanyutkan dengan penyapu. Saya pernah menonton filem, "Little Buddha". Dan di sana, pada mulanya, seorang sami Buddha meletakkan hiasan kompleks dari pasir berwarna. Dan pada penghujung filem itu, sami membuat pergerakan tajam dengan berusnya dan kerja raksasa itu hilang ditiup angin. Itu, kemudian lompat, dan tidak. Dan ia berkata, hargai keindahan di sini dan sekarang, semuanya sekejap. Jadi labirin garam ini, ia masuk ke dalam dialog dengan anda, anda mula menjawab soalan-soalan yang dia meletakkan anda di hadapan. Artisnya ialah Motoi Yamamoto.

Ya Ya! Ini adalah labirin yang besar, adakah anda merasakan skalanya?

Objek kedua yang menawan ialah kubah besar yang diperbuat daripada polietilena dan damar hitam oleh Yasuaki Onishi. Ruang yang diputuskan secara luar biasa. Pada benang damar yang tidak sekata paling nipis hitam tergantung, sedikit bergerak, kubah .... atau gunung dengan pelepasan yang kompleks. Apabila anda masuk ke dalam, anda melihat corak beraneka ragam titik - tempat resin melekat. Ia lucu, seolah-olah hujan hitam turun secara senyap, dan anda berada di bawah kanopi.

Bagaimanakah teknik ini terhasil? kelakar kan? Tetapi hidup ia kelihatan lebih "hidup", kubah bergoyang sedikit dari angin yang dicipta oleh pengunjung yang lalu lalang. Dan terdapat perasaan interaksi anda dengan objek itu. Anda boleh memasuki "gua", lihat dari dalam bagaimana keadaannya!

Tetapi untuk tidak mendapat tanggapan bahawa segala-galanya hanya hitam dan putih, saya akan menyiarkan di sini beberapa lagi foto komposisi, diperbuat daripada gelung yang disambungkan bersama. Keriting plastik lucu berwarna sedemikian! Dan juga, anda boleh melalui bilik ini, di dalam gelung, atau anda boleh melihat segala-galanya dari luar.

Barang-barang ini adalah kegemaran saya. Sudah tentu, tidak lama lagi seni kontemporari berkonsepkan akan menjadi berbeza, selaras dengan masa baru. Ia tidak akan kembali kepada yang lama, dan tidak akan kekal seperti sekarang. Ia akan berubah. Tetapi untuk memahami apa itu, di mana aliran itu bergegas dan dari mana dan dari mana ia datang, anda perlu tahu apa yang berlaku sekarang. Dan jangan segan silu, konsep itu bukan untuk saya, tetapi cuba lihat dan nilaikan. Terdapat sedikit bakat, seperti biasa, tetapi mereka ada di sana. Dan jika pameran itu bergema, maka semuanya tidak hilang!!!

Seni dan reka bentuk

3946

01.02.18 09:02

Pemandangan seni hari ini di Jepun sangat pelbagai dan provokatif: melihat karya tuan dari Negara matahari terbit Anda akan berfikir bahawa anda telah mendarat di planet lain! Ia adalah rumah kepada inovator yang telah mengubah landskap industri pada skala global. Berikut ialah senarai 10 artis Jepun kontemporari dan ciptaan mereka, daripada makhluk luar biasa Takashi Murakami (yang meraikan hari lahirnya hari ini) kepada alam semesta Kusama yang berwarna-warni.

Daripada dunia futuristik kepada buruj bertitik: artis Jepun kontemporari

Takashi Murakami: tradisionalis dan klasik

Mari kita mulakan dengan wira majlis itu! Takashi Murakami ialah salah seorang artis kontemporari Jepun yang paling ikonik, bekerja pada lukisan, arca berskala besar dan fesyen. Gaya Murakami dipengaruhi oleh manga dan anime. Beliau adalah pengasas pergerakan Superflat, yang menyokong Jepun tradisi seni dan budaya selepas perang. Murakami mempromosikan ramai rakan seangkatannya, kita juga akan mengenali sebahagian daripada mereka hari ini. Karya "Subbudaya" oleh Takashi Murakami dipersembahkan dalam pasaran fesyen dan seni seni. My Lonesome Cowboy (1998) yang provokatif telah dijual di New York di Sotheby pada tahun 2008 dengan rekod $15.2 juta. Murakami telah bekerjasama dengan jenama terkenal dunia Marc Jacobs, Louis Vuitton dan Issey Miyake.

Tycho Asima dan alam semestanya yang nyata

Seorang ahli syarikat pengeluaran seni Kaikai Kiki dan pergerakan Superflat (kedua-duanya diasaskan oleh Takashi Murakami), Chiho Ashima terkenal dengan pemandangan bandar fantasi dan makhluk pop yang aneh. Artis mencipta impian surealistik yang didiami oleh syaitan, hantu, kecantikan muda yang digambarkan dengan latar belakang alam semula jadi yang aneh. Karya beliau biasanya berskala besar dan dicetak di atas kertas, kulit, plastik. Pada tahun 2006, artis Jepun kontemporari ini mengambil bahagian dalam Art on the Underground di London. Dia mencipta 17 gerbang berturut-turut untuk platform - landskap ajaib secara beransur-ansur berubah dari siang ke malam, dari bandar ke luar bandar. Keajaiban ini berkembang di stesen tiub Gloucester Road.

Chiharu Shima dan Benang Tak Terhingga

Seorang lagi artis, Chiharu Shiota, sedang mengusahakan pemasangan visual berskala besar untuk mercu tanda tertentu. Dia dilahirkan di Osaka, tetapi kini tinggal di Jerman - di Berlin. Tema pusat kerjanya adalah kelalaian dan ingatan, impian dan realiti, masa lalu dan sekarang, dan juga konfrontasi kebimbangan. Karya Chiharu Shiota yang paling terkenal ialah rangkaian benang hitam yang tidak dapat ditembusi yang menyelubungi banyak barangan harian dan peribadi seperti kerusi lama, gaun pengantin, piano yang terbakar. Pada musim panas 2014, Shiota menyambungkan lebih daripada 300 kasut dan but yang disumbangkan kepadanya dengan benang merah dan menggantungnya pada cangkuk. Pameran pertama Chiharu di ibu negara Jerman itu diadakan semasa Minggu Seni Berlin pada 2016 dan menimbulkan sensasi.

Hey Arakawa: di mana-mana, bukan di mana-mana

Ei Arakawa diilhamkan oleh keadaan perubahan, tempoh ketidakstabilan, unsur risiko, dan pemasangannya sering melambangkan tema persahabatan dan kerja berpasukan. Kredo artis Jepun kontemporari ditakrifkan oleh prestasi tidak tentu "di mana-mana tetapi di mana-mana". Ciptaannya muncul di tempat yang tidak dijangka. Pada tahun 2013, karya Arakawa telah dipamerkan di Venice Biennale dan dalam pameran seni kontemporari Jepun di Muzium Seni Mori (Tokyo). Pemasangan Hawaiian Presence (2014) ialah kerjasama dengan artis yang berpangkalan di New York Carissa Rodriguez dan dipaparkan dalam Whitney Biennale. Juga pada 2014, Arakawa dan abangnya Tomu, berduet yang dipanggil United Brothers, menawarkan pelawat ke Frieze London "karya" mereka "The This Soup Taste Ambivalent" dengan akar daikon Fukushima "radioaktif".

Koki Tanaka: Hubungan dan Pengulangan

Pada 2015, Koki Tanaka dinobatkan sebagai Artis Terbaik. Tanaka meneroka pengalaman berkongsi kreativiti dan imaginasi, menggalakkan pertukaran antara peserta projek, dan menyokong peraturan baharu untuk kerjasama. Pemasangannya di pavilion Jepun di Venice Biennale 2013 terdiri daripada video objek yang menjadikan ruang itu sebagai platform untuk pertukaran seni. Pemasangan Koki Tanaka (tidak boleh dikelirukan dengan pelakon senama penuhnya) menggambarkan hubungan antara objek dan tindakan, seperti rakaman video gerak isyarat mudah yang dilakukan dengan objek biasa (pisau menghiris sayur-sayuran, bir dituangkan ke dalam gelas, membuka payung) . Tiada apa-apa yang penting berlaku, tetapi pengulangan obsesif dan perhatian kepada butiran terkecil membuat penonton menghargai duniawi.

Mariko Mori dan bentuk yang diperkemas

Seorang lagi artis Jepun kontemporari, Mariko Mori, "mencipta" objek multimedia, menggabungkan video, foto, objek. Dia mempunyai visi futuristik minimalis dan bentuk nyata yang anggun. Tema yang berulang dalam karya Mori ialah penjajaran legenda Barat dengan budaya barat. Pada tahun 2010, Mariko mengasaskan Yayasan Fau, sebuah budaya pendidikan organisasi tidak berasaskan keuntungan, yang mana dia menghasilkan satu siri pemasangan seninya sebagai penghormatan kepada enam benua yang didiami. Terbaru, pemasangan tetap Yayasan, The Ring: One with Nature, dinaikkan di atas air terjun yang indah di Resende berhampiran Rio de Janeiro.

Ryoji Ikeda: Sintesis Bunyi dan Video

Ryoji Ikeda ialah artis dan komposer media baharu yang kerjanya berkaitan terutamanya dengan bunyi dalam keadaan "mentah" yang berbeza, daripada bunyi sinusoidal kepada bunyi menggunakan frekuensi di pinggir pendengaran manusia. Pemasangannya yang menakjubkan termasuk bunyi yang dijana komputer yang diubah secara visual menjadi unjuran video atau templat digital. Objek seni audiovisual Ikeda menggunakan skala, cahaya, bayang-bayang, kelantangan, bunyi elektronik dan irama. Objek ujian terkenal artis itu terdiri daripada lima projektor yang menerangi kawasan sepanjang 28 meter dan lebar 8 meter. Unit ini menukar data (teks, bunyi, foto dan filem) kepada kod bar dan corak binari sifar dan satu.

Tatsuo Miyajima dan kaunter LED

Pemahat Jepun kontemporari dan artis pemasangan Tatsuo Miyajima menggunakan dalam seninya litar elektrik, video, komputer dan alat lain. Konsep utama Miyajima diilhamkan oleh idea kemanusiaan dan ajaran Buddha. Pembilang LED dalam persediaannya berkelip secara berterusan dalam ulangan 1 hingga 9, melambangkan perjalanan dari kehidupan ke kematian, tetapi mengelak kesudahan yang diwakili oleh 0 (sifar tidak pernah muncul dalam karya Tatsuo). Nombor di mana-mana dalam grid, menara dan gambar rajah menyatakan minat Miyajima terhadap idea-idea kesinambungan, keabadian, sambungan, dan aliran masa dan ruang. Tidak lama dahulu, objek Arrow of Time Miyajima telah ditunjukkan pada pameran julung kalinya "Incomplete Thoughts Visible in New York".

Nara Yoshimoto dan Kanak-kanak Jahat

Nara Yoshimoto mencipta lukisan, arca dan lukisan kanak-kanak dan anjing, subjek yang mencerminkan rasa kebosanan dan kekecewaan kebudak-budakan dan kemerdekaan yang sengit yang datang secara semula jadi kepada kanak-kanak kecil. Estetika karya Yoshimoto mengingatkan ilustrasi buku tradisional, campuran ketegangan resah dan kecintaan artis terhadap punk rock. Pada tahun 2011, Muzium Masyarakat Asia di New York menjadi tuan rumah pameran solo pertama Yoshitomo bertajuk "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool", yang meliputi 20 tahun kerjaya artis Jepun kontemporari. Pameran itu berkait rapat dengan subbudaya belia dunia, pengasingan dan bantahan mereka .

Yayoi Kusama dan ruang yang tumbuh dengan bentuk yang aneh

Menyerang biografi kreatif Yayoi Kusama bertahan selama tujuh dekad. Pada masa ini, seorang wanita Jepun yang menakjubkan berjaya mempelajari bidang lukisan, grafik, kolaj, arca, pawagam, ukiran, seni alam sekitar, pemasangan, serta kesusasteraan, fesyen dan reka bentuk fesyen. Kusama mengembangkan gaya seni titik yang sangat tersendiri yang telah menjadi tanda dagangannya. Penglihatan ilusi yang dipersembahkan dalam karya Kusama yang berusia 88 tahun - ketika dunia nampaknya diselubungi dengan bentuk aneh yang semakin membiak - adalah hasil daripada halusinasi yang dia alami sejak kecil. Bilik dengan titik berwarna-warni dan cermin "tidak berkesudahan" yang mencerminkan pengumpulannya boleh dikenali, ia tidak boleh dikelirukan dengan perkara lain.

Orang Jepun menemui keindahan yang tersembunyi dalam perkara-perkara pada abad ke-9-12, pada era Heian (794-1185) dan juga menetapkannya dengan konsep istimewa "mono tidak sedar" (物の哀れ (もののあわれ)), yang bermaksud " pesona sedih perkara. “Pesona benda” ialah salah satu takrifan terawal kecantikan dalam kesusasteraan Jepun, ia dikaitkan dengan kepercayaan Shinto bahawa setiap benda mempunyai dewa sendiri - kami - dan daya tarikan tersendiri. Avare adalah intipati dalaman sesuatu, yang menyebabkan kegembiraan, keseronokan.

- Washi (wasi) atau wagami (wagami).
Pembuatan kertas manual. Jepun zaman pertengahan menghargai washi bukan sahaja untuk kualiti praktikalnya, tetapi juga untuk kecantikannya. Dia terkenal dengan kehalusannya, hampir ketelusan, yang, bagaimanapun, tidak menghilangkan kekuatannya. Washi diperbuat daripada kulit pokok kozo (mulberi) dan beberapa pokok lain.
Kertas washi telah dipelihara selama berabad-abad, bukti ini adalah album dan jilid kaligrafi Jepun kuno, lukisan, skrin, ukiran yang telah turun selama berabad-abad hingga ke hari ini.
Kertas Vasya berserabut, jika anda melihat melalui mikroskop, anda akan melihat retakan di mana udara dan cahaya matahari menembusi. Kualiti ini digunakan dalam pembuatan skrin dan tanglung tradisional Jepun.
Cenderamata Washi sangat popular di kalangan orang Eropah. Banyak barangan kecil dan berguna dibuat daripada kertas ini: dompet, sampul surat, kipas. Mereka agak tahan lama tetapi ringan.

- Gohei.
Maskot daripada jalur kertas. Gohei - kakitangan ritual seorang paderi Shinto, di mana jalur zigzag kertas dilampirkan. Jalur-jalur kertas yang sama digantung di pintu masuk ke kuil Shinto. Peranan kertas dalam Shinto secara tradisinya sangat hebat, dan produk kertas sentiasa diberikan makna esoterik. Dan kepercayaan bahawa setiap perkara, setiap fenomena, bahkan perkataan, mengandungi kami - dewa - menjelaskan penampilan jenis ini seni gunaan macam gohei. Shintoisme agak serupa dengan paganisme kita. Bagi penganut Shinto, kami amat bersedia untuk menetap dalam apa jua perkara yang di luar kebiasaan. Sebagai contoh, di atas kertas. Dan lebih-lebih lagi dalam gohei yang dipintal menjadi zigzag yang rumit, yang tergantung hari ini di hadapan pintu masuk ke kuil Shinto dan menunjukkan kehadiran dewa di kuil. Terdapat 20 cara untuk melipat gohei, dan kaedah yang dilipat secara luar biasa menarik minat kami. Gohei kebanyakannya berwarna putih, tetapi emas, perak dan banyak lagi warna lain turut ditemui. Sejak abad ke-9, terdapat adat di Jepun untuk menguatkan gohei pada tali pinggang ahli gusti sumo sebelum permulaan pertarungan.

- Anesama.
Ini adalah pembuatan anak patung kertas. Pada abad ke-19, isteri samurai membuat anak patung kertas yang dimainkan oleh kanak-kanak, memakaikan mereka dengan pakaian yang berbeza. Pada masa-masa ketika tidak ada mainan, anesama adalah satu-satunya teman bicara untuk kanak-kanak, "melaksanakan" peranan ibu, kakak, anak dan kawan.
Anak patung itu dilipat dari kertas washi Jepun, rambut diperbuat daripada kertas berkerut, dicelup dengan dakwat dan ditutup dengan gam, yang memberikannya kilauan. Ciri tersendiri ialah hidung kecil yang bagus pada muka yang memanjang. Hari ini, mainan mudah ini, yang tidak memerlukan apa-apa selain tangan yang mahir, dalam bentuk tradisional, terus dibuat dengan cara yang sama seperti dahulu.

- Origami.
Seni kuno melipat kertas (折り紙, lit.: "kertas berlipat"). Seni origami berakar umbi China purba tempat kertas dicipta. Pada mulanya, origami digunakan dalam upacara keagamaan. Untuk masa yang lama seni jenis ini hanya tersedia untuk wakil kelas atasan, di mana tanda rasa yang baik adalah memiliki teknik lipatan kertas. Hanya selepas Perang Dunia Kedua, origami melangkaui Timur dan datang ke Amerika dan Eropah, di mana ia segera menemui peminatnya. Origami klasik dilipat dari sehelai kertas persegi.
Terdapat satu set simbol konvensional tertentu yang diperlukan untuk melakar skema lipatan walaupun produk yang paling kompleks. Kebanyakan tanda-tanda konvensional telah diamalkan pada pertengahan abad ke-20 oleh tuan Jepun yang terkenal Akira Yoshizawa.
Origami klasik menetapkan penggunaan satu helaian kertas berwarna sama rata tanpa gam dan gunting. Bentuk seni kontemporari kadangkala menyimpang daripada kanun ini.

- Kirigami.
Kirigami ialah seni memotong pelbagai bentuk daripada helaian kertas yang dilipat beberapa kali dengan bantuan gunting. Sejenis origami yang membolehkan penggunaan gunting dan pemotongan kertas dalam proses membuat model. Ini adalah perbezaan utama antara kirigami dan teknik lipatan kertas lain, yang ditekankan dalam nama: 切る (kiru) - potong, 紙 (gami) - kertas. Kita semua suka memotong kepingan salji pada zaman kanak-kanak - varian kirigami, anda boleh memotong bukan sahaja kepingan salji, tetapi juga pelbagai figura, bunga, kalungan dan benda kertas comel lain menggunakan teknik ini. Produk ini boleh digunakan sebagai stensil untuk cetakan, hiasan album, poskad, bingkai foto, reka bentuk fesyen, reka bentuk dalaman dan pelbagai hiasan lain.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 atau いけばな) diterjemahkan daripada Bahasa Jepun- ike" - kehidupan, "bana" - bunga, atau "bunga yang hidup". Seni gubahan bunga Jepun merupakan salah satu tradisi terindah masyarakat Jepun. Apabila menyusun ikebana, bersama-sama dengan bunga, dahan yang dipotong, daun dan pucuk digunakan. Prinsip asas adalah kesederhanaan yang indah, untuk mencapai yang mereka cuba tekankan kecantikan semula jadi tumbuhan. Ikebana adalah penciptaan bentuk semula jadi yang baru, di mana keindahan bunga dan keindahan jiwa tuan mencipta komposisi digabungkan secara harmoni.
Hari ini di Jepun terdapat 4 sekolah utama ikebana: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Sebagai tambahan kepada mereka, terdapat kira-kira seribu arah dan aliran berbeza yang mematuhi salah satu sekolah ini.

- Oribana.
Pada pertengahan abad ke-17, dua sekolah ohara (bentuk utama ikebana - oribana) dan koryu (bentuk utama - sek) bertolak dari ikenobo. By the way, sekolah ohara masih belajar hanya oribanu. Seperti yang orang Jepun katakan, adalah sangat penting bahawa origami tidak berubah menjadi origami. Gomi bermaksud sampah dalam bahasa Jepun. Lagipun, seperti yang berlaku, anda melipat sekeping kertas, dan kemudian apa yang perlu dilakukan dengannya? Oribana menawarkan banyak idea untuk karangan bunga untuk menghias pedalaman. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Kesilapan.
Sejenis seni halus yang lahir daripada floristry. Floristri muncul di negara kita lapan tahun yang lalu, walaupun ia telah wujud di Jepun selama lebih daripada enam ratus tahun. Suatu ketika pada Zaman Pertengahan, samurai memahami cara seorang pahlawan. Dan oshibana adalah sebahagian daripada laluan itu, sama seperti menulis hieroglif dan menghunus pedang. Maksud kesilapan itu ialah dalam keadaan kehadiran total pada masa itu (satori), tuan mencipta gambar bunga kering (bunga ditekan). Kemudian gambar ini boleh berfungsi sebagai kunci, panduan bagi mereka yang bersedia untuk memasuki kesunyian dan mengalami satori yang sama.
Intipati seni "oshibana" ialah, dengan mengumpul dan mengeringkan bunga, herba, daun, kulit kayu di bawah tekanan dan melekatkannya di pangkalan, pengarang mencipta dengan bantuan tumbuhan sebuah karya "lukisan" yang benar-benar. Dalam erti kata lain, salah adalah melukis dengan tumbuhan.
Kreativiti artistik kedai bunga adalah berdasarkan pemeliharaan bentuk, warna dan tekstur bahan tumbuhan kering. Orang Jepun telah membangunkan teknik untuk melindungi lukisan "oshibana" daripada pudar dan gelap. Intipatinya ialah udara dipam keluar antara kaca dan gambar dan vakum dicipta yang menghalang tumbuhan daripada rosak.
Ia menarik bukan sahaja ketidakkonvensionalan seni ini, tetapi juga peluang untuk menunjukkan imaginasi, rasa, pengetahuan tentang sifat tumbuhan. Kedai bunga mencipta perhiasan, landskap, masih hidup, potret dan lukisan cerita.

- Bonsai.
Bonsai, sebagai fenomena, muncul lebih daripada seribu tahun yang lalu di China, tetapi budaya ini mencapai kemuncak pembangunannya hanya di Jepun. (bonsai - Jepun 盆栽 lit. "tanam dalam pasu") - seni menanam salinan tepat pokok sebenar dalam bentuk kecil. Tumbuhan ini ditanam oleh sami Buddha beberapa abad sebelum era kita dan seterusnya menjadi salah satu aktiviti golongan bangsawan tempatan.
Bonsai menghiasi rumah dan taman Jepun. Pada era Tokugawa, reka bentuk taman menerima dorongan baru: penanaman azalea dan maple menjadi hobi untuk orang kaya. Pengeluaran tanaman kerdil (hachi-no-ki - "pokok dalam pasu") juga berkembang, tetapi bonsai pada masa itu sangat besar.
Sekarang pokok biasa digunakan untuk bonsai, ia menjadi kecil kerana pemangkasan berterusan dan pelbagai kaedah lain. Pada masa yang sama, nisbah saiz sistem akar, terhad oleh jumlah mangkuk, dan bahagian tanah bonsai sepadan dengan perkadaran pokok dewasa dalam alam semula jadi.

- Mizuhiki.
Analog Macrame. Ini adalah seni terapan Jepun purba untuk mengikat pelbagai simpulan daripada kord khas dan mencipta corak daripadanya. Karya seni sedemikian mempunyai skop yang sangat luas - daripada kad hadiah dan surat kepada gaya rambut dan beg tangan. Pada masa ini, mizuhiki digunakan secara meluas dalam industri hadiah - untuk setiap peristiwa dalam kehidupan, hadiah sepatutnya dibungkus dan diikat dengan cara yang sangat khusus. Terdapat banyak simpulan dan gubahan dalam seni mizuhiki, dan tidak semua orang Jepun mengetahui semuanya dengan hati. Sudah tentu, terdapat simpulan yang paling biasa dan mudah yang paling kerap digunakan: untuk ucapan tahniah atas kelahiran anak, untuk perkahwinan atau peringatan, ulang tahun atau kemasukan universiti.

- Kumihimo.
Kumihimo ialah tali jalinan Jepun. Apabila menenun benang, reben dan tali diperolehi. Tali ini ditenun pada mesin khas - Marudai dan Takadai. Mesin Marudai digunakan untuk menganyam tali bulat, dan Takadai untuk yang rata. Kumihimo dalam bahasa Jepun bermaksud "menenun tali" (kumi - menganyam, melipat bersama, himo - tali, renda). Walaupun fakta bahawa ahli sejarah berdegil menegaskan bahawa tenunan serupa boleh didapati di kalangan orang Scandinavia dan penduduk Andes, seni kumihimo Jepun sememangnya salah satu jenis tenunan yang paling kuno. Sebutan pertama mengenainya bermula pada tahun 550, apabila agama Buddha tersebar di seluruh Jepun dan upacara khas memerlukan hiasan khas. Kemudian, tali kumihimo mula digunakan sebagai pengancing untuk tali pinggang obi pada kimono wanita, sebagai tali untuk "membungkus" seluruh senjata samurai (samurai menggunakan kumihimo untuk tujuan hiasan dan berfungsi untuk mengikat perisai dan perisai kuda mereka) dan juga untuk mengikat objek berat.
Pelbagai corak kumihimo moden ditenun dengan mudah pada alat tenun kadbod buatan sendiri.

- Komono.
Apakah yang tinggal pada kimono selepas ia habis pada zamannya? Adakah anda fikir ia dibuang? Tiada yang seperti ini! Orang Jepun tidak akan berbuat demikian. Kimono mahal. Tidak terfikir dan mustahil untuk membuangnya begitu sahaja... Bersama-sama dengan jenis kitar semula kimono yang lain, tukang-tukang membuat cenderahati kecil daripada serpihan kecil. Ini adalah mainan kecil untuk kanak-kanak, anak patung, kerongsang, kalungan bunga, barang kemas wanita dan produk lain, kimono lama digunakan dalam pembuatan perkara comel kecil, yang secara kolektif dipanggil "komono". Perkara kecil yang akan hidup nyawa sendiri, meneruskan laluan kimono. Inilah maksud perkataan "komono".

- Kanzashi.
Seni menghias klip rambut (paling kerap dihiasi dengan bunga (rama-rama, dll.) diperbuat daripada kain (terutamanya sutera). Kanzashi Jepun (kanzashi) ialah jepit rambut panjang untuk gaya rambut wanita Jepun tradisional. Ia diperbuat daripada kayu, lakuer, perak, kulit kura-kura yang digunakan dalam gaya rambut tradisional Cina dan Jepun. Kira-kira 400 tahun yang lalu, di Jepun, gaya gaya rambut wanita berubah: wanita berhenti menyikat rambut mereka dalam bentuk tradisional - taregami (rambut lurus panjang) dan mula menggayakannya dengan rumit dan bentuk pelik - nihongami. menggunakan pelbagai barang - penyepit rambut, tongkat, sikat.Pada masa itu, sisir kushi yang ringkas pun bertukar menjadi aksesori elegan kecantikan luar biasa, yang menjadi karya seni sebenar.Pakaian tradisional wanita Jepun tidak membenarkan perhiasan pergelangan tangan dan rantai, begitu juga gaya rambut kecantikan utama dan medan untuk ekspresi diri - serta menunjukkan rasa dan ketebalan dompet pemilik. Pada ukiran yang anda boleh lihat - jika anda melihat dengan teliti - bagaimana wanita Jepun dengan mudah menggantung sehingga dua puluh kanzashi mahal dalam gaya rambut mereka.
Kini terdapat kebangkitan semula dalam tradisi penggunaan kanzashi di kalangan wanita muda Jepun yang ingin menambah kecanggihan dan keanggunan pada gaya rambut mereka, barret moden boleh dihiasi dengan hanya satu atau dua bunga buatan tangan yang cantik.

- Kinusiga.
Jenis jahitan yang menakjubkan dari Jepun. Kinusiga (絹彩画) ialah kacukan antara batik dan kain perca. Idea utama ialah lukisan baharu dicantumkan daripada kimono sutera lama - karya seni sebenar.
Pertama, artis membuat lakaran di atas kertas. Kemudian lukisan ini dipindahkan ke papan kayu. Kontur corak dipotong dengan alur, atau alur, dan kemudian carik kecil, padanan warna dan ton, dipotong daripada kimono sutera lama, dan tepi carik ini memenuhi alur. Apabila anda melihat gambar sedemikian, anda mendapat perasaan bahawa anda sedang melihat gambar, atau walaupun hanya melihat landskap di luar tingkap, ia sangat realistik.

- Temari.
Ini adalah bola bersulam geometri Jepun tradisional yang dibuat dengan jahitan ringkas yang dahulunya merupakan mainan kanak-kanak dan kini telah menjadi satu bentuk seni dengan ramai peminat bukan sahaja di Jepun tetapi di seluruh dunia. Adalah dipercayai bahawa satu masa dahulu produk ini dibuat oleh isteri samurai untuk hiburan. Pada awalnya, mereka benar-benar digunakan sebagai bola untuk permainan bola, tetapi secara beransur-ansur mereka mula memperoleh unsur artistik, kemudian bertukar menjadi perhiasan hiasan. Keindahan halus bola ini diketahui di seluruh Jepun. Dan hari ini, produk yang berwarna-warni dan dibuat dengan teliti adalah salah satu jenis kraf rakyat di Jepun.

- Yubinuki.
Bidal Jepun, apabila menjahit atau menyulam tangan, ia diletakkan pada phalanx tengah jari tengah tangan yang bekerja, dengan bantuan hujung jari jarum diberikan arah yang dikehendaki, dan jarum ditolak melalui cincin di tengah. jari dalam kerja. Pada mulanya, bidal yubinuki Jepun dibuat dengan ringkas - jalur kain padat atau kulit selebar kira-kira 1 cm dalam beberapa lapisan dililitkan pada jari dan diikat bersama dengan beberapa jahitan hiasan ringkas. Sejak yubinuk adalah subjek yang diperlukan di setiap rumah, mereka mula dihiasi dengan sulaman geometri dengan benang sutera. Daripada jalinan jahitan, corak berwarna-warni dan kompleks dicipta. Yubinuki dari barang rumah yang ringkas juga telah bertukar menjadi objek untuk "mengkagumi", hiasan kehidupan seharian.
Yubinuki masih digunakan dalam jahitan dan sulaman, tetapi ia juga boleh didapati hanya dipakai pada tangan pada mana-mana jari, seperti cincin hiasan. Sulaman gaya Yubinuki digunakan untuk menghiasi pelbagai objek dalam bentuk cincin - cincin serbet, gelang, berdiri temari, dihiasi dengan sulaman yubinuki, dan terdapat juga katil jarum bersulam dalam gaya yang sama. Corak Yubinuki boleh menjadi inspirasi hebat untuk sulaman temari obi.

- Suibokuga atau sumie.
Lukisan dakwat Jepun. Gaya lukisan Cina ini telah diterima pakai oleh artis Jepun pada abad ke-14, dan pada akhir abad ke-15. menjadi aliran utama seni lukis di Jepun. Suibokuga ialah monokrom. Ia dicirikan oleh penggunaan dakwat hitam (sumi), bentuk pepejal arang atau diperbuat daripada jelaga dakwat Cina, yang dikisar dalam periuk dakwat, dicairkan dengan air, dan disapu dengan berus pada kertas atau sutera. Monokrom menawarkan tuan pilihan pilihan tonal yang tidak berkesudahan, yang dahulu dikenali oleh orang Cina sebagai "warna" dakwat. Suibokuga kadangkala membenarkan penggunaan warna sebenar, tetapi mengehadkannya kepada sapuan nipis dan telus yang sentiasa berada di bawah garisan dakwat. Lukisan dakwat berkongsi dengan seni kaligrafi ciri-ciri penting seperti ekspresi dikawal ketat dan penguasaan teknikal bentuk. Kualiti lukisan dakwat turun, seperti dalam kaligrafi, kepada integriti dan ketahanan terhadap koyak garis yang dilukis dalam dakwat, yang, seolah-olah, memegang karya seni pada dirinya sendiri, seperti tulang memegang tisu pada diri mereka sendiri.

- Etegami.
Poskad yang dilukis (e - gambar, ditandakan - huruf). Membuat poskad sendiri secara amnya merupakan aktiviti yang sangat popular di Jepun, dan sebelum cuti popularitinya semakin meningkat. Orang Jepun suka menghantar poskad kepada rakan mereka, dan mereka juga suka menerimanya. Ini adalah jenis surat cepat pada kosong khas, ia boleh dihantar melalui pos tanpa sampul surat. Tiada peraturan atau teknik khas dalam etegami, sesiapa sahaja boleh melakukannya tanpa latihan khas. Etagami membantu dengan tepat menyatakan perasaan, kesan, ini adalah poskad buatan tangan yang terdiri daripada gambar dan surat pendek, menyampaikan emosi pengirim, seperti kemesraan, keghairahan, penjagaan, cinta, dll. Mereka menghantar poskad ini untuk cuti dan begitu sahaja, menggambarkan musim, aktiviti, sayur-sayuran dan buah-buahan, manusia dan haiwan. Lebih mudah gambar ini dilukis, lebih menarik ia kelihatan.

- Furoshiki.
Teknik membalut Jepun atau seni melipat kain. Furoshiki memasuki kehidupan orang Jepun untuk masa yang lama. Skrol kuno dari zaman Kamakura-Muromachi (1185 - 1573) telah dipelihara dengan imej wanita yang membawa berkas pakaian yang dibalut dengan kain di atas kepala mereka. Teknik menarik ini bermula seawal 710 - 794 Masihi di Jepun. Perkataan "furoshiki" secara literal diterjemahkan kepada "permaidani mandi" dan merupakan sehelai kain persegi yang digunakan untuk membungkus dan membawa objek dari semua bentuk dan saiz.
Pada zaman dahulu, adalah kebiasaan untuk berjalan di mandi Jepun (furo) dengan kimono kapas ringan, yang dibawa oleh pelawat dari rumah. Pemandian itu juga membawa permaidani (shiki) khas untuk dia berdiri semasa membuka pakaian. Setelah bertukar menjadi kimono "mandi", pelawat itu membungkus pakaiannya dengan permaidani, dan selepas mandi membungkus kimono basah dalam permaidani untuk dibawa pulang. Oleh itu, tikar mandi telah menjadi beg pelbagai fungsi.
Furoshiki sangat mudah digunakan: fabrik mengambil bentuk objek yang anda balut, dan pemegang memudahkan untuk membawa beban. Di samping itu, hadiah yang dibalut bukan dengan kertas keras, tetapi dalam kain lembut, berbilang lapisan, memperoleh ekspresi istimewa. Terdapat banyak skim untuk melipat furoshiki untuk sebarang majlis, setiap hari atau perayaan.

- Amigurumi.
Seni Jepun mengait atau mengait haiwan boneka kecil dan makhluk humanoid. Amigurumi (編み包み, lit.: "berbalut rajutan") adalah haiwan yang paling kerap comel (seperti beruang, arnab, kucing, anjing, dll.), lelaki kecil, tetapi mereka juga boleh menjadi objek tidak bernyawa yang dikurniakan harta manusia. Contohnya kek cawan, topi, beg tangan dan lain-lain. Amigurumi dikait atau dikait atau dirajut. DALAM Kebelakangan ini Amigurumi mengait telah menjadi lebih popular dan lebih biasa.
rajutan dari benang dalam kaedah mengait mudah - dalam lingkaran dan, tidak seperti kaedah mengait Eropah, bulatan biasanya tidak disambungkan. Mereka juga dirajut pada saiz yang lebih kecil berbanding dengan ketebalan benang untuk menghasilkan fabrik yang sangat padat tanpa sebarang celah untuk pemadat terkeluar. Amigurumi selalunya dibuat daripada bahagian dan kemudian disatukan, kecuali beberapa amigurumi, yang tidak mempunyai anggota badan, tetapi hanya mempunyai kepala dan badan, yang merupakan satu keseluruhan. Anggota badan kadangkala diisi dengan kepingan plastik untuk memberi mereka berat hidup, manakala bahagian badan yang lain dipenuhi dengan serat.
Penyebaran estetika amigurumi dipermudahkan oleh kecomelan mereka ("kawaii").

Dunia hari ini sering dipersalahkan krisis rohani, dalam kemusnahan hubungan dengan tradisi, dalam globalisasi, tidak dapat tidak menyerap asas negara. Semuanya diperibadikan dan dinyahperibadi pada masa yang sama. Jika yang disebut seni klasik kita boleh bahagikan kepada sekolah kebangsaan dan bayangkan di sana seni itali apakah seni Jerman dan apakah itu Perancis; maka bolehkah kita membahagikan seni kontemporari kepada "sekolah" yang sama?

Sebagai jawapan kepada soalan ini, saya ingin mempersembahkan seni kontemporari Jepun untuk perhatian anda. Pada persidangan di Muzium Seni Mori mengenai topik antarabangsaisme dalam seni kontemporari tahun lepas, profesor Universiti Tokyo, Michio Hayashi mencadangkan bahawa persepsi popular tentang "Kewarganegaraan Jepun" di Barat telah diperkukuh pada tahun 1980-an oleh triniti "kitsch," "keaslian", dan "kecanggihan teknologi." Hari ini, seni kontemporari Jepun yang popular, dan terutamanya popular secara komersial masih boleh diletakkan dalam segi tiga ini. Bagi penonton Barat, ia kekal misteri dan asli kerana ciri khusus yang hanya wujud dalam seni Tanah Matahari Terbit. Pada bulan Ogos, Barat dan Timur bertemu di tiga tempat seni serentak: sehingga 8 Ogos, pameran "Dualiti Kewujudan - Pasca-Fukushima" telah diadakan di Manhattan (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan), pameran "teamLab: Ultra Ruang Subjektif” yang berlangsung sehingga 15 Ogos adalah berdekatan (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); dan "Kitaran Arhat" oleh Takashi Murakami di Palazzo Reale, di Milan, masih terus menakluk dan memukau pengunjung.

Semua karya seni yang ditunjukkan telah dicipta selepas 11 Mac 2011, apabila tsunami melanda Jepun. Bencana nuklear di loji janakuasa nuklear Fukushima memupuk negara, menjadikannya perlu untuk menimbang semula keutamaan dan nilai, dan kembali kepada tradisi yang telah lama dilupakan. Seni tidak boleh diketepikan dan dipersembahkan kepada dunia jenis baru seorang artis memberi tumpuan kepada keperluan penonton moden, dan pada masa yang sama menghormati asas dan nilai sejarah.

Takashi Murakami - komersial artis berjaya, yang mempopularkan techno kitsch dan mencipta superflat bahasa visual baharu, berdasarkan tradisi lukisan nihonga Jepun dan spesifikasi anime dan manga. Ideologi arca replika dan pemasangannya yang keterlaluan adalah untuk menunjukkan perubahan di Jepun selepas perang, apabila kepenggunaan menjadi berleluasa. Tetapi 11 Mac 2011 membahagikan kehidupan Jepun kepada "sebelum" dan "selepas", seperti dua hari yang mengerikan pada Ogos 1945, apabila bom nuklear dijatuhkan di Hiroshima dan Nagasaki. Selepas gempa bumi yang kuat itu, yang membawa kepada akibat yang dahsyat, Murakami memulakan jalan memikirkan semula Buddhisme dan estetika Jepun, mengambil langkah ke arah kembali kepada asal usul dan kerohanian. Karya pertama yang memulakan kitaran Arhats ialah 500 Arhats, yang ditunjukkan di pameran solo Takashi Murakami di Doha, Qatar, pada tahun 2012. Kembali kepada tema Buddha dijelaskan oleh pengarang sebagai percubaan untuk menyedari bahawa di dunia ini bukan sahaja ada kita, terdapat kuasa yang bebas daripada kita, dan kita mesti memperbaiki setiap masa untuk berhenti bergantung kepada kehendak sendiri dan memberi kesan. Dinding arhat yang padat, seolah-olah melindungi penonton daripada unsur-unsur yang mengamuk sepanjang 100 meter kanvas, menanamkan kedamaian dan ketenangan dalam jiwa semua orang. Tetapi Murakami tidak mengehadkan dirinya kepada hanya satu karya dan meneruskan kitaran lukisan, menambah dan mengembangkan naratif, seolah-olah menggunakan teknik manga dan bercerita dalam reka bentuk visual. Bahagian kedua kitaran telah dibentangkan dalam galeri Blum & Poe ( Los Angeles) pada tahun 2013. Hari ini, di Milan, para arhat mengembara dunia untuk kali ketiga, menyebarkan idea kembali kepada kerohanian dan penolakan nafsu. Walaupun pengajaran dan kedalaman makna, lukisan itu mudah dilihat kerana keputusan warna yang berani dan terang, bahasa seni. Unsur-unsur manga membawa kepada mereka bahagian popularisasi yang diperlukan supaya idea penyiaran agama Buddha mudah dibaca dan diterima walaupun oleh orang ramai yang tidak tahu.

Wakil seterusnya lukisan Jepun moden boleh dipanggil Kazuki Umezawa, pelajar Murakami, yang membawa kita kembali kepada persoalan sekolah dan kesinambungan. Dia mencipta rendering digital watak anime dengan melukisnya di atas pelekat untuk mencipta kedalaman tambahan dan huru-hara visual. Daripada imej rawak dan bertaburan di seluruh Internet, dia membina kolaj, memecahkan latar belakang, mencipta mandala yang mencerminkan struktur dan kandungan imaginasi otaku (peminat anime dan manga). Rayuan kepada simbol Buddha meningkatkan nilai semantik karya artis muda, menghubungkan, di satu pihak, yang suci dan yang mapan dalam budaya, sebaliknya, isu-isu moden, tetapi sekali lagi dengan kemasukan fenomena Jepun tertentu - anime.

Takashi Murakami dan Kazuki Umezawa dengan mahir mengimbangi antara kaitan dan tradisi, kitsch dan gaya.

Anehnya, selepas gempa bumi pada 11 Mac 2011 di Jepun, seorang budak lelaki berusia 16 tahun yang terperangkap di bawah runtuhan rumahnya selama sembilan hari dan diselamatkan, apabila ditanya oleh seorang wartawan mengenai impian masa depannya, menjawab: “Saya nak jadi artis.”

disiarkan oleh: chernov_vlad dalam

Tadasu Takamine. "God Save America", 2002. Video (8 min. 18 saat)

Perspektif Berganda: Seni Kontemporari Jepun
Kurator Elena Yaichnikova dan Kenjiro Hosaka

Bahagian satu: "Dunia Realiti/Biasa". Muzium Seni Moden Moscow, pergunungan. Moscow, lorong Ermolaevsky, 17
Bahagian kedua: "Dunia Khayalan/Fantasi". Muzium Seni Moden Moscow, pergunungan. Moscow, Gogolevsky Boulevard, 10

Muzium Seni Moden Moscow, bersama-sama dengan Yayasan Jepun, mempersembahkan pameran "Perspektif Berganda: Seni Kontemporari Jepun", yang direka untuk membiasakan orang ramai dengan artis Jepun kontemporari.
Perspektif berganda ialah dua kurator daripada negara berbeza, dua tapak muzium dan struktur dua bahagian projek. Diurus oleh Elena Yaichnikova dan Kenjiro Hosaka, pameran itu menghimpunkan karya lebih daripada 30 artis pelbagai gaya yang telah bekerja dari tahun 1970-an hingga kini. Projek ini terdiri daripada dua bahagian - "Dunia Nyata / Kehidupan Sehari-hari" dan "Dunia Khayalan / Fantasi" - yang terletak di kawasan muzium di 17 Ermolaevsky Lane dan 10 Gogolevsky Boulevard.

Hiraki Sawa. "Kediaman", 2002. Video saluran tunggal (bunyi stereo), 9 min. 20 saat.
Ihsan: Seni Halus Ota, Tokyo

Bahagian Pertama: "Dunia Realiti/Biasa"

Bahagian pertama pameran "Dunia Nyata/Kehidupan Harian" mempersembahkan pandangan artis Jepun tentang dunia di sekeliling kita melalui tarikan kepada sejarah dunia abad ke-20 (Yasumasa Morimura, Yoshinori Niwa dan Yuken Teruya), refleksi tentang peranti masyarakat moden(Jenis Bodoh dan Tadasu Takamine), interaksi dengan ruang bandar (hubungi Gonzo dan ChimPom) dan pencarian puisi dalam kehidupan seharian (Shimabuku, Tsuyoshi Ozawa, Kohei Kobayashi dan Tetsuya Umeda). Yasumasa Morimura dalam siri karya video "Requiem" menjelma semula dalam pelbagai watak sejarah: Chaplin, penulis Yukio Mishima dan juga Lenin - dan mencipta semula episod dari kehidupan mereka. Seorang lagi peserta projek, Tetsuya Umeda, mencipta pemasangan daripada cara improvisasi, perkara biasa - oleh itu, kehidupan seharian yang paling cetek menjadi seni. Pameran itu akan menampilkan karya Yoko Ono - "Cut Piece" yang terkenal dalam versi 1965 dan 2003 dan pemasangan bunyi "Cough Piece" (1961). Pameran itu akan mempersembahkan karya Kishio Suga, salah seorang wakil pusat pergerakan Mono-Ha (Mono-Ha, diterjemahkan sebagai "Sekolah perkara"), yang menawarkan alternatif Jepun kepada modenisme Barat. Bahagian foto akan mempersembahkan karya Toshio Shibata, Takashi Homma dan Lieko Shiga.

Yayoi Kusama. "Saya di sini tetapi tidak ke mana-mana", 2000. Media campuran. Pemasangan di Maison de la culture du Japon, Paris.
Koleksi penulis

Kerja-kerja yang membentuk bahagian kedua projek itu akan membentangkan orang ramai dengan dunia khayalan yang bebas di mana terdapat segala-galanya yang tidak dapat kita lihat dalam kehidupan sebenar, segala-galanya yang berada di luar sempadannya. Karya-karya artis bahagian pameran ini merujuk kepada budaya pop Jepun, dunia fantasi, kenaifan, mitos dan refleksi tentang struktur kosmogonik dunia. Setiap peserta pameran meletakkan makna tersendiri dalam konsep "imaginasi". Jadi artis Tadanori Yokoo, dalam hubungannya dengan dunia khayalan, melakukannya tema utama karyanya hilang, atau lebih tepatnya "hilang diri". Motif serupa boleh dikesan dalam karya Yayoi Kusama: dengan memproyeksikan fantasinya menjadi realiti, dia mencipta dunia yang penuh dengan corak pelik. Arca gergasi "Child of the Sun" (2011) oleh Kenji Yanobe telah dicipta pada masa yang mengerikan apabila berlaku letupan di loji kuasa nuklear Fukushima-1. Objek monumentalnya menjadi titik persilangan khayalan. Artis memahami bahawa pengalaman yang dialami di sempadan sebenar akan menjadi pendorong kepada penciptaan dunia baharu. Bahagian Imaginary World/Fantasi turut menampilkan karya Yoshitomo Nara, Takashi Murakami, Makoto Aida, Hiraki Sawa dan ramai lagi.
Beberapa karya dicipta khusus untuk pameran itu. Artis Yoshinori Niva datang ke Moscow untuk projeknya "Vladimir Lenin dikehendaki di pangsapuri Moscow" (2012) untuk mencari artifak yang berkaitan dengan keperibadian revolusioner di pangsapuri Muscovites. Kerjanya adalah dokumentasi video carian dan perjalanannya di sekitar Moscow. Artis Tetsuya Umeda, yang karyanya akan dibentangkan serentak di dua tempat, akan datang ke Moscow untuk merealisasikan pemasangannya di tapak.
Kedua-dua ini, pada pandangan pertama, bahagian pameran yang tidak dapat ditandingi direka untuk menunjukkan dua kutub seni Jepun, yang pada hakikatnya ternyata tidak dapat dipisahkan antara satu sama lain.
Dalam rangka kerja pameran itu, ia juga dirancang untuk mengadakan kelas induk terbuka dan mesyuarat kreatif bersama peserta projek. Akan ada syarahan oleh kurator Jepun Kenjiro Hosaka dan artis Kenji Yanobe. Bagi Rusia, pameran ini buat pertama kalinya mempersembahkan seni Jepun kontemporari pada skala sedemikian.

Yoshitomo Nara. "Malam biru gula-gula", 2001. 1166.5 x 100 cm. Akrilik pada kanvas
Foto: Yoshitaka Uchida