Emner i tysk teater. "Til kinoen"

DAS TEATER

1. Im vorigen Sommer war ich bei meinen Verwandten in Moskau zu Besuch.

2. Einmal kam mein Onkel freudig nach Hause.

3. Er hatte Karten furs Bolschoi- Theatre fur den Sonntag besorgt.

4. Man gab die Oper "Eugen Onegin" av Tschaikowski.

5. Ich hatte immer den Wunsch, das Bolschoi-Theater zu besuchen.

6. Das Bolschoi-Theater ist eines der schonsten Gebaude Moskaus.

7. Es befindet sich im Zentrum der Stadt.

8. Um halb sieben waren wir schon im Theater.

9. In der Garderobe legten wir unsere Jacken ab.

10. Am Eingang zeigten wir unsere Eintrittskarten vor und betraten den Zuschauer-raum.

11. Alles war schon: Roter Samt, Gold, schone Kronleuchter.

12. Wir hatten unsere Platze im Parkett und wir needsen keine Opernglaser.

13. Es klingelte zum dritten Mal.

14. Der Vorhang ging auf. Der Dirigent Hob den Taktstock.

15. Die Ouverture begynte.

16. Wir sahen begeistert auf die Buhne.

17. Die Besetzung war sehr gut.

18. In der Pause gingen wir ins Foyer.

19. Dort war eine interessante Fotoausstellung von beruhmten Sangern wie Schaljapin, Sobinow, Koslowski.

20. Es klingelte und wir gingen wieder in den Zuschauerraum.

21. Am Schluss der Vorstellung klatschten wir Beifall.

22. Die Schhausspiler wurden 3mal hervorgerufen.

23. Wir verbbrachten einen wunderschonen Abend.

24. Dieser Theaterbesuch machte auf mich einen unvergesslichen Eindruck

Om temaet: metodologisk utvikling, presentasjoner og notater

FORMÅL MED PROSJEKTET: Å legge forholdene til rette for: - å løse taleintellektuelle søkeoppgaver i prosessen med å arbeide med språkmateriale og utvikle på dette grunnlag hovedtypene taleaktivitet ...

leksjonen er rettet mot å konsolidere vokabularet om temaet Skole / 6. klasse / og konsolidere grammatisk materiale / ordrekkefølge i en tysk setning / ...

Emner på tysk for utvikling av monologtale

Tyske tekster for utvikling monolog tale studenter om emner: Tyskland, hva er tyskere, moderne tysk, folk i Tyskland ....

Tema: Theaterbesuch i Tyskland

Emne: Skal på teater i Tyskland

Ich heiße Lena und lerne in einem Lyzeum mit vertieftem Sprachunterricht. Mein Hauptfach er tysk. Im forrigen Jahr unterrichtete bei uns eine junge Lehrerin aus Deutschland. Sie hat mich und meine Freundin Angela zu sich nach Hamburg eingeladen. Ich war sehr froh darauf, Deutschland mit eigenen Augen zu sehen und deutsch zu sprechen.

Jeg heter Lena, jeg studerer ved Lyceum med fordypning i fremmedspråk. Hovedfaget mitt er tysk. I fjor hadde vi en ung lærer fra Tyskland. Hun inviterte meg og min venninne Anita hjem til henne i Hamburg. Jeg var veldig glad for at jeg nå kan se Tyskland med egne øyne og snakke tysk.

Wir waren i Hamburg 2 uker lang. Alt krigsklasse! Unsere Lehrerin zeigte uns die Stadt. Und einmal hat sie uns ins Theatre eingeladen. Das war eine Premiere im Hamburg Ballett. Dette ble kalt Ballett "Orpheus". Wir bekamen die Eintrittskarten im Voraus. Dadurch bekamen wir Zeit, i Ruhe diese alte Sage über Orpheus und Eurydike zu lesen.

Vi bodde i Hamburg i 2 uker. Alt var flott! Læreren vår viste oss byen. Og en dag inviterte hun oss til teateret. Det var premiere på Hamburg-balletten. De ga balletten «Orfeus». Vi fikk billetter på forhånd. Derfor hadde vi tid til å lese den gamle legenden om Orfeus og Eurydike i ro og mag.

Der Sänger Orpheus ble i hele verden geliebt. Ihm hörten Vögel in der Luft, Fische im Wasser, Tiere im Wald zu. Apollon hat ihm eine wundervolle Leier geschenkt. Orpheus liebte sehr seine Frau Eurydike. Die Hochzeit haben sie vor kurzem gefeiert. Aber sie wurden nicht lange glücklich. Eurydike ble av einer giftig Schlange todlich gebissen. Orpheus beschloss seine Geliebte im Reich der Toten zu finden und zu retten. Er stieg in die Unterwelt hinab. Vor dem Thron des Herrschers Hades sang Orpheus zum Klang der Leier. Er bat ihn, seine Geliebte Eurydike zu befreien. Alle Totenschatten weinten. Der düstere Herrscher hatte Mitleid mit dem Sänger. Orpheus bekam seine Gemahlin zurück. Aber mens Rückwegs durfte er ikke noe tilbakeblikk. Orpheus blickte aber nach der Geliebten um und verlor sie für ewig. Der Sänger lebte 3 Jahre in seiner Trauer und wollte keine andere Frau sehen. Er ble dadurch von den wütenden Weibern getötet. Die Nymphen brachten ihn zu seiner Eurydike in die Totenwelt.

Alle elsket sangeren Orpheus. Fugler på himmelen, fisk i vannet, dyr i skogen ble hørt med sangen hans. Apollo selv ga ham en vakker lyre. Orfeus var veldig glad i Eurydike. De har nylig feiret bryllupet sitt. Men de var glade i veldig kort tid. Eurydike ble bitt av en giftig slange. Hun døde. Orpheus bestemte seg for å finne sin elskede i dødsriket og redde henne. Han steg ned i helvete. Foran tronen til herskeren av Hades begynte Orfeus å synge sangene sine og spille lyre. Han ba om å få løslatt Eurydike. Alle skyggene gråt. Den dystre kongen av de døde forbarmet seg over sangeren. Orfeus fikk sin Eurydike. Men under returen måtte han gå uten å se seg tilbake. Orfeus så tilbake, så på sin elskede og mistet henne i samme øyeblikk for alltid. Sangeren var trist i 3 år og ønsket ikke å se på noen kvinne. Som et resultat drepte sinte lokale kvinner ham ved å kaste steiner på ham. Nymfene bar ham til dødsriket til Eurydike.

Das Gebäude des Ballettzentrums gefiel mir auch sehr. Es sah wie ein Museum aus. Der Regieführer des Hamburger Balletts hat eine neue Interpretation dem Publikum vorgestellt. Er ønskete das Sujet moderne machen. Die Bühnenbilder sind auch stilistisch geandert. Der Sänger Orpheus bekam eine Geige statt der alten Leier. Die Musik unterstutzte den neuen Blick. Neben Stravinsky und Barock erklangen Melodien aus einem aktuellen Musical. Sie bli auch durch Lautsprecher gespielt. Det er Orpheus som er en Künstler som har blitt kalt for Zuschauer. Was aber blieb - das ist die Idea der ewigen Liebe. Das Publikum im Saal würdigte die moderne Variante der alten Sage durch ihren heftigen Applaus sehr hoch. Die neue Interpretation fand auch in der Choreographie ihren Ausdruck. Der Orpheus-Darsteller Otto Bubenicek tanzte technisch glänzend. Musik und Tanz verschmelzen sich in mir eng zusammen. Die Kostüme var elegant neoklassisk, dem Tanzstil angepasst.

Jeg likte bygningen til Ballettsenteret. Det så ut som et museum. Regissøren av stykket tilbød publikum sitt ny verson ballett. Han moderniserte handlingen til legenden. Innredningsstilen er også stilmessig oppdatert. Sangeren Orpheus spilte ikke lyre, men fiolin. Musikk la vekt på nyhet. I tillegg til klassikerne til Stravinsky og barokkens antikke, lød melodiene til en moderne musikal fra høyttalerne. Derfor fremstår Orpheus for publikum som dagens sanger. Men hovedideen til legenden forble uendret - kjærlighetens evighet. Publikum i salen uttrykte sin glede med dundrende applaus. Den nye tolkningen gjenspeiles i koreografien. Utøveren av rollen som Orpheus - Otto Bubenchik danset briljant. Musikk og dans er flettet sammen i tankene mine til en helhet. Kostymene til kunstnerne understreket elegant klassikerne i en moderne ånd.

Das Zentrum ble 1929 eingericht. Das Innere ble med en historisk Wandgemälde ""Orpheus mit den Tieren" av kunstmalerin Anita Rée geschmückt. Das Gemälde zeigt Orpheus auf einer Antilope reitend. Um ihn herum ligger Tiere, die sein Spiel und Singen bewundern. Die Ballettsäle ble nach berühmten Choreografen benannt: Petipa, Nijinsky, Balanchine, und anderen.

Når man snakker om det tyske teateret fra andre halvdel av 1800-tallet, bør man vende seg til slutten av 60-tallet. Den vanskelige sosiopolitiske situasjonen påvirket betydelig teaterlivet. Permanente teatre var bare hoffmenn (i herskernes boliger). Tursystemet var utbredt. I ledende Berlin kongelig teater klassiske verk ble iscenesatt uten noen forsøk på å bli kvitt den rutinemessige, deklamatoriske patosen. Og stykkene som ble vist her var av sjåvinistisk retning, og ble skrevet av vanlige forfattere.

Samtidig var et bemerkelsesverdig fenomen hoffteatret i hovedstaden i hertugdømmet Saxe-Meiningen, i byen Meiningen. Dens opprinnelse går tilbake til 1700-tallet.

Meiningen teater var et av de viktigste teatrene i Tyskland i andre halvdel av 1800-tallet. Men til tross for at teatret var hoff, ble han påvirket av den borgerlige offentlighetens smak.

Siden 1869 har en skuespiller som tidligere jobbet i dette teatret blitt regissør og direktør for teatret. Ludwig Kroneg (1837-1891). Og teatret går inn i sin storhetstid på 70-80-tallet.

Tre personer sto i spissen for teatret: hertug George II, som hovedsakelig var engasjert i den dekorative siden av forestillingen, men som hadde en avgjørende stemme i alle spørsmål om teatrets liv; hans kone, tidligere skuespillerinne ved dette teatret, Helene Franz, hvis oppgaver hovedsakelig inkluderte å jobbe med resitasjonen, og Ludwig Kroneg, en talentfull regissør og en omfattende utdannet person.

I utviklingen av regissørens planer søkte Kroneg sannheten om livet, nøyaktigheten av skildringen av den historiske epoken, dens livsstil og skikker. Han var også arrangør av teaterturneen. Meiningen reiste over hele Tyskland, besøkte Holland, Sverige, Belgia, Danmark, Sveits, England, to ganger besøkte Russland - i 1885 og 1890. Etter Kronegs død, i 1891, opphørte turen, og teatret begynte å jobbe uten pause i Meiningen.

Den kunstneriske ledelsen av Meiningen-teatret var basert på prinsippene for Goethes arbeid i Weimar-teatret og eksperimentene K.L. Immerman(1796-1840), en av de første regissørene av det tyske teateret. I videreføring av Goethe-tradisjonene forsøkte Meiningen Theatre å opprettholde et høyt ideologisk og kunstnerisk nivå på repertoaret, med fokus hovedsakelig på klassikerne. Meiningenittene fortsatte tradisjonene til Weimar-teatret, og hevdet hovedrollen til regissøren i stykket. Fra Immermann arvet meiningenianerne ønsket om et ensemble, for forestillingens historiske og hverdagslige nøyaktighet.

I tillegg til de nasjonale tradisjonene for tysk regi, brukte Meiningen Theatre mye prinsippene til den engelske regissøren Charles Keane, som kombinerte kravet om historisk autentisitet med forestillingens ytre showiness og prakt.

I roten av repertoaret var dramaturgien til Schiller (''The Fiesco Conspiracy'', ''Robbers', ''Wallensteins Camp', ''The Death of Wallenstein'', ''William Tell'). Shakespeares skuespill: ʼʼJulius Caesarʼʼ, ʼʼTolvte Nattʼ, ʼʼKjøpmannen fra Veneziaʼ, ʼʼMacbethʼ, ʼʼVintereventyrʼʼ, ʼʼTemming av snikviterenʼ. Videre på repertoaret var: ʼʼIphigenia i Aulidʼʼ Goethe, ʼʼMrs Sarah Sampsonʼʼ Lessing, skuespill av Kleist. Fra Fransk dramaturgi teatrets repertoar inkluderte Molières komedier ʼʼDen imaginære pasientʼʼ og ʼʼLærde kvinnerʼ.

George II bestemte utvalget av skuespill og deres tolkning. Av denne grunn inkluderte ikke teatrets repertoar sosialt betydningsfulle verk av tysk drama - Schillers ʼʼIntrigue and Loveʼʼ, Lessings ʼʼEmilia Galottiʼʼ. Men det var skuespill som forsterket nasjonalistiske følelser.

Regi ved Meiningen Theatre strebet etter å skape et komplett og integrert kunstverk, der alle bestanddelene er underordnet oppgaven med det mest komplette uttrykket for ideen om stykket. Dette avgjorde den spesielle rekkefølgen og arten av arbeidet med forestillingen. Det begynte med en detaljert studie av retningen til den historiske epoken, livet. Deretter fortsatte de med å lese stykket, som først ble diskutert som en helhet, og deretter for individuelle akter, scener, roller. Skuespillere ble pålagt å kjenne ikke bare rollen deres, men hele stykket. I prosessen med øvingsarbeid ble det holdt en rekke samtaler, hvor rollene ble analysert i detalj, deres litterære og psykologiske analyse ble gjort. Etter at regissøren og artisten laget produksjonsplanen, begynte øvingene publikumsscener. Deres forsiktige utvikling var et av de viktigste virkemidlene for å skape den kunstneriske enheten i forestillingen. Scenene i forestillingene til Meiningen var livlige, dynamiske, slik at publikum deltok organisk i handlingen. Statistene ble delt inn i grupper, i hver gruppe ble det utnevnt en leder (ʼʼʼʼʼʼʼ) blant teaterkunstnerne, som sørget for at deltakerne i massescenene ikke tok de samme stillingene, gjorde de nødvendige gestene i tide, ga replikaer nøyaktig. som ble skrevet spesielt for dem.

Regi la spesielt vekt på arbeidet med episodiske roller. Oppgaven med å lage et sceneensemble krevde avvisning av rollesystemet. Skuespiller som opptrer hovedrolle, i neste forestilling kunne han opptre episodisk eller til og med gå ut som statist i massescenen.

Det enhetlige kunstneriske bildet av forestillingen og den maksimale plausibiliteten til skildringen av livet på scenen krevde nøye designutvikling. Av denne grunn ble hovedoppmerksomheten rettet mot nøyaktigheten av reproduksjonen av hverdagen, som de historiske kildene til materiell kultur ble grundig studert for. For eksempel, ved oppsetning av Iphigenia i Tauris, brukte teatret materialer fra Schliemanns arkeologiske utgravninger; da de iscenesatte ʼʼMary Stuartʼʼ, studerte de historien til stedene angitt av Schiller; da kunstneren iscenesatte ''Mad of Orleans'', reiste kunstneren til hjemlandet til Jeanne d'Arc - den franske landsbyen Domrem Og - og laget skisser av natur på stedet.

Standard, funksjonsløse paviljonger ble erstattet av dekorasjoner som ikke bare var etnografisk nøyaktige, men som også bar preg av den sosiale statusen, livsstilen og yrket til innbyggerne i huset. I stedet for malte kulisser med søyler, plasserte de søyler på scenen. Scenens plan ble delt inn i separate seksjoner (bakker, kløfter), stiger, plattformer, passasjer ble introdusert, noe som gjorde det mulig å bygge pittoreske og dynamiske mise-en-scener.

Scenens uttrykksevne ble forbedret ved bruk av støy og lyseffekter: et lysbilde av fallende regn, soloppgang og solnedgang, måneskinn, skyer i bevegelse, etc. I skuespillet ''Wilhelm Tell'' ble en hel rekke lyder brukt i bildet av stormen: vindens hyling, torden, lyden av regn, innvirkningen fra bølgene i en fjellsjø. Teateret med lydeffekter var i stand til å skape en illusjon av et stort rom som går utover scenen.

Men innovasjon innen iscenesettelsesteknikker harmonerte ikke med skuespill; falsk deklamatorisk patos, stiltethet og klisjeer var fortsatt bevart der. Meiningenianerne '' oppdaterte ikke de gamle rene skuespillerteknikkene i spillet' (Stanislavsky). Hovedmiddelet for å formidle ideen om forestillingen var ikke skuespilleren, men regi og iscenesettelsesteknikker.

Kravet til Meiningens regi om at store skuespillere skal spille episodiske roller, noen ganger med dårlig fremføring av hovedrollene, førte til ødeleggelsen av ensemblet og integriteten til det kunstneriske inntrykket. A.N. Ostrovsky trakk oppmerksomheten til hvordan en av de viktigste scenene i stykket "Julius Caesar" blir forvrengt av en mislykket forestilling: ʼʼDen vakre talen levert av Shakespeare til Anthony ble holdt svakt av skuespilleren, og den behendig trente mengden ble begeistret og opplivet som om talen hadde blitt holdt sterkt og med entusiasmeʼ.

Naturalistisk erstatning av generaliseringer og typifiseringer med ekstern naturalistisk plausibilitet ble funnet i utvalget av skuespillere. Så, for rollen som Julius Cæsar, valgte Croneg en skuespiller som ser ut som Cæsar, men som mangler talent. Og ved denne anledningen, A.N. Ostrovsky bemerket det ʼʼ blant meiningenerne og Julius Caesar selv tilhører falske ting ʼʼ.

I artikkelen ʼʼBetraktninger og konklusjoner om Meiningen-troppenʼ A.N. Ostrovsky bemerker de positive sidene ved Meiningen-teatret: utviklingen av massescener, den dyktige bruken av lyseffekter, den gode kvaliteten på kulissene og rekvisittene. Men generelt sett definerer han dette teatret som ''en utmerket disiplinert tropp, bestående av middelmådige skuespillere og motbydelig sutrende og knekkfulle skuespillerinner'' og gjør sin ʼʼsetningʼʼ: ʼʼ…det vi så i dem er ikke kunst, men dyktighet, ᴛ.ᴇ. håndverk.

K.S. Stanislavsky satte stor pris på Kronegs talent og regi-oppfinnsomhet og strenge disiplin i teatret, men fordømte samtidig regissørens despotisme, som undertrykker skuespillerens individualitet, og overføringen av tyngdepunktet til forestillingen fra skuespilleren til regissørens. iscenesettelsesteknikker.

Vl.I. Nemirovich-Danchenko var solidarisk med vurderingen av Ostrovskys forestilling ʼʼJulius Caesarʼ.

Meiningen-teatret hadde ikke et eget tydelig ideologisk og estetisk program og var ikke assosiert med moderne drama, i forbindelse med dette så det kreative bildet av teatret eklektisk ut. Men en høy produksjon kultur basert på utviklingen av prinsippet om en enhetlig kunstform performance, en nøye gjennomtenkt produksjonsplan, streng overholdelse av historisk og nasjonal farge, hadde stor innflytelse på utviklingen av regitanken på slutten av 1800-tallet.

historiske omgivelser fortsatte å være vanskelig. Sosiopolitiske forhold i Sentraleuropa var skarpe nok: Frankrike hevdet hegemoni og var interessert i fragmenteringen av Tyskland. Årsaken til den funko-prøyssiske krigen 1870-1871. det var en strid om Alsace om Lorraine, grenseområder.

I 1871 ᴦ. Den fransk-prøyssiske krigen endte med Frankrikes fullstendige nederlag, der det andre imperiet falt og en republikk (Pariskommunen) ble utropt. Frankrike ble okkupert av prøyssiske tropper som var involvert i undertrykkelsen av kommunen.

I samme 1871 ᴦ. monarkene i ʼʼdvergʼʼ, etter å ha samlet seg i Versailles, utropte den prøyssiske kongen Wilhelm I til den tyske keiseren. Dette betydde den nasjonale foreningen av Tyskland. Men den enhetlige staten var kun parlamentarisk i form, men i realiteten beholdt den mange føydale spor, det byråkratiske apparatet var under påvirkning av borgerskapet og ble bevoktet av politiet. De prøyssiske junkerne hadde en innflytelsesrik posisjon i hele imperiet. Det tyske folket ble oppdratt i sjåvinismens ånd (ᴛ.ᴇ. ekstrem nasjonalisme). Den raske utviklingen av kapitalismen begynte, og på slutten av XIX århundre. Tyskland har blitt en stor monopolmakt.

Det reaksjonære regimet provoserte frem motstand, og Tysklands sosialistiske arbeiderparti dukket opp (August Bebel og Wilhelm Liebknecht). Representanter for den progressive intelligentsiaen ble gradvis trukket inn i arbeiderbevegelsen.

Konfrontasjon med sosiale krefter på slutten av XIX - begynnelsen av XX århundre. karakteriserte en vanskelig situasjon, men denne omstendigheten ga også opphav til en kompleks åndelig kultur.

I løpet av denne perioden falt de konservative kretsene til den tyske intelligentsiaen under påvirkning av den filosofiske læren til Friedrich Nietzsche, som fremmet den reaksjonære teorien om "mestermoral" og "sterk personlighet".

Men det fantes krefter som var motstandere av sjåvinismen. Han ga et stort bidrag til realistisk estetikk Franz Mehring (1846-1919): i sine litteraturkritiske artikler tok han for seg dramatikkens grunnleggende problemer og fenomener på slutten av 1800-tallet.

Det var et presserende behov for å oppdatere både repertoaret og kunstneriske teknikker. Dette ble startet av Meiningen Theatre.

Det neste viktige skrittet ble tatt av regissør Otto Brahm, som for første gang i Tyskland begynte å sette opp moderne drama – skuespill av Ibsen, Hauptmann, L. Tolstoy, I. Turgenev.

Høydepunktet for kreativ søken i teatret på begynnelsen av det tjuende århundre. i Tyskland var det nyskapende forestillinger av M. Reinhardt. Teateret hans ble preget av en harmonisk kombinasjon av klassisk og moderne repertoar; dessuten reflekterte det moderne repertoaret tidens mest akutte trender og motsetninger.

Gerhardt Hauptmann(1852-1946) - en fremragende tysk dramatiker fra slutten av XIX - begynnelsen av XX århundre. Han startet som maler og var sterkt påvirket av naturalismen. Men hans interesse for sosiale prosesser og moralske konflikter tillot ham å gjøre realistiske generaliseringer i skuespillene sine.

Tidlige skuespill ( før soloppgang, 1889) tilsvarer naturalisme. I dem legemliggjør han ideen om en persons fullstendige avhengighet av miljøet, og psykologi bestemmes av arv. Stykket er dedikert til temaet sammenbruddet av en velstående bondefamilie, infisert med alkoholisme og mangler moralske prinsipper. I 1891 ᴦ. psykologisk drama dukker opp ensom og sosialt drama ''Vevere'(i den støtter han seg på opprøret til veverne i Schlesia i 1844 ᴦ.). Handlingen i stykket utvikler seg dynamisk. I begynnelsen av stykket er veverne en undertrykt, sulten masse, utmattet av hardt arbeid. Etter hvert som handlingen utvikler seg, forvandles de fra lydige slaver til aktive krigere. Hauptmann gir etter drama ny type en helte-fighter i bildene av en pensjonert soldat Moritz Jaeger og hans venn Becker, en vever. Dramaet viser utviklingen av mange bilder: den gamle mannen Baumert trekkes gradvis inn i kampen, Louise Gilse er en ung vever som går til kampen sammen med andre vevere. Ektemannen Gottlieb slutter seg etter hvert også til opprøret. De som har makten er satirisk avbildet.

Som et patetisk folkedrama ble ʼʼʼʼʼʼ høyt verdsatt av teatrets progressive skikkelser.

dramatisk eventyr ʼʼDen sunkne klokkenʼ(1896) - ϶ᴛᴏ en hymne til naturen. Handlingen er skapt av Hauptmanns kreative fantasi, men han brukte også mye temaer Tyske eventyr. En viktig tanke uttrykkes her - om friheten til kunstnerens kreativitet, ikke begrenset av kirkedogmets konvensjoner, om kreativitet, kan ĸᴏᴛᴏᴩᴏᴇ finne harmoni bare i umiddelbar nærhet til naturen. Stilistisk fletter stykket sammen romantikk, bilder av folkediktning, realisme og symbolikk.

Hauptmanns mest betydningsfulle skuespill er et ϶ᴛᴏ-realistisk drama før solnedgang(1932). I dette dramaet er to linjer mesterlig kombinert – lyrisk og sosialt anklagende. Οʜᴎ er tett sammenvevd. Matthias Clausen så hvordan kommersiell kalkulasjon, kynisme kommer i livet; han fordømte verden og vendte seg bort fra den. Dette er en verden av ikke bare hucktering, hykleri og kynisme, dette er en verden av fremskredende fascisme, legemliggjort i skikkelsen til hans svigersønn Klamroth.

Det er i denne perioden med indre frigjøring fra all fortid at ungjenta Inken Peters invaderer Clausens liv. Hun blåste liv i hans eksistens. Etter lang tvil, nøling, kommer han til beslutningen om å få kontakt med henne. Når familien får vite om dette, forbereder familien seg på et ʼʼangrepʼʼ: tross alt kan en kolossal arv gå til den ʼʼfattige syerskeʼ Inken. Og de søker en rettskjennelse for å etablere vergemål over faren, som angivelig mistet vettet. Mattias er overrasket, han har ingen styrke til å kjempe mot dem. Han forlater sitt eget hus. Barna prøver å legge ham på et psykiatrisk sykehus. Og Matthias bestemmer seg for å dø.

I løpet av fascismens år levde Hauptmann tilbaketrukket i eiendommen sin og skapte en tetralogi om eldgamle temaer: ʼʼIphigenia ved Aulisʼʼ, ʼʼThe Death of Agamemnonʼʼ, ʼʼElectraʼ og ʼʼIphigenia ved Delphiʼ. Med dette protesterte han mot regimet. Dramaturgien til Hauptmann ga et betydelig bidrag til litteraturen og teateret i Tyskland.

Tysk teater - konsept og typer. Klassifisering og funksjoner i kategorien "tysk teater" 2017, 2018.

Gå på teater - Tysk emne

Es gibt viele Moglichkeiten, die Freizeit zu verbringen. Einige sitzen die ganze Zeit vor dem Fernseher und sehen alle Sendungen, die anderen besuchen Diskotheken. Viele gehen aber ins Theatre. I jeder Grostadt gibt es viele Theatre, in denen Opern, Ballette, Dramen, Operetten aufgefuhrt werden.

Die Geschichte des Theatres er sehr reich und interessant. Es gibt verschiedene formen des Theatres: Griechisches Theatre, Barocktheater og modernes Theatre.

Jede Grostadt i unserer RB hat ihr eigenes Theatre mit seinem einmaligen Antlitz. Die bekanntesten Theatre i Hviterussland sind das Sprechtheater i Grodno, das Jakub-Kolas-Theater i Witebsk. Mit vollem Recht nennt man Minsk eine Theaterstadt. Das Janka-Kupala-Theater, das russische Sprechtheater og et. m. sind weit uber die Grenzen der Republik bekannt. Das Janka-Kupala-Theater trogt den Namen des belorussischen Dichters Iwan Dominikowitsch Luzewitsch, dessen Pseudonym Kupala ist. Sein Pseudonym Kupala idt mit dem belorussischen Volksfest, die so genannte Kupala-Nacht verbunden. Dieses fest ist sehr schon und wird heutzutage gefeiert. Auf dem spielplan stehen die Werke von den belorussischen Schriftstellern, auch auslandischen Autoren. Die bekanntesten belorussischen Schauspieler sind Stanyta, Garbuk, Jeremenko.

Ich interessiere mich fur Theatre und besuche Theatre gern. Jeg kan også immer wahlen: enten i Oper eller ins Ballett zu gehen, eller sich ein Drama eller et Lustspiel anzusehen.

I Deutschland gibt es viele Theaterfreunde. Allein Berlin har uber 150 Theatre, darunter das "deutsche Theatre", die komische Oper, das "Berliner Ensemble". Auch in der Provinz werden Theaterstucke gegeben. Auf deutschen Buhnen fuhrt man die Werke der Klassik auf, z.B. Schillers "Kabale und Liebe". Die zeitgenossischen Werke werden auch gegeben.

Neue Titel, neue Namen - das ist immer wieder interessant. Teater er evig, es kan ikke altmodisk sein. Ich konnte mir ein leben des Menschen ohne Theatre gar nicht vorstellen. Es ware bestimmt ein langweiliges Leben. Ich glaube, ein jeder geht mit vielen Erwartungen ins Theater. Ikke alle kunnskaper som er naturlige. Um einmal den Alltag zu vergessen, gehe ich ins Theatre, vor allem ins Sprechtheater. Ich wahle mir etwas Lustiges, wenn ich schlechter Laune bin, wenn ich aber eine gute Laune habe, sehe ich mir etwas Trauriges an.

Naturlich besuche ich das Theatre nicht allein. Viel interessanter geht es mit den Freunden: man kann in den Pausen das Stuck besprechen und Meinungen austauschen. Gewohnlich kaufe ich Eintrittskarten im Vorverkauf auf, wenn naturlich keine Premiere gegeben wird. In diem Fall muss man unmittelbar im Theatre tun. Ich erkundige mich immer nach den Schauspielern, die Hauptrollen spielen. Das er doch sehr angenehm og spennende, kjente Kunstlerspielen zu sehen.

In der Regel beginnt die Auffuhrung um 1900 Uhr. Um halb 19 00 hole ich meine Freundin ab und wir machen uns auf den Weg. Das Wichtigste hier ist nicht zu spat zu kommen.

In der Garderobe legen wir ab und gehen ins Foyer. Dort flanieren auf und ab zahlreiche Theaterbesucher. Da sind viele Menschen: Kinder und Erwachsene warten auf den beginn der Vorstellung. Wir kaufen ein Programm und schlie?en uns ihnen an. Wenn es zum 2. Mal lautet, gehen wir zu unseren Platzen. Wir setzten uns, und jetzt haben wir die Zeit, unsere Umgebung zu betrachten. Es ist ein gro?er, festlicher Raum. Von links og rett stromen durch die offnen Turen Menschen her. Sie sind festlich gekleidet. Die meisten haben frohe Mienen. Sie lachen und scherzen, nicken einander freundlich zu und plaudern vergnugt, wahrend sie ihre Platze aufsuchen. Bald klingelte es zum dritten Mal. Schnell fuhlte sich der Zuschauerraum. Das Licht nahm rasch ab und erlosch nach ein paar Sekunden ganz. Stille herrschte im Zuschauerraum, man vernahm nur das Rauschen der Programmhefte. Ganz leise erklang zarte Musik, die Scheinwerfer strahlen ihr helles Licht auf die Buhne, langsam ging der Vorgang auf. Wenn der erste Aufzug zu Ende ist, klatschen die Zuschauer Beifall. Der Vorgang geht zu.

In der Pause ging ich im Foyer auf und ab und beobachtete das Publikum. Einige Zuschauer unterhielten sich uber das Stuck, tauschten ihre Eindrucke und Meinungen aus, other gingen in den Erfrischungsraum. Es klingelte skallet. Der zweite Aufzug beginnt. Alle sehen gespannt zur Buhne. Die Schlusszene ist am schonsten.

Die Vorstellung ist zu Ende. Der Vorgang fallt und die Zuschauer klatschen Beifall. Die Schauspieler har viele Vorhange, sie bekommen Blume.

Nach Hause kehrte ich spat am Abend zuruck, ziemlich mude und uberaus zufrieden. Das eben gesehene Stuck hat mich stark beeindruckt, aber ich habe schon einen neuen Theaterbesuch vor...