Komposer harpsichord Perancis abad ke-18. Pemain harpsichord Perancis
harpsichord [Perancis] clavecin, dari Late Lat. clavicymbalum, dari lat. clavis - kunci (oleh itu kunci) dan cymbalum - simbal] - papan kekunci yang dipetik peralatan muzik. Dikenali sejak abad ke-16. (mula dibina seawal abad ke-14), maklumat pertama tentang harpsichord bermula pada tahun 1511; instrumen tertua kerja Itali yang masih hidup hingga hari ini bermula pada tahun 1521.
Harpsichord berasal dari psalterium (hasil daripada pembinaan semula dan penambahan mekanisme papan kekunci).
Pada mulanya, harpsichord berbentuk segi empat dan menyerupai penampilan Clavichord "percuma", berbeza dengan rentetan yang mempunyai panjang yang berbeza (setiap kekunci sepadan dengan rentetan khas yang ditala dalam nada tertentu) dan mekanisme papan kekunci yang lebih kompleks. Tali harpsichord dibawa ke dalam getaran dengan secubit dengan bantuan bulu burung, dipasang pada batang - penolak. Apabila kunci ditekan, penolak, yang terletak di hujung belakangnya, bangkit dan bulu tersangkut pada tali (kemudian, plectrum kulit digunakan dan bukannya bulu burung).
Peranti bahagian atas penolak: 1 - rentetan, 2 - paksi mekanisme pelepasan, 3 - languette (dari bahasa Perancis languette), 4 - plectrum (lidah), 5 - peredam.
Bunyi harpsichord adalah cemerlang, tetapi tidak merdu (jerky) - yang bermaksud bahawa ia tidak boleh menerima perubahan dinamik (ia lebih kuat, tetapi kurang ekspresif daripada itu), perubahan dalam kekuatan dan timbre bunyi tidak bergantung pada sifat mogok pada kekunci. Untuk meningkatkan kebunyian harpsichord, rentetan dua kali ganda, tiga kali ganda dan juga empat kali ganda (untuk setiap nada) digunakan, yang ditala secara serentak, oktaf, dan kadangkala selang lain.
Evolusi
Dari awal abad ke-17, rentetan logam digunakan sebagai ganti rentetan usus, bertambah panjang (dari tiga kali ganda kepada bes). Instrumen memperoleh bentuk pterygoid segi tiga dengan susunan tali membujur (selari dengan kekunci).
Pada abad ke-17-18. untuk memberikan bunyi harpsichord yang lebih pelbagai secara dinamik, instrumen dibuat dengan 2 (kadang-kadang 3) papan kekunci manual (manual), yang disusun berteras satu di atas yang lain (biasanya manual atas ditala satu oktaf lebih tinggi), serta suis daftar untuk mengembangkan treble, penggandaan oktaf bes dan perubahan warna timbre (daftar kecapi, daftar bassoon, dll.).
Daftar digerakkan oleh tuil yang terletak di sisi papan kekunci, atau oleh butang yang terletak di bawah papan kekunci, atau oleh pedal. Pada beberapa harpsichord, untuk variasi timbre yang lebih besar, papan kekunci ke-3 disusun dengan beberapa pewarna timbre ciri, lebih kerap mengingatkan kecapi (papan kekunci kecapi yang dipanggil).
Penampilan
Secara luaran, harpsichord biasanya disiapkan dengan sangat elegan (badannya dihiasi dengan lukisan, tatahan, ukiran). Kemasan instrumen itu sesuai dengan perabot bergaya era Louis XV. Pada abad ke-16-17. Kord harpsichord Ruckers mahir Antwerp menonjol untuk kualiti bunyi dan reka bentuk artistik mereka.
Harpsichord di negara yang berbeza
Nama "harpsichord" (di Perancis; archichord - di England, kilflugel - di Jerman, clavichembalo atau disingkat cembalo - di Itali) telah dipelihara untuk instrumen berbentuk sayap besar dengan julat sehingga 5 oktaf. Terdapat juga instrumen yang lebih kecil, biasanya berbentuk segi empat tepat, dengan tali tunggal dan julat sehingga 4 oktaf, dipanggil: epinet (di Perancis), spinet (di Itali), virginel (di England).
Harpsichord dengan badan menegak - . Harpsichord digunakan sebagai instrumen solo, bilik-ensembel dan orkestra.
Pencipta gaya harpsichord virtuoso ialah komposer Itali dan ahli harpsichordis D. Scarlatti (dia memiliki banyak karya untuk harpsichord); pengasas sekolah perancis ahli harpsichord - J. Chambonnière ("Kepingan Harpsichord" beliau, 2 buku, 1670 adalah popular).
Antara ahli harpsichordis Perancis pada akhir abad ke-17-18. -, J.F. Rameau, L. Daken, F. Daidriyo. Muzik harpsichord Perancis adalah seni rasa yang halus, sopan santun, jelas secara rasional, tunduk kepada etika bangsawan. Bunyi harpsichord yang halus dan dingin selaras dengan "nada baik" masyarakat yang dipilih.
Gaya gagah (rococo) mendapati penjelmaan yang jelas di kalangan ahli harpsichordis Perancis. Tema kegemaran miniatur harpsichord (miniatur ialah bentuk ciri seni rococo) adalah imej wanita ("Menangkap", "Flirty", "Gloomy", "Shy", "Sister Monica", "Florentine" oleh Couperin), sebuah gambar besar. tempat itu diduduki oleh tarian gagah (minuet , gavotte, dll.), gambar yang indah kehidupan petani(“The Reapers”, “The Grape Pickers” oleh Couperin), miniatur onomatopoeic (“The Hen”, “The Clock”, “The Chirping” oleh Couperin, “The Cuckoo” oleh Daken, dsb.). Ciri khas muzik harpsichord ialah banyaknya hiasan melodi.
Menjelang akhir abad ke-18 karya ahli harpsichord Perancis mula hilang dari himpunan penghibur. Akibatnya, alat itu, yang mempunyai sejarah yang begitu panjang dan warisan seni yang kaya, telah dipaksa keluar dari latihan muzik dan digantikan dengan piano. Dan bukan sahaja dipaksa keluar, tetapi dilupakan sepenuhnya pada abad ke-19.
Ini berlaku akibat perubahan radikal dalam keutamaan estetik. Estetika Baroque, yang berdasarkan sama ada pada konsep yang dirumuskan dengan jelas atau dirasai dengan jelas tentang teori kesan (secara ringkas intipati: satu mood, mempengaruhi - satu warna bunyi), yang mana harpsichord adalah alat ekspresi yang ideal, memberi laluan terlebih dahulu kepada pandangan dunia sentimentalisme, kemudian ke arah yang lebih kuat - Klasikisme dan, akhirnya, Romantikisme. Dalam semua gaya ini, sebaliknya, idea kebolehubahan - perasaan, imej, mood - telah menjadi yang paling menarik dan ditanam. Dan piano itu mampu meluahkannya. Harpsichord tidak dapat melakukan semua ini pada dasarnya - kerana keanehan reka bentuknya.
Dari pertengahan abad ke-17, keutamaan dalam perkembangan muzik clavier beralih dari virginalis Inggeris kepada harpsichordis Perancis. Sekolah ini untuk masa yang lama, hampir satu abad, adalah yang paling berpengaruh di Eropah Barat. Moyangnya dianggap Jacques Chambonière, dikenali sebagai pemain yang cemerlang dalam organ dan harpsichord, seorang guru dan komposer yang berbakat.
Konsert muzik harpsichord di Perancis biasanya berlangsung di salon dan istana bangsawan, selepas perbualan sosial ringan atau tarian. Persekitaran sedemikian tidak memihak kepada seni yang mendalam dan serius. Kecanggihan anggun, kecanggihan, ringan, kecerdasan dihargai dalam muzik. Pada masa yang sama, permainan berskala kecil - miniatur - lebih disukai. "Tiada apa-apa yang panjang, memenatkan, terlalu serius"- begitulah undang-undang tidak bertulis, yang sepatutnya dipandu oleh komposer mahkamah Perancis. Tidak menghairankan bahawa pemain harpsichord Perancis jarang bertukar kepada bentuk besar, kitaran variasi - mereka cenderung ke arah suite, yang terdiri daripada tarian dan miniatur program.
Suite ahli harpsichord Perancis, berbeza dengan suite Jerman, yang terdiri secara eksklusif daripada nombor tarian, dibina dengan lebih bebas. Mereka agak jarang bergantung pada urutan ketat alemand - courant - sarabande - jig. Gubahan mereka boleh apa sahaja, kadangkala tidak dijangka, dan kebanyakan drama mempunyai tajuk puitis yang mendedahkan niat pengarang.
Sekolah ahli harpsichord Perancis diwakili oleh nama L. Marchand, J.F. Dandrier, F. Dazhankura, L.-K. Daquin, Louis Couperin. Paling penting, komposer ini berjaya dalam imej pastoral yang anggun ("The Cuckoo" dan "The Swallow" oleh Daken; "Bird's Cry" oleh Danndrie).
Sekolah harpsichord Perancis mencapai kemuncaknya dalam karya dua jenius - Francois Couperin(1668–1733) dan sezamannya yang lebih muda Jean Philippe Rameau (1685–1764).
Orang sezaman memanggil François Couperin "François the Great". Tiada seorang pun pemain harpsichord yang dapat bersaing dengannya dalam populariti. Dia dilahirkan dalam keluarga pemuzik keturunan dan menghabiskan sebahagian besar hidupnya di Paris dan Versailles sebagai organis mahkamah dan guru muzik kepada anak-anak diraja. Komposer bekerja dalam banyak genre (kecuali teater). Bahagian paling berharga dari warisan kreatifnya ialah 27 suite harpsichord (kira-kira 250 keping dalam empat koleksi). Ia adalah Couperin yang menubuhkan suite jenis Perancis, yang berbeza daripada model Jerman dan terdiri terutamanya daripada bahagian program. Antaranya terdapat lakaran alam semula jadi ("Rama-rama", "Lebah", "Reeds"), dan adegan genre - gambar kehidupan luar bandar ("Reapers", "Pemetik Anggur", "Knitters"); tetapi terutamanya banyak potret muzik. Ini adalah potret wanita sekular dan gadis muda yang ringkas - tanpa nama ("Kekasih", "The Only One"), atau dinyatakan dalam tajuk drama ("Puteri Maria", "Manon", "Sister Monica"). Selalunya, Couperin tidak melukis wajah tertentu, tetapi watak manusia ("Rajin", "Rezvushka", "Anemone", "Touchless"), atau cuba untuk mengekspresikan pelbagai watak kebangsaan ("Wanita Sepanyol", "Wanita Perancis" ). Kebanyakan miniatur Couperin adalah hampir dengan tarian popular pada masa itu, seperti courante dan minuet.
Bentuk kegemaran miniatur Cooper ialah rondo.
Seperti yang telah dinyatakan, muzik pemain harpsichord berasal dari persekitaran bangsawan dan ditujukan untuknya. Ia adalah selaras dengan semangat budaya bangsawan, oleh itu keanggunan luaran dalam reka bentuk. bahan bertema, banyak hiasan, mewakili unsur paling ciri gaya bangsawan. Kepelbagaian hiasan tidak dapat dipisahkan daripada karya harpsichord sehingga ke Beethoven awal.
Muzik harpsichord Ramo pelik, bertentangan dengan ruang tradisi genre, pukulan besar. Dia tidak cenderung untuk menulis butiran terperinci. Muziknya terkenal dengan ciri-cirinya yang cerah, ia serta-merta merasakan tulisan tangan seorang komposer teater yang dilahirkan ("Ayam", "Savages", "Cyclops").
Sebagai tambahan kepada kepingan harpsichord yang indah, Rameau menulis banyak "tragedi lirik", serta "Treatise on Harmony" (1722) yang inovatif, yang memberikannya reputasi sebagai ahli teori muzik terhebat.
Perkembangan muzik clavier Itali dikaitkan dengan nama itu Domenico Scarlatti.
Kerja program dianggap sebagai karya sedemikian yang mempunyai plot tertentu - "program", yang selalunya terhad kepada satu tajuk, tetapi mungkin mengandungi penjelasan terperinci.
Mungkin, penampilan hiasan dikaitkan dengan ketidaksempurnaan harpsichord, yang bunyinya hilang serta-merta, dan trill atau groupetto sebahagiannya dapat mengimbangi kekurangan ini, memanjangkan bunyi rujukan.
Di Eropah Barat. (terutama Itali-Sepanyol) poligoal. kuali. muzik lewat Zaman Pertengahan dan Renaissance (motets, madrigals, dll.) sebagai improvisasi. elemen melaksanakan. art-va teknik pengecilan telah mendapat perkembangan yang hebat. Dia juga membuat salah satu gubahan tekstur. asas instr kuno itu. genre seperti prelude, ricercar, toccata, fantasi. Dep. formula kecil secara beransur-ansur menonjol daripada pelbagai manifestasi kebebasan bersuara, pertama sekali pada akhir melodi. binaan (dalam klausa). Sekitar ser. ke-15 c. dalam dirinya. org. tablature muncul grafik pertama. lencana untuk menulis hiasan. K ser. abad ke-16 digunakan secara meluas - dalam decomp. varian dan sambungan - mordent, trill, gruppetto, to-rye masih antara yang utama. instr. barang kemas. Nampaknya, mereka telah dibentuk dalam amalan instr. prestasi.
Dari tingkat 2. abad ke-16 percuma O. dibangunkan hl. arr. di Itali, terutamanya dalam melodi yang berbeza. kekayaan kuali solo. muzik, dan juga dalam pemain biola yang tertarik ke arah kebaikan. muzik. Pada masa itu dalam biola. muzik belum lagi menemui aplikasi yang meluas bagi vibrato, yang memberikan ekspresi kepada bunyi yang dilanjutkan, dan hiasan melodi yang kaya digunakan sebagai pengganti untuknya. Melismatik hiasan (hiasan, agréments) menerima perkembangan khas dalam seni Perancis. ahli luten dan pemain harpsichord abad ke-17 dan ke-18, yang mana terdapat pergantungan ciri pada tarian. genre yang tertakluk kepada penggayaan yang canggih. Dalam bahasa Perancis muzik terdapat hubungan rapat instr. agréments dengan kuali sekular. lirik (yang dipanggil airs de cour), yang dengan sendirinya diserap dengan tarian. plastik. Inggeris perawan (akhir abad ke-16), terdedah kepada tema lagu dan variasinya. pembangunan, dalam bidang O. lebih tertarik kepada teknik pengecilan. Sedikit yang melismatik. ikon yang digunakan oleh anak dara tidak dapat dihuraikan dengan tepat. Dalam bahasa Austria clavier art-ve, yang mula berkembang secara intensif dari tengah. Pada abad ke-17, sehingga J. S. Bach, inklusif, graviti ke arah Itali. pengecilan dan Perancis. melismatik gaya. Di Perancis pemuzik abad ke-17 dan ke-18. menjadi kebiasaan untuk mengiringi koleksi drama dengan meja hiasan. Jadual yang paling banyak (dengan 29 jenis melisma) telah didahulukan oleh koleksi harpsichord J. A. d "Anglebert (1689); walaupun jadual jenis ini menunjukkan percanggahan kecil, ia telah menjadi sejenis katalog barang kemas yang biasa digunakan. Khususnya, dalam jadual itu mendahului "Clavier Book for Wilhelm Friedemann Bach" Bach (1720), banyak dipinjam daripada d'Anglebert.
Berlepas dari O. percuma ke arah perhiasan terkawal di kalangan Perancis. pemain harpsichordis telah termaktub dalam orc. muzik oleh J. B. Lully. Walau bagaimanapun, Perancis peraturan barang kemas tidak begitu ketat, kerana walaupun jadual yang paling terperinci menunjukkan tafsiran tepat mereka hanya untuk aplikasi biasa. Penyimpangan kecil dibenarkan, sepadan dengan ciri khusus muses. kain. Mereka bergantung pada saman dan citarasa pelaku, dan dalam edisi dengan transkrip bertulis - pada gaya. pengetahuan, prinsip dan cita rasa editor. Penyimpangan yang serupa tidak dapat dielakkan dalam persembahan lakonan tokoh terkenal Perancis. harpsichordism P. Couperin, yang secara berterusan menuntut pelaksanaan tepat peraturannya untuk menguraikan perhiasan. Franz. ia juga biasa bagi pemain harpsichord untuk mengambil hiasan kecil di bawah kawalan pengarang, yang mereka tulis, khususnya, dalam variasi. pendua.
Untuk con. abad ke-17, apabila Perancis pemain harpsichord telah menjadi trendsetter dalam bidang mereka, perhiasan seperti trill dan grace note, bersama dengan melodi. fungsi, mereka mula melakukan harmonik baru. berfungsi, mencipta dan menajamkan disonans pada rentak bawah palang. J. S. Bach, seperti D. Scarlatti, biasanya menulis hiasan sumbang di bahagian utama. teks muzik (lihat, sebagai contoh, Bahagian II Konsert Itali). Ini membolehkan I. A. Sheiba mempercayai bahawa dengan berbuat demikian, Bach melucutkan karyanya. "keindahan harmoni", kerana komposer pada masa itu lebih suka menulis semua hiasan dengan ikon atau nota kecil, supaya dalam grafik. rekod jelas bercakap harmonich. eufoni yang utama kord.
F. Couperin mempunyai bahasa Perancis yang halus. gaya harpsichord mencapai kemuncaknya. Dalam drama matang J.F. Rameau, keinginan telah didedahkan untuk melampaui batas perenungan ruang, untuk menguatkan dinamik pembangunan yang berkesan, untuk menerapkannya pada muzik. menulis strok hiasan yang lebih luas, khususnya, dalam bentuk harmoni latar belakang. kiasan. Oleh itu kecenderungan kepada penggunaan hiasan yang lebih sederhana di Rameau, serta dalam bahasa Perancis kemudian. pemain harpsichord, contohnya. di J. Dufly. Walau bagaimanapun, pada suku ke-3. abad ke 18 O. telah mencapai zaman kegemilangan baharu dalam pengeluaran. Dikaitkan dengan aliran sentimental. Wakil terkemuka seni ini. arahan dalam muzik dibuat oleh F. E. Bach, pengarang risalah "Pengalaman cara yang betul untuk bermain clavier", di mana dia memberi banyak perhatian kepada soalan O.
Berkembang tinggi seterusnya Klasisisme Vienna, selaras dengan estetika baharu. cita-cita, membawa kepada penggunaan O yang lebih ketat dan sederhana. Namun begitu, dia terus memainkan peranan penting dalam karya J. Haydn, W. A. Mozart dan L. Beethoven muda. O. percuma kekal di Eropah. perdana muzik. dalam bidang variasi, virtuoso conc. kadenza dan kuali. coloratura. Yang terakhir dicerminkan dalam romantis. fp. muzik tingkat 1. abad ke-19 (dalam bentuk asli terutamanya oleh F. Chopin). Pada masa yang sama, bunyi sumbang melisma memberi laluan kepada konsonan; khususnya, trill mula memulakan preim. bukan dengan tambahan, tetapi dengan yang utama. bunyi, selalunya dengan pembentukan di luar rentak. Begitu harmonik dan berirama. melembutkan O. berbeza dengan peningkatan disonansi kord itu sendiri. Perkembangan harmonika yang tidak pernah berlaku sebelum ini menjadi ciri komposer romantis. latar belakang kiasan dalam fp. muzik dengan warna yang luas. penggunaan pedal, serta kiasan berwarna-warni. invois dalam orc. markah. Di tingkat 2. abad ke-19 Nilai O. menurun. Pada abad ke-20 peranan O. percuma meningkat lagi berkaitan dengan pengukuhan improvisasi. bermula dalam beberapa bidang muzik. kreativiti, contohnya. V muzik jazz. Terdapat metodologi-teoretikal yang besar. Sastera tentang masalah O. Ia dihasilkan oleh percubaan tanpa jemu untuk menjelaskan fenomena O. secara maksimum, "menentang" ini dalam penambahbaikan mereka. alam semula jadi. Kebanyakan perkara yang dikemukakan oleh pengarang karya sebagai peraturan komprehensif yang ketat untuk penyahkodan, sebenarnya, ternyata hanya cadangan separa.
daripada ibu-mutiara, pada akhir abad ke-18 - daripada porselin. Pada pertengahan abad ke-19, buat pertama kalinya, bahan polimer digunakan untuk prostetik. Yang mana satu? 1.seluoid 2.ebonit 3.getah. 4.polimetil metakrilat 5.fluoroplast 6.silikon.
Ahli sejarah seni Alpatov berkata mengenai lukisan Rusia pada abad ke-18: "... Kepala botak mengintip keluar dari bawah rambut palsu." Apa yang dia maksudkan dengan kiasan iniungkapan? Berikan sekurang-kurangnya tiga contoh.
Nah, saya mempunyai 1 idea: artis Rusia abad ke-18 menulis dalam gaya Barat (barok, sentimentalisme, dll.), Tetapi melalui kanun Barat gaya Rusia istimewa masih muncul (contohnya barok Rusia muncul), berbeza dari Barat. Kemudian "rambut palsu" adalah sejenis personifikasi Barat (terutama pada masa itu rambut palsu menjadi fesyen), dan "kepala botak" adalah ciri Rusia yang "mengintip keluar" melalui kanon "rambut palsu".
Perlukan lebih dua idea. Tolong saya.
daripada ibu-mutiara, pada akhir abad ke-18 - daripada porselin. Pada pertengahan abad ke-19, buat pertama kalinya, bahan polimer digunakan untuk prostetik. Yang mana satu?
1.seluoid
4.polimetil metakrilat
5.fluoroplast
6.silikon.
TOLONG)))Dalam setiap soalan, daripada empat nama komposer, anda perlu memilih satu.))))
1. Namakan komposer era Baroque.
a) Vivaldi
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Schumann.
2. Manakah antara komposer tersenarai ialah seorang abbot?
a) Bach;
b) Handel;
c) Vivaldi;
d) Mozart.
3. Namakan pengarang "The Well-Tempered Clavier", "Matthew Passion", "Inventions".
a) Bach;
b) Beethoven;
c) Chopin;
d) Schumann.
4. Siapakah yang menulis opera "Fidelio"?
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Chopin.
5. Siapakah antara komposer yang menulis opera "The Marriage of Figaro", "Don Giovanni",
a) Mozart
b) Beethoven;
c) Mendelssohn;
d) Rossini.
6. Manakah antara komposer ini bukan klasik Vienna?
a) Haydn;
b) Schumann;
c) Mozart;
d) Beethoven.
7. Siapakah pengarang opera "Aida", "La Traviata", "Rigoletto"?
a) Mozart
b) Beethoven;
c) Rossini;
d) Verdi.
8. Siapakah yang menulis 32 sonata piano?
a) Bach;
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Chopin.
9. Namakan pengarang "Symphony with tremolo timpani", "Farewell", "Children's".
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Schumann;
d) Chopin.
10. Siapakah yang dipanggil "bapa simfoni dan kuartet"?
a) Mazart
b) Beethoven;
c) Haydn;
d) Bach.
11. Siapakah antara komposer yang mula-mula menggelar gubahannya sebagai puisi simfoni?
a) guano
b) Berlioz;
c) Beethoven;
d) Lembaran;
12. Apakah bentuk muzik berdasarkan konflik dua tema?
a) variasi;
b) rondno;
c) bentuk sonata;
d) fugue.
13. Namakan pengarang simfoni, di bahagian akhir koir digunakan:
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Schubert;
d) Beethoven.
14. Manakah antara komposer ini yang menulis hanya untuk piano?
a) Gounod
b) Chopin;
c) Mahler;
d) Schumann;
15. Manakah antara komposer ini yang menulis muzik untuk drama Ibsen "Peer Gynt"?
a) Chopin
b) Berlioz;
c) Mahler;
d) Schumann.
16. siapakah yang menulis kitaran vokal "The Beautiful Miller's Woman" dan "Winter Way"?
a) Schubert
b) Schumann;
c) Mendelssohn;
d) Bizet.
17. Namakan pengarang "Unfinished Symphony":
a) Beethoven
b) Haydn;
c) Schubert;
d) Wagner.
18. Siapakah yang menulis kitaran piano "Karnival"?
a) Beethoven
b) Mozart;
c) Haydn;
d) Senarai.
19. Siapakah yang menulis lebih daripada 100 simfoni?
a) Beethoven
b) Mozart;
c) Haydn;
d) Schubert.
20. Komposer-pemain biola Rusia abad ke-18:
a) Alyabiev;
b) Fomin;
c) Khandoshkin;
d) Verstovsky.
Perkembangan harpsichordism di Perancis berkait rapat dengan keadaan istana dan kehidupan mulia. Seperti yang telah disebutkan, absolutisme Perancis mempunyai kesan yang besar terhadap seni. Kesusasteraan, lukisan, arca, muzik dan teater digunakan untuk meninggikan kuasa diraja dan mencipta lingkaran cahaya yang cemerlang di sekeliling "Raja Matahari" (sebagai bangsawan kontemporari dipanggil Louis XIV). Pada separuh pertama abad ke-18, semasa pemerintahan Louis XV, absolutisme Perancis mengalami kemerosotan secara beransur-ansur. Dia menjadi penghalang jalan pembangunan Komuniti negara. Dana besar yang dipam keluar oleh raja dan golongan bangsawan dari estet ketiga dibelanjakan untuk kemewahan dan keseronokan sekular. Kredo kehidupan mereka dengan tepat diungkapkan oleh frasa yang terkenal: "Selepas kita, walaupun banjir!" Di bawah keadaan ini, gaya gagah (atau rococo) menjadi meluas. Ia jelas menggambarkan kehidupan masyarakat sekular. Perayaan, bola, penyamaran, pastoral - ini adalah subjek yang sering digunakan terutamanya dalam seni rococo. berbakat pelukis perancis pada masa ini, Antoine Watteau mencipta satu siri lukisan mengenai subjek yang sama. "Bola di bawah tiang", "Festival di Versailles", "Berlepas ke pulau Cythera" (dewi cinta - Venus) dan ramai lagi.
Bercumbu-cumbuan ringan, berpura-pura, "cinta gagah" memberikan hiburan golongan bangsawan satu keseronokan yang istimewa. Wanita sekular menjadi tumpuan hiburan dan seni ini. Puisi ditulis tentangnya, dia digambarkan dalam lukisan, karya muzik didedikasikan untuknya.
Seni Rococo dicirikan oleh bentuk kecil. Seniman mencipta kebanyakan lukisan kecil, di mana figura manusia kelihatan seperti boneka, dan perabotnya adalah mainan. Perlu diperhatikan bahawa dalam kehidupan seharian seorang sekular mengelilingi dirinya dengan perhiasan yang tidak berkesudahan. Malah buku-buku itu dicetak dalam saiz yang luar biasa kecil.
Keghairahan untuk miniatur itu jelas tercermin dalam penggunaan barang kemas yang banyak. Kemasan dalaman, perabot, pakaian dihiasi dengan perhiasan. Seorang ahli sejarah seni mengira bahawa jika kita membuka dan menyambungkan semua busur yang tidak terkira banyaknya yang digunakan oleh para wanita pada masa itu untuk menghiasi pakaian mereka, kita akan mendapat reben sepanjang berpuluh-puluh meter.
Hiasan indah dan stuko gaya Rococo dibezakan oleh kerawang dan keanggunan. Terutama ciri-cirinya adalah hiasan dalam bentuk keriting, dari mana gaya itu mendapat namanya (rococo berasal dari perkataan Perancis go-caille - shell).
Selaras dengan seni gagah ini, harpsichordism Perancis juga berkembang terutamanya. Wataknya banyak ditentukan oleh tuntutan masyarakat sekular.
Untuk menggambarkannya dengan lebih jelas, marilah kita secara mental mengangkut diri ke salun Perancis pada masa itu dengan hiasannya yang elegan, perabot yang bergaya dan harpsichord yang dihias mewah pada kaki melengkung nipis. Wanita berpakaian dan angkuh gagah dalam rambut palsu terlibat dalam perbualan sosial yang santai. Ingin menghiburkan tetamu, nyonya rumah salon itu menjemput seorang pemuzik rumah atau kekasih yang terkenal dengan "bakat"nya untuk "mencuba" instrumen itu. Penghibur tidak dijangka di sini mempunyai seni yang mendalam, penuh dengan idea penting dan semangat yang kuat. Permainan pemain harpsichordis seharusnya, pada dasarnya, meneruskan perbualan sekular ringan yang sama, hanya dinyatakan dalam bahasa bunyi muzik.
Apakah sikap terhadap seni di salon bangsawan, dapat dilihat dari puisi penyair Perancis zaman kegemilangan gaya Rococo - Desforge Mayard:
Harmoni dicipta oleh tangan anda.
Dipeluk oleh pesona yang tidak wajar dan manis,
Dengan rasa malu, saya memberikan semangat saya ke dalam kuasanya.
Saya melihat bagaimana jari-jari itu ringan, seperti Cupid -
Wahai ahli sihir yang licik! Wahai zalim yang lemah lembut! —
Mereka mengembara, berlari di sepanjang kunci yang taat,
Mereka terbang dengan seribu gurauan yang menawan.
Kanak-kanak Cyprian, betapa lincah dan manisnya mereka,
Tetapi untuk mencuri hati, dan tanpa mereka
Cukuplah saudara mereka dan ibu mereka berjaya,
Mereka memerintah di bibir anda dan berkilauan di mata anda** (153, hlm. 465).
(Diterjemah oleh E. N. Alekseeva).
Galaksi ahli harpsichord Perancis pada akhir abad ke-17 dan awal abad ke-18 bersinar dengan nama-nama seperti Francois Couperin, Jean-Philippe Ramoh, Louis Daquin, Francois Dandrieu. Dalam kerja mereka, jelas dimanifestasikan Ciri-ciri utama gaya rococo. Pada masa yang sama, pemuzik ini sering mengatasi keperluan estetik yang lazim dan melampaui seni Soviet yang menghiburkan dan konvensional.
François Couperin (1668-1733), digelar "yang hebat" oleh orang sezamannya, adalah wakil terbesar keluarga muzik Couperin. Belia, selepas kematian ayah, dia mendapat tempat sebagai organis di gereja Saint-Gervais di Paris (jawatan organis pada zaman itu adalah turun-temurun dan diturunkan dalam keluarga pemuzik dari generasi ke generasi). Selepas itu, dia berjaya menjadi pemain harpsichordis mahkamah. Dalam pangkat ini, dia kekal hampir sehingga kematiannya.
Couperin ialah pengarang empat koleksi kepingan harpsichord yang diterbitkan pada tahun 1713, 1717, 1722 dan 1730, ensembel untuk clavier dengan alat rentetan dan tiupan, serta komposisi lain. Di antara drama beliau terdapat banyak pastoral ("Reapers", "Grape Pickers", "Pastoral") dan " potret wanita”, yang merangkumi pelbagai imej (“Florentine”, “Gloomy”, “Sister Monica”, “Teenage Girl”). Anda boleh menemui ciri-ciri psikologi yang halus di dalamnya; bukan tanpa sebab, dalam kata pengantar buku nota pertama dramanya, komposer menulis bahawa "potret" ini "agak serupa."
Banyak lakonan Couperin berdasarkan onomatopoeia yang lucu: Jam Penggera, Kicauan, The Knitters.
Semua nama ini sebahagian besarnya bersyarat dan selalunya tanpa menjejaskan pemahaman makna muzik boleh dipindahkan dari satu bahagian ke bahagian lain. Pada masa yang sama, seseorang tidak boleh tidak mengakui bahawa komposer sering berjaya mencipta "lakaran dari alam semula jadi" yang bercirikan dan benar.
Dalam drama Couperin dan pemain harpsichord Perancis yang lain pada zamannya, melodi yang dihiasi dengan indah jelas menguasai suara yang lain. Selalunya terdapat hanya dua daripada mereka (oleh itu, bersama-sama dengan melodi, mereka membentuk fabrik tiga bahagian). Suara yang mengiringi biasanya dikekalkan sepanjang keseluruhan kerja dan kadangkala memperoleh makna yang bebas.
Hiasan dalam drama pemain harpsichord Perancis adalah kaya dan pelbagai. Secara gaya, ia berkaitan dengan hiasan Rococo yang indah dan stuko. Meliputi rangka garis melodi seperti bunga ivy yang melilit batang pokok, melisma menambah kehalusan, keanehan dan "kelegaan" pada melodi. Ia adalah ciri bahawa di Perancis bahawa hiasan "membungkus" nota melodi menjadi meluas, dan yang paling tipikal daripada mereka, gruppetto, pertama kali ditunjukkan secara grafik oleh seorang pemuzik Perancis (Chambonniere). Trills, grace notes dan mordents juga digunakan secara meluas dalam muzik Perancis.
Dalam drama pemain harpsichord Perancis abad ke-18, berbanding dengan karya Chambonnière, melodi dibezakan oleh keluasan pernafasan yang lebih besar. Ia membangunkan periodicity yang jelas, yang menyediakan corak perkembangan melodi klasik Vienna.
Sehubungan dengan masalah melodi pemain harpsichord Perancis, persoalan yang sangat penting timbul - mengenai hubungan kerja mereka dengan muzik rakyat. Pada pandangan pertama, ia mungkin kelihatan terpisah dari tanah yang popular. Kesimpulan ini, bagaimanapun, akan tergesa-gesa dan tersilap. Pemikiran K. A. Kuznetsov, yang berpendapat bahawa Couperin "melalui pakaian tipis bangsawan dari kepingan harpsichordnya, membuat jalan melalui muzik tarian bulat kampung, lagu kampung, dengan strukturnya" (56, ms 120).
Sememangnya, jika kita membayangkan baris melodi beberapa keping ini tanpa hiasan hiasannya, kita akan mendengar motif mudah dalam semangat lagu rakyat Perancis.
Dalam kerja Couperin, gejala penguraian suite ditemui. Walaupun secara rasmi komposer menggabungkan karyanya ke dalam kitaran (dia memanggilnya ordres - set), tiada sambungan organik antara bahagian individu suite. Pengecualian dalam hal ini jarang berlaku. Mereka boleh memasukkan percubaan menarik untuk menggabungkan beberapa drama dengan konsep program yang sama (suite "Tahun Muda", yang merangkumi karya: "The Birth of a Muse", "Childhood", "A Teenage Girl" dan "Charms", atau kitaran "Domino" sebanyak 12 keping , menggambarkan imej penyamaran).
Couperin dicirikan oleh carian dalam bidang miniatur, yang memenuhi tugas merangkumi pelbagai mood dan kerja "perhiasan" kecil pada butiran, dan bukan pencarian bentuk monumental yang mampu menyampaikan konsep ideologi yang besar. Di sini dia menunjukkan dirinya sebagai seorang artis berdiri di atasnya kedudukan estetik rococo.
Walau bagaimanapun, jika berkenaan dengan pemilihan jenis kerja harpsichord, Couperin cenderung untuk beralih daripada bentuk besar(suite), namun begitu miniaturnya lebih maju dan berskala lebih besar daripada bahagian individu kitaran suite abad ke-17. Terutama baru dan penting dari sudut pandangan proses perkembangan seni instrumental masa depan adalah ciptaan Couperin kontras dalam kerja individu(bentuk rondo), yang membezakan secara tajam karyanya daripada karya Chambonnière. Benar, kontras dalam Couperin masih agak kecil. "Korus" dan "pantun" dalam karyanya jauh daripada kontras seperti dalam Rondo klasik Vienna. Di samping itu, muzik Couperin lebih berkaitan dengan tarian, menjadi lebih "suite" daripada "sonata" dalam hal ini. Walau bagaimanapun, satu langkah penting ke arah penyediaan gaya klasikisme pada akhir abad ke-18, khususnya sonata kitaran (terutamanya beberapa jenis pergerakan terakhirnya), Couperin telah pun diambil.
Jean-Philippe Rameau (1683-1764) ialah wakil ahli harpsichordis Perancis generasi terkemudian, dan walaupun karya clavier beliau secara kronologi bertepatan dengan Couperin, ia mempunyai ciri-ciri baru berbanding dengan yang terakhir ini. Apa yang baru dalam Rameau ditentukan, nampaknya, terutamanya oleh sifat aktiviti kreatifnya yang agak berbeza daripada Couperin, dan lebih-lebih lagi oleh fakta bahawa dalam tempoh pertama hidupnya-selama tahun-tahun mencipta gubahan yang lebih jelas-dia telah dikaitkan dengan lingkungan sosial yang lain.
Ramo dilahirkan dalam keluarga pemuzik. Pada masa mudanya, dia bekerja sebagai pemain biola dalam kumpulan opera, dengan mana dia mengembara di sekitar Itali, kemudian dia menjadi seorang ahli organ di pelbagai bandar di Perancis. Secara selari, Ramo terlibat dalam kreativiti; dia mencipta, antara karya lain, untuk harpsichord beberapa keping dan beberapa ensemble. Adalah penting untuk ambil perhatian bahawa Rameau, sebagai tambahan, menulis pada tahun-tahun ini muzik untuk genre demokratik seperti komedi tapak pameran. Muzik ini sebahagiannya digunakan olehnya dalam kepingan harpsichord (mungkin, seperti yang dicadangkan oleh T. N. Livanova, dalam "Tamborin" dan "Wanita Petani" yang terkenal).
Seorang komposer opera dan harpsichord yang cemerlang, Rameau juga seorang ahli muzik teori yang memainkan peranan utama dalam pembangunan teori keharmonian.
Pandangan muzik yang luas, kerja kreatif dalam pelbagai genre - daripada opera hingga komedi pameran Perancis, pengalaman persembahan serba boleh ahli organ, pemain harpsichordis dan pemain biola - semua ini dicerminkan dalam seni Rameau yang lebih jelas. Dalam beberapa aspeknya, ia bercantum rapat dengan karya F. Couperin. Terdapat banyak karya oleh komposer ini, dari segi gaya sangat rapat antara satu sama lain. Tidak dinafikan bahawa kedua-dua orang sezaman yang cemerlang itu tidak terlepas daripada pengaruh bersama.
Walau bagaimanapun, dalam kebanyakan gubahan Rameau, terdapat keinginan untuk kurang aneh dan hiasan hiasan corak melodi, untuk tafsiran bentuk tarian yang lebih bebas, untuk tekstur yang lebih maju dan virtuoso. Oleh itu, dalam Gigue e-moll, yang ditulis dalam bentuk rondo, ciri-ciri tarian genre tersembunyi dan gaya merdu komposer sentimentalis pada pertengahan abad ke-18 dijangka (L. Godovsky, apabila memproses gigue ini, malah mengubahnya menjadi "Elegy"). Ia dicirikan oleh kedua-dua selekoh sensitif melodi, dan bilangan hiasan yang lebih kecil, dan iringan, mengingatkan popular dalam lebih tempoh lewat"Basses Albertian" ialah kord terurai, dinamakan sempena komposer Itali separuh pertama abad ke-18 Alberti, yang mula menggunakannya secara meluas (nota 11).
Inovasi tekstur Rameau yang paling berani dikaitkan dengan imej yang melangkaui tema rococo biasa. Dalam drama "Solon simpletons", yang mengeluarkan semula tarian kampung, persembahan luas kiasan di tangan kiri muncul (nota 12).
Apabila menyampaikan imej "Gypsy" yang bersemangat, Rameau juga menggunakan angka yang tidak tipikal untuk gaya Rococo dalam bentuk arpeggios patah (nota 13).
Tekstur yang luar biasa digunakan oleh Rameau dalam bahagian "Whirlwinds", di mana arpeggio, dilakukan secara berselang-seli dengan dua tangan, menangkap julat beberapa oktaf (nota 14).
Antara lakonan pemain harpsichord lain dari sekolah Perancis pada separuh pertama abad ke-18,< Кукушка» Дакена — действительно
очень талантливое произведение, мастерски созданное на основе одного мотива
— «кукования» кукушки. Значительный художественный интерес представляют
некоторые пьесы Дандриё («Дудочки» и другие). Среди его сочинений обращает
на себя внимание рондо «Страждущая» (или «Воздыхающая»), написанное в
сугубо чувствительных тонах и свидетельствующее об усилении во французском
клавесинизме к середине столетия тенденций сентиментализма (прим. 15).
Mari kita ringkaskan secara ringkas ciri ciri gaya muzik harpsichord Perancis zaman Rococo dalam bentuk di mana mereka menampakkan diri dalam karya wakil terbaiknya.
Kami melihat bahawa, walaupun kejelasan gaya dan kepastian, muzik ini penuh dengan percanggahan.
Memberi penghormatan kepada tema bersyarat Rococo, pemain harpsichordis Perancis dalam karya terbaik mereka mencipta unsur-unsur seni sebenar kehidupan, menggariskan pada tahap tertentu arah genre-bergambar dan lirik-psikologi dalam muzik.
Melodi harpsichord rococo, permulaan ekspresif utama muzik ini, walaupun pakaian hiasan yang bergaya, mendedahkan hubungan dengan musim bunga seni rakyat yang memberi kehidupan dan pada tahap tertentu menjangkakan bahasa muzik klasik pada akhir abad ke-18.
Mencerminkan ciri khas seni rococo: kecanggihan, penghalusan, graviti ke arah miniatur, ke arah melicinkan " sudut tajam”, miniatur-rondo harpsichord pada masa yang sama menyediakan kontras, dinamisme dan monumentaliti sonata klasik.
Di luar ketidakkonsistenan ini, adalah mustahil untuk memahami mengapa warisan terbaik ahli harpsichordis Perancis terus menarik kami walaupun sekarang - penghibur dan pendengar yang hidup dengan cita-cita estetik yang berbeza sama sekali.
Zaman kegemilangan harpsichordism Perancis menampakkan dirinya bukan sahaja dalam bidang mengarang muzik, tetapi juga dalam seni persembahan dan pedagogi.
Sumber yang paling penting untuk kajian bidang seni muzik ini, sebagai tambahan kepada monumen komposer, adalah manual clavier. Yang paling penting daripada mereka ialah risalah oleh F. Couperin "The Art of Playing the Harpsichord" (1716), yang mensistematisasikan prinsip prestasi ciri ahli harpsichordis Perancis dan memberikan banyak petua pedagogi yang menarik, yang sebahagiannya tidak kehilangan kepentingannya hingga ke hari ini . Satu lagi kerja pedagogi dalam tempoh itu juga sangat menarik - Kaedah Mekanik Jari Rameau, diterbitkan dalam buku nota kedua kepingan harpsichordnya (1724). Ia hanya menumpukan kepada satu masalah - pembangunan teknikal pelajar.
Berdasarkan risalah ini dan sumber lain yang tersedia untuk kami, kami perhatikan ciri-ciri yang paling penting dalam seni persembahan dan pedagogi pemain harpsichordis Perancis pada separuh pertama abad ke-18 dan memikirkan beberapa masalah yang timbul dalam tafsiran mereka. gubahan.
Pertama sekali, perhatian yang diberikan kepada penampilan pemain di belakang instrumen adalah ciri. Pendengar sepatutnya tidak menganggap bahawa bermain harpsichord adalah pekerjaan yang serius, kerana kerja, mengikut konsep orang sekular, adalah sifat seorang hamba, "orang biasa". "Di sebalik harpsichord," Couperin mengajar dalam manualnya, "seseorang mesti duduk dengan tenang; rupa tidak seharusnya sama ada tertumpu pada mana-mana subjek, atau berselerak; dalam satu perkataan, seseorang mesti melihat masyarakat seolah-olah dia tidak sibuk dengan apa-apa” (141, ms. 5-6). Couperin memberi amaran supaya tidak menekankan rentak semasa bermain dengan pergerakan kepala, badan atau kaki. Pada pendapatnya, ini bukan sahaja tabiat yang tidak perlu yang mengganggu pendengar dan pelaku. Ini tidak sesuai. Untuk "menghilangkan geram" semasa permainan, dia mengesyorkan melihat diri anda di cermin semasa latihan, yang mencadangkan meletakkan harpsichord pada tempat muzik.
Semua "kesatriaan" tingkah laku pelakon ini, mengingatkan senyuman tradisional ballerina dalam balet klasik, adalah ciri khas seni persembahan era Rococo.
Salah satu tugas yang paling penting ahli harpsichordist ialah kebolehan untuk melakukan hiasan secara halus dan menarik dalam melodi. Pada abad ke-17, pewarnaan melodi sebahagian besarnya dilakukan oleh penghibur. "Dalam pilihan barang kemas," tulis Saint-Lambert dalam manualnya, "ada kebebasan sepenuhnya. Dalam kepingan yang dipelajari, hiasan boleh dimainkan walaupun di tempat yang tidak ditunjukkan. Anda boleh membuang hiasan dalam drama jika didapati tidak sesuai, dan menggantikannya dengan yang lain pilihan anda” (190, ms 124). Lama kelamaan, sikap terhadap perubahan improvisasi dalam melisma menjadi berbeza. Perkembangan ketukangan halus dan canggih, di mana butiran hiasan terkecil mendapat kepentingan yang besar dan berfungsi sebagai penunjuk "rasa sebenar" pemuzik, membelenggu permulaan improvisasi dalam seni persembahan. Berdasarkan beberapa kenyataan Couperin, sudah pada zamannya di sekolah harpsichord Perancis, improvisasi mula beransur-ansur merosot. Dia mula menentang seni persembahan, berdasarkan pembelajaran teliti komposisi pra-tulis dan bernas dalam setiap perincian. Couperin terutamanya tanpa kompromi menentang perubahan improvisasi dalam hiasan dalam karyanya. Dalam kata pengantar buku ketiga kepingan harpsichord, dengan ketekunan yang menakjubkan, walaupun dalam nada yang agak jengkel, sangat luar biasa baginya gaya sastera, menegaskan keperluan untuk benar-benar memenuhi semua butiran teks, kerana jika tidak, dia berkata, dramanya tidak akan memberi kesan yang betul kepada orang yang mempunyai rasa sebenar.
Kata-kata salah seorang pemain terhebat pada zamannya ini tidak hilang maknanya hingga ke hari ini. Setiap pemain piano yang memainkan lagu oleh tuan lama harus mengingati mereka.
Berbanding dengan pemuzik dari sekolah kebangsaan lain, pemain harpsichord Perancis memberikan peraturan yang lebih tepat untuk menguraikan perhiasan. Dalam hal ini tidak boleh gagal untuk melihat pengaruh rasionalisme, ciri budaya Perancis, yang menimbulkan keinginan untuk kejelasan dan subordinasi kreativiti artistik kepada corak logik yang ditetapkan dengan ketat.
Berkenalan dengan amalan mentafsir melisma oleh pemain harpsichord Perancis adalah penting kerana ia sebahagian besarnya menentukan prinsip membuat perhiasan di sekolah kebangsaan lain. Seperti, sebagai contoh, arahan Couperin, sebagai pelaksanaan trill dari tambahan atas atau nota rahmat kerana tempoh berikutnya, telah dikongsi oleh kebanyakan pemuzik pada separuh pertama abad ke-18.
Berikut ialah beberapa contoh melisma F. Couperin dan penyahkodannya mengikut arahan yang diberikan oleh komposer (nota, 16).
Terhad dari segi palet dinamik oleh ciri-ciri instrumen, pemain harpsichordis Perancis, nampaknya, berusaha untuk mengimbangi monotoni dinamik dengan pelbagai timbre. Ia boleh diandaikan bahawa, seperti pemain harpsichord moden, mereka menukar warna apabila mengulangi pantang rondo atau mempertingkatkan kontras antara pantun dan pantun menggunakan timbre yang mereka gunakan. Penggunaan mahir pelbagai daftar (lute, bassoon dan lain-lain) sudah pasti memberikan karya harpsichord ciri dan kecerahan yang lebih besar. Sebagai contoh rakaman miniatur harpsichord oleh penghibur moden, pertimbangkan tafsiran drama terkenal Couperin The Reapers oleh Zuzana Ruzickova (nota 17).
Semua menahan diri, kecuali yang ketiga, dilakukan oleh kebolehannya. Sifat lirik dari dua rangkap pertama didedahkan oleh pewarnaan nada yang berbeza dan lebih terang. Perbezaan antara refrain dan rangkap ketiga, yang paling atas dari segi pic, ditekankan oleh persembahannya satu oktaf lebih tinggi dan timbre perak bunyi. Oleh itu, pendaftaran adalah selaras dengan garis umum perkembangan ayat-ayat, yang digariskan oleh komposer, ke klimaks "tenang" dalam ayat ketiga dan meningkatkan kelegaan tentangan dua sfera kiasan - tarian "kumpulan" dan " individu” (ini juga difasilitasi oleh irama - sangat pasti dalam refrain dan dengan unsur rubato dalam kuplet).
Menggunakan kemungkinan dinamik piano yang kaya, pemain piano mesti tanpa jemu menjaga kecemerlangan persembahan, kerana ia amat sukar untuk mencapainya. Untuk memperkayakan palet bunyi, anda perlu mahir menggunakan dinamik dan pedal. Bukan setiap pedal dan bukan setiap dinamik menyumbang kepada peningkatan warna-warni prestasi. Kadang-kadang ini sarana ekspresi mungkin juga mempunyai kesan sebaliknya. Untuk mencapai kepelbagaian timbre, seseorang harus menggunakan warna pedal yang berbeza dan apa yang dipanggil dinamik "teres". Warna pedal yang kontras tidak bermakna penggunaan pedal yang berterusan, tetapi silih berganti binaan tanpa pedal (atau hampir tanpa pedal) dan pedal yang banyak dikayuh. Dalam pembinaan yang sepatutnya berbunyi sangat telus, kadangkala anda perlu menggunakan pukulan pedal yang paling ringan. Kepentingan pedalisasi jenis ini untuk penghantaran kepingan harpsichord ke piano ditekankan oleh N. I. Golubovskaya dalam kata pengantarnya kepada gubahan virginalis Inggeris. "Peranan yang sangat penting dalam prestasi karya harpsichord," ia menyatakan, "memperoleh pemilikan gradasi halus kedalaman menekan pedal. Pedal yang tidak lengkap, kadangkala hampir tidak ditekan mengekalkan ketelusan polifonik, melembutkan kekeringan nada” (32, hlm. 4).
Prinsip dinamik "berteres" terdiri daripada penggunaan utama perbandingan kontras penggredan kekuatan sonoriti. Ini tidak bermakna, sudah tentu, penggunaan warna dinamik lain dikecualikan. Ia mengenai hanya bahawa prinsip yang menentukan adalah kontras, dan bukan kelancaran peralihan dari satu daya kedengaran kepada yang lain. Dalam had mana-mana satu segmen skala dinamik, contohnya, dalam piano atau forte, diminuendo dan crescendo kecil boleh dan harus digunakan.
Ramai komposer pada zaman itu menulis kepingan merdu perlahan untuk harpsichord. Couperin dan pemain harpsichord Perancis yang lain mempunyai banyak komposisi sedemikian. Ciri-cirinya, dalam kepingan yang memerlukan sonoriti legato, pemain harpsichordis mengesyorkan permainan itu sekoheren yang mungkin. Couperin dalam kes sedemikian kadang-kadang dicadangkan menggunakan penggantian jari pada satu kunci.
Adalah wajar bahawa, memandangkan kemungkinan besar bermain legato yang wujud pada piano moden, kita mesti merealisasikan kehendak pemain harpsichordis dan, dalam kes-kes yang perlu, di mana sifat muzik memerlukannya, berusaha untuk mencapai kesepaduan dan kemerduan maksimum. bunyi.
Dalam rancangan inilah dia mempersembahkan lakonan F. Couperin dan J.-F. Pianis Rameau Helen Bosky (rakaman syarikat Czech "Suprafon"). Mereka muncul dalam semua pesona kecanggihan artistik mereka dan pada masa yang sama tanpa penekanan khusus pada unsur-unsur ragam, etika upacara yang wujud dalam seni gaya Rococo. Seperti Ruzickova, Bosky memberi tumpuan terutamanya pada mendedahkan kandungan emosi drama, kekayaan nuansa perasaan yang tercetak di dalamnya. Pada masa yang sama, pemain piano pada tahap tertentu mengeluarkan semula ciri-ciri timbre-dinamik bunyi harpsichord, tetapi, menggunakan kemungkinan ekspresif piano, dia memberikan perkembangan pemikiran muzik kebolehubahan intonasi yang lebih besar dan ekspresif. Contoh ciri ialah tafsiran F. Couperin tentang Sarabande dalam h-moll. Pengarang memanggilnya "The Only One", menyatakan, nampaknya, sikap istimewanya terhadap imej yang dicetak di dalamnya. Dalam galeri "potret wanita" oleh pemain harpsichord Perancis, Sarabande menonjol untuk ketegangan luar biasa sfera emosi, kekuatan yang terkawal, tetapi bersedia untuk keluar dari perasaan dramatik, kadang-kadang diterangi oleh cahaya lirik yang tulus. ungkapan. Permainan itu menarik dengan ekspresi melodinya, kandungan intonasi yang diwarnai cembung dengan warna-warni, berani untuk masa itu giliran harmonik.
Untuk menyampaikan pada harpsichord semua kekayaan muzik miniatur sepenuhnya tidak mungkin. Sesungguhnya: bagaimana untuk mencapai fleksibiliti vokal dan pertuturan yang diperlukan untuk menyebut melodi yang memerlukan perubahan berterusan dalam kekuatan bunyi (tugas itu lebih rumit dengan banyaknya melisma, yang sepatutnya bergabung secara organik dengan bunyi utama melodi ) (nota 18)?
Bagaimanakah garis melodi yang boleh diubah secara dinamik ini boleh dikaitkan dengan suara yang mengiringinya, yang kadangkala berfungsi sebagai latar belakang yang lembut, kemudian, seperti bass dalam ukuran kedua, muncul di hadapan? Bagaimana untuk mengeluarkan keindahan puitis tahap rendah VI dalam langkah keempat dan kelima, kesan paling halus "limpahan" harmoni dari daftar rendah ke atas, apabila ia muncul dalam pencahayaan berwarna-warni yang sama sekali berbeza, menyebabkan sebahagian besar oleh "sinar" bunyi melodi yang sangat kuat?
Pada piano, tugas-tugas ini agak boleh diselesaikan. Prestasi Bosca boleh menjadi bukti perkara ini. Pada saat yang paling penting, apabila klimaks "tenang" direalisasikan (bar 2 dan 3 Contoh 18 6), perhatian pendengar tertarik bukan sahaja oleh kelembutan khas bunyi kord keenam kecil arpeggiated, suara melodinya, tetapi juga dengan sedikit kelembapan dalam tempo. Dalam khayalan, terserlah kenangan tersayang yang ingin saya hayati. Kami juga perhatikan prestasi kord ketujuh yang berkurangan pada permulaan ukuran seterusnya. Kord ketujuh yang dikurangkan, tanpa belas kasihan "dieksploitasi" oleh komposer romantik, kedengaran masih segar pada zaman Couperin. Penampilan pertama dan satu-satunya dalam drama itu adalah untuk memberikan gambaran luar biasa harmonik. Itulah bagaimana pemain piano mendengarnya. Dia memberikannya pewarnaan yang sedikit diredam dan dengan teduhan pewarnaan emosi yang tiba-tiba ini menyediakan persepsi perkembangan impulsif-dramatik muzik selanjutnya.
Untuk menyampaikan nuansa halus perasaan yang memerlukan perubahan timbre-dinamik yang fleksibel dalam bunyi, cara ekspresif piano ternyata diperlukan pada tahap yang lebih besar daripada ketika melakukan bahagian pertama karya itu.
Amat penting apabila mentafsir miniatur harpsichord ialah rendering halus oleh penghibur irama metro tarian, yang memberikan banyak karya yang belum kehilangan hubungannya dengan tarian daya tarikan istimewa dan daya hidup yang tulen. Bukan kebetulan bahawa dalam risalah ahli harpsichord Perancis terdapat petunjuk
tepat untuk jenis metroritma melaksanakan ini - elastik, aktif. Persembahan Wanda Landowska "Tambourine" Rameau dan banyak lagi karya ahli harpsichordis diserap dengan permulaan tarian seperti ini.
Mari kita perhatikan beberapa prinsip ciri ahli harpsichord Perancis di kawasan motor.
Kehebatan mereka berbanding dengan kehebatan kelas kontemporari sekolah kebangsaan lain - J. S. Bach, Scarlatti - adalah jenis yang agak terhad. Mereka hanya menggunakan teknik jari halus dan, lebih-lebih lagi, terutamanya teknik kedudukan, iaitu, petikan dan kiasan dalam kedudukan tangan tanpa meletakkan jari pertama. Tetapi dalam bidang teknik jari, pemain harpsichord Perancis mencapai kesempurnaan yang menakjubkan. Menurut Saint-Lambert, virtuosos Paris dibezakan oleh "kemerdekaan" jari mereka yang begitu maju sehingga mereka boleh sama-sama bebas melakukan trill dengan mana-mana jari.
Prinsip metodologi ahli harpsichordis Perancis, yang mendasari perkembangan kemahiran motor, paling jelas dirumuskan oleh Rameau dalam kerja pedagoginya yang telah disebutkan. Secara umumnya, sistem pandangan ini adalah progresif pada masa itu.
Di antara pemasangan Rameau yang paling maju, perlu diperhatikan advokasinya tentang peluang besar untuk pembangunan kecenderungan semula jadi manusia, tertakluk kepada kerja yang berterusan, bertujuan dan sedar. "Sudah tentu, tidak semua orang mempunyai kebolehan yang sama," tulis Rameau. “Bagaimanapun, melainkan jika terdapat kecacatan tertentu yang mengganggu pergerakan normal jari, kemungkinan untuk mengembangkannya ke tahap kesempurnaan yang boleh disenangi oleh permainan kita, bergantung semata-mata kepada diri kita sendiri, dan saya berani mengatakan bahawa orang yang tekun dan kerja diarahkan usaha yang perlu dan beberapa masa pasti akan meluruskan jari, walaupun yang paling kurang berbakat. Siapa yang berani bergantung hanya pada kebolehan semula jadi? Bagaimanakah seseorang boleh berharap untuk menemuinya tanpa melakukan kerja awal yang diperlukan untuk menemuinya? Dan apakah yang boleh dikaitkan dengan kejayaan yang dicapai, jika bukan kerja khusus ini? (186, hlm. XXXV). Kata-kata seorang tokoh terkemuka dalam budaya borjuasi dalam tempoh pembentukannya, disemai dengan keyakinan yang tidak tergoyahkan dalam kekuatan minda manusia, dalam kemungkinan untuk mengatasi kesukaran yang ketara, berbeza dengan ketara dengan rekaan beberapa saintis borjuasi moden yang menyebarkan fatalistik. penentuan awal perkembangan kebolehan manusia mengikut kecenderungan semula jadinya.
Salah satu prinsip yang paling berkesan dalam teknik harpsichord di kawasan motor ialah perjuangan tanpa jemu melawan ketegangan otot yang berbahaya. Keperluan untuk kebebasan radas motor semasa permainan telah berulang kali ditekankan oleh Couperin. Ramo juga banyak bercakap tentang perkara ini. Sangat bernilai adalah kenyataan beliau tentang keperluan untuk mengekalkan fleksibiliti pergelangan tangan ketika bermain. "Fleksibiliti ini," katanya, "kemudian juga meluas ke jari, menjadikannya bebas sepenuhnya dan memberi mereka ringan yang diperlukan" (186, ms. XXXVI).
Ia juga penting untuk menggunakan teknik penjarian baru Rameau, iaitu: meletakkan jari pertama, yang sudah pasti berkaitan dengan penampilan tekstur yang lebih maju dalam gubahannya.
Secara meluas dipercayai bahawa J.S. Bach "mencipta" teknik ini. Ia pergi dari tangan ringan F. E. Bach, yang menyatakannya dalam kerja metodologinya. Sementara itu, terdapat sebab yang baik untuk tidak mengaitkan inovasi ini kepada J. S. Bach sahaja. Ia mula merebak di pelbagai sekolah kebangsaan, dan di Perancis, mungkin lebih awal daripada di Jerman. Sekurang-kurangnya Denis yang telah disebutkan, pengarang risalah mengenai penalaan spinet (ingat bahawa risalah itu diterbitkan pada tahun 1650), mengesyorkan agar semua jari digunakan secara meluas. “Apabila saya mula belajar,” tulisnya, “guru mematuhi peraturan bahawa apabila bermain anda tidak boleh menggunakan ibu jari tangan kanan anda; Walau bagaimanapun, kemudian saya menjadi yakin bahawa jika seseorang mempunyai tangan sebanyak Briareus (gergasi dari mitologi kuno yang mempunyai seratus lengan dan lima puluh kepala. - A. A), - ia akan tetap digunakan oleh semua orang semasa bermain, walaupun kekunci pada papan kekunci tidak begitu banyak ”(143, ms 37).
Terdapat sebab untuk mempercayai bahawa pada separuh pertama abad ke-18, ibu jari mula digunakan secara meluas oleh beberapa pemain clavier Itali. D. Scarlatti, menurut memoir sezamannya, berkata bahawa dia tidak melihat sebab mengapa tidak menggunakan sepuluh jari ketika bermain, jika alam memberikannya kepada manusia. Kata-kata ini, nampaknya, harus difahami sebagai nasihat untuk menggunakan sisipan jari pertama. Dari 30-an abad ke-18, prinsip penjarian baru, yang dipanggil "Itali", mula tersebar di England. Jika kita mengakui bahawa Scarlatti memang menggunakan ibu jari, kemungkinan besar dia yang membawa teknik penjarian ini ke England.
Meletakkan jari pertama adalah satu inovasi yang sangat penting. Ia dengan cepat memajukan pembangunan teknik clavier. Pada masa yang sama, teknik ini, setelah memudahkan mengatasi banyak kesulitan teknikal, seperti yang biasanya berlaku dalam kes sedemikian, seterusnya mempengaruhi perkembangan tekstur clavier, menyumbang kepada komplikasi berikutnya. Pada mulanya diaplikasikan oleh virtuoso paling cemerlang pada zaman mereka, prinsip penjarian baharu mula tersebar secara beransur-ansur di kalangan penghibur biasa. Walau bagaimanapun, ia mengambil masa beberapa dekad lagi untuk mereka akhirnya bertapak dalam amalan. Sepanjang abad ke-18, bersama-sama dengan sisipan jari pertama, penjarian kuno berdasarkan peralihan jari tengah juga digunakan secara meluas. Malah pada akhir abad ini, D. G. Türk, salah seorang guru piano yang paling dihormati, menulis dalam manualnya bahawa dia tidak berani membuang penjarian ini, walaupun pada hakikatnya dia akan membenarkan ia digunakan hanya dalam kes yang jarang berlaku. Hanya pada abad ke-19 prinsip meletakkan jari pertama kukuh dalam pedagogi piano. Bagi teknik mengalihkan jari, ia tidak sepenuhnya hilang dari amalan. Ia digunakan apabila memainkan not berganda, dalam polifoni, dalam beberapa petikan (lihat, sebagai contoh, Etude Chopin a-moll op. 10).
Bersama-sama dengan prinsip-prinsip ini, yang tidak kehilangan kepentingan progresifnya untuk keseluruhan sejarah budaya piano yang berikutnya, Rameau mempunyai kenyataan yang bersifat sementara dari segi sejarah, tetapi sangat tipikal pada masa itu. Dia percaya, sebagai contoh, bahawa fenomena psikologi yang kompleks dan teratur seperti proses senaman boleh dikurangkan "kepada mekanik mudah." Ini tercermin dalam batasan pemikiran saintifik abad ke-18, yang wujud walaupun dalam pemikir yang paling cemerlang pada masa itu - ahli falsafah materialis. “Materialisme pada abad yang lalu,” tulis Engels, “terutamanya mekanikal, kerana semua sains semula jadi pada masa itu hanya mekanik telah mencapai penyelesaian tertentu. Di mata materialis abad kelapan belas, manusia adalah mesin, sama seperti haiwan di mata Descartes. Aplikasi ini secara eksklusif dari skala mekanik kepada proses yang bersifat kimia dan organik - dalam bidang yang undang-undang mekanikal, walaupun ia terus beroperasi, tetapi berundur ke latar belakang sebelum undang-undang yang lebih tinggi - merupakan yang pertama yang pelik, tetapi kemudiannya tidak dapat dielakkan. batasan materialisme Perancis klasik ”(3 , ms 286).
Dalam usaha untuk menghapuskan sebanyak mungkin pergerakan tangan, Rameau mengatakan bahawa ia sepatutnya "seolah-olah mati" dan berfungsi hanya untuk "menyokong jari-jari yang melekat padanya dan memindahkannya ke tempat-tempat pada papan kekunci yang tidak dapat dicapai. sendiri" (186, ms. XXXVI).
Selepas "menetapkan" jari pada papan kekunci, Ramo mencadangkan memulakan permainan latihan - "Pelajaran Pertama". "Pelajaran Pertama" ini hanyalah urutan lima bunyi: do, re, mi, fa, sol. Penulis mengesyorkan mempelajarinya pada mulanya dengan setiap tangan secara berasingan, kemudian "dalam pelbagai cara, sehingga anda merasakan bahawa tangan telah memperoleh kemahiran sedemikian sehingga tidak ada lagi yang perlu ditakuti daripada melanggar ketepatan Pergerakan mereka" (186, hlm XXXVII).
Dari sudut pandangan subagogues Soviet, prinsip Rameau di atas tidak sesuai untuk diteliti. Apatah lagi kesilapan mengurangkan latihan kepada "mekanik mudah", adalah salah untuk berusaha untuk tangan menjadi seolah-olah "mati", adalah tidak wajar untuk segera memulakan dengan latihan seperti "Pelajaran Pertama" Ramo.
Walau bagaimanapun, pada zamannya, sistem prinsip motor ini telah dimajukan. Ia mencerminkan kecenderungan progresif ke arah pengenalan kaedah pemikiran saintifik ke dalam seni pedagogi dan ke arah rasionalisasi proses pendidikan teknikal pelajar. Ia dikaitkan dengan amalan persembahan harpsichord, berdasarkan penggunaan teknik jari halus dalam julat instrumen yang agak kecil.
Karya-karya ahli harpsichordis Perancis, yang dahulunya sangat popular, pada akhir abad ke-18 telah tidak lagi menduduki mana-mana tempat penting dalam repertoir persembahan dan pedagogi. Kebangkitan muzik ini di Perancis bermula pada dekad kebelakangan ini abad yang lalu. Ia dijelaskan pada tahap tertentu oleh perkembangan kecenderungan estetik dan gaya, tetapi dalam banyak cara juga oleh keinginan sihat pemuzik progresif untuk membangunkan tradisi klasik kebangsaan.
Pemuzik Rusia juga menunjukkan minat terhadap karya ahli harpsichord Perancis abad ke-18. Mari kita imbas kembali persembahan karya Couperin dan Rameau oleh Anton Rubinstein dalam Konsert Sejarahnya. Persembahan Rachmaninoff "The Cuckoo" oleh Daken boleh menjadi contoh yang luar biasa bagi tafsiran asal miniatur harpsichord. Tidak seperti beberapa pemain piano, yang memberikan karya ini watak yang anggun dan lesu, pemain piano yang cemerlang itu mempertajamkan ciri-ciri yang wujud iaitu jenaka yang elegan dan semangat yang ceria. Perincian yang cerdik memainkan peranan penting dalam mencipta imej sedemikian - "lukisan" berirama yang kuat dari bunyi pendek dalam motif "memasak".
Di antara penghibur karya Soviet oleh pemain harpsichord Perancis, kami perhatikan E. Beckman-Shcherbina, N. Golubovskaya, G. Kogan, M. Nemenova-Lunts, N. Perelman. G. Kogan juga menyumbang kepada promosi warisan harpsichord dengan kuliah dan artikelnya.
Terdapat edisi jenis akademik bagi karya lengkap F. Couperin, yang dibuat oleh sekumpulan ahli muzik Perancis yang diketuai oleh Maurice Cauchy (Paris, 1932-1933), dan karya Rameau, disunting oleh C. Saint-Saens (Paris, 1895-1918).
Idea edisi pertama karya F. Couperin diberikan oleh koleksi empat jilid karya harpsichordnya, dikeluarkan di Budapest pada 1969-1971 oleh pemain piano dan pemain harpsichordis Hungary J. Gat. Jenis penerbitan yang serupa ialah jumlah karya lengkap untuk harpsichord oleh Rameau, diterbitkan pada tahun 1972 oleh rumah penerbitan Muzyka (editor L. Roshchina, artikel pengenalan oleh V. Bryantseva). Sebilangan besar drama oleh F. Couperin, Rameau dan pemain harpsichord Perancis lain, disediakan dengan nota terperinci tentang sifat persembahan mereka, terkandung dalam tiga koleksi yang disusun oleh A. Yurovsky (Moscow, 1935, 1937).
Laporan sejarah sains
topik "Muzik Perancis pada abad ke-18"
Pelajar darjah 10 Fakulti Fizik dan Matematik
Lyceum №1525 "Bukit Sparrow"
Kazakov Philip.
Perkara pertama yang perlu dikatakan tentang muzik Perancis pada abad ke-18 ialah, tidak seperti negara-negara terkemuka dalam bidang muzik (seperti Jerman, Austria, Sepanyol dan Itali), Perancis tidak boleh berbangga dengan sama ada sejumlah besar yang terkenal terutamanya. komposer atau penghibur, mahupun pelbagai jenis karya terkenal. Gluck dianggap sebagai komposer Perancis yang paling terkenal pada masa itu, tetapi dia juga berasal dari Jerman. Sebahagiannya, keadaan ini ditentukan oleh kepentingan masyarakat, yang menentukan gaya muzik. Pertimbangkan perkembangan muzik pada abad ke-18.
Pada awal abad ini, gaya muzik yang paling popular adalah sentimental klasikisme. Ia adalah muzik yang perlahan dan tidak tergesa-gesa, tidak terlalu rumit. memainkannya alat muzik bertali. Biasanya dia mengiringi bola dan jamuan, tetapi mereka juga suka mendengarnya dalam suasana rumah yang santai.
Kemudian, ciri dan teknik mula jatuh ke dalam muzik kecapi Rococo, seperti trill dan bendera. Ia telah memperoleh rupa yang lebih rumit, frasa muzik telah menjadi lebih kompleks dan menarik. Muzik telah menjadi lebih terpisah daripada realiti, lebih hebat, kurang betul dan dengan itu lebih dekat dengan pendengar.
Lebih dekat dengan separuh kedua abad ke-18, ciri-ciri Rococo digabungkan menjadi muzik sehingga ia mula memperoleh orientasi tertentu. Jadi, tidak lama kemudian dua arah jelas muncul dalam muzik: muzik untuk menari dan muzik untuk menyanyi. Bola diiringi muzik untuk menari, muzik untuk nyanyian dibunyikan dalam suasana yang sulit. Selalunya, bangsawan juga suka menyanyi mengikut bunyi harpsichord rumah. Pada masa yang sama, genre teater baru balet-komedi muncul, menggabungkan dialog, tarian dan pantomim, instrumental, kadang-kadang muzik vokal. Penciptanya ialah J. B. Moliere dan komposer J. B. Lully. Genre ini mempunyai kesan yang besar terhadap perkembangan seterusnya teater muzikal Perancis.
Berikutan pemisahan genre muzik yang lebih halus, muzik perarakan mula muncul. Ia adalah muzik yang keras, kuat dan bising. Pada masa ini, meluas alat perkusi(dram dan simbal), yang menetapkan irama, dengan itu menghalang kerja prestasi individu. Terdapat juga banyak penggunaan instrumen seperti trompet, yang terutamanya berfungsi untuk meningkatkan jumlah keseluruhan muzik. Ia disebabkan oleh penampilan pemain dram dan alat muzik yang kuat, muzik Perancis pada akhir abad ke-18, pada pendapat saya, menjadi sangat primitif dan tidak menonjol. Pencapaian puncak muzik kawad adalah penampilan karya "La Marseillaise", yang ditulis oleh Rouger De Lisle pada tahun 1792.
Rouget De Lisle Claude Joseph (1760-1836) Jurutera tentera Perancis, penyair dan komposer. Dia menulis lagu raya, lagu, percintaan. Pada tahun 1792 beliau menulis komposisi " Marseillaise”, yang kemudiannya menjadi lagu kebangsaan Perancis.
Francois Couperin (1668-1733)- Komposer Perancis, harpsichordist, organis. Dari dinasti yang setanding dengan dinasti Bach Jerman, kerana terdapat beberapa generasi pemuzik dalam keluarganya. Couperin digelar "Couperin yang hebat" sebahagiannya kerana rasa humornya, sebahagiannya kerana perwatakannya. Karya beliau adalah kemuncak seni harpsichord Perancis. Muzik Couperin dibezakan oleh ciptaan melodi, keanggunan, dan kesempurnaan butiran.
Rameau Jean Philippe (1683-1764)- Komposer Perancis dan ahli teori muzik. Menggunakan pencapaian budaya muzik Perancis dan Itali, dia mengubah suai gaya opera klasik dengan ketara, menyediakan pembaharuan opera K. V. Gluck. Dia menulis tragedi lirik Hippolytus dan Arisia (1733), Castor dan Pollux (1737), opera-ballet Gallant India (1735), keping harpsichord dan banyak lagi. Kerja-kerja teori beliau adalah peringkat penting dalam pembangunan doktrin keharmonian .
Gluck Christoph Willibald (1714-1787) komposer terkenal Franco-Jerman. Aktivitinya yang paling gemilang dikaitkan dengan pentas opera Paris, yang mana dia menulis karya terbaiknya perkataan Perancis. Oleh itu, orang Perancis menganggapnya sebagai komposer Perancis. Banyak opera beliau: "Artaserse", "Demofonte", "Fedra" dan lain-lain telah diberikan di Milan, Turin, Venice, Cremoni. Setelah menerima jemputan ke London, Gluck menulis dua opera untuk teater Hay-Market: "La Cadutade Giganti" (1746) dan "Artamene" dan opera potpourri (pasticcio) "Pyram". Yang terakhir ini mempunyai pengaruh yang besar terhadap aktiviti Gluck yang kemudiannya. Semua opera yang membawa kejayaan besar kepada Gluck ditulis mengikut corak Itali, terdiri daripada satu siri aria; di dalamnya Gluck tidak banyak memberi perhatian kepada teks itu. Dia mengarang operanya "Pyram" daripada serpihan opera terdahulu yang mempunyai kejayaan terbesar, menyesuaikan satu lagi teks libretto baharu kepada serpihan ini. Kegagalan opera ini membawa Glucan kepada idea bahawa hanya jenis muzik yang boleh menghasilkan kesan yang betul, yang berkaitan secara langsung dengan teks. Dia mula berpegang kepada prinsip ini dalam karya-karyanya yang seterusnya, mengasimilasikan dirinya secara beransur-ansur sikap serius untuk mengaji, mengusahakan bacaan arioso sekecil-kecilnya dan tidak melupakan bacaan walaupun dalam arias.
Keinginan untuk hubungan rapat antara teks dan muzik sudah ketara dalam "Semiramide" (1748). Tetapi giliran komposer yang lebih ketara kepada opera sebagai drama muzikal dapat dilihat dalam "Orfeo", "Alceste", "ParideedElena" (1761-64), yang dipentaskan di Vienna. Pembaharu opera Gluck berada dalam "Iphigenie en Aulide", yang diberikan di Paris dengan kejayaan besar (1774). Terdapat juga diberikan: "Armide" (1777) dan "IphigenieenTauride" (1779) -
Kerja terbesar Gluck Opera terakhir G. ialah "Echo et Narcisse". Selain opera, Gluck menulis simfoni, mazmur dan banyak lagi. Semua opera, selingan dan balet yang ditulis oleh Gluck adalah lebih daripada 50.
Kesimpulannya, muzik Perancis yang bersifat satu muka pada abad ke-18 perlu ditekankan sekali lagi. Kreativiti muzik ia seperti kraf atau hobi ringan. Pada kraf, kerana semua karya adalah jenis yang sama dan serupa antara satu sama lain. Sebagai hobi, kerana banyak komposer membuat muzik hanya untuk kepentingannya. masa lapang, mengisi imej sedemikian pada masa lapang anda. Pekerjaan sedemikian tidak boleh dipanggil penciptaan kreatif profesional. Malah komposer Perancis yang paling terkenal pada masa itu, Gluck (yang, omong-omong, bukan komposer Perancis), dipanggil oleh orang yang tidak baik sebagai komposer satu karya. Ia bermaksud Orpheus dan Eurydice.
Sumber:
Ensiklopedia Besar Cyril dan Methodius,
Ensiklopedia Muzik Klasik,
Brockhaus dan Efron,
Muzik Klasik (elaun),
Internet,
Ahli muzik yang kompeten Natalia Bogoslavskaya.
"Marseillaise" ("Marseillaise") - Perancis lagu revolusioner. Pada mulanya ia dipanggil "Lagu Pertempuran Tentera Rhine", kemudian "March of the Marseilles" atau "La Marseillaise". Di bawah Republik Ketiga, ia menjadi lagu kebangsaan Perancis (sejak 14 Julai 1975, ia telah dipersembahkan dalam edisi muzik baharu). Di Rusia, "Working Marseillaise" menjadi meluas (melodi "La Marseillaise", teks oleh P. L. Lavrov, diterbitkan dalam akhbar "Vpered" pada 1.7.1875).
HARMONI, cara muzik ekspresif, berdasarkan gabungan nada menjadi konsonan dan pada sambungan konsonan dalam pergerakan berturut-turut mereka. Jenis konsonan utama ialah kord. Harmoni dibina mengikut undang-undang mod tertentu dalam muzik polifonik mana-mana gudang - homofoni, polifoni. Unsur-unsur harmoni - irama dan modulasi - adalah faktor terpenting dalam bentuk muzik. Doktrin harmoni adalah salah satu bahagian utama teori muzik.
