Rokotov, Fedor Stepanovich. Porträtt av A.P. Struyskoy. 1772. Tretjakovgalleriet
Canvas, olja. 59,8 x 47,5

Kvinnan i porträttet tycks komma ur mörkret, det är halvt uppslukat av dis. Endast de uttrycksfulla ögonen är tydligt definierade - ljusa, iögonfallande. Särskilt framgångsrik i porträttet av Struyskaya är ögonen alltid intressanta i Rokotovs porträtt. De uttrycker en rad känslor, de är alltid särskilt ljusa och utgör mitten av porträttet. De talar till och med om "Rokotovs ögon" som en speciell "know-how".
Porträttet målades på order av Nikolai Strusky, Alexandra Petrovnas make. Samtidigt målade Rokotov också ett porträtt av Nikolai Strusky själv. Avrättad på samma sätt är Nikolai Strusky fortfarande mycket mindre känd. Detta porträtt kan också ses i Tretjakovgalleriet, i ett annat rum.
Förmodligen är parets porträtt beställda för ett bröllop och i det här fallet är Alexandra Struyskaya inte mer än 18 år på porträttet.
Rokotov förblev en vän till familjen Struisky i många år, och Nikolai Struisky var nästan den enda beundraren av Rokotovs talang och var den allra första som samlade en samling av hans verk.
Många motsägelsefulla historier berättas om Nikolai Strusky. Att vara intresserad av måleri och litteratur, göra publicering, han förblev fortfarande en tyrann i sitt hushåll, för livegna - en tyrann.
Den "konstiga gentlemannen", förresten, föreställde sig att han var en poet och dedikerade mängder av klumpiga, skrymmande dikter till sin älskade fru. Ironiskt nog gick ingen av dem till historien, men en dikt tillägnad inte skönheten själv, utan till Rokotovs porträtt, blev en lärobok.
Detta är det berömda "porträttet" av Nikolai Zabolotsky, skrivet på 1900-talet, efter döden av alla tre karaktärer: konstnären och båda hans modeller.
Älskar att måla, poeter!
Bara hon, den enda, är given
Själar av föränderliga tecken
Överför till canvas.
Kommer du ihåg hur, från det förflutnas mörker,
Knappt insvept i satin,
Från Rokotovs porträtt igen
Tittade Struyskaya på oss?
Hennes ögon är som två dimma,
hälften le, hälften gråta,
Hennes ögon är som två bedrägerier,
Misslyckanden täckta av mörker.
En kombination av två mysterier
Hälften glädje, hälften rädsla,
Ett anfall av galen ömhet,
Förväntan på dödlig smärta.
När mörkret kommer
Och stormen närmar sig
Från botten av min själ flimrar de
Hennes vackra ögon.

Borovikovsky Vladimir Lukich
Porträtt av M.I. Lopukhina
1797
Canvas, olja
72 x 53,5

"Hon gick bort för länge sedan, och de där ögonen finns inte längre
Och det där leendet som uttrycktes tyst
Lidande är skuggan av kärlek, och tankar är skuggan av sorg,
Men Borovikovsky räddade hennes skönhet.
Så en del av hennes själ flög inte ifrån oss,
Och det kommer att finnas det här utseendet och den här skönheten i kroppen
För att locka likgiltiga avkommor till henne,
Att lära honom att älska, lida, förlåta, vara tyst"
(Ya. Polonsky)

Borovikovsky har en mystisk sak - ett porträtt av M. I. Lopukhina, utan tvekan hans bästa verk, hans mästerverk. Först och främst är ljuset med vilket kvinnans figur översvämmas slående, det, som T. Alekseeva exakt noterade, "absorberar färgens ljusstyrka" och färgfläckarna (låt oss använda hennes anmärkning, som dock hänför sig till ett annat porträtt av Borovikovsky) uppstår "som om från luftens djup." bakgrund." Lopukhina är nedsänkt i detta luftflöde.
Som alltid med Borovikovsky är hon i en vit klänning och en färgad halsduk, som alltid, flyttad lite åt höger så att vi kan se landskapet. Hon är lite flirtig i sin tur, extremt självständig och suverän och ser med en viss utmaning ut. Men detta ljus som glider över det unga ansiktet, dessa flygande lockar, dessa läppar så ömt konturerade (de bara darrar inte) - allt i detta fängslande ansikte är fullt av mjukhet och lyrik - själva godtrogenheten som väcker fullständigt förtroende. Men känslan av lätthet, lyrik och tillit försvinner på en gång, så fort man ser henne in i ögonen - de innehåller den fasta gröna av en druva. Nej, ännu mer: de är alienerade, nästan fientliga. I vilket fall som helst är barriären ännu mer distinkt och skarp än den för Rokotovs modeller. Lopukhinas ansikte avbildas med sådan realistisk skicklighet, och ändå visar sig den högsta verkligheten vara en okänd djup upplevelse, som vi gissar om (som vi, mer exakt, försöker reda ut). Hur olika de båda konstnärerna än kan vara, till och med polära, i sitt sätt att måla, i stil, i förhållande till modellen, i sin attityd - fortfarande deras det bästa Borovikovsky kommer nära Rokotov, och den gemensamma grunden för närmande visar sig vara närheten till det okända och känslan av en slöja.
Tchaikovskaya O.G. "Som en nyfiken skyt...": Ryska porträtt och memoarer från andra hälften av 1700-talet. - M.: Bok, 1990. S.267.
(

Valentin Aleksandrovich Serov
Flicka upplyst av solen (Porträtt av M.Ya. Simonovich)
Canvas, olja. 89,5x71 cm.
stat Tretjakovgalleriet, Moskva.

Maria Yakovlevna Simonovich (1864-1955), hans kusin, poserade för konstnären. Kompositionens originalitet uttrycks i det faktum att modellen är placerad under trädkronorna. Serov förmedlar spelet med bråkslag solstrålar, flimrande färgade skuggor. Varma, milda strålar stör inte den unga hjältinnans trollbundna tillstånd. Hennes avslappnade ställning förstärker intrycket av upplösning i ljusbländningen och regnbågsblixtarna. Endast flickans ansikte, vita blus och händer är täckta med färgade impressionistiska reflexer, och detaljerna som ramar in hennes figur är målade i mörka färger. Konstnärens skicklighet att avbilda modellens ögon är fantastisk, från vilket ett tyst ljus verkar flöda. Det är så bilden av solljusets inträngning och den mänskliga själens ljus uppstår.

Somov Konstantin Andreevich
(1869-1939)
Porträtt av E.P. Nosova. 1911
Canvas, olja. 138,5 x 88 cm
Statens Tretjakovgalleri

1910, de dagar då Somov anlände till Moskva och började arbeta med porträttet av Euphemia Pavlovna Nosova, skrev han i brev: "Blond, smal, med ett blekt ansikte, en stolt blick och mycket elegant, bra smak vart i".
Det är känt att Evfemia Pavlovna var dotter till en av Ryabushinskys, berömda köpmän och industrimän i tredje generationen, direkta deltagare ledda av arkitekten Shekhtel i utvecklingen av rysk jugend. Hon var född 1883 (även 1881 anges, men dödsåret är i fråga). I alla fall i boken "K.A. Somov. Konstnärens värld. Brev. Dagböcker. Samtida domar." Moskva, 1979, som jag höll i mina händer samma 1979, rapporterades att E.P. Nosova bor i Rom.
Porträttet beställdes av Somov, som kom till Moskva för att måla ett porträtt av G.L. Girshman, uppenbarligen i samband med bröllopet, kommande eller tidigare, samma 1910. Det råder fortfarande fullständig oenighet om födelse- och dödsdatum. Om Evfemia Pavlovna (namn från en mormor från en gammal troende familj) föddes 1883 är det konstigt att hon gifte sig först vid 27 års ålder. Hon studerade musik och måleri, var teaterintresserad och kanske drömde om scenen? Men enligt andra källor föddes hon 1881 och dog 1970. Så hon gifte sig först 29 år gammal? Är detta en vacker och rik brud?
Det finns även uppgifter om födslar och dödsfall: 1886-1976. Även dagar och månader anges. Dessa verkar vara de mest trogna. Hon gifter sig vid 24 års ålder och vi ser en ung kvinna vid en vändpunkt i sitt liv, stolt och envis i sin ungdom. Boken jag nämnde var klar för tryckning två eller tre år före publicering, om inte tidigare, enligt planen, böcker publicerades vid den tiden, och Evfemia Pavlovna kunde fortfarande bo i Rom.
Och hennes porträtt av Somov hamnade i Tretjakovgalleriet tillsammans med hennes samling, dit hon överförde det för förvaring 1917. Hennes samling inkluderade målningar av Rokotov, som vid den tiden var helt bortglömd av alla, Borovikovsky, Kiprensky, Venetsianov. Konstigt, jag minns inte om jag såg porträttet av E.P. Nosova inom Tretjakovgalleriets väggar? Jag kanske inte vet något om artisten ännu, men typen av skönhet hos hans modell skulle definitivt locka min uppmärksamhet.
Somov skrev: "Hon sitter i en vit satinklänning, dekorerad med svart spets och koraller, den är från Lamanova, hon har 4 pärlsträngar på halsen, hennes hår är hisnande... som om det finns någon form av enorm skalbagge på hennes huvud." Det kan ses av reproduktionen i boken: Evfemia Pavlovna är verkligen en extraordinär modell. Och detta är inte bara i rikedom, utan i stil, ett barn av rysk jugend, dess levande modell, och inte en skugga av dekadens, utan skönheten och kraften i livsbekräftelsen.
Somov skrev: "Det var Nosova i lådan, som var hisnande klädd, en blå ljus satinklänning, broderad med siden av pärlemorblommor med rosa tyllaxlar, på halsen av en riviera med långa hängande ändar av stora diamanter tryffel, förbundna med diamanter...”
Euphemia Pavlovna, sällskapsdam och samlare av ryska målningar konstnärer från XVIII - tidiga XIXårhundraden, 27 år gammal. Låt oss räkna 24. Bästa åldern kvinnlig skönhet, när ungdomen fortfarande är synlig i mogen kvinnlighet, men inte en skugga av lättsinne eller fåfänga, utan eftertänksamt allvar och den mest naturliga stoltheten hos en extraordinär personlighet.
"Hon är mycket vacker. Men vilken plåga hennes klänning är, ingenting kommer ut...” - konstnären faller direkt i förtvivlan. Men att posera för en lysande skönhet dag efter dag är ingen lätt uppgift. Det bör också noteras att klänningen från Lamanova inte var lätt för henne. Inte på grund av priset. Nadezhda Pavlovna Lamanova (1861-1941) skapade klänningar som ett konstverk och inte i allmänhet, utan för modellen, genom att gå från en skyltdocka till en levande modell, förändringar och bearbetning, som en målare, som ofta får henne att svimma. Damerna uthärdade det för att de visste: det skulle slitas ut, men klänningen skulle komma ut som om den kom från Paris. Ur ett historiskt perspektiv är det tydligt – bättre än från Paris.
Somov gör en anteckning: "Jag erkände för Nose om mitt misslyckande, hon stärker mig, säger att hon är envis och tålmodig."
Med konstnärlig smak visste hon: både klänningen från Lamanova och hennes porträtt av Somov skulle vara mästerverk, och hon uppnådde envist och tålmodigt från sin sida samma sak som dessa konstnärer, var och en i sin sfär, och hennes sfär var livet självt i dess högsta manifestationer.
Somov, alltid missnöjd med sig själv, alltid förtvivlad under sitt arbete, arbetade mödosamt där andra inte skulle ha hittat vad annat kunde göras och skapade något unikt. Porträttet blev färdigt 1911. En intressant bedömning görs av Mikhail Nesterov, som verkade inte ha sett den välkända skönheten i Moskva, en deltagare i mötena i Society of Free Aesthetics.
Från ett brev från M. Nesterov daterat den 3 mars 1911 (Moskva):
"Tja, för att avsluta mitt skrivande med värdighet, ska jag berätta om det nya stora porträttet av Somov med en viss Nosova som ställs ut här på World of Art - här, bror, är ett sant mästerverk! - ett efterlängtat arbete som du kopplar av. Den är så själfull, återhållsam och ädel, mästerligt avslutad. Detta är inte Levitsky eller Kramskoy, utan något som i skönhet är nära den första och på allvar den andra. Mannen växte genast till att bli en mycket stor mästare.”
Konstnären ser först och främst konstnärens arbete, men det är tydligt: ​​grunden för framgång är en extraordinär modell med hennes intresse för konst, särskilt i rysk målning från 1700- och början av 1800-talet. Och till renässansen i Italien.
Evfemia Pavlovna, efter att ha gift sig med V.V. Nosov, son till en textiltillverkare, bosatte sig i en herrgård på Vvedenskaya-torget, vars interiörer omedelbart ändrades till hennes smak. Hon lockade kända arkitekter och konstnärer till sin idé, till och med Valentin Serov, som, de säger, hon inte kom överens med, och troligen dog han snart, och hon skickade till och med Mstislav Dobuzhinsky till Italien, förmodligen för att besöka där hon redan hade varit , och han. När han återvände skapade han en fresk i andan av dem som ses i Cosimo de Medicis palats: på en koboltbakgrund med användning av förgyllning återges en mytologisk handling med inkluderande av porträtt av ägarna av herrgård. De pratar om nyklassicism när samma renässansestetik är påtaglig här, som Sandro Botticelli.
Förändringar i det inre av herrgården, skapandet av en fresk i renässansens anda gick parallellt med Somovs arbete med porträttet av E.P. Nosova i en klänning från Lamanova, vilket fick konstnären till klassisk klarhet i design och färg, fånga all spänningen i hans modells romantiska upprymdhet och jugendtiden. Verkligen ett mästerverk, ett världsmästerverk av rysk konst. Somov har inget liknande. En ren klassiker bland hans romantiska fantasier.
Peter Kiele

Serebryakova Zinaida Evgenievna. Bakom toaletten. Självporträtt. 1909.
Statens Tretjakovgalleri, Moskva
Duk på kartong, olja.
75x65 cm

Kompositionen presenteras som en spegling i en spegel, vilket är traditionellt för självporträttgenren. Denna teknik ger en touch av intimitet och skapar samtidigt den nödvändiga avskildheten. Konstnären på hennes morgontoalett verkar titta på sig själv utifrån, som en poserande modell. Motivet "genom glaset" väcker inte en känsla av mystik. Till och med ljus, som vanligtvis symboliserar tidens förgänglighet i målning, verkar glömma deras betydelse i bildens ljusa atmosfär. Rummets utrymme är fyllt med nyanser av vitt. Värme kommer från hjältinnans enorma glänsande bruna ögon och vänliga ansikte. Händer och hår ramar in ansiktet. Istället för målningens attribut finns det attribut för kvinnlig skönhet på sminkbordet. Serebryakova visar inte på något sätt att hon tillhör sina konstnärskollegor. Det finns en känsla av att självporträttet är skrivet för nära personer i familjekretsen.

ALTMAN Nathan Isaevich (1889-1970)

"...Altman slogs av hennes utseende, hennes magnifika förmåga att bära bördan av sin plötsliga berömmelse, vilket redan gav denna unga kvinna, hans jämnåriga, något kungligt. När Altman bad Akhmatova att posera för honom gick hon med på, även om hon var redan ägare till en fantastisk Modigliani-teckning, som dock Altman inte kunde se: Anna Andreevna, Lev Gumilyovs unga fru, kunde inte visa den för någon. Först gjorde N. Altman, med ett slag, en vänskapsmatch tecknad, föga känd idag. Det berömda porträttet dök upp senare, när långa sessioner började på vindsverkstaden på Vasilyevsky Island, där Anna Akhmatova bodde i en studenthem. Nathan Altman bodde i närheten, antingen i ett "möblerat hus i New York", som Akhmatova mindes senare, eller i de möblerade rummen "Prince's Court", som han själv mindes. Altman målade en kvinna från den futuristiska eran, som är besläktad med urban rytm; han målade i hennes självförtroende, hälsa, nästan akrobatiska flexibilitet av Alla porträtt har sin egen undertext och dold dramaturgi. Och man kan bara gissa om motiven som tvingade Altman att tänka om bilden av Akhmatova. När detta porträtt målades bodde Anna Andreevna ensam i St. Petersburg, efter att ha lämnat Tsarskoje Selo och Gumilyovs hus. Hennes sista brytning med Gumilyov kom, och det var som om ett annat liv började, hon upplevde en känsla av nyfödelse, och förmodligen hade hon själv ingen aning om hur det skulle se ut. Åtminstone kan denna slutsats dras från Akhmatovas dikter om detta porträtt av hans:

Som i en spegel tittade jag oroligt
På en grå duk, och med varje vecka
Likheten blev mer och mer bitter och märklig
Min med min nya bild...

Detta är en av bästa porträtten Altman, en av dem där hans passion för att kombinera det oförenliga gav upphov till en oväntad effekt. Om vi ​​utelämnar den lyriska undertexten, så är porträttet av Akhmatova ett typiskt sekulärt porträtt och samtidigt ett avantgardeporträtt. Det finns både gripande och estetiskt berättigande i en sådan blandning av stilar. Akhmatovas porträtt blev en sensation på en av konstutställningarna i S:t Petersburg 1915. Berömd kritiker L. Bruni skrev att "det här är inte en sak, utan en milstolpe i konsten"... Kraften i Altmans porträtt cementerade inte bara bilden av Akhmatova i hennes samtidas medvetande, utan visade sig vara hypnotisk många år senare, när andra porträtt av henne redan fanns, och Akhmatova själv redan var en annan. Porträttet kom ihåg till och med fem år efter dess utseende: "Jag känner dig och älskar dig från den dag jag såg ditt porträtt av Akhmatova," skrev Vyach. Ivanov i artistens album 1920. De kom ihåg det till och med tjugo år senare. M.V. Alpatov, som först såg Akhmatova på 30-talet, mindes samma porträtt: "I det ögonblicket öppnades dörren och hon själv gick in i rummet, tyst och lätt, som om hon hade klivit ut ur Altmans porträtt." Det är intressant att Akhmatova själv aldrig gillade Altmans porträtt, och upprepade gång på gång att hon inte gillar Altmans porträtt "som vilken stilisering som helst inom konsten." Hon var intolerant mot den mytologiska bild som hade utvecklats redan på 1910-talet och som följde Akhmatova hela hennes liv, även om hennes eget öde inte alls var baserat på detta porträtt."
(

Marina Tsvetaeva "Anna Akhmatova"
Smalt, icke-ryskt läger -
Ovanför volymerna.
Sjal från turkiska länder
Föll som en mantel.

Du kommer att överlämnas till en
Bruten svart linje.
Kyla - i kul, värme -
I din förtvivlan.

Hela ditt liv är en kyla,
Och hur ska det sluta?
Molnigt - mörkt - panna
Ung demon.

Var och en av de jordiska
Det är en bagatell för dig att spela!
Och obeväpnad vers
Siktar på våra hjärtan.

På morgonens sömniga timme,
- Klockan verkar vara kvart i fem, -
Jag blev kär i dig
Anna Akhmatova.

Publikationer i avsnittet Museer

Tatiana före och efter Pushkin: porträtt av tre århundraden

Man tror att populärt namn Tatyana blev efter publiceringen av romanen "Eugene Onegin". Men även innan detta var detta namn inte ovanligt bland adeln. Vi minns porträtt av Tatiana från 1700- till 1900-talen tillsammans med Sofia Bagdasarova.

A. Antropov. Porträtt av prinsessan Tatyana Alekseevna Trubetskoy. 1761. Tretjakovgalleriet

A. Peng. Porträtt av prinsessan Tatyana Borisovna Kurakina. 1:a halvlek XVIII-talet, State Hermitage

Okänd artist. Porträtt av Anastasia Naryshkina med sina döttrar Tatyana och Alexandra. Tidigt 1710-tal, Tretjakovgalleriet

Flickor från familjen Romanov döptes till Tatiana redan på 1600-talet: det var till exempel namnet på systern till den första tsaren Mikhail Fedorovich och hans yngsta dotter. Sedan detta namn från kungliga dynasti försvann, och nästa Tatiana dök upp i den kejserliga familjen på 1890-talet. Namnet förblev dock populärt bland adliga familjer på 1600- och 1700-talen. En av de mest kända Tatyanas är Tatyana Shuvalova. Hennes son, kejsarinnan Elizabeths favorit Ivan Shuvalov, valde sin mors namnsdag för att underteckna ett dekret om att inrätta Moskvas universitet. Så Tatyanas dag blev studentdagen. Porträttet av Tatyana Shuvalova har inte överlevt.

Det äldsta ryska porträttet med Tatiana var tydligen familjeporträtt Naryshkins från 1710-talet. Den föreställer dottern till den förste kommendanten i S:t Petersburg, Moskvas guvernör Kirill Naryshkin, med sin mor och syster. Den okända konstnären bearbetade inte ansiktena särskilt subtilt, utan målade noggrant mönstren på tyget och moderns fashionabla spetsfontange (huvudbonad).

Hovkonstnären till den preussiske kungen Antoine Pen var inbjuden att måla ett porträtt av prins Boris Kurakins dotter - och Tsarina Evdokia Lopukhinas systerdotter. Direktören för Berlin Academy of Arts, i klassicismens traditioner, arbetade med chiaroscuro, veck av kläder och förmedlade till och med det finaste skimret av dyrt tyg på prinsessan Tatyana Kurakinas axlar.

Prinsessan Tatyana Trubetskaya - syster till poeten Fyodor Kozlovsky - ser ljus ut i ett porträtt av 1761: konstnären Alexei Antropov avbildade henne i en outfit dekorerad med röda och gröna bågar och blommor. Prinsessan med full make-up: under dessa år var det på modet inte bara att pudra, utan också att applicera rouge och fylla i ögonbrynen.

D. Levitsky. Porträtt av Tatyana Petrovna Raznatovskaya. 1781. Stat Konstmuseum Belarus

N. Argunov. Porträtt av ballerina Tatyana Vasilievna Shlykova-Granatova. 1789. Kuskovo

E. Vigée-Lebrun. Porträtt av Tatyana Vasilievna Engelhardt. 1797. Fuji-museet, Tokyo

Tjugo år senare skrev Dmitry Levitsky Tatyana Raznatovskaya. En ung kvinna med en stolt hållning ser ädel och elegant ut. Hennes ljusblå klänning och vita sidenkappe kontrasterar mot den mörka, djupa bakgrunden i de årens bildtradition.

En av de rikaste kvinnorna i Ryssland, prins Potemkins systerdotter Tatyana Engelhardt, gifte sig med en av Yusupovs och tillförde en gigantisk förmögenhet och det ärftliga namnet Tatyana till deras familj. I porträttet av den gästande franska porträttaren Vigée-Lebrun väver Tatyana Engelhardt en krans av rosor och är klädd på ett nytt sätt - i en klänning med hög midja.

Forskare tror att bland bönder var namnet Tatyana på 1700-1800-talen tre gånger mer populärt än bland adelsmän. Sjeremetevs livegenskapskonstnär Nikolai Argunov avbildade bondekvinnan Tatyana Shlykova, en skådespelerska i serf-teatern, i en elegant scenkostym. Senare valde greven "dyrbara" efternamn för sina vackra skådespelerskor. Shlykova blev Granatova, och hennes "kollegor" blev Zhemchugova och Biryuzova.

A. Bryullov. Porträtt av Tatyana Borisovna Potemkina. 1830-talet. VMP

V. Tropinin. Porträtt av Tatyana Sergeevna Karpakova. 1818. Republiken Tatarstans konstmuseum

K. Reichel. Porträtt av Tatyana Vasilievna Golitsyna. 1816, Ryska statens museum

Bland dem som förevigats på Tatianas dukar finns det andra skådespelerskor. 1818 porträtterade Vasily Tropinin den unga dansaren Karpakova. Hennes föräldrar spelade i de kejserliga teatrarna, och hon var själv förtjust i balett sedan barndomen. Tatyana Karpakova dansade på scenen i Bolshoi Theatre från 12 års ålder; hennes samtida beundrade hennes uttrycksfulla ansiktsuttryck, lätthet att dansa och oklanderlig teknik.

Samma år skapades ett porträtt av prinsessan Tatiana Golitsyna. Natalia Golitsynas svärdotter, prototypen av Pushkins Spadesdrottning, avbildas i en svart basker. Under den första tredjedelen av 1800-talet bars dessa huvudbonader traditionellt av gifta damer. Det är sant att fashionistas oftare föredrog ljusa färger - röd, grön, scharlakansröd.

”Bretens bredd sträcker sig till tolv tum; den övre delen är en färg, den nedre delen är en annan färg. Materialen från vilka sådana basker är gjorda är också olika: satin och sammet. Dessa baskrar sätts så snett på huvudet att ena kanten nästan nuddar axeln."

Utdrag ur en modetidning från 1800-talet

En akvarell av Alexander Bryullov från 1830-talet föreställer Tatyana Potemkina. I den är modellen klädd i en outfit som täcker inte bara axlarna, utan också nacken, öronen och håret på prinsessan: Potemkina var mycket religiös. Efter att ha blivit den andliga dottern till Saint Ignatius (Brianchaninov), tog hon hand om spridningen av ortodoxin, byggde kyrkor, gav enorma summor pengar till välgörenhet och tillät sig självklart inte att bära en urringning.

V. Vasnetsov. Porträtt av Tatyana Anatolyevna Mamontova (1884, Tretyakov Gallery)

I. Repin. Porträtt av Tatyana Lvovna Tolstoy (1893, Yasnaya Polyana)

F. Winterhalter. Porträtt av Tatyana Alexandrovna Yusupova (1858, State Hermitage)

1825–1837 publicerades Alexander Pushkins Eugen Onegin i delar. Tatyana Larina blev den "första Tatyana" av rysk litteratur - innan dess föredrog författare andra namn. Efter utgivningen av romanen blev namnet mycket mer populärt - många namngav sina döttrar för att hedra den romantiska och dygdiga hjältinnan i Pushkin.

Men inte många porträtt av Tatyana från dessa år har överlevt. Bland dem finns en duk på vilken den fashionabla porträttmålaren Franz Xaver Winterhalter avbildade Tatyana Yusupova. Hjältinnan i porträttet ärvde det från sin mormor Tatyana Engelhardt, och Yusupova namngav en av hennes döttrar på samma sätt.

Porträtt av Leo Tolstojs och Anatolij Mamontovs döttrar skapades på 1880–90-talet, de målades av B. Kustodiev. Porträtt av Tatyana Nikolaevna Chizhova. 1924. Ivanovo regionala konstmuseum

M. Vrubel. Porträtt av Tatyana Spiridonovna Lyubatovich som Carmen. 1890-talet. Tretjakovgalleriet

I början av 1900-talet i Moskva och Moskva-provinsen blev namnet Tatyana det femte mest populära namnet efter Maria, Anna, Catherine och Alexandra.

Porträttet av en av Tatiana tillhör också Mikhail Vrubels pensel. operasångare Tatyana Lyubatovich avbildas i rollen som Carmen - i början av 1900-talet var detta en mycket populär bild bland konstnärer och hjältinnorna i deras målningar.

1908 målade Saratov-konstnären Alexander Savinov duken "Harpist". Dess hjältinna var hustru till den berömda filosofen Semyon Frank, Tatyana Frank (född Bartseva). Savinov skapade ett prydnadsporträtt med en texturerad ton och dämpade färger i traditionerna för den växande nya stilen - modernismen.

I denna konstnärliga krets av Tatiana är "Porträttet av konstnären Tatyana Chizhova" anmärkningsvärt; Boris Kustodiev målade det 1924. Bildens titel är felaktig. Efter Kustodievs död överfördes porträttet till det ryska museet, och förkortningen i signaturen "båge". dechiffreras som "konstnär". Faktum är att Tatyana Chizhova var en arkeolog. Porträttet visar henne i sin favoritklänning och med sin mormors ring på fingret.

Precisionen i skrivningen av enskilda detaljer och motiv av mönster vävda av händerna på ryska broderare, eller tydliga ornament på snidade koppar och skålar överraskar och gläder tittare från förr och nu.

Lyxiga kläder broderade med pärlor, fantastiskt vackra huvudbonader från den tiden, vackra pojkar dekorerade med dyrbara halsband, pojkar i brokadkaftaner - i allt du kan känna med vilken kärlek till rysk nationell skönhet och kultur, för det rika arvet från våra förfäder, dessa bilder målades. Du kan stå nära var och en av dem länge - beundra de ryska mönstren och känna stolthet och samtidigt sorg, sorg över att mycket har gått förlorat, inte har bevarats och inte finns bevarat idag. Därför är sådana målningar, som innehåller unika bevis på kulturen i det ryska landet, särskilt värdefulla för oss.

Biografi av konstnären Konstantin Makovsky

Och Konstantin Egorovich, efter att ha ärvt sin fars passion, samlade alla mästerverk av ryskt antikt hantverk, men dessa var "vackra antikviteter". Han ordnade skickligt vissa saker i vardagsrum och verkstäder och använde dem sedan i sina målningar, medan andra helt enkelt visade upp i sitt stora gamla ebenholtsskåp, så att han senare kunde beundra och beundra ryska mästares skönhet och skicklighet.

På taklisten till den öppna spisen stod gamla husgeråd: silverslevar, koppar, tvättställ, fläktar - föremål från pojkartiden. Gamla bojarbrokaddräkter, flerfärgade solklänningar, armband översållade med pärlor, kokoshniks broderade med pärlspets - allt detta kan ses i konstnärens målningar. Och förutom de saker som kärleksfullt samlades av Konstantin Yegorovich, deltog också människor som samlades runt honom i hans målningar. Ibland spelades scener ur pojkarlivet upp, som sedan överfördes till duk. Och detta väckte utan tvekan publikens stora intresse, eftersom de genom Makovskys målningar blev bekanta med Rysslands historia och deras förfäders kultur.

Konstnärens dotter berättade i sina memoarer hur "... lyxiga "levande bilder" av pojkarlivet sattes upp...". Ibland var det upp till 150 personer inbjudna till dessa kvällar, bland vilka var representanter för gamla familjer, ättlingar till dem som konstnären avbildade. De "...skickligt och vackert klädda i brokad- och sammetskläder..." för att i dem återge scenen som konstnären tänkt ut. Så här såg målningarna ut - "The Wedding Feast", "The Bride's Choice" och många andra målningar.

Målningar av Konstantin Makovsky

Samlar ryska antikviteter K.E. Makovsky fortsatte att studera under hela sitt liv. Genom att samla mästerverk av ryska mästare blev konstnären bekant med Rysslands historia och, beundrade dem, inspirerades av nya idéer. Nu framkallar hans målningar i oss inte bara beundran för våra förfäders rika arv, utan också en önskan att lära sig mer och mer om vårt hemland.

Författaren E.I. talade om hur K.E. Makovsky använde sin samling i sitt arbete. Fortunato, som hade turen att vara hans modell.

K.E. Makovsky var inte bara en konstnär. Genom att kommunicera med stora historiker blev han själv en stor specialist inom den ryska antiken. K.E. Makovsky försökte bevara Rysslands konstnärliga arv. Därför är det ingen slump att han 1915 blev medlem i Renässanssällskapet konstnärliga Ryssland, vars huvudsakliga uppgift var att bevara, studera och främja den ryska antiken.

Det är bittert och sorgligt att samlingen, samlad över ett halvt sekel, som intog en så viktig plats i konstnärens liv, som blev en återspegling av en hel era i den ryska kulturen, kommer att släppas ut på auktion bara sex månader efter hans död . I september 1915 blev K.E. Makovsky påkörd av en gatubil på en av Petrograds gator. Efter att ha fått allvarlig skada huvuden dog konstnären två dagar senare. Plötslig död förstörde alla planer...

Mer än 1 000 föremål listades på auktionen, några av dem gick till huvudstadens museer: Ryska museet, Eremitaget, Baron Stieglitz-skolan för teknisk ritning och Moskvas museer. Många föremål köptes av representanter för antikvitetsföretag i Moskva. Autentiska kostymer, silverkoppar, slevar, glas passerade i händerna på framstående Moskva-samlare.

Men inte alla beundrade K. Makovskys målningar och hans arbetsstil.

I början av hans kreativ väg K. Makovsky delade de kringresande konstnärernas åsikter, han målade bondebarn ("Barn som springer från ett åskväder", "Datum"), men redan på 1880-talet flyttade konstnären oåterkalleligt ifrån dem och började organisera personliga utställningar.

1883 skapade han målningen "Boyar Wedding Feast in XVII-talet”, följt av ”The Choice of the Bride by Tsar Alexei Mikhailovich” (1886), ”The Death of Ivan the Terrible” (1888), ”Dressing the Bride for the Crown” (1890), ”The Kissing Rite” (1895) ,). Filmerna gjorde succé både i Ryssland och utomlands. internationella utställningar. För några av dem tilldelades K. Makovsky en guldmedalj vid världsutställningen 1889 i Paris.

Priserna för hans målningar var alltid höga. P.M. Tretyakov kunde ibland inte förvärva dem. Men utländska samlare köpte villigt målningar från "boyar" -cykeln, så de flesta av konstnärens verk lämnade Ryssland.

Tack vare denna framgång blev K.E. Makovsky en av de rikaste människorna. Under hela sitt liv var han omgiven av lyx som ingen rysk konstnär någonsin hade drömt om. Makovsky uppfyllde varje order om vilket ämne som helst med lika briljans. Det var det senare som orsakade missförstånd och till och med fördömande bland många. Vissa var tydligen avundsjuka på framgången, andra ansåg att människorna med sitt eget folk borde vara närvarande i målningarna. vardagsliv. Men sådana målningar såldes inte så lätt, och många trodde att Makovsky skrev om ämnen som var efterfrågade, det vill säga för sin egen beriknings skull.

Han levde dock alltid som han ville och skrev vad han ville. Hans syn på skönhet sammanföll helt enkelt med kraven och kraven från de människor som var villiga att betala mycket pengar för hans målningar. Hans lätta framgång blev den främsta orsaken till de ambulerande konstnärernas negativa inställning till honom och hans verk. Han anklagades för att använda konst och sin talang för materiella fördelar.

K.E. Makovsky startade sitt konstnärlig väg tillsammans med de ambulerande konstnärerna, ställer ut målningar på temat folkliv. Men med tiden förändrades hans intressen och från 1880-talet blev han en framgångsrik salongsporträttmålare. Att detta skedde för den materiella rikedomens skull går inte att tro. Trots allt talar hans många samlingar och mångfacetterade talang om detta. Men det kan inte förnekas att Makovsky inte sökte erkännande utomlands. Dessutom var européer intresserade av rysk historia, så hans verk sålde snabbt.

I sitt personliga liv var Makovsky också glad. Hans trevliga utseende, sällskaplighet, alltid öppna och leende blick med klara ögon gjorde Konstantin Egorovich alltid till en välkommen gäst. Han var gift tre gånger. Hans första fru Lenochka Burkova, skådespelerska Alexandrinsky teater, bodde hos honom kort liv. En charmig och mild tjej gav mycket glädje och värme in i hans liv. Men sjukdom tog henne tidigt från jordelivet.

Bekymmerslös och girig efter livets glädjeämnen tröstade Konstantin Yegorovich sig snabbt när han såg en flicka av extraordinär skönhet på balen - Yulenka Letkova. Flickan var bara sexton år gammal och den charmiga målaren var trettiosex. Snart ägde bröllopet rum. Efter att ha levt tjugo år av ett lyckligt familjeliv målade Konstantin Yegorovich många målningar, varav de flesta innehåller en söt bild av hans unga fru. För under långa år Yulia Pavlovna Makovskaya var hans musa och modell för porträtt.

1889 gick Konstantin Makovsky till världsutställningen i Paris, där han ställde ut flera av sina målningar. Där blev han intresserad av den unga Maria Alekseevna Matavtina (1869-1919). Född 1891 oäkta son Konstantin. Jag var tvungen att erkänna allt för min fru. Yulia Pavlovna förlät inte sveket. Några år senare ansöktes om skilsmässa. Och Konstantin Egorovich fortsatte det glada familjeliv med sin tredje fru, som han också använde som modell. Han avbildade också ofta sina barn från både sitt andra och tredje äktenskap på sina dukar.

Killar, vi lägger vår själ i sajten. Tack för det
att du upptäcker denna skönhet. Tack för inspirationen och gåshuden.
Gå med oss ​​på Facebook Och I kontakt med

Först och främst vet vi två saker om målningen: dess författare och, möjligen, dukens historia. Men vi vet inte mycket om öden för dem som tittar på oss från dukarna.

hemsida Jag bestämde mig för att prata om kvinnor vars ansikten är bekanta för oss, men deras berättelser är det inte.

Zhanna Samari
Auguste Renoir, Porträtt av skådespelerskan Jeanne Samary, 1877

Skådespelerskan Jeanne Samary, även om hon inte kunde bli en scenstjärna (hon spelade främst hembiträden), hade tur i något annat: under en tid bodde hon inte långt från Renoirs studio, som målade fyra porträtt av henne 1877-1878, och därmed göra henne känd mycket mer än det kunde göra henne skådespelare karriär. Zhanna spelade i pjäser från 18 års ålder, vid 25 gifte hon sig och födde tre barn, och skrev sedan till och med en barnbok. Men den här charmiga damen levde tyvärr inte länge: vid 33 års ålder insjuknade hon i tyfoidfeber och dog.

Cecilia Gallerani
Leonardo da Vinci, "Damen med en hermelin"
1489-1490

Cecilia Gallerani var en tjej från en adlig italiensk familj, som redan vid 10 års ålder (!) var förlovad. Men när flickan var 14 år bröts förlovningen av okända anledningar, och Cecilia skickades till ett kloster, där hon träffade (eller allt var uppbyggt) med hertigen av Milano, Ludovico Sforza. En affär började, Cecilia blev gravid och hertigen bosatte flickan i sitt slott, men så var det dags att ingå ett dynastiskt äktenskap med en annan kvinna, som naturligtvis inte gillade närvaron av sin älskarinna i deras hus. Sedan, efter att Gallerani fött barn, tog hertigen sin son för sig själv och gifte henne med den fattiga greven.

I detta äktenskap födde Cecilia fyra barn, drev nästan den allra första litterära salongen i Europa, besökte hertigen och njöt av att leka med sitt barn från sin nya älskarinna. Efter ett tag dog Cecilias man, kriget kom, hon förlorade sitt välbefinnande och hittade skydd i huset till systern till samma hertigs fru - det var i så underbara relationer som hon lyckades vara med människor. Efter kriget lämnade Gallerani tillbaka sin egendom, där hon bodde till sin död vid 63 års ålder.

Zinaida Yusupova
V.A. Serov, "Porträtt av prinsessan Zinaida Yusupova", 1902

Den rikaste ryska arvtagerskan, den sista i Yusupov-familjen, prinsessan Zinaida var otroligt vacker, och trots att hennes gunst söktes bland annat av högtstående personer, ville hon gifta sig för kärlek. Hon uppfyllde sin önskan: äktenskapet var lyckligt och gav två söner. Yusupova spenderade mycket tid och ansträngning på välgörenhetsverksamhet, och efter revolutionen fortsatte hon den i exil. Hennes älskade äldste son dog i en duell när prinsessan var 47 år gammal, och hon kunde knappast bära denna förlust. Med utbrottet av oroligheter lämnade Yusupovs S:t Petersburg och bosatte sig i Rom, och efter sin makes död flyttade prinsessan till sin son i Paris, där hon tillbringade resten av sina dagar.

Maria Lopukhina
V.L. Borovikovsky, "Porträtt av M.I. Lopukhina", 1797

Borovikovsky målade många porträtt av ryska adelskvinnor, men det här är det mest charmiga. Maria Lopukhina, en representant för grevefamiljen Tolstoj, avbildas här vid en ålder av 18 år. Porträttet beställdes av hennes man Stepan Avraamovich Lopukhin strax efter bröllopet. Lätthet och en lite arrogant blick verkar antingen vara en vanlig pose för ett sådant porträtt av sentimentalismens era, eller tecken på en melankolisk och poetisk läggning. Ödet för denna mystiska flicka visade sig vara sorgligt: ​​bara 6 år efter målningen dog Maria av konsumtion.

Giovanina och Amacilia Pacini
Karl Bryullov, "Hästkvinna", 1832

Bryullovs "Horsewoman" är lysande ceremoniellt porträtt, där allt är lyxigt: färgernas ljusstyrka, draperiernas prakt och modellernas skönhet. Den föreställer två flickor som bar efternamnet Pacini: den äldsta Giovanina sitter på en häst, den yngre Amatzilia tittar på henne från verandan. Målningen beställdes till Karl Bryullov, hennes långvariga älskare, av deras adoptivmamma, grevinnan Yulia Pavlovna Samoilova, en av de vackraste kvinnorna Ryssland och arvtagaren till en kolossal förmögenhet. Grevinnan garanterade en stor hemgift till sina vuxna döttrar. Men det visade sig att hon vid hög ålder var praktiskt taget i konkurs, och sedan adopterade döttrar Giovanina och Amazilia samlade in de utlovade pengarna och egendomen från grevinnan genom hovet.

Simonetta Vespucci
Sandro Botticelli, "Venus födelse"
1482–1486

Den berömda målningen av Botticelli föreställer Simonetta Vespucci, den florentinska renässansens första skönhet. Simonetta föddes i en rik familj, vid 16 års ålder gifte hon sig med Marco Vespucci (en släkting till Amerigo Vespucci, som "upptäckte" Amerika och gav kontinenten sitt namn). Efter bröllopet bosatte sig de nygifta i Florens och togs emot vid Lorenzo de Medicis hov, som under dessa år var känt för sina magnifika fester och mottagningar.

Vacker, samtidigt mycket blygsam och vänlig, Simonetta blev snabbt kär i florentinska män. Florens härskare Lorenzo försökte själv uppvakta henne, men hans bror Giuliano sökte henne mest aktivt. Simonettas skönhet inspirerade många dåtidens konstnärer, bland vilka var Sandro Botticelli. Man tror att från det ögonblick de träffades var Simonetta modellen för alla Madonnor och Venuses målade av Botticelli. Vid 23 års ålder dog Simonetta av konsumtion, trots ansträngningar från de bästa hovläkarna. Efter detta avbildade konstnären sin musa endast efter minnet, och på sin ålderdom testamenterade han att bli begravd bredvid henne, vilket gjordes.

Vera Mamontova
V.A. Serov, "Flicka med persikor", 1887

Mest berömd målning Mästerporträttet av Valentin Serov målades i den rika industrimannen Savva Ivanovich Mamontovs egendom. Varje dag i två månader poserade hans dotter, 12-åriga Vera, för artisten. Flickan växte upp och förvandlades till Charmig tjej, gift av ömsesidig kärlek Alexander Samarin, tillhörande en berömd adlig familj. Efter smekmånad I Italien bosatte sig familjen i staden Bogorodsk, där tre barn föddes efter varandra. Men oväntat i december 1907, bara 5 år efter bröllopet, dog Vera Savvishna av lunginflammation. Hon var bara 32 år gammal och hennes man gifte sig aldrig om.

Alexandra Petrovna Struyskaya
F.S. Rokotov, "Porträtt av Struyskaya", 1772

Detta porträtt av Rokotov är som en luftig halvantydan. Alexandra Struyskaya var 18 år när hon var gift med en mycket rik änkeman. Det finns en legend om att hennes man gav henne inget mindre än en ny kyrka till hennes bröllop. Och hela mitt liv skrev jag poesi till henne. Det är inte säkert känt om detta äktenskap var lyckligt, men alla som besökte deras hus uppmärksammade hur olika makarna var från varandra. Under 24 års äktenskap födde Alexandra sin man 18 barn, varav 10 dog i spädbarnsåldern. Efter makens död levde hon i ytterligare 40 år, förvaltade godset ordentligt och lämnade sina barn en anständig förmögenhet.

Tillsammans med sin man födde Lisa fem barn och troligen var hennes äktenskap baserat på kärlek. När hennes man dog i pesten och även Lisa drabbades av denna svåra sjukdom, var en av döttrarna inte rädd för att ta sin mamma till sin plats och lämnade henne. Mona Lisa tillfrisknade och levde en tid med sina döttrar och dog vid 63 års ålder.

Rysk målning särskiljs med rätta från världen konstnärliga konster. Faktum är att fram till 1600-talet förknippades inhemsk målning uteslutande med religiöst tema. Situationen förändrades när den reformerande tsaren Peter den store kom till makten. Tack vare hans reformer började ryska mästare engagera sig i sekulär målning, och ikonmålning separerade som en separat riktning. Det sjuttonde århundradet är tiden för sådana konstnärer som Simon Ushakov och Joseph Vladimirov. Sedan uppstod porträtt i den ryska konstvärlden och blev snabbt populärt. På 1700-talet dök de första konstnärerna upp som gick från porträtt till landskapsmåleri. Konstnärernas uttalade sympati för vinterpanorama märks. 1700-talet kom också ihåg för uppkomsten av vardagsmåleriet. Under artonhundratalet blev tre rörelser populära i Ryssland: romantik, realism och klassicism. Liksom tidigare fortsatte ryska artister att vända sig till porträttgenre. Det var då som de världsberömda porträtten och självporträtten av O. Kiprensky och V. Tropinin dök upp. Under andra hälften av artonhundratalet skildrade konstnärer allt mer det vanliga ryska folket i deras förtryckta stat. Realism blir den centrala rörelsen i måleriet under denna period. Det var då som de ambulerande konstnärerna dök upp, som endast skildrade det verkliga, verkliga livet. Jo, nittonhundratalet är förstås avantgardet. Den tidens konstnärer påverkade avsevärt både sina anhängare i Ryssland och över hela världen. Deras målningar blev föregångare till abstrakt konst. Ryskt måleri är en enorm underbar värld av begåvade konstnärer som har förhärligat Ryssland med sina skapelser.