Mengenai seni gitar dan latihan pemain gitar. Pembentukan persembahan gitar Rusia Pembentukan seni persembahan pada gitar
Pembentukan persembahan gitar Rusia1. Kemunculan seni bermain gitar tujuh tali di Rusia pada abad ke-19 - awal abad ke-20
Keaslian kewujudan gitar di Rusia terletak pada kewujudan selari dua jenis - tujuh rentetan dan enam rentetan. Walau bagaimanapun, "perkongsian" mereka dalam pembuatan muzik adalah berbeza: dari separuh kedua 20-an abad XX, dalam tempoh yang melampaui kajian buku ini, gitar enam tali menjadi semakin popular. Sementara itu, untuk hampir keseluruhan tempoh abad ke-19, pelbagai instrumen yang boleh dipanggil sepenuhnya instrumen rakyat Rusia adalah dominan dalam pembuatan muzik domestik. Dan bukan sahaja mengikut kriteria sosial, berkaitan dengan tumpuan kepada bukan elit dari segi muzik dan artistik, bahagian dominan penduduk Rusia. Dalam gitar tujuh tali, dengan penalaan khas "Rusia", unsur etnik kewarganegaraan tidak kurang jelas: selama lebih dua abad ia telah digunakan secara meluas di negara kita dan masih wujud untuk mengekspresikan genre tradisional muzik kebangsaan. Penalaan mengikut bunyi triad G-dur meningkat dua kali ganda kepada satu oktaf dan rentetan bawah jarak satu liter muncul di Rusia pada separuh kedua abad ke-18 dan ternyata sangat organik di persekitaran bandar, di mana mereka suka menyanyi lagu dan percintaan, dengan formula iringan kord bass yang tidak berubah-ubah (Dalam kehidupan muzik dalam negeri pada permulaan abad ke-19, alat sedemikian sering dipanggil gitar "sistem Poland." Sementara itu, penalaan dengan bunyi triad G-dur menjadi meluas hanya di Rusia (satu-satunya pengecualian boleh menjadi persekitaran penghijrah Rusia di negara lain).
Diiringi pada gitar tujuh tali dalam pembuatan muzik rumah, biasanya dengan telinga - fungsi harmonik paling mudah bagi iringan sedemikian menjadi sangat mudah diakses. Pengarang lagu dan percintaan paling kerap adalah amatur yang kurang dikenali, tetapi kadangkala komposer terkenal pada abad ke-19, pendahulu M. I. Glinka, seperti A. E. Varlamov, A. L. Gurilev, A. A. Alyabyev, A. I. Dyubuk , P. P. Bulakhov. Persembahan kepada "tujuh rentetan" lagu-lagu seperti "Loceng berbunyi membosankan" oleh A. L. Gurilev, "Ribut salji menyapu sepanjang jalan" oleh A. E. Varlamov, "Jangan memarahi saya, sayang" oleh A. I. Dyubuk dan ramai lagi dibuat mereka popular secara meluas - bukan kebetulan bahawa mereka mula wujud di kalangan penduduk umum tepatnya sebagai lagu rakyat Rusia.
Seni gipsi Rusia memainkan peranan penting dalam penyebaran aktif gitar tujuh tali. Pemain gitar tujuh rentetan yang hebat adalah ketua koir gipsi, seperti Ilya Osipovich dan Grigory Ivanovich Sokolov, Alexander Petrovich Vasilyev, kemudian Nikolai Sergeevich Shishkin, Rodion Arkadevich Kalabin dan lain-lain (Seperti yang dinyatakan K. A. Baurov, "Koir Gipsi di Rusia semakin bergaya dengan tangan ringan Kira A. G. Orlov. Ramai bangsawan, pemilik tanah kaya dan pedagang memperoleh koir gipsi mereka sendiri.
Pada akhir abad ke-18, gitar tujuh tali boleh didengari di salon bangsawan dan juga di istana diraja, tetapi untuk pertengahan sembilan belas abad, pendemokrasian yang ketara telah diperhatikan. M. A. Stakhovich dalam "Essay on the history of the seven-string guitar", yang pertama kali diterbitkan pada tahun 1854, menulis: "Gitar tujuh-string adalah instrumen yang paling biasa di Rusia, kerana ia adalah yang paling biasa kerana, sebagai tambahan kepada yang berpendidikan. kelas, ia juga dimainkan oleh orang biasa.”
Pada masa yang sama, sudah pada akhir abad ke-18, gitar jenis ini mula berkembang juga sebagai wakil ahli akademik. seni muzik. Jika menyanyi dengan iringan gitar lagu-lagu urban dan percintaan dicirikan oleh tradisi pendengaran bukan bertulis, maka lagu-lagu yang sama bertujuan untuk persembahan solo pada gitar dalam pembuatan muzik rumah telah diterbitkan dalam pelbagai koleksi muzik. Ini terutamanya variasi - susunan melodi lagu rakyat. Di sini, pengarang menunjukkan imaginasi kreatif apabila menghiasi tema, "pewarna" berwarna-warni dalam pelbagai pilihan.
Untuk gitar tujuh tali, komposisi utama juga muncul. Sudah dalam awal XIX abad, Sonata untuk duet gitar oleh V. Lvov telah dikeluarkan. Semakin banyak, pelbagai keping gitar mula diterbitkan, diletakkan dalam manual pengajaran dan metodologi atau diterbitkan dalam edisi berasingan. Contohnya, terdapat banyak miniatur, terutamanya dalam genre tarian - mazurka, waltz, tarian desa, ecossaises, polonais, serta serenade, divertissement, yang dicipta oleh guru gitar dan methodist terkenal Ignaz Geld (1766-1816).
Ignaz Geld
Setelah menjalani hampir semua kehidupan kreatifnya di Rusia, Czech Russified ini melakukan banyak perkara untuk mempopularkan permainan gitar akademik. Pada tahun 1798, "School-tutorial for the seven-string guitar" beliau diterbitkan di St. Petersburg, yang mempunyai tajuk dalam bahasa Perancis - "Methode facile pour apprendre a pincer la guitare a sept cordes sans maitre". Bersama-sama dengan pelbagai maklumat teori, ia mengandungi banyak sampel muzik - kedua-duanya disusun untuk gitar, dan gubahan pengarang sendiri. Ini ialah Prelude, Waltz, Dumka, Polonaise, March, Allegretto; pada penghujung edisi terdapat juga sonata untuk seruling dan gitar, kepingan untuk biola dan gitar, untuk suara dan gitar, dll.
Sekolah ini berulang kali dicetak semula dan ditambah dengan pelbagai bahan baru (khususnya, edisi ketiga telah diperluaskan dengan empat puluh susunan lagu rakyat Rusia dan Ukraine). Merit artistiknya yang tinggi sudah dapat dibuktikan dengan fakta bahawa ia telah menjadi asas metodologi untuk mengekstrak harmonik semula jadi dan buatan. Ini dilakukan oleh S. N. Aksenov, yang menerbitkan kaedah pelaksanaannya dalam suplemennya kepada penerbitan dan memilihnya di sini dalam bab yang berasingan.
"Sekolah untuk Gitar Tujuh Tali" guru, pengarang beberapa komposisi muzik Dmitry Fedorovich Kushenov-Dmitrievsky (c. 1772-1835) juga menjadi fenomena penting pada zamannya. Manual gitarnya ialah “The New and Complete Guitar School, yang dikarang pada tahun 1808 oleh En. Kushenov-Dmitrievsky, atau manual arahan diri untuk gitar, mengikut mana anda boleh belajar cara bermain gitar dengan betul sendiri tanpa bantuan teacher”, pertama kali diterbitkan di St. Petersburg pada tahun 1808, menikmati populariti yang hebat pada separuh pertama abad ke-19 dan berulang kali dicetak semula. Walaupun ia menyediakan untuk belajar sendiri, penulis menekankan bahawa kejayaan dalam kognisi sebahagian besarnya diperoleh "dengan bantuan guru yang baik." Dalam terbitan semula School of 1817, penulis menyatakan dengan lebih tegas lagi: “... tidak ada satu ilmu pun yang tidak memerlukan pembimbing atau pembimbing untuk menyempurnakan ilmu. Oleh itu, saya tidak menasihati anda untuk mula mengajar sebelum waktu itu, sehingga guru yang berkebolehan dan cukup berpengetahuan ditemui untuk ini.
D. F. Kushenov-Dmitrievsky mencipta beberapa fantasi dan adaptasi lagu rakyat untuk gitar tujuh tali, pada tahun 1818 beliau menerbitkan koleksi keping gitar "Interdubele, atau Koleksi karya teladan untuk gitar tujuh tali". Ia mengandungi seratus nombor muzik, khususnya, miniaturnya sendiri, susunan muzik rakyat, serta transkripsi drama oleh W. A. Mozart, A. O. Sichra, F. Carulli dan komposer lain.
Komposer-pemain biola terkenal Rusia pada separuh kedua abad ke-18 - awal abad ke-19 memiliki gitar tujuh tali dengan sempurna. Antaranya, seperti dalam bidang seni balalaika, pertama sekali, Ivan Evstafyevich Khandoshkin harus disebutkan, yang juga menulis muzik untuk gitar, mengarang untuknya beberapa variasi pada tema lagu rakyat Rusia (malangnya, tidak dipelihara) . Saya ingin menamakan dalam konteks yang sama Gavriil Andreevich Rachinsky (1777-1843), yang menerbitkan karya gitarnya sudah dalam dekad pertama abad ke-19.
Pembungaan sebenar prestasi gitar profesional domestik bermula dengan aktiviti kreatif guru-gitaris cemerlang Andrei Osipovich Sikhra (1773-1850). Sebagai pemain kecapi melalui pendidikan dan menguasai persembahan instrumen ini dengan sempurna, dia tetap menumpukan seluruh hidupnya untuk promosi gitar tujuh tali: pada masa mudanya dia terlibat dalam aktiviti konsert, dan kemudian pedagogi dan pencerahan.
Andrey Osipovich Sikhra
Pada penghujung abad ke-18, Sichra datang dari Vilnius ke Moscow, di mana dia mula berminat dengan gitar, dan pada tahun 1813 dia berpindah ke St. Petersburg. Sejak 1801, konsert gitarnya di Moscow dan St. Petersburg telah sangat berjaya (Untuk jangka masa yang panjang, A. O. Sikhra bahkan dianggap sebagai pencipta gitar tujuh rentetan Rusia. Oleh itu, M. A. Stakhovich menyatakan bahawa Sikhra masih berada di akhir abad ke-18 "Saya datang dengan idea untuk membuat alat daripada gitar enam tali yang lebih lengkap dan lebih dekat dengan kecapi dari segi arpeggios, dan pada masa yang sama lebih melodi daripada kecapi, dan mengikat tali ketujuh pada gitar, pada masa yang sama, dia menukar penalaannya, memberikan enam tali sekumpulan dua kord tonik dalam nada G-dur [...] Dalam rentetan ketujuh, dia meletakkan bes paling tebal, membentuk oktaf bawah - re (D) dan mengandungi bunyi utama nada dominan atas G-dur. "A. S. Famintsyn mengulangi data yang sama, menekankan bahawa Sichra, dengan menambah rentetan ketujuh, menukar penalaan, "membawanya lebih dekat dalam arpeggios kepada alat khasnya - kecapi.” Walaupun maklumat ini tidak menemui sebarang pengesahan dokumentari, satu perkara yang tidak dapat dipertikaikan: pemuzik, seperti pelajarnya, , banyak menyumbang kepada populariti luas gitar jenis ini di Rusia.).
A. O. Sikhra memperoleh kejayaan istimewa berkat penerbitan muziknya, yang kemudiannya dipanggil "majalah". Jadi, pada tahun 1800, edisi sedemikian diterbitkan di bawah tajuk dalam bahasa Perancis "Journal pour la Guittare a sept cordes par A. Sychra" ("Jurnal untuk gitar dengan tujuh tali A. Sychra"). Majalah itu adalah kejayaan yang jelas, seperti yang dibuktikan dengan cetakan semula dua tahun kemudian. Banyak susunan lagu rakyat Rusia, susunan muzik klasik, miniatur ringkas dalam genre tarian diletakkan di sini.
Dalam dekad berikutnya, sehingga 1838, pemuzik menerbitkan beberapa majalah gitar yang serupa, yang mempersembahkan pelbagai jenis karya, transkripsi daripada muzik opera, percintaan, lagu dan tarian, variasi pada tema daripada karya klasik, dll. Semua ini sebahagian besarnya ijazah menyumbang kepada peningkatan populariti instrumen.
Majalah yang diterbitkan sejak 1826 dengan nama "majalah Petersburg untuk gitar, diterbitkan oleh Sychra, mengandungi pelbagai jenis gubahan, sedap didengari dan mudah dimainkan" mendapat kemasyhuran tertentu. Pada tahun-tahun terakhir hidupnya, sebahagian besarnya, dia mengarang keping untuk duet gitar, dan dia sendiri melakukan tessitura yang lebih rendah, bahagian kedua, dan dia mempercayakan urutan pertama yang lebih tinggi - gitar tertz kepada salah seorang pelajarnya.
Aktiviti metodologi pemuzik juga penting. Pada tahun 1850, "Sekolah Teori dan Praktikal untuk Gitar Tujuh Tali" muncul dalam tiga bahagian (bahagian pertama - "Mengenai Peraturan Muzik Secara Umum", yang kedua - latihan teknikal, skala dan arpeggios, yang ketiga - bahan muzik, terutamanya daripada karya pelajar Sychra). Pada separuh kedua abad ke-19, F. T. Stellovsky, yang berulang kali menerbitkan semula sekolah itu, dengan ketara mengembangkan repertoir dengan menambahkan banyak susunan karya oleh komposer klasik.
Satu lagi manual pengajaran dan pedagogi yang penting ialah "Peraturan Praktikal yang Terdiri dalam Empat Latihan" oleh A. O. Sikhra, sejenis sekolah tinggi untuk meningkatkan kemahiran teknikal seorang pemain gitar, ensiklopedia teknik dan kaedah bermain gitar tujuh tali pada masa itu. Walaupun hanya etude disertakan di sini, pada dasarnya ia adalah drama lanjutan, dan oleh itu ia akan dibincangkan dalam bahagian berasingan bab ini.
Sichra adalah orang pertama yang menubuhkan gitar tujuh rentetan sebagai instrumen akademik solo, melakukan banyak perkara untuk pendidikan estetik pelbagai pemain gitar amatur. Dia melatih sejumlah besar pelajar dan, yang paling penting, mencipta sekolah persembahannya sendiri sebagai hala tuju artistik, dicirikan oleh perhatian menyeluruh terhadap keperibadian kreatif pelajar dan pengaktifan pemikiran artistiknya, gabungan seni persembahan dan mengarang muzik, dengan kelaziman pemprosesan bahan lagu rakyat. Bukan kebetulan bahawa aktiviti pedagogi Sichra dalam bidang gitar sangat dihargai, contohnya, oleh komposer terkenal, sebagai A. E. Varlamov, M. I. Glinka, A. S. Dargomyzhsky.
Banyak bekerja dengan pelajarnya untuk mencapai kehalusan dan kecanggihan bunyi gitar, pemuzik ini tidak berusaha untuk mengembangkan permainan cantilena daripada mereka, tetapi menyamakan gitar dengan kecapi. Sebagai contoh, pemuzik itu memanggil legate ekspresif yang bermain dengan banyak vibrato oleh salah seorang pengikutnya yang paling berbakat "gipsi", walaupun, tentu saja, dia tidak mengganggu pendedahan ciri gaya persembahannya ini, kerana, sebagai M. G. Dolgushina menyatakan, dia menganggapnya sebagai "pelajar terbaiknya dan terutamanya untuknya mencipta beberapa karya teknikal yang kompleks. Pelajar ini ialah Semyon Nikolaevich Aksenov (1784-1853). Pada tahun 1810-1830-an, dia mungkin penganjur instrumen yang paling menonjol, walaupun pekerjaan utamanya berkhidmat sebagai pegawai utama (Selepas berpindah dari Moscow ke St. Petersburg pada tahun 1810, S. N. Aksenov mula membuat kerjaya rasmi yang cepat: 1823 adalah pegawai untuk tugasan khas di bawah Menteri Perang Rusia, untuk masa yang lama berkhidmat dalam jawatan yang sama di Kementerian Tentera Laut, adalah anggota pangkat tentera kolonel).
Semyon Nikolaevich Aksenov
Permainan S. N. Aksenov dibezakan oleh kemerduan yang luar biasa, kehangatan nada, dan bersama-sama dengan ini - kebaikan yang hebat. Pemuzik itu memberi sumbangan penting kepada peningkatan teknik persembahan: dialah yang, seperti yang telah dinyatakan, adalah orang pertama yang dengan teliti membangunkan sistem harmonik buatan pada gitar tujuh rentetan. Pada tahun 1819, beliau juga membuat penambahan penting pada cetakan semula Sekolah I. Geld, menyediakannya bukan sahaja dengan bab harmonik, tetapi juga dengan banyak keping dan susunan lagu rakyat yang baru.
Salah satu aspek yang paling penting dalam aktiviti Aksenov ialah pencerahan muzik. Khususnya, pada tahun 1810-an dia mula menerbitkan Jurnal Baru untuk Gitar Tujuh Tali, Didedikasikan kepada Pencinta Muzik, di mana dia menerbitkan banyak transkripsi opera aria popular, variasinya sendiri pada tema lagu rakyat Rusia. Di bawah pengaruh keghairahan pemain gitar untuk cerita rakyat lagu Rusia, gurunya A. O. Sikhra mula memberi perhatian lebih kepada susunan lagu-lagu rakyat.
Di antara pelajar pertama A. O. Sikhra, seseorang juga harus menyebut Vasily Sergeevich Alferyev (1775-c. 1835). Sudah pada tahun 1797, fantasinya mengenai tema lagu rakyat Rusia "How did I upset you" telah diterbitkan, dan pada tahun 1808 dia mula menerbitkan terbitan bulanan "Russian Pocket Songbook for the Seven-String Guitar". Ia termasuk banyak "lagu dengan variasi", miniatur berasingan, transkripsi opera aria yang popular pada masa itu, karya muzik klasik, percintaan untuk suara dan gitar. Pelbagai tarian bergaya juga diterbitkan di sini, bertujuan untuk kedua-dua solo gitar dan duet gitar (V. S. Alferyev juga merupakan ahli Persatuan Pencinta Kesusasteraan Rusia Bebas. Seperti yang dinyatakan oleh M. G. Dolgushina, ia, "mengisytiharkan matlamat utama amal, bersatu di sekeliling dirinya sebagai pelbagai wakil golongan bangsawan yang berminat". Pemuzik itu juga seorang pencinta dan pengumpul cerita rakyat Rusia yang hebat. Menurut buku yang sama, percintaan oleh V. S. Alferyev, serta S. N Aksenov - ia dicipta terutamanya berdasarkan kata-kata penyair kontemporari).
Antara pelajar A. O. Sikhra juga adalah Fedor Mikhailovich Zimmerman (1813-1882), seorang pemain gitar berbakat. Orang sezaman sering memanggilnya "Paganini gitar", mengagumi teknik, kebebasan dan mobiliti tangannya, "seolah-olah tidak ada lima, tetapi sepuluh jari pada setiap tangan", dia dengan sempurna membuat improvisasi pada gitar, mencipta pelbagai jenis drama - fantasi, waltz, mazurka, etudes dan sebagainya.
Vasily Stepanovich Sarenko (1814-1881) juga meninggalkan tanda yang ketara dalam seni gitar.
Vasily Stepanovich Sarenko
A. I. Dubuk, seorang komposer dan pemain piano terkenal Rusia pada abad ke-19, pengarang banyak lagu dan percintaan popular, menggambarkan seninya seperti berikut: "Pemain itu kelas pertama dan tahu muzik dengan sempurna, mempunyai banyak rasa dan imaginasi, pada umumnya seorang pemuzik yang dibangunkan secara menyeluruh. Dimainkan dengan elegan, bersih, lancar; rentetannya menyanyi dalam tempo cepat dan perlahan. Drama dan etudes yang digubah oleh V. S. Sarenko biasanya tepu dengan melodi ekspresif dan tekstur yang berkembang. Dia juga membuat banyak susunan dan transkripsi gitar. Kita juga harus menyebut pelajar berbakat A. O. Sikhra sebagai Pavel Feodosievich Beloshein, yang menjadi guru kelas gitar yang hebat, pengarang banyak miniatur.
Vladimir Ivanovich Morkov (1801-1864) juga merupakan pelajar berpendidikan tinggi A. O. Sikhra
Vladimir Ivanovich Morkov
(Potret yang dipetik, dibuat pada tahun 1839, adalah milik artis Rusia yang luar biasa Vasily Andreevich Tropinin (1776-1857), yang merupakan hamba dalam keluarga bangsawan besar Wortel, ia disimpan di Muzium Negara Rusia St. . Petersburg. Pada tahun 2007, "Potret V. I. Morkov" diterbitkan dalam jilid ketiga siri "Muzium Rusia mempersembahkan. Lukisan separuh pertama abad ke-19. Almanak "(Isu 193). V. A. Tropinin menangani imej gitaris lebih daripada sekali. Salah satu varian imej sedemikian, bertarikh 1823 dan disimpan di Galeri Tretyakov Negeri , dalam warna-warna asal yang berwarna-warni terdapat pada kulit buku.) Dia memiliki susunan banyak keping muzik klasik, ditujukan untuk satu dan dua gitar. Dia juga menerbitkan "School for the Seven-String Guitar", dan pada tahun 1861 menulis Twenty-four Preludes untuk gitar dalam semua kekunci major dan minor (Selain bermain gitar, V. I. Morkov juga merupakan pengkritik muzik, pengarang pelbagai artikel dan ulasan dalam akhbar dan majalah ibu negara, beliau mencipta karya monografi mengenai muzik, termasuk buku "A Historical Sketch of Russian Opera from Its Very Beginning to 1862", diterbitkan di St. Petersburg pada tahun 1862, yang menarik perhatian muzikal. komuniti pada masa itu. artikel mengenainya telah ditulis oleh pengkritik terkenal Rusia A. N. Serov. Sementara itu, muzik bukanlah profesion V. I. Morkov - dia mempunyai pangkat tinggi ahli majlis negara sebenar, tempat perkhidmatan utamanya ialah Jabatan Rekod Tentera.).
Salah seorang tokoh yang paling menonjol dalam perkembangan permainan gitar Rusia ialah Mikhail Timofeevich Vysotsky (1791-1837).
Mikhail Timofeevich Vysotsky
Yang pertama memperkenalkannya kepada instrumen ini ialah S. N. Aksenov, yang juga mentornya.
Gaya persembahan M. T. Vysotsky ditandai dengan imaginasi kreatif yang berani dalam melodi lagu rakyat yang berbeza-beza, kemahiran teknikal yang luar biasa, dan ekspresi luar biasa sebutan muzik. “Permainannya dibezakan dengan kekuatan dan nada yang sekata klasik; dengan kepantasan dan keberanian yang luar biasa, dia pada masa yang sama memancarkan keikhlasan dan kemerduan yang lembut. Dia bermain sepenuhnya dengan bebas, tanpa usaha sedikit pun; ia seolah-olah tidak ada kesukaran untuknya, [...] dia melanda dengan keaslian legatonya yang merdu dan kemewahan arpeggios, di mana dia menggabungkan kuasa kecapi dengan kemerduan biola; gaya gubahan asal khas mempengaruhi permainannya; permainannya terpesona, memikat pendengar dan meninggalkan kesan yang tidak dapat dilupakan selama-lamanya [...] Vysotsky mempunyai permainan lain yang mengejutkan rakan seangkatannya: dia sendiri memanggilnya "probe" atau "chord". Sebenarnya ia adalah pendahuluan percuma. Dia boleh mendahului dalam petikan yang paling mewah, modulasi, dengan kekayaan akord yang tidak terhingga, dan dalam hal ini dia tidak kenal lelah,” V. A. Rusanov menulis tentangnya.
M. T. Vysotsky mencipta banyak susunan dan transkripsi karya oleh komposer klasik, khususnya, karya W. A. Mozart, L. Beethoven, D. Field, menulis banyak miniatur untuk gitar - prelude, fantasi, karya dalam genre tarian. Bahagian paling berharga dari warisan komposernya ialah variasi pada tema lagu rakyat Rusia, yang akan dibincangkan lebih lanjut.
Pemuzik itu adalah wakil daripada cara persembahan improvisasi-auditori, dan dalam hal ini dia hampir dengan pembuatan muzik rakyat tradisional Rusia. Variasi yang sangat artistik pada tema lagu-lagu rakyat Rusia, yang sering dipersembahkan hari ini, tidak dirakam olehnya sendiri dan hanya kemudian direkodkan dalam teks muzik oleh pelajarnya (V. A. Rusanov juga mencatatkan seni improvisasi yang luar biasa dari pemain gitar: " Pernah, setelah datang ke A. I. Dubuc semasa pelajaran dan mendengar etudes Kramer yang dilakukan oleh pelajarnya, Vysotsky berasa gembira dan, meraih gitar, mula menghasilkan semula dan mengubah etude ini supaya A. I. Dubuc kagum. Dia menasihati Vysotsky untuk menulis fantasi ini dan dirinya menerima penyertaan aktif dalam hal ini).
Kaedah pedagogi M. T. Vysotsky juga sepadan, yang terdiri daripada memindahkan kemahiran memainkan instrumen secara eksklusif "dari tangan" dan "dari jari" guru, berdasarkan kesan pendengaran pelajar. Namun begitu, kerja pedagoginya amat membuahkan hasil. Cara inspirasi gaya persembahan gitaris mencipta suasana yang benar-benar kreatif dalam pelajaran, memberi inspirasi kepada pelajar dan sangat dihargai oleh mereka yang kebetulan belajar dengannya (Vysotsky merekodkan pengalaman mengajarnya sejurus sebelum kematiannya di "Sekolah Praktikal dan Teoritis untuk Gitar", yang diterbitkan di Moscow pada tahun 1836, bagaimanapun, tidak dari segi kepentingan cadangan metodologi, mahupun dari segi volum dan urutan repertoir yang dibentangkan (hanya terdapat 24 halaman di sekolah) peranan besar dia tidak bermain dalam pembentukan persembahan gitar Rusia.). Pelajaran gitar diambil daripadanya, khususnya, oleh penyair berusia enam belas tahun M. Yu. Lermontov, yang mendedikasikan puisi "Bunyi" kepada gurunya.
Pemain gitar itu secara aktif memupuk minat pelajarnya terhadap lagu-lagu rakyat Rusia. Bukan kebetulan bahawa di kalangan pelajarnya ialah Mikhail Aleksandrovich Stakhovich (1819-1858), ahli cerita rakyat Rusia yang terkenal, pengarang koleksi lagu rakyat dengan iringan gitar, penyair dan penulis, yang juga menulis buku terbitan pertama mengenai asal usul bahasa Rusia. persembahan gitar - "Karangan tentang Sejarah Gitar Tujuh Tali "(St. Petersburg, 1864). Ivan Egorovich Lyakhov (1813-1877), pengarang beberapa drama dan susunan, Alexander Alekseevich Vetrov, pencipta koleksi "100 Lagu Rakyat Rusia", permainan dan susunan untuk gitar tujuh rentetan, kitaran variasi lagu rakyat, juga pelajar M. T. Vysotsky. Ramai pemain gitar-pemimpin koir gipsi, seperti I. O. Sokolov, F. I. Gubkin dan lain-lain, juga belajar dengan M. T. Vysotsky.
Dari separuh kedua abad ke-19, seni gitar Rusia, seperti seni gusel, mula merosot. Tetapi jika psaltery mula hilang dari pembuatan muzik setiap hari, maka gitar, kekal sebagai instrumen pengiring yang sama tidak berubah dalam bidang lagu dan percintaan bandar, nyanyian gipsi, secara beransur-ansur kehilangan kepentingannya dalam masyarakat domestik kerana penurunan tahap profesional. daripada pemain gitar. Dalam tempoh masa ini, penghibur dan guru yang cemerlang seperti Sikhra, Vysotsky atau Aksenov tidak muncul, manual metodologi yang serius hampir tidak lagi diterbitkan, dan buku arahan kendiri yang diterbitkan kebanyakannya direka untuk keperluan bersahaja pencinta pembuatan muzik setiap hari. dan mengandungi hanya contoh popular percintaan, lagu, tarian, selalunya berkualiti rendah (Dalam hal ini, adalah menarik untuk memetik pemerhatian A. S. Famintsyn: “Setelah menjadi alat haberdashery di kalangan lapisan masyarakat yang lebih rendah, tanda petty -tamadun borjuasi, gitar menjadi kesat, bunyinya mula berfungsi untuk mengiringi percintaan "sensitif". Gitar bermain sendiri, pada instrumen "hamba" ini, subjek perdagangan kedai tembakau, - menjadi tanda rasa tidak enak dalam masyarakat; gitar itu hilang sepenuhnya daripadanya").
Lonjakan baru minat orang ramai terhadap gitar di Rusia berlaku pada penghujung abad ke-19 - permulaan abad ke-20. Pada tahun-tahun ini, aktiviti pemain gitar, penghibur dan guru terkenal terkenal secara meluas. Antaranya, pertama sekali, saya ingin menamakan Alexander Petrovich Solovyov (1856-1911). "School for the Seven-String Guitar" (1896) yang dicipta dan diterbitkan olehnya menjadi sumbangan penting kepada pembangunan kaedah pengajaran untuk memainkan instrumen (Pada tahun 1964, sekolah A.P. Solovyov telah diterbitkan semula (di bawah pengarang R.F. Meleshko). ) oleh rumah penerbitan Muzyka.) . Bahagian pertama manual termasuk bahan teori yang luas; dibahagikan kepada dua puluh lima pelajaran, ia disampaikan dengan cara yang sangat profesional dan pada masa yang sama boleh diakses. Bahagian selanjutnya sekolah mengandungi latihan teknikal dan himpunan berharga - transkripsi karya klasik Rusia dan Eropah Barat, penyesuaian lagu rakyat.
Alexander Petrovich Solovyov
Di samping itu, A.P. Solovyov membuat sejumlah besar susunan untuk gitar, yang secara signifikan memperluaskan pemahaman penonton tentang cara artistik instrumen itu. Cukuplah untuk menyebut Rhapsodi Hungary Kedua dan Keenam oleh F. Liszt, "Dance of Death" oleh C. Saint-Saens, karya L. Beethoven, F. Chopin, F. Mendelssohn. Dia juga menerbitkan empat album yang mengandungi empat puluh susunan lagu-lagu rakyat Ukraine, koleksi percintaan gipsi untuk suara dan gitar, kepingan untuk duet, trio dan kuartet gitar, menulis lebih daripada tiga ratus gubahan, yang mana lapan puluh lima telah diterbitkan.
Antara pelajar terkenal A.P. Solovyov, Vasily Mikhailovich Yuriev (1881-1962), Viktor Georgievich Uspensky (1879-1934), Vladimir Nilovich Berezkin (1881-1945), Mikhail Fedorovich Ivanov (1889-1953), Sergey 18 Kurlaev (1889-1953) 1962).
Tetapi pelajar paling pintar Solovyov ialah Valerian Alekseevich Gusanov (1866-1918). Dia adalah personaliti yang luar biasa serba boleh: seorang guru, pengarang gubahan muzik, dan yang paling penting, ahli sejarah terkenal dan penyebar gitar (Perlu diperhatikan bahawa V. A. Rusanov juga mendapat kemasyhuran sebagai ketua Persatuan Pencinta Alat-Alat Rakyat Moscow, di mana dia menganjurkan rakyat - orkestra instrumental, komposisi jelas berbeza daripada yang ditanam oleh V. V. Andreev dan rakan-rakannya, yang akan dibincangkan kemudian. Dalam komposisi instrumental ini, balalaikas wujud bersama mandolin, gitar dan piano.).
Ia adalah V. A. Rusanov yang berjaya mengumpulkan pemain gitar Rusia dengan menganjurkan penerbitan majalah semua-Rusia "Guitarist", yang wujud dari 1904 hingga 1906. Mereka
banyak artikel telah ditulis dalam majalah Music of the Guitarist, Accord, esei terperinci bermaklumat diterbitkan - Guitar and Guitarists, Catechism of the Guitar dan beberapa yang lain. Penerbitan yang sangat penting ialah bukunya "Guitar in Russia", di mana buat pertama kalinya dalam sastera dalam negeri sejarah instrumen yang sangat terperinci dibentangkan.
Valerian Alekseevich Rusanov
Aktiviti pedagogi V. A. Rusanov juga membuahkan hasil. Pelajarnya, sebagai contoh, P. S. Agafoshin, yang pada separuh kedua 1920-an - 1930-an menjadi ketua guru domestik dan ahli metodologi dalam bidang itu. gitar enam tali.
Di kalangan pemain gitar pada awal abad ke-20, saya ingin menyebut Vasily Petrovich Lebedev (1867-1907), pengarang pelbagai komposisi dan susunan untuk gitar tujuh dan enam tali, seorang penghibur yang cemerlang. Saya ingin ambil perhatian bahawa pada tahun 1898 V. V. Andreev menjemputnya untuk bekerja sebagai guru alat muzik rakyat dan muzik rakyat di rejimen Pengawal Daerah Tentera St. Petersburg.
Di sini V.P. Lebedev menjalankan kerja muzik dan pendidikan yang paling pelbagai. Dia tampil sebagai pemain solo pada gitar tujuh rentetan dalam konsert Great Russian Orchestra, menyukai ruang dan bunyinya yang lembut (jelajah V.P. Lebedev dengan Orkestra Rusia Besar V.V. Andreev di Pameran Dunia 1900 di Paris mempunyai kejayaan yang istimewa. ). Pada tahun 1904, beliau juga menerbitkan manual metodologi - "Sekolah untuk gitar tujuh rentetan sistem Rusia dan Sepanyol" (yang terakhir bermaksud menambah rentetan bawah "P" pada gitar enam rentetan klasik).
Oleh itu, seni gitar pada abad ke-19 dan terutamanya pada awal abad ke-20 memainkan peranan yang sama penting dalam pendidikan muzik dan seni orang ramai, seperti juga seni bermain domra atau balalaika. Oleh itu, ditujukan kepada penduduk umum Rusia, ia dapat memberikan langkah-langkah yang boleh dipercayai dalam pergerakan ke arah elit muzik, dan, akibatnya, memperoleh kualiti yang paling penting dari instrumen rakyat dari segi status sosialnya.
Gitar enam tali (Sepanyol) dan tujuh tali (Rusia).
Gitar adalah salah satu instrumen yang paling digemari dan popular di banyak negara di seluruh dunia. Sejarah seni gitar dipenuhi dengan acara yang kaya, pencarian kreatif, peningkatan berterusan kedua-dua instrumen itu sendiri dan teknik memainkannya.
Gitar mengambil penampilannya, hampir dengan moden, hanya pada abad ke-18. Alat yang dipetik seperti kecapi, kecapi, cithara Yunani, viola Itali dan vihuela Sepanyol dianggap sebagai pendahulunya.
Pada masa ini, terdapat beberapa jenis gitar utama: enam rentetan klasik ("Sepanyol"), tujuh rentetan ("Rusia"), serta "Hawaiian", gitar jazz, gitar elektrik.
Tempat kelahiran gitar enam rentetan yang paling biasa di dunia ialah Sepanyol, gitar tujuh rentetan betul-betul dianggap Rusia.
Di kalangan pencinta seni gitar, perbincangan masih tidak berhenti: yang manakah antara instrumen ini harus diutamakan? Penyokong gitar enam rentetan menunjukkan kehebatan instrumen mereka, kepada kejayaan kreatif yang sangat penting yang dicapai oleh komposer dan penghibur yang menggunakannya. Peminat gitar tujuh tali juga merujuk kepada pencapaian hebat pemuzik dan tradisi persembahan yang berkembang dalam budaya seni Rusia pada abad ke-19, menekankan kedekatan instrumen dengan sifat lagu Rusia, melos rakyat. Mereka betul-betul perhatikan hakikat bahawa perkembangan genre percintaan Rusia lama dengan ciri lirik lembut dan keikhlasan, kemesraan perasaan, kedekatan dengan cerita rakyat bandar sebahagian besarnya disebabkan oleh gitar tujuh rentetan.
Pada pendapat kami, jawapan kepada soalan yang dikemukakan agak jelas: kedua-dua gitar enam tali dan gitar tujuh tali mempunyai merit dan tradisi mereka sendiri, setiap instrumen ini boleh menyelesaikan pelbagai tugas artistik. Kesahihan menggunakan satu atau lain jenis gitar hanya bergantung pada cara ekspresi yang diperlukan oleh komposer untuk menjelmakan idea kreatif, kandungan kiasan yang ingin didedahkan dengan bantuannya.
Kesusasteraan gitar mempunyai sejarah dan tradisi yang panjang. Susunan karya yang ditulis untuk instrumen lain, serta untuk pendahulunya yang terdekat, khususnya untuk kecapi, menduduki tempat yang menonjol dalam himpunan pemain gitar.
Pemain gitar virtuoso Sepanyol yang cemerlang dan guru Andres Torres Segovia (1893 - 1987), dianggap sebagai pengasas sekolah akademik moden bermain gitar enam tali.
Banyak gubahan biola berjaya ditafsir oleh pemain gitar. Jadi, sebagai contoh, Andres Segovia adalah penghibur yang tidak dapat ditandingi dari Chaconne J. S. Bach yang paling sukar, salah satu karya muzik biola.
Tetapi perkara yang paling penting: untuk gitar terdapat repertoir solo asal yang sentiasa berkembang, yang terdiri daripada konserto, sonata, variasi, kepingan; ia digunakan secara aktif oleh komposer sebagai ensembel dan instrumen pengiring.
Peranan penting dalam penciptaan repertoir gitar adalah milik komposer Sepanyol: Fernando Sora (1778-1839), Francisco Tarrega Eixea (1852-1909), Miguel Llobet (1878-1938), Emilio Pujol Villarubi (b. 1886) dan seorang bilangan orang lain. Mereka mencipta karya berbakat untuk gitar, gaya yang mempunyai pengaruh tertentu pada komposisi piano C. Debussy, M. Ravel. Kerja-kerja yang luar biasa untuk gitar telah ditulis oleh N. Paganini, F. Schubert, K. M. Weber, G. Berlioz; dalam abad kita - M. de Falley, A. Roussel, D. Millau, A. Jolivet, E. Vila Lobos, X. Rodrigo.
Beberapa karya penting untuk gitar telah ditulis komposer Soviet. Antaranya saya ingin menamakan Concerto untuk gitar dengan kuartet tali, klarinet dan timpani oleh B. Asafiev, Sonata oleh V. Shebalin. Karya untuk gitar dicipta oleh I. Boldyrev, Yu. Obedov, L. Birnov, N. Chaikin, Yu. Shishakov, G. Kamaldinov dan komposer lain.
Sejarah gitar tujuh tali, yang menjadi meluas di Rusia, adalah menarik. Dia memasuki kehidupan muzik secara meluas. Pembuatan muzik rumah tidak lengkap tanpa gitar, percintaan dan lagu dinyanyikan dengan iringannya, digunakan sebagai instrumen solo dan ensembel.
Zaman kegemilangan seni bermain gitar tujuh tali dikaitkan dengan aktiviti A. Sikhra (1773-1850) dan M. Vysotsky (c. 1791-1837), pemuzik utama pada zaman mereka. Mereka menikmati simpati dan kasih sayang orang ramai Rusia, penghormatan dan penghargaan tokoh budaya kebangsaan.
Para pelajar Sichra memberikan sumbangan mereka kepada seni bermain gitar. Antaranya, perlu diperhatikan pemain gitar dan komposer S. Aksenov (1784-1853), yang menerbitkan "Majalah baru untuk gitar tujuh rentetan, khusus untuk pencinta muzik"; V. Svintsov (d. c. 1880), yang menjadi salah seorang penghibur profesional pertama pada gitar tujuh tali; F. Zimmermann (1810-1882), terkenal dengan improvisasinya yang mengagumkan; V. Morkov (1801-1864), pengarang karya dan transkripsi untuk gitar tujuh tali.
Seni bermain gitar enam tali juga berkembang di Rusia. M. Sokolovsky (1818-1883) adalah seorang penghibur yang luar biasa di atasnya, yang aktiviti konsertnya diadakan dengan jayanya baik di Rusia dan di banyak negara Eropah. Pelaku dan pempopular gitar enam senar klasik N. Makarov (1810-1890) juga menikmati kemasyhuran yang besar.
Pemain gitar dan guru virtuoso Soviet Rusia Pyotr Spiridonovich Agafoshin (1874 - 1950)
Walau bagaimanapun, pada separuh kedua abad ke-19, baik di Eropah dan di Rusia, terdapat kelemahan minat terhadap gitar di pihak pemuzik profesional, ia semakin dianggap sebagai instrumen yang tidak mempunyai kepentingan artistik yang besar, dan oleh itu tidak patut diberi perhatian, kemungkinan ekspresif dan keasliannya dipandang remeh.
Perkembangan seni gitar yang baru berlaku pada abad ke-20 dan mempengaruhi semua bidang: mengarang muzik, membuat persembahan, pedagogi. Gitar menduduki tempat yang sama bersama dengan instrumen lain di pentas konsert. Untuk mempromosikan seni gitar dan aktiviti pemuzik gitar, majalah khas sedang diterbitkan di Rusia: "Guitarist", "Guitarist's Music". Ia mengandungi maklumat yang tidak kehilangan kepentingannya pada zaman kita.
Dalam beberapa dekad kebelakangan ini dalam negara berbeza pertandingan antarabangsa dan festival pemain gitar diadakan, kelas gitar dibuka di banyak akademi muzik dan konservatori, banyak persatuan dan persatuan penghibur, fungsi profesional dan amatur, buku khas dan kesusasteraan muzik diterbitkan. Muzik gitar sentiasa didengari di radio dan televisyen, dirakam pada rekod dan kaset padat.
Tempat terkemuka di kalangan pemain gitar abad kita sepatutnya dimiliki oleh pemuzik Sepanyol yang hebat Andres Segovia (b. 1893). Persembahannya yang pelbagai, pengajaran, aktiviti pendidikan, penciptaan transkripsi mempunyai kesan yang besar terhadap perkembangan seni gitar selanjutnya.
Berulang kali Segovia melawat Kesatuan Soviet. Konsertnya, yang sentiasa berjaya, menyumbang kepada kebangkitan semula minat dalam gitar di negara kita, jelas menunjukkan keupayaan teknikal dan artistik instrumen yang ketara, merangsang aktiviti persembahan, pengajaran dan mengarang pemuzik Soviet seperti P. Agafoshin ( 1874-1950), P. Isakov (1886-1958), V. Yashnev (1879-1962), A. Ivanov-Kramskoy (1912-1973).
Pemain gitar dan guru virtuoso Soviet Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy (1912 - 1973)
Saya terutamanya ingin perhatikan kepentingan untuk pembangunan sekolah gitar Soviet Artis Terhormat RSFSR Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy. Pengarang dua konsert untuk gitar dan orkestra dan lebih seratus keping untuk instrumen ini, A. Ivanov-Kramskoy berjaya menggabungkan aktiviti konsert, rakaman radio dan rekod gramofon dengan pedagogi. Di dalam dinding sekolah muzik di Konservatori Negeri Moscow yang dinamakan sempena P. I. Tchaikovsky, dia menyediakan keseluruhan baris pemuzik yang menarik. A. Ivanov-Kramskoy mengeluarkan "The School of Playing the Six-String Guitar", yang memainkan peranan penting dalam latihan pemain gitar muda.
Pada masa ini, gitar enam tali klasik dipromosikan secara aktif oleh P. Veshchitsky, N. Komoliatov, E. Larichev, A. Frauchi, B. Khlopovsky dan ramai pemain gitar lain.
V. Sazonov (1912-1969), M. Ivanov (1889-1953), V. Yuryev (1881-1962) memberi sumbangan besar kepada pembangunan dan promosi gitar tujuh tali; hari ini - B. Okunev, S. Orekhov, L. Menro dan beberapa pemuzik lain.
Di negara kita, dalam amalan konsert, kedua-dua enam rentetan dan gitar tujuh tali. Pendidikan disediakan di beberapa institusi pendidikan khusus tinggi dan menengah, di banyak sekolah muzik kanak-kanak dan malam, studio dan kalangan di Istana Perintis dan Kanak-kanak Sekolah serta institusi kelab.
Seni bermain gitar sentiasa berkembang di luar negara. M. Zelenka, V. Mikulka (Czechoslovakia), L. Sendrei-Karper (Hungary) terkenal; 3. Behrend (Jerman), L. Brouwer (Cuba), D. Blanke, M. Cubedo, A. Membrado (Sepanyol), D. Brim, D. Williams (Great Britain), M. L. Anido, E. Bitetti (Argentina) , A. Diaz (Venezuela) dan ramai lagi penghibur.
Dengan perkembangan jazz dan pop abad ke-20 muzik instrumental Gitar jazz, yang menjadi alat muzik elektrik pada tahun 1930-an, juga menjadi meluas. Ia digunakan dalam pelbagai jenis ensembel dan orkestra jazz dan pop, kumpulan cerita rakyat, dan karya solo turut dipersembahkan di atasnya.
Di negara kita, perkembangan gitar jazz dikaitkan dengan nama bapa dan anak Kuznetsov, Alexei Yakushev, Stanislav Kashirin dan beberapa pemuzik lain.
Gitar merupakan salah satu alat muzik utama dalam ensembel vokal dan instrumental. Ia digunakan oleh pemain solo dan ensembel yang mempersembahkan lagu-lagu perjuangan untuk keamanan, untuk kemerdekaan negara menentang penindasan imperialis.
Satu contoh yang jelas tentang kesan pada hati dan minda orang ialah seni penyanyi dan pemain gitar Chile Victor Jara, yang memberikan hidupnya dalam perjuangan untuk demokrasi dan kemajuan sosial di tanah airnya.
Seni gitar sentiasa berkembang, kesusasteraan untuk instrumen ini sentiasa dikemas kini dengan karya asli baharu dalam pelbagai genre. Populariti gitar yang hebat, virtuoso yang ketara dan kemungkinan ekspresif memberi alasan untuk menganggap seni memainkan alat demokrasi ini semakin berkembang.
Berkaitan dengan milenium II SM. Mereka menggambarkan instrumen dengan badan kecil yang diperbuat daripada kulit kura-kura atau labu.
Di Mesir kuno, instrumen seperti gitar sangat berkait rapat dengan kehidupan orang ramai sehingga menjadi simbol kebaikan, dan garis besar mereka memasuki tanda hieroglif, menandakan "baik".
Terdapat andaian bahawa gitar itu muncul di Timur Tengah dan dari situ tersebar ke seluruh Asia dan Eropah.
Rusia telah diperkenalkan kepada gitar enam tali oleh orang Itali yang berkhidmat di istana raja-raja dan golongan bangsawan. Sejarah telah mengekalkan nama dua orang Itali - Giuseppe Sarti dan Carlo Canobbio. komposer Itali Giuseppe Sarti, menurut Countess V.N. Golovina, rela bermain gitar. Carlo Canobbio mengajar tiga anak perempuan Paul I bermain gitar, menerima ganjaran yang sangat kukuh untuk pelajaran ini - 1 ribu rubel setahun.
Masih ramai peminat gitar ketika itu. Pemuzik virtuoso Itali Pasquale Gagliani, yang membuat persembahan di salun bangsawan istana, berjaya mengembangkan lingkaran pencinta instrumen. Selepas beberapa tahun aktivitinya di Rossi, Galliani mengeluarkan koleksi etude dan latihan - sesuatu seperti buku teks gitar.
Orang Itali cuba memproses lagu-lagu rakyat untuk gitar, tetapi mereka tidak berjaya dengan baik: gitar enam tali tidak sepenuhnya disesuaikan dengan struktur muzik rakyat Rusia. Itulah sebabnya, pada masa yang sama, gitar tujuh rentetan Rusia muncul.
Pada tahun 1821 Marcus Aurelius Zani de Ferranti (1800-1878) datang ke Rusia. Niccolo Paganini, yang mendengar ramai ahli gitar, menilai permainan Zani de Ferranti seperti berikut: "Saya bersaksi bahawa Zani de Ferranti adalah salah seorang pemain gitar terhebat yang pernah saya dengar dan yang memberikan saya keseronokan yang tidak dapat diungkapkan dengan permainannya yang indah dan menggembirakan." Kepada pemain gitar inilah Rusia berhutang hakikat bahawa gitar enam tali telah dikenali secara meluas di sini. Pemuzik itu banyak mengadakan konsert, dan dia terpaksa bermain dewan besar. Dia juga seorang komposer bola - dia mengarang nocturnes, fantasi, muzik tarian. Tsani de Ferranti memberi pelajaran gitar kepada mereka yang mahu, tetapi hanya yang awal, tanpa tugasnya mengubah seorang pelajar menjadi pemain gitar profesional.
Berbeza dengan tujuh rentetan, variasi enam rentetannya berkembang di Rusia pada abad ke-17-19 hampir secara eksklusif sebagai instrumen akademik profesional dan sedikit berorientasikan penyampaian lagu bandar dan percintaan setiap hari.
Pada awal abad ke-19, sekolah dan manual untuk gitar enam rentetan oleh I. Geld dan I. Berezovsky muncul, di mana sebahagian besar pergantungan ditemui pada klasik Sepanyol dan Itali - karya gitar oleh Mauro Giuliani, Matteo Carcassi, Luigi Legnani, Ferdinando Carulli, Fernando Sora, pada transkripsi muzik piano komposer Eropah Barat yang cemerlang. Peranan penting dalam pengedaran gitar enam rentetan di Rusia dimainkan oleh lawatan pemain gitar asing yang luar biasa - pada tahun 1822, persembahan oleh Mauro Giuliani Itali berlangsung di St. Petersburg, dan pada tahun 1923 di Moscow oleh pemain Sepanyol Ferdinand Sor. .
Pemuzik Barat membangkitkan minat di Rusia terhadap gitar klasik. Poster-poster konsert mula kelihatan nama-nama senegara kita. Penghibur terbesar Rusia, propagandis gitar enam tali ialah Nikolai Petrovich Makarov (1810 - 1890) dan Mark Danilovich Sokolovsky (1818 - 1883).
N.P. Makarov dilahirkan di wilayah Kostroma, dalam keluarga pemilik tanah. Pada tahun 1829 dia cukup bernasib baik untuk mendengar permainan Paganini, dan pada tahun 1830 dia menghadiri konsert Chopin.
Niccolo Paganini mengejutkan Makarov sehinggakan tiada seorang pun pemuzik seterusnya dapat membayangi kesan permainannya.
N.P. Makarov berhasrat untuk mencapai permainan gitar kelas pertama. Pemuzik itu terlibat dalam 01 - 12 jam setiap hari. Pada tahun 1841, konsert pertamanya berlangsung di Tula. Tidak mendapat pengiktirafan malah perhatian serius terhadap dirinya sebagai pemain gitar, dia pergi melawat Eropah. Di banyak negara di dunia, N.P. Makarov mendapat kemasyhuran sebagai pemain gitar virtuoso yang sangat baik, jurubahasa yang cemerlang bagi gubahan gitar yang paling kompleks. Semasa lawatannya, pemuzik itu bertemu dengan pemain gitar asing yang terkenal: Tzani de Ferranti, Matteo Carcassi, Napoleon Cost.
Untuk menghidupkan semula kegemilangan gitar dahulu, Makarov memutuskan untuk menganjurkan pertandingan antarabangsa di Eropah. Di Brussels, dia mengatur pertandingan untuk komposer dan master gitar. Sebelum pertandingan, pemain gitar memberikan konsertnya sendiri, di mana dia melakukan gubahan sendiri dan karya oleh pengarang lain. Makarov memainkan gitar sepuluh tali.
Terima kasih kepada pertandingan ini, pemuzik berjaya meningkatkan kerja dalam bidang muzik gitar sebilangan komposer dan pembuat gitar Eropah Barat, untuk menyumbang kepada penciptaan jenis instrumen yang membina baharu.
Makarov adalah pengarang beberapa esei dan memoir sastera. Dia menerbitkan bukunya sendiri dan drama muziknya sendiri seperti Karnival Venice, mazurka, percintaan, Konsert untuk gitar, susunan lagu-lagu rakyat. Namun, muzik yang diciptanya tidak begitu ekspresif dan tidak digunakan secara meluas. Pada tahun 1874, "beberapa peraturan bermain gitar yang lebih tinggi" diterbitkan. Brosur itu mengandungi nasihat berharga tentang meningkatkan teknik gitar: bermain trill, harmonik, skala kromatik, menggunakan jari kelingking dalam permainan, dsb.
Seorang lagi pemain gitar Rusia, Mark Danilovich Sokolovsky (1812 - 1883), tidak berusaha untuk menarik perhatian penonton dengan teknik teknikal yang kompleks. Pendengar terpikat dengan muzikalnya yang luar biasa.
Sebagai seorang kanak-kanak, Sokolovsky bermain biola dan cello, kemudian mula bermain gitar. Setelah menguasai instrumen itu pada tahap yang mencukupi, pada tahun 1841 dia memulakan aktiviti konsert yang aktif. Konsertnya diadakan di Zhytomyr, Kyiv, Vilna, Moscow, St. Pada tahun 1857, pemain gitar diberi peluang untuk membuat persembahan di Moscow di dewan seribu tempat duduk Perhimpunan Noble. Pada tahun 1860, dia dipanggil "kegemaran orang ramai Moscow." Dari 1864 hingga 1868 pemuzik melawat bandar-bandar Eropah. Dia mengadakan konsert di London, Paris, Berlin dan bandar-bandar lain. Di mana-mana dia disertai dengan kejayaan besar. Lawatan pemuzik yang berjaya membawanya kemasyhuran salah seorang pemain gitar terbesar. Perlu diperhatikan bahawa dalam kebanyakan persembahan Sokolovsky, pemain pengiringnya adalah pemain piano Rusia yang luar biasa N.G. Rubinstein.
Antara kualiti yang membezakan gaya persembahan Sokolovsky, pertama sekali, adalah perlu untuk menonjolkan kehalusan nuansa, kepelbagaian palet timbre, sifat tinggi dan kehangatan cantilena. Kualiti ini terutama ditunjukkan dalam tafsirannya terhadap tiga konserto oleh M. Giuliani, serta dalam persembahan transkripsi kepingan piano F. Chopin dan miniaturnya sendiri, dalam banyak aspek dekat dengan gaya Chopin - preludes, polonais, variasi, dll. Konsert awam terakhir M. D. Sokolovsky berlaku di St. Petersburg pada tahun 1877, dan kemudian pemuzik itu menetap di Vilnius, di mana dia terlibat dalam aktiviti pengajaran.
Persembahan konsert pemain gitar domestik N.P. Makarov dan M.D. Sokolovsky menjadi cara penting dalam pendidikan muzik untuk banyak peminat instrumen ini di Rusia.
Gitar tujuh tali pada abad ke-18-19
Di rumah, mereka biasanya mengiringi gitar dengan telinga - iringan dari fungsi harmonik yang paling mudah adalah asas dan, dengan penalaan ini, sangat mudah diakses. Pengarang lagu dan percintaan paling kerap adalah pemuzik amatur yang kurang dikenali, tetapi kadangkala komposer terkenal abad ke-19 - A. Varlamov, A. Gurilev, A. Alyabyev, A. Dubuk, A. Bulakhov dan lain-lain.
Gitar tujuh tali juga memainkan peranan penting dalam muzik orang gipsi. Pemain gitar yang hebat adalah ketua koir gipsi - I. Sokolov, I. Vasiliev, M. Shishkin, R. Kalabin.
Tempat istimewa dalam sejarah gitar Rusia adalah milik Ignatius Geld (1766 - 1816), pengarang "Sekolah" pertama untuk gitar tujuh rentetan Rusia. Seorang Czech mengikut kewarganegaraan, dia menjalani hampir seluruh kehidupan kreatifnya di Rusia dan berjaya melakukan banyak perkara untuk mempopularkan gitar tujuh tali sebagai instrumen akademik yang serius.
Dari akhir abad ke-18, gitar tujuh tali mula berkembang sebagai instrumen akademik. Komposisi utama untuk gitar muncul. Jadi, pada tahun 1799 Sonata I. Kamensky diterbitkan, pada awal abad ke-19 - Sonata untuk dua gitar V. Lvov. Pada separuh pertama abad ke-19, kesusasteraan gitar dihasilkan dalam kuantiti yang banyak sehingga melebihi jumlah kesusasteraan untuk alat muzik lain, walaupun untuk pianoforte. Pelbagai keping gitar telah diterbitkan, yang diletakkan dalam manual pengajaran dan metodologi atau dikeluarkan dalam edisi berasingan. Contohnya, terdapat banyak miniatur, terutamanya dalam genre tarian - mazurka, waltz, ecossaises, polonais, serenade, divertissement, yang dicipta oleh guru gitar dan metodologi terkenal Ignatius Geld.
Beberapa komposer terkenal Rusia pada separuh kedua abad ke-18 - awal abad ke-19 gemar bermain gitar tujuh tali. Antaranya ialah Ivan Evstafievich Khandoshkin (1747 - 1804), yang mengarang beberapa variasi pada tema lagu rakyat Rusia untuk instrumen itu, dan Gavriil Andreevich Rachinsky (1777 - 1843), yang menerbitkan sepuluh keping untuk gitar tujuh rentetan dalam 1817. Antaranya ialah lima polonais dan dua kitaran variasi pada tema lagu rakyat Rusia. Pada masa yang sama, karya komposer yang kini dilupakan - Gornostaev - telah diterbitkan untuk instrumen itu. Konovkina, Maslova.
Pembungaan sebenar prestasi profesional pada gitar tujuh tali jatuh pada tahun-tahun aktiviti kreatif guru-gitaris cemerlang Andrei Osipovich Sikhra (1773 - 1850). Seorang pemain kecapi dengan latihan, dia menumpukan seluruh hidupnya untuk mempromosikan gitar. Terlibat secara eksklusif dalam muzik, Andrei Osipovich sudah dalam masa mudanya menjadi terkenal baik sebagai penghibur virtuoso dan sebagai komposer. Sychra mengarang bukan sahaja untuk kecapi dan gitar, tetapi juga untuk piano.
Pada akhir abad ke-18, Sychra berpindah ke Mostka dan menjadi promoter yang bertenaga dan aktif alat muziknya. Gitarnya segera menemui ramai peminat di kalangan orang awam Moscow. Di sini, di Moscow, sekolah Moscow "awal"nya sedang dibentuk: dia mengajar ramai pelajar, belajar sendiri, memperbaiki instrumennya, mencipta pelbagai bahan metodologi, meletakkan asas untuk repertoir untuk gitar tujuh rentetan, dan membuat persembahan dengan pelajar dalam konsert. Ramai pelajarnya sendiri kemudiannya menjadi pemain gitar dan komposer yang cemerlang, meneruskan kerja yang dimulakan oleh guru besar mereka. Pengikut A.O. Sichry - S.N. Aksenov, V.I. Morkov, V.S. Sarenko, F.M. Zimmerman - mencipta banyak drama dan susunan lagu rakyat Rusia.
Dari tahun 1800 hingga akhir hayatnya, A.O. Sychra menerbitkan banyak keping untuk instrumen ini, ini adalah susunan aria popular, muzik tarian, fantasi paling kompleks rancangan konsert. Kerja Sychra berkembang dalam semua aspek. Dia mencipta karya untuk gitar solo, untuk duet gitar, untuk biola dan gitar, termasuk fantasi mengenai tema komposer terkenal dan bergaya, fantasi mengenai tema lagu rakyat Rusia, karya asli, termasuk mazurkas, waltzes, ecossaises, quadrilles, latihan. Sykhra melakukan transkripsi dan susunan M.I. Glinka, V.A. Mozart, G. Donizetti, K. Weber, D. Rossini, D. Verdi.
A.O. Sichra adalah orang pertama yang menubuhkan gitar tujuh rentetan sebagai instrumen akademik solo, melakukan banyak perkara untuk pendidikan estetik pelbagai pemain gitar amatur.
Pada tahun 1802, A.O. Sychry", yang menerbitkan susunan lagu rakyat Rusia, transkripsi muzik klasik. Pada tahun-tahun berikutnya, sehingga 1838, pemuzik menerbitkan beberapa majalah yang serupa, menyumbang kepada peningkatan yang ketara dalam populariti instrumen.
Sebagai tambahan kepada sejumlah besar karya untuk gitar tujuh tali, Sychra meninggalkan "Sekolah", yang ditulisnya atas desakan pelajarnya V.I. lobak merah. Ia diterbitkan pada tahun 1840.
Tokoh utama sekolah Sichra ialah Semyon Nikolaevich Aksenov (1784 - 1853). Pada satu ketika, tiada siapa yang mengatasinya dalam penguasaan instrumen dan gubahan. Di Moscow, pemuzik itu dianggap sebagai pemain gitar virtuoso terbaik. Permainan Aksenov adalah luar biasa kerana kemerduannya yang luar biasa, nada kehangatan dan, bersama-sama dengan ini, kepintaran yang hebat. Mempunyai fikiran yang ingin tahu, dia mencari teknik baru pada instrumen itu. Jadi, dia membangunkan sistem flageolets tiruan. Pemuzik itu mempunyai hadiah onomatopoeia yang menakjubkan pada instrumen itu. Aksyonov menggambarkan nyanyian burung, bunyi gendang, bunyi loceng, koir yang mendekat dan surut, dsb. Dengan kesan bunyi ini, dia membuat penonton terpesona. Malangnya, lakonan Aksyonov seperti ini tidak sampai kepada kami.
Aktiviti pendidikan S.N. Aksenova. Bermula pada tahun 1810, beliau menerbitkan Jurnal Baru untuk Gitar Tujuh Tali, Didedikasikan kepada Pencinta Muzik, yang merangkumi banyak transkripsi aria opera popular dan variasi pada tema lagu rakyat Rusia. Aksyonov juga mencipta percintaan untuk suara diiringi gitar.
Aksyonov membesarkan pemain gitar berbakat cemerlang Mikhail Vysotsky, yang tidak lama kemudian membawa kemasyhuran ke sekolah gitar Rusia Moscow.
Aktiviti kreatif Mikhail Timofeevich Vysotsky (1791 - 1837) memainkan peranan besar dalam pembangunan prestasi gitar profesional dan akademik Rusia.
Permainan pemuzik itu boleh didengari bukan sahaja di salun sekular dan mesyuarat pedagang. Pemain gitar itu juga bermain untuk orang awam dari tingkap apartmennya, terutamanya dalam beberapa tahun kebelakangan ini, ketika dia sangat memerlukan. Konsert ini menyumbang kepada penyebaran gitar tujuh tali di kalangan kelas pertengahan dan artis.
Pemuzik itu mempunyai hadiah yang menakjubkan sebagai improviser. Vysotsky boleh membuat improvisasi selama berjam-jam dengan banyak kord dan modulasi yang tidak berkesudahan.
Pemain gitar itu juga mengarang muzik tarian yang bergaya pada zamannya: mazurkas, polonaises, waltzes, ecossaises. Semua karya ini sangat anggun dan muzikal. Vysotsky melakukan transkripsi karya oleh V.A. Mozart, L. Beethoven, D. Field. Pemuzik itu menerbitkan gubahannya dalam edisi kecil dan tanpa mencetak semula, dan oleh itu koleksi terjual serta-merta dan hampir serta-merta menjadi jarang bibliografi. Hanya beberapa gubahan tulisan tangan Vysostky yang masih hidup, serta 84 drama yang diterbitkan dalam edisi Gutheil.
Manual arahan kendiri pertama untuk bermain gitar tujuh tali di Rusia muncul pada akhir abad ke-18. Di St. Petersburg pada tahun 1798, "Panduan Semantik untuk Gitar Seven-String" I. Geld diterbitkan, yang berulang kali dicetak semula dan ditambah dengan bahan baru. Edisi ketiga telah diperluaskan dengan 40 susunan lagu rakyat Rusia dan Ukraine. Pada tahun 1808, "sekolah untuk gitar tujuh tali" oleh D.F. Kushenov-Dmitrievsky telah dikeluarkan di St. Petersburg. Koleksi ini telah dicetak semula beberapa kali. Pada tahun 1850, "Sekolah Teori dan Praktikal untuk Gitar Seven-String" A.O. Sikhra diterbitkan dalam tiga bahagian. Bahagian pertama dipanggil "Mengenai Peraturan Muzik Secara Umum", bahagian kedua mengandungi latihan teknikal, skala dan arpeggios, bahagian ketiga mengandungi bahan muzik, terutamanya terdiri daripada gubahan oleh pelajar Sykhra. Satu lagi manual instruktif dan pedagogi yang penting ialah "Peraturan praktikal yang terdiri dalam empat latihan" oleh A.O. Sychry. Ini adalah sejenis sekolah tinggi untuk meningkatkan kemahiran teknikal seorang pemain gitar.
Pada tahun 1819, S.N. Aksenov membuat penambahan yang ketara pada cetakan semula seterusnya "Sekolah" I. Geld. Satu bab tentang harmonik semula jadi dan buatan telah ditambah, banyak karya baru, etude dan susunan lagu-lagu rakyat telah diperkenalkan, termasuk gubahan sendiri. Pelbagai manual untuk mempelajari gitar tujuh tali dikeluarkan oleh V.I. Morkov, M.T. Vysotsky dan pemain gitar lain pada separuh pertama abad ke-19.
Di Rusia, gitar tujuh tali wujud secara selari - baik sebagai akademik dan sebagai alat muzik rakyat. Dalam dekad pertama abad ke-19, gitar tujuh rentetan, sebagai ekspresi lapisan tradisional pembuatan muzik rumah, diedarkan terutamanya di kalangan pekerja, tukang, perantis, dan pelbagai jenis orang perkhidmatan - jurulatih, antek. Alat itu menjadi untuk penduduk umum sebagai alat pendidikan dan membiasakan diri dengan budaya muzik.
Sejak tahun 1840-an, seni gitar, seperti seni guselny, mula merosot. Tetapi jika psaltery mula hilang dari pembuatan muzik setiap hari, maka gitar, kekal sebagai instrumen pengiring yang sama tidak berubah dalam bidang lagu bandar, percintaan dan nyanyian gipsi, secara beransur-ansur kehilangan kualiti sosial orang ramai disebabkan oleh penurunan dalam profesional. tahap pemain gitar. Pada separuh kedua abad ini, tidak ada penghibur dan guru yang cemerlang seperti A.O. Sychra, S.N. Aksenov dan M.T. Vysotsky. Manual metodologi yang banyak telah hampir tidak lagi dicetak, dan tutorial yang diterbitkan kebanyakannya direka untuk keperluan bersahaja pencinta pembuatan muzik setiap hari dan hanya mengandungi sampel percintaan popular, lagu, tarian, selalunya dengan kualiti artistik yang rendah.
Pembentukan persembahan di domra Rusia
Walaupun nama "domra" itu sendiri menjadi terkenal hanya pada abad ke-16, maklumat pertama mengenai instrumen papan jari (berbentuk tanbur) yang dipetik dalam bahasa Rusia telah sampai kepada kami sejak abad ke-10. Tanbur di kalangan orang Rusia alat muzik rakyat digambarkan oleh pengembara Arab abad kesepuluh, Ibn Dasta, yang melawat Kyiv antara 903 dan 912.
Sebutan pertama domra yang telah diturunkan kepada kita bermula pada tahun 1530. "Ajaran Metropolitan Daniel" bercakap tentang bermain domra, bersama-sama dengan bermain kecapi dan smyk (bip) hamba gereja. Menjelang awal abad ke-17, walaupun gusli, yang sangat disayangi oleh orang ramai, "sangat memberi laluan kepada domram" dalam populariti mereka. Di Moscow pada abad ke-17, terdapat "baris rumah" di mana domras dijual. Akibatnya, keperluan untuk alat ini sangat besar sehingga perlu untuk mengatur beberapa kedai untuk jualan mereka. Maklumat bahawa domras dibuat dalam kuantiti yang banyak, dan bukan sahaja di Moscow, boleh disahkan dengan meyakinkan oleh buku kastam, di mana bayaran harian dicatatkan di pasaran tempatan negara Rusia.
Domra in Rus' jatuh ke dalam kehidupan orang ramai. Ia telah menjadi alat awam dan demokratik. Keringanan dan saiz instrumen yang kecil, kedengarannya (mereka selalu memainkan domra dengan plectrum), keupayaan teknikal artistik yang kaya - semua ini sesuai dengan keinginan kerbau, Domra berbunyi di mana-mana pada masa itu: di istana petani dan diraja, di berjam-jam keseronokan dan saat-saat kesedihan. "Saya gembira untuk skomra tentang domra saya," kata pepatah lama Rusia.
Buffoon sering menjadi penghasut dan peserta dalam pergolakan popular. Itulah sebabnya ulama, dan kemudian pemerintah negeri, mengangkat senjata menentang seni mereka.
Selama hampir 100 tahun (dari 1470 hingga 1550) dilarang memainkan alat muzik dalam lapan dekri diraja. Penganiayaan terhadap buffoon dan muzik mereka semakin meningkat terutamanya di XV - abad XVII x - semasa tempoh protes terancang oleh petani terhadap kerajaan tsarist dan tuan tanah (perang petani yang diketuai oleh Ivan Bolotnikov dan Stepan Razin).
Pada tahun 1648, piagam telah dikeluarkan oleh Tsar Alexei Mikhailovich, di mana langkah-langkah telah dihalalkan untuk mengusir orang dari alat muzik: "Dan di mana akan domras dan surns, dan tanduk, dan kecapi, dan kapal hon suci, dan anda akan memerintahkan orang jahat itu. kapal untuk dirampas dan, setelah memecahkan permainan syaitan itu, dia memerintahkan untuk dibakar.
Pada musim panas dan musim luruh tahun 1654, atas arahan Patriarch Nikon, rampasan besar-besaran alat muzik dari "hitam" telah dilakukan. Mereka sedang dimusnahkan di mana-mana. Gusli, tanduk, domras, paip, rebana dibawa menyeberangi Sungai Moscow dan dibakar.
Disebabkan oleh dekri diraja mengenai larangan bermain alat muzik rakyat, pada pertengahan abad ke-17, pengeluaran domras oleh pengrajin pakar berhenti. Hukuman berat diikuti untuk pembuatan dan juga untuk penyimpanan alatan. Dengan pembasmian seni buffoon, persembahan profesional pemuzik domrache juga hilang.
Walau bagaimanapun, terima kasih kepada seni buffoons. Domra telah mendapat populariti yang meluas di kalangan rakyat. Dia menembusi kampung yang paling terpencil dan pekak.
Dalam manuskrip abad ke-16 - ke-17 terdapat banyak ilustrasi dengan imej instrumen rakyat, khususnya, domras dan penghibur padanya - domracheev. Ilustrasi ini menunjukkan bahawa pada masa itu domra adalah antara alat muzik yang paling biasa di Rus'.
Domra Rusia lama pada XVI - abad XVII wujud dalam dua versi: ia boleh mempunyai bentuk yang sangat dekat dengan domra moden, dan yang lain adalah sejenis kecapi - alat berbilang tali dengan badan besar, leher yang agak pendek dan kepala bengkok ke belakang.
Dokumen sejarah pada masa itu membuktikan prestasi bersama pada domra, serta kewujudan bersama jenis domra: domra kecil, sederhana dan besar. Mereka bermain domra dengan sekerat atau bulu.
Abad ke-16 adalah tempoh pengedaran terluas domra skomorosh Rusia lama. Gambar-gambar Lubok sejak awal abad ke-18 sering menggambarkan dua orang jester-buffoon - Foma dan Yerema. Di tangan salah seorang daripada mereka anda boleh melihat alat yang dipetik bertali. Ia mempunyai badan bujur kecil dan leher sempit. Penyelidik cetakan popular Rusia, ahli sejarah seni terkenal D.A. Rovinsky, sebagai penjelasan untuk lukisan, memetik keseluruhan cerita ayat tentang Thomas dan Yerema. Ia berkata: "Yerema mempunyai kecapi, dan Foma mempunyai domra."
Domra sering dibunyikan di udara terbuka dan, lebih-lebih lagi, kadang-kadang dalam ensemble dengan instrumen yang lebih kuat dari segi dinamik.
Apabila membandingkan semua imej domra Rusia kuno dan instrumen serupa orang lain, adalah penting untuk memberi perhatian kepada ciri menarik: semua instrumen adalah kobza (instrumen itu biasa di Ukraine pada abad ke-16-17, mempunyai badan bujur atau separuh bulatan besar dan leher dengan 5-6 tali diregangkan di atasnya, dengan kepala bengkok ke belakang - iaitu jenis kecapi , atau instrumen dengan badan kecil dan 3 - 4 tali), domras oriental dan lain-lain - dipersembahkan secara eksklusif sebagai yang solo. Instrumen lain tidak ditunjukkan di mana-mana bersama-sama dengannya. Walau bagaimanapun, imej domra Rusia lama abad ke-16 - ke-17 bercakap tentang penggunaannya dalam permainan bersama dengan instrumen lain. Domra purba ialah alat yang ditujukan terutamanya untuk pembuatan muzik kolektif dan wujud dalam pelbagai jenis tessitura. Sebagai contoh, miniatur yang telah diturunkan kepada kami menggambarkan domras pelbagai saiz. Domra dengan badan kecil sepadan dengan saiz domra kecil moden. Dalam lukisan kuno, terdapat imej domra dengan badan yang lebih kecil: ada kemungkinan bahawa "domrishko" ini adalah instrumen dengan tessitura yang sangat tinggi.
Pada separuh kedua abad ke-18, domra secara beransur-ansur hilang dari ingatan orang.
Balalaika pada abad ke-18 – 19
Dengan kehilangan nama "domra" pada sepertiga terakhir abad ke-17 - pada tahun 1688 - sebutan pertama balalaikas muncul. Orang ramai memerlukan alat petik bertali yang serupa dengan domra, mudah dibuat dan dengan bunyi yang nyaring dan jelas berirama. Betul, dibuat dengan cara artisanal buatan sendiri, dan kecoh versi baharu domra - balalaika.
Balalaika muncul pada separuh kedua abad ke-17 sebagai versi rakyat domra. Sudah pada abad ke-18, ia mendapat populariti yang luar biasa, menjadi, menurut ahli sejarah J. Shtelin, "instrumen yang paling biasa di seluruh negara Rusia." Beberapa keadaan menyumbang kepada ini - kehilangan kepentingan utama instrumen yang sedia ada (harpa, domra, bip), ketersediaan dan kemudahan menguasai balalaika, kesederhanaan pembuatannya.
Balalaika rakyat di pelbagai wilayah di Rusia berbeza dalam bentuk mereka. Pada abad ke-18 dan awal abad ke-19, balalaikas dengan badan bulat (dipotong dari bawah) dan bujur, yang diperbuat daripada labu, adalah popular. Bersama-sama dengan mereka, pada abad ke-18, instrumen dengan badan segi tiga mula muncul lebih dan lebih kerap. Imej mereka diberikan dalam pelbagai cetakan popular. Terdapat instrumen dengan badan segi empat tepat dan trapezoid, dengan bilangan rentetan dari 2 hingga 5 (tembaga atau usus). Bahan untuk pembuatan alat adalah pelbagai jenis kayu, dan di kawasan selatan labu. Varieti balalaikas dan sistem berbeza. Terdapat balalaika tiga serangkai daripada talaan keempat, kelima, campuran keempat-lima dan terts. 4 - 5 fret boleh alih telah dikenakan pada fretboard.
Balalaika primitif yang wujud dalam kalangan rakyat adalah hasil kraftangan, mempunyai skala diatonik dan kemampuan yang sangat terhad.
Dimensi balalaikas selalunya sedemikian sehingga mereka harus disimpan dalam anduh: lebar 0 1 kaki, yang dipanggil. kira-kira 30.5 cm panjang, 1.5 kaki (46 cm) panjang, dan leher melebihi "sekurang-kurangnya 4 kali panjang badan", i.e. mencapai 1.5 meter. Mereka memainkan balalaika dengan memetik rentetan individu, dengan berderak, dan juga dengan bantuan plectrum - cara bermain yang tipikal pada abad ke-18.
Semasa separuh kedua abad ke-18, instrumen itu tersebar di kedua-dua sfera amatur dan di kalangan pemuzik profesional. Seiring dengan kewujudan luas rakyat, balalaika yang sudah dalam tempoh ini bertemu di rumah-rumah "terkemuka" dan juga mengambil bahagian dalam susunan muzik istiadat mahkamah perayaan. Repertoir pemain balalaika bandar pada masa itu termasuk bukan sahaja lagu dan tarian rakyat, tetapi juga karya yang dipanggil muzik sekular: arias, minuets, tarian Poland, serta "karya dari andante, allegro dan presto".
Kemunculan pemain balalaika profesional jenis bandar bermula sejak zaman ini. Yang pertama ini harus dipanggil pemain biola yang cemerlang Ivan Evstafievich Khandoshkin (1747 - 1804). Kemungkinan mengarang karya balalaika oleh pemuzik ini tidak diketepikan. Khandoshkin adalah penyanyi yang tiada tandingan lagu-lagu rakyat Rusia pada biola dan balalaika; di belakangnya untuk masa yang lama reputasi balalaika virtuoso pertama terpelihara. Adalah diketahui bahawa Khandoshkin yang membawa bangsawan berpangkat tinggi seperti Potemkin dan Naryshkin ke dalam "kemarahan muzik" dengan instrumennya. Pada mulanya, Khandoshkin memainkan balalaika gaya rakyat yang diperbuat daripada labu dan dilekatkan di dalamnya dengan kristal pecah, yang memberikan instrumen itu kedengaran yang istimewa, dan kemudiannya instrumen yang dibuat oleh pembuat biola yang hebat Ivan Batov. Ada kemungkinan bahawa balalaika Batov bukan sahaja dengan badan yang lebih baik, tetapi juga dengan tanggam. Dalam karya instrumental A.S. Famintsyn "Domra dan alat muzik yang berkaitan" menerbitkan lukisan "People's performer with a triangular balalaika of the early 19th century", di mana pemuzik itu memainkan balalaika yang lebih baik dengan tujuh tanggam fret.
Di antara pemain balalaika profesional yang terkenal, seseorang boleh menamakan pemain biola mahkamah Catherine II, I.F. Yablochkin, seorang pelajar Khandoshkin bukan sahaja dalam biola, tetapi juga dalam balalaika. Tidak dinafikan, pemain balalaika yang cemerlang yang mengarang keping untuk instrumen ini ialah pemain biola, komposer dan konduktor Moscow Vladimir Ilyich Radivilov (1805 - 1863). Orang sezaman memberi keterangan bahawa Radivilov memperbaiki balalaika, menjadikannya bertali empat, dan dalam "memainkannya dia mencapai kesempurnaan sehingga dia mengejutkan penonton. Semua tawaran adalah gubahannya sendiri.
Pergantian abad ke-18 - 19 adalah zaman kegemilangan seni bermain balalaika.
Dalam dokumen tempoh ini, muncul maklumat yang mengesahkan kewujudan penghibur profesional di kalangan pemain balalaika, yang kebanyakannya tidak bernama.
Kami telah menerima maklumat tentang pemain balalaika yang cemerlang M.G. Khrunov, yang memainkan balalaika "reka bentuk khas". Orang sezaman memberikan penilaian yang sangat baik terhadap permainan pemuzik, walaupun sikap meremehkan terhadap alat muzik rakyat yang mudah ini.
Penerbitan bercetak menamakan beberapa lagi pemain balalaika yang mahir memiliki instrumen ini. Ini ialah P.A. Bayer dan A.S. Paskin ialah pemilik tanah dari wilayah Tver, serta pemain yang cemerlang, pemilik tanah Oryol dengan nama keluarga yang disulitkan (P.A. La-ky), yang memainkan "balalaika dengan teknik yang tidak dapat ditiru, terutamanya memamerkan harmoniknya. Pemuzik-pemuzik ini memainkan alat-alat yang dibuat oleh tukang-tukang terbaik.
Balalaikas yang wujud di kota itu berbeza dengan orang biasa; persembahan itu sendiri berbeza. V.V. Andreev menulis bahawa di bandar dia bertemu instrumen tujuh fret, dan bahawa A.S. Paskin benar-benar mengejutkannya dengan permainan profesionalnya, penuh dengan teknik dan penemuan asli.
Di kampung-kampung di pesta, permainan pemain balalaika dibayar dalam clubbing. Di banyak ladang pemilik tanah, seorang pemain balalaika disimpan, yang bermain untuk hiburan rumah.
Pada awal abad ke-19, sebuah esei untuk balalaika muncul - variasi pada tema lagu rakyat Rusia "Elnik, hutan cemara saya". Karya ini ditulis oleh pencinta hebat balalaika, penyanyi opera terkenal Mariinsky Theatre N.V. Lavrov ( nama sebenar Chirkin). Variasi itu diterbitkan dalam bahasa Perancis dan didedikasikan kepada komposer terkenal ketika itu A.A. Alyabiev. Halaman tajuk menunjukkan bahawa karya itu ditulis untuk balalaika tiga tali. Ini membuktikan populariti yang meluas pada masa itu. alat muzik bertali tiga.
Dokumen sejarah mengesahkan fakta bahawa balalaika bertindak sebagai instrumen ensemble dalam pelbagai kombinasi dengan alat muzik rakyat - dalam duet dengan bip, bagpipes, akordion, tanduk; dalam trio - dengan dram dan sudu; dalam orkestra kecil yang terdiri daripada biola, gitar dan rebana; dalam ensembel dengan seruling dan biola. Penggunaan balalaika dalam persembahan opera juga diketahui. Jadi, dalam opera M.M. Sokolovsky "The Miller, the Sorcerer, the Deceiver and the Matchmaker", aria Melnik dari babak ketiga "Cara lelaki tua dan wanita tua itu berjalan" dipersembahkan dengan iringan balalaika.
Populariti balalaika di kalangan orang ramai tercermin dalam lagu-lagu rakyat dan dalam fiksyen. Instrumen itu disebut dalam karya A.S. Pushkin, M.Yu. Lermontov, F.I. Dostoevsky, L.N. Tolstoy, A.P. Chekhov, I.Turgenev, N.V. Gogol dan lain-lain.
Menjelang pertengahan abad ke-19, populariti balalaika sebagai alat massa mula pudar. Dalam bentuk primitifnya, balalaika tidak lagi dapat memenuhi sepenuhnya tuntutan estetika baharu. Pertama, gitar tujuh tali, dan kemudian harmonika, menyingkirkan balalaika daripada pembuatan muzik rumah rakyat. Proses kehilangan balalaika secara beransur-ansur juga bermula dalam kehidupan muzik rakyat. Daripada pengedaran instrumen di mana-mana, ia semakin bertukar menjadi subjek arkeologi muzik.
Hantar kerja baik anda di pangkalan pengetahuan adalah mudah. Gunakan borang di bawah
Pelajar, pelajar siswazah, saintis muda yang menggunakan pangkalan pengetahuan dalam pengajian dan kerja mereka akan sangat berterima kasih kepada anda.
Disiarkan pada http://www.allbest.ru/
Disiarkan pada http://www.allbest.ru/
Kementerian Kebudayaan Ukraine
Akademi Kebudayaan Negeri Kharkiv
untuk kemasukan belajar untuk ijazah "Sarjana"
seni gitar fenomena sejarah budaya muzik
Pikhulya Taras Olegovich
Kharkiv 2015
Rancang
pengenalan
1. Prasyarat untuk pembentukan dan perkembangan bermain gitar klasik
1.1 Sejarah kemunculan, perkembangan dan peningkatan prestasi gitar
1.2 Pembentukan seni gitar di USSR dan Rusia
2. Sejarah kemunculan dan evolusi aliran pop-jazz dalam seni
2.1 Varieti gitar yang digunakan dalam seni pop-jazz
2.2 Arah utama prestasi pop-jazz 60-70an
Bibliografi
DALAMmenjalankan
Seni muzik abad XX. berkembang dengan pesat dan pesat. Ciri ciri utama perkembangan ini ialah asimilasi pelbagai gaya dan aliran, penghabluran bahasa muzik baharu, prinsip gubahan baharu, pembentukan, dan pembentukan pelbagai platform estetik. Proses ini melibatkan bukan sahaja komposer, penghibur, ahli sejarah seni, tetapi juga berjuta-juta pendengar yang menghasilkan karya muzik.
Perkaitan topik adalah disebabkan oleh pertimbangan muzik instrumental klasik dan pop-jazz dari sudut perkembangan evolusi seni gitar, iaitu pembentukan genre dan trend baharu.
Tujuan kajian adalah untuk mempertimbangkan muzik instrumental klasik dan pop-jazz dan pengaruhnya terhadap pembentukan gaya baharu, kemahiran persembahan dan budaya gitar secara umum.
Objektif kajian:
1) Pertimbangkan sejarah kemunculan, perkembangan dan pembentukan budaya gitar di Eropah, Rusia, USSR.
2) Pertimbangkan asal usul, asal usul dan pembentukan gaya baharu dalam seni pop-jazz.
Objektif kajian adalah pembentukan muzik instrumental klasik dan pop-jazz.
Asas metodologi kerja adalah kaedah analisis intonasi, memberi tumpuan kepada perpaduan prinsip muzik dan ucapan, sebagai asas tradisi seni Eropah, Afrika dan Rusia.
Kebaharuan saintifik karya itu terletak pada fakta bahawa karya itu adalah kajian tentang pembentukan dan evolusi seni gitar dan pengaruhnya terhadap pembentukan budaya gitar.
Nilai praktikal karya itu terletak pada kemungkinan menggunakan bahannya dalam proses mempelajari disiplin muzik sejarah dan teori.
1. PrasyaratpembentukanDanpembangunanpermainanpadaklasikgitar
1.1 Sejarah kemunculan, perkembangan dan peningkatan prestasi gitar
Sejarah asal usul, perkembangan dan penambahbaikan alat muzik ini sangat menakjubkan dan misteri sehinggakan ia lebih seperti kisah detektif yang mendebarkan. Maklumat pertama tentang gitar bermula sejak zaman purba. Di monumen Mesir seribu tahun yang lalu, terdapat imej alat muzik - "nabla", yang kelihatan seperti gitar. Gitar itu juga tersebar luas di Asia, yang disahkan oleh imej pada monumen seni bina Assyria, Babylon dan Phoenicia. Pada abad ke-13, orang Arab membawanya ke Sepanyol, di mana ia tidak lama kemudian mendapat pengiktirafan penuh. Pada akhir abad ke-15, keluarga kaya Sepanyol mula bersaing antara satu sama lain dalam naungan sains dan seni. Gitar, bersama dengan kecapi dan alat petik lain, menjadi alat kegemaran di gelanggang. DALAM kehidupan berbudaya Di Sepanyol, bermula dari abad ke-16, banyak persatuan, akademi, bulatan dan mesyuarat - "salon", yang berlangsung secara teratur, memainkan peranan penting. Sejak itu, keghairahan untuk instrumen yang dipetik menembusi orang ramai, dan kesusasteraan muzik khas dicipta untuk mereka. Nama-nama komposer yang mewakilinya membentuk rentetan panjang: Milan, Corbetto, Fuenllana, Marin i Garcia, Sanz dan ramai lagi.
Setelah melalui pembangunan yang jauh, gitar itu kelihatan moden. Sehingga abad ke-18, ia lebih kecil, dan badannya agak sempit dan memanjang. Pada mulanya, lima tali telah dipasang pada instrumen, ditala dalam keempat, seperti pada kecapi. Kemudian, gitar itu menjadi enam tali, dengan penalaan yang lebih sesuai untuk dimainkan dalam posisi terbuka untuk mengeksploitasi bunyi rentetan terbuka dengan lebih baik. Oleh itu, pada pertengahan abad ke-19, gitar telah memperoleh bentuk terakhirnya. Enam rentetan muncul di atasnya dengan sistem: mi, si, garam, re, la, mi.
Gitar itu mendapat populariti besar di Eropah dan dibawa ke negara-negara Amerika Utara dan Selatan. Bagaimana untuk menerangkan penggunaan gitar yang begitu meluas? Terutamanya kerana ia mempunyai potensi yang besar: ia boleh dimainkan secara solo, disertai dengan suara, biola, cello, seruling, ia boleh didapati dalam pelbagai orkestra dan ensembel. Dimensi kecil dan kemungkinan pergerakan mudah di angkasa dan, yang paling penting, bunyi yang luar biasa merdu, dalam dan pada masa yang sama telus membenarkan kecintaan terhadap alat muzik sejagat ini oleh pelbagai peminat daripada pelancong romantis kepada pemuzik profesional.
Pada akhir abad ke-18, komposer dan virtuosos muncul di Sepanyol
F. Sor dan D. Aguado, serentak dengan mereka di Itali - M. Giuliani. L. Leniani, F. Carulli, M. Carcassi dan lain-lain. Mereka mencipta himpunan konsert yang luas untuk gitar, daripada kepingan kecil kepada sonata dan konsert dengan orkestra, serta "Sekolah untuk bermain gitar enam tali" yang indah, himpunan pendidikan dan konstruktif yang luas. Walaupun hampir dua ratus tahun telah berlalu sejak penerbitan pertama kesusasteraan pedagogi ini, ia masih menjadi warisan yang berharga untuk kedua-dua guru dan pelajar.
Komposer Sor memberikan konsert dengan kejayaan besar di bandar-bandar Eropah Barat dan Rusia. Baletnya Cinderella, The Lubok as a Painter, Hercules dan Omphale, serta opera Telemachus telah dipentaskan berkali-kali di St. Petersburg, Moscow dan bandar-bandar besar di Eropah Barat. Gaya polifonik, imaginasi yang kaya dan kedalaman kandungan mencirikan karya Sora. Ini adalah komposer pemuzik yang berpendidikan, seorang pemain gitar virtuoso yang kagum dengan kedalaman persembahannya dan kecemerlangan tekniknya. Gubahannya telah memasuki repertoir pemain gitar. Giuliani Itali adalah salah seorang pengasas sekolah gitar Itali. Dia seorang pemain gitar yang cemerlang dan juga pemain biola yang sempurna. Apabila pada tahun 1813 simfoni ketujuh Beethoven dipersembahkan buat kali pertama di Vienna di bawah kendalian pengarang, Giuliani mengambil bahagian dalam persembahannya sebagai pemain biola. Beethoven memandang tinggi Giuliani sebagai komposer dan pemuzik. Sonatanya, konserto dengan orkestra dipersembahkan oleh pemain gitar moden, dan kesusasteraan pedagogi adalah warisan berharga untuk kedua-dua guru dan pelajar.
Saya terutama ingin memikirkan yang paling terkenal dan paling kerap diterbitkan di negara kita "Sekolah Bermain Gitar Enam Tali" oleh guru gitar terkenal Itali, komposer M. Carcassi. Dalam kata pengantar "Sekolah" penulis berkata: "... Saya tidak berniat untuk menulis karya ilmiah. Saya hanya mahu menjadikannya lebih mudah untuk mempelajari gitar dengan menyusun rancangan yang membolehkan anda menjadi lebih biasa dengan semua ciri instrumen ini. Menurut kata-kata ini, jelas bahawa M. Carcassi tidak menetapkan sendiri tugas untuk mencipta manual universal untuk belajar bermain gitar, dan hampir tidak mungkin sama sekali. "Sekolah" memberikan beberapa arahan berharga mengenai teknik tangan kiri dan kanan, pelbagai kaedah ciri bermain gitar, bermain dalam kedudukan dan kekunci yang berbeza. Contoh dan karya muzik diberikan secara berurutan, mengikut urutan kesukaran yang menaik, ia ditulis dengan kemahiran yang hebat sebagai komposer dan guru dan masih bernilai tinggi sebagai bahan pendidikan.
Walaupun, dari sudut pandangan moden, "Sekolah" ini mempunyai beberapa kekurangan yang serius. Sebagai contoh, sedikit perhatian telah diberikan kepada teknik penting bermain tangan kanan seperti apoyando (bermain dengan sokongan); bahasa muzik, berdasarkan muzik tradisi Eropah Barat abad ke-18, agak membosankan; isu pembangunan penjarian, pemikiran melodi-harmonik secara praktikal tidak disentuh, kita hanya bercakap tentang penempatan jari tangan kiri dan kanan yang betul, yang membolehkan kita menyelesaikan banyak masalah teknikal dalam prestasi, meningkatkan bunyi, frasa , dan lain-lain.
Pada separuh kedua abad ke-19, nama baru komposer Sepanyol, pemain solo virtuoso dan guru Francisco Tarrega muncul dalam sejarah gitar. Dia mencipta gaya penulisannya sendiri. Di tangannya gitar bertukar menjadi orkestra kecil.
Kerja persembahan pemuzik yang luar biasa ini mempengaruhi kerja rakan-rakannya - komposer: Albeniz, Granados, de Falla dan lain-lain. Dalam karya piano mereka, seseorang sering mendengar tiruan gitar. Kesihatan yang buruk tidak memberi Tarrega peluang untuk mengadakan konsert, jadi dia menumpukan dirinya untuk mengajar. Kita boleh katakan dengan selamat bahawa Tarrega mencipta sekolah permainan gitarnya sendiri. Antara pelajar terbaiknya ialah Miguel Llobet, Emelio Pujol, Domenico Prat, Daniel Fortea, Illarion Lelupe dan pemain konsert terkenal lain. Sehingga kini, "Sekolah" oleh E. Pujol, D. Fortea, D. Prat, I. Lelupe, I. Ahrens dan P. Rocha, berdasarkan kaedah pengajaran Tarrega, telah diterbitkan. Mari kita lihat lebih dekat kaedah ini menggunakan contoh "Sekolah Bermain Gitar Enam Tali" oleh pemain gitar, guru dan ahli muzik terkenal Sepanyol E. Pujol. Ciri tersendiri "Sekolah" ialah persembahan yang murah hati dan terperinci tentang semua "rahsia" utama bermain gitar klasik. Isu yang paling penting dalam teknik gitar telah dibangunkan dengan teliti: kedudukan tangan, instrumen, kaedah pengeluaran bunyi, teknik bermain, dll. Urutan susunan bahan menyumbang kepada penyediaan teknikal dan artistik yang sistematik pemain gitar. "Sekolah" sepenuhnya dibina di atas bahan muzik asal: hampir semua etudes dan latihan dikarang oleh pengarang (dengan mengambil kira metodologi F. Tarrega) terutamanya untuk bahagian yang sepadan.
Adalah amat berharga bahawa penerbitan pendidikan ini bukan sahaja memperincikan kesukaran bermain gitar, tetapi juga menerangkan secara terperinci bagaimana untuk mengatasinya. Khususnya, banyak perhatian diberikan kepada masalah menggunakan penjarian yang betul ketika bermain dengan tangan kanan dan kiri, serta teknik bermain dalam posisi yang berbeza, pelbagai pergerakan, pergeseran tangan kiri, yang pastinya menyumbang kepada perkembangan. pemikiran penjarian. Keberkesanan "Sekolah" Pujol disahkan, khususnya, dengan amalan penggunaannya di beberapa institusi pendidikan di negara kita, Eropah dan Amerika.
Yang sangat penting untuk pembangunan seni gitar dunia adalah aktiviti kreatif pemain gitar Sepanyol terhebat pada abad ke-20. Andres Segovia. Kepentingan luar biasa peranannya dalam sejarah pembangunan instrumen itu bukan sahaja bakat persembahan dan pedagoginya, tetapi juga kebolehannya sebagai penganjur dan propagandis. Penyelidik M. Weisbord menulis: “…untuk menjadikan gitar sebagai alat konsert, ia tidak mempunyai apa yang, contohnya, piano atau biola yang dimiliki - repertoir yang sangat artistik. Merit sejarah Andres Segovia terletak, pertama sekali, dalam penciptaan repertoir sedemikian…”. Dan seterusnya: “M. Ponce (Mexico), M.K. Tedesco (Itali), J. Ibert, A. Roussel (Perancis) K. Pedrel (Argentina), A. Tansman (Poland), dan D. Duart (England), R. Smith (Sweden)…”. Dari ini kecil dan jauh dari senarai lengkap komposer, adalah jelas bahawa ia adalah terima kasih kepada A. Segovia bahawa geografi gubahan profesional untuk gitar klasik berkembang pesat, dan dari masa ke masa instrumen ini menarik perhatian ramai artis yang cemerlang - E. Vila Lobos, B. Britten. Sebaliknya, terdapat keseluruhan buruj komposer berbakat yang juga penghibur profesional - A. Barrios, L. Brouwer, R. Dyens, N. Koshkin, dll.
1. 2 PembentukangitarseniVUSSRDanRusia
Hari ini dia telah berjaya melakukan banyak lawatan di banyak negara di dunia, termasuk empat lawatan ke USSR (1926 dan 1935, 1936). Dia melakukan karya oleh pemain gitar klasik: Sora, Giuliani, transkripsi karya oleh Tchaikovsky, Schubert, Haydn dan asal. karya oleh komposer Sepanyol: Turin, Torroba, Tansman, Castelnuovo-Tedesco dan komposer lain. Segovia mengadakan banyak pertemuan dengan pemain gitar Soviet, yang soalannya dia rela menjawab. Dalam perbualan mengenai teknik bermain gitar, Segovia menunjukkan kepentingan khusus bukan sahaja menetapkan tangan, tetapi juga penggunaan penjarian yang betul. Gitar meninggalkan tanda terang dalam seni muzik Rusia. Ahli akademik J. Shtelin, yang tinggal di Moscow dari 1735 hingga 1785, menulis bahawa gitar di Rusia tersebar perlahan-lahan, tetapi dengan kemunculan pemain gitar virtuoso Tsani de Ferranti, F. Sor, M. Giuliani dan lain-lain di kalangan penghibur tetamu lain alat ini adalah mendapat simpati dan digunakan secara meluas.
Memperoleh di Rusia dari separuh kedua abad ke-18 varieti tujuh rentetan asli dengan triad G-major digandakan menjadi satu oktaf dan rentetan yang lebih rendah dengan jarak satu liter, gitar itu ternyata sesuai secara optimum untuk iringan kord bass lagu urban dan percintaan.
Kemajuan sebenar prestasi profesional pada instrumen ini bermula berkat aktiviti kreatif guru-gitaris cemerlang Andrei Osipovich Sikhra (1773-1850). Sebagai seorang pemain kecapi melalui pendidikan, dia menumpukan seluruh hidupnya untuk mempromosikan gitar tujuh tali - pada masa mudanya dia terlibat dalam aktiviti konsert, dan kemudian pedagogi dan pencerahan. Pada tahun 1802, A. Sikhra's Journal for the Seven-String Guitar mula diterbitkan di St. Petersburg, dengan susunan lagu-lagu rakyat Rusia dan susunan muzik klasik. Dalam dekad berikutnya, sehingga 1838, pemuzik itu menerbitkan beberapa majalah serupa yang menyumbang kepada peningkatan yang ketara dalam populariti instrumen, A.O. Sychra membesarkan sejumlah besar pelajar, merangsang minat mereka dalam mengarang muzik untuk gitar, khususnya, variasi pada tema melodi lagu rakyat. Pelajarnya yang paling terkenal ialah S.N. Aksenov, V.I. Morkov, V.S. Sarenko, F.M. Zimmerman dan lain-lain - meninggalkan banyak drama dan susunan lagu-lagu Rusia. Aktiviti Mikhail Timofeevich Vysotsky (1791-1837) adalah sangat penting dalam pembangunan prestasi gitar profesional-akademik Rusia. Orang pertama yang memperkenalkannya kepada gitar ialah S.N. Aksenov, dia juga menjadi mentornya.
Sejak kira-kira 1813, nama M.T. Vysotsky menjadi popular secara meluas. Permainannya dibezakan dengan gaya improvisasi asli, imaginasi kreatif yang berani dalam melodi lagu rakyat yang berbeza-beza. M.T. Vysotsky adalah wakil dari gaya persembahan auditori improvisasi - dalam hal ini dia dekat dengan pembuatan muzik rakyat tradisional Rusia. Banyak yang boleh dikatakan tentang wakil lain persembahan gitar Rusia, yang menyumbang kepada pembangunan sekolah persembahan kebangsaan, tetapi ini adalah perbualan yang berasingan. Sekolah Rusia tulen dibezakan oleh ciri-ciri berikut: kejelasan artikulasi, nada muzik yang indah, fokus pada keupayaan melodi instrumen dan penciptaan himpunan tertentu, dalam banyak cara unik, kaedah progresif menggunakan penjarian khas "kosong" , percubaan dan irama, mendedahkan keupayaan instrumen.
Sistem memainkan alat itu termasuk memainkan fungsi muzik, intonasi dan daya tarikannya, yang dihafal secara berasingan dalam setiap kekunci dan mempunyai pergerakan suara yang tidak dapat diramalkan. Selalunya penjarian individu sedemikian, "kosong" melodi-harmonik dijaga dengan tekun dan hanya disampaikan kepada pelajar terbaik. Penambahbaikan tidak dikaji secara khusus, ia adalah hasil daripada asas teknikal biasa, dan seorang pemain gitar yang baik dapat menggabungkan intonasi biasa lagu dengan urutan harmonik. Satu set pelbagai irama sering mengelilingi frasa muzik dan memberikan pewarnaan pelik pada fabrik muzik. Kaedah pengajaran inventif sedemikian nampaknya merupakan penemuan Rusia semata-mata dan tidak terdapat di mana-mana dalam karya asing pada masa itu. Malangnya, tradisi persembahan gitar Rusia abad XVIII-XIX. telah dilupakan secara tidak adil, dan hanya terima kasih kepada usaha peminat keadaan ke arah ini berubah menjadi lebih baik.
Seni gitar juga berkembang pada zaman Soviet, walaupun sikap pihak berkuasa terhadap pembangunan alat muzik ini, secara sederhana, keren. Sukar untuk memandang tinggi peranan guru, penghibur dan komposer yang cemerlang A.M. Ivanov-Kramskoy. Sekolah bermainnya, serta sekolah bermain gitar dan guru P.A. Agafoshina adalah alat bantu mengajar yang sangat diperlukan untuk pemain gitar muda. Aktiviti ini diteruskan dengan cemerlang oleh ramai pelajar dan pengikut mereka: E. Larichev, N. Komoliatov, A. Frauchi, V. Kozlov, N. Koshkin, A. Vinitsky (gitar klasik dalam jazz), S. Rudnev (gitar klasik dalam bahasa Rusia gaya) dan lain-lain lagi.
gitar jazz pop klasik
2. ceritakejadianDanevolusipop-jazzarahVseni
2.1 Varieti gitar yang digunakan dalam seni pop-jazz
Dalam muzik pop moden, empat jenis gitar digunakan terutamanya:
1. Flat Top (Flat Top) - gitar rakyat biasa dengan tali logam.
2. Klasik (Classical) - gitar klasik dengan tali nilon.
3. Arch Top (Arch Top) - gitar jazz, berbentuk seperti biola yang diperbesarkan dengan "efs" di sepanjang tepi papan bunyi.
4. Gitar elektrik - gitar dengan pikap elektromagnet dan dek kayu monolitik (bar).
Malah 120-130 tahun dahulu, hanya satu jenis gitar yang popular di Eropah dan Amerika. Digunakan di negara yang berbeza sistem yang berbeza tetapan, dan di beberapa tempat juga menukar bilangan rentetan (Di Rusia, sebagai contoh, terdapat tujuh rentetan, bukan enam). Tetapi dari segi bentuk, semua gitar adalah sangat serupa - bahagian atas dan bawah badan yang agak simetri, yang menumpu dengan leher pada fret ke-12.
Saiz kecil, tapak tangan berlubang, leher lebar, mata air berbentuk kipas, dsb. - semua ini mencirikan jenis gitar ini. Malah, bentuk dan kandungan instrumen di atas menyerupai gitar klasik masa kini. Dan bentuk gitar klasik hari ini adalah milik tuan Sepanyol Torres, yang hidup kira-kira 120 tahun yang lalu.
Pada akhir abad yang lalu, gitar mula mendapat populariti secara mendadak. Jika sebelum itu, gitar hanya dimainkan di rumah persendirian dan salun, maka pada akhir abad yang lalu, gitar itu mula muncul di pentas. Terdapat keperluan untuk menguatkan bunyi. Pada masa itulah terdapat pembahagian yang lebih jelas antara klasik dan yang kini paling kerap dipanggil gitar rakyat atau barat. Teknologi mula membuat tali logam yang berbunyi lebih kuat.
Di samping itu, kabinet itu sendiri meningkat dalam saiz, yang membolehkan bunyi menjadi lebih dalam dan lebih kuat. Dibiarkan sahaja masalah serius- ketegangan kuat tali logam sebenarnya membunuh dek atas, dan penebalan dinding cangkang, pada akhirnya, membunuh getaran, dan dengan itu bunyi. Dan kemudian gunung spring berbentuk X yang terkenal telah dicipta. Mata air dilekatkan secara bersilang, dengan itu meningkatkan kekuatan dek atas, tetapi membenarkannya bergetar.
Oleh itu, terdapat pembahagian yang jelas - gitar klasik, yang tidak banyak berubah sejak itu (hanya rentetan mula dibuat daripada sintetik, dan bukan dari sinew, seperti sebelumnya), dan gitar folk-west, yang mempunyai beberapa bentuk, tetapi hampir selalu digunakan dengan mata air berbentuk X, tali logam, badan yang diperbesarkan dan sebagainya.
Pada masa yang sama, satu lagi jenis gitar sedang berkembang - "arch top" (arch top). Apa itu? Semasa syarikat seperti Martin menangani masalah menguatkan bunyi dengan memasang mata air, syarikat seperti Gibson pergi ke arah lain, menjadikan gitar berbentuk dan dibina seperti biola. Instrumen sedemikian dicirikan oleh papan bunyi atas melengkung, kacang, yang seperti double bass, dan tailpiece. Sebagai peraturan, instrumen ini mempunyai potongan biola di sepanjang tepi papan bunyi dan bukannya lubang bulat tradisional di tengah. Gitar ini menampilkan bunyi yang tidak hangat dan dalam, tetapi seimbang dan punchy. Dengan gitar sebegitu, setiap nota jelas boleh didengari, dan ahli jazz dengan cepat menyedari apa yang "kuda hitam" muncul dalam bidang penglihatan mereka. Ia adalah untuk jazz bahawa "arch tops" berhutang populariti mereka, yang mana mereka digelar gitar jazz. Pada tahun 1930-an dan 1940-an, keadaan mula berubah - terutamanya disebabkan oleh kemunculan mikrofon dan pikap berkualiti tinggi. Di samping itu, gaya muzik popular baru, blues, memasuki arena dan segera menakluki dunia. Seperti yang anda ketahui, blues berkembang terutamanya disebabkan oleh usaha pemuzik hitam yang miskin. Mereka memainkannya dalam semua cara dengan jari, pick dan juga botol bir (leher botol bir adalah nenek moyang langsung slaid moden). Orang-orang ini tidak mempunyai wang untuk instrumen mahal, mereka tidak selalu mempunyai peluang untuk membeli tali baru untuk diri mereka sendiri, apa jenis gitar jazz yang ada? Dan mereka memainkan apa sahaja yang mereka perlu, kebanyakannya menggunakan instrumen yang lebih biasa - barat. Pada tahun-tahun itu, sebagai tambahan kepada "archtops" yang mahal, syarikat Gibson masih menghasilkan yang besar barisan gitar rakyat "pengguna". Keadaan di pasaran adalah sedemikian rupa sehingga Gibson hampir satu-satunya syarikat yang mengeluarkan gitar rakyat yang murah tetapi berkualiti tinggi. Adalah logik bahawa kebanyakan bluesmen, kerana kekurangan wang untuk sesuatu yang lebih sempurna, mengambil Gibson ke dalam tangan mereka. Jadi sehingga kini mereka tidak berpisah dengan mereka.
Apa yang berlaku kepada gitar jazz? Dengan kemunculan pikap, ternyata bunyi instrumen jenis yang seimbang dan jelas ini paling sesuai untuk sistem amplifikasi ketika itu. Walaupun gitar jazz sama sekali tidak seperti Fender atau Ibanez moden, Leo Fender mungkin tidak akan mencipta Telecasters dan Stratocasternya. jika saya tidak bereksperimen dengan gitar jazz dan pikap dahulu. By the way, kemudian blues elektrik juga dimainkan dan dimainkan pada instrumen jazz dengan pikap, hanya ketebalan badan di dalamnya dikurangkan. Satu contoh yang menarik ialah B.B. King dan gitar Lussilnya yang terkenal, yang ramai hari ini menganggap standard gitar elektrik blues.
Eksperimen pertama yang diketahui dengan menguatkan bunyi gitar dengan elektrik bermula pada tahun 1923, apabila jurutera dan pencipta Lloyd Loar mencipta pikap elektrostatik yang merekodkan getaran kotak resonator alat bertali.
Pada tahun 1931, Georges Beauchamp dan Adolph Rickenbacker mencipta pikap elektromagnet di mana nadi elektrik mengalir melalui penggulungan magnet, mewujudkan medan elektromagnet di mana isyarat daripada rentetan bergetar dikuatkan. Menjelang penghujung tahun 1930-an, banyak penguji mula menggabungkan pikap ke dalam gitar berongga Sepanyol yang kelihatan lebih tradisional. Nah, pilihan yang paling radikal telah dicadangkan oleh pemain gitar dan jurutera Les Paul (Les Paul) - dia hanya membuat papan bunyi untuk monolitik gitar.
Ia diperbuat daripada kayu dan dipanggil hanya - "Bar" (The Log). Dengan sekeping pepejal atau hampir pepejal, jurutera lain mula bereksperimen. Sejak 40-an abad XX, kedua-dua peminat individu dan syarikat besar telah berjaya melakukan ini.
Pasaran pengeluar gitar terus berkembang secara aktif, sentiasa mengembangkan rangkaian. Dan jika "trendsetters" sebelum ini adalah semata-mata warga Amerika, kini Yamaha, Ibanez dan firma Jepun yang lain menempati kedudukan utama, menjadikan kedua-dua model mereka dan salinan gitar terkenal yang sangat baik di kalangan peneraju dalam pengeluaran.
Tempat istimewa diduduki oleh gitar - dan terutamanya elektrik - dalam muzik rock. Walau bagaimanapun, hampir semua pemain gitar rock terbaik melangkaui gaya muzik rock, memberi penghormatan besar kepada jazz, dan beberapa pemuzik telah benar-benar pecah dengan rock. Tidak ada yang mengejutkan dalam hal ini, kerana tradisi terbaik bermain gitar tertumpu pada jazz.
Satu perkara yang sangat penting diberikan kepada perhatian Joe Pass, yang, di sekolah jazz terkenalnya, menulis: "Pemain gitar klasik telah beberapa abad untuk membangunkan pendekatan yang organik dan konsisten terhadap prestasi - kaedah "betul". Gitar jazz, gitar plectrum, hanya muncul pada abad kita, dan gitar elektrik masih merupakan fenomena baru yang kita baru mula memahami keupayaannya sebagai alat muzik yang lengkap. Dalam keadaan sedemikian, pengalaman terkumpul, tradisi jazz penguasaan gitar, adalah amat penting.
Sudah dalam bentuk awal blues, "kuno", atau "luar bandar", sering juga dipanggil istilah Inggeris "country blues" (country blues), unsur-unsur utama teknik gitar telah dibentuk, yang menentukan perkembangan selanjutnya. Teknik berasingan pemain gitar blues kemudiannya menjadi asas kepada pembentukan gaya seterusnya.
Rakaman terawal country blues bermula pada pertengahan 20-an, tetapi terdapat banyak sebab untuk mempercayai bahawa, pada dasarnya, ia hampir tidak berbeza daripada gaya asal yang dibentuk di kalangan orang kulit hitam di negeri-negeri selatan (Texas, Louisiana, Alabama, dsb.). ) pada tahun 70-80an abad XIX.
Antara penyanyi-gitaris yang terkenal dalam gaya ini ialah Blind Lemon Jefferson (1897-1930), yang mempunyai pengaruh yang ketara terhadap ramai pemuzik pada zaman kemudiannya, dan bukan sahaja blues. Seorang pakar yang cemerlang dalam ragtime dan blues gitar ialah Blind Blake (Blind Blake, 1895 -1931), kebanyakan rakamannya masih memukau dengan teknik dan kepintaran improvisasi mereka yang sangat baik. Blake betul-betul dianggap sebagai salah seorang pemula penggunaan gitar sebagai instrumen solo. Huddie Leadbetter, biasanya dikenali sebagai Leadbelly (1888-1949) pernah dipanggil "raja gitar dua belas tali". Dia kadang-kadang bermain dalam duet dengan Jefferson, walaupun dia lebih rendah daripadanya sebagai penghibur. Leadbelly memperkenalkan figura bass berciri ke dalam iringan - "bass mengembara", yang kemudiannya akan digunakan secara meluas dalam jazz.
Terserlah di kalangan pemain gitar country-blues Lonnie Johnson (Lonnie Johnson, 1889-1970), seorang pemuzik virtuoso, sangat dekat dengan jazz. Mereka merakam blues yang sangat baik tanpa vokal, dan selalunya dia bermain sebagai pengantara, menunjukkan bukan sahaja teknik yang sangat baik, tetapi juga kemahiran improvisasi yang luar biasa.
Salah satu ciri zaman Chicago dalam pembangunan jazz tradisional, yang menjadi peralihan kepada buaian, adalah penggantian instrumen: bukannya kornet, tuba dan banjo, trompet, bes berganda dan gitar muncul di hadapan.
Antara sebabnya ialah kemunculan mikrofon dan kaedah rakaman elektromekanikal: gitar akhirnya berbunyi sepenuhnya pada rekod. Ciri penting jazz Chicago ialah peningkatan peranan penambahbaikan solo. Di sinilah perubahan penting berlaku dalam nasib gitar: ia menjadi instrumen solo yang lengkap.
Ini disebabkan oleh nama Eddie Lang (Eddie Lang, nama sebenarnya - Salvador Massaro), yang memperkenalkan banyak teknik bermain gitar jazz tipikal instrumen lain - khususnya, ciri frasa alat tiupan. Eddie Lang juga mencipta gaya bermain jazz sebagai orang tengah, yang kemudiannya menjadi dominan. Dia pertama kali menggunakan gitar plectrum - gitar khas untuk bermain jazz, yang berbeza daripada bahasa Sepanyol biasa dengan ketiadaan roset bulat. Sebaliknya, pada geladak kelihatan ef, serupa dengan biola, dan perisai panel boleh tanggal yang melindungi daripada pukulan pick. Memainkan Eddie Lang dalam ensembel dibezakan oleh pengeluaran bunyi yang kuat. Dia sering menggunakan bunyi lulus, urutan kromatik; kadang-kadang dia menukar sudut plectrum berhubung dengan papan jari, dengan itu mencapai bunyi tertentu.
Ciri-ciri cara Lang ialah kord dengan rentetan diredam, aksen keras, bukan kord selari, skala nada penuh, glissando idiosinkratik, harmonik buatan, janjang kord ditambah dan frasa loyang. Kita boleh mengatakan bahawa ia adalah di bawah pengaruh Eddie Lang bahawa ramai pemain gitar mula memberi lebih perhatian kepada nota bes dalam kord dan, jika boleh, mencapai peneraju suara yang lebih baik. Penciptaan gitar elektrik merupakan pendorong kepada kemunculan sekolah dan aliran gitar baharu. Mereka diasaskan oleh dua pemain gitar jazz: Charlie Christian di Amerika dan Django Reinhardt
(Django Reinhardt) di Eropah
Dalam bukunya "From Reg to Rock", pengkritik terkenal Jerman I. Berendt menulis: "Bagi seorang pemuzik jazz moden, sejarah gitar bermula dengan Charlie Christian. Selama dua tahun di dalam dunia jazz, dia merevolusikan permainan gitarnya. Sudah tentu, ada pemain gitar sebelum dia, tetapi nampaknya, bagaimanapun, gitar dimainkan sebelum Christian dan yang dibunyikan selepasnya adalah dua instrumen yang berbeza.
Charlie bermain dengan kebijaksanaan yang nampaknya tidak dapat dicapai oleh orang sezamannya. Dengan ketibaannya, gitar itu menjadi ahli ensembel jazz yang sama. Dia adalah orang pertama yang memperkenalkan solo gitar sebagai suara ketiga kepada ensemble dengan trumpet dan saksofon tenor, membebaskan instrumen daripada fungsi berirama semata-mata dalam orkestra. Sebelum yang lain, C. Christian menyedari bahawa teknik bermain gitar elektrik jauh berbeza daripada kaedah bermain akustik. Secara harmoni, dia bereksperimen dengan peningkatan dan penurunan kord, mencipta corak irama baharu untuk melodi jazz terbaik (evergreen). Dalam petikan, dia sering menggunakan alat tambah pada kord ketujuh, menarik perhatian pendengar dengan kepintaran melodi dan berirama. Dia adalah orang pertama yang mengembangkan improvisasinya, tidak bergantung pada keharmonian tema, tetapi pada kord lulus, yang dia letakkan di antara yang utama. Dalam sfera melodi, ia dicirikan oleh penggunaan legato dan bukannya staccato keras.
C. Persembahan Christian sentiasa dibezakan oleh kuasa ekspresi yang luar biasa, digabungkan dengan hayunan yang sengit. Ahli teori jazz mendakwa bahawa dengan permainannya dia menjangkakan kemunculan gaya jazz baru bebop (be-bop) dan merupakan salah seorang penciptanya.
Serentak dengan Christian, pemain gitar jazz Django Reinhardt yang sama cemerlang bersinar di Paris. Charlie Christian, semasa masih membuat persembahan di kelab-kelab di Oklahoma, mengagumi Django dan sering mengulangi nota untuk nota solonya dirakam dalam rekod, walaupun pemuzik ini berbeza secara mendadak antara satu sama lain dalam cara bermain. Ramai ahli muzik dan artis jazz terkenal bercakap tentang sumbangan Django kepada pembangunan gaya jazz bermain gitar dan penguasaannya. Menurut D. Ellington, “Django adalah artis super. Setiap nota yang dia ambil adalah harta, setiap kord adalah bukti rasanya yang tidak tergoyahkan.
Django berbeza daripada pemain gitar lain dalam gaya permainannya yang ekspresif, kaya dan pelik, dengan irama panjang selepas beberapa langkah, laluan pantas secara tiba-tiba, irama yang stabil dan beraksen tajam. Pada saat-saat klimaks, dia sering bermain dalam oktaf.
Teknik jenis ini dipinjam daripadanya oleh C. Christian, dan dua belas tahun kemudian - oleh W. Montgomery. Dalam kepingan yang pantas, dia dapat mencipta api dan tekanan sedemikian, yang sebelum ini hanya ditemui dalam persembahan pada alat tiup. Dalam yang perlahan, dia terdedah kepada preluding, dan rhapsody, dekat dengan Negro blues. Django bukan sahaja seorang pemain solo virtuoso yang sangat baik, tetapi juga seorang pemain iringan yang sangat baik. Dia mendahului ramai rakan sezamannya dalam penggunaan kord ketujuh kecil, diminished, augmented dan kord passing lain. Django memberi perhatian yang besar kepada keharmonian skema harmonik kepingan, sering menekankan bahawa jika semuanya betul dan logik dalam urutan kord, maka melodi akan mengalir dengan sendirinya.
Sebagai pengiring, beliau sering menggunakan kord yang meniru bunyi bahagian loyang. Sumbangan Charlie Christian dan Django Reinhardt kepada sejarah gitar jazz adalah tidak ternilai. Kedua-dua pemuzik yang cemerlang ini menunjukkan kemungkinan tidak habis-habis instrumen anda bukan sahaja dalam iringan, tetapi juga dalam solo improvisasi, telah menentukan arah utama pembangunan teknik bermain gitar elektrik untuk beberapa tahun yang akan datang.
Peranan gitar yang meningkat sebagai alat solo membawa kepada keinginan pemain untuk bermain dalam ensembel kecil (kombo). Di sini pemain gitar berasa seperti ahli penuh ensembel, melaksanakan fungsi kedua-dua pemain pengiring dan pemain solo. Populariti gitar semakin berkembang setiap hari, semakin ramai pemain gitar jazz berbakat muncul, dan bilangan kumpulan besar kekal terhad. Di samping itu, ramai pemimpin dan pengatur orkestra besar tidak selalu memperkenalkan gitar ke bahagian irama. Cukuplah untuk mengatakan, sebagai contoh,
Duke Ellington, yang tidak suka menggabungkan bunyi gitar dan piano dalam iringan. Walau bagaimanapun, kadangkala karya "mekanikal", yang berfungsi untuk mengekalkan irama dalam kumpulan besar, bertukar menjadi seni jazz yang tulen. Kami bercakap tentang salah seorang wakil terkemuka gaya kord-irama gitar bermain Freddie Green.
Teknik chordal virtuoso, deria hayunan yang indah, rasa muzik yang halus membezakan permainannya. Dia hampir tidak pernah bermain solo, tetapi pada masa yang sama dia sering dibandingkan dengan bot tunda, melibatkan keseluruhan orkestra.
Freddie Greenlah yang, sebahagian besarnya, berhutang kepada kumpulan besar Count Basie kekompakan luar biasa bahagian irama, emansipasi dan ringkas permainan. Master ini mempunyai pengaruh yang besar pada pemain gitar yang lebih suka improvisasi iringan dan kord daripada permainan petikan panjang dan improvisasi monofonik. Karya Charlie Christian, Django dan Freddie Green membentuk, seolah-olah, tiga cabang pokok keluarga gitar jazz. Walau bagaimanapun, satu lagi arah harus disebut, yang berdiri agak berbeza, tetapi pada zaman kita semakin mendapat pengiktirafan dan pengedaran.
Hakikatnya ialah tidak semua pemain gitar mendapati gaya Ch. Christian boleh diterima, di tangannya gitar itu memperoleh bunyi alat tiup (tidak semena-mena ramai, mendengar rakaman Charlie Christian, menganggap suara gitarnya sebagai saksofon). Pertama sekali, gayanya adalah mustahil bagi mereka yang bermain jari pada gitar akustik.
Banyak teknik yang dibangunkan oleh C. Christian (legato panjang, garis improvisasi panjang tanpa sokongan harmonik, nota berterusan, bengkok, penggunaan tali terbuka yang jarang berlaku, dll.) tidak berkesan untuk mereka, terutamanya apabila bermain alat dengan tali nilon. Di samping itu, pemain gitar muncul yang menggabungkan klasik, permainan gitar, flamenco dan unsur-unsur muzik Amerika Latin dengan jazz dalam cara kreatif mereka. Ini terutamanya termasuk dua pemuzik jazz terkemuka: Laurindo Almeida (Laurindo Almeida) dan Charlie Byrd (Charlie Byrd), yang karyanya telah mempengaruhi ramai pemain gitar gaya klasik, menunjukkan dalam amalan kemungkinan tanpa had bagi gitar akustik. Dengan alasan yang kukuh, mereka boleh dianggap sebagai pengasas gaya "gitar klasik dalam jazz".
Gitaris Negro, Wes John Leslie Montgomery ialah salah seorang pemuzik paling bijak yang muncul di panggung jazz sejak C. Christian. Beliau dilahirkan pada tahun 1925 di Indianapolis; Dia mula berminat dengan gitar hanya pada usia 19 tahun di bawah pengaruh rekod Charlie Christian dan keghairahan adik-beradiknya Buddy dan Monk, yang bermain piano dan double bass dalam orkestra vibraphonist terkenal Lionel Hampton. Dia berjaya mencapai bunyi yang luar biasa hangat, "baldu" (menggunakan ibu jari tangan kanannya dan bukannya memilih) dan mengembangkan teknik oktaf sehingga dia mempersembahkan keseluruhan korus improvisasi dalam oktaf dengan mudah dan ketulenan yang menakjubkan, selalunya pada tahap yang adil. tempo cepat. Kemahirannya mengagumkan rakan kongsi sehingga mereka secara berseloroh menggelar Wes "Mr. Octave." Cakera pertama dengan rakaman W. Montgomery dikeluarkan pada tahun 1959 dan serta-merta membawa kejayaan pemain gitar dan pengiktirafan luas. Pencinta jazz terkejut dengan kehebatan permainannya, artikulasi yang halus dan terkawal, kemerduan improvisasi, perasaan intonasi blues yang berterusan dan deria irama hayunan yang jelas. Gabungan gitar elektrik solo Wes Montgomery dengan bunyi orkestra besar, termasuk kumpulan tali, sangat menarik.
Kebanyakan pemain gitar jazz seterusnya - termasuk pemuzik terkenal seperti Jim Hall, Joe Pass, John McLaughlin, George Benson, Larry Coryell - mengiktiraf pengaruh besar Wes Montgomery pada kerja mereka. Sudah pada tahun 40-an, piawaian yang dibangunkan oleh swing tidak lagi memuaskan hati ramai pemuzik. Cliches yang ditubuhkan dalam keharmonian bentuk lagu, perbendaharaan kata, sering dikurangkan kepada petikan langsung daripada master jazz yang cemerlang, monotoni berirama dan penggunaan hayunan dalam muzik komersial menjadi brek dalam perjalanan perkembangan selanjutnya genre. Selepas "tempoh keemasan" ayunan, sudah tiba masanya untuk mencari bentuk baharu yang lebih maju. Semakin banyak arah baru muncul, yang, sebagai peraturan, bersatu secara bersama nama - moden jazz (Jazz Moden). Ia termasuk bebop ("jazz-staccato"), hard bop, progresif, sejuk, arus ketiga, bossa nova dan jazz Afro-Cuban, jazz modal, jazz-rock, jazz percuma, fusion dan beberapa yang lain: Kepelbagaian, pengaruh bersama dan penembusan bersama arus yang berbeza merumitkan analisis karya pemuzik individu, terutamanya kerana ramai daripada mereka pada satu masa bermain dalam pelbagai ragam. Jadi, sebagai contoh, dalam rakaman Ch. Byrd seseorang boleh menemui bos nova, blues, tema berayun, susunan klasik dan rock desa, dan banyak lagi. Dalam permainan B. Kessel - hayunan, bebop, bossa nova, unsur jazz modal, dll. Ia adalah ciri bahawa pemain gitar jazz sendiri sering bertindak balas dengan agak tajam terhadap percubaan untuk mengklasifikasikan mereka sebagai satu atau lain arah jazz, menganggap ini pendekatan primitif untuk menilai kerja mereka. Kenyataan sedemikian boleh didapati di Larry Coryell, Joe Pass, John McLaughlin dan lain-lain.
2 .2 Utamaarahpop-jazzprestasi60-70 - Xtahun
Namun, menurut salah seorang pengkritik jazz, I. Berendt, di ambang 60-an-70-an, empat arah utama telah dibangunkan dalam persembahan gitar moden: 1) arus perdana (aliran utama); 2) jazz-rock; 3) arah blues; 4) batu. Wakil yang paling menonjol dalam arus perdana boleh dianggap sebagai Jim Hall, Kenny Burrell dan Joe Pass. Jim Hall, "penyair jazz" seperti yang sering dipanggilnya, telah dikenali dan disayangi oleh orang ramai sejak lewat 50-an dan sehingga kini.
"Jazz guitar virtuoso" dipanggil Joe Pass (Joe Pass, nama penuh Joseph Anthony Jacoby Passalaqua). Pengkritik meletakkannya setanding dengan pemuzik seperti Oscar Peterson, Ella Fitzgerald dan Barney Kessel. Rekod duetnya dengan Ella Fitzgerald dan Herb Ellis, trio dengan Oscar Peterson dan pemain bass Nils Pederson, dan terutamanya cakera solonya "Joe Pass the Virtuoso" menikmati kejayaan yang hebat. Joe Pass ialah salah seorang pemain gitar jazz yang paling menarik dan serba boleh dalam tradisi Jacgo Reinhardt, Charlie Christian dan Wes Montgomery. Kerjanya sedikit dipengaruhi oleh trend baru jazz moden: dia lebih suka bebop. Bersama dengan aktiviti konsert, Joe Pass banyak mengajar dan berjaya, menerbitkan karya metodologi, di antaranya sekolahnya "Joe Pass Guitar Style" menduduki tempat istimewa "2E
Walau bagaimanapun, tidak semua pemain gitar jazz begitu menumpukan kepada "arus perdana". Antara pemuzik cemerlang yang tertarik kepada yang baru dalam pembangunan jazz, harus diperhatikan George Benson, Carlos Santana, Ola di Meola. Pemuzik Mexico Carlos Santana (Carlos Santana, lahir pada tahun 1947) bermain dalam gaya "rock Latin", berdasarkan persembahan irama Amerika Latin (samba, rumba, salsa, dll.) dengan cara berbatu, digabungkan dengan unsur flamenco .
George Benson dilahirkan pada tahun 1943 di Pittsburgh dan semasa kecil dia menyanyikan lagu blues dan bermain gitar dan banjo. Pada usia 15 tahun, George menerima gitar elektrik kecil sebagai hadiah, dan pada usia 17 tahun, selepas tamat sekolah, dia membentuk kumpulan rock and roll kecil di mana dia menyanyi dan bermain. Setahun kemudian, pemain organ jazz Jack McDuff tiba di Pittsburgh. Hari ini, sesetengah pakar menganggap rakaman pertamanya bersama Jack McDuff sebagai yang terbaik dalam keseluruhan diskografi Benson. Benson sangat dipengaruhi oleh karya Django Reinhardt dan Wes Montgomery, terutamanya teknik yang terakhir.
Antara pemain gitar generasi baharu yang bermain jazz-rock, dan membangunkan gaya jazz yang agak baharu - gabungan, Ol di Meola (AI di Meola) menonjol. Keghairahan pemuzik muda untuk gitar jazz bermula dengan mendengar rakaman trio yang menampilkan Larry Coryell (yang, secara kebetulan, Al di Meola menggantikan dalam barisan yang sama beberapa tahun kemudian). Sudah pada usia 17 tahun, dia mengambil bahagian dalam rakaman dengan Chikom Corea. Ol di Meola mahir bermain gitar - kedua-duanya dengan jarinya dan dengan plektrum. Buku teks "Kaedah ciri bermain gitar oleh pengantara" yang ditulis olehnya sangat dihargai oleh pakar.
Inovator zaman kita juga termasuk pemain gitar berbakat Larry Coryell, yang melalui kesukaran cara kreatif-- daripada keghairahan untuk rock and roll kepada trend terbaru dalam muzik jazz moden.
Malah, selepas Django, hanya seorang pemain gitar Eropah mencapai pengiktirafan tanpa syarat di seluruh dunia dan mempengaruhi perkembangan jazz secara umum - orang Inggeris John McLaughlin. Zaman kegemilangan bakatnya jatuh pada separuh pertama tahun 70-an abad kedua puluh - zaman ketika jazz dengan pantas mengembangkan sempadan gayanya, bergabung dengan muzik rock, eksperimen dalam muzik elektronik dan avant-garde, dan pelbagai tradisi muzik rakyat. Bukan kebetulan bahawa bukan sahaja peminat jazz menganggap McLaughlin sebagai "mereka sendiri": kita akan menemui namanya dalam mana-mana ensiklopedia muzik rock. Pada awal 1970-an, McLaughlin menganjurkan orkestra Mahavishnu (Great Vishnu). Sebagai tambahan kepada papan kekunci, gitar, dram dan bes, beliau memperkenalkan biola ke dalam komposisinya. Dengan orkestra ini, pemain gitar merakamkan beberapa rekod, yang diterima dengan penuh semangat oleh orang ramai. Pengulas mencatatkan kelebihan McLaughlin, inovasi dalam susunan, kesegaran bunyi, kerana penggunaan unsur muzik India. Tetapi perkara utama ialah penampilan cakera ini menandakan penubuhan dan perkembangan trend jazz baharu: jazz-rock.
Pada masa ini, ramai pemain gitar cemerlang telah muncul yang meneruskan dan meningkatkan tradisi master masa lalu. Amat penting bagi budaya pop-jazz dunia ialah hasil kerja pelajar Jimm Hall yang paling terkenal - Pat Mattini. Idea inovatif beliau telah memperkayakan bahasa melodi-harmonik muzik pop moden. Saya juga ingin mengambil perhatian aktiviti persembahan dan pengajaran yang cemerlang Mike Stern, Frank Gambal, Joe Satriani, Steve Vai, pelajar Joe Pass Lee Ritenour dan ramai lagi.
Bagi perkembangan seni bermain gitar pop-jazz (elektrik dan akustik) di negara kita, ia tidak mungkin dilakukan tanpa kerja pendidikan dan pendidikan yang berjaya selama bertahun-tahun oleh V. Manilov, V. Molotkov, A. Kuznetsov. , A. Vinitsky, serta pengikut mereka S. Popov, I. Boyko dan lain-lain. Sangat penting ialah aktiviti persembahan konsert pemuzik seperti: A. Kuznetsov, I. Smirnov, I. Boyko, D. Chetvergov, T. Kvitelashvili, A. Chumakov, V. Zinchuk dan banyak lagi. Setelah beralih dari blues ke jazz-rock, gitar bukan sahaja tidak menghabiskan kemungkinannya, tetapi, sebaliknya, memenangi kepimpinan dalam banyak arah baru jazz. Pencapaian dalam bidang teknik bermain gitar akustik dan elektrik, penggunaan elektronik, kemasukan unsur flamenco, gaya klasik, dan lain-lain memberi alasan untuk menganggap gitar sebagai salah satu instrumen utama genre muzik ini. Itulah sebabnya sangat penting bagi pemuzik generasi baru untuk mengkaji pengalaman pendahulu mereka - pemain gitar jazz. Hanya atas dasar ini adalah mungkin untuk mencari gaya bermain individu, cara peningkatan diri dan perkembangan selanjutnya gitar pop-jazz
kesimpulan
Pada zaman kita, topik membangunkan kemahiran persembahan pada gitar 6 tali masih relevan, kerana pada masa ini terdapat banyak sekolah dan sistem latihan. Ia termasuk arah yang berbeza, daripada sekolah permainan klasik, kepada jazz, Latin, sekolah blues.
Dalam pembangunan stilistika jazz, peranan yang sangat penting dimainkan oleh teknik instrumental tertentu, yang merupakan ciri penggunaan jazz instrumen dan keupayaan ekspresifnya - melodi, intonasi, berirama, harmonik, dll. Blues memainkan peranan penting dalam pembentukan jazz. Sebaliknya, "salah satu faktor penentu dalam penghabluran blues dari jenis cerita rakyat Negro yang lebih awal dan kurang formal ialah 'penemuan' gitar dalam medium ini."
Sejarah perkembangan seni gitar mengenali banyak nama gitaris-guru, komposer dan penghibur yang mencipta banyak alat bantu mengajar untuk belajar bermain gitar, banyak daripada mereka secara langsung atau tidak langsung berkaitan dengan masalah mengembangkan pemikiran penjarian.
Malah, pada zaman kita, konsep gitaris merangkumi penguasaan kedua-dua teknik klasik utama, kedua-dua asas, dan keupayaan dan pemahaman gaya yang mengiringi fungsi, keupayaan untuk bermain dan membuat improvisasi pada digital, semua kehalusan dan ciri pemikiran blues dan jazz.
Malangnya, dalam Kebelakangan ini media memberi pengaruh yang sangat sedikit bukan sahaja kepada muzik klasik yang serius, tetapi juga kepada jenis muzik pop-jazz bukan komersial
Senaraikandigunakansastera
1. Bakhmin A.A. Manual arahan kendiri untuk bermain gitar enam tali / A.A. Bakhmin. M.: ASS-center, 1999.-80 p.
2. Boyko I.A. Penambahbaikan pada gitar elektrik. Bahagian 2 "Asas teknik kord" - M.; Pusat Hobi, 2000-96 hlm.;
3. Boyko I.A. Penambahbaikan pada gitar elektrik. Bahagian 3 "Kaedah improvisasi progresif" - M.; Pusat Hobi, 2001-86 hlm.
4. Boyko I.A. Penambahbaikan pada gitar elektrik. Bahagian 4 "Pentatonik dan kemungkinan ekspresifnya" - M.; Pusat Hobi, 2001 - 98 p.; sakit.
5. Brandt V.K. Asas teknik gitaris ensemble pop / Panduan pendidikan dan metodologi untuk sekolah muzik - M. 1984 - 56 p.
6. Dmitrievsky Yu.V. / Gitar daripada blues kepada jazz-rock / Yu.V. Dmitrievsky - M.: Muzikal Ukraine, 1986. - 96 p.
7. Ivanov-Kramskoy A.M. Sekolah bermain gitar enam tali / A.M. Ivanov-Kramskoy. - M.: Sov. Komposer, 1975. - 120 p.
8. Manilov V.A. Belajar mengiringi gitar / V.A. Manilov - K .: Muzikal Ukraine, 1986. - 105 p.
9. Pass, D. Guitar style of Joe Pass / Joe Pass, Bill Thrasher / Comp.: "Guitar College" - M .: "Guitar College", 2002 - 64 p.; sakit.
10. Popov, S. Asas / Comp.; "Kolej Gitar" - M.; "Kolej Gitar", 2003 - 127p.;
11. Puhol M. Sekolah bermain gitar enam tali / Per. dan pejabat editorial N. Polikarpov - M.; burung hantu. Komposer, 1987 - 184 hlm.
12. Al Di Meola "Teknik bermain dengan orang tengah"; Per. / Comp.; GIDinform
13. Yalovets A. Django Reichard - "Krugozor", M.; 1971 No 10 - hlm. 20-31
Dihoskan di Allbest.ru
...Dokumen Serupa
Pembangunan dan penggunaan harmoni dan melodi muzik jazz dalam persembahan dan pedagogi pop-jazz moden. Melodi jazz dalam gaya be-bop. Cadangan praktikal untuk mengoptimumkan karya vokalis pop pada repertoir jazz.
tesis, ditambah 07/17/2017
Ciri-ciri menulis, melakukan melisma dalam tempoh masa yang berbeza, punca melisma. Penggunaan penerimaan muzik dalam persembahan pop-jazz vokal. Latihan untuk pembangunan teknik vokal halus dalam vokalis.
tesis, ditambah 18/11/2013
Ciri-ciri tersendiri budaya muzik Renaissance: kemunculan bentuk lagu (madrigal, villancico, frottol) dan muzik instrumental, kemunculan genre baru (lagu solo, cantata, oratorio, opera). Konsep dan jenis utama tekstur muzik.
abstrak, ditambah 18/01/2012
Pembentukan muzik sebagai bentuk seni. Peringkat sejarah pembentukan muzik. Sejarah pembentukan muzik dalam persembahan teater. Konsep " genre muzik". Fungsi dramaturgi muzik dan jenis utama ciri-ciri muzik.
abstrak, ditambah 05/23/2015
Mekanisme pembentukan muzik klasik. Pertumbuhan muzik klasik dari sistem ucapan pernyataan muzik (ungkapan), pembentukannya dalam genre seni muzik (chorals, cantatas, opera). Muzik sebagai komunikasi artistik baharu.
abstrak, ditambah 03/25/2010
Kelahiran budaya rock dunia: "country", "rhythm and blues", "rock and roll". Fajar kemuliaan rock and roll dan kemerosotannya. Kemunculan gaya rock. cerita kumpulan legenda"The Beatles". Bintang rock lagenda. Raja-raja gitar, pembentukan rock keras.
abstrak, ditambah 06/08/2010
Tradisi budaya rakyat dalam pendidikan muzik dan pendidikan kanak-kanak. Bermain alat muzik sebagai satu jenis aktiviti muzik untuk kanak-kanak prasekolah. Cadangan penggunaan budaya instrumental untuk perkembangan kebolehan muzik kanak-kanak.
tesis, ditambah 05/08/2010
Tempat muzik rock dalam budaya muzik massa abad XX, kesan emosi dan ideologinya kepada penonton belia. Jawatan sekarang Batu Rusia pada contoh karya V. Tsoi: keperibadian dan kreativiti, misteri fenomena budaya.
kertas penggal, ditambah 26/12/2010
Keistimewaan situasi sosio-budaya moden yang mempengaruhi proses pembentukan budaya muzik dan estetik pelajar sekolah, teknologi perkembangannya dalam pelajaran muzik. Kaedah berkesan yang menyumbang kepada pendidikan budaya muzik dalam kalangan remaja.
tesis, ditambah 07/12/2009
Sintesis Afrika dan budaya Eropah dan tradisi. Perkembangan jazz, pembangunan model berirama dan harmonik baharu oleh pemuzik dan komposer jazz. Jazz di Dunia Baru. Genre muzik jazz dan ciri utamanya. pemuzik jazz Rusia.
Persembahan gitar di Rusia mempunyai sejarah tersendiri. Walau bagaimanapun, dalam kerja ini kami akan mempertimbangkan hanya halaman yang berkaitan secara langsung dengan amalan bermain gitar tujuh tali dan mempengaruhi ciri-ciri yang mendasari pembentukan gaya gitar Rusia.
Sekolah gitar Rusia diasaskan pada ketika di Eropah Barat gitar klasik telah mengisytiharkan dirinya sebagai instrumen konsert solo bebas. Dia sangat popular di Itali. Sepanyol. Beberapa penghibur dan komposer muncul. mencipta repertoir klasik yang baharu. Yang paling terkenal ialah D. Aguado. M. Giuliani. F. Carulli, M. Carcassi. Kemudian, pemuzik yang luar biasa seperti Franz Schubert, Niccolò Paganini, Carl Weber dan lain-lain beralih kepada PR dan menulis untuknya.
Perbezaan utama antara gitar Rusia dan gitar klasik yang popular di Eropah ialah bilangan rentetan (tujuh, bukan enam) dan prinsip penalaannya. Ia adalah persoalan penalaan yang sentiasa menjadi asas dalam pertikaian lama tentang kelebihan gitar enam atau tujuh tali. Memahami kepentingan khusus isu ini, kami menganggap perlu untuk kembali kepada topik asal usul gitar tujuh tali dan penampilannya di Rusia.
Menjelang akhir abad XVIII. di Eropah terdapat beberapa jenis gitar pelbagai reka bentuk, saiz, dengan bilangan tali yang berbeza dan banyak cara untuk menalanya (cukup untuk menyebut bahawa bilangan tali berbeza dari lima hingga dua belas) -. Sekumpulan besar gitar telah disatukan mengikut prinsip menala rentetan dengan perempat dengan satu pertiga utama di tengah (untuk kemudahan, kami akan memanggil penalaan ini sebagai yang keempat). Instrumen ini digunakan secara meluas di Itali. Sepanyol. Perancis.
Di Great Britain, Jerman, Portugal dan Eropah Tengah, terdapat sekumpulan instrumen dengan apa yang dipanggil sistem terts, di mana satu pertiga lebih disukai apabila menala rentetan suara (contohnya, dua terts besar dipisahkan oleh yang keempat).
Kedua-dua kumpulan instrumen ini disatukan oleh fakta bahawa muzik yang ditulis untuk satu skala boleh dimainkan menggunakan susunan kecil pada alat skala yang lain.
Menarik kepada kami ialah gitar dengan empat tali ganda, yang datang dari England ke Eropah, dan dari Eropah ke Rusia (St. Petersburg). Struktur gitar ini mempunyai dua jenis: keempat dan ketiga. Yang terakhir berbeza daripada saiz gitar Rusia tujuh rentetan (ia jauh lebih kecil), tetapi secara praktikal menjangkakan prinsip penalaannya mengikut triad utama lanjutan (g, e, c, G, F, C, G). Fakta ini sangat penting untuk kita.
Kekurangan bukti sejarah tentang transformasi badan gitar, saiznya dan skala keseluruhan rentetan membolehkan kita hanya mengambil pilihan untuk pembangunannya. Kemungkinan besar, dimensi leher gitar ditentukan oleh kemudahan bermain, dan ketegangan rentetan, penalaan mereka, sepadan dengan tessitura suara nyanyian. Mungkin penambahbaikan membawa kepada peningkatan dalam badan, penggantian kudis logam dengan helai, dan oleh itu kepada penurunan dalam tessitura bunyi, "gelongsor" keseluruhan sistem ke bawah.
Tidak ada maklumat yang boleh dipercayai yang mengesahkan bahawa gitar inilah yang berfungsi sebagai prototaip "tujuh rentetan" Rusia, tetapi hubungan mereka jelas. Sejarah persembahan gitar di Rusia dikaitkan dengan kemunculan pada zaman pemerintahan Catherine the Great (1780-90an) pemain gitar asing yang bermain gitar ketiga dan ketiga. Antaranya ialah Giuseppe Sarti, Jean-Baptiste Guenglez. Terdapat penerbitan koleksi keping untuk gitar 5-6 tali, majalah gitar.
Ignaz von Geld (Ignatius von Geld) menerbitkan buat pertama kali manual yang dipanggil "Kaedah mudah untuk belajar bermain gitar tujuh tali tanpa guru." Malangnya, tidak ada satu salinan sekolah Rusia pertama bermain gitar ini, serta maklumat tentang kaedah pengajaran pengarangnya, tentang jenis gitar, bagaimana untuk menyediakannya. Yang ada hanya testimoni kontemporari. Geld itu adalah pemain gitar Inggeris yang hebat.
Tetapi pengasas sebenar sekolah gitar Rusia adalah saya yang menetap di Moscow. Pada akhir abad ke-18. seorang pemuzik yang berpendidikan, seorang pemain kecapi yang hebat Andrey Osipovich Sikhra. Dialah yang memperkenalkan muzik praktikal membuat gitar tujuh tali dengan sistem d, h, g, D, H, G, D, yang kemudiannya dikenali sebagai Rusia.
Kita tidak dapat mengetahui betapa biasa A. Sichra dengan eksperimen Eropah dalam mencipta gitar dengan bilangan rentetan yang berbeza dan cara menalanya, sama ada dia menggunakan keputusannya dalam kerjanya mengenai "penambahbaikan" (tetapi dalam kata-katanya sendiri) dari enam klasik. -gitar bertali. Ini tidak begitu ketara.
Apa yang penting ialah A. Sihra. sebagai peminat setia persembahan gitar, seorang guru yang cemerlang dan pempopularkan ideanya yang cekap, dia meninggalkan tanda cerah dalam sejarah perkembangan persembahan instrumental Rusia. Dengan menggunakan pencapaian terbaik sekolah gitar Sepanyol klasik, dia membangunkan metodologi untuk mengajar gitar tujuh tali, kemudian menetapkannya dalam buku yang diterbitkan pada tahun 1832 dan 1840. "Sekolah". Menggunakan bentuk dan genre klasik. Sychra mencipta repertoir baharu khusus untuk gitar Rusia dan melahirkan kumpulan pelajar yang cemerlang.
Terima kasih kepada aktiviti A. O. Sikhra dan rakan-rakannya, gitar tujuh rentetan mendapat populariti yang luar biasa di kalangan wakil-wakil kelas yang berbeza: golongan cerdik pandai Rusia dan wakil-wakil kelas menengah menyukainya, pemuzik profesional dan pencinta muzik harian beralih kepadanya: sezaman mula mengaitkannya dengan intipati muzik rakyat bandar Rusia. Penerangan mengenai bunyi gitar tujuh tali yang mempesonakan boleh didapati dalam barisan Pushkin yang menyentuh hati. Lermontov, Turgenev. Chekhov, Tolstoy dan ramai penyair dan penulis lain. Gitar mula dianggap sebagai bahagian semula jadi budaya muzik Rusia.
Ingat bahawa gitar A. Sikhra muncul di Rusia dalam keadaan apabila gitar tujuh tali hampir tidak pernah dilihat di mana-mana, adalah mustahil untuk membelinya sama ada di kedai atau dari tukang artisan. Kini seseorang hanya boleh tertanya-tanya berapa cepat (dalam 2-3 dekad) tuan-tuan ini, di antaranya adalah pemain biola terbesar, dapat menubuhkan pengeluaran gitar Rusia. Ini Ivan Batov, Ivan Arhuzen. Ivan Krasnoshchekov. Gitar master Vienna I. Scherzer dianggap sebagai salah satu yang terbaik. Menurut orang sezaman, gitar F. Savitsky, E. Eroshkin, F. Paserbsky dibezakan oleh keperibadian unik mereka. Tetapi sekarang kita tidak akan memikirkan perkara ini, kerana ia patut dibincangkan secara berasingan.
Rasa kebangsaan gitar tujuh tali juga diberikan oleh susunan yang ditulis untuknya pada tema lagu rakyat Rusia. “Pengaruh muzik rakyat terhadap seni muzik, sudah tentu, akan bermula sebagai sebahagian daripada tradisi banyak negara. Walau bagaimanapun, di Rusia, muzik rakyat telah menjadi subjek keghairahan orang ramai untuk muzik mereka sendiri, mungkin salah satu pergerakan jiwa Rusia yang paling luar biasa.
Untuk berlaku adil, ia harus diperhatikan. bahawa karya A. Sikhra pada tema Rusia ditulis dalam gaya variasi klasik dan tidak mempunyai rasa asli, murni Rusia yang membezakan susunan pemain gitar Rusia yang lain. Khususnya, Mikhail Timofeevich Vysotsky, pencipta banyak komposisi pada tema lagu-lagu rakyat Rusia, memberikan sumbangan besar kepada pembentukan sekolah gitar Rusia sebagai fenomena kebangsaan yang asli. M. Vysotsky dibesarkan di kampung Ochakovo (12 km dari Moscow) di ladang penyair M. Kheraskov, rektor Universiti Moscow, dalam suasana cinta dan hormat terhadap tradisi rakyat Rusia. Budak itu boleh mendengar indah penyanyi rakyat untuk mengambil bahagian dalam upacara rakyat. Menjadi anak hamba. Misha boleh mendapat pendidikan hanya dengan menghadiri mesyuarat cerdik pandai kreatif dan rumah Kheraskov, mendengar puisi, perdebatan, dan persembahan dadakan oleh tetamu terpelajar.
Antaranya ialah guru utama M. Vysotsky - Semyon Nikolaevich Aksenov. Dia menyedari kebolehan budak lelaki itu dan mula memberinya pelajaran bermain gitar Rusia. Dan walaupun kelas ini tidak sistematik, budak lelaki itu membuat kemajuan yang ketara. Terima kasih kepada usaha S. Aksenov bahawa M. Vysotsky menerima kebebasannya pada tahun 1813 dan berpindah ke Moscow untuk pendidikan lanjut. Kemudian, pemuzik terkenal, komposer A. Dubuk memberikan Vysotsky bantuan penting dalam menguasai disiplin muzik dan teori.
M. Vysotsky menjadi pemain gitar yang hebat - improviser, komposer. Tidak lama kemudian kemasyhuran seorang pemain gitar virtuoso yang tiada tandingan datang kepadanya. Menurut orang sezaman, permainan Vysotsky kagum bukan sahaja dengan tekniknya yang luar biasa, tetapi dengan inspirasinya, kekayaan. fantasi muzik. Dia seolah-olah bergabung dengan gitar: ia adalah ekspresi hidup dari mood rohaninya, pemikirannya.
Beginilah cara pemain gitar dan rakan sekerjanya I. E. Lyakhov menilai permainan Vysotsky: - Permainannya tidak dapat difahami, tidak dapat digambarkan dan meninggalkan kesan yang tidak dapat disampaikan oleh nota dan perkataan. Di sini dengan sedih, lembut, sayu terdengar di hadapan anda lagu pemutar; fermato kecil - dan segala-galanya seolah-olah bercakap dengannya sebagai tindak balas: mereka berkata, mengeluh, bass, mereka dijawab oleh suara tangisan trebles, dan keseluruhan paduan suara ini diliputi dengan akord pendamaian yang kaya; tetapi kemudian bunyi, seperti pemikiran yang letih, bertukar menjadi triodi, tema hampir hilang, seolah-olah penyanyi itu memikirkan sesuatu yang lain; tetapi tidak, dia kembali kepada tema, kepada pemikirannya, dan ia kedengaran sungguh-sungguh dan sekata, bertukar menjadi adagio yang penuh doa. Anda Mendengar anjing Rusia, dinaikkan kepada yang suci (Sudet. Segala-galanya sangat indah dan semula jadi, sangat tulus dan muzik, seperti yang anda jarang lihat dalam komposisi lain untuk lagu-lagu Rusia. Di sini anda tidak akan mengingati apa-apa seperti itu: semuanya di sini adalah baru dan asli. Di hadapan kami adalah seorang pemuzik Rusia yang diilhamkan, di hadapan anda ialah Vysotsky.
Ciri tersendiri karya Vysotsky ialah pergantungan pada lapisan besar lagu rakyat Rusia dan sebahagiannya kreativiti instrumental. Inilah yang menentukan perkembangan sekolah gitar Rusia, cawangan Moscownya. M. Vysotsky, mungkin, kurang prihatin dengan cadangan sistematik untuk belajar bermain gitar tujuh tali, walaupun dia memberikan banyak pelajaran. Tetapi dalam karyanya, gitar tujuh rentetan Rusia menjadi benar-benar instrumen kebangsaan, mempunyai himpunan khasnya sendiri, teknik khas dan perbezaan gaya, gaya persembahan, corak perkembangan dalam bentuk muzik (maksud kami adalah hubungan antara kandungan puitis lagu dan proses perkembangan varian dalam gubahan muzik). Dalam hal ini, M. Vysotsky adalah untuk kita. mungkin tokoh terpenting dalam permainan gitar Rusia. Karya beliau meletakkan asas untuk gaya permainan asli, serta prinsip mendapatkan bunyi melodi dan teknik yang mengiringinya. Tetapi ini akan dibincangkan kemudian.
Oleh itu, kemunculan sekolah gitar asal di Rusia dikaitkan dengan nama A. Sikhra dan M. Vysotsky, serta pelajar terbaik mereka.
Sebagai kesimpulan, saya ingin mengatakan bahawa penggunaan gitar yang meluas di Rusia dalam tempoh sejarah yang singkat tidak boleh menjadi kemalangan. Sebaliknya, ia adalah bukti yang baik tentang daya maju instrumen. Terdapat sebab yang cukup untuk berbangga dengan pencapaian sekolah gitar Rusia. Walau bagaimanapun, ia boleh dinyatakan dengan kepahitan bahawa kita tidak mengetahui keseluruhan kebenaran tentang instrumen kita dan warisan yang dicipta untuknya. Adalah penting untuk mengetahui dan memahami perkara ini hari ini, apabila hampir semua yang dibanggakan Rusia pada masa lalu telah dimusnahkan ke tanah, dan tiada apa yang dicipta untuk menggantikannya. Mungkin sudah tiba masanya untuk mengalihkan wajah anda kepada warisan gitar Rusia?! Ia terdiri daripada karya, kaedah dan himpunan orang yang paling berpendidikan pada zaman mereka. Berikut adalah beberapa nama: M. Stakhovich - bangsawan, ahli sejarah, penulis; A. Golikov - bangsawan, pendaftar kolej; V. Sarenko - Doktor Sains Perubatan; F. Zimmerman - bangsawan, pemilik tanah; I. Makarov - pemilik tanah, ahli bibliografi utama; V. Morkov - seorang bangsawan, seorang ahli majlis negeri sebenar: V. Rusanov - seorang bangsawan, konduktor, seorang editor yang cemerlang.
