Lin Hwai-min Lin Hwai-min. Koreograf Lin Hwai-min: "I många österländska kulturer betyder "ris" "Moder Lin hwai-min

Kära vänner!
.
Med vänlig hälsning, webbplatsadministration

Direktör

Lin Hwai-min

Biografi:

Lin Hwai-ming föddes 1947 i Taiwan. HANDLA OMgrundare och art director för den taiwanesiska Heaven's Gate Dance Theatre. Studerade den kinesiska operarörelsen i sitt hemland Taiwan, modern dans i New York, klassisk dans i Japan och Korea. Han grundade truppen 1973. Den välkände koreografen med internationellt rykte använder ofta den traditionella asiatiska kulturens tekniker, vilket inte hindrar honom från att skapa verk av innovativa former och modernt ljud. Lin uppmärksammas av många internationella utmärkelser och utmärkelser. År 2003 förklarades han som "förnäm medborgare i Taipei". Tidningen "Dance Europe" presenterade Lin som "The Choreographer of the 20th century", och den internationella tidskriften "Ballet International" 2000 valde honom till "Person of the Year" tillsammans med Merce Cunningham, Jiri Kilian, Pina Bausch och William Forsyth . Lin - känd författare, hans roman "Cicada" (Cikada) är en genuin bästsäljare i Taiwan, flera av hans verk har översatts till engelska språket och publicerad i USA Lin etablerade en dansavdelning på taiwanesiska nationellt universitet Taipei Arts 1983 och arbetade som avdelningschef där i fem år. 1996 debuterade Lin Hwai-min som operachef. Han placerade framgångsrikt operahus den österrikiska staden Graz, operan Rashomon. 2002 -" T osku" med National symfoni orkester Taiwan, som har blivit en händelse i Taipei. Sedan 2000 har Lin varit Art Director för romansalen Ny dans» ( Novel Hall New Dance Series) , som representerar kända avantgardegrupper och enastående dansare i världen.

Filmer av Lin Hwai-min:

Danskonstens utveckling i Taiwan speglar öns svåra historia. Under andra hälften av nittonhundratalet, en nyckelroll i bildandet modern dans spelas i Taiwan av Ling Hwai Ming.

Året 1947, då den blivande koreografen föddes, var inte lätt för både hans familj och Taiwan som helhet. Återgången av ön till kinesiskt styre efter Japans nederlag i andra världskriget utlöste ett uppror som slogs ned med våld, och den krigslag som infördes det året upprätthölls i fyra decennier. När Lin föddes hade hans föräldrar förlorat större delen av familjeföretaget, men familjen levde inte i fattigdom. Han tillbringade sin barndom i den lilla pittoreska staden Chiayi. Som intelligenta människor gav föräldrarna sin son en bra utbildning. Huset hade en mängd målningar, böcker - både japanska och kinesiska, min pappa var passionerad för att teckna, min mamma - musik. Lin kände suget efter konst redan i tonåren – han var bara fjorton år när hans berättelser och dikter började publiceras i tidningar och tidskrifter. I sin ungdom var han intresserad av olika litterära fenomen – från Leo Tolstojs och Ernst Hemingways romaner till Taiwans modernistiska rörelser. Bio lockar hans uppmärksamhet, särskilt dansfilmer, och efter att ha tjänstgjort i armén blev Lin intresserad av dans. Han deltog i seminarier för dansare som studerade i USA, men först kopplade han inte sin framtid med detta yrke. Han hade för avsikt att bli journalist och för detta ändamål reste han till USA 1969 för att studera vid universitetet.

Lin Hwai Min studerade i Missouri, sedan i Iowa. Men inte bara studier sysselsatte honom vid denna tid. På Marcia Thayers kurser studerade han modern dans och uppträdde sedan som en del av en ensemble ledd av henne. Modern dans väcker mer och mer intresse hos honom, och på slutet träningskurs i Iowa åkte han till New York, där han studerade med såväl som med. Samtidigt studerade han samtida litteratur besökte teatrar och museer. För att försörja sig var han tvungen att tjäna pengar på restauranger, och ändå var tre år i New York den lyckligaste tiden för Lin, men detta kan inte sägas om hans hemland: Taiwan, internationellt erkänt som en del av Kina, förlorade suveränitet, vilket var stor chock för dess invånare. Lin Hwai Min - liksom många av sina landsmän som studerade utomlands vid den tiden - återvände till sitt hemland och strävade efter att vara med sitt folk i en så svår tid.

Efter att ha börjat sin verksamhet som koreograf i sitt hemland, satte sig koreografen för att skapa moderna koreografiska produktioner baserade på nationell musik. 1973 skapade han den första moderna dansteatern i Taiwan, teatern fick namnet Cloud Gate ("Cloud Gate"), för att hedra den äldsta kinesiska dansen, som har en historia på fem tusen år. I sina första produktioner - till exempel "Sagan om den vita ormen" - använde koreografen många element av den traditionella kinesisk kultur: cirkulära rörelser (cirkeln spelar en viktig roll i kinesisk filosofi), en fläkt som symboliserar kärlek, ett paraply som ett tecken på separation. Tidig period koreografen beskrev sitt arbete som "mycket kinesiskt".

1978 skapade Ling Hwai-Min det episka Continuity, som berättar historien om bosättare som lämnade Kina för Taiwan för tre århundraden sedan för att bygga nytt liv. Den koreografiska handlingen innehåller inslag av gymnastik, traditionella kinesiska danser och till och med karate. De efterföljande årens verk - "Nirvana" baserad på buddhistisk filosofi, "Drömmen i den röda kammaren" baserad på den kinesiska romanen med samma namn och andra - syftar till att söka efter nationell identitet.

Truppens verksamhet avbröts i tre år 1988 på grund av ekonomiska problem. Under dessa år reste koreografen mycket. Han besökte Korea, Japan, Bali, Indien, Nepal. De intryck som fick under resorna återspeglades i de efterföljande årens verk - till exempel är "The Song of Wanderers" förknippad med ett besök i det indiska området, där Gautama Buddha, enligt legenden, uppnådde upplysning. MED buddhistisk filosofi baletten "Moonwater" är också kopplad - dess titel ekar talesättet: "Blommor i spegeln och månen i vattnet är illusoriska." Samtidigt är detta namn associerat med Tai Chi, ett gammalt kinesiskt komplex av psykofysiska övningar. Inom detta system beskrivs det ideala mänskliga tillståndet att sträva efter enligt följande: "Energi flyter som vatten, anden lyser som månen." Den femtio minuter långa baletten, med sin "flytande" plasticitet, är exceptionellt kontemplativ.

Inte begränsat till att skapa föreställningar, koreografen är engagerad i pedagogisk verksamhet, och den är inte begränsad till yrkesutbildning. Tillsammans med den koreografiska avdelningen vid National Institute of Arts grundade han mer än tjugo skolor i olika städer i Taiwan. I dessa skolor, där barn, vuxna och äldre går, undervisar hans anhängare enligt det system han utvecklat, som han kallade "Livets paus", det är utformat för att hjälpa en person, genom kunskapen om sin kropp, komma i harmoni med både naturen och andra människor.

Alla rättigheter förbehållna. Kopiering är förbjudet.

Den 21 maj, i Moskva, som en del av Tjechovfestivalen, ägde premiär av två produktioner av den taiwanesiska koreografen Lin Hwai-Min, White Water and Ashes. I kontrast till innehåll och prestanda, presenterades båda produktionerna i Europa för första gången förra året på Movimentos konstfestival i Tyskland. Ett år före festivalen träffade Lin sina arrangörer i Dresden för att diskutera programmet. Det var då han mindes Stråkkvartett nr 8 i c-moll” av Dmitrij Sjostakovitj (kompositionen skrevs 1960 i Dresden). Så föddes "Ashes", vars andra namn är "Requiem". Enligt Lin är produktionen en slags katarsis från det förflutnas fasor och nuvarande århundraden: krig, folkmord, förtryck, ekologiska katastrofer. Som koreografen senare fick veta, tänkte Shostakovich sitt verk som ett rekviem.

På scenen i Moskvas kommunfullmäktige visade de först en 55-minuters "White Water" till musik av Sati, Roussel, Saigun, Oana och Iber. Liksom många produktioner av Lin Hwai-Min handlar den här om naturen och därför om livet i allmänhet. Vitt vatten är ett sjudande (av en bäck, ett vattenfall), vattenskum. Dansarna, respektive i vita eller ljusgrå lösa dräkter, som brukligt hos Lin, synkroniserar på sin egen andedräkt, och inte på musiken – som om musiken föds ur deras rörelse, och inte vice versa. Överflödet av hopp, inlindade i fötterna och löpande på halvböjt - hela denna klassiska "Cloud gate" finns också här. Efter att ha blivit vattnet i en flod eller ett vattenfall, som rasar på videoprojektionen på baksidan av scenen, blandar dansarna sig antingen snabbt eller saktar ner rörelsen så mycket att det verkar som att tiden har flutit på annorlunda. Kompositionella omarrangemang och tekniskt rika solon fördjupar dig i ett zen-buddhistiskt sinnestillstånd - ett kontemplativt sådant.

Hela motsatsen är den 22 minuter långa produktionen av Ashes. Det är omöjligt att känna igen de där raffinerade varelserna i snövita dräkter med rak rygg och ljusa ögon i de vridna zombies som kryper upp på scenen. Håret är rufsigt, ansikten är som insmorda med sot, istället för kläder - svarta trasor, kroppen verkar vara trasig i alla leder. De rör på sina lemmar, några en efter en, en del stöder den andra, faller som torra grenar, deras kroppar reduceras av en epileptisk spasm. Medan brinnande aska kastar sig och vänder på marken från vinden rullar dansarna, som om de sakta brinner ner, runt scenen. Antingen darrar de krampaktigt, vrider händerna onaturligt, eller så stelnar de i fruktansvärda klumpiga poser. Innan ljusen släcktes stod de med öppen mun, ett tyst skrik som fortfarande ekade i mörkret. När ljuset tändes igen och salen brast ut i applåder stod dansarna som en vägg, hand i hand, med stränga ansikten, utan att röra sig. Ljuset slocknade och tändes igen - de stod, publiken applåderade hårdare och ropade "Bravo!", Gardinen stängdes och öppnades - inte en enda muskel rörde sig i deras ansikten. Detta förstärkte känslan av allvaret i ämnet och de känslor som det väcker – det här är inte ett skämt, inte en teater. De bugade aldrig.

Båda föreställningarna är vita och svarta i yin-yang-tecknet. "White Water" - om liv, rörelse, ljus, "Aska" - om död, lidande och världens grymhet. Lin Hwai-Min verkar säga - titta på livet, det är flyktigt och vackert, du kan inte ta bort det, bränna det, förvandla det till aska.

kultur

Torsdagen den 11 juni hade Voronezh-journalister turen att prata med den sektaiwanesiska koreografen Lin Hwai-ming på Kommuna konstcenter. Hans danstrupp blev den första professionella gruppen i Kina. På Platonov-festivalen tog den legendariske regissören ett gemensamt verk med Cloud Gate Dance Theatre med den lakoniska titeln "Rice".

Lin Hwai-ming inledde presskonferensen med en berättelse om ursprunget till produktionen:

Idén med den här föreställningen kom till mig när jag besökte den mest intressanta asiatiska byn, där bönder är engagerade i självhushållsjordbruk. På denna plats verkar tiden vara frusen, det finns inte ens elektricitet, men det finns extra uppmärksamhet invånare till natur och landskap. En flera hektar stor åker öppnade upp för mina ögon, på vilken det växte ris, och skönheten i allt detta bokstavligen fängslade mig. Jag såg i allt detta en viss plasticitet som jag ville förkroppsliga på scenen.

Lin Hwai-ming sa att han till och med skickade en kameraman till den byn specifikt för att filma olika stadier ris mognad. Det resulterande materialet användes som en bakgrundsvideoinstallation för föreställningen.

Jag ville i min produktion förmedla livets cykliska natur, dess kontinuitet. Vi sätter ett likhetstecken mellan allt levande: truppens konstnärer skildrar växande risbuskar, men det kan samtidigt uppfattas som en metafor för en persons mognad.

Regissören delade också med sig av sin erfarenhet av att interagera med kampsportare som personligen arbetade med dansarna på Cloud Gate Theatre:

När jag först vände mig till dem för att få hjälp, gav de mig en resolut tillrättavisning: vi lär inte ut dans. Men jag lyckades övertyga mästarna om att det är viktigt för mig att förbereda konstnärer andligt och fysiskt, att lära dem stilen med plasticitet. Och i slutändan uppnådde vi imponerande resultat, och jag betonar att integriteten i föreställningen till stor del inte är min förtjänst, utan en konsekvens av det fruktsamma samarbetet mellan dansare och kampsportsguruer.

Fast efter premiär"Risa," när vi fick en stående ovation, kom först en sensei fram till mig, omgiven av vänner, och sa: "Grattis, publiken är förtjust." Men när alla gick därifrån blev han indignerad: "Du gjorde allt fel!" Men detta är hans professionella noggrannhet - vi hade inget mål att överföra kampsport på scenen oförändrad.

Lin Hwai Min är säker på att dansestetiken i vilket land som helst är en återspegling av dess kultur. klassisk balett, enligt koreografen, är en produkt av dessa europeiska kulturer som strävade efter att bygga högt katedraler. Därför finns det så många vertikalt riktade pass i den. Men den asiatiska kulturen, bland annat förknippad med insamlingen av ris i en böjd position, återspeglades i en ovanlig samtida koreografiöstliga länder.

Och i allmänhet, för Kina, Indonesien och många andra stater, fungerar "ris" som en synonym för ordet "mamma". Jag har mött sångare som sjungit till pris av risgudinnan, som ger avkomma i form av en skörd. Detta motiv fick för övrigt en plastisk reflektion i vår produktion.

Intressant, en danskonst Lin Hwai-mings liv är inte begränsat. Han är en omfattande utvecklad person - vid 14 års ålder gav koreografen ut en bok med berättelser:

Att vara en ung författare är fantastiskt. Speciellt för att du fortsätter att få royalties under hela ditt liv. Det är sant att jag glömde orden för länge sedan, så det är osannolikt att jag kommer tillbaka till verbal kreativitet. Nu dansar mitt språk.

Man tror att principen "såg en - såg allt" gäller för Khwai-Mins föreställningar, och en sådan åsikt, måste det erkännas, är inte helt ogrundad. Cloud Gate anländer regelbundet till Moskva, olika namn tas med, men när det gäller format, plastlösning och ännu mer konceptuellt skiljer sig en produktion inte mycket från en annan, oavsett om de talar om krångligheterna med kalligrafisk skrift eller svårigheter att odla ris. Som regel anges temat i titeln, medan själva koreografin inte är fyndrik, är universell och appliceras på den mer eller mindre mekaniskt, bara dräkterna och videobilderna på baksidan ändras. Vanligtvis är dock föreställningen av den taiwanesiska dansteatern en enaktare, under en timme eller så, och i det här fallet- en diptyk (premiär 2014) av två oberoende opus, och bara detta verkade konstigt.

Precis som Hwai-mins "Rice" som visades på Chekhovfest förra året handlade om ris -

– "White Water", det är inte svårt att gissa, är tillägnat vatten. På bakskärmen varvas videoinstallationer diskret och oförhastat med bilder av flodflöden, och på scenen varvas corps de ballet-avsnitt med solo- och duettavsnitt. En femtio minuters handling består av ett dussin och ett halvt korta fragment till musiken av pianominiatyrer franska tonsättare början av 1900-talet - främst Satie, men även Roussel och Ibert, och utöver dem några verk av obskyra asiatiska författare i samma anda. Flickor i vita sarafaner, unga män i vida byxor och ärmlösa T-shirts, tyger och lemmar "flyter", i allmänna danser, om så önskas, kan du se en antydan till "strömmar" och "stenar", vackra kvinnliga solon och underhållande manlig duett under Sati är helt abstrakta, men på ett eller annat sätt - och den dramaturgi som med alla medel är inneboende i det mest "tomtlösa" balettföreställningar, Khwai-min saknas här som ett faktum, och detta är en medveten inställning till förkastandet av varje utveckling. "White Water" kan inte ens kallas ett divertissement, för detta är avsnitten inte tillräckligt kontrasterande. Det finns lite mindre lugn och lite mer uttrycksfull, men på det stora hela är evenemanget inte för alla: det skramlar eller plaskar inte i en stormig bäck, men det flyter ganska mjukt, utan tydligt markerade stänk och virvlar, ibland långsamt , ibland lite snabbare, utan forsande och utan att fördröja, även om kanske en sådan ren kontemplation också kan glädja ögat, särskilt om det är av vana.

"Aska" är byggd på liknande rörelser, långsam och utförd på halvböjd, men lakonisk och på sitt sätt "mjukvara". Den sattes till musik av den 8:e Shostakovich-kvartetten och är tillägnad en viss (ospecifik) masstragedi, en humanitär katastrof: konsekvenserna av ett bombdåd eller ett folkmord som begåtts utan inblandning av luftfart, eller kanske en kärnvapenattack, "världens ände" på lokal eller global skala, konstgjord eller spontan, men i vilket fall som helst antas bilden vara otvetydigt postapokalyptisk. Alla deltagare i föreställningen är i "smutsigt" smink, trasdräkter, i motsats till den "flytande" plasticiteten i "White Water" här i "Ashes" är rörelserna skarpa, kantiga, krampaktiga, ljuset är dämpat och det är mycket rök. Men viktigast av allt, det finns ingen plats för solon och duetter, om några individualiserade solister, par sticker ut från mässan, klamrar sig fast, då inte för ett oberoende dansnummer, utan bara för att betona totalt lidande, inklusive och fysiskt smärta, fysisk misshandel, inte bara psykisk ångest. Denna uppgift löses dock på enklaste sätt på cirka trettio sekunder, och en tjugominuters föreställning, återigen initialt utan någon dramatisk utveckling, förvandlas omedelbart till en semi-performance, semi-installation, vars timing inte bestäms av intern logik , inte genom plastisk mättnad, utan endast genom varaktighet. musikstycke, som fungerade som material till soundtracket. Kontemplation i Ashes är inte på något sätt lika salig som i White Water, men det är klart på förhand: det är värdelöst att förvänta sig att en diamant ska blinka från Ashes, konstnärerna öppnar inte händerna på pilbågar, som om de visar att vi är rik på en gång, men pasaran .