Esboços rápidos. Introdução Os benefícios da prática plein air
Eles falaram principalmente sobre um esboço de longo prazo, que envolveu um estudo aprofundado da forma dos objetos em cores, levando em consideração o esquema de cores da natureza morta, as condições ambientais - luz, o espaço circundante e suas influências mútuas.
Mas em cursos de pintura em escola de Artes Nova intenção artística Ensinamos artistas iniciantes a registrar rapidamente um desenho, a capturar em um esboço apenas o principal, o mais significativo ou apenas parte do todo - um fragmento. Portanto, junto com trabalhos que duram toda a aula de pintura, existem outras formas de esboços. São estudos de esboços, esboços de fragmentos, esboços de memória.
Todas essas formas têm o direito de existir. A única questão é como combiná-los com sabedoria. Ao trabalhar apenas em esboços que levam muito tempo para serem concluídos com desenhos profundos e detalhados de objetos, não adquiriremos as habilidades para trabalhar rapidamente e não seremos capazes de capturar imediatamente as características mais importantes e significativas do esboço; nós não aprenderá a sacrificar conscientemente certos detalhes em prol do principal.
Nesse estudo, junto com a definição da estrutura composicional, descobrimos por nós mesmos esquema de cores, lembramos da mistura de cores, com a qual conseguimos as combinações desejadas. Este esboço é executado dentro de meia hora a uma hora.
Abaixo está uma série de esboços rápidos e esboços de soluções fragmentadas individuais para naturezas mortas de frutas, bagas e utensílios domésticos. Faça uma série de exercícios para adquirir algumas habilidades no desenho de pequenos esboços.
Aprendendo a desenhar esboços.
Na primavera ou no verão, faça um buquê de flores uniformes, incluindo uma ou duas flores de tipo diferente. Primeiro, coloque esse buquê sob luz difusa em uma sala grande e iluminada, na varanda ou no jardim e escreva um esboço dentro de uma hora e meia a duas horas. Tente escrever o mesmo ou outro buquê em condições de muita iluminação, em um dia de sol, colocando flores na janela ou no jardim. Em cada uma dessas tarefas você encontrará condições que são novas para você. Sob a influência de luz direta forte (em nesse caso ensolarado) a cor dos objetos muda em comparação com as condições do ambiente. Graças aos contrastes que surgem, à abundância de reflexos, ao brilho, graças à combinação e interação de todos estes fatores, os objetos parecem perder a sua concretude. Luz, sombra e penumbra não são percebidas como claramente demarcadas umas das outras, mas enriquecem-se mutuamente com uma massa de novos tons, nuances e transições. Em suma, resolver problemas de corte neste caso torna-se muito importante.
Para um pintor, a iluminação é tão importante quanto o próprio motivo representado, ou melhor, um está indissociavelmente ligado ao outro. Assim, ao trabalhar um esboço ao ar, como se costuma dizer ao ar livre*, surgem problemas especiais que são de grande interesse. *(Do francês plein air - sob ar livre. O termo é usado nas artes visuais para se referir a imagens do ar livre).
O estudo dos sinos de campo foi feito sob luz solar direta. Sua massa total é facilmente contornada com tintas transparentes. Mas, mesmo assim, é percebido como volumoso. Ao longo da borda externa do buquê há sinos, como se fossem transparentes e leves. Alguns deles quase desaparecem em segundo plano, outros são lidos com mais clareza, mas não com nitidez.
O esboço é interessante para nós lado técnico execução. A pureza das cores e a impressão geral de frescura e riqueza são conseguidas pelo facto de o trabalho ser realizado sobre papel húmido e humedecido, abundantemente saturado com uma solução de tinta. Nos cursos de pintura da nossa escola, falamos com mais profundidade sobre as características dessa escrita.
Ao contrário do exercício anterior - um buquê de flores uniformes, faça também um pequeno buquê de flores de diferentes cores e formatos. Coloque-o sob luz difusa em uma sala contra uma parede clara e sem padrão. O buquê formará uma silhueta com certa força em relação ao fundo.
No desenho, contorne facilmente as flores que se projetam da massa total do buquê. Eles serão diferentes em contorno, forma e tamanho. Então, sempre comparando a intensidade do tom, comece a cobrir em partes na cor certa grupos separados de flores, tentando transmitir seu caráter. Não há necessidade de utilizar tinta integral para posteriormente poder reforçar algumas peças. Ao desenhar flores, evite contornos nítidos onde algumas flores tocam outras ou tocam a vegetação. Caso contrário, darão a impressão de rigidez e parecerão mais artificiais do que vivos. As flores, especialmente as silvestres, são sempre tenras, frágeis e trêmulas, e num esboço deve-se esforçar-se para transmitir essas qualidades.
Vejam o carinho e o amor com que são feitos o cacho de sabugueiro, as flores amarelas de linhaça, ao lado estão as folhas de camomila e de samambaia. Certifique-se de que a imagem não dê a impressão de ser plana, como se tivesse sido recortada e colada no papel como um aplique. Para evitar isso, é necessário determinar por comparação as características do buquê que tocam o fundo. Em algumas partes as flores se fundirão com ela em leveza ou até serão mais claras que ela, em outras formarão silhuetas de diferentes intensidades de contorno. Apesar da variedade de tonalidades que compõem um buquê de flores, ele não deve parecer variado, mas manter a compostura e a integridade de uma única tonalidade. Ao aprender a desenhar em uma escola de arte, recomendamos que os iniciantes às vezes apertem os olhos enquanto trabalham e olhem para o buquê ou para o esboço. Isso ajuda a ver os erros cometidos na solução tonal.
O próximo exercício desta lição de pintura foi elaborado para aprofundar as habilidades de trabalhar em um esboço rápido. O exercício define a tarefa, utilizando competências previamente adquiridas na técnica a la prima, de alcançar riqueza e colorido na pintura. É útil dedicar de uma a duas horas a cada um desses exercícios.
Para começar, você pode realizar uma tarefa semelhante ao estudo do morango. Aqui, como no esboço anterior, o autor ou utiliza as capacidades de um pincel extremamente saturado com solução de tinta, ou aplica pinceladas leves e transparentes de tintas puras, permitindo um mínimo de sua mistura. Como resultado, transmite-se a suculência e a suavidade dos frutos grandes e a impressão de serem permeados de luz.
O esboço com a caneca também é feito em forma de esboço rápido. A produção é interessante pela combinação de diversos objetos. O artista enfrenta nova tarefa- mostre o brilho do metal próximo à superfície brilhante da casca do tomate. As cores são limpas, claras, transparentes, a cor geral é clara. Portanto, a obra passa a impressão de frescor e espontaneidade.
Conseqüentemente, em esboços rápidos, a tarefa é estabelecer relações básicas de cores, contrastes básicos e transmitir iluminação. Tais estudos não requerem detalhes detalhados em todas as partes. Por exemplo, num bouquet com sinos, com uma solução generalizada de toda a massa do bouquet, vemos uma camomila e os contornos característicos dos próprios sinos delineados em silhueta.
Esses esboços podem ter significados subordinados e independentes. Subordinado - ao realizar um esboço preliminar antes de um esboço longo; independente - ao resolver problemas especiais de pintura (transmissão de condições de luz, combinações de cores) e, finalmente, quando você precisa capturar algum motivo para si mesmo, mas não há tempo para completá-lo com mais detalhes.
Em um curso de pintura Nova intenção artística Advertimos contra se deixar levar por esboços tão rápidos. Se a solução for generalizada, o esboço não deve perder suas características objetivas. Em suma, a generalidade não deve se tornar um fim em si mesma no desenho para iniciantes. Muito pelo contrário, com a sua ajuda tentamos expressar as propriedades mais características e típicas de um determinado objeto ou fenômeno.
Estudos de acrílico pintados por alunos durante aulas de arte no Artintenstudio.
O processo criativo e o resultado estão intimamente relacionados com a visão de mundo do artista. O quadro que ele cria envolve pensamentos, sentimentos, imaginação, habilidade e atitude diante do retratado.O artista busca sempre a solução mais expressiva para seu plano, pondera o enredo e a composição. As imagens que aparecem em seu imaginário têm origem objetiva, nascem das propriedades visíveis da realidade e possuem formas específicas. Portanto, o pintor, concretizando seu plano, volta-se para as propriedades dos objetos e fenômenos que percebe visualmente. Somente se houver autenticidade visual do que é retratado é que se pode expressar certos sentimentos, pensamentos e evocar experiências correspondentes no espectador, cujas ideias associativas estão conectadas com o mundo objetivo. Numa boa paisagem, o espectador verá não apenas objetos materiais, mas também o jogo natural de luz e cor, o brilho prateado do orvalho ou o jogo de cores no céu da manhã. Tal imagem evoca impressões esquecidas, faz a imaginação funcionar e ativa pensamentos e sentimentos associados a experiências passadas, a experiências anteriores. O impacto emocional e estético das pinturas está associado às peculiaridades desta percepção associativa.
Não se deve pensar que o autor de uma pintura, tentando alcançar a autenticidade visual da pintura, deva copiar mecanicamente a aparência da pessoa retratada. O trabalho acadêmico é caracterizado principalmente pelo conhecimento, estudo aprofundado e abrangente da natureza. Muitas vezes os esquetes educativos são muito “secos”, “fracionários”, “protocolares”, semelhantes entre si não só em termos de enredo e temática, mas também em execução técnica. Tudo isso é bastante natural, e a “secura” e a timidez do trabalho acadêmico não podem ser consideradas sinais de sua fraqueza ou da falta de talento criativo do autor.
Ao mesmo tempo, a atitude livre do aluno diante das tarefas do esboço, um certo “arrojado” não são sinais de criatividade, como às vezes se acredita. Os trabalhos educativos não são suficientemente emocionais, frescos e originais, porque ainda são imperfeitos artisticamente, uma vez que os alunos ainda não têm experiência, habilidade e não conhecem toda a variedade de meios para resolver um problema educativo ou implementar um plano. Somente com a experiência virá o livre domínio criativo da natureza e de suas leis, bem como a perfeição técnica.
É sobre trabalho educativo as tarefas educacionais atribuídas foram resolvidas de forma consistente e clara e, em conjunto com isso, os talentos criativos dos alunos foram nutridos e desenvolvidos.
Parte principal
A capacidade de ver e transmitir formas e cores tridimensionais de objetos em um plano é a essência da pintura. Essa habilidade é adquirida principalmente por meio de exercícios da natureza. Como mais um artista pinta esboços da vida, mais agudo se torna seu senso de cor, harmonia de cores e ritmo de linhas. Como resultado de exercícios constantes de representação de naturezas mortas, paisagens, cabeças humanas e figuras da natureza, desenvolve-se a observação, a capacidade de enfatizar o essencial, descartar o secundário e expressar as emoções causadas pela beleza da natureza circundante e pela diversidade de a vida é desenvolvida.
O caminho para o domínio começa com o estudo dos fundamentos teóricos da pintura e a realização sistemática de exercícios práticos. Sem o conhecimento das leis da pintura, o trabalho prático dos alunos é realizado às cegas e o aperfeiçoamento profissional fica mais lento.
Retratar é, antes de tudo, raciocinar. Ao começar a pintar, você precisa pensar bem em sua tarefa e definir claramente seu objetivo.
Leonardo da Vinci também disse que “aqueles que se apaixonam pela prática sem ciência são como criaturas contorcidas que navegam sem leme ou bússola, pois nunca podem ter certeza para onde estão indo. A prática deve sempre ser construída sobre uma boa teoria, e sem ela nada pode ser bem feito no caso da pintura."
Como pintar um esboço a óleo
(no site em breve está previsto assistir a um vídeo gratuito “Aulas de Pintura a Óleo”
Gostaria de descrever como aplico na prática os materiais e métodos de trabalho descritos acima. Por exemplo, foi selecionada a paisagem “Fim do Verão”.
No final do verão - início do outono, as folhas das árvores ficam amarelas e a grama ganha cores diferentes. As sombras das árvores ficam mais frias, com uma tonalidade roxa. Mais perto do horizonte, por causa do céu azul, as árvores e a vegetação parecem mais frias do que no verão quente. O outono é a época em que não se pode deixar passar um dia sem pintar ao ar livre. Para mim pessoalmente, duas ou três horas diárias de trabalho com tintas a óleo se transformam em minutos de completo equilíbrio mental, paz e harmonia com a natureza.
Para pintar esse esboço, precisei de uma tela tratada com gelatina e primer acrílico, previamente colada na pastilha. Resolvi fazer a pintura de base com tintas têmpera, então estocei materiais necessários para petróleo e pintura a têmpera. Fiz um visor em papel preto de acordo com o tamanho da tela preparada. Além do caderno, para maior conforto, levei comigo uma cadeira dobrável e um guarda-chuva.
Tendo escolhido a vista mais atraente da paisagem através do visor, tendo avaliado a composição e as relações tonais do futuro esboço, comecei a trabalhar.
Para pintar um retrato a óleo a partir de uma foto (), você precisará de um desenho preliminar e preciso a lápis. No meu caso, a construção da composição e o desenho preliminar na tela podem ser feitos com pincel kolinsky fino nº 2 e tinta têmpera ocre transparente. Usando um visor, determinei que o foco principal do esboço seria a vegetação. Com base nisso, coloquei a linha do horizonte acima do meio da tela. Para realçar a perspectiva da paisagem, bem como para equilibrar a composição, tracei uma estrada que se distancia.
Antes de iniciar a pintura de base com têmpera, fiz mentalmente o trabalho preparatório.
1. Examinou cuidadosamente as relações tonais da paisagem.
2. Defina as áreas mais claras e saturadas.
3. Determinou quais cores prevalecerão no esboço em primeiro plano, meio e fundo.
Para evitar erros na posterior construção tonal da obra, inicio a pintura de base com os fragmentos mais saturados da imagem, independentemente de se tratar de uma natureza morta ou figura humana. Em seguida escrevo do mais escuro para o mais claro. Muitas vezes acontece que o fundo branco da tela é o local menos saturado do esboço. Nestes casos, dou ao solo uma tonalidade quente ou fria, dependendo das circunstâncias e do local onde o quadro é pintado (na sala de aula ou ao ar livre).
Na paisagem “Fim do Verão” solução ideal foi a pintura de base, que começou com as árvores ao fundo. O fato é que a vegetação e a superfície da terra ao fundo eram claramente distinguidas por uma faixa azul-violeta e tinham um tom claro, próximo ao céu. Tintas usadas: azul celeste, violeta cádmio, vermelho-violeta napolitano, zinco e branco titânio na proporção de 1:1.
Acima das árvores próximas ao horizonte, o céu tinha uma tonalidade ocre-avermelhada e tornou-se o elemento mais claro da imagem em tom. Tintas usadas: Ocre dourado de Moscou, vermelho cádmio claro, branco. Esse contraste de tons quentes e frios no horizonte marcava a fronteira entre as árvores e o céu.
Darei trechos das anotações de D. Constable sobre o céu: “ Um pintor paisagista para quem o céu não é um dos as partes mais importantes composição, negligencia seu melhor assistente... O céu está muito tarefa difícil, tanto em termos de composição quanto de execução. Com todo o seu brilho, não deveria se projetar para frente, mas apenas evocar a ideia de uma distância infinita. Isto não se aplica, é claro, a fenômenos naturais raros ou efeitos de iluminação aleatórios, que sempre atraem atenção especial..."
Passando para o plano médio, usei tons mais contrastantes e saturados para as árvores e outras vegetações. Considerando perspectiva aérea, pintou a sombra e a luz com cores mais quentes. Cores de sombra usadas: violeta cádmio, azul celeste, âmbar queimado, luz vermelha de cádmio. Tintas usadas para luz: ocre amarelo, ocre dourado de Moscou, vermelho cádmio, limão amarelo cádmio, branco titânio.
No terreno mais próximo do observador, a grama e a estrada são ligeiramente mais claras e mais quentes que o tom das árvores. As seguintes tintas foram usadas aqui: ocre amarelo, Ocre dourado de Moscou, vermelho cádmio, amarelo cádmio limão, carmim, vermelho inglês, branco.
Essa pintura de base já dava ao futuro esboço uma perspectiva aérea e determinava a cor da obra.
Depois que a tinta têmpera secou, comecei a pintar com óleos.
Nesta fase do trabalho tive que:
1. “Enfatize” o volume da folhagem e dos troncos das árvores próximas.
2.Prepare o primeiro plano como base para o próximo.
3. Escreva detalhadamente o segundo plano do esboço.
4.Adicione, usando vitrificação, vários tons nos lugares certos do esboço.
Após a pintura de base com tintas têmpera, continuei com um esboço a óleo das árvores ao fundo. As sombras das árvores ganharam um contorno borrado por meio de uma mistura de cores. Tintas usadas: uva preta, branca, azul celeste; A luz foi mostrada com tintas amarelo limão, branco e azul celeste.
Com um pincel de cerdas nº 16 pintei o céu, utilizando o chamado alongamento do tom quente (próximo ao horizonte) ao frio e do claro ao escuro, para dar-lhe volume. Tintas usadas: azul celeste, azul FC, violeta cádmio, preto uva, branco. Prescrever o céu, aplicado camada de tinta em uma direção diagonal.
Conforme descrito acima, não deve haver dois traços idênticos na imagem (ver métodos pintura a óleo). Por isso, usei pincéis de vários tamanhos (de acordo com os fragmentos da obra).
A luz no primeiro plano e no fundo do esboço foi feita com pinceladas impasto usando uma espátula.
Depois de dar volume aos troncos das árvores e à vegetação de fundo, passei aos detalhes.
Na fase final da obra, bastou pintar com mais cuidado os galhos finos das árvores, a grama e os trechos da estrada com um pincel fino (nº 2).
Sucesso em atividade criativaé proporcionado, em primeiro lugar, àquele artista que, no desejo persistente de criar uma obra de arte, supera, apesar de várias dificuldades, quaisquer barreiras e obstáculos no seu caminho da vida. Lembre-se de Vincent Van Gogh... Afinal, este artista (e não só ele) provou que uma pessoa com sua perseverança e vontade de atingir seu objetivo é capaz de muito.
Um dia escultor famoso Michelangelo foi questionado: “Como você faz esculturas tão maravilhosas?” Ao que ele respondeu: “Eu pego uma pedra e corto tudo o que é desnecessário nela”. É quase a mesma coisa na pintura. Por analogia, basta colocar o tom de tinta desejado no local correspondente da tela... Desta forma o artista poderá transmitir seus sentimentos e pensamentos, revelando ao espectador uma nova realidade. Mas para saber como, o que e onde colocar o tom da tinta é preciso trabalhar e se desenvolver muito, estudar e amar pintar.
Maioria melhor professora para um pintor é a natureza, e ninguém pode ensinar mais do que a natureza. Os professores apenas orientam, aconselham e ensinam ao artista iniciante os fundamentos da pintura e compartilham suas próprias observações. Onde quer que você esteja, o que quer que sinta e qualquer que seja o seu humor, procure sempre perceber na realidade ao seu redor aquilo que, à primeira vista, lhe parece desinteressante. pessoa comum. Observe e compare as relações tonais do céu e do solo, das cores de fundo e de primeiro plano. Fazer esboços rápidos da natureza todos os dias e em nenhuma circunstância os destrua posteriormente. Mesmo que alguns deles não tenham saído da maneira que você idealmente os vê.
Tente imaginar-se no papel de um naturalista que estuda os fenômenos naturais e os hábitos dos animais; um fisionomista que estuda as características estruturais e expressões faciais das pessoas na tentativa de adivinhar e determinar seus traços de caráter.
O artista deve refletir o seu tempo na tela e ao mesmo tempo ser capaz de se expressar, o que exige a sua constante abertura ao mundo que o rodeia.
Preste mais atenção nas pessoas que o cercam: pantomima, expressões faciais, estilo de roupa (faça esboços rápidos).
Para expandir seus horizontes profissionais, tente visitar o maior número mais exposições e museus, estudam reproduções de grandes pintores, leem literatura diversa.
Mostrei meu conjunto compacto para esboços rápidos em aquarela (escreverei sobre esboços de longa duração na próxima semana), agora é a vez de falar sobre esboços a óleo. Também aqui tudo depende das tarefas: para grandes obras Pego um tripé Mabef e um porta-telas para vários esboços curtos - uso um pequeno caderno de desenho Podolsk com pernas, alterando-o ligeiramente para me adequar, mas esta é uma opção de caminhada. Tenho algum tempo, então corri até o parque e fiz um esboço. Ou fui fazer um piquenique com amigos e enquanto todos estendiam a manta, cortavam tomates - rapidamente capturei o momento. Fui mostrar para a mãe do Repino: ela estava caminhando na orla, eu estava pintando. Desenhei isso na hora do almoço :)
Outra opção pode ser chamada de urbana. São Petersburgo fica lotada de turistas durante a temporada. Concordo, poucas pessoas gostam de trabalhar quando várias pessoas ficam atrás delas e respiram fundo, perguntam alguma coisa, aconselham... É simplesmente impossível se concentrar na tarefa. Não estou falando só de desenho, estou falando de qualquer tipo de trabalho. Na pintura, o artista também resolve problemas: como transmitir a luz, onde é melhor colocar um arbusto, como atrair a atenção do futuro espectador para mais fundo na obra. Futuro! Mas no processo de desenho, nem todo mundo está pronto para “ficar nu” e mostrar “nos bastidores”, a sequência de seus pensamentos. E mesmo que digam mil vezes, é preciso se acostumar a atrair multidão, mas não funciona! Nós precisamos começar de algum lugar. Acostume-se) Eu começo, e durante a temporada turística de São Petersburgo continuo com a caixa Jullian.
A vantagem mais importante é que ele não chama tanto a atenção quanto um caderno normal com pernas. Você está em uma rua barulhenta com um tripé e pronto, você é um herói! Eles tiram selfies com você, tiram fotos dos seus rabiscos, perguntam por que o amarelo está ali, contam suas histórias... ah:((((Tento criar as condições mais confortáveis para mim ao ar livre. Sobre lifehacks. Com a caixa Jullian tudo é mais simples: basta pegar uma cadeira e sentar de costas para casa ou, por exemplo, em Jardim de verão abrace os arbustos. Ela abriu o caderno de joelhos e - em frente! A tela sobre papelão 25x35 cm fica escondida de olhares indiscretos, é impossível ficar atrás dela, é muito difícil olhar para dentro (é preciso um pescoço de girafa). E se você também escolher roupas cinza-bege-verde, poderá facilmente se misturar ao ambiente :) Mínimo de espectadores e máxima concentração no processo.
Grande e ousado plus tais cadernos de desenho - a preparação para a pintura não leva muito tempo. Basta abrir a tampa e espremer as tintas (não gosto de fazer isso com antecedência; muitos tubos contêm óleo líquido esfoliado; quando você chega lá, algumas tintas saem). Eu estava cansado ou uma multidão de turistas finalmente chegou até mim, fechou a tampa e saiu.
Peso da caixa 2,5 kg. Dimensões: 42 x 29 x 9 cm No interior existem compartimentos revestidos de metal que são fáceis de limpar do óleo, que mancha tudo ao seu redor))) Feito perfeitamente pelos franceses. Eu não peguei a Rússia ou a China, porque... Adoro coisas feitas com alta qualidade e com sabedoria. Quando todos os fechos se encaixam suavemente e a tampa está bem fixada na posição correta (por si só, sem parafusos), a mala em si é feita de faia, uniformemente (!) envernizada, com uma confortável alça de couro. Bem, em geral, você me entende 🙂 há todo tipo de coisas que usamos com frequência e se forem pensadas nos mínimos detalhes, então esta é uma emoção à parte.
O que há dentro?
- Tela em papelão 25x35 ou você pode comprar papelão grande e cortar nos tamanhos desejados
- Paleta (ao fechar a caixa ela fica bem fixada com tampa)
- Lenços de papel (se sujar, tenha-os à mão)
- Rag (eu limpo meus pincéis)
- Facas de paleta (pinto com uma e limpo a paleta com a outra)
- Pequenos tubos com Pintura a óleo em uma bolsa de cosméticos (não gosto quando eles se movem na gaveta e fazem barulho ao andar)
- Sacos de lixo)
- Lata de óleo
- Uma caixa com alfinetes (antes do trabalho coloco imediatamente no papelão, depois de desenhar coloco o papelão voltado para a tampa, para que os botões protejam a tampa da tinta do desenho. Não coloco o desenho voltado para a paleta, porque a tinta que não foi limpa pode passar para o esboço escrito). Veja a foto no início da nota para ver a aparência dos botões. Também estou transferindo vários esboços: você precisa colar botões nos cantos de cada um, empilhar os esboços uns sobre os outros e colocá-los em uma caixa.
- Em uma garrafa de plástico (isto é de gel de banho de algum hotel) - óleo de linhaça ou uma camiseta (geralmente escrevo nela)
- Pincéis
Oh sim! Sobre os contras Eu esqueci de dizer! Sentado, tenho apenas um ponto de vista: há um pequeno plano horizontal aberto, e se sou atraído pelas sombras abertas das árvores no beco que se estendem ao longe, então preciso pegar um tripé ou procurar outro assunto .
O resto é tudo positivo. E mais longe! Quando pinto um quadro em casa em uma tela grande em várias sessões, guardo em uma gaveta uma paleta com tintas já espremidas para que não sequem.
Comprei há alguns anos no Art Quarter e impressionei o pobre consultor, que me mostrou caixas diferentes por algumas horas: colocamos papelão diferente dentro, calculamos quantos esboços caberiam, colocamos um monte de pincéis, pesou-os, abriu-os e fechou-os. Mas é assim que deveria ser. Tentei de tudo, certifiquei-me de que o caderno me agradava 100% e saí satisfeito. Eu nunca me arrependi disso. Então, atormente os consultores)
Questões? Sobre o que você esqueceu de escrever?
Atualização. Muito obrigado pelas suas perguntas No instagram! Adições apareceram.
O papelão, infelizmente, não fica preso de forma alguma, mas pinto esboços rápidos com fluidez, em uma camada fina. Normalmente, com impasto ou escrita expressiva, a tela treme) Por isso divido meus kits de acordo com as tarefas: pintura sólida - caderno de desenho com pernas ou tripé, pintura rápida- Caixa Jullian.
Como faço para não me sujar? verso esboços de tintas na paleta? Sim, esqueci de esclarecer que costumo espremer um pouco de óleo para desenhar e pintar com líquido. Insiro os botões para que saiam do outro lado e depois as perninhas protegem o desenho do óleo. Não, a paleta não estava arranhada) Não sei porque) Provavelmente um bom revestimento. É fácil de limpar. Se espremi muito óleo, coloco o papelão com pernas de plástico próximo à paleta. Se tiver muito, muito, então pego uma caixa de metal para bombons e coloco o resto lá. E quando fui a Vyborg fazer esboços e escrevi muito (a caixa não cabe mais que 2), usei um saco de papel grosso de alguma boutique e coloquei de 4 a 5 esboços com esses botões lá. Transportado separadamente.
A palavra "etude" é uma transcrição russa exata do termo francês "étude", que na tradução desta língua significa "aprendizado" ou "pesquisa". Esta palavra em russo tem vários significados bastante diferentes entre si e concentram-se principalmente no campo da arte. No entanto, a impressão do significado original do original francês é perceptível em todos os sentidos da palavra.
Esboço na pintura
Um dos significados mais comuns que as pessoas têm em mente quando dizem a palavra “estudo” refere-se ao campo da pintura. Nesse sentido, significa uma obra que geralmente é feita a partir da vida e pode ser paisagem, natureza morta, retrato ou outro gênero. Artes visuais, com base no reflexo da realidade. Muitas vezes um esboço é chamado de desenho, cujo grau de elaboração não é muito alto, pois serve como uma das opções para o futuro trabalho finalizado. Portanto, um artista sério, via de regra, faz vários esboços para uma grande obra.No campo da pintura, a palavra “estudo” também tem um significado adicional, mais relacionado ao significado original do original francês. Assim, um esboço às vezes significa uma sessão de treinamento, cujo objetivo é criar um esboço artístico para uma futura pintura.
Estude música e teatro
A palavra "estudo" também é usada para significar obras musicais, que, por sua vez, possuem características pronunciadas. Portanto, este trabalho geralmente tem curta duração e é escrito para um instrumento musical ou vozes. Seu principal objetivo geralmente é desenvolver as habilidades técnicas do intérprete.A palavra “estudo” tem significado semelhante no ambiente teatral: é uma produção de pequena escala em que se espera a participação de um número limitado de atores, e é utilizada para desenvolver a técnica de atuação. Ao mesmo tempo, um esboço em ambiente teatral inclui na maioria das vezes uma parte significativa baseada na improvisação, o que permite melhorar o desempenho dos atores.
