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Belas artes do classicismo e do rococó. Belas artes do classicismo e rococó de Nicolas Poussin

Nicolo Poussin é um artista do classicismo - Sua obra é considerada o ápice do classicismo na pintura. Ele via seu ideal de beleza na proporcionalidade das partes do todo, na ordem externa da harmonia e clareza das formas. Suas pinturas se distinguem por uma composição equilibrada, um sistema rígido e matematicamente verificado de organização do espaço, um desenho cinzelado, surpreendente senso de ritmo, baseado na antiga doutrina dos modos musicais. O principal critério de Poussin é a razão e o pensamento na verdade e na beleza artística: criar da maneira "como a natureza e a razão ensinam".

Tópicos: feitos heróicos e atos baseados em altos motivos cívicos. Batalhas, divino. O principal tema da arte é aquele que está associado à ideia do sublime e do belo, que pode servir de modelo e meio de educar as melhores qualidades morais de uma pessoa. Poussin dedicou sua obra à glorificação de um pessoa heroica. Seus heróis favoritos são pessoas de alta moralidade.

Nos temas históricos, Poussin buscou aqueles em que houvesse ação, movimento e expressão. Ele começou a trabalhar no quadro com um estudo cuidadoso da fonte literária. A ideia de classicismo, em sua opinião, deveria refletir a composição do quadro. Ele contrastou a improvisação com um arranjo cuidadosamente considerado de figuras, figuras principais e grupos principais. O espaço deve ser facilmente visível, os planos devem seguir-se claramente. Para a ação em si, apenas uma pequena área deve ser alocada primeiro plano. Na maioria das pinturas, o Artista utiliza a proporção áurea, quando o ponto de intersecção das diagonais do quadro é o seu centro semântico mais importante. sempre com ele Caderno, no qual ele inseriu o que lhe interessava. Em sua obra, ele passou do geral ao particular.

Ele não estava interessado em figuras ou detalhes individuais, mas no arranjo dos grupos principais. A disposição dos grupos foi verificada com auxílio de estatuetas de cera e iluminação especial. O sistema compositivo das pinturas de Poussin foi construído a partir de dois princípios: o equilíbrio das formas (construindo grupos ao redor do centro) e a razão livre (afastando-se do centro), o que permitia alcançar a impressão de ordem, liberdade e mobilidade do composição. Preste atenção à cor. Da escuridão à luz. O céu e as sombras do fundo são sutis. Ele preferia ultramarino, azul cobre, amarelo e ocre vermelho, verde e cinábrio a muitas cores. Usei um sistema de reflexos: uma cor intensa no centro da composição geralmente vem acompanhada de cores suaves e neutras.

Há muito se observou com razão que a expressividade emocional inerente ao sistema de cores das obras de Poussin está associada à expressividade da música. Autor de inúmeras pinturas sobre temas mitológicos, históricos, religiosos e paisagísticos. "Arcadian Shepherds" - a composição da imagem é simples e lógica. Os personagens estão agrupados perto da lápide representada no primeiro plano da imagem. Suas figuras, que lembram esculturas antigas, plástico, os movimentos dos heróis são ritmicamente coordenados entre si por um gesto simbólico das mãos.

A maioria das pinturas criadas por Poussin em temas mitológicos pertence às obras-primas da arte mundial "Colhendo o maná no deserto" "Adoração do bezerro de ouro" "Moisés derramando água da rocha" "Julgamento de Salomão" "Descida da cruz" Ele realmente foi "um dos inovadores mais ousados conhecido da história da pintura" (E . Delacroix).

Belas artes do classicismo e rococó

Nicolas Poussin - pintor classicista

Ponto culminante do classicismo na pintura, a Academia Francesa proclamou a obra do artista Nicolas Poussin(1594-1665). Durante sua vida, ele foi chamado de "o mais habilidoso e experiente dos mestres contemporâneos pincéis”, e após sua morte foi declarado “um farol da pintura francesa”.

Sendo um expoente vívido das ideias do classicismo, Poussin desenvolveu um método criativo baseado em própria representação sobre as leis da beleza. Ele viu seu ideal na proporcionalidade das partes do todo, na ordem externa, harmonia e clareza das formas. Suas pinturas se distinguem por uma composição equilibrada, um sistema rígido e matematicamente verificado de organização do espaço, um desenho preciso e um incrível senso de ritmo baseado na antiga teoria dos modos musicais.

Segundo Poussin, os principais critérios de verdade e beleza artística são a razão e o pensamento. Isso é o que ele pediu para criar da maneira "como a natureza e a razão ensinam". Na escolha dos temas, Poussin preferiu Feitos heróicos e ações baseadas em altos motivos cívicos, e não em paixões humanas básicas.

O principal tema da arte, segundo o artista, é o que está associado à ideia do sublime e do belo, que pode servir de modelo e meio de educar as melhores qualidades morais de uma pessoa. Poussin dedicou sua obra à glorificação de um homem heróico, capaz de conhecer e transformar a natureza pelo poder de uma mente poderosa. Seus heróis favoritos são pessoas fortes e obstinadas com alta qualidades morais. Muitas vezes se encontram em situações dramáticas que exigem compostura especial, grandeza de espírito e força de caráter. O pintor transmitiu seus sentimentos elevados por meio de posturas, expressões faciais e gestos.

Dos temas históricos, Poussin escolheu apenas aqueles em que havia ação, movimento e expressão. Ele começou a trabalhar na pintura com um estudo cuidadoso de uma fonte literária (a Sagrada Escritura, as Metamorfoses de Ovídio ou a Jerusalém Liberada de T. Tasso). Se atingisse os objetivos traçados, o artista não pensava na complexa vida interior dos personagens, mas no clímax da ação. A luta mental, as dúvidas e as desilusões foram relegadas para segundo plano. A fórmula usual do enredo de Poussin era a seguinte: "O dado está lançado, a decisão está tomada, a escolha está feita" (Yu. K. Zolotov).

As ideias do classicismo, em sua opinião, deveriam refletir a composição do quadro. Ele contrastou a improvisação com um arranjo cuidadosamente considerado de figuras individuais e grupos principais.

O espaço visual deve ser facilmente visível, os planos devem seguir-se claramente. Para a ação em si, apenas uma pequena área ao fundo deve ser alocada. Na maioria das pinturas de Poussin, o ponto de interseção das diagonais do quadro acaba sendo seu centro semântico mais importante.

O sistema compositivo das pinturas de Poussin foi construído sobre dois princípios: o equilíbrio das formas (a construção de grupos em torno do centro) e sua razão livre (afastamento do centro). A interação desses dois princípios possibilitou uma impressão extraordinária de ordem, liberdade e mobilidade da composição.

grande importância no sistema artístico de Poussin, a cor ocupa. A inter-relação dos sons das cores principais foi conseguida graças a um sistema de reflexos: uma cor intensa no centro da composição costuma ser acompanhada por cores suaves e neutras.

Nicolas Poussin é autor de inúmeras pinturas sobre temas mitológicos, históricos, temas religiosos assim como paisagens. Nelas quase sempre se encontram encenações polidas, cheias de reflexão e drama. Voltando-se para o passado distante, ele não recontou, mas recriou criativamente, repensou histórias conhecidas.

Pintura de N. Poussin "Pastores Arcade"- um dos pináculos da obra do artista, onde as ideias do classicismo encontraram uma concretização plena e vívida. Sente o desejo do autor pela clareza escultural das formas, completude plástica e precisão do desenho, clareza e equilíbrio. composição geométrica usando o princípio da proporção áurea. A severidade das proporções, o ritmo linear suave e claro transmitiam perfeitamente a severidade e a grandeza das ideias e personagens.

No centro da imagem encontra-se uma profunda pensamento filosófico sobre a fragilidade da existência terrena e a inevitabilidade da morte. Quatro pastores, moradores da feliz Arcádia (região no sul da Grécia, símbolo da prosperidade eterna, uma vida serena sem guerras, doenças e sofrimentos), acidentalmente encontram uma tumba entre os arbustos com a inscrição: “Iya estava na Arcádia. Mas agora não estou entre os vivos, assim como você, que está lendo esta inscrição, não estará. O significado dessas palavras os faz pensar... Um dos pastores humildemente curvou a cabeça, apoiando a mão na lápide. O segundo, ajoelhado, passa o dedo pelas letras, tentando ler a inscrição meio apagada.

O terceiro, sem tirar as mãos das tristes palavras, lança um olhar indagador ao companheiro. A mulher à direita também olha calmamente para a inscrição. Ela pôs a mão no ombro dele, como se tentasse ajudá-lo a aceitar a ideia de um fim inevitável. Assim, a figura da mulher é percebida como o foco da paz espiritual, aquele equilíbrio filosófico ao qual a autora traz o espectador.

Poussin está claramente se esforçando para criar imagens generalizadas próximas aos cânones da beleza antiga: elas são realmente fisicamente perfeitas, jovens e cheias de força. As figuras, em muitos aspectos semelhantes a estátuas antigas, são equilibradas no espaço. Em sua escrita, o artista usou claro-escuro expressivo.

profundo ideia filosófica, subjacente à imagem, é expressa de forma cristalina e rigorosamente clássica. Como no relevo romano, a ação principal ocorre em uma área relativamente rasa do primeiro plano. A composição da imagem é extremamente simples e lógica: tudo é construído em um ritmo cuidadosamente pensado de movimentos equilibrados e está subordinado ao mais simples formas geométricas alcançado devido à precisão do cálculo matemático. As personagens estão agrupadas quase simetricamente perto da lápide, ligadas pelo movimento das mãos e pela sensação de uma pausa prolongada. O autor consegue criar uma imagem de um mundo ideal e harmonioso, organizado de acordo com as leis superiores da mente.

O sistema colorístico das pinturas de Poussin geralmente se baseava na crença do autor de que a cor é o meio mais importante para criar volume e profundidade do espaço. A divisão em planos era geralmente enfatizada pela consonância de cores fortes. O primeiro plano era geralmente dominado por amarelo e cores marrons, no segundo - quente, verde, no terceiro - frio, principalmente azul. Nesta foto, tudo está sujeito às leis da beleza clássica: o choque de cores do céu frio com o primeiro plano quente e a beleza da nudez corpo humano, transmitida mesmo em iluminação difusa, foi percebida de forma especialmente eficaz e sublime contra o pano de fundo da exuberante folhagem verde de uma paisagem serena.

Em geral, a imagem estava imbuída de um sentimento de tristeza oculta, paz e paz de espírito idílica. Uma reconciliação estóica com o destino, uma aceitação sábia e digna da morte fez com que o classicismo de Poussin se relacionasse com a visão de mundo antiga. A ideia da morte não causava desespero, mas era percebida como uma manifestação inevitável das leis do ser.

Mestres do "gênero galante": pintura rococó

Os principais temas da pintura rococó são a vida requintada da aristocracia da corte, "festas galantes", imagens idílicas da vida do "pastor" contra o pano de fundo da natureza intocada, o mundo de casos amorosos complexos e alegorias engenhosas. A vida humana é instantânea e fugaz, por isso é preciso captar o “momento feliz”, pressa de viver e sentir. “O espírito de pequenas coisas charmosas e arejadas” (M. Kuzmin) torna-se o leitmotiv da obra de muitos artistas do “estilo real”.

Para a maioria dos pintores rococós, Vênus, Diana, ninfas e cupidos ofuscam todas as outras divindades. Todos os tipos de "banhos", "banheiros matinais" e prazeres instantâneos são agora quase o assunto principal da imagem. Nomes de cores exóticas estão na moda: “a cor da coxa de uma ninfa assustada” (corpórea), “a cor de uma rosa flutuando no leite” (rosa claro), “a cor do tempo perdido” (azul). Composições esbeltas e bem pensadas do classicismo dão lugar a um padrão elegante e sofisticado.

Antoine Watteau(1684-1721) contemporâneos chamavam de "o poeta do lazer descuidado", "o cantor da graça e da beleza". Em suas obras, ele capturou piqueniques em parques perenes, concertos musicais e teatrais no seio da natureza, confissões apaixonadas e brigas de amantes, encontros idílicos, bailes e bailes de máscaras. Ao mesmo tempo, há uma tristeza dolorosa em suas pinturas, uma sensação da transitoriedade da beleza e da efemeridade do que está acontecendo.

Uma das pinturas famosas do artista - "Peregrinação à Ilha de Citera", graças ao qual foi admitido na Real Academia de Pintura e Escultura e recebeu o título de "mestre das festividades galantes". Senhoras encantadoras e cavalheiros galantes reuniram-se na costa repleta de flores da baía do mar. Eles navegaram para a ilha de Cythera - a ilha da deusa do amor e da beleza Vênus (identificada com deusa grega amo Afrodite), onde ela, segundo a lenda, saiu da espuma do mar. O festival do amor começa com uma estátua representando Vênus e cupidos, um dos quais estende a mão para colocar uma guirlanda de louros na mais bela das deusas. Ao pé da estátua estão empilhados armas, armaduras, liras e livros - símbolos de guerra, artes e ciências. Bem, o amor realmente pode conquistar tudo!

A ação se desenrola como um filme, contando sequencialmente a caminhada de cada um dos casais apaixonados. Na relação entre as personagens, reina a linguagem das alusões: de repente

olhares lançados, o gesto convidativo de um leque nas mãos de uma menina, uma fala cortada no meio da frase... A harmonia do homem e da natureza se sente em tudo. Mas já é noite, o pôr do sol dourado colore o céu. A festa do amor se esvai, enchendo de tristeza a diversão despreocupada dos casais apaixonados. Muito em breve eles retornarão ao seu navio, que os levará de mundo irreal no mundo da realidade cotidiana. Um maravilhoso veleiro - o navio do amor - está pronto para navegar. Cores quentes e suaves, cores suaves, pinceladas leves que mal tocam a tela - tudo isso cria uma atmosfera especial de charme e amor.

E novamente eu amo a terra por

Quais são os raios do pôr do sol tão solenes,

Com um pincel leve Antoine Watteau

Tocou meu coração uma vez.

G. Ivanov

A pintura de Watteau pertence às verdadeiras obras-primas. Gilles (Pierrot), criado como um sinal para apresentações de comediantes itinerantes. Gilles é o personagem principal e favorito da comédia francesa de máscaras, em consonância com Pierrot, o herói da comédia italiana dell'arte. A criatura desajeitada e ingênua parece ter sido criada especialmente para o constante ridículo e truques do hábil e astuto Arlequim. Gilles é retratado em um terno branco tradicional com capa e chapéu redondo. Ele fica imóvel e perdido diante do espectador, enquanto outros comediantes se acomodam para descansar. Ele parece estar procurando um interlocutor que seja capaz de ouvi-lo e entendê-lo. Há algo de tocante e desprotegido na pose absurda do comediante com as mãos frouxamente abaixadas, o olhar fixo. Na aparência cansada e triste do bufão, espreitava o pensamento da solidão de uma pessoa forçada a divertir e entreter um público entediado. A abertura emocional do herói faz dele uma das imagens mais profundas e significativas da história da pintura mundial.

Artisticamente, a pintura é brilhante. A extrema simplicidade do motivo e da composição é aqui combinada com um desenho preciso e cuidadosamente pensado cores. O capuz branco fantasmagórico é pintado com pinceladas cuidadosas e ao mesmo tempo ousadas. Tons prateados pálidos cintilantes, lilás acinzentado, ocre acinzentado fluem e brilham, quebrando-se em centenas de destaques trêmulos. Tudo isso cria uma atmosfera incrível para a percepção de profundas significado filosófico pinturas. Como discordar da afirmação de um de seus contemporâneos: "Watto não escreve com tintas, mas com mel, âmbar derretido."

François Boucher(1703-1770) considerava-se um fiel aluno de Watteau. Alguns o chamavam de "o artista das graças", "Anacreon da pintura", "pintor real". Este viu nele um "artista hipócrita", "que tem tudo menos a verdade". Outros ainda comentaram com ceticismo: "Sua mão colhe rosas onde outros encontram apenas espinhos."

O pincel do artista pertence a vários retratos cerimoniais da amante do rei Luís XV, Marquesa de Pompadour. Sabe-se que ela patrocinou Bush, mais de uma vez encomendou-lhe pinturas sobre temas religiosos para residências de campo e mansões parisienses. na foto "Madame de Pompadour" a heroína é apresentada cercada por flores espalhadas e objetos luxuosos, reminiscentes de seus gostos artísticos e hobbies. Ela se reclina regiamente contra o pano de fundo de cortinas exuberantes e solenes. O livro em suas mãos é um claro indício de esclarecimento e compromisso com atividades intelectuais. A Marquesa de Pompadour agradeceu generosamente ao artista, nomeando-o primeiro como diretor da Manufatura Gobelin e depois como presidente da Academia de Artes, dando-lhe o título de "o primeiro pintor do rei".

Francois Boucher mais de uma vez se voltou para a representação de cenas frívolas, cujos personagens principais eram pastoras fofas e tímidas ou donzelas gordas e nuas na forma de Vênus e Diana mitológicas. Suas pinturas estão repletas de dicas ambíguas, detalhes picantes (a bainha levantada da saia de cetim do pastor, a perna levantada coquete de Diana no banho, o dedo pressionado nos lábios, o olhar eloquente e convidativo, os cordeiros agarrados às pernas dos amantes , beijando pombas, etc.). Bem, o artista conhecia muito bem a moda e os gostos de sua época!

Na história da pintura mundial, François Boucher continua sendo um magnífico mestre da cor e do desenho requintado. Composições espirituosas, ângulos incomuns de personagens, detalhes em cores ricas, reflexos brilhantes de cores transparentes aplicadas com pequenos traços leves, ritmos suaves e fluidos - tudo isso faz de F. Boucher um pintor insuperável. Suas pinturas se transformam em painéis decorativos, decoram os interiores exuberantes de salões e salas de estar, chamam para o mundo da felicidade, do amor e dos belos sonhos.

MHK, 11ª série

Lição #6

Arte do classicismo e rococó

D.Z.: Capítulo 6, ?? (pág. 63), tv. tarefas (p.63-65), tab. (p. 63) preencher o caderno

LIÇÕES OBJETIVAS

dar uma ideia da arte do classicismo, sentimentalismo e rococó;
expandir horizontes, habilidades de análise de gêneros de arte;
educar a autoconsciência e a autoidentificação nacional, o respeito pela criatividade musical do rococó.

CONCEITOS, IDEIAS

O. Fragonard;
classicismo;
G. Rigaud;
rococó;
sentimentalismo;
hedonismo;
rocaille;
mascarões;
V.L. Borovikovsky;
Império;
J. J. Rousseau

Verificando o conhecimento dos alunos

1. Quais são as características cultura musical barroco? Em que ela difere da música renascentista? Justifique sua resposta com exemplos específicos.

2. Por que C. Monteverdi é considerado o primeiro compositor barroco? Qual era a natureza reformista de sua obra? O que é característico do "Estilo Animado" de sua música? Como esse estilo se reflete em obras operísticas compositor? o que une criatividade musical K. Monteverdi com obras de arquitetura e pintura barrocas?

3. O que distingue a obra musical de J. S. Bach? Por que se costuma considerá-lo no âmbito da cultura musical do barroco? você já ouviu música de órgão J. S. Bach? Onde? Quais são suas impressões? Que obras do grande compositor são especialmente próximas de você? Por que?

4. Quais são as características da música barroca russa? Quais foram os concertos de partes do século XVII - início do século XVIII? Por que o desenvolvimento da música barroca russa está associado à formação escola de compositores na Rússia? Que impressão a música coral espiritual de M. S. Berezovsky e D. S. Bortnyansky causa em você?

Universal aprendendo atividades

 Avalie ; identificar formas e meios encontrar associações organizar e resumir
 definir as características essenciais dos estilos classicismo e rococó, correlacionam-nos com uma determinada época histórica;
explorar relações de causa e efeito , padrões de mudança nos modelos artísticos do mundo;
Avalie estética, espiritual e artística o valor da era cultural e histórica ;
identificar formas e meios expressão de ideias sociais e ideais estéticos da época no processo de análise de obras de arte do classicismo, rococó e sentimentalismo;
encontrar associações e diferenças entre as imagens artísticas do classicismo, barroco e rococó, apresentadas em Vários tipos arte;
caracterizar as principais características , imagens e temas da arte do classicismo, rococó e sentimentalismo;
formular hipóteses, dialogar , para argumentar seu próprio ponto de vista sobre os problemas formulados;
organizar e resumir adquiriu conhecimento sobre os principais estilos e tendências da arte dos séculos XVII-XVIII. (trabalhando com uma mesa)

ESTUDE NOVO MATERIAL

Estética do classicismo.
Rococó e sentimentalismo.

Atribuição de lição. Qual é o significado da estética do classicismo, arte rococó e sentimentalismo para a civilização e cultura mundial?

sub-perguntas

Estética do classicismo. Apelo à herança ancestral e aos ideais humanísticos do Renascimento. Desenvolvimento de programa estético próprio. O conteúdo principal da arte do classicismo e sua método criativo. Características do classicismo em várias formas de arte. Formação do sistema de estilo do classicismo na França e sua influência no desenvolvimento da cultura artística dos países da Europa Ocidental. O conceito do estilo Império.
Rococó e sentimentalismo *. Origem do termo "rococó". As origens do estilo artístico e suas características. Tarefas rococó (no exemplo de obras-primas de artes e ofícios). O sentimentalismo como um dos movimentos artísticos no quadro do classicismo. Estética do sentimentalismo e seu fundador J. J. Rousseau. A especificidade do sentimentalismo russo na literatura e na pintura (V. L. Borovikovsky)

Estética

classicismo

Novo Estilo de arte - classicismo(Latin classicus exemplar) - seguiu as realizações clássicas da Antiguidade e os ideais humanísticos do Renascimento.
Arte Grécia antiga E Roma antiga tornou-se para o classicismo principal fonte temas e tramas: apelos mitologia antiga e história, links para cientistas, filósofos e escritores autorizados.
De acordo com a tradição antiga, o princípio da primazia da natureza foi proclamado.

Levitsky D.G.

Retrato

Denis Diderot. 1773-1774 Museu de Arte e História da Cidade de Genebra, na Suíça.

"...estudar a Antiguidade para aprender a ver a Natureza"

(Denis Diderot)

Estética

classicismo

Princípios estéticos do classicismo:

1. Idealização da cultura e arte grega antiga, orientação para princípios morais e ideias de cidadania

2. Prioridade do valor educativo da arte, reconhecimento do protagonismo da mente no conhecimento do belo.

3. Proporcionalidade, rigor, clareza no classicismo são combinados com integridade, integridade imagens artísticas, universalismo e normatividade.

O conteúdo principal da arte do classicismo era a compreensão do mundo como um mecanismo racionalmente organizado, onde uma pessoa recebia um papel organizador significativo.

O. Fragonap. Retrato

Denis Diderot. 1765-1769 Louvre, Paris

Estética

classicismo

Método criativo do classicismo:

buscando clareza razoável, harmonia e simplicidade estrita;
aproximando-se de um reflexo objetivo do mundo circundante;
observância da correção e ordem;
subordinação do privado ao principal;
alto gosto estético;
contenção e calma;
racionalidade e lógica nas ações.

Claude Lorena. Partida da Rainha de Sabá (1648). Nacional de Londres Galeria de Arte

Estética

classicismo

Cada forma de arte foi

têm suas próprias características especiais:

1. A base da linguagem arquitetônica

classicismo torna-se ordem ( tipo

composição arquitetônica, usando

certos itens e

sujeito a uma certa arquitetura

processamento de estilo ) , muito mais

próximo em forma e proporção

arquitetura da antiguidade.

2. As obras de arquitetura distinguem

organização estrita

proporção e equilíbrio

volumes, geométricos

correção de linhas, regularidade

layouts.

3. A pintura é caracterizada : claro

delimitação de planos, rigor

desenho, meticulosamente elaborado

modelagem de luz e sombra de volume.

4. Papel especial na decisão

tarefa educacional desempenhada

literatura e principalmente teatro ,

tornou-se o mais difundido

arte desta época.

C. Persier, P.F.L. Foppep.

Arco do Triunfo na Place Carrousel em Paris. 1806 (estilo - Império)

Estética

classicismo

na era do reinado do "rei - o sol" Luís XIV (1643-1715), desenvolveu-se um certo modelo ideal de classicismo, que foi imitado na Espanha, Alemanha, Inglaterra e em países da Europa Oriental, América do Norte e América do Sul.
a princípio, a arte do classicismo era inseparável da ideia de monarquia absoluta e era a personificação da integridade, grandeza e ordem.

G. Rigaud. Retrato de Luís XIV.

1701 Louvre, Paris

Estética

classicismo

Catedral de Kazan em arco de São Petersburgo (1801-1811). UM. Voronikhin.

A arte na forma do chamado classicismo revolucionário serviu aos ideais da luta contra a tirania, pelo estabelecimento direitos civis personalidade consoante com a Revolução Francesa.
No último estágio de seu desenvolvimento, o classicismo

expressava os ideais do Império Napoleônico.

Ele encontrou sua continuação artística no estilo Império (do estilo francês Império - “estilo imperial”) - estilo tardio (alto)

classicismo na arquitetura e Artes Aplicadas. Originado em

França durante o reinado do imperador Napoleão I.

rococó e

Com e n T E m e n T A eu E h m

característica do século XVIII. na arte da Europa Ocidental tornou-se um fato indiscutível a existência simultânea do barroco, do rococó e do sentimentalismo com o classicismo.
Reconhecendo apenas a harmonia e ordem, o classicismo "endireitou" as formas bizarras da arte barroca, deixou de perceber tragicamente mundo espiritual pessoa, e transferiu o conflito principal para a esfera das relações entre o indivíduo e o Estado. O barroco, que sobreviveu a si mesmo e chegou à sua conclusão lógica, deu lugar ao classicismo e ao rococó.

O. Fragonard. Feliz

possibilidades de balanço. 1766

Wallace Collection, Londres

rococó e

Com e n T E m e n T A eu E h m

Nos anos 20. século 18 na França

formado um novo estilo arte -

rococó (fr. rocaille - concha). Já

o próprio nome revela

lar, recurso esse

estilo - paixão pelo requintado

E formas complexas, caprichoso

linhas, muito parecido

contorno da casca.

A concha então se transformou em

ondulação complexa com alguns

cortes estranhos, então em

decoração de escudo ou

pergaminho meio dobrado com

representação de um brasão ou emblema.

Na França, o interesse pelo estilo

Rococó enfraquecido no final da década de 1760

anos, mas nos países do Centro

Europa, sua influência foi

perceptível até finais do século XVIII

séculos.

Rinaldi rococó:

interiores do castelo de Gatchina.

Gatchina

rococó e

Com e n T E m e n T A eu E h m

lar objetivo da arte rococó - entregar sensualidade

prazer ( hedonismo ). A arte deveria ter

por favor, toque e divirta-se, transformando a vida em um sofisticado baile de máscaras e "jardins de amor".

Intrigas de amor complexas, hobbies fugazes, ações de heróis ousadas, arriscadas e desafiadoras da sociedade, aventuras e fantasias, entretenimento galante e feriados determinavam o conteúdo das obras de arte rococó.

Alegoria das belas artes,

1764 Óleo sobre tela; 103 x 130 cm. Rococó. França. Washington, Nacional galeria.

rococó e

Com e n T E m e n T A eu E h m

Traços característicos do estilo rococó em obras de arte:

graça e leveza, complexidade, requinte decorativo

e improvisação, pastoralidade (idílio do pastor), desejo pelo exótico;

Ornamento em forma de conchas e cachos estilizados, arabescos, guirlandas de flores, estatuetas de cupidos, cartelas rasgadas, máscaras;

uma combinação de luz pastel e tons delicados com muitos detalhes em branco e dourado;

o culto da bela nudez, que remonta à tradição antiga, sensualidade sofisticada, erotismo;

O culto das pequenas formas, intimidade, miniatura (especialmente em escultura e arquitetura), amor por ninharias e bugigangas (“ninharias encantadoras”) que preenchiam a vida de uma pessoa galante;

estética de nuances e sugestões, dualidade intrigante

imagens, transmitidas com a ajuda de gestos leves, meias-voltas,

movimentos de mímica quase imperceptíveis, um meio-sorriso, uma

olhar ou um brilho molhado nos olhos.

rococó e

Com e n T E m e n T A eu E h m

O estilo rococó atingiu seu maior auge nas obras

artes decorativas e aplicadas da França (interiores de palácios

e trajes da aristocracia). Na Rússia, manifestou-se principalmente na decoração arquitetônica - na forma de pergaminhos, escudos e intrincados conchas - rocaille (ornamentos decorativos, imitando

combinação de conchas bizarras e plantas bizarras), bem como maekaranov (máscaras de estuque ou esculpidas em forma de

rosto humano ou cabeça de animal colocado sobre janelas, portas, arcos, fontes, vasos e móveis).

rococó e

Com e n T E m e n T A eu E h m

sentimentalismo (fr. sentimento - sentimento). Em termos ideológicos, ele, como o classicismo, apoiou-se nas ideias do Iluminismo.

Um lugar importante na estética do sentimentalismo foi ocupado pela imagem do mundo dos sentimentos e experiências de uma pessoa (daí seu nome).

Os sentimentos eram percebidos como uma manifestação do princípio natural de uma pessoa, seu estado natural, possível apenas em contato próximo com a natureza.

Conquistas de uma civilização com muitos

tentações que corrompem a alma

"homem natural", adquirido

claramente hostil.

uma espécie de ideal

o sentimentalismo tornou-se a imagem do rural

cidadão que cumpriu a lei

natureza primitiva e viver em

harmonia absoluta com ela.

Tribunal Joseph-Desire (Jose-Desery Court). pintura. França

rococó e

Com e n T E m e n T A eu E h m

O fundador do sentimentalismo é considerado o educador francês J.J. Rousseau proclamando um culto

sentimentos naturais e naturais e

necessidades humanas, simplicidade e

cordialidade.

Seu ideal era sensível,

sonhador sentimental,

obcecado com as ideias do humanismo,

"pessoa física" com " alma bonita”, não corrompido pela civilização burguesa.

A principal tarefa da arte de Rousseau

vi ensinando as pessoas

virtudes, chame-as para o melhor

vida.

O pathos principal de suas obras

é um elogio dos sentimentos humanos, das grandes paixões que entraram em conflito com os preconceitos sociais e de classe.

Filósofo francês, escritor, pensador do Iluminismo. Também musicólogo, compositor e botânico. Nascimento: 28 de junho de 1712, Genebra. Faleceu em: 2 de julho de 1778 (66 anos), Ermenonville, perto de Paris.

rococó e

Com e n T E m e n T A eu E h m

É mais legítimo considerar o sentimentalismo como um dos movimentos artísticos que operaram no quadro do classicismo.

Se o Rococó se concentra na manifestação externa de sentimentos e emoções, então o sentimentalismo

destaca o interior

o lado espiritual da existência humana.

Na Rússia, o sentimentalismo encontrou sua personificação mais marcante na literatura e na pintura, por exemplo, na obra de V. L. Borovikovsky.

V.L. Borovikovsky. Lizynka e Dashinka. 1794 Estado

Galeria Tretyakov, Moscou

Perguntas de controle

1 . O que é programa estético arte clássica? Quais eram as conexões e diferenças entre a arte do classicismo e do barroco?

2. Que modelos da Antiguidade e do Renascimento seguiram a arte do classicismo? Quais ideais do passado e por que ele teve que desistir?

3. Por que o rococó é considerado o estilo da aristocracia? Que características correspondiam aos gostos e humores de seu tempo? Por que não havia lugar para a expressão de ideais cívicos? Por que você acha que o estilo rococó atingiu seu auge nas artes e ofícios?

4. Compare os princípios básicos do barroco e do rococó. É possível

5*. Em que ideias do Iluminismo se baseou o Sentimentalismo? Quais são seus principais focos? É correto considerar o sentimentalismo no quadro da grande estilo classicismo?

Tópicos para apresentações, projetos

"O papel da França no desenvolvimento da cultura artística europeia".
"Homem, Natureza, Sociedade no Programa Estético do Classicismo".
"Padrões da Antiguidade e do Renascimento na Arte Clássica".
"A Crise dos Ideais Barrocos e a Arte do Classicismo".
"Rococó e Sentimentalismo - Acompanhando Estilos e Correntes do Classicismo".
"Características do desenvolvimento do classicismo na arte da França (Rússia, etc.)".
"E. J. Rousseau como o fundador do sentimentalismo.
"O culto do sentimento natural na arte do sentimentalismo".
"O futuro destino do classicismo na história da arte mundial".

Hoje descobri...
Foi interessante…
Foi difícil…
Aprendi…
Eu fui capaz...
Eu estava surpreso...
Eu queria…

Literatura:

Programas para instituições de ensino. Danilova G. I. Mirovaya cultura artística. – M.: Abetarda, 2011
Danilova, G.I. Art / MHK. 11 células Um nível básico de: livro didático / G.I. Danilova. M.: Abetarda, 2014.
Kobyakov Ruslan. São Petersburgo

Nicolas Poussin - pintor classicista

Ponto culminante do classicismo na pintura, a Academia Francesa proclamou a obra do artista Nicolas Poussin(1594-1665). Durante sua vida, ele foi chamado de "o mais habilidoso e experiente dos mestres modernos do pincel" e, após sua morte, foi declarado "o farol da pintura francesa".

Sendo um vívido expoente das ideias do classicismo, Poussin desenvolveu um método criativo baseado em sua própria ideia das leis da beleza. Ele viu seu ideal na proporcionalidade das partes do todo, na ordem externa, harmonia e clareza das formas. Suas pinturas se distinguem pelo equilíbrio da composição, um sistema rígido e matematicamente verificado de organização do espaço, um desenho preciso, um incrível senso de ritmo baseado na antiga teoria dos modos musicais.

Segundo Poussin, os principais critérios de verdade e beleza artística são a razão e o pensamento. Isso é o que ele pediu para criar da maneira "como a natureza e a razão ensinam". Ao escolher os tópicos, Poussin preferiu feitos e feitos heróicos, baseados em altos motivos cívicos, em vez de paixões humanas básicas.

O principal tema da arte, segundo o artista, é aquele que está associado à ideia do sublime e do belo, que pode servir de modelo e meio de educar as melhores qualidades morais de uma pessoa. Poussin dedicou sua obra à glorificação do homem heróico, capaz de conhecer e transformar a natureza pelo poder de uma mente poderosa. Seus heróis favoritos são pessoas fortes e obstinadas com altas qualidades morais. Muitas vezes caem em situações dramáticas que exigem compostura especial, grandeza de espírito e força de caráter. O pintor transmitiu seus sentimentos elevados por meio de posturas, expressões faciais e gestos.

O espaço visual deve ser facilmente visível, os planos devem seguir-se claramente. Para a ação em si, apenas uma zona insignificante no fundo deve ser alocada. Na maioria das telas de Poussin, o ponto de interseção das diagonais do quadro acaba sendo seu centro semântico mais importante.

De grande importância no sistema artístico de Poussin é a cor. A inter-relação dos principais sons coloridos foi conseguida graças a um sistema de reflexos: uma cor intensa no centro da composição costuma ser acompanhada por cores suaves e neutras.

Nicolas Poussin é autor de inúmeras pinturas sobre temas mitológicos, históricos, religiosos, bem como paisagens. Nelas quase sempre se encontram encenações polidas, cheias de reflexão e drama. Voltando-se para o passado distante, ele não recontou, mas recriou criativamente, repensou histórias conhecidas.

Pintura de N. Poussin "Pastores Arcade"- um dos pináculos da obra do artista, onde as ideias do classicismo encontraram uma concretização plena e vívida. Mostra o desejo do autor pela clareza escultórica das formas, plenitude plástica e precisão do desenho, clareza e equilíbrio da composição geométrica, utilizando o princípio da seção áurea. O rigor das proporções, o ritmo linear suave e claro transmitiam perfeitamente a severidade e a grandeza das ideias e dos personagens.

A imagem é baseada em um profundo pensamento filosófico sobre a fragilidade da existência terrena e a inevitabilidade da morte. Quatro pastores, moradores da feliz Arcádia (região no sul da Grécia, símbolo da prosperidade eterna, uma vida serena sem guerras, doenças e sofrimentos), acidentalmente encontram uma tumba entre os arbustos com a inscrição: “Iya estava na Arcádia. Mas agora não estou entre os vivos, assim como você, que está lendo esta inscrição, não estará. O significado dessas palavras os faz pensar... Um dos pastores humildemente curvou a cabeça, apoiando a mão na lápide. O segundo, ajoelhado, passa o dedo pelas letras, tentando ler a inscrição meio apagada.

Poussin está claramente se esforçando para criar imagens generalizadas próximas aos cânones da beleza antiga: elas são realmente fisicamente perfeitas, jovens e cheias de força. As figuras, em muitos aspectos reminiscentes de estátuas antigas, são equilibradas no espaço. Em sua escrita, o artista usou claro-escuro expressivo.

A profunda ideia filosófica subjacente à imagem é expressa de forma cristalina e classicamente estrita. Como no relevo romano, a ação principal ocorre em uma área de primeiro plano relativamente rasa. A composição da imagem é extremamente simples e lógica: tudo é construído em um ritmo cuidadosamente pensado de movimentos equilibrados e está sujeito às formas geométricas mais simples alcançadas graças à precisão do cálculo matemático. Os personagens estão agrupados quase simetricamente perto da lápide, conectados pelo movimento de suas mãos e pela sensação de uma pausa contínua. O autor consegue criar uma imagem de um mundo ideal e harmonioso, organizado de acordo com as leis superiores da mente.

O sistema colorístico das pinturas de Poussin geralmente se baseava na crença do autor de que a cor é o meio mais importante para criar volume e profundidade do espaço. A divisão em planos era geralmente enfatizada pela consonância de cores fortes. Em primeiro plano, geralmente prevaleciam as cores amarela e marrom, no segundo - quente, verde, no terceiro - frio, principalmente azul. Nesta foto, tudo está sujeito às leis da beleza clássica: o choque de cores do céu frio com o primeiro plano quente, e a beleza do corpo humano nu, transmitida em iluminação difusa, foi percebida de forma especialmente eficaz e sublime contra o pano de fundo das folhas verdejantes da paisagem serena.

Em geral, a imagem estava imbuída de um sentimento de tristeza oculta, paz e paz de espírito idílica. Uma reconciliação estóica com o destino, uma aceitação sábia e digna da morte deu origem ao classicismo de Poussin com uma visão de mundo antiga. A ideia da morte não causava desespero, mas era percebida como uma manifestação inevitável das leis do ser.

Mestres do "gênero galante": pintura rococó

Para a maioria dos pintores rococós, Vênus, Diana, ninfas e cupidos ofuscam todas as outras divindades. Todos os tipos de "banhos", "banheiros matinais" e prazeres instantâneos são agora quase o assunto principal da imagem. Nomes de cores exóticas estão na moda: “a cor da coxa de uma ninfa assustada” (carne), “a cor de uma rosa flutuando no leite” (rosa claro), “a cor do tempo perdido” (azul). Composições esbeltas e bem pensadas do classicismo dão lugar a um padrão elegante e sofisticado.

Antoine Watteau(1684-1721) contemporâneos chamavam de "o poeta do lazer descuidado", "o cantor da graça e da beleza". Em suas obras, ele capturou piqueniques em parques perenes, concertos musicais e teatrais no seio da natureza, confissões apaixonadas e brigas de amantes, encontros idílicos, bailes e bailes de máscaras. Ao mesmo tempo, há uma tristeza pungente em suas pinturas, uma sensação de transitoriedade da beleza e da natureza efêmera do que está acontecendo.

Uma das pinturas famosas do artista - "Peregrinação à ilha de Citera", graças ao qual foi admitido na Real Academia de Pintura e Escultura e recebeu o título de "mestre das festividades galantes". Senhoras encantadoras e cavalheiros galantes reuniram-se na costa repleta de flores da baía do mar. Eles navegaram para a ilha de Cythera - a ilha da deusa do amor e da beleza Vênus (identificada com a deusa grega do amor Af-rodite), onde, segundo a lenda, ela emergiu da espuma do mar. A celebração do amor começa em uma estátua representando Vênus e cupidos, um dos quais estende a mão para colocar uma guirlanda de louros na mais bela das deusas. Ao pé da estátua estão armas, armaduras, uma lira e livros - símbolos de guerra, artes e ciências. Bem, o amor realmente pode conquistar tudo!

A ação se desenrola como um filme, contando sequencialmente a caminhada de cada um dos casais apaixonados. Na relação dos personagens, reina a linguagem das alusões: de repente

olhares lançados, um gesto convidativo de leque nas mãos de uma menina, uma fala cortada no meio da frase ... Em tudo sente-se a harmonia do homem e da natureza. Mas já é noite, o pôr do sol dourado colore o céu. A festa do amor se esvai, enchendo de tristeza a diversão despreocupada dos casais apaixonados. Muito em breve eles retornarão ao seu navio, que os levará do mundo irreal ao mundo da realidade cotidiana. Um maravilhoso veleiro - o navio do amor - está pronto para navegar. Cores quentes e suaves, cores suaves, pinceladas leves que mal tocam a tela - tudo isso cria uma atmosfera especial de charme e amor.

E novamente eu amo a terra por

Quais são os raios do pôr do sol tão solenes,

Com um pincel leve Antoine Watteau

Tocou meu coração uma vez.

G. Ivanov

A pintura de Watteau pertence às verdadeiras obras-primas. Gilles (Pierrot), criado como um sinal para apresentações de comediantes itinerantes. Gilles é o personagem principal e favorito da comédia francesa de máscaras, em consonância com Pierrot, o herói da comédia italiana dell'arte. A criatura desajeitada e ingênua parece ter sido criada especialmente para o constante ridículo e truques do esperto e astuto Arlequim. Gilles é retratado em um terno branco tradicional com capa e chapéu redondo. Ele fica imóvel e perdido diante do espectador, enquanto outros comediantes se acomodam para descansar. Ele parece estar procurando um interlocutor que seja capaz de ouvi-lo e entendê-lo. Há algo de tocante e desprotegido na pose ridícula de um comediante com as mãos frouxamente abaixadas, olhar fixo. Na aparência cansada e triste de um bufão, escondia-se o pensamento da solidão de uma pessoa forçada a divertir e entreter um público entediado. A abertura emocional do herói faz dele uma das imagens mais profundas e significativas da história da pintura mundial.

Artisticamente, a imagem é brilhantemente executada. A simplicidade final do motivo e da composição é combinada aqui com um padrão preciso e um esquema de cores cuidadosamente pensado. O capuz branco fantasmagórico é pintado com pinceladas cuidadosas e ao mesmo tempo ousadas. Prata pálida cintilante, cinza-lilás, tons de ocre acinzentado fluem e brilham, quebrando-se em centenas de destaques trêmulos. Tudo isso cria uma atmosfera incrível para a percepção do profundo significado filosófico da imagem. Como discordar da afirmação de um de seus contemporâneos: "Watto não escreve com tintas, mas com mel, âmbar derretido."

O pincel do artista pertence a vários retratos cerimoniais da favorita do rei Luís XV, a marquesa de Pompadour. Sabe-se que ela patrocinou Bush, mais de uma vez encomendou-lhe pinturas sobre temas religiosos para residências de campo e mansões parisienses. na foto "Madame de Pompadour" a heroína é apresentada cercada por flores espalhadas e objetos luxuosos, reminiscentes de seus gostos artísticos e hobbies. Ela se reclina regiamente contra o pano de fundo de cortinas exuberantes e solenes. O livro em suas mãos é um claro indício de esclarecimento e compromisso com atividades intelectuais. A Marquesa de Pompadour agradeceu generosamente ao artista, nomeando-o primeiro como diretor da Manufatura Gobelin e depois como presidente da Academia de Artes, dando-lhe o título de "o primeiro pintor do rei".

François Boucher mais de uma vez se voltou para a representação de cenas frívolas, cujos personagens principais eram pastores fofos e tímidos ou encantos nus e rechonchudos na forma de Vênus e Diana mitológicas. Suas pinturas estão repletas de dicas ambíguas, detalhes picantes (a bainha levantada da saia de cetim do pastor, a perna levantada coquete de Diana no banho, o dedo pressionado na boca, o olhar eloquente e convidativo, os cordeiros agarrados às pernas dos amantes , beijando pombas e etc.). Bem, o artista conhecia muito bem a moda e os gostos de sua época!

Perguntas e tarefas

1. Por que a obra de N. Poussin é considerada o ápice do classicismo na pintura? Qual foi o motivo da proclamação do culto deste mestre? Quais tópicos e por que ele preferiu? Você poderia provar a validade da avaliação artista francês J. L. David, que falou de Poussin como um mestre “imortal” que “perpetuou na tela as mais exaltadas lições de filosofia”?

2. Poussin observou: “Para mim, não há ninharias que possam ser negligenciadas ... Minha natureza me leva a buscar e amar coisas perfeitamente organizadas, evitando a desordem, que é tão repugnante para mim quanto a escuridão é para a luz”. Que corporificação esse princípio encontra na obra do artista? Como isso se compara com a teoria do classicismo que ele desenvolveu?

3. O que une os maiores mestres do "gênero galante" - A. Watteau e F. Boucher? Qual é a diferença deles? Boucher pode ser chamado de um verdadeiro aluno de Watteau?

oficina criativa

1. Compare autorretratos de artistas que você conhece com o "Autorretrato" de Poussin. O que exatamente faz esta peça se destacar? Pode-se argumentar que é feito de maneira clássica?

2. Conheça a pintura de Poussin "A Morte de Germânico", que lhe trouxe fama e é considerada a obra programática do classicismo. Quais recursos sistema de arte esse estilo refletido nele? Quão legítima é a afirmação de que “esta imagem seria suficiente para manter o nome de Poussin na eternidade” (A. Fusli)?

3. Realizar um estudo da evolução da paisagem na obra de Poussin. O que é papel artístico? Por que você acha que a natureza "como ela é" não satisfez o artista e ele nunca pintou paisagens da natureza? Como em suas obras o contraste entre a existência eterna da natureza e a curta duração é transmitido vida humana? Por que a presença do homem é sempre sentida em suas paisagens? Por que em muitas pinturas você pode ver figuras humanas solitárias olhando para o espaço ao redor? Por que muitas vezes são trazidos à tona e seu olhar é fixado nas profundezas da paisagem?

4. E. Delacroix via em N. Poussin "um grande pintor que entendia mais de arquitetura do que de arquitetos". Quão justo é esse ponto de vista? Pode-se argumentar que a arquitetura na maioria das vezes se torna o principal e guloseima Suas obras? Você concorda que Poussin frequentemente organiza o espaço de acordo com os princípios de uma performance teatral clássica?

5. É possível provar a validade das palavras de um dos pesquisadores de que “na arte material, Watteau milagrosamente conseguiu expressar o que parecia acessível apenas à música”? É assim? Ouvir a música compositor francês F. Couperin (1668-1733). Até que ponto está em consonância com as obras do artista, até que ponto expressou o gosto e o estado de espírito da época rococó?

6. O educador francês Denis Diderot criticou ironicamente a obra de Boucher: “Que cores! Que variedade! Que riqueza de objetos e ideias! Este homem tem tudo, menos a verdade... Que lixo de objetos heterogêneos! Você sente toda a sua falta de sentido; e você não consegue tirar os olhos da foto. Ela o atrai e, involuntariamente, você volta para ela. Este é um po-rock tão agradável, esta é uma loucura tão inimitável e rara. Tem muita imaginação, efeito, magia e leveza!” Que avaliações de Diderot você compartilha e com o que você discorda? Por que?

Tópicos de projetos, resumos ou mensagens

"Nicolas Poussin e a Antiguidade: o heroísmo das tramas e das imagens"; “O papel artístico e a evolução da paisagem na obra de Poussin”; "Motivos arquitetônicos na obra de Poussin"; "Antecessores e seguidores de Poussin"; "A criatividade de Poussin e as tradições do teatro do classicismo"; “Mestres do “gênero galante” (pintura rococó)”; "A. Watteau é um pintor de alegria e tristeza”; "O domínio da cor nas obras de A. Watteau"; "Teatricidade e musicalidade da pintura de A. Watteau"; “O “Artista das Graças” de F. Boucher”; "Traços característicos da arte decorativa e aplicada do Rococó".

Livros para leitura complementar

Alemão M. Yu Watteau. M., 2001.

Glikman A. S. Nicolas Poussin. EU.; M., 1964.

Daniel S. M. Rococó. De Watteau a Fragonard. SPb., 2007.

Zolotov Yu. K. Poussin. M., 1988.

Kantor A. M. e outros Arte do século XVIII. M., 1977. (Pequena história das artes).

Kaptereva T., Bykov V. Arte da França no século XVII. M., 1969.

Kozhina E.F. Arte da França do século XVIII. L., 1971.

Nemilova I. S. Enigmas de pinturas antigas. M., 1996.

Rotenberg E.I. Arte da Europa Ocidental do século XVII. M., 1971. (Monumentos da arte mundial).

Sokolov M.N. Imagens do cotidiano na pintura da Europa Ocidental dos séculos XV-XVII. M., 1994.

Chegodaev A. D. Antoine Watteau. M., 1963.

Yakimovich A.K. Novo tempo: arte e cultura dos séculos XVII-XVIII. SPb., 2004.

Na elaboração do material, foi utilizado o texto do livro didático “Cultura Artística Mundial. Do século XVIII até o presente” (Autor Danilova G. I.).

MHK, 11ª série
Lição #6
Arte
classicismo e
rococó
DZ: Capítulo 6, ?? (pág. 63), tv.
tarefas (p.63-65), tab. (Com.
63) preencher o caderno
© A.I. Kolmakov

LIÇÕES OBJETIVAS
dar uma ideia de arte
classicismo, sentimentalismo e
rococó;
ampliar horizontes, habilidades de análise
gêneros artísticos;
trazer nacional
autoconhecimento e autoidentificação,
respeito pela música
rococó.

CONCEITOS, IDEIAS

O. Fragonard;
classicismo;
G. Rigaud;
rococó;
sentimentalismo;
hedonismo;
rocaille;
mascarões;
V.L. Borovikovsky;
Império;
J. J. Rousseau

Verificando o conhecimento dos alunos

1. Quais são os traços característicos da cultura musical do barroco? Como
é diferente da música renascentista? Argumento
sua resposta com exemplos específicos.
2. Por que C. Monteverdi é considerado o primeiro compositor barroco? EM
Qual era a natureza reformadora de sua obra? O que
característica do "Estilo Animado" de sua música? Qual
este estilo é refletido em obras operísticas
compositor? O que une a criatividade musical de K.
Monteverdi com obras de arquitetura e pintura barrocas?
3. O que distingue a obra musical de J. S. Bach? Por que ele
considerados como parte da cultura musical do barroco?
Você já ouviu música de órgão de J.S. Bach? Onde?
Quais são suas impressões? Quais são as obras dos grandes
compositores são especialmente próximos de você? Por que?
4. Quais são as características da música barroca russa? O que
foram concertos partes do século XVII - início do século XVIII?
Por que o desenvolvimento da música barroca russa está associado a
a formação de uma escola de compositores na Rússia? Qual
a música coral sagrada de M.S. impressiona você.
Berezovsky e D.S. Bortnyansky?

Atividades universais de aprendizagem

determinar
identificar significativo
caracteristicas essenciais
sinais de estilo
estilos de classicismo
classicismo
E
e rococó,
rococó, correlacionar
correlacioná-los com um certo histórico
época;
época;
pesquisar
explorar relações de causa e efeito
comunicações,
padrões
Padrões de mudança
artístico
modelos de arte
modelos do mundo;
paz;
Avalie
avaliar a estética
estético, espiritual
espiritual e
e artístico
artístico
valor
valor cultural e histórico
era cultural e histórica;
épocas;
revelar
identificar maneiras
maneiras e
e fundos
meio de expressão
expressões de público
Ideias
ideias e
e estética
ideais estéticos
ideais da época
era em
em andamento
processo de análise
análise
funciona
obras de arte do classicismo,
classicismo, rococó e
sentimentalismo;
sentimentalismo;
encontrar
encontrar associativo
links associativos
comunicações e
e diferenças
diferença entre
artístico
imagens artísticas do classicismo, barroco e
rococó,
Rococó, apresentado em vários
Vários tipos
tipos de arte;
artes;
caracterizar
caracterizar o principal
principais características,
características, imagens
imagens e temas
Tópicos
arte
arte clássica,
classicismo, rococó
rococó e
e sentimentalismo;
sentimentalismo;
nomear
apresentar hipóteses
hipóteses, junte-se
entrar em um diálogo
diálogo, argumento
discutir
ter
próprio ponto
ponto de vista
visão por
de acordo com o formulado
formulado
problemas;
problemas;
sistematizar
sistematizar e
e generalizar
generalizar o
conhecimento recebido
conhecimento sobre
sobre
principal
principais estilos e correntes de arte
arte dos séculos XVII-XVIII.
(Trabalho
(trabalhando com uma mesa)
mesa)

ESTUDE NOVO MATERIAL
1. Estética
classicismo.
2. Rococó e
sentimentalismo.
Atribuição de lição. Qual é a importância para o mundo
civilizações e culturas têm estética
classicismo, arte rococó e
sentimentalismo?

sub-perguntas

1.
1.
2.
2.
Estética
Estética do classicismo.
classicismo. Apelo
Apelo ao antigo
Antiguidade
herança
herança e
e humanista
ideais humanistas do Renascimento.
Trabalhando fora
Desenvolvimento próprio
própria estética
programa estético.
programas.
Principal
O principal conteúdo da arte
arte clássica
classicismo e
e ele
dele
criativo
método criativo.
método. Características
Características do classicismo
classicismo em
em diferente
vários
tipos
tipos de arte.
arte. Formação de um sistema de estilo
sistemas
classicismo
classicismo na França
A França e seu impacto no desenvolvimento
artístico
cultura artística
Culturas da Europa Ocidental
Países da Europa Ocidental.
países.
conceito
O conceito de
sobre estilo
estilo império.
Império
Rococó
rococó e
e sentimentalismo*.
sentimentalismo*. Origem
Origem do termo
prazo
"rococó".
"rococó". origens
As origens da arte
estilo artístico
estilo e
e ele
dele
característica
características. Tarefas
tarefas rococó
rococó (em
(Por exemplo
exemplo
obras primas
obras-primas de artes e ofícios
artes decorativas e aplicadas).
sentimentalismo
sentimentalismo como
como um
um de
de artístico
movimentos artísticos
correntes
V
dentro de
no marco do classicismo.
classicismo. Estética
Estética do sentimentalismo
sentimentalismo e
E
dele
seu fundador
fundador j.
J. J.
J. Rousseau.
Rousseau. Especificidade
detalhes russos
russo
sentimentalismo
sentimentalismo na literatura
literatura e pintura (V. L.
Borovikovsky)
Borovikovsky)

Estética
classicismo
Levitsky D.G.
Retrato
Denis Diderot.
1773-1774
gg. Museu
arte e
histórias
cidades
Genebra em
Suíça.
Novo artístico
estilo - classicismo (lat.
classicus exemplar) seguiu o clássico
conquistas da antiguidade e
ideais humanistas
Renascimento.
Arte da Grécia Antiga e
A Roma Antiga tornou-se
classicismo
fonte de temas e histórias:
apelo ao antigo
mitologia e história,
links para autoridade
cientistas, filósofos e
escritoras.
De acordo com o antigo
“... estudar a Antiguidade para
a tradição era
aprenda a ver a natureza
o princípio
(Denis Diderot)
superioridade da natureza.

Estética
classicismo
O. Fragonap. Retrato
Denis Diderot. 1765-1769
Louvre, Paris
Princípios estéticos do classicismo:
1. Idealização do grego antigo
cultura e artes, orientação para
princípios morais e ideias
cidadania
2. A prioridade da educação
valores artísticos, reconhecimento
o papel principal da mente na cognição
lindo.
3. Proporcionalidade, gravidade,
clareza no classicismo combinado com
completude, completude
imagens artísticas,
universalismo e normatividade.
O principal conteúdo da arte
classicismo tornou-se uma compreensão do mundo
como um mecanismo racionalmente organizado,
onde uma pessoa foi dada
importante papel organizador.

10.

Estética
classicismo
Claude Lorena. partida da rainha
Savskoy (1648). Londres
Galeria Nacional de Arte
método criativo
classicismo:
esforçando-se para ser razoável
clareza, harmonia e
simplicidade estrita;
abordagem para
reflexão objetiva
o mundo circundante;
conformidade
correção e ordem;
subordinação do privado
principal;
alta estética
gosto;
contenção e
calma;
racionalismo e
lógica nas ações.

11.

Estética
classicismo
Cada forma de arte foi
têm suas próprias características especiais:
1. A base da linguagem arquitetônica
classicismo torna-se uma ordem (tipo
composição arquitetônica, usando
certos itens e
sujeito a um certo processamento de estilo arquitetônico), muito mais
C. Persier, P.F.L. Foppep.
arco triunfal em
Lugar Carrossel em Paris.
1806 (estilo - Império)
próximo em forma e proporção
arquitetura da antiguidade.
2. As obras de arquitetura distinguem
organização estrita
proporção e equilíbrio
volumes, geométricos
correção de linhas, regularidade
layouts.
3. A pintura caracteriza-se por: clara
delimitação de planos, rigor
desenho, meticulosamente elaborado
modelagem de luz e sombra de volume.
4. Papel especial na decisão
tarefa educacional desempenhada
Literatura e teatro em particular
tornou-se o mais difundido
arte desta época.

12.

Estética
classicismo
durante o reinado
G. Rigaud. Retrato de Luís XIV.
1701 Louvre, Paris
Rei Sol Luís
XIV (1643-1715) foi
desenvolveu um ideal
modelo do classicismo, que
imitado na Espanha,
Alemanha, Inglaterra e países
Europa Oriental, Norte
e América do Sul.
arte primeiro
classicismo era
inseparável da ideia
monarquia absoluta e
foi a personificação
integridade, grandeza e
ordem.

13.

Estética
classicismo
Catedral de Kazan em arco de São Petersburgo (1801-1811). UM. Voronikhin.
Arte na forma do chamado classicismo revolucionário,
serviu aos ideais da luta contra a tirania, pelo estabelecimento
direitos civis do indivíduo, em consonância com a Revolução Francesa.
No último estágio de seu desenvolvimento, o classicismo
expressava os ideais do Império Napoleônico.
Ele encontrou sua continuação artística no estilo Império (de fr.
estilo Império - "estilo imperial") - o estilo do final (alto)
classicismo na arquitetura e nas artes aplicadas. Originado em
França durante o reinado do imperador Napoleão I.

14.

rococó e
sentimentalismo
característica do século XVIII.
na arte da Europa Ocidental
tornou-se um fato indiscutível
convivência com
classicismo barroco, rococó e
sentimentalismo.
Reconhecendo apenas harmonia e
ordem, classicismo "retificado"
formas barrocas caprichosas
arte, cessou tragicamente
perceber o mundo espiritual
pessoa, mas o principal conflito
transferido para a esfera das relações entre
individual e
estado. barroco, obsoleto
a si mesmo e chegar ao lógico
conclusão, deu lugar
classicismo e rococó.
O. Fragonard. Feliz
possibilidades de balanço. 1766
Wallace Collection, Londres

15.

rococó e
sentimentalismo
Rinaldi rococó:
interiores do castelo de Gatchina.
Gatchina
Nos anos 20. século 18 na França
surgiu um novo estilo de arte
rococó (fr.rocaille - concha). Já
o próprio nome revela
principal característica deste
estilo - paixão pelo requintado
e formas complexas, bizarras
linhas, muito parecido
contorno da casca.
A concha então se transformou em
ondulação complexa com alguns
cortes estranhos, então em
decoração de escudo ou
pergaminho meio dobrado com
representação de um brasão ou emblema.
Na França, o interesse pelo estilo
Rococó enfraquecido no final da década de 1760
anos, mas nos países do Centro
Europa, sua influência foi
perceptível até finais do século XVIII
séculos.

16.

rococó e
sentimentalismo
O principal objetivo da arte rococó
- entregar sensualidade
prazer (hedonismo).
A arte deveria ter
curtir, tocar e
entreter girando
vida em sofisticado
baile de máscaras e "jardins do amor".
Amores complicados
passatempos fugazes,
ousado, arriscado,
desafiando a sociedade
ações de heróis, aventuras
e fantasias galantes
Alegoria das belas artes,
entretenimento e feriados
1764 Óleo sobre tela; 103 x 130 cm.
determinou o conteúdo
Rococó. França.
trabalhos de arte
Washington, Nacional galeria.
rococó.

17.

rococó e
sentimentalismo
Traços característicos do estilo rococó em obras de arte:
graça e leveza, complexidade, requinte decorativo
e improvisação, pastoralidade (idílio do pastor), desejo de
exótico;
ornamento em forma de conchas e cachos estilizados, arabescos,
guirlandas de flores, estatuetas de cupidos, cartuchos rasgados,
máscaras;
uma combinação de luz pastel e tons delicados com um grande
o número de detalhes brancos e dourados;
o culto da bela nudez, que remonta à tradição antiga,
sensualidade sofisticada, erotismo;
culto de pequenas formas, intimidade, diminutividade (especialmente em
escultura e arquitetura), amor por pequenas coisas e bugigangas
("Adoráveis ninharias"), que encheu a vida de um galante
pessoa;
estética de nuances e sugestões, dualidade intrigante
imagens, transmitidas com a ajuda de gestos leves, meias-voltas,
movimentos de mímica quase imperceptíveis, um meio-sorriso, uma
olhar ou um brilho molhado nos olhos.

18.

rococó e
sentimentalismo
móveis de estilo
rococó
O maior estilo florescente
Rococó alcançado em obras
Artes e Ofícios
arte da França (interiores
palácios
e trajes da aristocracia). EM
Rússia, ele apareceu antes
apenas na decoração arquitetônica na forma de pergaminhos, escudos e
intrincadas conchas rocaille (decorativas
enfeites imitando
mistura de conchas extravagantes
e plantas estranhas), e
também maekarans (estuque ou
máscaras esculpidas em forma
rosto humano ou cabeça
besta colocada acima
janelas, portas, arcos,
fontes, vasos e móveis).

19.

rococó e
sentimentalismo
Tribunal Joseph-Desejo
Kur). pintura. França
Sentimentalismo (fr. sentimento - sentimento).
Em termos ideológicos, ele, como
classicismo, baseado nas ideias
iluminação.
Um lugar importante na estética do sentimentalismo
ocupava a imagem do mundo dos sentimentos e
experiências humanas (daí
Nome).
Os sentimentos foram percebidos como uma manifestação
princípio natural do homem, sua
estado natural possível
apenas em contato próximo com
natureza.
Conquistas de uma civilização com muitos
tentações que corrompem a alma
"homem natural", adquirido
claramente hostil.
uma espécie de ideal
o sentimentalismo tornou-se a imagem do rural
cidadão que cumpriu a lei
natureza primitiva e viver em
harmonia absoluta com ela.

20.

rococó e
sentimentalismo
Filósofo, escritor francês,
pensador iluminista.
Também musicólogo, compositor e
botânico. Nascimento: 28 de junho de 1712
cidade, Genebra. Falecimento: 2 de julho de 1778 (66
anos), Ermenonville, perto de Paris.
O fundador do sentimentalismo
considere o iluminista francês
J.J. Rousseau proclamando um culto
sentimentos naturais e naturais e
necessidades humanas, simplicidade e
cordialidade.
Seu ideal era sensível,
sonhador sentimental,
obcecado com as ideias do humanismo,
"pessoa física" com "bela
alma", não corrompido
civilização burguesa.
A principal tarefa da arte de Rousseau
vi ensinando as pessoas
virtudes, chame-as para o melhor
vida.
O pathos principal de suas obras
constitui o elogio do ser humano
sentimentos, altas paixões que vieram
em conflito com o público
preconceito de classe.

21.

rococó e
sentimentalismo
É melhor considerar
sentimentalismo como um dos
movimentos artísticos,
operando sob
classicismo.
Se o Rococó se concentra
expressão externa de sentimentos e
emoções, depois sentimentalismo
destaca o interior
o lado espiritual da existência humana.
Na Rússia, o mais brilhante
epítome do sentimentalismo
encontrada na literatura e
pintura, por exemplo
a obra de V. L. Borovikovsky.
V.L. Borovikovsky. Lizynka e
Dashinka. 1794 Estado
Galeria Tretyakov, Moscou

22. Questões de segurança

1 . Qual é o programa estético da arte do classicismo? EM
quais são as conexões e diferenças entre a arte
Classicismo e Barroco?
2. Que exemplos da Antiguidade e do Renascimento deveriam
arte clássica? De quais ideais do passado e
por que ele teve que recusar?
3. Por que o rococó é considerado o estilo da aristocracia? Quais são os dele
características correspondiam aos gostos e humores de seus
tempo? Por que não havia lugar para expressão nele
ideais cívicos? Por que você acha que o estilo rococó
atingiu seu auge nas artes e ofícios
arte?
4. Compare os princípios básicos do barroco e do rococó. É possível
considera o rococó uma continuação do barroco? o que há de novo estilo
O Rococó "acrescentou" ao Barroco? Quais são as diferenças
impacto emocional em uma pessoa desses estilos?
5*. Em que ideias de iluminismo se baseava
sentimentalismo? Quais são seus principais focos? legitimamente
se deve considerar o sentimentalismo dentro do grande estilo
classicismo?

23. Oficina criativa

24. Tópicos para apresentações, projetos

1.
2.
3.
4.
5.
6.
7.
8.
9.
"O papel da França no desenvolvimento da arte europeia
cultura".
“Homem, natureza, sociedade no programa estético
classicismo".
"Padrões da Antiguidade e Renascimento na Arte
classicismo".
"A Crise dos Ideais Barrocos e a Arte do Classicismo".
"Rococó e sentimentalismo acompanham estilos e
correntes do classicismo.
"Características do desenvolvimento do classicismo na arte da França
(Rússia, etc.)”.
"E. J. Rousseau como o fundador do sentimentalismo.
"O culto do sentimento natural na arte
sentimentalismo".
"O futuro destino do classicismo na história do mundo
artes".

25. reflexão

Avalie seu trabalho em sala de aula
complete as frases:
Hoje descobri...
Foi interessante…
Foi difícil…
Aprendi…
Eu fui capaz...
Eu estava surpreso...
Eu queria…

26. Literatura:

Programas para instituições de ensino.
Danilova G.I. Cultura artística mundial. – M.:
Abetarda, 2011
Danilova, G.I. Art / MHK. 11 células Um nível básico de:
livro didático / G.I. Danilova. M.: Abetarda, 2014.
Kobyakov Ruslan. São Petersburgo

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