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A sobreposição de uma camada de tinta sobre outra é chamada. Sequência de desenho do maior para o menor, do geral para o particular

|| Capítulo 3 || Capítulo 4 || Capítulo 5 || Capítulo 6 || Capítulo 7 || Capítulo 8 || Capítulo 9 || Capítulo 10 || Capítulo 11 || Capítulo 12

Executando uma pintura, você deve aderir a uma determinada sequência. Normalmente, um artista começa a trabalhar em uma pintura ou mural fazendo vários pequenos esboços, nos quais concretiza sua ideia. Para o mesmo propósito, ele pode realizar esboços da natureza.

Então o artista desenha a imagem futura. Ele pode usar um lápis, carvão ou tinta líquida diluída e um pincel fino para isso. É possível fabricar o chamado "papel vegetal" ou "papelão" no caso em que o desenho precise ser transferido para alguma superfície. Às vezes, os artistas pulam essa etapa do trabalho e imediatamente começam a pintar com tintas sem um desenho preliminar.

Existem muitas maneiras de aplicar tinta em um avião. Alguns artistas preferem usar a técnica de vitrificação: aplique finas camadas transparentes sobre a camada de tinta seca. Outros atingem a solução de cor desejada em uma camada, enquanto outros usam pinceladas separadas.

Um artista pode trabalhar simultaneamente em desenho, composição, escultura de formas, transferência de espaço e coloração. Então P. Cézanne gostava de trabalhar, especialmente quando pintava suas paisagens ou naturezas mortas da natureza.

No entanto, esse caminho não está disponível para todos. Você deve ter uma excelente memória visual, desenho preciso, pensamento compositivo, um senso de cor impecável.

A maioria dos artistas prefere trabalhar do geral para o particular, aplicando gradualmente a cor principal dos objetos e seguindo a modelagem do volume. Em seguida, eles refinam as nuances de cor, reflexos de cor, a cor geral da imagem. Sobre último passo de volta à generalização. Para alcançar a integridade do trabalho, você pode remover detalhes desnecessários, enfraquecer os contrastes, destacar o principal. É assim que o maravilhoso artista A. A. Ivanov adorava trabalhar. Ele passou muito trabalho preparatório antes de criar a pintura "A Aparição de Cristo ao Povo". Numerosos estudos pictóricos exibidos ao lado desta pintura em Galeria Tretyakov, ajudam a traçar a busca criativa do autor.

Para fins educacionais, é melhor trabalhar em uma composição pictórica sequencialmente. Para aprender alguns dos segredos e mistérios da pintura, as declarações dos mestres colocadas no final deste livro irão ajudá-lo.

Artistas-pintores transmitem a beleza do mundo ao seu redor com a ajuda de tintas. Você pode escolher qualquer base: tela, papel, papelão, papelão, parede, etc. A base geralmente é preparada com compostos especiais. Os pintores usam uma variedade de tintas: guache, aquarela, têmpera a óleo, etc. As tintas são aplicadas nas bases? redondo e escovas planas espessura diferente. Às vezes, usa-se uma espátula, um pano para isso, eles até aplicam tinta com o dedo, mas ainda é melhor criar pinturas com a ajuda de ferramentas especiais, e não com meios improvisados. A técnica de escrita, suas características dependem muito das propriedades das tintas, solventes, ferramentas.

Por onde começar a desenhar? Essa pergunta costuma ser feita por artistas iniciantes quando começam a trabalhar. No entanto, desenhistas experientes há muito sabem a resposta para isso, porque no clássico escola de Artes existe um princípio maravilhoso de fazer o trabalho. Você deve desenhar ou escrever do geral para o particular, do maior para o menor.

Para entender isso claramente, basta lembrar como as crianças desenham. Muitas vezes a criança se concentra em desenho detalhado qualquer objeto, sem pensar em seu tamanho e como ele se encaixa no ambiente. As crianças podem desenhar uma pequena figura em folha grande. Acontece que o objeto desenhado está em algum lugar no canto da folha e há um espaço vazio ao redor. As crianças, devido à idade, não percebem a folha inteira como um todo, por isso desenham tudo separadamente.

Algo semelhante acontece quando aspirantes a artistas começam a desenhar ou pintar. Gostaria de transmitir toda a beleza de um único detalhe, desenhá-lo detalhadamente, sem pensar na unidade do quadro, em como esse detalhe deve estar subordinado ao ambiente. Mas quando você olha de longe o fragmento elaborado “conscientemente”, afastando-se do cavalete, vê que nem tudo é tão bom quanto parecia de perto. O detalhe em si pode ter sido um sucesso, porém, não coube no resto do desenho, então no geral ficou tudo torto. Vejamos isso com um exemplo.

Suponha que um artista esteja pintando um retrato. E ele começa a trabalhar imediatamente com o desenho do olhar, esquecendo-se de todo o resto. Em seguida, desenha o nariz, os lábios, todo o rosto e os contornos da cabeça. Então ele completa todo o retrato. Ou seja, comecei o desenho pelo olho, e terminei com toda a silhueta da cabeça (veja ilustração). Como resultado, o próprio olho acabou, mas mudou para o lado. A mesma coisa aconteceu com o nariz e os lábios. Portanto, o retrato saiu não apenas diferente, mas também torto.

Mas por que isso aconteceu? Porque o artista começou a desenhar pequenos objetos e depois terminou com grandes formas. Ou seja, ele trabalhou do menor para o maior. Mas se ele tivesse começado a trabalhar com os contornos da cabeça, o oval do rosto (ou seja, de um grande), e depois passasse para o nariz, lábios, olhos (menores) - o erro acima não teria acontecido ( mais precisamente, a probabilidade disso teria sido menor). Afinal, tendo delineado a base formas grandes, é muito mais fácil encaixar pequenos detalhes nele. É mais fácil comparar distâncias e proporções. E se você começar com coisas pequenas, sem definir grandes silhuetas, depois será muito difícil encaixar uma na outra. Portanto, os artistas usam a sequência de desenho do maior para o menor. E embora esse método por si só não garanta o sucesso, ajuda muito no trabalho. Mas não é possível desenhar do jeito que você quer? Em qualquer ordem? Grandes mestres com grande experiência podem começar desenhando do ponto “A” e terminar no ponto “B” sem pensar na sequência. Tudo funciona para eles já em um nível intuitivo, pois eles têm uma vasta experiência por trás deles. Mas, na maioria dos casos, recomenda-se começar a trabalhar não com ninharias, mas com grandes massas gerais, olhando para o quadro todo. Afinal, grandes mestres, mesmo que violem fases clássicas desenho, na mente eles ainda veem a imagem inteira, não fragmentada.

ver o todo peças pequenas muito importante por vários motivos. Uma delas é a capacidade de generalizar. Sem generalização é impossível imaginar desenho ou pintura. A generalização não é apenas uma maneira de tornar as coisas mais fáceis. Através da generalização, os artistas criam a ilusão de que uma pintura ou desenho pode ganhar vida. Tomemos, por exemplo, um buquê de flores. Se você começar a escrevê-lo com pétalas separadas e continuar a trabalhar com uma letra tão detalhada até o fim, a pintura pode não apenas conter erros, mas também ser menos expressiva, “seca”. Porém, se o artista começar a trabalhar com grandes massas, generalizando e combinando flores em grupos, e depois pintar flores individuais em detalhes, essa sequência ajudará a não se confundir nas sombras, a ver o principal, a animar a pintura. Animar com o efeito de seleção, quando o artista generaliza o secundário e destaca o principal. A vizinhança do detalhado e do generalizado cria uma ilusão na qual a visão retratada parece ganhar vida.

Essa seleção exige da pessoa a capacidade de ver o quadro geral, a capacidade de prestar atenção ao principal, de não se concentrar em ninharias. Quando um artista tem um olhar a esse respeito, ele será mais capaz de determinar o que precisa ser generalizado e como fazê-lo. Olhando a imagem deste ângulo, o artista poderá determinar com mais precisão as proporções, ver melhor as relações de cores e tons.

Ao criar uma pintura, é necessário aderir a uma determinada sequência. Normalmente, o artista começa a trabalhar em uma pintura ou pintura de parede com vários pequenos esboços de composição, nos quais concretiza sua ideia. Para o mesmo propósito, ele pode realizar esboços da natureza.

Para criar uma pintura interessante, você precisa aprender a ver em vida circundante eventos interessantes, personagens, motivos, ângulos e estados. A execução constante de esboços, esboços e esboços da natureza desenvolve não apenas o olho e a mão, mas também o pensamento composicional.

Não é tão fácil ver um motivo compositivo interessante na vida. Um quadro de visor, fácil de fazer, pode ajudar nisso. O principal é que seus lados opostos permaneçam móveis, então será fácil mudar o formato, aumentar ou diminuir o círculo de objetos que entram no campo de visão. Se não houver moldura, você pode simplesmente dobrar as palmas das mãos assim, conforme mostrado na figura.

Escolher o enredo mais expressivo para a composição também não é uma tarefa fácil. Centenas de pessoas percebem e interpretam o mesmo enredo de maneiras diferentes, ou seja, criam sua própria versão. O enredo deve ser entendido como aquilo que o artista retrata diretamente na tela, e o conteúdo ou tema pode ser muito mais amplo, ou seja, podem ser criadas obras com diferentes enredos sobre o mesmo tema.

É importante mesmo antes do início da imagem tentar imaginar a imagem futura. Via de regra, o artista primeiro realiza vários pequenos esboços para encontrar a composição mais expressiva. Nesta fase, o formato da imagem (alongada verticalmente, retangular, quadrada, alongada horizontalmente, etc.) e seu tamanho são determinados.

O formato alongado confere à imagem uma sensação de harmonia e altivez. O formato na forma de um retângulo localizado horizontalmente é conveniente para representar a ação épica. Já dissemos que o formato baseado na proporção áurea é adequado para representar um amplo motivo paisagístico. O formato, obtido pela ampliação de um quadrado em diagonal completa, é igualmente conveniente para a representação de paisagem, natureza morta e composição temática.

Um aumento excessivo no formato vertical transforma a imagem em um scroll, e um aumento excessivo no formato horizontal dita o uso de uma composição panorâmica ou frisa. Ao escolher um formato, deve-se levar em consideração a localização dos principais objetos da composição - horizontal ou verticalmente, o desenvolvimento do enredo - da esquerda para a direita, na profundidade da imagem, etc.

O formato quadrado é melhor usado para criar composições estáticas e equilibradas porque elas são mentalmente relacionadas a eixos centrais iguais e lados iguais das bordas da imagem.

A composição em oval e em círculo é construída em relação a eixos centrais imaginários mutuamente perpendiculares. A parte superior e inferior da imagem devem ser claramente definidas aqui. O oval é frequentemente usado como um formato de retrato, pois essa configuração é facilmente correlacionada com o oval. rosto humano ou o contorno da imagem do peito.

Os artistas também usam formatos de configuração complexos, consistindo em uma combinação de dois formas geométricas, como semicírculo e retângulo.

No esboço, um esquema geral de composição é desenhado, a localização de TT é a relação do principal atores sem desenho detalhado. Talvez o tom e o esquema de cores do esboço. Em seguida, passam ao desenho da composição, depois à sua concretização pictórica.

Um de estágios interessantes obras - coleta de material natural: observações da vida ao redor, esboços e esboços em casa e na rua, dependendo do terreno escolhido. Você pode coletar material natural imediatamente após escolher um enredo ou fazê-lo após o primeiro esboço da composição.

Em seguida, o artista desenha a imagem futura usando um lápis, carvão ou tinta líquida diluída e um pincel fino. É possível fabricar o chamado papel vegetal ou papelão, caso o desenho precise ser transferido para alguma superfície. Se algo não der certo no desenho, você pode voltar aos esboços, trabalhar os detalhes que causaram dificuldades e, a seguir, refinar o desenho com o material natural coletado. Você pode até fazer um novo condenado composicional.", levando em consideração os esboços e esboços concluídos da vida, para esclarecer a ideia.

Em seguida, passam à solução pitoresca da tela. Primeiro, a subpintura é realizada com tintas líquidas diluídas, nas quais são determinadas as relações gerais de cor e tom dos objetos, sua cor local. Em seguida, eles seguem para o palco principal - a solução pictórica real da tela. É melhor fazer tudo do geral ao particular, aplicando gradativamente a cor principal dos objetos e o óleo para modelar o volume. É necessário esclarecer os contrastes e nuances de cores, reflexos de cores, a cor geral da imagem. No último estágio, eles novamente procedem à generalização. Para alcançar a integridade do trabalho, é necessário retirar folhetos desnecessários, enfraquecer os contrastes, destacar o principal.

As etapas listadas da execução de uma pintura são muito importantes, principalmente para fins educacionais. Porém, acontece que os artistas recusam algum palco. Todo mundo trabalha de maneira diferente. Alguns fazem um esboço detalhado, enquanto outros escrevem imediatamente, sem um desenho preliminar a lápis. Alguém procura persistentemente tudo na natureza para uma foto, faz esboços em vários estados da natureza, desenha modelos em trajes e poses apropriados, estuda o material histórico ou de história da arte necessário. Outro artista confia mais em sua memória visual e imaginação e geralmente se recusa a estudar a natureza.

Um artista pode trabalhar simultaneamente em um desenho, composição, forma de escultura, renderização de espaço e cor. Era assim que P. Cézanne gostava de trabalhar, principalmente quando pintava suas paisagens ou naturezas mortas da vida. No entanto, esse caminho não está disponível para todos. Você deve ter uma excelente memória visual, desenho preciso, pensamento compositivo, um senso de cor impecável.

A maioria dos artistas prefere seguir todas as etapas necessárias para criar uma pintura. É assim que L.A. Ivanov adorava trabalhar. Ele fez muitos trabalhos preparatórios para a pintura "A Aparição de Cristo ao Povo". Numerosos esboços pictóricos exibidos na Galeria Estatal Tretyakov ajudam a traçar a busca criativa do autor.

Tudo o que foi dito sobre o trabalho na pintura não deve ser entendido como uma ordem permanente, obrigatória e imutável. No entanto, seguir as regras ajuda a alcançar bons resultados, domine a habilidade.

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Regra de transferência de movimento. Um objeto em uma pintura parecerá estar se movendo nas seguintes condições:

* se uma ou mais linhas diagonais, as direções de movimento são usadas no cardin; *se você deixar espaço livre na frente de um objeto em movimento;

*se você escolher um determinado momento do movimento, o que mais claramente reflete seu caráter, é sua culminação.

Além disso, a imagem parecerá em movimento se recriar não um momento de movimento, mas suas fases sucessivas. Por exemplo, no relevo egípcio antigo. Cada uma das figuras congelou em uma determinada posição, mas, considerando a composição em círculo, pode-se ver a sequência em movimento.

O movimento é compreensível apenas quando se considera a obra como um todo, e não momentos individuais de movimento. O espaço livre diante de um objeto em movimento permite continuar mentalmente o movimento, como se nos convidasse a acompanhá-lo.

Em outro caso, quando o objeto é mostrado muito próximo da borda da folha, parece que o movimento não pode continuar.

Você pode enfatizar o movimento com a ajuda da direção das linhas da imagem. Por exemplo, se todas as linhas forem direcionadas profundamente para a folha. A expressividade do movimento é alcançada se você retratar o herói no momento tensão mais alta sua força. Além disso, um fundo desfocado dá uma sensação de movimento. contornos pouco claros e indistintos dos objetos. Um grande número de verticais ou linhas horizontais fundo pode retardar o movimento.

Mudar de direção às vezes acelera ou retarda. A peculiaridade de nossa visão é que lemos o texto da esquerda para a direita, e o movimento da esquerda para a direita é mais fácil de perceber, parece mais rápido.

Regra de transferência estática. Uma composição é considerada estática nas seguintes condições;

*se não houver direções diagonais na imagem;

se os objetos são representados em calma (estática) de acordo com o sax, não há clímax da ação;

se a composição for simétrica, equilibrada ou construída com base em padrões geométricos simples (triângulo, círculo, oval, quadrado, retângulo).

Uma sensação de paz pode surgir em uma obra de arte sob outras condições.

Por exemplo, na pintura “In Winter” de K. Korovin, apesar da presença de direções diagonais, o cavalo com o trenó fica calmo, não há sensação de movimento pelos seguintes motivos: os centros geométrico e compositivo da pintura coincidem, o a composição é equilibrada e o espaço livre na frente do cavalo é bloqueado por uma árvore.

Seleção do centro de composição do enredo: Ao criar uma composição, é necessário determinar qual será o principal da imagem e cuidar de como destacar esse principal, ou seja, o enredo e o centro da composição, que costuma ser chamado de "centro semântico" ou "centro visual" da imagem.

Claro, nem tudo na trama é igualmente importante, e as partes secundárias estão subordinadas à principal. O centro da composição inclui o enredo, a ação principal e os personagens principais.

O centro da composição deve antes de tudo chamar a atenção. O centro se distingue pela iluminação, cor, ampliação da imagem, contrastes e outros meios.

Não só em pinturas, mas também em gráficos, esculturas, Artes decorativas, a arquitetura recebe um centro compositivo. Por exemplo, os mestres do Renascimento preferiam que o centro da composição coincidisse com o centro da tela.

Ao colocar os personagens principais dessa forma, os artistas queriam enfatizar seu importante papel, sua importância para o enredo.

Os artistas criaram muitas opções para criar uma imagem ao colocar o centro da composição em qualquer lugar da tela. Essa técnica foi usada com sucesso para transmitir movimento, a dinâmica dos eventos, o rápido desenvolvimento do enredo na pintura "Boyar Morozova" de V. Surikov.

O quadro de Rembrandt "O Retorno filho prodígio"- um exemplo clássico de composição em que o principal é fortemente deslocado do centro para a divulgação mais precisa da ideia principal da obra.

O enredo desta imagem é inspirado na parábola do evangelho. No limiar de sua casa, um pai e um filho se encontraram, que voltaram depois de vagar pelo mundo. Pintando os trapos do andarilho. Rembrandt parece estar contando uma história sobre o difícil caminho percorrido por seu filho.

Você pode olhar para trás por um longo tempo, simpatizando com o sofrimento dos perdidos. A profundidade do espaço surge devido ao enfraquecimento consistente de contrastes de luz e sombra e cor, a partir do primeiro plano. Na verdade, é construído pelas figuras das testemunhas da siena de petição, dissolvendo-se gradualmente no crepúsculo.

O pai cego colocou as mãos nos ombros do filho em sinal de perdão. Neste gesto - sabedoria, dor e saudade, acumuladas ao longo dos anos vividos na ansiedade, e no perdão. Rembrandt destaca o principal da imagem com luz, concentrando nossa atenção nele.

O centro da composição está localizado quase na borda da imagem. A artista equilibra a composição com a figura do filho mais velho em pé à direita. A colocação do centro semântico principal a um terço da distância em altura corresponde à lei da seção áurea.

Desde os tempos antigos, tem sido usado por artistas para alcançar a maior expressividade de suas criações.

A regra da seção áurea na composição(um terço). Para identificar o centro compositivo, o elemento mais importante da imagem é colocado de acordo com a proporção da seção áurea, ou seja, aproximadamente a uma distância de "Ponto do todo. As proporções proporcionais dos lados dos objetos representados e a própria tela, para alcançar a harmonia, deve ser construída com base na seção áurea.

As imagens com dois ou mais centros de composição permitem mostrar vários eventos que ocorrem simultaneamente e são iguais em seu significado.

Considere a imagem de Velasquez "Las Meninas" e seu esquema. Um centro compositivo do quadro é a jovem infanta. As damas de companhia inclinaram-se para ela de ambos os lados. No centro geométrico da tela existem dois pontos contrastantes da mesma forma e do mesmo tamanho. Eles são opostos, como o dia e a noite, um é branco, o outro é preto - são duas saídas em mundo externo- outro centro de composição da imagem.

Uma saída é uma porta iluminada pelo sol. A outra é um espelho no qual se reflete o casal real. A segunda saída pode ser percebida como uma saída para uma sociedade secular. O contraste de começos claros e escuros na pintura pode ser entendido como uma disputa entre o artista e o governante.

As personagens retratadas pelo artista são numerosas o suficiente para que o observador imaginativo desenhe retratos relacionados ou contrastantes entre si (artista e rei, cortesãos e elite, beleza e feiúra, criança e pais, pessoas e animais).

Em uma foto, você pode usar vários métodos ao mesmo tempo para destacar o principal.

Por exemplo, a técnica de "isolamento" (a imagem da coisa principal isolada de outros objetos) pode ser usada destacando a coisa principal em tamanho e cor.

É importante usar os métodos para destacar o centro da composição do enredo não formalmente, mas dessa maneira. para a melhor maneira revelar o propósito e o conteúdo do trabalho.

A transferência de simetria e assimetria na composição. Artistas épocas diferentes usou uma construção simétrica da imagem. Muitos mosaicos antigos eram simétricos. Os pintores renascentistas geralmente construíam suas composições de acordo com as leis da simetria. Esta construção permite obter a impressão de paz, majestade, solenidade especial e significado dos eventos. Em uma composição simétrica, pessoas ou objetos são quase espelhados em relação ao eixo central da imagem.

A simetria na arte é baseada na realidade, repleta de formas simétricas.

Por exemplo, uma figura humana, uma borboleta, um floco de neve, etc. são simétricos. As composições simétricas são estáticas (estáveis), as metades esquerda e direita são equilibradas.

Em uma composição assimétrica, a disposição dos objetos pode ser a mais diversa, dependendo do enredo e intenção da obra, as metades esquerda e direita não se equilibram.

A transferência de equilíbrio na composição. Em uma composição simétrica, todas as partes são equilibradas, uma composição assimétrica pode ser equilibrada e desequilibrada. Um grande ponto de luz é equilibrado por um pequeno ponto escuro.

Muitos pontos pequenos podem ser equilibrados por um grande. As opções são muitas: as peças são balanceadas por peso, sulco e cor. O equilíbrio diz respeito tanto às próprias figuras quanto às lacunas entre elas.

Exercícios especiais desenvolvem um senso de equilíbrio na composição. É necessário aprender a equilibrar valores grandes e pequenos, claros e escuros, várias silhuetas e manchas de cor. Aqui será útil relembrar sua experiência de encontrar equilíbrio em um balanço.

Todos podem facilmente descobrir que um adolescente pode ser equilibrado se duas crianças forem colocadas do outro lado do balanço. E o bebê pode balançar mesmo com um adulto que não se senta na beira do balanço, mas mais perto do centro.

O mesmo experimento pode ser feito com pesos. Essas comparações ajudam a equilibrar diferentes partes da imagem em tamanho, tom e cor para alcançar a harmonia, ou seja, encontrar o equilíbrio na composição.

Em uma composição assimétrica, o equilíbrio às vezes está completamente ausente se o centro semântico estiver mais próximo da borda da imagem. A impressão da imagem muda se você olhar para sua imagem no espelho. Essa propriedade de nossa visão também deve ser levada em conta no processo de encontrar equilíbrio na composição.

As regras, técnicas e meios de composição são baseados na rica experiência criativa de artistas de muitas gerações, mas a técnica de composição não pára, está em constante evolução, enriquecida pela prática criativa de novos mestres. Alguns métodos de composição tornam-se clássicos, mas novos surgem, pois a vida dá outras tarefas à arte.

3 . Guache como um dos materiais e técnicas de pintura

3.1 Pintura de materiais de arte e técnicas de trabalho

Os pintores transmitem a beleza do mundo ao seu redor com a ajuda de tintas: guache, aquarela, têmpera, óleo, etc. Você pode escolher qualquer base: tela, papel, papelão, papelão, parede, etc. compostos. As tintas são aplicadas na base com pincéis redondos e planos de diferentes espessuras. Às vezes, uma espátula é usada para isso. faca. um trapo, até um dedo, mas é melhor usar ferramentas especiais do que meios improvisados.

As tintas são colocadas em uma paleta e misturadas para obter a tonalidade de cor desejada. Uma paleta é uma pequena placa fina de forma retangular, oval ou outra. paleta de óleo pintura são feitos principalmente de madeira, e para o trabalho aquarela e guache- de plástico branco, por vezes com reentrâncias para tintas. Às vezes uso como paleta! pires branco, azulejo ou pedaço de papel. A lista de cores usadas por um artista também é chamada de paleta. Nesse sentido, o termo “paleta” se aproxima do conceito de “cor”.

A técnica de escrita, suas características dependem muito das propriedades das tintas, solventes, ferramentas. Antes final do século XVII- início do século XVIII artistas e aprendizes preparavam tintas por conta própria, geralmente confiados aos alunos. Eles transformaram as pedras em pó e misturaram com cola, óleo ou ovo. Produção industrial de tintas feitas paleta de cores mais variado.

As tintas para pintura têm nomes especiais. Muitas vezes, esses nomes estão associados a elementos químicos ou naturais (minerais, plantas) dos quais são feitos. A base de todas as tintas - pigmento - são várias substâncias corantes ou corantes. Eles são mineral, químico, orgânico origem (animal ou vegetal). Para a preparação de tintas, os pigmentos são finamente moídos em pó e misturados com aglutinantes (óleo, cola, etc.). Os pigmentos orgânicos são inferiores em força aos minerais. Agora, principalmente pigmentos artificiais são usados, como os mais persistentes.

Muitas vezes, o nome das tintas vem do aglutinante usado para produzi-las. Por exemplo, a base pinturas à óleo- linhaça ou algum outro óleo. As tintas de cola são aquarela, guache, têmpera. Falaremos mais sobre as tintas cola, pois são as mais utilizadas na prática do ensino de artes plásticas em escolas de formação de professores e no ensino fundamental.

guache- tinta opaca (caixa, cobertura), que é diluída em água. Uma obra de arte feita com essas tintas também é chamada de "guache". As tintas guache são feitas de pigmentos e cola com a adição de branco. Ao contrário da aquarela, a camada de tinta aplicada ao papel não é transparente, mas fosca, densa, com superfície aveludada, que se dá por uma mistura de branco. Quando secas, as cores do guache ficam um pouco esbranquiçadas (clareadas), o que o artista deve levar em consideração no processo de desenho. As tintas guache são brilhantes, as correções são possíveis durante o trabalho, as suítes só podem ser colocadas em cima de um local malsucedido de outra cor. Os tons escuros podem ser cobertos com os claros. O branco é adicionado ao guache para obter um tom mais claro.

3. 2 A sequência de execução de uma pintura

Para criar uma tela pictórica interessante, é necessário aprender a ver eventos, personagens, motivos, ângulos e estados interessantes na vida ao seu redor. A execução constante de esboços, esboços e esboços da natureza desenvolve não apenas o olho e a mão, mas também o pensamento composicional.

O formato quadrado é melhor usado para criar composições estáticas e equilibradas porque elas são mentalmente relacionadas a eixos centrais iguais e lados iguais das bordas da imagem.

A composição em oval e em círculo é construída em relação a eixos centrais imaginários mutuamente perpendiculares. A parte superior e inferior da imagem devem ser claramente definidas aqui. O oval é frequentemente usado como formato para retratos, pois essa configuração combina facilmente com o oval de um rosto humano ou com o contorno de um busto.

Os artistas também usam formatos de configuração complexos, consistindo em uma combinação de duas formas geométricas, como um semicírculo e um retângulo.

No esboço, é desenhado um esquema geral de composição, a localização e a relação dos atores principais sem um desenho detalhado. Talvez o tom e o esquema de cores do esboço. Em seguida, passam ao desenho da composição, depois à sua concretização pictórica.

Uma das etapas interessantes do trabalho é a coleta de material natural: observações da vida ao redor, esboços e esboços da casa e da rua, dependendo do terreno escolhido. Você pode coletar material natural imediatamente após escolher um enredo ou fazê-lo após o primeiro esboço da composição.

Tudo o que foi dito sobre o trabalho na pintura não deve ser entendido como uma ordem permanente, obrigatória e imutável. No entanto, seguir as regras ajuda a obter bons resultados, a dominar a habilidade.

3. 3 Técnica de pintura de natureza morta

pintura guache composição de cores

A pintura de natureza morta é fundamental para o processo de aprendizagem. Este é um estágio necessário na configuração da mão, do olho, no desenvolvimento do senso de cor, na integridade da visão. Conhecido através da natureza morta mundo real em toda a sua diversidade. A natureza morta não é uma coleção aleatória de objetos. Uma atitude ativa em relação à natureza, um senso de beleza deve se manifestar em todas as etapas

A sequência de imagens de uma natureza morta de utensílios domésticos: Primeira etapa. Realizando um desenho detalhado de uma natureza morta com linhas finas, identificando as principais relações proporcionais e design dos objetos.

Segunda fase. Execução de subpintura. A primeira colocação de cores locais de objetos e cortinas. A cor dos objetos é compilada em uma paleta usando lodo branco.

Terceira etapa. Identificação de relações de cores e tons. Elaboração e refinamento de detalhes claro sobre escuro e escuro sobre claro. Guache permite fazer alterações no trabalho; se algo não funcionar, sobreponha uma cor à outra. Generalização e finalização do trabalho.

Guache de Sequência de Imagens de Paisagem: Primeira etapa. Fazendo um desenho de uma composição de paisagem. O desenho a pincel é leve e livre, usando tinta quente ou fria, dependendo da cor do quadro.

Segunda fase. Colocando a cor principal do céu, copas das árvores, água. Transferência de verdadeiras relações tonais e de cores.

Terceira etapa. Desenhar detalhes, resumir e completar o trabalho. Alcançar a unidade de cor da paisagem.

3. 4 Técnica de trabalhar em uma imagem pitoresca de uma cabeça humana

A pintura da cabeça humana é construída sobre terreno comum criando imagens pitorescas. Vamos nos debruçar sobre alguns características metodológicas realização de estudos de cabeça. As tarefas de representar a cabeça são reduzidas a transmitir sua estrutura, esculpir a forma com cores e revelar as qualidades individuais da natureza. É necessário transmitir a riqueza de cores da vida corpo humano, conexão da cabeça humana com o meio ambiente.

O desenho para pintura pode ser feito com lápis, carvão, mas você pode desenhar imediatamente com pincel. É necessário transmitir com linhas finas a estrutura construtiva da cabeça, sua posição no espaço, para delinear os limites do claro-escuro.

O trabalho, como sempre, é feito do geral para o particular: primeiro, na subpintura, determinam-se as relações tonais e cromáticas gerais dos grandes planos, depois a forma é moldada em pequenos traços, os detalhes são desenhados e, no final, o último estágio, tudo é generalizado para alcançar a integridade.

É melhor começar a trabalhar do lugar mais escuro da natureza. As sombras no rosto são muito transparentes Oni. quase não escondem a tez viva. Ao comparar as partes iluminadas do dine com eles, será mais fácil encontrar os tons médios. A cor branca do papel substitui temporariamente as superfícies iluminadas. Não se apresse em escrever cada cílio se outras partes do rosto ainda não tiverem sido resolvidas, pelo menos em geral. Trabalhe em todas as partes da natureza ao mesmo tempo, trabalhe com o método dos relacionamentos. No processo de transferência do volume da cabeça, fique de olho nisso. para que os golpes se deitem na forma. A variedade sutil de cores depende de muitos reflexos. A cor do rosto e da roupa assume sempre uma tonalidade complementar à cor do fundo.

Na última etapa do trabalho, preste muita atenção à expressividade da silhueta da cabeça, seu contato com ([jovem. Em algum lugar é preciso dissolver as linhas de contorno, e em outros lugares, ao contrário, torná-las mais nítidas. Se o pintor tiver uma visão holística da natureza, concluirá corretamente a obra.

Sequência de execução de um estudo pictórico da cabeça de um modelo vivo: Primeira etapa. Desenho com um pincel. Trace o formato geral da cabeça e sua posição no espaço. Desenhe partes da tília, a forma do penteado sem detalhes desnecessários.

Segunda fase. Colocando a cor principal do rosto, cabelo, fundo, observando as relações corretas de tons e cores.

Terceira etapa. Prescrever detalhes, resumir e completar o trabalho, conseguir uma semelhança de retrato, transmitir o caráter e a imagem do modelo.

3. 5 Métodos de trabalho em uma imagem pitoresca de uma figura humana

A figura de um homem para fins educacionais é retratada, mas o cinto e em altura toda. Pintar uma figura requer conhecimento de anatomia plástica, perspectiva e as leis da ciência da cor. Antes de trabalhar em uma imagem pictórica de uma figura humana, é útil realizar vários estudos desse objeto com uma tinta (grisaille).

Logo no início do trabalho, é importante não apenas plantar ou colocar a natureza em determinada posição, mas também estudá-la. características e movimento, pense na escolha do figurino. Portanto, é recomendável realizar esboços pitorescos da natureza. No processo de busca pela solução composicional mais bem-sucedida nos esboços, deve-se determinar o posicionamento plástico da figura no formato selecionado, a cor geral. A natureza do modelo decide toda a construção da composição.

Na subpintura, são determinados os fundamentos das soluções tonais e coloridas. Além disso, transmitindo as qualidades volumétricas, materiais e espaciais do modelo, é necessário esculpir a forma com pinceladas e trabalhar com relações.

Ao retratar uma figura humana, é imperativo encontrar relações de cores em conexão com os objetos circundantes e o fundo. A mesma cortina ao lado da parte iluminada da natureza parecerá um pouco mais escura e nas proximidades de seus lugares escuros - um pouco mais clara.

Na última etapa, deve-se prestar atenção às características materiais e texturais do rosto, cabelo, roupas. O rosto e as mãos são sempre trabalhados com mais cuidado do que os acessórios e o fundo. É importante concluir a obra no prazo, para evitar fragmentação, elaboração excessiva de detalhes e incompletude do esboço. Várias abordagens criativas para a imagem da figura humana são possíveis.

Sequência de realização de um estudo pictórico de uma figura humana: Primeira etapa. Desenho com um pincel. Descreva o movimento geral da figura, suas proporções e posição no espaço. Desenhe a cabeça, pescoço. rasgado, braços, pernas sem detalhes desnecessários.

Segunda fase. Colocando a cor principal do corpo, cabelo, roupas, fundo, transferindo as relações tonais e de cores corretas.

Terceira etapa. Desenhando detalhes, resumindo e completando o trabalho, transferindo o personagem e a imagem do modelo.

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Então o artista desenha a imagem futura. Ele pode usar um lápis, carvão ou tinta líquida diluída e um pincel fino para isso. É possível fazer o chamado "papel vegetal" ou "papelão" caso o desenho precise ser transferido para alguma superfície. Às vezes, os artistas pulam essa etapa do trabalho e imediatamente começam a pintar com tintas sem um desenho preliminar.

104. P. CESANNE. Na floresta

No entanto, esse caminho não está disponível para todos. Você deve ter uma excelente memória visual, desenho preciso, pensamento compositivo, um senso de cor impecável.

A maioria dos artistas prefere trabalhar do geral para o particular, aplicando gradualmente a cor principal dos objetos e seguindo a modelagem do volume. Em seguida, eles refinam as nuances de cor, reflexos de cor, a cor geral da imagem. No último estágio, eles novamente procedem à generalização. Para alcançar a integridade do trabalho, você pode remover detalhes desnecessários, enfraquecer os contrastes, destacar o principal. É assim que o maravilhoso artista A. A. Ivanov adorava trabalhar. Ele fez um grande trabalho preparatório antes de criar a pintura "A Aparição de Cristo ao Povo". Numerosos esboços pictóricos exibidos ao lado desta pintura na Galeria Tretyakov ajudam a traçar a busca criativa do autor.

105. A. A. IVANOV Aparição de Cristo ao Povo

106. A. A. IVANOV Cabeça de João Batista. Estudo para a pintura "A Aparição de Cristo ao Povo"

Artistas-pintores transmitem a beleza do mundo ao seu redor com a ajuda de tintas. Você pode escolher qualquer base: tela, papel, papelão, papelão, parede, etc. A base geralmente é preparada com compostos especiais. Os pintores usam uma variedade de tintas: guache, aquarela, têmpera, óleo, etc. As tintas são aplicadas na base com pincéis redondos e chatos de diferentes espessuras. Às vezes, uma espátula, uma faca, um pano são usados \u200b\u200bpara isso, eles até aplicam tinta com o dedo, mas ainda é melhor criar pinturas com a ajuda de ferramentas especiais, e não com meios improvisados. A técnica de escrita, suas características dependem muito das propriedades das tintas, solventes, ferramentas.

107. Aquarela, guache e tintas a óleo

108 a. aquarela b. guache c. Óleo

Até o final do século XVII - início do XVIII, artistas e aprendizes preparavam tintas por conta própria, geralmente confiadas a estudantes, que trituravam pedras em pó e misturavam com cola, óleo ou ovo. Com a produção industrial de tintas, a paleta de cores tornou-se mais diversificada.

As tintas para pintura têm nomes especiais. Muitas vezes, esses nomes nos dizem de que elementos químicos ou naturais (minerais, plantas) são feitos. A base de todas as tintas é o pigmento (pó colorido finamente moído). Freqüentemente, o nome das tintas vem do tipo de aglutinante usado para prepará-las. Por exemplo, as tintas a óleo são baseadas em linhaça ou algum outro óleo. As tintas adesivas são aquarela, guache, têmpera. Antigamente, a têmpera de ovo era feita com a gema do ovo de galinha.

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