Introdução. Esboços rápidos Esboços rápidos de pintura a óleo
De Boilier
Desenhar da natureza é sempre um treinamento criativo profissional. Durante este treinamento, nossos olhos, cérebro e mãos são desenvolvidos ativamente. Com os olhos treinamos o processo de percepção. O cérebro é responsável pelo processo de abstração e pensamento visual - ao desenhar da vida, contribuímos para o seu desenvolvimento nesta área. A mão, neste momento, desenvolve a habilidade de trabalhar com o material, aprende a fazer uma imagem no plano pictórico de forma mais qualitativa e técnica. Portanto, o fato de que extrair a natureza da natureza aumenta dramaticamente o nível de habilidade criativa é inegável. Neste artigo, quero falar sobre como os plein airs são úteis para os artistas, sobre a escolha do enredo e os principais métodos técnicos dos esboços de campo. Compartilho meus pequenos truques para tornar a pintura ao ar livre mais agradável e confortável em meu outro artigo:
Benefícios da prática ao ar livre
Desenhar da natureza é sempre um treinamento criativo profissional. Nesse processo, muitas das habilidades necessárias para atividade artística. As aulas ao ar livre contribuem efetivamente para a fixação do olho e da mão, desenvolvem o pensamento visual e a memória figurativa. Pode-se falar sem parar sobre os benefícios de extrair da natureza - eles se enriquecem conhecimento artístico, o processo de trabalho com o material está sendo aprimorado, a sensação de cor está atingindo um novo patamar. Ao ar livre, o artista não copia negligentemente o que vê, mas ativamente atividades de pesquisa, estudando cuidadosamente o mundo, percebendo as mudanças mais sutis nele. Graças a esta prática, há uma visão completamente nova das cores, das formas, de todo o espaço ao redor. Uma variedade de tons se abre diante dos olhos, e agora vermelho, roxo, azul já se encontram no verde usual ... A tarefa do artista é contar corretamente sobre isso em sua obra, retratando o que viu como era em este momento.
Mas entre esse benefício prático inestimável, há outro componente invisível e importante da prática ao ar livre - é o contato próximo com o mundo da vida selvagem, que enriquece espiritualmente uma pessoa. Tal diálogo sempre deixa uma marca particularmente inspiradora no interior, sendo uma fonte de forças criativas. Ao desenhar ao ar livre, é necessário transferir para o esboço o estado de natureza que prevalecia na época. A fotografia pode transmitir parcialmente cores desejadas, perspectiva aérea, mas algo vivo, com o qual este momento foi preenchido, estará ausente. Desenhando a partir de uma fotografia, não se pode sentir totalmente o clima, a respiração do momento, o jogo de luz e sombra, o movimento da vida daquele tempo muito capturado. É por isso que muitas vezes os esboços ao ar livre acabam sendo especialmente vivos, com o caráter da atmosfera transferida.
Eu amo muito a prática ao ar livre porque você vê a paisagem não apenas com os olhos. Você ouve o sussurro das folhas e o som da água, sente algo mais invisível envolvendo tudo ao seu redor. E essas sensações são transferidas por meio de pincel e tintas para tela ou papel.
Estudos
Uma das principais tarefas dos esboços é a transferência de estado, a concentração da primeira impressão da natureza. O limite de tempo determina as especificidades do estudo. Precisa criar imagem artística, formar uma ideia de natureza, utilizando um mínimo de meios visuais e compositivos, sem entrar em detalhes excessivos, mas direcionando o vetor de atenção para o principal. Os estudos são um exercício muito útil. Ao executá-los, o artista desenvolve ativamente a habilidade de memorização, a reprodução de uma imagem colorida e o desenvolvimento da memória visual de curto prazo. A capacidade de transmitir um estado de imagem colorida é muito importante para a expressividade emocional de uma imagem. É a execução sistemática de esboços que permite encontrar e transmitir corretamente a imagem colorida da natureza por meio de tintas.
Seleção de cena
Qualquer coisa de toda a variedade do mundo circundante pode ser usada como natureza para esboços: motivos paisagísticos, ruas da cidade, naturezas mortas ao ar livre e muito mais. O mais importante é que o motivo escolhido responda especificamente a você, não o deixe indiferente, captando algumas de suas características, que podem não ser óbvias para outras pessoas à primeira vista. Quando seus olhos brilham ao olhar a natureza e suas mãos não veem a hora de pegar nas tintas, a escolha foi acertada. Só é necessário encontrar o ponto de vista ideal no enredo escolhido, o que ajudaria a ver o mais importante e característico em espécie. Um formato bem escolhido também ajudará a enfatizar a peculiaridade do motivo. Para esboços de curto prazo, é melhor escolher gráficos simples com um pequeno número de objetos incluídos neles. Isso o ajudará a evitar entrar em detalhes excessivos, o que nem sempre tem um efeito positivo na integridade do estudo. Se seu prática ao ar livre ainda não é rico, então você não deve ser levado imediatamente para panoramas da cidade, mas é melhor começar com motivos naturais simples. Mesmo a relação entre o céu e um campo claro que se estende até o horizonte pode ser extremamente interessante, principalmente para resolver problemas de cores. Esses gráficos serão ideais para a realização de estudos de curto prazo. Eles o ajudarão a adquirir a experiência e a confiança necessárias para assumir tarefas mais complexas.
Técnica e técnicas de pintura
Qualquer material de arte pode ser usado ao ar livre - não há restrições. O mais importante é que o material selecionado seja familiar para você, pois em campo não será possível estudar detalhadamente as propriedades e o comportamento do material. Depois de escolher uma trama, é necessário analisar cuidadosamente as relações de cores e tons de todos os componentes dela. No decorrer do trabalho, é necessário comparar constantemente o resultado em termos de cores e tons com a natureza. Para captar com mais precisão a diferença de tom, você precisa apertar os olhos com mais frequência, olhando para a natureza e depois para o trabalho. Comparando cores, você precisa se perguntar constantemente qual cor é mais fria, qual é mais quente e quanto, quais tons ainda estão presentes nessa cor? tal constante análise comparativa irá ajudá-lo a criar a atmosfera certa na imagem, transmitir corretamente o clima ambiente. Cada estado da natureza é caracterizado por sua própria cor e relações tonais - se forem encontrados corretamente, o esboço transmitirá Estado desejado. Por exemplo, o sol da manhã iluminará os objetos com uma tonalidade amarelo-rosada, transformando as sombras em roxo-azulado.
O curso do trabalho no esboço deve ser construído de acordo com o princípio “do geral ao particular”. Ou seja, primeiro são resolvidas as massas principais, o trabalho é feito em grandes manchas, são utilizadas escovas largas. E só no final é dado tempo para um estudo mais detalhado. Por muito tempo ao ar livre, tive o problema de “cavar nos detalhes” - não tendo tempo para colocar as massas gerais, desenhei diligentemente folhas de grama, me perguntando por que não tive tempo de fazer um esboço em três horas. Esse problema foi resolvido pelo fato de que na primeira etapa comecei a pegar apenas pincéis grandes, lembrando-me constantemente do que é fundamental. Deixo os detalhes para o final, dando-lhes o papel de acentos que enriquecem a imagem. Não há necessidade de confundir um estudo com um longo trabalho de várias sessões na oficina, tentando elaborar o estudo com um grau de perfeição ou precisão fotográfica absolutamente desnecessária. A execução de etudes tem suas próprias tarefas e lógica. O principal aqui é a transferência de impressões, cores, o clima que permeava o mundo no momento. Que tipo de técnica para realizar o estudo pode lhe dizer a própria natureza quando você a estuda cuidadosamente. Freqüentemente, pode ditar a forma como a tinta é aplicada, a natureza dos traços - seja um preenchimento suave ou traços grossos que deixam a textura do pincel, você entenderá captando a natureza do que está diante de seus olhos. O esboço parece muito vivo e interessante, no qual se combinam diferentes técnicas de escrita, por isso aconselho que experimente no âmbito de uma obra, fazendo camada de tinta variado em textura e técnica de aplicação de tinta. Para realizar esta tarefa, você também será auxiliado por pincéis de várias formas e pilhas, cada um dos quais deixará sua marca característica. Não negligencie ferramentas como panos e dedos, eles podem criar efeitos incríveis se você estiver trabalhando com óleos ou pastéis. Todos esses pontos técnicos devem ser seus assistentes na criação de uma imagem artística.
As memórias que levo comigo ao ar livre estão escondidas em pinceladas de tinta. Então eles não vão desaparecer, não vão se dissolver nas profundezas da memória. Ao desenhar, o artista não transfere mecanicamente o que vê para uma tela ou folha, mas se conecta invisivelmente com o enredo, lembrando-se de cada detalhe, tornando-se por um momento exatamente o que está ao seu redor - seja uma corrente tempestuosa de um rio ou um céu azul esvoaçante ou uma folha de grama perfumada. O tempo passa, mas o que é visto e captado facilmente aparece diante do olho interior nos mínimos detalhes. Você pode até sentir o vento leste novamente e o zumbido da abelha. Desenhe o que responde com alegria, entusiasmo e não indiferença no coração! Afinal, o clima da trama ficará invisível dentro de você.
Estudo. Um lugar significativo na obra de Malyutin foi ocupado pela pintura de estudo.
Seus esboços podem ser divididos em dois tipos. Algumas são demoradas: foram criadas pela natureza, com estudo cuidadoso das formas em duas a quatro horas e destinavam-se principalmente a obras de gênero. Estes incluem, por exemplo, o seguinte: “Pastor para a pintura “Pastor com pastor” (1893, Galeria Estadual Tretyakov), “Cabana” para a pintura “Feira do País” (1907, Galeria Estadual Tretyakov), “Menino” para a pintura “Avô e neta” (1932 , Conselho Central de Sindicatos de Todos os Sindicatos), “Melancias” para a pintura “Almoço Artel” (1934, Galeria Estadual Tretyakov).
Esses estudos são feitos em um primer de grão fino, denso tela de linho. Tintas pastosas apagadas Malyutin aplica energicamente traços corporais e texturizados, esculpindo formas expressivamente.
O segundo tipo de estudos inclui estudos de 15 a 20 minutos - "remendos" executados pelo artista no local durante suas frequentes viagens à região de Moscou, ao norte da Rússia, à Crimeia e outros lugares de nossa pátria.
Mosteiro em Istra
Nesses esboços de tamanhos padrão (9x15 centímetros), Malyutin perseguiu um duplo objetivo. Para ele, era, em primeiro lugar, um treinamento constante da mão e do olho na natureza e, em segundo lugar, nos esboços - "manchas" o artista buscava as relações de cores de que precisava.
O tamanho de 9x15 centímetros correspondia exatamente a um pequeno caderno de esboços (presente de K. Korovin). geralmente acompanhando Malyutin durante suas viagens de campo. Indo para escrever esboços, Malyutin levou consigo apenas um pequeno caderno de esboços. Ele não gostava de trabalhar no local com outros desenhistas. Espremendo as cores que precisava na paleta, pegou branco e pincéis no bolso e foi escrever.
O principal material para esses esboços eram placas de madeira compensada forte, de três camadas e bem temperada, com 1,5 a 2,5 mm de espessura. Em casos raros, tela de granulação fina preparada foi colada em compensado (estudo "Hut", 1925, coleção de O. S. Malyutina).
As técnicas de aplicação de cores em pequenos esboços pintados rapidamente se distinguiam por uma diversidade excepcional. Essa era uma alvenaria de tintas muito fina, semi-vidrada (tintas bastante diluídas em líquido) no etude “Alabino. Brook" com a inclusão em alguns pontos na pitoresca e colorida camada da textura do compensado; depois, um esboço pintado de forma mais impasto “Skorotovo” (1936) com uma alvenaria de cores semi-vidrada ao fundo e traços maciços, em relevo e fortemente pronunciados (nuvens) colocados no céu em um corpus; depois alvenaria enérgica com pinceladas curtas e largas de média densidade de cores, claramente esculpindo formas em “Peasant Yard” (1911); em seguida, os traços texturizados longitudinais (céu e água) amplamente dispostos ao longo de todo o comprimento do etude, combinados com pequenos traços muito pastosos e em relevo do primeiro plano (costa e pedras) no etude “Crimeia. Mar" (1925).
Alguns esboços distinguem-se pela alvenaria maciça de pasta espessa colorida semelhante a esmalte, nitidamente disposta em pequenos traços (esboço “Árvore. Crimeia” (1925).
Malyutin usou habilmente a superfície texturizada do compensado no estudo. Pintura no esboço “Crimeia. The Beach” (1925) é feito de tal forma que a textura do compensado, levemente desgastado com tinta cinza (que deixa vestígios na forma de inúmeros traços), transmite perfeitamente o areal da praia. Apenas ao fundo, a água e a espuma das ondas são expressivamente expressas por várias pinceladas de tinta azul e branca. Sentado na praia figura feminina delineado com alguns traços leves de vermelho veneziano e preto.
Malyutin sempre pintou seus esboços com pincéis de cerdas de vários números.
Estudo. Artista Malyutin S.V.
O processo de criação e o resultado estão intimamente relacionados à visão de mundo do artista. Seus pensamentos, sentimentos, fantasia, habilidade, atitude para com o retratado participam da imagem que ele cria.O artista está sempre em busca da solução mais expressiva para sua ideia, pondera o enredo, a composição. As imagens que surgem em sua imaginação têm origem objetiva, nascem das propriedades visíveis da realidade e têm formas próprias e específicas. Portanto, o pintor, concretizando sua ideia, refere-se às propriedades dos objetos e fenômenos que ele percebe visualmente. Somente na presença de autenticidade visual do retratado, é possível expressar certos sentimentos, pensamentos, causar experiências apropriadas no espectador, cujas representações associativas estão associadas ao mundo objetivo. Em uma boa paisagem, o observador verá não apenas objetos materiais, mas também o jogo natural de luz e cor, o brilho prateado do orvalho ou jogo de cores no céu da manhã. Tal imagem evoca impressões esquecidas na memória, faz a imaginação funcionar, põe em movimento pensamentos e sentimentos associados a experiências passadas, a vivências anteriores. O impacto emocional e estético das pinturas está ligado às peculiaridades dessa percepção associativa.
Não se deve pensar que o autor da pintura, esforçando-se para alcançar a autenticidade visual da pintura, deva copiar mecanicamente a aparência do retratado. O trabalho educacional é caracterizado principalmente pela cognição, estudo aprofundado e abrangente da natureza. Muitas vezes, os esboços educacionais são muito "secos", "fracionários", "protocolares", semelhantes entre si não apenas em termos de enredo e tema, mas também na execução técnica. Tudo isso é bastante natural, e a "secura", a timidez do trabalho acadêmico não podem ser consideradas sinais de sua fragilidade ou falta de talento criativo do autor.
Ao mesmo tempo, a atitude livre do aluno para com as tarefas do estudo, uma certa “ousadia” não são sinais de criatividade, como às vezes se acredita. As obras educativas não são suficientemente emocionais, frescas e originais, porque ainda são artisticamente imperfeitas, pois os alunos ainda não têm experiência, habilidade, não conhecem toda a variedade de meios para resolver um problema educacional ou concretizar uma ideia. O livre domínio criativo da natureza e de suas leis, bem como a perfeição técnica, virão apenas com a experiência.
é sobre o trabalho acadêmico as tarefas educacionais definidas foram resolvidas de forma consistente e clara e, em conexão com isso, os alunos foram educados e desenvolveram talentos criativos.
Parte principal
A capacidade de ver e transmitir formas tridimensionais e cores de objetos em um plano é a essência da pintura. Este diploma é adquirido principalmente em exercícios da natureza. Como mais artista escreve esboços da natureza, mais nítido se torna seu senso de cor, harmonia de cores e ritmo de linhas. Como resultado de exercícios constantes de retratar naturezas-mortas, paisagens, cabeça e figura de uma pessoa da natureza, desenvolve-se a observação, a capacidade de enfatizar o essencial, descartar o secundário, expressar as emoções causadas pela beleza da natureza circundante, o a diversidade da vida é desenvolvida.
O caminho para o domínio começa com o estudo dos fundamentos teóricos da pintura e a implementação sistemática de exercícios práticos. Sem o conhecimento das leis da pintura, o trabalho prático dos alunos é cego e o aperfeiçoamento profissional desacelera.
Descrever é, antes de tudo, raciocinar. Ao começar a pintar, você precisa pensar bem sobre sua tarefa, definir claramente seu objetivo.
Até Leonardo da Vinci disse que “aqueles que se apaixonam pela prática sem a ciência são como contorcionistas que vão velejar sem leme e bússola, porque nunca sabem ao certo para onde estão indo. A prática deve sempre ser construída sobre uma boa teoria, e sem ela nada pode ser feito bem em casos de pintura."
Eles falaram principalmente sobre um estudo de longo prazo, que envolve um estudo aprofundado da forma dos objetos com cores, levando em consideração a gama de cores da natureza morta, as condições ambientais - luz, o espaço circundante e suas influências mútuas.
Mas em cursos de pintura em escola de Artes Novas intenções artísticas ensinamos artistas novatos a escrever rapidamente um desenho, a capturar em um esboço apenas o principal, o mais significativo, ou apenas uma parte do todo - um fragmento. Portanto, junto com as obras que duram toda a aula de pintura, existem outras formas de estudo. São estudos-esboços, estudos de fragmentos, esboços de memória.
Todas essas formas têm o direito de existir. A única questão é como combiná-los com sabedoria. Trabalhando apenas em estudos de longo prazo com desenho aprofundado e detalhado de objetos, não adquiriremos as habilidades do trabalho rápido e não seremos capazes de capturar imediatamente as características mais importantes e essenciais do estudo, não aprenderemos a conscientemente sacrifique um ou outro detalhe pelo bem do principal.
Nesse estudo, juntamente com a definição da estrutura composicional, descobrimos por nós mesmos o esquema de cores, memorizamos a mistura de cores, com a ajuda das quais alcançamos as combinações desejadas. Tal estudo é realizado dentro de meia hora - uma hora.
Abaixo está uma série de esboços rápidos e esboços de soluções fragmentárias individuais de naturezas mortas de frutas, bagas e utensílios domésticos. Faça uma série de exercícios para obter algumas habilidades em desenhar estudos curtos.
Aprendendo a fazer esboços.
Na primavera ou no verão, faça um buquê de flores uniformes, inclua uma ou duas flores de um tipo diferente. Coloque esse buquê primeiro sob luz difusa em uma grande sala cheia de luz, em uma varanda ou em um jardim e escreva um esboço dentro de uma hora e meia a duas horas. Tente escrever o mesmo ou outro buquê sob luz forte, em um dia ensolarado, colocando flores em uma janela ou em um jardim. Em cada uma dessas tarefas, você encontrará novas condições para você. Sob a influência de forte luz direta (em este caso solar) a cor dos objetos muda em comparação com as condições do ambiente. Devido aos contrastes emergentes, abundância de reflexos, ofuscamento, devido à combinação e interação de todos esses fatores, os objetos parecem perder sua concretude. Tanto a luz quanto a sombra e a penumbra não são percebidas como claramente delimitadas uma da outra, mas se enriquecem com uma massa de novas sombras, nuances e transições. Em suma, a solução dos problemas de luz e sombra adquire neste caso uma importância muito grande.
Para o pintor, a iluminação é tão importante quanto o próprio motivo, ou melhor, um com o outro está indissociavelmente ligado. Assim, ao trabalhar em um etude in the air, como dizem no plein air*, surgem problemas especiais que são de grande interesse. * (Do francês plein air - sob céu aberto. O termo é usado em belas-Artes aplicado à imagem ao ar livre).
O estudo dos sinos de campo é feito sob luz solar direta. Facilmente, com tintas transparentes, sua massa total é contornada. Mas, no entanto, é percebido como volumoso. Na borda externa do buquê, os sinos parecem transparentes e sem peso. Alguns deles quase desaparecem no fundo, outros são mais claros, mas não nítidos.
O esboço é interessante para nós lado técnico execução. A pureza das cores, a impressão geral de frescor e suculência são alcançadas pelo fato de o trabalho ser feito em papel úmido umedecido, abundantemente saturado com solução de tinta. Nos cursos de pintura de nossa escola, falamos com mais profundidade sobre as características dessa escrita.
Ao contrário do exercício anterior - um buquê de flores uniformes, faça também um pequeno buquê de flores de cores e formas diferentes. Coloque-o em luz difusa em uma sala contra uma parede clara e sem padrão. O buquê vai, em relação ao fundo, formar uma silhueta de certa força.
No desenho, contorne facilmente as flores que se projetam da massa total do buquê. Eles serão diferentes em seu contorno, forma e tamanho. Então, sempre comparando a força do tom, comece a cobrir as partes com a cor desejada de certos grupos de cores, tentando transmitir seu caráter. Ao mesmo tempo, não é necessário retirar a tinta com força total, para poder posteriormente fortalecer algumas partes. Ao desenhar flores, evite contornos nítidos ao tocar algumas cores com outras ou com vegetação. Caso contrário, darão a impressão de rigidez e parecerão mais artificiais do que vivos. As flores, especialmente as flores silvestres, são sempre tenras, frágeis, trêmulas, e em um esboço deve-se esforçar para transmitir essas qualidades.
Veja a atenção e o amor com que escovam o sabugueiro, as flores amarelas do linho, ao lado delas estão as folhas de camomila e samambaia. Certifique-se de que a imagem não dê a impressão de ser plana, como se fosse recortada e colada no papel como um aplique. Para evitar isso, é necessário determinar por comparação as características do toque do buquê com o fundo. Em algumas partes, as flores vão se fundir com ela em leveza ou até ficar mais claras que ela, em outras vão formar silhuetas de diferentes forças de contorno. Apesar da variedade de tonalidades que compõem um buquê de flores, ele não deve parecer variegado, mas manter a compostura, a integridade de uma tonalidade única. Ao aprender a desenhar em uma escola de arte, recomendamos que os iniciantes às vezes apertem os olhos enquanto trabalham e olhem para o buquê ou para o esboço. Isso ajuda a ver os erros cometidos na solução tonal.
O próximo exercício nesta lição de pintura é projetado para aprofundar suas habilidades em trabalhar em um estudo rápido. O exercício estabelece a tarefa, usando as habilidades previamente adquiridas na técnica a la prima, para alcançar riqueza e colorido na pintura. É útil reservar uma ou duas horas para cada um desses exercícios.
Para começar, você pode concluir uma tarefa semelhante ao esboço com morangos. Aqui, como no estudo anterior, o autor ou usa as capacidades de um pincel saturado com uma solução de tinta, ou coloca pinceladas leves e transparentes de tintas puras, permitindo um mínimo de sua mistura. Como resultado, consegue-se a transferência de suculência e maciez de bagas grandes, a impressão da sua permeação de luz.
O estudo com uma caneca também é feito na forma esboço rápido. O desempenho é interessante com uma combinação de vários assuntos. Antes que o artista surja nova tarefa- para mostrar o brilho do metal ao lado da superfície brilhante da pele de um tomate. As cores são limpas, claras, transparentes, a cor geral é clara. Portanto, a obra passa a impressão de frescor, imediatismo.
Consequentemente, em estudos de execução rápida, a tarefa é estabelecer relações básicas de cores, contrastes básicos e transmitir iluminação. Em tais estudos, o detalhamento detalhado em todas as partes não é necessário. Por exemplo, em um buquê com sinos, com uma solução generalizada de toda a massa do buquê, vemos uma camomila e os contornos característicos dos próprios sinos delineados pela silhueta.
Tais estudos podem ter significado subordinado e independente. Subordinado - ao executar um esboço preliminar antes de um esboço longo; independente - ao resolver problemas pictóricos especiais (transferência de condições de luz, combinações de cores) e, finalmente, quando você precisa capturar algum tipo de motivo para si mesmo, mas não há tempo para completá-lo com mais detalhes.
Em um curso de pintura Novas intenções artísticas alertamos contra a indulgência excessiva em tais estudos rápidos. Com a generalização da solução, o estudo não deve perder suas características de objeto. Em uma palavra, a generalização não deve se tornar um fim em si mesma no desenho para iniciantes. Pelo contrário, com a ajuda dela tentamos expressar as propriedades mais características e típicas de um determinado objeto ou fenômeno.
Esboços em acrílico pintados por alunos durante as aulas de pintura no Artintenstudio.
Etude é uma obra de pintura de natureza auxiliar e de tamanho limitado, inteiramente feita a partir da natureza.
Trabalhando ao ar livre em um estúdio, o artista se propõe a ser uma verdadeira e viva personificação da natureza na pintura.
Os esboços podem ser um meio de estudar a natureza, exercícios de treinamento para o artista, um meio de melhorar suas habilidades. Freqüentemente, eles servem como material para a preparação de uma imagem, por exemplo, esboços de lugares individuais, parcelas, árvores, folhagens e outros detalhes de interesse do pintor. Trabalho em tempo integral acima deles na natureza auxilia na criação de paisagens.
A pintura Etude torna possível desenvolver um olho, fortalecer a firmeza da mão e melhorar as habilidades de pintura.
Um estudo requer um desenho cuidadosamente elaborado, que deve ser preciso e verdadeiro não apenas em escala, mas também em detalhes individuais e nas relações entre eles. Para ele, um desenho esquemático geral da vida sem detalhes excessivos, fidelidade e precisão das linhas principais e contornos dos objetos são importantes. No desenho, o artista deve ser capaz de transmitir o que observa e estuda na natureza. No entanto, não apenas visto, mas também generalizado - essencial, o principal, sem detalhes secundários.
O desenho para o estudo é feito em papel, papelão ou diretamente na superfície preparada da tela com lápis, carvão, mas o melhor de tudo com pincel, com uma tinta.
Na obra dos nossos mestres paisagistas, o estudo ocupou e ocupa um lugar muito lugar significativo. Mestres insuperáveis da pintura de esboços foram A. K. Savrasov, I. I. Levitan, I. I. Shishkin, N. K. Roerich, M. V. Nesterov, K. A. Korovin. Em termos de completude e domínio pictórico da execução, muitos de seus estudos podem ser considerados obras de significado independente.
Ao criar esboços, os artistas costumam definir certas tarefas, resolvendo-as por vários métodos, dependendo das características individuais do próprio pintor.
O conhecimento do trabalho sobre os esboços de pintores paisagistas individuais, seus métodos de execução dessas obras, as características técnicas de trabalhar com eles é de interesse indiscutível para um jovem artista iniciante e o ajudará a evitar muitos erros.
O notável mestre paisagista N. K. Roerich designou um grande espaço para esboçar a pintura em seu trabalho. Como já notado, método criativo Roerich baseou a criação do trabalho na observação atenta e cuidadosa e no estudo constante e penetrante da natureza. Começando a escrever um esboço, ele primeiro se propôs uma tarefa muito específica, cuja solução ele procurou. A ideia da composição da obra, que surgiu na alma do artista a partir de suas observações e estudo da natureza, foi pensada por ele antes do início de seu trabalho de pintura. Quando construção composicional o esboço foi decidido mentalmente, quando o enredo da composição foi determinado e a principal decisão colorística foi delineada, Roerich passou a esboçar os desenhos e depois à pintura.
No processo de um longo estudo da natureza, o momento encontrado pelo artista e que o impressionou foi a base da impressão sobre ele; a impressão criativamente consciente e processada mentalmente e a imagem artística que surgiu com base nisso foram constantemente preservadas na memória durante o trabalho no esboço.
Sabendo perfeitamente que uma vez observado na natureza você não verá mais, Roerich escreveu seus estudos rapidamente, em poucas horas. Caso contrário, afinal, é impossível transmitir em todo o seu frescor original e imediatismo da primeira impressão este ou aquele estado da natureza, pois em um dia, e às vezes em algumas horas, já estará completamente diferente.
Roerich acreditava que, claro, é muito importante ser capaz de retratar o que você vê na natureza, mas é igualmente importante poder ver o que você deseja retratar. Essa, segundo Roerich, é a principal qualidade do artista, que consiste no fato de que se deve olhar a natureza não com o olhar indiferente de um observador, mas com um olhar amoroso e penetrante, selecionando e anotando mentalmente o que se gosta. Se você não investir no estudo da natureza toda a paixão de sua alma, todo o amor por ela, não há necessidade de pintá-la.
No etude, a pessoa deve ser capaz de encontrar soluções simples e aparentemente descomplicadas para as tarefas definidas para si mesma. Essas decisões, tanto composicionais quanto em termos de cores e padrões, devem ser concisas. No entanto, isso requer não apenas experiência, mas também uma forte crença no objetivo principal definido neste trabalho. O artista deve ser capaz de se concentrar em resolver e atingir esse objetivo, no principal, e não no secundário, usando todas as suas possibilidades na composição e na pintura. Concentração, compostura, capacidade de ver e destacar o principal, velocidade e precisão no trabalho - essa é a chave para o sucesso na criação de um etude.
É necessário escrevê-lo, tendo calculado suas forças e capacidades, determinando com maior ou menor precisão quanto tempo durará o estado de natureza que interessa ao artista. Sem fazer isso, é fácil cair no erro - afinal, a iluminação muda o tempo todo. Também pode acontecer assim: você começa a pintar um esboço em certas condições, por exemplo, você pinta a terra - o sol estava à esquerda, aí você passa a pintar o céu, e o sol já passou para o outro lado, que você não percebeu e acabou implausível. É impossível escrever um esboço por muito tempo - a primeira impressão da natureza fica embotada, o artista se cansa, perdendo gradativamente o frescor e a nitidez da percepção.
Os esboços de Roerich sempre surpreendem com sua composição original, o que ajuda a revelar a originalidade única da natureza com uma plenitude excepcional.
Importante para trabalho de sucesso o artista tem o tamanho de um esboço. Portanto, é muito importante, levando em consideração as próprias forças e capacidades, escolher para os esboços o tamanho da tela mais leve e conveniente para trabalhar em um tempo relativamente curto e ao mesmo tempo possibilitar a completude do trabalhar. Roerich costumava usar papelão medindo 35,5x45,8 cm; para esboços, ele usou papelão ainda menor.
Nos esboços, Roerich, via de regra, tomava os tons das tintas não com força total, mas um pouco mais contidos do que realmente eram, e não usava totalmente toda a gama de sua paleta. Ao fazer isso, o artista levou em consideração: se você tirar imediatamente tons sonoros e intensos, quando precisar aplicar uma pincelada de cor, verifica-se que toda a gama já foi usada e não haverá nada para fazer.
Enquanto trabalhava no estudo, Roerich limitou sua paleta, não a sobrecarregando com cores excessivas, acreditando com razão que o excesso sempre leva a grandes dificuldades em combinar a gama de cores em um único todo e priva a veracidade na transferência das relações de cores observadas na natureza.
Nos esboços de Roerich, com brilhante habilidade, o efeito de justapor tons aparentemente incompatíveis entre si, formando unidade interior, e a especial simplicidade e ousadia do artista nos contrastes de cores. Essas comparações habilmente encontradas de tons claros e escuros, brilhantes e opacos, dão à sua pintura uma luminosidade excepcional. Seus tons coloridos parecem ser preenchidos e permeados de luz. A luminosidade da cor é uma das qualidades surpreendentes do pintor Roerich, proveniente de um estudo penetrante e observação da natureza.
V. N. Baksheev dedicou muita atenção e tempo para trabalhar em esboços. Cada uma de suas pinturas foi pintada de acordo com esboços. Já neles, o artista procurou encontrar o que há de mais característico no tema escolhido, conseguindo não só semelhança com a natureza, mas também com a plenitude interior. Os esboços, é claro, o ajudaram a criar telas grandes - ele estudou a forma, a cor, a luz. No entanto, o artista nunca copiou descuidadamente de um esboço, acreditando que trabalhar em uma pintura é processo criativo, em que você transfere vida íntima, psicologia.
Aqui está o que Baksheev disse em uma de suas conversas com o autor deste livro sobre os requisitos para um estudo: “ Em primeiro lugar, os esboços devem ser estritamente desenhados e cores verdadeiras. Você precisa estudar a natureza com muito cuidado. É importante primeiro descobrir tudo: proporções, relações de cores, luz e sombras, e só depois passar para a pintura. E então, quando começar a trabalhar com tintas, convença-se de que esta será a sua melhor coisa que você o escreva bem; configurá-lo e, em seguida, começar! Polenov me aconselhou a colocar primeiro tons claros e definidos na tela, depois os mais escuros e os mais claros; compare os meios-tons em relação à luz e à escuridão e em relação ao quente e ao frio. É necessário escrever sem subpintura, em partes e, se possível, com força total da cor. O estudo deve ser bem, elaborado em detalhes ... Você também não pode escrever melhor do que está na natureza, caso contrário, sairá falso» .
Baksheev dedicou um tempo diferente aos esboços: conseguiu escrever alguns deles para concluir durante o dia, outros completou em mais tempo. Em casa, ele nunca fazia correções e correções, pois, via de regra, a pintura ficava falsa a partir disso.
Seriamente engajado na pintura etude SV Malyutin. Seus esboços podem ser divididos em dois tipos. Algumas são extensas: foram criadas na natureza, com um estudo cuidadoso das formas em duas a quatro horas, e destinavam-se principalmente a obras de gênero. O segundo tipo inclui estudos-blotches de 15 a 20 minutos, feitos pelo artista no local durante suas frequentes viagens à região de Moscou, ao norte da Rússia, à Crimeia e outros lugares em nosso país. Nesses estudos de tamanhos padrão (9x15 cm), feitos em placas de compensado de três camadas, bem seco e temperado, Malyutin perseguiu um duplo objetivo. Para ele, foi, em primeiro lugar, um treinamento constante do olho e da mão na natureza e, em segundo lugar, nos estudos, o artista encontrou a cor e as relações tonais de que precisava.
M. V. Nesterov estava muito atento à pintura de estudo. Em seus esboços, podemos observar uma forma de atuação bem pensada que correspondia plenamente à sua atitude para com esse tipo de criatividade. Nesterov disse a seus alunos: Etude é coisa séria! Os esboços devem ser escritos com muito cuidado. Elas não devem ser aleatórias, mas bem pensadas com antecedência, encontradas e totalmente coerentes com a intenção criativa do artista. Se você mentir no esboço, haverá ainda mais mentiras na foto» .
