O que é a criação de uma cidade ideal. pré-avivamento
Classicismo na arquitetura da Europa Ocidental
Vamos deixar para os italianos
Ouropel vazio com seu brilho falso.
O mais importante é o significado, mas para chegar a ele,
Teremos que superar obstáculos e caminhos,
Siga rigorosamente o caminho marcado:
Às vezes a mente só tem um caminho...
Você precisa pensar no significado e só então escrever!
N. Boileau. "Arte Poética".
Tradução de V. Lipetskaya
Assim ensinou a seus contemporâneos um dos principais ideólogos do classicismo, o poeta Nicolas Boileau (1636-1711). As regras estritas do classicismo foram incorporadas nas tragédias de Corneille e Racine, nas comédias de Molière e nas sátiras de La Fontaine, na música de Lully e na pintura de Poussin, na arquitetura e decoração dos palácios e conjuntos de Paris...
O classicismo se manifestou com mais clareza nas obras de arquitetura, voltadas para as melhores conquistas da cultura antiga - um sistema de ordem, simetria estrita, uma clara proporcionalidade das partes da composição e sua subordinação à ideia geral. O "estilo austero" da arquitetura classicista parecia ter a intenção de incorporar visualmente sua fórmula ideal de "simplicidade nobre e grandeza calma". As estruturas arquitetônicas do classicismo eram dominadas por formas simples e claras, uma calma harmonia de proporções. Foi dada preferência a linhas retas, decoração discreta, repetindo o contorno do objeto. A simplicidade e nobreza do trabalho, praticidade e conveniência afetaram tudo.
Com base nas idéias dos arquitetos renascentistas sobre a "cidade ideal", os arquitetos do classicismo criaram um novo tipo de grandioso conjunto de palácio e parque, estritamente subordinado a um único plano geométrico. Uma das estruturas arquitetônicas marcantes da época era a residência dos reis franceses nos arredores de Paris - o Palácio de Versalhes.
"Sonho de Fada" de Versalhes
Mark Twain, que visitou Versalhes em meados do século XIX v.
“Eu repreendi Luís XIV, que gastou 200 milhões de dólares em Versalhes quando as pessoas não tinham pão suficiente, mas agora eu o perdoei. É extraordinariamente lindo! Você fica olhando, apenas abra os olhos e tente entender que você está na terra e não nos jardins do Éden. E você está quase pronto para acreditar que isso é uma farsa, apenas um sonho fabuloso.
De fato, o “sonho de conto de fadas” de Versalhes ainda surpreende pela escala do layout regular, o magnífico esplendor das fachadas e o brilho da decoração decorativa dos interiores. Versalhes tornou-se uma personificação visível da arquitetura oficial do classicismo, expressando a ideia de um modelo racionalmente organizado do mundo.
Cem hectares de terra em uma área extremamente pouco tempo(1666-1680) foram transformadas num pedaço de paraíso destinado à aristocracia francesa. Os arquitectos Louis Leveaux (1612-1670), Jules Hardouin-Mansart (1646-1708) e André Le Nôtre(1613-1700). Durante vários anos reconstruíram e alteraram muito a sua arquitetura, de modo que atualmente é uma fusão complexa de várias camadas arquitetônicas, absorvendo traços de caráter classicismo.
O centro de Versalhes é o Grande Palácio, ao qual conduzem três avenidas convergentes. Localizado a uma certa elevação, o palácio ocupa uma posição dominante sobre a área. Seus criadores dividiram o comprimento de quase meio quilômetro da fachada em uma parte central e duas alas laterais - risalit, dando-lhe uma solenidade especial. A fachada é representada por três andares. O primeiro, que desempenha o papel de uma base maciça, é decorado com rusticação no modelo dos palácios-palácios renascentistas italianos. Na segunda, frontal, há altas janelas em arco, entre as quais há colunas e pilastras jônicas. O nível que coroa o edifício confere monumentalidade à aparência do palácio: é encurtado e termina com grupos escultóricos que conferem ao edifício uma elegância e leveza especiais. O ritmo de janelas, pilastras e colunas na fachada enfatiza sua austeridade e imponência clássicas. Não é por acaso que Molière disse do Grande Palácio de Versalhes:
"A decoração artística do palácio está tão em harmonia com a perfeição que a natureza lhe dá que se pode chamar um castelo mágico."
Os interiores do Grande Palácio são decorados em estilo barroco: estão repletos de decorações esculturais, rica decoração em forma de estuque e entalhes dourados, muitos espelhos e móveis requintados. As paredes e tetos são revestidos com placas de mármore coloridas com padrões geométricos claros: quadrados, retângulos e círculos. Pitorescos painéis e tapeçarias em temas mitológicos glorificar o rei Luís XIV. Lustres maciços de bronze com dourado completam a impressão de riqueza e luxo.
Os salões do palácio (são cerca de 700) formam enfileirados sem fim e destinam-se a procissões cerimoniais, festividades magníficas e bailes de máscaras. No maior salão cerimonial do palácio - a Galeria dos Espelhos (73 m de comprimento) - a busca por novos efeitos espaciais e de iluminação é claramente demonstrada. As janelas de um lado do corredor eram combinadas com espelhos do outro. Sob luz solar ou iluminação artificial, quatrocentos espelhos criaram um efeito espacial excepcional, transmitindo um jogo mágico de reflexos.
As composições decorativas de Charles Lebrun (1619-1690) em Versalhes e no Louvre foram marcantes em seu esplendor cerimonial. O “método de retratar as paixões” por ele proclamado, que envolvia pomposos elogios a pessoas de alto escalão, trouxe ao artista um sucesso vertiginoso. Em 1662, ele se tornou o primeiro pintor do rei e, em seguida, o diretor da manufatura real de tapeçarias (imagens de tapetes tecidos à mão ou tapeçarias) e o chefe de todo o trabalho decorativo no Palácio de Versalhes. Na Galeria dos Espelhos do Palácio, Lebrun pintou
um teto dourado com muitas composições alegóricas sobre temas mitológicos que glorificaram o reinado do "Rei Sol" Luís XIV. Alegorias e atributos pitorescos amontoados, cores vivas e efeitos decorativos do barroco contrastavam claramente com a arquitetura do classicismo.
O quarto do rei está localizado na parte central do palácio e está virado para o sol nascente. Daqui se abria uma visão de três rodovias que partiam de um ponto, que lembravam simbolicamente o principal centro de poder do Estado. Da sacada, a vista do rei revelava toda a beleza do parque de Versalhes. Seu principal criador, André Le Nôtre, conseguiu unir os elementos da arquitetura e da arte da jardinagem. Ao contrário dos parques paisagísticos (ingleses), que expressavam a ideia de unidade com a natureza, os parques regulares (franceses) subordinavam a natureza à vontade e às intenções do artista. O parque de Versalhes impressiona pela clareza e organização racional do espaço, seu desenho é verificado com precisão pelo arquiteto com o auxílio de compasso e régua.
Os becos do parque são percebidos como uma continuação dos corredores do palácio, cada um deles terminando com um reservatório. Muitas piscinas têm a forma geométrica correta. Os espelhos de água suaves nas horas anteriores ao pôr do sol refletem os raios do sol e as sombras bizarras projetadas por arbustos e árvores recortadas em forma de cubo, cone, cilindro ou bola. A vegetação ora forma paredes sólidas e impenetráveis, ora amplas galerias, em nichos artificiais dos quais são colocadas composições escultóricas, herms (pilares tetraédricos coroados por uma cabeça ou busto) e numerosos vasos com cascatas de finos jatos de água. Escultura alegórica de fontes feitas mestres famosos, projetado para glorificar o reinado de um monarca absoluto. O "Rei Sol" apareceu neles sob a forma do deus Apolo, ou Netuno, saindo da água em uma carruagem ou descansando entre as ninfas em uma gruta fresca.
Tapetes lisos de gramados surpreendem com cores vivas e coloridas com um enfeite de flor bizarro. Nos vasos (eram cerca de 150 mil) havia flores frescas, que foram trocadas de tal forma que Versalhes estava em constante floração em qualquer época do ano. Os caminhos do parque são salpicados de areia colorida. Algumas delas eram forradas com lascas de porcelana brilhando ao sol. Todo esse esplendor e esplendor da natureza foi complementado pelos cheiros de amêndoas, jasmim, romã e limão, que se espalhavam das estufas.
Havia natureza neste parque
Como se inanimado;
Como se com um soneto elevado,
Eles estavam brincando com a grama.
Sem dança, sem doces framboesas,
Le Nôtre e Jean Lully
Em jardins e danças de desordem
Não aguentei.
Os teixos congelaram, como se estivessem em transe,
Os arbustos alinhados,
E fez uma reverência
Flores aprendidas.
V. Hugo Tradução de E. L. Lipetskaya
N. M. Karamzin (1766-1826), que visitou Versalhes em 1790, falou sobre suas impressões nas Cartas de um Viajante Russo:
“A imensidão, a harmonia perfeita das partes, a ação do todo: é isso que o pintor não pode pintar com um pincel!
Vamos aos jardins, criação de Le Nôtre, que o ousado gênio por toda parte colocou no trono da orgulhosa Arte, e a humilde Na-tura, como uma pobre escrava, atirou-o a seus pés...
Portanto, não procure a Natureza nos jardins de Versalhes; mas aqui, a cada passo, a Arte cativa o olhar ... "
Conjuntos arquitetônicos de Paris. Império
Após a conclusão das principais obras de Versalhes, na virada dos séculos XVII para XVIII, André Le Nôtre lançou atividade vigorosa para a reconstrução de Paris. Ele realizou o colapso do Parque das Tulherias, fixando claramente o eixo central na continuação do eixo longitudinal do conjunto do Louvre. Depois de Le Nôtre, o Louvre foi finalmente reconstruído, a Place de la Concorde foi criada. O grande eixo de Paris deu uma interpretação completamente diferente da cidade, que atendeu aos requisitos de grandeza, grandiosidade e esplendor. A composição de espaços urbanos abertos, o sistema de ruas e praças arquitetonicamente projetadas tornou-se o fator determinante no planejamento de Paris. A clareza do padrão geométrico de ruas e praças unidas em um único todo em longos anos se tornará um critério para avaliar a perfeição do plano urbano e a habilidade do urbanista. Muitas cidades ao redor do mundo experimentarão posteriormente a influência do clássico modelo parisiense.
Uma nova compreensão da cidade como objeto de influência arquitetônica sobre uma pessoa encontra uma expressão clara no trabalho sobre conjuntos urbanos. No processo de sua construção, foram delineados os princípios principais e fundamentais do planejamento urbano do classicismo - desenvolvimento livre no espaço e conexão orgânica com o meio ambiente. Superando o caos do desenvolvimento urbano, os arquitetos buscaram criar conjuntos projetados para uma visão livre e desobstruída.
Os sonhos renascentistas de criar uma “cidade ideal” consubstanciaram-se na formação de um novo tipo de praça, cujos limites não eram mais as fachadas de certos edifícios, mas o espaço das ruas e bairros adjacentes a ela, parques ou jardins, um barragem do rio. A arquitetura procura conectar em uma certa unidade de conjunto não apenas edifícios vizinhos diretos, mas também pontos muito remotos da cidade.
Segunda metade do século XVIII e o primeiro terço do século XIX. comemorado na França novo palco desenvolvimento do classicismo e sua distribuição nos países europeus - neoclassicismo. depois do grande revolução Francesa E guerra patriótica Em 1812, surgiram novas prioridades no planejamento urbano, em consonância com o espírito de seu tempo. Eles encontraram a expressão mais marcante no estilo Império. Caracterizava-se pelas seguintes características: pathos cerimonial de grandeza imperial, monumentalidade, apelo à arte da Roma imperial e do Antigo Egito, utilização de atributos da história militar romana como principais motivos decorativos.
A essência do novo estilo artístico foi transmitida com muita precisão nas palavras significativas de Napoleão Bonaparte:
"Amo o poder, mas como artista... adoro extrair dele sons, acordes, harmonia."
estilo império tornou-se a personificação do poder político e da glória militar de Napoleão, serviu como uma espécie de manifestação de seu culto. A nova ideologia atendeu plenamente aos interesses políticos e gostos artísticos da nova época. Grande conjuntos arquitetônicos praças abertas, ruas e avenidas largas, pontes, monumentos e prédios públicos foram erguidos, demonstrando a grandeza imperial e a força do poder.
Por exemplo, a ponte Austerlitz lembrava a grande batalha de Napoleão e foi construída com as pedras da Bastilha. Na Praça Carruzel foi construído arco triunfal em homenagem à vitória em Austerlitz. Duas praças (Consentimento e Estrelas), separadas entre si por uma distância considerável, foram conectadas por perspectivas arquitetônicas.
Igreja de Saint Genevieve, erguido por J. J. Soufflot, tornou-se o Panteão - o local de descanso do grande povo da França. Um dos monumentos mais espetaculares da época é a coluna do Grande Exército na Place Vendôme. Semelhante à antiga coluna romana de Trajano, deveria, segundo o projeto dos arquitetos J. Gonduin e J. B. Leper, expressar o espírito do Novo Império e a sede de grandeza de Napoleão.
Na decoração interior brilhante de palácios e edifícios públicos, a solenidade e a pomposidade majestosa eram especialmente valorizadas, sua decoração era frequentemente sobrecarregada com apetrechos militares. Os motivos dominantes eram combinações contrastantes de cores, elementos de ornamentos romanos e egípcios: águias, grifos, urnas, grinaldas, tochas, grotescos. O estilo Império foi mais claramente manifestado nos interiores das residências imperiais do Louvre e Malmaison.
A era de Napoleão Bonaparte terminou em 1815 e logo eles começaram a erradicar ativamente sua ideologia e gostos. Do Império "desaparecido como um sonho", surgiram obras de arte no estilo Império, atestando claramente sua antiga grandeza.
Perguntas e tarefas
1. Por que Versalhes pode ser atribuído a obras marcantes?
Como ideias urbanísticas do classicismo do século XVIII. encontrou sua implementação prática nos conjuntos arquitetônicos de Paris, por exemplo, Place de la Concorde? O que a distingue das praças barrocas italianas de Roma no século XVII, como a Piazza del Popolo (ver p. 74)?
2. Como se expressou a ligação entre o barroco e o classicismo? Que ideias o classicismo herdou do barroco?
3. Quais são os antecedentes históricos para o surgimento do estilo Império? Que novas idéias de seu tempo ele procurou expressar em obras de arte? Qual princípios artísticos ele confia?
oficina criativa
1. Dê aos seus colegas uma visita guiada a Versalhes. Para sua preparação, você pode usar materiais de vídeo da Internet. Os parques de Versalhes e Peterhof são frequentemente comparados. O que você acha que é a base para tais comparações?
2. Tente comparar a imagem da “cidade ideal” da era renascentista com os conjuntos classicistas de Paris (São Petersburgo ou seus subúrbios).
3. Compare o design da decoração de interiores (interiores) da galeria de Francisco I em Fontainebleau e a Galeria dos Espelhos de Versalhes.
4. Conheça as pinturas do artista russo A. N. Benois (1870-1960) do ciclo “Versalhes. Calçada do Rei” (ver p. 74). Como eles transmitem a atmosfera geral da vida da corte do rei francês Luís XIV? Por que eles podem ser considerados como imagens-símbolos peculiares?
Tópicos de projetos, resumos ou mensagens
"A Formação do Classicismo na Arquitetura Francesa dos Séculos XVII-XVIII"; "Versalhes como modelo de harmonia e beleza do mundo"; "Passear por Versalhes: a ligação entre a composição do palácio e a disposição do parque"; "Obras-primas da arquitetura do classicismo da Europa Ocidental"; "Império Napoleônico na arquitetura da França"; "Versalhes e Peterhof: experiência características comparativas»; "Descobertas artísticas nos conjuntos arquitetônicos de Paris"; “As praças de Paris e o desenvolvimento dos princípios do ordenamento regular da cidade”; "Clareza de composição e equilíbrio de volumes da catedral dos Inválidos em Paris"; “A Praça da Concórdia é uma nova etapa no desenvolvimento das ideias urbanísticas do classicismo”; “A severa expressividade dos volumes e a mesquinhez da decoração da igreja de St. Genevieve (Panteão) de J. Soufflot”; "Características do classicismo na arquitetura dos países da Europa Ocidental"; "Arquitetos proeminentes do classicismo da Europa Ocidental".
Livros para leitura complementar
Arkin D. E. Imagens da arquitetura e imagens da escultura. M., 1990. Kantor A. M. e outros Arte do século XVIII. M., 1977. (Pequena história das artes).
Classicismo e Romantismo: Arquitetura. Escultura. Pintura. Desenho / ed. R. Toman. M., 2000.
Kozhina E.F. Arte da França do século XVIII. L., 1971.
Lenotr J. A vida cotidiana de Versalhes sob os reis. M., 2003.
Miretskaya N. V., Miretskaya E. V., Shakirova I. P. Cultura do Iluminismo. M., 1996.
Watkin D. História da arquitetura da Europa Ocidental. M., 1999. Fedotova E.D. Império Napoleônico. M., 2008.
Na elaboração do material, foi utilizado o texto do livro didático “Cultura Artística Mundial. Do século XVIII até o presente” (Autor Danilova G. I.).
PÁGINA \* MERGEFORMAT 2
Agência Federal de Transporte Ferroviário
Universidade Estatal de Transporte da Sibéria
Departamento de "Filosofia"
IMAGENS ARTÍSTICAS DO RENASCIMENTO
Ensaio
Na disciplina "Culturologia"
cabeça projetada
Professor aluno gr. D-111
Bystrova A.N. ___________ Kamyshova E.V.
(assinatura) (assinatura)
08.12.2012
(data da inspeção) (data de envio para inspeção)
ano 2012
Introdução
O Renascimento é considerado um dos períodos mais brilhantes da história do desenvolvimento da cultura européia. Podemos dizer que o renascimento é toda uma era cultural no processo de transição da Idade Média para o novo tempo, durante o qual ocorreu uma convulsão cultural (uma virada, uma mudança). Mudanças fundamentais estão associadas à erradicação da mitologia.
Apesar da origem do termo Renascimento (fr. Renascimento, "Renascimento"), não houve renascimento da antiguidade e não poderia ser. O homem não pode voltar ao seu passado. O Renascimento, usando as lições da antiguidade, introduziu inovações. Ele não trouxe de volta à vida todos os gêneros antigos, mas apenas aqueles que eram característicos das aspirações de seu tempo e cultura. O Renascimento combinou uma nova leitura da antiguidade com uma nova leitura do cristianismo.
A relevância do tema escolhido deve-se à ligação entre a era moderna e o Renascimento - trata-se de uma revolução, antes de mais, no sistema de valores, na avaliação de tudo o que existe e em relação a ele.
O principal objetivo do trabalho é mostrar as mudanças fundamentais que ocorreram na visão de mundo das maiores figuras da época em questão.
1. Cultura do Renascimento
XIII-XVI Os séculos têm sido uma época de grandes mudanças na economia, na política e na cultura. O rápido crescimento das cidades e o desenvolvimento do artesanato, e mais tarde a transição para a produção manufatureira, transformaram a face da Europa medieval.
As cidades vieram à tona. Não muito antes disso, as forças mais poderosas do mundo medieval - o império e o papado - estavam em profunda crise. EM XVI No século XX, o decadente Sacro Império Romano da nação alemã tornou-se o cenário das duas primeiras revoluções antifeudais - a Grande Guerra dos Camponeses na Alemanha e a Revolta dos Países Baixos.
O caráter transitório da época, o processo de libertação dos caminhos medievais ocorrendo em todas as esferas da vida, ao mesmo tempo, o ainda subdesenvolvimento das relações capitalistas emergentes não poderia deixar de afetar as características da cultura artística e do pensamento estético da época .
Segundo A. V. Stepanov, todas as mudanças na vida da sociedade foram acompanhadas por uma ampla renovação da cultura - o florescimento das ciências naturais e exatas, a literatura sobre línguas nacionais, Artes visuais. Com origem nas cidades da Itália, essa renovação conquistou outros países europeus. O autor acredita que, após o advento da imprensa, abriram-se oportunidades inéditas para a divulgação do conhecimento literário e trabalhos científicos, e uma comunicação mais regular e próxima entre os países contribuiu para a penetração de novas tendências artísticas.
Isso não significa que a Idade Média recuou diante das novas tendências: as ideias tradicionais foram preservadas na consciência de massa. A igreja resistiu às novas ideias, usando um meio medieval - a Inquisição. A ideia da liberdade da pessoa humana continuou a existir em uma sociedade dividida em classes. A forma feudal de dependência dos camponeses não desapareceu completamente, e em alguns países (Alemanha, em A Europa Central) houve um retorno à servidão. O sistema feudal mostrava bastante vitalidade. Cada país europeu viveu-o à sua maneira e à sua maneira. quadro cronológico. Capitalismo por muito tempo existia como modo de vida, abrangendo apenas parte da produção tanto na cidade quanto no campo. No entanto, a lentidão medieval patriarcal começou a retroceder no passado.
As grandes descobertas geográficas desempenharam um papel enorme neste avanço. Por exemplo, em 1492. H. Columbus, em busca de um caminho para a Índia cruzou oceano Atlântico e desembarcou nas Bahamas, descobrindo um novo continente - a América. Em 1498 O viajante espanhol Vasco da Gama, tendo contornado a África, trouxe com sucesso seus navios para a costa da Índia. COM XVI v. Os europeus estão penetrando na China e no Japão, dos quais antes tinham apenas uma vaga ideia. A partir de 1510, começa a conquista da América. EM XVII v. A Austrália foi descoberta. A ideia da forma da terra mudou: a volta ao mundo de F. Magalhães confirmou a conjectura de que ela tem a forma de uma bola.
O desprezo por tudo o que é terreno é agora substituído por um ávido interesse pelo mundo real, pelo homem, pela consciência da beleza e da grandeza da natureza, o que pode ser comprovado pela análise dos monumentos culturais do Renascimento. A primazia da teologia sobre a ciência, indiscutível na Idade Média, é abalada pela fé em possibilidades ilimitadas. mente humana que se torna o mais alto padrão de verdade. Enfatizando o interesse pelo humano em oposição ao divino, os representantes da nova intelectualidade secular se autodenominavam humanistas, derivando essa palavra do conceito de " studia humanitanis ”, significando o estudo de tudo relacionado à natureza humana e seu mundo espiritual.
Para as obras e a arte do Renascimento, tornou-se característica a ideia de um ser livre com possibilidades criativas ilimitadas. Está associado ao antropocentrismo na estética do Renascimento e à compreensão do belo, do sublime, do heróico. O princípio de uma bela personalidade humana artística e criativa foi combinado pelos teóricos do Renascimento com uma tentativa de calcular matematicamente todos os tipos de proporções, simetria e perspectiva.
O pensamento estético e artístico desta época é baseado pela primeira vez na percepção humana como tal e em uma imagem sensualmente real do mundo. Aqui também é marcante a sede subjetivista-individualista de sensações da vida, independentemente de sua interpretação religiosa e moral, embora esta última, em princípio, não seja negada. A estética do Renascimento concentra a arte na imitação da natureza. No entanto, em primeiro lugar aqui não é tanto a natureza quanto o artista, que em sua atividade criativa é comparado a Deus.
E. Chamberlin considera o prazer um dos princípios mais importantes para a percepção das obras de arte, pois indica uma significativa tendência democrática em oposição ao "aprendizado" escolástico das teorias estéticas anteriores.
O pensamento estético do Renascimento contém não apenas a ideia de absolutização do indivíduo humano em oposição à personalidade divina na Idade Média, mas também uma certa consciência dos limites de tal individualismo, baseado na autoafirmação absoluta de o indivíduo. Daí os motivos da tragédia, encontrados nas obras de W. Shakespeare, M. Cervantes, Michelangelo e outros. Esta é a natureza contraditória de uma cultura que se afastou dos antigos absolutos medievais, mas devido às circunstâncias históricas ainda não encontrou novos fundações confiáveis.
A conexão entre arte e ciência é um dos traços característicos cultura. Os artistas buscavam apoio nas ciências, muitas vezes estimulando seu desenvolvimento. O Renascimento é marcado pelo surgimento de artistas-cientistas, entre os quais o primeiro lugar pertence a Leonardo da Vinci.
Assim, uma das tarefas do Renascimento é a compreensão pelo homem de um mundo pleno de beleza divina. O mundo atrai uma pessoa porque ela é espiritualizada por Deus. Mas no Renascimento, havia outra tendência - o sentimento de uma pessoa sobre a tragédia de sua existência.
2. A imagem do mundo e do homem nas obras dos grandes mestres renascimento
O termo "Renaissance" (uma tradução do termo francês "Renaissance") indica uma conexão nova cultura com antiguidade. Como resultado do conhecimento do Oriente, em particular de Bizâncio, durante a era das Cruzadas, os europeus conheceram antigos manuscritos humanísticos, vários monumentos da antiga arte e arquitetura. Todas essas antiguidades começaram a ser parcialmente transportadas para a Itália, onde foram coletadas e estudadas. Mas mesmo na própria Itália havia muitos monumentos romanos antigos, que também começaram a ser cuidadosamente estudados por representantes da intelectualidade urbana italiana. Na sociedade italiana, surgiu um profundo interesse pelas línguas clássicas antigas, filosofia antiga, história e literatura. A cidade de Florença desempenhou um papel particularmente importante neste movimento. Várias figuras proeminentes da nova cultura saíram de Florença.
Usando a ideologia antiga, criada uma vez nas cidades mais vivas, no sentido econômico, da antiguidade, a nova burguesia a reelaborou à sua maneira, formulando sua nova visão de mundo, nitidamente oposta à visão de mundo do feudalismo que prevalecia antes. O segundo nome do novo cultura italiana- o humanismo apenas prova isso.
A cultura humanista colocava o próprio homem (humanus - humano) no centro de suas atenções, e não o divino, sobrenatural, como acontecia na ideologia medieval. O ascetismo não tinha mais lugar na cosmovisão humanista. O corpo humano, suas paixões e necessidades não eram vistos como algo "pecaminoso" que deveria ser suprimido ou torturado, mas como um fim em si mesmo, como o mais importante da vida. A existência terrena foi reconhecida como a única real. O conhecimento da natureza e do homem foi declarado a essência da ciência. Em contraste com os motivos pessimistas que dominavam a visão de mundo dos escolásticos e místicos medievais, os motivos otimistas prevaleciam na visão de mundo e no humor do povo da Renascença; eles foram caracterizados pela fé no homem, no futuro da humanidade, no triunfo da razão e da iluminação humanas. Uma constelação de eminentes poetas e escritores, estudiosos e artistas de todos os tipos participou desse grande novo movimento intelectual. A glória da Itália foi trazida por artistas tão maravilhosos: Leonardo da Vinci, Giorgione, Michelangelo, Rafael, Ticiano.
A conquista indubitável do Renascimento foi a construção geometricamente correta da imagem. O artista construiu a imagem usando as técnicas que desenvolveu. O principal para os pintores da época era observar as proporções dos objetos. Até a natureza caiu sob truques matemáticos.
Em outras palavras, os artistas do Renascimento buscavam transmitir uma imagem precisa, por exemplo, de uma pessoa tendo como pano de fundo a natureza. Se comparada com os métodos modernos de recriar uma imagem vista em algum tipo de tela, então, provavelmente, uma fotografia com ajuste subseqüente ajudará a entender o que os artistas do Renascimento buscavam.
Os pintores renascentistas acreditavam que tinham o direito de corrigir as falhas da natureza, ou seja, se uma pessoa tinha traços faciais feios, os artistas os corrigiam de forma que o rosto ficasse doce e atraente.
Descrevendo cenas bíblicas, os artistas renascentistas tentaram deixar claro que as manifestações terrenas de uma pessoa podem ser representadas com mais clareza se as histórias bíblicas forem usadas ao mesmo tempo. Você pode entender o que é queda, tentação, inferno ou céu, se começar a se familiarizar com o trabalho dos artistas da época. A mesma imagem da Madonna nos transmite a beleza de uma mulher e também carrega uma compreensão do amor humano terreno.
Assim, na arte do Renascimento, os caminhos da compreensão científica e artística do mundo e do homem estavam intimamente entrelaçados. Seu significado cognitivo estava inextricavelmente ligado à sublime beleza poética; em sua busca pela naturalidade, não desceu à mesquinha vida cotidiana. A arte tornou-se uma necessidade espiritual universal.
Conclusão
Assim, o Renascimento, ou Renascimento, é uma época na vida da humanidade, marcada por uma ascensão colossal da arte e da ciência. O Renascimento proclamou o homem como o mais alto valor da vida.
Em arte tema principal tornou-se um homem com possibilidades espirituais e criativas ilimitadas.A arte do Renascimento lançou as bases da cultura européia da Nova Era, mudou radicalmente todos os principais tipos de arte.
Na arquitetura, novos tipos de edifícios públicos se desenvolveram.A pintura foi enriquecida com uma perspectiva linear e aérea, conhecimento da anatomia e proporções do corpo humano.O conteúdo terreno penetrou nos temas religiosos tradicionais das obras de arte. Aumento do interesse pela mitologia antiga, história, cenas cotidianas, paisagens, retratos. Apareceu uma foto, surgiu a pintura a óleo. A individualidade criativa do artista ocupou o primeiro lugar na arte.
Na arte do Renascimento, os caminhos da compreensão científica e artística do mundo e do homem estavam intimamente entrelaçados.A arte tornou-se uma necessidade espiritual universal.
Sem dúvida, o Renascimento é uma das épocas mais belas da história da humanidade.
BIBLIOGRAFIA
- Kustodieva T.K. ARTE ITALIANA DO RENASCIMENTO DOS SÉCULOS XIII-XVI (GUIA DE ENSAIO) / Т.К. KUSTODIEVA, ART, 1985. 318 p.
- IMAGENS DE AMOR E BELEZA NA CULTURA DO RENASCIMENTO / L.M. BRAGINA, M., 2008. 309 p.
- Stepanov A.V. ARTE DO RENASCIMENTO. ITÁLIA SÉCULOS XIV-XV / A.V. STEPANOV, M., 2007. 610 p.
- Stepanov A.V. ARTE DO RENASCIMENTO. HOLANDA, ALEMANHA, FRANÇA, ESPANHA, INGLATERRA / A.V. STEPANOV, AZBUKA-CLASSICS, 2009. 640 p.
- CHAMBERLIN E. A IDADE DO RENASCIMENTO. VIDA, RELIGIÃO, CULTURA / E. CHAMBERLIN, CENTERPOLYGRAPH, 2006. 240 P.
Serguei Khromov
Embora nem uma única cidade ideal tenha sido concretizada em pedra, suas ideias encontraram vida em cidades reais renascimento...
Cinco séculos nos separam do período em que os arquitetos abordaram pela primeira vez as questões da reconstrução da cidade. E essas mesmas questões são agudas para nós hoje: como criar novas cidades? Como reconstruir os antigos - encaixar neles conjuntos separados ou demolir e reconstruir tudo? E o mais importante - que ideia colocar em uma nova cidade?
Os mestres do Renascimento incorporaram aquelas ideias que já soavam em cultura antiga e filosofia: ideias de humanismo, harmonia da natureza e do homem. As pessoas novamente se voltam para o sonho de Platão de um estado ideal e uma cidade ideal. A nova imagem da cidade nasce primeiro como imagem, como fórmula, como ideia, que é uma ousada pretensão para o futuro - como muitas outras invenções do Quattrocento italiano.
A construção da teoria da cidade esteve intimamente ligada ao estudo do património da antiguidade e, sobretudo, de todo o tratado "Dez Livros de Arquitectura" de Marco Vitrúvio (segunda metade do século I a.C.), arquitecto e engenheiro no exército de Júlio César. Este tratado foi descoberto em 1427 em uma das abadias. A autoridade de Vitrúvio foi enfatizada por Alberti, Palladio, Vasari. O maior conhecedor de Vitrúvio foi Daniele Barbaro, que em 1565 publicou seu tratado com seus comentários. Em obra dedicada ao imperador Augusto, Vitrúvio resumiu a experiência da arquitetura e do urbanismo na Grécia e em Roma. Ele considerou o já perguntas clássicas seleção de uma área favorável para a fundação da cidade, colocação das principais praças e ruas da cidade, tipologia dos edifícios. Do ponto de vista estético, Vitrúvio aconselhou o cumprimento da ordenação (seguindo as ordens arquitetônicas), o planejamento razoável, observando a uniformidade do ritmo e da ordem, a simetria e a proporcionalidade, a conformidade da forma ao propósito e a distribuição dos recursos. |
No planejamento urbano do Renascimento, teoria e prática se desenvolvem em paralelo. Novos edifícios estão sendo construídos e antigos estão sendo reconstruídos, conjuntos arquitetônicos estão sendo formados e tratados estão sendo escritos ao mesmo tempo, dedicado à arquitetura, planejando e fortificando cidades. Entre eles estão as famosas obras de Alberti e Palladio, esquemas das cidades ideais de Filarete, Scamozzi e outros. A ideia dos autores está muito à frente das necessidades da construção prática: eles descrevem não projetos prontos que podem ser usados para planejar uma cidade específica, mas uma ideia representada graficamente, o conceito de cidade. É dado um raciocínio sobre a localização da cidade do ponto de vista da economia, higiene, defesa, estética. Pesquisas estão sendo feitas para planos ideais para áreas residenciais e centros urbanos, jardins e parques. Questões de composição, harmonia, beleza, proporção são estudadas. Nessas construções ideais, o planejamento da cidade é caracterizado pelo racionalismo, clareza geométrica, composição cêntrica e harmonia entre o todo e as partes. E, finalmente, o que distingue a arquitetura do Renascimento de outras épocas é a pessoa que está no centro, no coração de todas essas construções. A atenção à pessoa humana era tão grande que até estruturas arquitetônicas foram comparados ao corpo humano como um padrão de proporções e beleza perfeitas.
Teoria
Nos anos 50 do século XV. Aparece o tratado "Dez Livros de Arquitetura" de Leon Alberti. Foi, em essência, o primeiro trabalho teórico da nova era sobre esse tema. Ele lida com muitas questões de planejamento urbano, desde a escolha do local e planejamento da cidade até a tipologia e decoração do edifício. De particular interesse são seus argumentos sobre a beleza. Alberti escreveu que "a beleza é uma estrita harmonia proporcional de todas as partes, unidas por aquilo a que pertencem - de modo que nada pode ser adicionado, subtraído ou alterado sem torná-lo pior". De fato, Alberti foi o primeiro a proclamar os princípios básicos do conjunto urbano renascentista, vinculando o antigo senso de proporção com o início racionalista de uma nova era. A dada relação entre a altura do edifício e o espaço localizado à sua frente (de 1:3 a 1:6), a consistência das escalas arquitetônicas dos edifícios principal e secundário, o equilíbrio da composição e a ausência de contrastes dissonantes - estes são os princípios estéticos dos urbanistas renascentistas.
A cidade ideal animou muitas pessoas importantes da época. Pensei nele e em Leonardo da Vinci. A sua ideia era criar uma cidade de dois níveis: o nível superior destinava-se a vias pedonais e de superfície, e o inferior a túneis e canais ligados às caves das casas, por onde circula o transporte de mercadorias. Conhecido por seus planos para a reconstrução de Milão e Florença, bem como o projeto de uma cidade fusiforme.
Outro proeminente teórico da cidade foi Andrea Palladio. No seu tratado "Quatro Livros de Arquitectura" reflecte sobre a integridade do organismo urbano e a relação dos seus elementos espaciais. Ele diz que "a cidade nada mais é do que uma certa casarão, e vice-versa, a casa é uma espécie de cidade pequena. Sobre o conjunto urbano, ele escreve: “A beleza é o resultado de uma bela forma e da correspondência do todo com as partes, das partes entre si e também das partes com o todo”. Um lugar de destaque no tratado é dado ao interior dos edifícios, suas dimensões e proporções. Palladio está tentando conectar organicamente o espaço externo das ruas com o interior das casas e pátios.
Perto do final do século XVI. muitos teóricos foram atraídos pelas questões de espaço comercial e fortificações. Assim, Giorgio Vasari Jr. em sua cidade ideal presta muita atenção ao desenvolvimento de praças, galerias comerciais, galerias, palazzos. E nos projetos de Vicenzo Scamozzi e Buanayuto Lorrini, as questões da arte da fortificação ocupam um lugar significativo. Esta foi uma resposta à ordem da época - com a invenção de projéteis explosivos, as muralhas e torres da fortaleza foram substituídas por bastiões de terra, retirados dos limites da cidade, e a cidade passou a se assemelhar a uma estrela multifeixe em seus contornos . Essas idéias foram incorporadas na fortaleza realmente construída de Palmanova, cuja criação é atribuída a Scamozzi.
Prática
Embora nenhuma cidade ideal tenha sido incorporada em pedra, com exceção de pequenas cidades-fortalezas, muitos dos princípios de sua construção foram incorporados na realidade já no século XVI. Naquela época, na Itália e em outros países, foram construídas ruas retas e largas, conectando elementos importantes do conjunto urbano, novas praças foram criadas, antigas foram reconstruídas e, posteriormente, surgiram parques e conjuntos palacianos com uma estrutura regular.
| Cidade Ideal de Antonio Filarete A cidade era uma estrela octogonal em planta, formada pela interseção em um ângulo de 45° de dois quadrados iguais com lado de 3,5 km. Nas saliências da estrela havia oito torres redondas e nos "bolsos" - oito portões da cidade. Os portões e as torres eram conectados ao centro por ruas radiais, algumas das quais eram canais de navegação. Na parte central da cidade, em uma colina, ficava a praça principal, de planta retangular, em cujos lados mais curtos deveria haver palácio principesco e a catedral da cidade, e ao longo das longas - instituições judiciais e municipais. No centro da praça havia um lago e uma torre de vigia. Outras duas contíguas à praça principal, com as casas dos mais eminentes moradores da cidade. Mais dezesseis praças foram localizadas no cruzamento das ruas radiais com o anel viário: oito de comércio e oito de centros paroquiais e igrejas. |
Apesar do fato de que a arte do Renascimento era suficientemente oposta à arte da Idade Média, ela se encaixava fácil e organicamente nas cidades medievais. No dele atividades práticas Os arquitetos renascentistas usaram o princípio de "construir o novo sem destruir o antigo". Eles conseguiram criar conjuntos surpreendentemente harmoniosos não apenas a partir de edifícios do mesmo estilo, como pode ser visto nas praças de Annuziata em Florença (desenhada por Filippo Brunelleschi) e no Capitólio de Roma (desenhado por Michelangelo), mas também combinando edifícios de tempos diferentes em uma composição. Assim, na praça de S. Mark em Veneza, edifícios medievais são combinados em um conjunto arquitetônico e espacial com novos edifícios do século XVI. E em Florença, da Piazza della Signoria com o medieval Palazzo Vecchio, segue-se harmoniosamente a Rua Uffizi, desenhada por Giorgio Vasari. Além disso, o conjunto da Catedral Florentina de Santa Maria del Fiore (reconstrução de Brunelleschi) combina perfeitamente três estilos arquitetônicos ao mesmo tempo: românico, gótico e renascentista.
A cidade da Idade Média e a cidade do Renascimento
A cidade ideal do Renascimento surgiu como uma espécie de protesto contra a Idade Média, expressa no desenvolvimento de antigos princípios urbanísticos. Ao contrário da cidade medieval, que era percebida como uma espécie, embora imperfeita, da "Jerusalém Celestial", a personificação não de um humano, mas de um plano divino, a cidade do Renascimento foi criada por um criador humano. O homem não apenas copiou o que já existia, ele criou algo mais perfeito e o fez de acordo com a “matemática divina”. A cidade do Renascimento foi criada para o homem e devia corresponder à ordem do mundo terreno, à sua estrutura social, política e quotidiana real.
A cidade medieval é cercada por poderosas muralhas, isoladas do mundo, suas casas são mais como fortalezas com algumas brechas. A cidade do Renascimento é aberta, não se defende do mundo exterior, ela o controla, o subjuga. As paredes dos edifícios, delimitando, unem os espaços das ruas e praças com pátios e salas. Eles são permeáveis - eles têm muitas aberturas, arcadas, colunatas, calçadas, janelas.
Se a cidade medieval é a disposição dos volumes arquitetônicos, a cidade renascentista é, em maior medida, a distribuição dos espaços arquitetônicos. O centro da nova cidade não é o prédio da catedral ou da prefeitura, mas o espaço livre da praça principal, aberto tanto para cima quanto para os lados. Eles entram no prédio e saem para a rua e a praça. E se a cidade medieval é composicionalmente desenhada para o seu centro - é centrípeta, então a cidade do Renascimento é centrífuga - é direcionada para o mundo exterior.
| A cidade ideal de Platão No plano, a parte central da cidade era uma alternância de anéis de água e terra. O anel de água exterior estava ligado ao mar por um canal de 50 estádios de comprimento (1 estádio - ca. 193 m). Os anéis de terra que separavam os anéis de água tinham canais subterrâneos perto das pontes adaptados para a passagem de navios. O maior anel de água em circunferência tinha três estádios de largura, assim como o anel de terra que o seguia; os dois anéis seguintes, água e terra, tinham dois estádios de largura; finalmente, o anel de água que circundava a ilha localizada no meio tinha a largura de um estádio. |
A cidade medieval segue a paisagem natural, utilizando-a para os seus próprios fins. A cidade do Renascimento é antes uma obra de arte, um “jogo de geometria”. O arquitecto modifica o terreno sobrepondo-lhe uma grelha geométrica de espaços desenhados. Tal cidade tem uma forma clara: um círculo, um quadrado, um octógono, uma estrela; até os rios se endireitam nela.
A cidade medieval é vertical. Aqui tudo é direcionado para cima, para o céu - distante e inacessível. A cidade do Renascimento é horizontal, o principal aqui é a perspectiva, a aspiração ao longe, a novos horizontes. Para uma pessoa medieval, o caminho para o céu é uma ascensão, alcançável por meio do arrependimento e humildade, renúncia a tudo que é terreno. Para as pessoas do Renascimento, esta é uma ascensão através da obtenção de sua própria experiência e compreensão das leis divinas.
O sonho de uma cidade ideal impulsionou as buscas criativas de muitos arquitetos não só do Renascimento, mas também de épocas posteriores, conduziu e iluminou o caminho para a harmonia e a beleza. A cidade ideal sempre existe dentro da cidade real, tão diferente dela quanto o mundo do pensamento do mundo dos fatos, como o mundo da imaginação do mundo da fantasia. E se você sabe sonhar como os mestres do Renascimento, então você pode ver esta cidade - a Cidade do Sol, a Cidade do Ouro.
O artigo original está no site da revista "Nova Acrópole".
No início do século XV, houve grandes mudanças na vida e na cultura da Itália. Desde o século 12, os habitantes da cidade, comerciantes e artesãos da Itália travaram uma luta heróica contra a dependência feudal. Desenvolvendo o comércio e a produção, os habitantes da cidade enriqueceram gradualmente, livraram-se do poder dos senhores feudais e organizaram cidades-estados livres. estes gratuitos cidades italianas ficou muito poderoso. Seus cidadãos estavam orgulhosos de suas conquistas. A enorme riqueza das cidades italianas independentes fez com que elas florescessem. A burguesia italiana olhava o mundo com outros olhos, acreditava firmemente em si mesma, na sua própria força. Eles eram alheios ao desejo de sofrimento, humildade, rejeição de todas as alegrias terrenas que lhes foram pregadas até agora. Cresceu o respeito pela pessoa terrena que desfruta das alegrias da vida. As pessoas começaram a ter uma atitude ativa perante a vida, a explorar o mundo com entusiasmo, a admirar sua beleza. Nesse período, nascem várias ciências, a arte se desenvolve.
Na Itália, muitos monumentos da arte da Roma Antiga foram preservados, então a era antiga foi novamente reverenciada como modelo, a arte antiga tornou-se objeto de admiração. Imitação da antiguidade e deu razão para chamar este período na arte - Renascimento o que significa em francês "Renascimento". Claro, esta não foi uma repetição cega e exata. Arte antiga, já era uma arte nova, mas baseada em amostras antigas. renascimento italiano dividida em 3 fases: séculos VIII - XIV - Pré-renascentista (Proto-renascentista ou Trecento- com isso.); século XV - início do Renascimento (Quattrocento); final do século XV - início do século XVI - alto renascimento.
Escavações arqueológicas foram realizadas em toda a Itália, em busca de monumentos antigos. As estátuas, moedas, utensílios e armas recém-descobertas foram cuidadosamente preservadas e reunidas em museus especialmente criados para esse fim. Os artistas estudaram essas amostras da antiguidade, extraíram-nas da natureza.
Trecento (pré-renascentista)
O verdadeiro início do Renascimento está associado ao nome Giotto di Bondone (1266? - 1337). Ele é considerado o fundador da pintura renascentista. O florentino Giotto fez grandes contribuições para a história da arte. Ele foi o renovador, o ancestral de todos pintura europeia depois da Idade Média. Giotto deu vida às cenas do evangelho, criou imagens de pessoas reais, espiritualizadas, mas terrenas.
Giotto cria pela primeira vez volumes com a ajuda do claro-escuro. Ele gosta de cores claras e limpas em tons frios: rosas, cinzas perolados, roxos claros e lilases claros. As pessoas nos afrescos de Giotto são atarracadas, com passos pesados. Eles têm grandes características faciais, maçãs do rosto largas, olhos estreitos. Seu homem é gentil, atencioso, sério.
Das obras de Giotto, os afrescos dos templos de Pádua são os mais bem preservados. histórias do evangelho ele apresentou aqui como existente, terreno, real. Nessas obras, ele fala sobre os problemas que preocupam as pessoas em todos os momentos: sobre bondade e compreensão mútua, engano e traição, sobre profundidade, tristeza, mansidão, humildade e eterno amor maternal que tudo consome.
Em vez de figuras individuais díspares, como na pintura medieval, Giotto conseguiu criar história coerente, toda uma história sobre o complexo vida íntima Heróis. Em vez de um fundo dourado convencional mosaicos bizantinos, Giotto apresenta um fundo de paisagem. E se na pintura bizantina as figuras, por assim dizer, pairavam, pairavam no espaço, então os heróis dos afrescos de Giotto encontraram um solo sólido sob seus pés. A busca de Giotto pela transferência do espaço, a plasticidade das figuras, a expressividade do movimento fizeram de sua arte uma etapa completa do Renascimento.
Um de mestres famosos pré-avivamento -
Simone Martini (1284-1344).
Em sua pintura, as características do gótico do norte foram preservadas: as figuras de Martini são alongadas e, via de regra, sobre fundo dourado. Mas Martini cria imagens com a ajuda do claro-escuro, dá-lhes um movimento natural, tenta transmitir um certo estado psicológico.
Quattrocento (início do Renascimento)
A antiguidade desempenhou um papel enorme na formação da cultura secular do início do Renascimento. A Academia Platônica abre em Florença, a biblioteca Laurentiana contém a mais rica coleção de manuscritos antigos. O primeiro Museus de arte cheio de estátuas, fragmentos de arquitetura antiga, mármores, moedas, cerâmicas. No Renascimento, destacaram-se os principais centros da vida artística da Itália - Florença, Roma, Veneza.
Um dos maiores centros, berço de uma nova arte realista, foi Florença. No século XV, muitos mestres famosos do Renascimento viveram, estudaram e trabalharam lá.
Arquitetura do início do Renascimento
Os habitantes de Florença tinham uma alta cultura artística, participaram ativamente da criação de monumentos da cidade, discutiram opções para a construção de belos edifícios. Os arquitetos abandonaram tudo que lembrava o gótico. Sob a influência da antiguidade, os edifícios coroados por uma cúpula começaram a ser considerados os mais perfeitos. O modelo aqui foi o Panteão Romano.
Florença é uma das cidades mais bonitas do mundo, uma cidade-museu. Preservou sua arquitetura da antiguidade quase intacta, seus edifícios mais bonitos foram construídos principalmente durante o Renascimento. Acima dos telhados de tijolos vermelhos dos antigos edifícios de Florença ergue-se o enorme edifício da catedral da cidade Santa Maria del Fiore, que muitas vezes é chamada simplesmente de Catedral de Florença. Sua altura chega a 107 metros. Uma cúpula magnífica, cuja harmonia é enfatizada por nervuras de pedra branca, coroa a catedral. A cúpula é impressionante em tamanho (seu diâmetro é de 43 m), coroa todo o panorama da cidade. A catedral é visível de quase todas as ruas de Florença, claramente aparecendo contra o céu. Esta magnífica estrutura foi construída pelo arquiteto
Filippo Brunelleschi (1377 - 1446).
O mais magnífico e famoso edifício abobadado do Renascimento foi Basílica de São Pedro em Roma. Foi construído ao longo de 100 anos. Os criadores do projeto original eram arquitetos Bramante e Michelangelo.
Os edifícios renascentistas são decorados com colunas, pilastras, cabeças de leão e "puti"(bebês nus), grinaldas de gesso com flores e frutas, folhas e muitos detalhes, cujas amostras foram encontradas nas ruínas de antigos edifícios romanos. De volta à moda arco semicircular. Pessoas ricas começaram a construir casas mais bonitas e confortáveis. Em vez de encostadas umas nas outras, as casas pareciam luxuosas palácios - palácio.
Escultura do início do Renascimento
No século XV, dois escultores famosos trabalharam em Florença - Donatello e Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- um dos primeiros escultores da Itália, que usou a experiência da arte antiga. Ele criou uma das melhores obras do início do Renascimento - a estátua de David.
De acordo com lenda bíblica, um simples pastor, o jovem Davi derrotou o gigante Golias, salvando assim os habitantes da Judéia da escravidão e posteriormente tornando-se rei. David foi uma das imagens favoritas do Renascimento. Ele é retratado pelo escultor não como um humilde santo da Bíblia, mas como um jovem herói, vencedor, defensor de sua cidade natal. Em sua escultura, Donatello canta o homem como o ideal de uma bela personalidade heróica surgida no Renascimento. David é coroado com a coroa de louros do vencedor. Donatello não teve medo de apresentar um detalhe como um chapéu de pastor - um sinal de sua origem simples. Na Idade Média, a igreja proibia retratar um corpo nu, considerando-o um vaso do mal. Donatello foi o primeiro mestre que bravamente violou essa proibição. Ele afirma com isso que corpo humano Maravilhoso. A estátua de David é a primeira escultura redonda naquela época.
Outra bela escultura de Donatello também é conhecida - a estátua de um guerreiro , comandante de Gattamelata. Foi o primeiro monumento equestre do Renascimento. Criado há 500 anos, este monumento ainda está em um pedestal alto, decorando a praça da cidade de Pádua. Pela primeira vez, não um deus, nem um santo, nem um homem nobre e rico foi imortalizado em escultura, mas um guerreiro nobre, valente e formidável com uma grande alma, que merecia fama por grandes feitos. Vestido com uma armadura antiga, Gattemelata (este é seu apelido, que significa "gato malhado") está sentado em um cavalo poderoso em uma pose calma e majestosa. Os traços do rosto do guerreiro enfatizam um caráter decidido e firme.
Andrea Verrocchio (1436-1488)
O aluno mais famoso de Donatello, que criou o famoso monumento equestre ao condottiere Colleoni, que foi colocado em Veneza na praça perto da igreja de San Giovanni. O principal que impressiona no monumento é o movimento energético conjunto do cavalo e do cavaleiro. O cavalo, por assim dizer, corre além do pedestal de mármore sobre o qual o monumento está erguido. Colleoni, de pé nos estribos, espreguiçou-se, erguendo a cabeça bem alto, espia a distância. Uma careta de raiva e tensão congelou em seu rosto. Em sua postura sente-se uma enorme vontade, seu rosto lembra uma ave de rapina. A imagem está repleta de força indestrutível, energia, autoridade severa.
Pintura do início do Renascimento
O Renascimento também atualizou a arte da pintura. Os pintores aprenderam a transmitir corretamente espaço, luz e sombra, poses naturais, vários sentimentos humanos. Foi o início do Renascimento que foi o tempo de acumulação desse conhecimento e habilidades. As pinturas da época são imbuídas de luz e alto astral. O fundo é frequentemente pintado em cores claras, enquanto edifícios e motivos naturais são contornados com linhas nítidas, predominando as cores puras. Com diligência ingênua, todos os detalhes do evento são retratados, os personagens geralmente são alinhados e separados do fundo por contornos claros.
A pintura do início do Renascimento buscava apenas a perfeição, porém, graças à sua sinceridade, toca a alma do espectador.
Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, conhecido pelo nome Masaccio (1401 - 1428)
Ele é considerado um seguidor de Giotto e o primeiro mestre da pintura do início do Renascimento. Masaccio viveu apenas 28 anos, mas em uma vida tão curta deixou uma marca na arte que é difícil superestimar. Ele conseguiu completar as transformações revolucionárias na pintura iniciadas por Giotto. Sua pintura se distingue por uma cor escura e profunda. As pessoas nos afrescos de Masaccio são muito mais densas e poderosas do que nas pinturas da era gótica.
Masaccio foi o primeiro a dispor corretamente os objetos no espaço, levando em conta a perspectiva; ele começou a retratar as pessoas de acordo com as leis da anatomia.
Ele soube unir figuras e paisagem em uma única ação, transmitir a vida da natureza e das pessoas de forma dramática e ao mesmo tempo bastante natural - e esse é o grande mérito do pintor.
Esta é uma das poucas obras de cavalete encomendadas por Masaccio em 1426 para a capela da igreja de Santa Maria del Carmine em Pisa.
A Madona senta-se em um trono construído estritamente de acordo com as leis da perspectiva de Giotto. Sua figura é escrita com traços confiantes e claros, o que cria a impressão de um volume escultural. Seu rosto está calmo e triste, seu olhar distante não é direcionado a lugar nenhum. Envolta em um manto azul-escuro, a Virgem Maria segura nos braços o Menino, cuja figura dourada se destaca nitidamente sobre um fundo escuro. As dobras profundas do manto permitem ao artista brincar com o claro-escuro, o que também cria um efeito visual especial. O bebê come uvas pretas - um símbolo de comunhão. Os anjos impecavelmente desenhados (o artista conhecia perfeitamente a anatomia humana) ao redor da Madona dão à imagem um som emocional adicional.
A única faixa pintada por Masaccio para um tríptico de dupla face. Após a morte prematura do pintor, o resto da obra, encomendada pelo Papa Martinho V para a igreja de Santa Maria em Roma, foi concluída pelo artista Masolino. Ele retrata duas figuras estritas e monumentalmente executadas de santos vestidos de vermelho. Jerome segura um livro aberto e uma maquete da basílica, um leão jaz a seus pés. João Batista é representado em sua forma usual: ele está descalço e segura uma cruz na mão. Ambas as figuras impressionam pela precisão anatômica e uma sensação de volume quase escultural.
O interesse por uma pessoa, a admiração por sua beleza eram tão grandes no Renascimento que isso levou ao surgimento de um novo gênero na pintura - o gênero retrato.
Pinturicchio (variante de Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)
Um nativo de Perugia na Itália. Por algum tempo pintou miniaturas, ajudou Pietro Perugino a decorar a Capela Sistina de Roma com afrescos. Adquiriu experiência na forma mais complexa de pintura mural decorativa e monumental. Alguns anos depois, Pinturicchio tornou-se muralista independente. Ele trabalhou em afrescos nos apartamentos Borgia no Vaticano. Ele fez pinturas murais na biblioteca da catedral de Siena.
O artista não apenas transmite a semelhança do retrato, mas busca revelar o estado interior de uma pessoa. Diante de nós está um adolescente vestido com um vestido estrito de morador da cidade. Cor de rosa, na cabeça um pequeno gorro azul. Os cabelos castanhos caem até os ombros, emoldurando um rosto delicado, o olhar atento dos olhos castanhos é pensativo, um pouco ansioso. Atrás do menino está uma paisagem da Úmbria com árvores finas, um rio prateado, um céu ficando rosa no horizonte. A ternura primaveril da natureza, como eco do caráter do herói, está em harmonia com a poesia e o encanto do herói.
A imagem do menino é dada em primeiro plano, grande e ocupa quase todo o plano do quadro, e a paisagem é pintada ao fundo e bem pequena. Isso cria a impressão da importância do homem, seu domínio sobre a natureza circundante, afirma que o homem é a criação mais bonita da terra.
Aqui é apresentada a partida solene do Cardeal Kapranik para a Catedral de Basileia, que durou quase 18 anos, de 1431 a 1449, primeiro em Basileia e depois em Lausanne. O jovem Piccolomini também fazia parte da comitiva do cardeal. Numa elegante moldura de arco semicircular apresenta-se um grupo de cavaleiros, acompanhados de pajens e criados. O evento não é tão real e confiável, mas refinado com cavalheirismo, quase fantástico. Em primeiro plano, um belo cavaleiro montado em um cavalo branco, com vestido e chapéu luxuosos, virando a cabeça, olha para o espectador - este é Enéias Silvio. Com prazer, o artista escreve roupas ricas, belos cavalos em mantas de veludo. As proporções alongadas das figuras, movimentos levemente educados, leves inclinações da cabeça estão próximas do ideal da corte. A vida do Papa Pio II foi repleta de acontecimentos brilhantes, e Pinturicchio falou sobre os encontros do Papa com o Rei da Escócia, com o Imperador Frederico III.
Filippo Lippi (1406 - 1469)
Havia lendas sobre a vida de Lippi. Ele próprio era monge, mas deixou o mosteiro, tornou-se um artista errante, sequestrou uma freira do mosteiro e morreu envenenado pelos parentes de uma jovem, por quem se apaixonou em idade avançada.
Ele pintou imagens da Madona com o Menino, cheias de sentimentos e experiências humanas vivas. Em suas pinturas, ele retratou muitos detalhes: utensílios domésticos, meio ambiente, então seus temas religiosos eram semelhantes às pinturas seculares.
Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)
Ele pintou não apenas temas religiosos, mas também cenas da vida da nobreza florentina, sua riqueza e luxo, retratos de pessoas nobres.
Diante de nós está a esposa de um rico florentino, amigo do artista. Nesta jovem não muito bonita e luxuosamente vestida, a artista expressava calma, um momento de quietude e silêncio. A expressão no rosto da mulher é fria, indiferente a tudo, parece que ela antevê sua morte iminente: logo após pintar o retrato, ela morrerá. A mulher é retratada de perfil, o que é típico de muitos retratos da época.
Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)
Um dos nomes mais significativos da pintura italiana do século XV. Ele realizou inúmeras transformações nos métodos de construção da perspectiva de um espaço pitoresco.
A imagem é pintada em uma placa de choupo com têmpera de ovo - obviamente, a essa altura, o artista ainda não havia dominado os segredos pintura a óleo, em cuja técnica serão escritas suas obras posteriores.
O artista captou a manifestação do mistério da Santíssima Trindade no momento do Batismo de Cristo. A pomba branca, abrindo as asas sobre a cabeça de Cristo, simboliza a descida do Espírito Santo sobre o Salvador. As figuras de Cristo, João Batista e os anjos ao lado deles são pintadas em cores contidas.
Seus afrescos são solenes, sublimes e majestosos. Francesca acreditava no alto destino do homem e em suas obras as pessoas sempre fazem coisas maravilhosas. Ele usou transições de cores sutis e suaves. Francesca foi a primeira a pintar en plein air (no ar).
A criação de uma cidade ideal atormentou cientistas e arquitetos de vários países e épocas, mas as primeiras tentativas de projetar tal cidade surgiram no Renascimento. Embora os cientistas trabalhassem na corte dos faraós e imperadores romanos, cujas obras visavam criar algum tipo de assentamento ideal, no qual não apenas tudo obedeceria claramente à hierarquia, mas também no qual seria confortável viver tanto para o governante e o simples artesão. Lembre-se de pelo menos Akhetaten, Mohenjodaro ou um projeto fantástico proposto por Stasicrates a Alexandre, o Grande, segundo o qual ele propôs esculpir a estátua de um comandante do Monte Athos com uma cidade localizada em seu braço. O único problema era que esses assentamentos permaneceram no papel ou foram destruídos. A ideia de projetar uma cidade ideal não veio apenas dos arquitetos, mas também de muitos artistas. Há referências de que Piero della Francesca, Giorgio Vasari, Luciano Laurana e muitos outros estiveram envolvidos nisso.
Piero della Francesco era conhecido por seus contemporâneos principalmente como o autor de tratados, dedicado à arte. Apenas três deles chegaram até nós: "Tratado sobre o ábaco", "Perspectiva na pintura", "Cinco corpos regulares". Foi ele quem primeiro levantou a questão da criação de uma cidade ideal na qual tudo estaria sujeito a cálculos matemáticos, prometendo construções de clara simetria. Por esta razão, muitos estudiosos atribuem a Pierrot a imagem "Vista de uma cidade ideal", que se encaixa perfeitamente nos princípios do Renascimento.
Leon Battista Alberti chegou mais perto da implementação de um projeto de grande escala. É verdade que não conseguiu concretizar a sua ideia na íntegra, mas deixou para trás um grande número de desenhos e notas, segundo as quais outros artistas conseguiram no futuro realizar o que Leon não conseguiu. Em particular, Bernardo Rosselino atuou como executor de muitos de seus projetos. Mas Leon implementou seus princípios não apenas por escrito, mas também pelo exemplo de muitos dos edifícios que construiu. Basicamente, são numerosos palácios projetados para famílias nobres. O arquiteto revela seu próprio exemplo de cidade ideal em seu tratado Sobre a arquitetura. O cientista escreveu este trabalho até o fim de sua vida. Foi publicado postumamente e se tornou o primeiro livro impresso a revelar os problemas da arquitetura. Segundo Leon, a cidade ideal deveria refletir todas as necessidades de uma pessoa, responder a todas as suas necessidades humanísticas. E isso não é acidental, porque os principais pensamento filosófico no Renascimento havia um humanismo antropocêntrico. A cidade deveria ser dividida em bairros, que seriam divididos de acordo com um princípio hierárquico ou de acordo com o tipo de emprego. No centro, na praça principal, encontra-se um edifício onde estaria concentrado o poder da cidade, a catedral principal e casas de famílias nobres e governantes da cidade. Mais perto da periferia ficavam as casas dos mercadores e artesãos, e os pobres moravam na própria fronteira. Tal arranjo de edifícios, segundo o arquiteto, era um obstáculo para o surgimento de diversas agitações sociais, já que as casas dos ricos seriam separadas das moradias dos cidadãos pobres. Outro importante princípio de planejamento é que ela deveria atender às necessidades de qualquer categoria de cidadãos, para que tanto o governante quanto o clérigo pudessem viver confortavelmente nesta cidade. Era suposto conter todos os edifícios, desde escolas e bibliotecas a mercados e banhos termais. A acessibilidade pública de tais edifícios também é importante. Mesmo que ignoremos todos os princípios éticos e sociais de uma cidade ideal, os valores artísticos externos permanecem. O traçado tinha que ser regular, segundo o qual a cidade era dividida em bairros claros por ruas retas. Em geral, tudo estruturas arquitetônicas deve ser subordinado formas geométricas e desenhado ao longo da linha. Os quadrados eram redondos ou retangulares. De acordo com esses princípios, as cidades antigas, como Roma, Gênova, Nápoles, foram submetidas à demolição parcial das antigas ruas medievais e à construção de novos bairros espaçosos.
Em alguns tratados, foi encontrada observação semelhante sobre o lazer das pessoas. Dizia respeito principalmente a meninos. Propôs-se a construção de playgrounds e cruzamentos nas cidades de tal forma que os jovens brincando estivessem sob a supervisão constante de adultos que pudessem observá-los sem impedimentos. Essas precauções visavam educar a prudência dos jovens.
A cultura do Renascimento, de muitas maneiras, forneceu alimento para uma reflexão mais aprofundada sobre a estrutura da cidade ideal. Isso foi especialmente verdadeiro para os humanistas. De acordo com sua visão de mundo, tudo deve ser criado para uma pessoa, para sua existência confortável. Quando todas essas condições forem cumpridas, a pessoa receberá paz social e felicidade espiritual. Portanto, em tal
a sociedade simplesmente a priori não pode ter guerras ou tumultos. A humanidade tem caminhado para tal resultado ao longo de sua existência. Lembre-se pelo menos da famosa "Utopia" de Thomas More ou "1984" de George Orwell. Obras desse tipo afetaram não apenas aspectos funcionais, mas também pensaram as relações, a ordem e a estrutura da comunidade que vivia nessa localidade, não necessariamente uma cidade, talvez até o mundo. Mas essas fundações foram lançadas no século 15, então podemos dizer com segurança que os cientistas da Renascença eram pessoas educadas de seu tempo.
