Características da cidade ideal do Renascimento. Cultura artística do Renascimento

A aparência do termo "renascimento" (renascimento, renascimento) cai no século XVI. Escreveu sobre renascimento"arte da Itália - o primeiro historiógrafo da arte italiana, um grande pintor, autor das famosas "Biografias dos mais pintores famosos, escultores e arquitetos "(1550) - Giorgio Vasari.

Este conceito tem origem na concepção histórica, então difundida, segundo a qual a era da Idade Média se caracterizava por uma constante barbárie, ignorância, que se seguiu à queda do grande civilização arcaico clássico.

Se falamos do período da Idade Média como uma espécie de simples no desenvolvimento da cultura, é preciso levar em consideração as suposições dos historiadores da época sobre a arte. Acreditava-se que a arte, que em Velhos tempos floresceu no mundo antigo, encontra seu primeiro renascimento para uma nova existência precisamente em seu tempo.

Primavera/ Sandro Botticelli See More

No entendimento inicial, o termo "renascimento" foi interpretado não tanto como o nome de toda a época, mas a época exata (geralmente o início do século XIV) do surgimento de uma nova arte. Só depois de um certo período esse conceito adquiriu uma interpretação mais ampla e passou a designar na Itália e em outros países a época de formação e florescimento de uma cultura oposta ao feudalismo.

Já a Idade Média não é considerada uma ruptura na história da cultura artística da Europa. No século passado, iniciou-se um estudo aprofundado da arte da Idade Média, que se intensificou muito no último meio século. Isso levou à sua reavaliação e até mostrou que arte renascentista deve muito à Idade Média.

Mas não se deve falar do Renascimento como uma continuação trivial da Idade Média. Alguns historiadores modernos da Europa Ocidental tentaram obscurecer a linha entre a Idade Média e a Renascença, mas não encontraram confirmação nos fatos históricos. De fato, a análise dos monumentos culturais renascentistas indica a rejeição da maioria das crenças básicas da cosmovisão feudal.

Alegoria do amor e do tempo/Agnola Bronzino See More

O ascetismo medieval e a percepção de tudo o que é mundano está sendo substituído por um interesse insaciável no mundo real com a grandeza e beleza da natureza e, claro, no homem. Crença em superpoderes mente humana como critério supremo da verdade, levou à precária posição do intocável primado da teologia sobre a ciência, tão característico da Idade Média. Subordinação personalidade humana autoridades eclesiásticas e feudais é substituído pelo princípio do livre desenvolvimento da individualidade.

Membros da recém-formada intelectualidade secular prestavam toda atenção aos aspectos humanos em oposição ao divino e se autodenominavam humanistas (do conceito da época de Cícero "studia hmnanitatis", significando o estudo de tudo relacionado à natureza humana e seu mundo espiritual ). Este termo é um reflexo de uma nova atitude perante a realidade, o antropocentrismo da cultura do Renascimento.

Uma ampla gama de impulsos criativos foi aberta durante o período do primeiro ataque heróico ao mundo feudal. As pessoas desta época já renunciaram às redes do passado, mas ainda não encontraram novas. Eles acreditavam que suas possibilidades eram infinitas. Foi daí que nasceu o otimismo, tão característico de cultura renascentista.

Vênus adormecida/ Giorgione

Caráter alegre e fé infinita na vida deram origem à fé na infinidade de possibilidades para a mente e na possibilidade de desenvolver a personalidade de forma harmoniosa e sem barreiras.
arte renascentista em muitos aspectos, contrasta com o medieval. A cultura artística européia se desenvolve na formação do realismo. Isso marca tanto a difusão de imagens de cariz secular, o desenvolvimento de paisagens e retratos, próximos da interpretação de género de temas por vezes religiosos, como a renovação radical de toda uma organização artística.

A arte medieval baseava-se na ideia da estrutura hierárquica do universo, cujo ponto culminante estava fora do círculo da existência terrena, que ocupava um dos últimos lugares nessa hierarquia. Houve uma depreciação das conexões e fenômenos reais terrestres no tempo com o espaço, já que a principal tarefa da arte era a personificação visual da escala de valores criada pela teologia.

No Renascimento, o sistema da arte especulativa desaparece, e em seu lugar surge um sistema baseado no conhecimento e na imagem objetiva do mundo que se apresenta ao homem. É por isso que uma das principais tarefas dos artistas renascentistas era a questão de refletir o espaço.

No século XV, essa questão estava compreendida em todos os lugares, com a única diferença de que o norte da Europa (Holanda) caminhava para uma construção objetiva do espaço em etapas devido a observações empíricas, e a fundação da Itália na primeira metade do séc. século foi baseada na geometria e na óptica.

Davi/Donatello

Este pressuposto, que dá a possibilidade de construir uma imagem tridimensional sobre um plano, que se orientaria para o espectador, tendo em conta o seu ponto de vista, serviu de vitória sobre o conceito de Idade Média. A representação visual de uma pessoa mostra a orientação antropocêntrica da nova cultura artística.

A cultura do Renascimento demonstra claramente a conexão característica entre ciência e arte. Um papel especial foi atribuído ao princípio cognitivo, a fim de retratar o mundo e o homem com bastante veracidade. É claro que a busca de apoio para artistas na ciência levou ao estímulo do desenvolvimento da própria ciência. No Renascimento, muitos artistas-cientistas apareceram, liderados por Leonardo da Vinci.

Novas abordagens da arte também ditaram uma nova maneira de retratar a figura humana e transmitir ações. A ideia anterior da Idade Média sobre a canonicidade dos gestos, expressões faciais e arbitrariedade permissível nas proporções não correspondia a uma visão objetiva do mundo ao nosso redor.

Para as obras do Renascimento, o comportamento humano é inerente, sujeito não a rituais ou cânones, mas ao condicionamento psicológico e ao desenvolvimento de ações. Os artistas estão tentando aproximar as proporções das figuras da realidade. Para isso eles vão jeitos diferentes, então nos países do norte da Europa isso acontece empiricamente, e na Itália o estudo das formas reais ocorre em conjunto com o conhecimento dos monumentos da antiguidade clássica (o norte da Europa é anexado apenas mais tarde).

Os ideais do humanismo permeiam arte renascentista, criando a imagem de uma pessoa bonita e harmoniosamente desenvolvida. Para a arte renascentista são característicos: titanismo de paixões, personagens e heroísmo.

Os mestres da Renascença criam imagens que incorporam a orgulhosa consciência de seus poderes, o ilimitado das possibilidades humanas no campo da criatividade e a verdadeira fé na liberdade de sua vontade. Muitas criações da arte renascentista estão em consonância com esta expressão do famoso humanismo italiano Pico della Mirandola: “Oh, o propósito maravilhoso e sublime de uma pessoa que é dada para alcançar o que aspira e ser o que deseja”.

Leda e o Cisne/ Leonardo da Vinci

Se a determinação da natureza das artes plásticas era em maior medida o desejo de mostrar a realidade com veracidade, então o apelo à tradição clássica desempenhou um papel importante na formação de novas formas arquitetônicas. Esta consistiu não só na recriação do antigo sistema de ordem e na renúncia às configurações góticas, mas também na proporcionalidade clássica, na natureza antropocêntrica da nova arquitetura e no desenho de edifícios centrados na arquitetura do templo, onde o espaço interior era facilmente visível.

No campo da arquitetura civil, muitas novas criações foram criadas. Assim, no Renascimento, edifícios públicos da cidade de vários andares: prefeituras, universidades, casas de guildas mercantis, casas educacionais, armazéns, mercados, armazéns recebem uma decoração mais elegante. Surge uma espécie de palácio da cidade, ou então palazzo - a casa de um burguês rico, bem como uma espécie de villa rural. Estão a ser formados novos sistemas de decoração de fachadas, está a ser desenvolvido um novo sistema estrutural de um edifício de tijolo (preservado na construção europeia até ao século XX), combinando tijolo e pisos de madeira. Os problemas de planejamento urbano estão sendo resolvidos de uma nova maneira, os centros urbanos estão sendo reconstruídos.

O novo estilo arquitetônico ganhou vida com a ajuda de técnicas avançadas de construção artesanal preparadas na Idade Média. Basicamente, os arquitetos renascentistas estiveram diretamente envolvidos no projeto do edifício, direcionando sua implementação na realidade. Via de regra, eles também tinham várias outras especialidades relacionadas à arquitetura, como: escultor, pintor, às vezes decorador. A combinação de competências contribuiu para o crescimento da qualidade artística das estruturas.

Em comparação com a Idade Média, quando os principais clientes das obras eram os grandes senhores feudais e a igreja, agora o círculo de clientes está se expandindo com uma mudança na composição social. Associações de guildas de artesãos, guildas de comerciantes e até particulares (nobreza, burgueses), junto com a igreja, muitas vezes dão ordens aos artistas.

O status social do artista também muda. Apesar de os artistas estarem em busca e entrarem nas oficinas, muitas vezes recebem prêmios e altas homenagens, ocupam assentos em câmaras municipais e realizam missões diplomáticas.
Há uma evolução da atitude de uma pessoa em relação às artes plásticas. Se antes estava no nível do artesanato, agora está no mesmo nível das ciências, e as obras de arte começam a ser consideradas pela primeira vez como resultado da atividade criativa espiritual.

Juízo Final/ Michelangelo

O surgimento de novas técnicas e formas de arte é provocado pela expansão da demanda e pelo crescimento do número de clientes seculares. Formas monumentais são acompanhadas de cavalete: pintura em tela ou madeira, escultura em madeira, majólica, bronze, terracota. A demanda cada vez maior por trabalhos de arte levou ao aparecimento de gravuras em madeira e metal - a forma de arte mais barata e popular. Essa técnica, pela primeira vez, permitiu reproduzir imagens em um grande número de cópias.
Uma das principais características renascimento italiano o uso generalizado das tradições do patrimônio antigo que não morre na região do Mediterrâneo. Aqui, o interesse pela antiguidade clássica apareceu muito cedo - mesmo nas obras de artistas italianos do proto-renascimento, de Piccolo e Giovanni Pisano a Ambrogio Lorsnzetti.

O estudo da antiguidade no século XV torna-se uma das principais tarefas dos estudos humanísticos. Há uma expansão significativa de informações sobre a cultura do mundo antigo. Nas bibliotecas de antigos mosteiros, foram encontrados muitos manuscritos de obras até então desconhecidas de autores antigos. A busca por obras de arte possibilitou a descoberta de muitas estátuas antigas, relevos e, eventualmente, afrescos. Roma antiga. Eles foram constantemente estudados por artistas. Os exemplos incluem as notícias sobreviventes de uma viagem a Roma por Donatello e Brunelleschi para medir e esboçar monumentos da arquitetura e escultura romana antiga, as obras de Leon Battista Alberti, sobre o estudo de Raphael de relevos e pinturas recém-descobertas, a maneira como ele copiou escultura antiga jovem Michelangelo. A arte da Itália foi enriquecida (devido ao apelo constante à antiguidade) com uma massa de técnicas, motivos e formas novas para a época, ao mesmo tempo dando um toque de idealização heróica, que estava completamente ausente nas obras do artistas do norte da Europa.

Havia outra característica principal do Renascimento italiano - sua racionalidade. Muitas pessoas trabalharam na formação dos fundamentos científicos da arte. artistas italianos. Assim, no círculo de Brunelleschi, Masaccio e Donatello, formou-se uma teoria perspectiva linear, que foi então apresentado no tratado de 1436 de Leon Battista Alberti "O Livro da Pintura". Um grande número de artistas participou do desenvolvimento da teoria da perspectiva, em particular Paolo Uccello e Piero della Francesca, que escreveram o tratado Sobre a Perspectiva Pitoresca em 1484-1487. É nela, por fim, que são visíveis as tentativas de aplicação da teoria matemática à construção da figura humana.

Também vale a pena notar outras cidades e regiões da Itália que tiveram um papel de destaque no desenvolvimento da arte: no século XIV - Siena, no século XV - Umbrcia, Pádua, Veneza, Ferrara. No século XVI, a variedade de escolas locais desapareceu (a única exceção é a Veneza original) e, por um certo período, as principais forças artísticas do país se concentraram em Roma.

As diferenças na formação e desenvolvimento da arte de regiões individuais da Itália não interferem na criação e subordinação de um padrão geral, o que nos permite delinear as principais etapas do desenvolvimento renascimento italiano. A história da arte moderna divide a história do Renascimento italiano em quatro fases: o Proto-Renascimento (final do século XIII - primeira metade do século XIV), o Renascimento Primitivo (século XV), o Alto Renascimento (final do séc. XV - as três primeiras décadas do século XVI) e o Renascimento tardio (meados e segunda metade do século XVI) .

renascimento italiano (25:24)

Um filme maravilhoso de Vladimir Ptashchenko, lançado como parte da série Masterpieces of the Hermitage

A era do Renascimento é um dos períodos mais importantes no desenvolvimento cultural da humanidade, pois é nessa época que se estabelecem os fundamentos de uma cultura fundamentalmente nova cultura, existe uma riqueza de ideias, pensamentos, símbolos que serão usados ​​ativamente pelas gerações subseqüentes no futuro. No século XV. na Itália está nascendo uma nova imagem da cidade, que se desenvolve mais como um projeto, um modelo futuro do que uma verdadeira concretização arquitetônica. Claro, na Itália renascentista eles embelezaram muito as cidades: endireitaram ruas, nivelaram fachadas, gastaram muito dinheiro criando calçadas etc. Os arquitetos também construíram novas casas, encaixando-as em espaços vazios ou, em casos raros, , ergueu-os em vez de demolir os antigos edifícios. Em geral, a cidade italiana na realidade permaneceu medieval em sua paisagem arquitetônica. Não foi um período de desenvolvimento urbano ativo, mas foi precisamente nesta altura que as questões urbanas começaram a ser reconhecidas como uma das mais importantes áreas de construção cultural. Surgiram muitos tratados interessantes sobre o que é uma cidade e não apenas como fenômeno político, mas também sociocultural. Como surge uma nova cidade aos olhos dos humanistas renascentistas, diferente da medieval?

Em todos os seus modelos urbanísticos, projetos e utopias, a cidade, antes de mais nada, libertou-se de seu protótipo sagrado – a Jerusalém celestial, a arca, simbolizando o espaço da salvação humana. No Renascimento, surgiu a ideia de uma cidade ideal, que foi criada não de acordo com o protótipo divino, mas como resultado da atividade criativa individual do arquiteto. O famoso L. B. Alberti, autor dos clássicos Dez Livros de Arquitetura, afirmava que as ideias arquitetônicas originais costumam surgir à noite, quando sua atenção está distraída e ele tem sonhos nos quais aparecem coisas que não se revelam durante a vigília. Essa descrição secularizada do processo criativo é bem diferente dos atos cristãos clássicos de visão.

A nova cidade apareceu nas obras dos humanistas italianos correspondendo não aos regulamentos celestiais, mas aos terrestres em seu propósito social, político, cultural e doméstico. Foi construído não com base no princípio da contração espaço-sagrado, mas com base em uma delimitação espacial funcional e completamente secular, e foi dividido em espaços de praças, ruas, que foram agrupadas em torno de importantes edifícios residenciais ou públicos. Tal reconstrução, embora de fato realizada em certa medida, por exemplo, em Florença, foi realizada em maior medida nas artes visuais, na construção de pinturas renascentistas e em projetos arquitetônicos. A cidade renascentista simbolizava a vitória do homem sobre a natureza, a crença otimista de que a "alocação" da civilização humana da natureza para sua nova mundo feito pelo homem tinham fundamentos razoáveis, harmoniosos e excelentes.

O homem renascentista é um protótipo da civilização da conquista do espaço, que completou com as próprias mãos o que ficou inacabado pelo criador. É por isso que, ao planejar cidades, os arquitetos gostavam de criar belos projetos, baseados no significado estético de várias combinações de formas geométricas, nas quais era necessário colocar todos os edifícios necessários para a vida da comunidade urbana. As considerações utilitárias ficaram em segundo plano, e o livre jogo estético das fantasias arquitetônicas subjugou a consciência dos planejadores urbanos da época. A ideia da livre criatividade como base para a existência do indivíduo é um dos mais importantes imperativos culturais do Renascimento. A criatividade arquitetônica, neste caso, também incorporou essa ideia, que se expressou na criação de projetos de construção que mais pareciam algumas intrincadas fantasias ornamentais. Na prática, estas ideias acabaram por ser implementadas principalmente na criação de vários tipos de pavimentos de pedra, que foram cobertos por lajes de forma regular. Foram eles, como principais inovações, que os habitantes da cidade se orgulharam, chamando-os de "diamante".

A cidade foi originalmente concebida como um produto artificial, opondo-se à naturalidade do mundo natural, porque, ao contrário da cidade medieval, ela subjugava e dominava o espaço vital, e não apenas se encaixava no terreno. Portanto, as cidades ideais do Renascimento tinham uma forma geométrica estrita na forma de um quadrado, cruz ou octógono. Segundo a oportuna expressão de I. E. Danilova, os projetos arquitetônicos da época eram, por assim dizer, sobrepostos ao terreno de cima como selo do domínio da mente humana, ao qual tudo está sujeito. Na era da Nova Era, o homem procurou tornar o mundo previsível, razoável, para se livrar do jogo incompreensível do acaso ou da fortuna. Assim, L. B. Alberti, em sua obra “Sobre a Família”, argumentou que a razão desempenha um papel muito maior nos assuntos civis e na vida humana do que a fortuna. O famoso teórico da arquitetura e do planejamento urbano falou sobre a necessidade de testar e conquistar o mundo, estendendo a ele as regras da matemática aplicada e da geometria. Deste ponto de vista, a cidade renascentista foi a forma mais elevada de conquista do mundo, do espaço, pois os projetos urbanísticos envolviam a reorganização da paisagem natural em decorrência da imposição de uma grade geométrica de espaços delimitados. Ao contrário da Idade Média, era um modelo aberto, cujo centro não era a catedral, mas o espaço livre da praça, que se abria por todos os lados com ruas, com vistas ao longe, além das muralhas da cidade.

especialistas modernos No campo da cultura, cada vez mais atenção é dada aos problemas da organização espacial das cidades renascentistas, em particular, o tema da praça da cidade, sua gênese e semântica são discutidos ativamente em vários simpósios internacionais. R. Barthes escreveu: “A cidade é um tecido constituído não por elementos equivalentes nos quais suas funções podem ser elencadas, mas por elementos significativos e insignificantes ... Além disso, devo observar que eles estão começando a anexar cada vez mais importância ao vazio significativo em vez do vazio de significado. Em outras palavras, os elementos tornam-se cada vez mais significativos não em si mesmos, mas dependendo de sua localização.

A cidade medieval, os seus edifícios, a igreja encarnavam o fenómeno da proximidade, da necessidade de ultrapassar alguma barreira física ou espiritual, fosse uma catedral ou um palácio semelhante a uma pequena fortaleza, este é um espaço especial separado do mundo exterior. A penetração sempre simbolizava a familiarização com algum segredo oculto. A praça, por outro lado, era um símbolo de uma época completamente diferente: encarnava a ideia de abertura não só para cima, mas também para os lados, por ruas, becos, janelas, etc. um espaço fechado. Em contraste, qualquer quadrado criava a sensação de um espaço instantaneamente aberto e aberto. As praças da cidade, por assim dizer, simbolizavam o próprio processo de libertação dos segredos místicos e incorporavam o espaço abertamente dessacralizado. L. B. Alberti escreveu que a decoração mais importante das cidades era dada pela posição, direção, correspondência, disposição das ruas e praças.

Essas ideias foram apoiadas pela prática real da luta pela libertação dos espaços urbanos do controle de clãs familiares individuais, que ocorreu em Florença nos séculos XIV e XV. F. Brunelleschi durante este período projeta três novas praças na cidade. As lápides de várias pessoas nobres são removidas das praças, os mercados são reconstruídos de acordo. A ideia de espaço aberto é incorporada por L. B. Alberti em relação às paredes. Ele aconselha o uso de colunatas sempre que possível, a fim de enfatizar a convencionalidade das paredes como um obstáculo. É por isso que o arco de Alberti é visto como o oposto dos portões trancados da cidade. O arco está sempre aberto, como se servisse de moldura para abrir vistas e assim conectar o espaço urbano.

A urbanização renascentista não implica a proximidade e o isolamento do espaço urbano, mas, pelo contrário, a sua distribuição fora da cidade. O pathos ofensivo agressivo do "conquistador da natureza" é demonstrado pelos projetos de Francesco di Giorgio Martini. Yu M. Lotman escreveu sobre esse impulso espacial, característico de seus tratados. As fortalezas de Martini, na maioria dos casos, têm a forma de uma estrela, que é descoberta em todas as direções pelos cantos das paredes com bastiões fortemente estendidos para fora. Esta solução arquitetônica deveu-se em grande parte à invenção da bala de canhão. Os canhões, montados em bastiões muito avançados no espaço, permitiam neutralizar ativamente os inimigos, atingi-los a grande distância e impedi-los de atingir as paredes principais.

Leonardo Bruni, em suas obras laudatórias sobre Florença, nos apresenta mais do que uma cidade real, mas uma doutrina sociocultural incorporada, pois ele está tentando "corrigir" o traçado urbano e descrever a localização dos edifícios de uma nova maneira. Como resultado, o Palazzo Signoria fica no centro da cidade, do qual, como símbolo do poder urbano, divergem anéis de muralhas, fortificações, etc., mais largos do que na realidade. Nesta descrição, Bruni parte do modelo fechado de uma cidade medieval e tenta encarnar nova ideia a ideia de expansão urbana, que é uma espécie de símbolo de uma nova era. Florença toma terras próximas e subjuga vastos territórios.

Assim, a cidade ideal no século XV. é concebido não em uma projeção vertical sacralizada, mas em um espaço sócio-cultural horizontal, que é entendido não como uma esfera de salvação, mas como um ambiente de vida confortável. É por isso que a cidade ideal é retratada por artistas do século XV. não como uma meta distante, mas de dentro, como uma bela e harmoniosa esfera da vida humana.

No entanto, é necessário notar certas contradições que inicialmente estavam presentes na imagem da cidade renascentista. Apesar de neste período surgirem magníficas e confortáveis ​​habitações de um novo tipo, criadas principalmente “para o bem do povo”, a própria cidade já começa a ser percebida como uma jaula de pedra, o que não permite o desenvolvimento de uma personalidade humana livre e criativa. A paisagem urbana pode ser percebida como algo que contradiz a natureza, e, como você sabe, é a natureza (humana e não humana) que é objeto de admiração estética de artistas, poetas e pensadores da época.

O início da urbanização do espaço sociocultural, mesmo nas suas formas primárias, rudimentares e entusiasticamente percebidas, já suscitava um sentimento de solidão ontológica, de abandono no novo mundo “horizontal”. No futuro, esta dualidade irá desenvolver-se, transformando-se numa aguda contradição da consciência cultural dos tempos modernos e conduzindo à emergência de cenários antiurbanos utópicos.

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Entendendo a Cultura na Idade Média

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Conceito cultural de O. Spengler

Arte renascentista na Itália (séculos XIII-XVI).

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Características da arte do Renascimento na Itália.

A arte do Renascimento surgiu com base no humanismo (do latim humanus - “humano”) - uma tendência do pensamento social que se originou no século XIV. na Itália, e depois durante a segunda metade do século XV e no século XVI. se espalhou para outros países europeus. O humanismo proclamou o mais alto valor do homem e do seu bem. Os seguidores dessa tendência acreditavam que toda pessoa tem o direito de se desenvolver livremente como pessoa, realizando suas habilidades. As idéias do humanismo foram incorporadas de maneira mais plena e vívida na arte, cujo tema principal era uma pessoa bonita e harmoniosamente desenvolvida com possibilidades espirituais e criativas ilimitadas. Os humanistas se inspiraram na antiguidade, que lhes serviu de fonte de conhecimento e modelo de criatividade artística. O grande passado da Itália, lembrando-se constantemente de si mesmo, era percebido na época como a mais alta perfeição, enquanto a arte da Idade Média parecia inepta e bárbara. O termo "renascimento", que surgiu no século XVI, significava o nascimento de uma nova arte, revivendo a cultura antiga clássica. No entanto, a arte do Renascimento deve muito à tradição artística da Idade Média. O velho e o novo estavam inextricavelmente ligados e confrontados. Com toda a diversidade contraditória de suas origens, a arte do Renascimento é marcada por uma novidade profunda e fundamental. Lançou as bases da cultura europeia dos tempos modernos. Todas as principais formas de arte - pintura e gráficos, escultura, arquitetura - mudaram tremendamente.
Na arquitetura, os princípios criativamente retrabalhados do antigo sistema de pedidos , surgiram novos tipos de edifícios públicos. A pintura foi enriquecida com uma perspectiva linear e aérea, conhecimento da anatomia e proporções do corpo humano. O conteúdo terreno penetrou nos temas religiosos tradicionais das obras de arte. Aumento do interesse pela mitologia antiga, história, cenas cotidianas, paisagens, retratos. Juntamente com as pinturas murais monumentais que adornavam estruturas arquitetônicas, apareceu uma foto; surgiu a pintura a óleo.
A arte ainda não deixou de ser um ofício, mas a individualidade criativa do artista, cujas atividades na época eram muito diversas, já ocupava o primeiro lugar. O talento universal dos mestres do Renascimento é incrível - muitas vezes trabalharam simultaneamente no campo da arquitetura, escultura e pintura, combinaram sua paixão pela literatura, poesia e filosofia com o estudo das ciências exatas. O conceito de uma personalidade criativamente rica ou "renascentista" tornou-se mais tarde uma palavra familiar.
Na arte do Renascimento, os caminhos da compreensão científica e artística do mundo e do homem estavam intimamente entrelaçados. Seu significado cognitivo estava inextricavelmente ligado à sublime beleza poética; em sua busca pela naturalidade, não desceu à mesquinha vida cotidiana. A arte tornou-se uma necessidade espiritual universal.
A formação da cultura renascentista na Itália ocorreu em cidades economicamente independentes. No surgimento e florescimento da arte do Renascimento, a Igreja e as magníficas cortes dos soberanos não coroados - as famílias ricas governantes, que eram os maiores patronos e clientes de obras de pintura, escultura e arquitetura, desempenharam um papel importante. Os principais centros da cultura renascentista foram inicialmente as cidades de Florença, Siena, Pisa, depois Pádua, Ferrara, Gênova, Milão e, mais tarde, na segunda metade do século XV, a rica Veneza mercantil. No século XVI. Roma tornou-se a capital do Renascimento italiano. Desde então, todos os outros centros culturais, exceto Veneza, perderam sua importância anterior.
Na era do Renascimento italiano, costuma-se distinguir vários períodos:

Proto-renascimento (segunda metade dos séculos XIII-XIV),

Renascimento (século XV),

Alta Renascença (final do século XV - primeiro terço do século XVI)

Renascimento tardio (últimos dois terços do século XVI).

proto-renascentista

Na cultura italiana dos séculos XIII-XIV. Contra o pano de fundo das ainda fortes tradições bizantina e gótica, começaram a aparecer características de uma nova arte, que mais tarde seria chamada de arte do Renascimento. Por isso, esse período de sua história foi denominado proto-renascentista(do grego "protos" - "primeiro", ou seja, preparou o início do Renascimento). Não houve período de transição semelhante em nenhum dos países europeus. Na própria Itália, a arte proto-renascentista surgiu e se desenvolveu apenas na Toscana e em Roma.
Na cultura italiana, as características do antigo e do novo estavam entrelaçadas. O último poeta da Idade Média e o primeiro poeta da nova era, Dante Alighieri (1265-1321), criou a língua literária italiana. O que Dante começou foi continuado por outros grandes florentinos do século XIV - Francesco Petrarca (1304-1374), o fundador da poesia lírica européia, e Giovanni Boccaccio (1313-1375), o fundador do gênero romance (conto) no mundo literatura. O orgulho da época são os arquitetos e escultores Niccolo e Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio e o pintor Giotto di Bondone .
Arquitetura
A arquitetura italiana há muito seguiu tradições medievais, que se expressou principalmente no uso de um grande número de motivos góticos. Ao mesmo tempo, o próprio gótico italiano era muito diferente da arquitetura gótica do norte da Europa: gravitou em direção à calma formas grandes, mesmo luz, divisões horizontais, superfícies de parede largas. Em 1296, a construção começou em Florença Catedral de Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio queria coroar o altar da catedral com uma enorme cúpula. Porém, após a morte do arquitecto em 1310, a construção foi adiada, tendo sido concluída já no período início do renascimento. Em 1334, de acordo com o projeto de Giotto, foi iniciada a construção da torre sineira da catedral, o chamado campanário - uma esbelta torre retangular com divisões horizontais por andares e elegantes janelas góticas, cuja forma de arco lancetado foi preservado na arquitetura italiana por muito tempo.
Entre os palácios mais famosos da cidade está o Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) em Florença. Acredita-se que foi construído por Arnolfo di Cambio. É um cubo pesado com uma torre alta, forrada com rusticação de pedra dura. A fachada de três andares é decorada com janelas duplas inscritas em arcos semicirculares, o que dá a todo o edifício uma impressão de austeridade contida. O edifício define a aparência do centro antigo da cidade, invadindo a praça com um volume áspero.
Escultura
Mais cedo do que na arquitetura e na pintura, as buscas artísticas se delinearam na escultura, e sobretudo na escola pisana, cujo fundador foi Niccolò Pisano (cerca de 1220 - entre 1278 e 1284). Niccolo Pisano nasceu na Apúlia, no sul da Itália. Acredita-se que ele estudou escultura nas escolas do sul, onde floresceu o espírito do renascimento das tradições clássicas da antiguidade. Sem dúvida, Niccolo estudou a decoração escultural dos sarcófagos romanos tardios e cristãos primitivos. O mais antigo de hoje trabalho famoso escultor - hexagonal púlpito de mármore, feito por ele para o batistério de Pisa (1260), - tornou-se uma obra marcante da escultura renascentista e teve grande impacto em seu desenvolvimento posterior. A principal conquista do escultor é que ele conseguiu dar volume e expressividade às formas, e cada imagem tem força corporal.
Da oficina de Niccolò Pisano vieram os notáveis ​​mestres da escultura do Proto-Renascimento - seu filho Giovanni Pisano e Arnolfo di Cambio, também conhecido como arquiteto. Arnolfo di Cambio (cerca de 1245 - depois de 1310) gravitou em torno da escultura monumental, na qual usou suas observações de vida. Um dos melhores trabalhos que fez junto com seu pai e filho Pisano - Fonte na Piazza Perugia(1278). A Fonte Maggiore, decorada com inúmeras estátuas e relevos, tornou-se o orgulho da cidade. Era proibido beber animais dele, levar água em barris de vinho ou em pratos sujos. O museu da cidade preservou fragmentos de figuras reclinadas feitas por Arnolfo di Cambio para a fonte. Nessas figuras, o escultor conseguiu transmitir toda a riqueza dos movimentos do corpo humano.
Pintura
Na arte do Renascimento italiano, a pintura mural ocupava um lugar dominante. Foi feito em técnica de afresco. Com tintas preparadas em água, eles escreveram em gesso úmido (na verdade, um afresco) ou seco - essa técnica é chamada de "a secco" (traduzido do italiano - "seco"). O principal aglutinante do gesso é a cal. Porque a cal demora um pouco para secar, a pintura a fresco tinha que ser feita rapidamente, muitas vezes em partes, entre as quais havia costuras de conexão. A partir da segunda metade do século XV. a técnica do afresco começou a ser complementada com a pintura a secco; esta última permitia um trabalho mais lento e permitia o acabamento das peças. O trabalho nos murais foi precedido pela produção de sinopia - desenhos auxiliares aplicados sob o afresco na primeira camada de gesso. Esses desenhos foram feitos com ocre vermelho, extraído da argila perto da cidade de Sinop, localizada na costa do Mar Negro. De acordo com o nome da cidade, a tinta se chamava Sinop, ou sinopia, depois os próprios desenhos passaram a ser chamados da mesma forma. Sinopia foi usada na pintura italiana do século XIII até meados do século XV. No entanto, nem todos os pintores recorreram à ajuda da sinopia - por exemplo, Giotto di Bondone, o representante mais proeminente da era do Proto-Renascimento, dispensou-os. Gradualmente, a sinopia foi abandonada. De meados do século XV. O papelão foi amplamente utilizado na pintura - desenhos preparatórios feitos em papel ou em tecido no tamanho de obras futuras. Os contornos do desenho foram transferidos para gesso úmido com o auxílio de pó de carvão. Foi soprado através dos orifícios perfurados no contorno e pressionado no gesso com alguma ferramenta afiada. Às vezes, a sinopia de um esboço se transformava em um desenho monumental acabado, e os cartões adquiriam o valor de obras de pintura independentes.

O fundador do novo estilo italiano de pintura é Cimabue (na verdade, Cenny di Pepo, c. 1240 - c. 1302). Cimabue era famoso em Florença como um mestre de pinturas solenes e ícones de altares. Suas imagens são caracterizadas pela abstração e caráter estático. E embora Cimabue seguisse as tradições bizantinas em seu trabalho, em suas obras ele tentou expressar sentimentos terrenos, suavizar a rigidez do cânone bizantino.
Piero Cavallini (entre 1240 e 1250 - por volta de 1330) viveu e trabalhou em Roma. Ele é o autor dos mosaicos da Igreja de Santa Maria in Trastevere (1291), bem como dos afrescos da Igreja de Santa Cecilia in Trastevere (cerca de 1293). Em suas obras, Cavallini deu às formas volume e tangibilidade.
Conquistas que Cavallini adotou e deu continuidade Giotto di Bondone(1266 ou 1267 - 1337), o maior artista do Proto-Renascimento. O nome de Giotto está associado a uma virada no desenvolvimento da pintura italiana, sua ruptura com os cânones artísticos medievais e as tradições da arte ítalo-bizantina do século XIII. Maioria trabalho famoso Giotto - afrescos na Capela Arena em Pádua (1304-06). Os afrescos se distinguem pela clareza, narrativa descomplicada, presença de detalhes cotidianos que conferem vitalidade e naturalidade às cenas retratadas. Rejeitando o cânone da igreja que dominava a arte da época, Giotto retrata seus personagens como semelhantes a pessoas reais: com corpos atarracados e proporcionais, rostos redondos (em vez de alongados), o corte correto dos olhos etc. Seus santos não pairam acima do solo, mas permanecem firmes com os dois pés. Eles pensam mais no terreno do que no celestial, experimentando sentimentos e emoções completamente humanas. Pela primeira vez na história da pintura italiana, o estado de espírito dos heróis de uma pintura é transmitido por expressões faciais, gestos, postura. Em vez do tradicional fundo dourado, os afrescos de Giotto retratam paisagens, interiores ou grupos escultóricos nas fachadas das basílicas.
Na segunda metade do século XIV. a pitoresca escola de Siena vem à tona. O maior e mais refinado mestre da pintura sienense do século XIV. foi Simone Martini (c. 1284-1344). O pincel de Simone Martini é dono da primeira imagem na história da arte de um concreto evento histórico com um retrato de um contemporâneo. Esta imagem " Condottiere Guidoriccio da Fogliano"na sala Mappamondo (Mapas do Mundo) no Palazzo Publico (Siena), que foi o protótipo para numerosos futuros retratos equestres. O retábulo A Anunciação de Simone Martini, agora guardado na Galeria Uffizi, em Florença, goza de merecida fama.

Características do Renascimento. proto-renascentista

Características do Renascimento

início do renascimento

No século XV. a arte da Itália ocupou uma posição dominante na vida artística da Europa. As bases de uma cultura secular humanista (ou seja, não eclesiástica) foram lançadas em Florença, o que empurrou Siena e Pisa para segundo plano. O poder político aqui pertencia a comerciantes e artesãos, a maior influência nos assuntos da cidade era exercida por várias famílias ricas, que competiam constantemente entre si. Esta luta terminou no final do século XIV. vitória da casa bancária Medici. Seu chefe, Cosimo de' Medici, tornou-se o governante tácito de Florença. Escritores, poetas, cientistas, arquitetos, artistas reuniram-se na corte de Cosimo Medici. A cultura renascentista de Florença atingiu seu auge sob Lorenzo de' Medici, apelidado de Magnífico. Lorenzo foi um grande patrono das artes e das ciências, o criador da Academia Platônica, onde as mentes proeminentes da Itália, poetas e filósofos se reuniam, onde eram realizados debates refinados que elevavam o espírito e a mente.

Arquitetura

Sob Cosimo e Lorenzo Medici, uma verdadeira revolução ocorreu na arquitetura de Florença: uma extensa construção foi lançada aqui, o que mudou significativamente a face da cidade. O ancestral da arquitetura renascentista na Itália foi Filippo Brunelleschi(1377-1446) - arquiteto, escultor e cientista, um dos criadores da teoria científica da perspectiva. A maior conquista de engenharia de Brunelleschi foi a construção da cúpula. Catedral de Santa Maria del Fiore em Florença. Graças ao seu gênio matemático e técnico, Brunelleschi conseguiu resolver o problema mais difícil de sua época. A principal dificuldade que o mestre enfrentou foi causada pelo gigantesco vão da cruz do meio (42 m), que exigiu esforços especiais para facilitar o espalhamento. Brunelleschi resolveu o problema aplicando um projeto engenhoso: uma cúpula oca leve composta por duas conchas, um sistema de armação de oito nervuras de suporte conectadas por anéis que as circundam, uma lanterna de luz que fechava e carregava o arco. A cúpula da Catedral de Santa Maria del Fiore tornou-se a precursora de inúmeras igrejas abobadadas na Itália e em outros países europeus.

Brunelleschi foi um dos primeiros na arquitetura da Itália a compreender criativamente e interpretar originalmente o antigo sistema de ordem ( Ospedale degli Innocenti (Abrigo para enjeitados), 1421-44), marcou o início da criação de igrejas abobadadas baseadas na antiga ordem ( Igreja de São Lourenço ). Uma verdadeira joia do início da Renascença foi criada por Brunelleschi encomendada por uma rica família florentina Capela Pazzi(iniciado em 1429). O humanismo e a poesia da obra de Brunelleschi, a proporção harmoniosa, a leveza e a elegância de seus edifícios, mantendo contato com as tradições do gótico, a liberdade criativa e a validade científica de suas ideias determinaram a grande influência de Brunelleschi no desenvolvimento subsequente da arquitetura renascentista.

Uma das principais conquistas da arquitetura italiana do século XV. foi a criação de um novo tipo de palácios da cidade, o palazzo, que serviu de modelo para os edifícios públicos de uma época posterior. Características do palácio do século XV são uma divisão clara do volume fechado do edifício em três andares, um pátio aberto com arcadas de piso de verão, o uso de ferrugem (pedra com uma superfície frontal aproximadamente chanfrada ou convexa) para revestimento de fachada, bem como uma cornija decorativa fortemente estendida . Um exemplo notável desse estilo é a construção da capital do aluno de Brunelleschi, Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), o arquiteto da corte da família Medici, - Palazzo Medici - Riccardi (1444-60), que serviu de modelo para a construção de muitos palácios florentinos. A criação de Michelozzo está próxima Palácio Strozzi(fundada em 1481), a que se associa o nome do arquitecto e escultor Benedetto da Maiano (1442-97).

Um lugar especial na história da arquitetura italiana é ocupado por Leon Batista Alberti(1404-72). Um homem amplamente talentoso e amplamente educado, ele foi um dos humanistas mais brilhantes de seu tempo. A gama de seus interesses era extraordinariamente variada. Cobriu moralidade e direito, matemática, mecânica, economia, filosofia, poesia, música, pintura, escultura, arquitetura. Estilista brilhante, Alberti deixou inúmeras obras em latim e italiano. Na Itália e no exterior, Alberti conquistou a fama de notável teórico da arte. Pertencem à sua pena os famosos tratados “Dez Livros de Arquitectura” (1449-52), “Sobre a Pintura”, “Sobre a Estátua” (1435-36). Mas a arquitetura era a principal vocação de Alberti. No trabalho arquitetônico, Alberti gravitou em direção a soluções ousadas e experimentais, usando de forma inovadora o antigo patrimônio artístico. Alberti criou um novo tipo de palácio da cidade ( Palazzo Rucellai ). Na arquitetura religiosa, primando pela grandeza e simplicidade, Alberti usou motivos de arcos triunfais e arcadas romanas no desenho de fachadas ( Igreja de Sant'Andrea em Mântua, 1472-94). O nome Alberti é justamente considerado um dos primeiros entre os grandes criadores da cultura do Renascimento italiano.

Escultura

No século XV. A escultura italiana, que adquiriu um significado independente independente da arquitetura, está florescendo. As encomendas para a decoração de edifícios públicos começam a entrar na prática da vida artística; concursos de arte são realizados. Um desses concursos - para a fabricação de bronze da segunda porta norte do batistério florentino (1401) - é considerado um evento significativo que abriu uma nova página na história da escultura renascentista italiana. A vitória foi conquistada por Lorenzo Ghiberti (1381-1455).

Uma das pessoas mais cultas de seu tempo, o primeiro historiador da arte italiana, um brilhante desenhista, Ghiberti dedicou sua vida a um tipo de escultura - o relevo. O principal princípio de sua arte Ghiberti considerou o equilíbrio e a harmonia de todos os elementos da imagem. O auge da obra de Ghiberti foi portas leste do batistério de florença (1425-52), que imortalizou o nome do mestre. A decoração das portas inclui dez composições quadradas de bronze dourado (" Criação de Adão e Eva”), com sua expressividade incomum que lembra pinturas pitorescas. O artista conseguiu transmitir a profundidade do espaço, saturado de imagens da natureza, figuras de pessoas, estruturas arquitetônicas. Com a mão leve de Michelangelo, as portas orientais do batistério florentino começaram a ser chamadas "Portões do Paraíso".

A oficina Ghiberti tornou-se uma escola para toda uma geração de artistas, em particular, o famoso Donatello, o grande reformador da escultura italiana, trabalhou lá. A obra de Donatello (c. 1386-1466), que absorveu as tradições democráticas da cultura florentina no século XIV, é um dos picos do desenvolvimento da arte do início do Renascimento. Incorporou a busca de novos meios realistas de retratar a realidade, característica da arte do Renascimento, muita atenção ao homem e seu mundo espiritual. A influência da obra de Donatello no desenvolvimento da arte renascentista italiana foi enorme.

A segunda geração de escultores florentinos gravitou em direção a uma arte mais lírica, pacífica e secular. O papel principal pertenceu à família de escultores della Robbia. O chefe da família, Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482), tornou-se famoso pelo uso da técnica do vidrado em esculturas redondas e relevos. A técnica do esmalte (majólica), conhecida desde a antiguidade pelos povos da Ásia Menor, foi trazida para a Península Ibérica e para a ilha de Maiorca (daí o seu nome) na Idade Média, tendo depois se difundido amplamente na Itália. Lucca della Robbia criou medalhões com relevos sobre fundo azul profundo para edifícios e altares, guirlandas de flores e frutas, bustos de majólica da Madona, Cristo e santos. A arte alegre, elegante e gentil deste mestre recebeu um merecido reconhecimento de seus contemporâneos. Grande perfeição na técnica da majólica também foi alcançada por seu sobrinho Andrea della Robbia (1435-1525) ( relevos na fachada do Ospedale degli Innocenti).

Pintura

O grande papel que Brunelleschi desempenhou na arquitetura do início do Renascimento e Donatello na escultura, pertenceu a Masaccio (1401-1428) na pintura. Masaccio morreu jovem, antes de completar 27 anos, mas conseguiu fazer muito na pintura. O famoso historiador de arte Vipper disse: "Masaccio é um dos gênios mais independentes e consistentes da história da pintura européia, o fundador de um novo realismo ..." Continuando a busca por Giotto, Masaccio rompe corajosamente com as tradições artísticas medievais. Em afresco "Trindade"(1426-27), criado para a igreja de Santa Maria Novella em Florença, Masaccio usa perspectiva total pela primeira vez na pintura de parede. Nos murais da Capela Brancacci da Igreja de Santa Maria del Carmine em Florença (1425-28) - a principal criação de sua curta vida - Masaccio dá às imagens uma vitalidade sem precedentes, enfatiza a fisicalidade e a monumentalidade de seus personagens, transmite com maestria o estado emocional da profundidade psicológica das imagens. Em Afresco "Expulsão do Paraíso" o artista resolve a tarefa mais difícil de seu tempo para retratar uma figura humana nua. A arte dura e corajosa de Masaccio teve um enorme impacto na cultura artística do Renascimento.

O desenvolvimento da pintura do início do Renascimento foi ambíguo: os artistas seguiram seus próprios caminhos, às vezes de maneiras diferentes. O início secular, o desejo de uma narrativa fascinante, o sentimento lírico terreno encontraram expressão vívida nas obras de Fra Filippo Lippi (1406-69), um monge da ordem carmelita. Mestre encantador, autor de muitos composições de altar, entre os quais a imagem é considerada a melhor « Adoração da Criança » criado para a capela em Palazzo Medici - Riccardi, Filippo Lippi conseguiu transmitir neles o calor humano e o amor poético pela natureza.

Em meados do século XV. a pintura da Itália Central experimentou um rápido florescimento, um excelente exemplo a que a criatividade pode servir Piero della Francesca(1420-92), o maior artista e teórico da arte do Renascimento. A criação mais notável de Piero della Francesca - ciclo de afrescos na igreja de San Francesco em Arezzo, que são baseados na lenda da Árvore da Cruz que dá vida. Os afrescos, dispostos em três níveis, traçam a história da cruz vivificante desde o início, quando uma árvore sagrada cresce da semente da árvore do paraíso do conhecimento do bem e do mal no túmulo de Adão. ("Morte de Adão") até o final, quando o imperador bizantino Heráclio devolve solenemente a relíquia cristã a Jerusalém (« Batalha entre Heráclio e Chosroes » ). A obra de Piero della Francesca ultrapassou as escolas locais de pintura e determinou o desenvolvimento da arte italiana em geral.

Na segunda metade do século XV, muitos artesãos talentosos trabalharam no norte da Itália nas cidades de Verona, Ferrara e Veneza. Entre os pintores desta época, o mais famoso é Andrea Mantegna (1431-1506) - mestre do cavalete e da pintura monumental, desenhista e gravador, escultor e arquiteto. A maneira pictórica do artista se distingue pela busca de formas e desenhos, pelo rigor e veracidade das imagens generalizadas. Graças à profundidade espacial e à natureza escultural das figuras, Mantegna consegue a impressão de uma cena real congelada por um momento - seus personagens parecem tão volumosos e naturais. A maior parte de sua vida, Mantegna viveu em Mântua, onde criou sua obra mais famosa - mural "Câmara degli Sposi" no castelo campestre do Marquês L. Gonzaga. Apenas por meio da pintura, ele criou aqui um luxuoso interior renascentista, um local para recepções cerimoniais e feriados. A arte de Mantegna, que gozou de grande fama, influenciou toda a pintura do norte da Itália.

Um lugar especial na pintura do início do Renascimento pertence a Sandro Botticelli(na verdade, Alessandro di Mariano Filipepi), nascido em 1445 em Florença, na família de um rico curtidor de couro. Em 1459-64. o jovem estuda pintura com o famoso mestre florentino Filippo Lippi. Em 1470 abriu sua própria oficina em Florença e em 1472 tornou-se membro da Guilda de São Lucas.

A primeira criação de Botticelli foi a composição "Força", que executou para a corte mercantil de Florença. O jovem artista rapidamente conquistou a confiança dos clientes e ganhou fama, o que atraiu a atenção de Lorenzo, o Magnífico, o novo governante de Florença, que se tornou seu mestre da corte e favorito. Botticelli executou a maioria de suas pinturas para as casas do duque e outras famílias nobres florentinas, bem como para igrejas, mosteiros e edifícios públicos em Florença.

Segunda metade das décadas de 1470 e 1480 tornou-se para Botticelli um período de florescimento criativo. Para a fachada principal da igreja de Santa Maria Novella, escreve a composição " Adoração dos Magos"- uma espécie de mitologização retrato de grupo a família Médici. Alguns anos depois, o artista cria sua famosa alegoria mitológica "Primavera".

Em 1481, o papa Sisto IV ordenou a um grupo de pintores, entre os quais Botticelli, que decorassem sua capela com afrescos, que mais tarde recebeu o nome de "Sistina". Afrescos na Capela Sistina de Botticelli Tentação de Cristo », « Cenas da vida de Moisés », « Punição da Coréia, Dathan e Aviron". Nos anos seguintes, Botticelli completou uma série de 4 afrescos baseados em contos do Decameron de Boccaccio, criou suas obras mitológicas mais famosas (“O Nascimento de Vênus”, “ Palas e Centauro”), bem como várias composições de altar para igrejas florentinas (“ Coroação da Virgem Maria », « Altar de São Barnabé"). Muitas vezes ele se voltou para a imagem da Madonna (" Madonna del Magnificat », « Madonna com romã », « Madonna com um livro”), também trabalhou no gênero retrato (“ Retrato de Giuliano Medici”, “Retrato de uma jovem”, “Retrato de um jovem”).

Na década de 1490, durante o período dos movimentos sociais que abalaram Florença e dos sermões místicos do monge Savonarola, notas moralizantes e dramáticas aparecem na arte de Botticelli (“Calúnia”, “ Lamentação por Cristo », « natal místico"). Sob a influência de Savonarola, num acesso de exaltação religiosa, o artista chegou a destruir algumas de suas obras. Em meados da década de 1490, com a morte de Lorenzo, o Magnífico, e a expulsão de seu filho Pietro de Florença, Botticelli perdeu a fama de grande artista. Esquecido, ele vive tranquilamente sua vida na casa do irmão Simon. Em 1510, o artista morreu.

A requintada arte de Botticelli com elementos de estilização (ou seja, generalização de imagens usando técnicas convencionais - simplificação de cor, forma e volume) é considerada um dos pináculos do desenvolvimento da pintura. A arte de Botticelli, ao contrário da maioria dos primeiros mestres do Renascimento, baseava-se na experiência pessoal. Excepcionalmente sensível e sincero, Botticelli percorreu um difícil e trágico caminho de busca criativa - da percepção poética do mundo na juventude ao misticismo e exaltação religiosa na idade adulta.

Avivamento precoce

Avivamento precoce

Alta Renascença

A Alta Renascença, que deu à humanidade grandes mestres como Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Giorgione, Ticiano, Bramante, abrange um período de tempo relativamente curto - o final do século XV e o primeiro terço do século XVI. Somente em Veneza, o florescimento da arte continuou até meados do século.

Mudanças fundamentais associadas aos eventos decisivos na história mundial, os sucessos do pensamento científico avançado, expandiram infinitamente as ideias das pessoas sobre o mundo - não apenas sobre a terra, mas também sobre o espaço. A percepção do mundo e da personalidade humana parecia ser ampliada; na criatividade artística, isso se refletiu não apenas na majestosa escala de estruturas arquitetônicas, monumentos, solenes ciclos de afrescos e pinturas, mas também em seu conteúdo, expressividade das imagens. A arte da Alta Renascença é um processo artístico vivo e complexo com brilhos deslumbrantes e crises subsequentes.

Donato Bramante.

Roma tornou-se o centro da arquitetura do Alto Renascimento, onde um único estilo clássico foi formado com base em descobertas e sucessos anteriores. Os mestres usaram criativamente o antigo sistema de ordem, criando estruturas cuja majestosa monumentalidade estava em sintonia com a época. Donato Bramante (1444-1514) tornou-se o maior representante da arquitetura do Alto Renascimento. Os edifícios de Bramante distinguem-se pela monumentalidade e grandeza, perfeição harmoniosa de proporções, integridade e clareza de soluções composicionais e espaciais e uso livre e criativo de formas clássicas. A maior conquista criativa de Bramante é a reconstrução do Vaticano (o arquiteto realmente criou um novo edifício, incluindo organicamente edifícios antigos espalhados nele). Bramante também foi o autor do projeto da Catedral de São Pedro em Roma. Com sua obra, Bramante determinou o desenvolvimento da arquitetura no século XVI.

Leonardo da Vinci.

Na história da humanidade não é fácil encontrar outra pessoa tão brilhante quanto o fundador da arte do Alto Renascimento. Leonardo da Vinci(1452-1519). A abrangência das atividades desse grande artista, escultor, arquiteto, cientista e engenheiro ficou clara somente quando foram examinados manuscritos dispersos de seu legado, totalizando mais de sete mil folhas contendo projetos científicos e arquitetônicos, invenções e esboços. É difícil nomear a área do conhecimento que sua genialidade não teria tocado. O universalismo de Leonardo é tão incompreensível que o famoso biógrafo das figuras renascentistas, Giorgio Vasari, não poderia explicar esse fenômeno senão pela intervenção do céu: “Seja o que for que este homem faça, cada ação sua traz a marca da divindade”.

Em seu famoso "Tratado de Pintura" (1498) e outras notas, Leonardo prestou grande atenção ao estudo do corpo humano, informações sobre anatomia, proporções, relação entre movimentos, expressões faciais e estado emocional de uma pessoa. Leonardo também se ocupou com os problemas do claro-escuro, modelagem volumétrica, perspectiva linear e aérea. Leonardo prestou homenagem não apenas à teoria da arte. Ele criou uma série de magníficos retábulos e retratos. O pincel de Leonardo pertence a uma das obras mais famosas da pintura mundial - "Mona Lisa" ("La Gioconda"). Leonardo criou imagens esculturais monumentais, projetou e construiu estruturas arquitetônicas. Leonardo continua sendo uma das personalidades mais carismáticas do Renascimento até hoje. Um grande número de livros é dedicado a ele, sua vida é estudada da maneira mais detalhada. E, no entanto, muito em sua obra permanece um mistério e continua a excitar a mente das pessoas.

Rafael Sant.

A arte de Raphael Santi (1483-1520) também pertence ao apogeu do Renascimento italiano. A ideia de sublime beleza e harmonia está associada à obra de Rafael na história da arte mundial. É geralmente aceito que na constelação de mestres brilhantes da Alta Renascença, foi Rafael o principal portador da harmonia. A busca incessante por um começo brilhante e perfeito permeia toda a obra de Rafael, constitui seu significado interior. Seu trabalho é extraordinariamente atraente em sua elegância natural (" Madona Sistina"). Talvez seja por isso que o mestre ganhou uma popularidade tão extraordinária entre o público e teve muitos seguidores entre os artistas de todos os tempos. Raphael não era apenas um pintor incrível, pintor de retratos, mas também um muralista que trabalhava na técnica de afresco, arquiteto e decorador. Todos esses talentos se manifestaram com particular força em suas pinturas dos aposentos do Papa Júlio II no Vaticano ("Escola de Atenas"). Na arte de um artista brilhante, nasceu uma nova imagem de um homem renascentista - belo, harmonioso, perfeito física e espiritualmente.

Michelangelo Buonarotti.

Contemporâneo Leonardo da Vinci e Rafael era seu eterno rival - Michelangelo Buonarroti , maior mestre Alta Renascença - escultor, pintor, arquiteto e poeta. Este titã do Renascimento começou sua carreira com a escultura. Suas estátuas colossais se tornaram um símbolo de um novo homem - um herói e um lutador ("David"). O mestre ergueu muitas estruturas arquitetônicas e escultóricas, sendo a mais famosa a Capela dos Médici em Florença. O esplendor dessas obras é construído na tensão colossal dos sentimentos dos personagens ( Sarcófago de Giuliano de' Medici). Mas especialmente famosas são as pinturas de Michelangelo no Vaticano, na Capela Sistina, nas quais ele provou ser um pintor brilhante. Talvez ninguém no mundo da arte, nem antes nem depois de Michelangelo, tenha criado personagens tão fortes de corpo e espírito (“ Criação de Adão"). O enorme e incrivelmente complexo afresco no teto foi feito apenas pelo artista, sem assistentes; até hoje continua sendo uma obra monumental insuperável da pintura italiana. Mas além dos murais do teto da Capela Sistina, o mestre, já na velhice, criou o ferozmente inspirador "Juízo Final" - um símbolo do colapso dos ideais de sua grande época.

Michelangelo trabalhou muito e frutuosamente na arquitetura, em particular, supervisionou a construção da Catedral de São Pedro e do conjunto Praça do Capitólio em Roma. A obra do grande Michelangelo constituiu toda uma época e estava muito à frente de seu tempo, desempenhou um papel colossal na arte mundial, em particular, influenciou a formação dos princípios do barroco.

Giorgione e Ticiano.

Na história da arte do Alto Renascimento, Veneza entrou em uma página brilhante, onde a pintura está no auge. Giorgione é considerado o primeiro mestre da Alta Renascença em Veneza. Sua arte é muito especial. O espírito de clara harmonia e alguma contemplação íntima especial e devaneio reina nele. Ele costumava escrever belezas deliciosas, verdadeiras deusas. Normalmente, esta é uma ficção poética - a personificação de uma quimera, a admiração por um sentimento romântico e uma mulher bonita. Em suas pinturas há um toque de paixão sensual, doce prazer, felicidade sobrenatural. Com a arte de Giorgione, a pintura veneziana adquiriu um significado totalmente italiano, afirmando suas características artísticas.

Ticiano em entrou para a história da arte italiana como titã e chefe da escola veneziana, como símbolo de seu apogeu. Na obra deste artista, o sopro de uma nova era se manifestou com força especial - tempestuosa, trágica, sensual. A obra de Ticiano se distingue por uma cobertura excepcionalmente ampla e versátil de tipos e gêneros de pintura. Ticiano foi um dos fundadores da pintura monumental do altar, da paisagem como gênero independente, de vários tipos de retratos, inclusive solenes e cerimoniais. Em sua obra coexistem imagens ideais com personagens vívidos, conflitos trágicos com cenas de alegria jubilosa, composições religiosas com pinturas mitológicas e históricas.

Ticiano desenvolveu uma nova técnica de pintura que teve uma influência excepcional no desenvolvimento das artes plásticas mundiais até o século XX. Ticiano pertence aos maiores coloristas da pintura mundial. Suas pinturas brilham com ouro e uma gama complexa de vibrantes tons luminosos de cor. Ticiano, que viveu quase um século, sobreviveu ao colapso dos ideais renascentistas, a obra do mestre pertence a metade da época Renascimento tardio. Seu herói, que entra na luta contra forças hostis, morre, mas mantém sua grandeza. A influência da grande oficina de Ticiano afetou toda a arte veneziana.

ALTO REAVIVAMENTO

ALTO REAVIVAMENTO

Renascimento tardio

Na segunda metade do século XVI. na Itália, crescia o declínio da economia e do comércio, o catolicismo entrava em luta com a cultura humanista, a arte estava em profunda crise. Fortaleceu as tendências anti-renascentistas, incorporadas no maneirismo. No entanto, o maneirismo quase não afetou Veneza, que na segunda metade do século XVI se tornou o principal centro da arte do final do Renascimento. Em linha com a alta tradição humanística renascentista, nas novas condições históricas de Veneza, desenvolveu-se a obra dos grandes mestres do Renascimento tardio, enriquecida com novas formas - Palladio, Veronese, Tintoretto.

Andrea Palladio

A obra do arquiteto do norte da Itália Andrea Palladio (1508-80), baseada em um profundo estudo da arquitetura antiga e renascentista, é um dos pináculos da arte do final da Renascença. Palladio desenvolveu os princípios da arquitetura, que foram desenvolvidos na arquitetura do classicismo europeu dos séculos XVII-XVIII. e recebeu o nome de Palladianismo. O arquitecto expôs as suas ideias na obra teórica Quatro Livros de Arquitectura (1570). Os edifícios de Palladio (principalmente palácios e vilas urbanas) são cheios de graciosa beleza e naturalidade, integridade harmoniosa e estrita ordem, distinguem-se pela clareza e conveniência do planejamento e uma conexão orgânica com o meio ambiente ( Palazzo Chiericati). A capacidade de harmonizar a arquitetura com a paisagem circundante manifestou-se com particular força nas villas Palladio, imbuídas de um sentido elegíaco e iluminado da natureza e marcadas pela clareza clássica e simplicidade de formas e composição ( Vila Capra (Rotonda)). Palladio criou o primeiro edifício teatral monumental da Itália, o Teatro Olímpico. A influência de Palladio no desenvolvimento da arquitetura nos séculos seguintes foi enorme.

Veronese e Tintoretto..

A natureza festiva e de afirmação da vida do Renascimento veneziano foi mais claramente manifestada na obra de Paolo Veronese. Artista monumental, criou magníficos conjuntos decorativos de pinturas de parede e teto com muitos personagens e detalhes divertidos. Veronese criou estilo próprio: suas pinturas espetaculares e espetaculares são cheias de emoções, paixão e vida, e os heróis, a nobreza veneziana, geralmente estão localizados em palácios patrícios ou tendo como pano de fundo uma natureza luxuosa. Eles são levados por festas grandiosas ou festividades encantadoras (“Bodas de Caná”). Veronese era o mestre da alegre Veneza, seus triunfos, o poeta de seu brilho dourado. Veronese tinha um dom excepcional como colorista. Suas cores são permeadas de luz, intensas e não apenas dotam os objetos de cor, mas eles próprios se transformam em objeto, transformando-se em nuvens, tecido, corpo humano. Por isso, a beleza real das figuras e objetos é multiplicada pela beleza da cor e da textura, o que produz um forte impacto emocional no espectador.

O completo oposto de Veronese foi seu contemporâneo Tintoretto (1518-94) - o último grande mestre do Renascimento italiano. A abundância de influências artísticas externas dissolveu-se na individualidade criativa única de Tintoretto. Em sua obra, foi uma figura gigantesca, criadora de temperamento vulcânico, de paixões violentas e de intensidade heroica. Seu trabalho foi um enorme sucesso tanto entre os contemporâneos quanto entre as gerações subsequentes. Tintoretto distinguia-se por uma capacidade de trabalho verdadeiramente desumana, uma busca incansável. Ele sentiu a tragédia de seu tempo de forma mais aguda e profunda do que a maioria de seus contemporâneos. O mestre se rebelou contra as tradições estabelecidas nas artes visuais - a observância da simetria, equilíbrio estrito, estático; expandiu os limites do espaço, saturou-o com dinâmica, ação dramática, começou a expressar os sentimentos humanos de forma mais vívida. 1590 . A arte maneirista se afasta dos ideais renascentistas percepção harmônica paz. O homem está à mercê de forças sobrenaturais. O mundo parece instável, instável, em estado de decadência. As imagens maneiristas estão cheias de ansiedade, inquietação, tensão. O artista se afasta da natureza, busca superá-la, seguindo em sua obra uma “ideia interior” subjetiva, cuja base não é o mundo real, mas a imaginação criadora; o meio de atuação é a "forma bonita" como a soma de certas técnicas. Entre eles estão o alongamento arbitrário das figuras, o complexo ritmo serpentino, a irrealidade do espaço e da luz fantásticos e, às vezes, cores frias e penetrantes.

Jacopo Pontormo (1494-1556) foi o maior e mais talentoso mestre do maneirismo, um pintor de complexo destino criativo. No dele pintura famosa « Descida da Cruz» a composição é instável, as figuras são pretensiosamente quebradas, as cores claras são nítidas. Francesco Mazzola, apelidado de Parmigianino (1503-40) adorava impressionar o espectador: por exemplo, ele escreveu seu " Autorretrato em espelho convexo". A deliberação deliberada distingue sua famosa pintura " Madonna com um pescoço longo ».

O pintor da corte Medici Agnolo Bronzino (1503-72) é conhecido por seus retratos cerimoniais. Eles ecoaram a era de atrocidades sangrentas e declínio moral que tomou conta dos mais altos círculos da sociedade italiana. Os nobres clientes do Bronzino estão, por assim dizer, separados do espectador por uma distância invisível; a rigidez de suas poses, a impassibilidade de seus rostos, a riqueza de suas roupas, os gestos de suas belas mãos frontais - tudo isso é como uma casca externa que esconde uma vida interna imperfeita. No retrato de Eleanor de Toledo com seu filho (c. 1545), a inacessibilidade da imagem fria e distante é reforçada pelo fato de que a atenção do observador é totalmente absorvida pelo grande padrão plano das magníficas roupas de brocado da duquesa. O tipo de retrato da corte criado pelos maneiristas influenciou a arte retratista dos séculos XVI-XVII. em muitos outros países europeus.

A arte do maneirismo era transitória: o Renascimento estava desaparecendo no passado, era hora de um novo pan-europeu estilo artístico- barroco.

Arte do Renascimento do Norte.

Os países do norte da Europa não tiveram seu passado antigo, mas o período renascentista se destaca em sua história: da viradaXV – XVIpara o segundo tempoXVIIséculo. Desta vez, distingue-se pela penetração dos ideais renascentistas em várias esferas da cultura e pela mudança gradual de seu estilo. Como no berço do Renascimento, na arte do Renascimento do Norte, o interesse pelo mundo real mudou as formas de criatividade artística. No entanto, a arte dos países do norte não se caracterizou pelo pathos da pintura italiana, glorificando o poder do man-titã. Os burgueses (os chamados cidadãos ricos) valorizavam mais a integridade, a fidelidade ao dever e à palavra, a santidade do voto conjugal e o lar. Nos círculos burgueses, seu próprio ideal de pessoa estava se desenvolvendo - claro, sóbrio, piedoso e profissional. A arte dos burgueses poetiza a pessoa comum e seu mundo - o mundo da vida cotidiana e das coisas simples.

Mestres renascentistas na Holanda.

Novas características da arte renascentista apareceram principalmente na Holanda, que era um dos países mais ricos e industrializados da Europa. Devido à sua extensa relações Internacionais A Holanda aceitou novas descobertas muito mais rápido do que outros países nórdicos.

estilo renascentista na Holanda abriu Jan Van Eyck(1390-1441). Sua obra mais famosa é retábulo de Gent, no qual o artista começou a trabalhar com seu irmão, e continuou trabalhando sozinho após sua morte por mais 6 anos. O altar de Ghent, criado para a catedral da cidade, é uma dobra de dois níveis, em 12 tábuas das quais estão fotos do cotidiano, da vida cotidiana (nas tábuas externas, que eram visíveis quando a dobra foi fechada) e festiva, jubilosa, transfigurada vida (nas portas internas, que pareciam abertas durante os feriados da igreja). Este é um monumento de arte que glorifica a beleza da vida terrena. O sentimento emocional de Van Eyck - "o mundo é como um paraíso", cada partícula do qual é linda - é expresso de forma clara e clara. O artista contou com muitas observações da natureza. Todas as figuras e objetos têm volume e peso tridimensionais. Os irmãos Van Eyck foram os primeiros a descobrir as possibilidades da pintura a óleo; a partir desta época, começa o deslocamento gradual da têmpera por ela.

Na segunda metade do XVséculo XX, repleto de embates políticos e religiosos, na arte dos Países Baixos destaca-se uma arte complexa e peculiar Hieronymus Bosch(1450?-1516). Este é um artista muito curioso com uma imaginação extraordinária. Ele vivia em seu próprio e terrível mundo. Nas pinturas de Bosch há uma condensação de representações folclóricas medievais, montagens grotescas do vivo e do mecânico, do terrível e do cômico. Em suas composições, que não tinham centro, não há personagem principal. O espaço em várias camadas é preenchido com numerosos grupos de figuras e objetos: répteis monstruosamente exagerados, sapos, aranhas, criaturas terríveis nas quais partes de diferentes criaturas e objetos são combinados. O propósito das composições de Bosch é a edificação moral. Bosch não encontra harmonia e perfeição na natureza, suas imagens demoníacas lembram a vitalidade e a onipresença do mal mundial, do ciclo da vida e da morte.

O homem nas pinturas de Bosch é patético e fraco. Assim, no tríptico carruagem de feno» o artista revela a história da humanidade. A ala esquerda conta a história da queda de Adão e Eva, a direita retrata o Inferno e todos os horrores que aguardam os pecadores aqui. A parte central da imagem ilustra o provérbio popular "O mundo é um palheiro, cada um tira dele o que consegue agarrar." Bosch mostra como as pessoas lutam por um pedaço de feno, morrem sob as rodas de uma carroça, tentam subir nela. Em cima da carroça, renunciando ao mundo, os amantes cantam e se beijam. De um lado deles está um anjo e, do outro, o diabo: quem vencerá? Criaturas assustadoras arrastam o carrinho para o submundo. Por trás de todas as ações das pessoas, Deus parece perplexo. Um clima ainda mais sombrio está imbuído da imagem " carregando a cruz”: Cristo carrega sua pesada cruz, cercado por pessoas nojentas de olhos esbugalhados e bocas escancaradas. Por eles o Senhor se sacrifica, mas sua morte na cruz os deixará indiferentes.

Bosch já havia morrido quando outro famoso artista holandês nasceu - Pieter Brueghel, o Velho(1525-1569), apelidado de Muzhitsky por muitas pinturas que retratam a vida dos camponeses. Brueghel tomou provérbios folclóricos e as preocupações cotidianas das pessoas comuns como base para muitos enredos. A completude das imagens das pinturas " casamento camponês" E " dança camponesa"carrega o poder dos elementos do povo. Até as pinturas de Brueghel sobre cenas bíblicas são habitadas pela Holanda, e os eventos da distante Judéia acontecem tendo como pano de fundo as ruas cobertas de neve sob o céu escuro de seu país natal (“ Sermão de João Batista"). Mostrando aparentemente sem importância, menor, o artista fala sobre o principal na vida das pessoas, recria o espírito de seu tempo.

uma pequena tela Caçadores na neve” (janeiro) da série “The Seasons” é considerada uma das obras-primas insuperáveis ​​​​da pintura mundial. Caçadores cansados ​​​​com cães voltam para casa. Junto com eles, o espectador entra no morro, de onde se abre o panorama de uma pequena cidade. Margens do rio cobertas de neve, árvores espinhosas congeladas no ar límpido e gelado, pássaros voam, sentam-se em galhos de árvores e telhados de casas, as pessoas estão ocupadas com seus afazeres diários. Todas essas ninharias aparentes, junto com o azul do céu, as árvores negras, a neve branca, criam na imagem um panorama do mundo que o artista ama apaixonadamente.

A pintura mais trágica de Brueghel Parábola do Cego"Escrito pelo artista pouco antes de sua morte. Ele ilustra a história do evangelho "se um cego guiar outro cego, ambos cairão na cova". Talvez esta seja uma imagem da humanidade, cega por seus desejos, caminhando para a morte. Porém, Brueghel não julga, mas, compreendendo as leis da relação das pessoas entre si, com o meio ambiente, penetrando na essência da natureza humana, revela às próprias pessoas, seu lugar no mundo.

Pintura na Alemanha durante o Renascimento.

As características do Renascimento na arte da Alemanha aparecem mais tarde do que na Holanda. O apogeu do humanismo alemão, das ciências seculares e da cultura cai nos primeiros anosXVIv. Foi um breve período durante o qual a cultura alemã deu ao mundo os mais altos valores artísticos. Em primeiro lugar, devem incluir obras Albrecht Dürer(1471-1528) - o artista mais importante do Renascimento alemão.

Durer é um típico representante do Renascimento, foi pintor, gravador, matemático e engenheiro, escreveu tratados sobre fortificação e teoria da arte. Sobre autorretratos ele parece inteligente, nobre, concentrado, cheio de profundas reflexões filosóficas. Nas pinturas, Dürer não se contenta com a beleza formal, mas procura dar uma expressão simbólica de pensamentos abstratos.

Um lugar especial na herança criativa de Dürer pertence à série Apocalypse, que inclui 15 grandes xilogravuras. Dürer ilustra as previsões da "Revelação de João, o Teólogo", por exemplo, a folha " quatro cavaleiros"simboliza desastres terríveis - guerra, pestilência, fome, julgamento injusto. O pressentimento de mudanças, duras provações e desastres, expressos em gravuras, revelou-se profético (a Reforma e o Camponês e as guerras religiosas que se seguiram logo começaram).

Outro grande artista da época foi Lucas Cranach, o Velho(1472-1553). O Hermitage abriga suas pinturas Madonna e criança sob a macieira" E " retrato feminino". Neles vemos o rosto de uma mulher, capturado em muitas das pinturas do mestre (até se chama "Cranach"): um queixo pequeno, olhos estreitos, cabelos dourados. O artista escreve cuidadosamente jóias e roupas, suas pinturas são uma festa para os olhos. A pureza e a ingenuidade das imagens mais uma vez fazem você olhar para essas pinturas. Cranach foi um pintor de retratos maravilhoso, ele criou imagens de muitos contemporâneos famosos - Martinho Lutero (que era seu amigo), o duque Henrique da Saxônia e muitos outros.

Mas o pintor de retratos mais famoso do Renascimento do Norte pode, sem dúvida, ser reconhecido como outro pintor alemão. Hans Holbein, o Jovem(1497-1543). Durante muito tempo foi o pintor da corte do rei inglês HenriqueVIII. Em seu retrato, Holbein transmite perfeitamente a natureza imperiosa do rei, que não está familiarizado com a dúvida. Pequenos olhos inteligentes em um rosto carnudo traem um tirano nele. retrato de heinrich VIII era tão confiável que assustava as pessoas que conheciam o rei. Holbein pintou retratos de muitas pessoas famosas da época, em particular o estadista e escritor Thomas More, o filósofo Erasmo de Rotterdam e muitos outros.

O desenvolvimento da cultura renascentista na Alemanha, Holanda e alguns outros países europeus foi interrompido pela Reforma e pelas guerras religiosas que se seguiram. Em seguida, chegou a hora da formação de novos princípios na arte, que entraram na próxima etapa de seu desenvolvimento.

PÁGINA \* MERGEFORMAT 2

Agencia Federal transporte ferroviário

siberiano Universidade Estadual meios de comunicação

Departamento de "Filosofia"

IMAGENS ARTÍSTICAS DO RENASCIMENTO

Ensaio

Na disciplina "Culturologia"

cabeça projetada

Professor aluno gr. D-111

Bystrova A.N. ___________ Kamyshova E.V.

(assinatura) (assinatura)

08.12.2012

(data da inspeção) (data de envio para inspeção)

ano 2012

Introdução

O Renascimento é considerado um dos períodos mais brilhantes da história do desenvolvimento da cultura européia. Podemos dizer que o renascimento é toda uma era cultural no processo de transição da Idade Média para o novo tempo, durante o qual ocorreu uma convulsão cultural (uma virada, uma mudança). Mudanças fundamentais estão associadas à erradicação da mitologia.

Apesar da origem do termo Renascimento (fr. Renascimento, "Renascimento"), não houve renascimento da antiguidade e não poderia ser. O homem não pode voltar ao seu passado. O Renascimento, usando as lições da antiguidade, introduziu inovações. Ele não trouxe de volta à vida todos os gêneros antigos, mas apenas aqueles que eram característicos das aspirações de seu tempo e cultura. O Renascimento combinou uma nova leitura da antiguidade com uma nova leitura do cristianismo.

A relevância do tema escolhido deve-se à ligação entre a era moderna e o Renascimento - trata-se de uma revolução, antes de mais, no sistema de valores, na avaliação de tudo o que existe e em relação a ele.

O principal objetivo do trabalho é mostrar as mudanças fundamentais que ocorreram na visão de mundo das maiores figuras da época em questão.

1. Cultura do Renascimento

XIII-XVI Os séculos têm sido uma época de grandes mudanças na economia, na política e na cultura. O rápido crescimento das cidades e o desenvolvimento do artesanato, e mais tarde a transição para a produção manufatureira, transformaram a face da Europa medieval.

As cidades vieram à tona. Não muito antes disso, as forças mais poderosas do mundo medieval - o império e o papado - estavam em profunda crise. EM XVI No século XX, o decadente Sacro Império Romano da nação alemã tornou-se o cenário das duas primeiras revoluções antifeudais - a Grande Guerra dos Camponeses na Alemanha e a Revolta dos Países Baixos.

O caráter transitório da época, o processo de libertação dos caminhos medievais ocorrendo em todas as esferas da vida, ao mesmo tempo, o ainda subdesenvolvimento das relações capitalistas emergentes não poderia deixar de afetar as características da cultura artística e do pensamento estético da época .

De acordo com A. V. Stepanov, todas as mudanças na vida da sociedade foram acompanhadas por uma ampla renovação da cultura - o florescimento das ciências naturais e exatas, literatura em línguas nacionais e belas artes. Com origem nas cidades da Itália, essa renovação conquistou outros países europeus. O autor acredita que após o advento da impressão, oportunidades inéditas se abriram para a divulgação de obras literárias e científicas, e uma comunicação mais regular e próxima entre os países contribuiu para a penetração de novas tendências artísticas.

Isso não significa que a Idade Média recuou diante das novas tendências: as ideias tradicionais foram preservadas na consciência de massa. A igreja resistiu às novas ideias, usando um meio medieval - a Inquisição. A ideia da liberdade da pessoa humana continuou a existir em uma sociedade dividida em classes. A forma feudal de dependência dos camponeses não desapareceu completamente, e em alguns países (Alemanha, em A Europa Central) houve um retorno à servidão. O sistema feudal mostrava bastante vitalidade. Cada país europeu viveu-o à sua maneira e no seu próprio quadro cronológico. O capitalismo existiu por muito tempo como forma de vida, abrangendo apenas uma parte da produção tanto na cidade quanto no campo. No entanto, a lentidão medieval patriarcal começou a retroceder no passado.

As grandes descobertas geográficas desempenharam um papel enorme neste avanço. Por exemplo, em 1492. H. Columbus, em busca de um caminho para a Índia cruzou oceano Atlântico e desembarcou nas Bahamas, descobrindo um novo continente - a América. Em 1498 O viajante espanhol Vasco da Gama, tendo contornado a África, trouxe com sucesso seus navios para a costa da Índia. COM XVI v. Os europeus estão penetrando na China e no Japão, dos quais antes tinham apenas uma vaga ideia. A partir de 1510, começa a conquista da América. EM XVII v. A Austrália foi descoberta. A ideia da forma da terra mudou: viagem ao redor do mundo F. Magalhães confirmou a conjectura de que tem a forma de uma bola.

O desprezo por tudo o que é terreno é agora substituído por um ávido interesse pelo mundo real, pelo homem, pela consciência da beleza e da grandeza da natureza, o que pode ser comprovado pela análise dos monumentos culturais do Renascimento. A primazia da teologia sobre a ciência, indiscutível na Idade Média, é abalada pela fé nas possibilidades ilimitadas da mente humana, que se torna a medida máxima da verdade. Enfatizando o interesse pelo humano em oposição ao divino, os representantes da nova intelectualidade secular se autodenominavam humanistas, derivando essa palavra do conceito de " studia humanitanis ”, significando o estudo de tudo relacionado à natureza humana e seu mundo espiritual.

Para as obras e a arte do Renascimento, tornou-se característica a ideia de um ser livre com possibilidades criativas ilimitadas. Está associado ao antropocentrismo na estética do Renascimento e à compreensão do belo, do sublime, do heróico. O princípio de uma bela personalidade humana artística e criativa foi combinado pelos teóricos do Renascimento com uma tentativa de calcular matematicamente todos os tipos de proporções, simetria e perspectiva.

O pensamento estético e artístico desta época baseia-se pela primeira vez na percepção humana como tal e na sensualidade. a imagem real paz. Aqui também é marcante a sede subjetivista-individualista de sensações da vida, independentemente de sua interpretação religiosa e moral, embora esta última, em princípio, não seja negada. A estética do Renascimento concentra a arte na imitação da natureza. No entanto, em primeiro lugar aqui não é tanto a natureza quanto o artista, que em sua atividade criativa é comparado a Deus.

E. Chamberlin considera o prazer um dos princípios mais importantes para a percepção das obras de arte, pois indica uma significativa tendência democrática em oposição ao "aprendizado" escolástico das teorias estéticas anteriores.

O pensamento estético do Renascimento contém não apenas a ideia de absolutização do indivíduo humano em oposição à personalidade divina na Idade Média, mas também uma certa consciência dos limites de tal individualismo, baseado na autoafirmação absoluta de o indivíduo. Daí os motivos da tragédia, encontrados nas obras de W. Shakespeare, M. Cervantes, Michelangelo e outros. Esta é a natureza contraditória de uma cultura que se afastou dos antigos absolutos medievais, mas devido às circunstâncias históricas ainda não encontrou novos fundações confiáveis.

A conexão entre arte e ciência é um dos traços característicos cultura. Os artistas buscavam apoio nas ciências, muitas vezes estimulando seu desenvolvimento. O Renascimento é marcado pelo surgimento de artistas-cientistas, entre os quais o primeiro lugar pertence a Leonardo da Vinci.

Assim, uma das tarefas do Renascimento é a compreensão pelo homem de um mundo pleno de beleza divina. O mundo atrai uma pessoa porque ela é espiritualizada por Deus. Mas no Renascimento, havia outra tendência - o sentimento de uma pessoa sobre a tragédia de sua existência.

2. A imagem do mundo e do homem nas obras dos grandes mestres renascimento

O termo "Renaissance" (tradução do termo francês "Renaissance") indica a conexão da nova cultura com a antiguidade. Como resultado do conhecimento do Oriente, em particular de Bizâncio, durante a era das Cruzadas, os europeus conheceram antigos manuscritos humanísticos, vários monumentos da antiga arte e arquitetura. Todas essas antiguidades começaram a ser parcialmente transportadas para a Itália, onde foram coletadas e estudadas. Mas mesmo na própria Itália havia muitos monumentos romanos antigos, que também começaram a ser cuidadosamente estudados por representantes da intelectualidade urbana italiana. Na sociedade italiana, surgiu um profundo interesse pelas línguas clássicas antigas, filosofia antiga, história e literatura. A cidade de Florença desempenhou um papel particularmente importante neste movimento. Várias figuras proeminentes da nova cultura saíram de Florença.

Usando a ideologia antiga, criada uma vez nas cidades mais vivas, no sentido econômico, da antiguidade, a nova burguesia a reelaborou à sua maneira, formulando sua nova visão de mundo, nitidamente oposta à visão de mundo do feudalismo que prevalecia antes. O segundo nome da nova cultura italiana - o humanismo apenas prova isso.

A cultura humanista colocava o próprio homem (humanus - humano) no centro de suas atenções, e não o divino, sobrenatural, como ocorria na ideologia medieval. O ascetismo não tinha mais lugar na cosmovisão humanista. O corpo humano, suas paixões e necessidades não eram vistos como algo "pecaminoso" que deveria ser suprimido ou torturado, mas como um fim em si mesmo, como o mais importante da vida. A existência terrena foi reconhecida como a única real. O conhecimento da natureza e do homem foi declarado a essência da ciência. Em contraste com os motivos pessimistas que dominavam a visão de mundo dos escolásticos e místicos medievais, os motivos otimistas prevaleciam na visão de mundo e no humor do povo da Renascença; eles foram caracterizados pela fé no homem, no futuro da humanidade, no triunfo da razão e da iluminação humanas. Plêiades poetas notáveis e escritores, cientistas e figuras vários tipos art participou desse grande novo movimento intelectual. A glória da Itália foi trazida por artistas tão maravilhosos: Leonardo da Vinci, Giorgione, Michelangelo, Rafael, Ticiano.

A conquista indubitável do Renascimento foi a construção geometricamente correta da imagem. O artista construiu a imagem usando as técnicas que desenvolveu. O principal para os pintores da época era observar as proporções dos objetos. Até a natureza caiu sob truques matemáticos.

Em outras palavras, os artistas do Renascimento buscavam transmitir uma imagem precisa, por exemplo, de uma pessoa tendo como pano de fundo a natureza. Se comparada com os métodos modernos de recriar uma imagem vista em algum tipo de tela, então, provavelmente, uma fotografia com ajuste subseqüente ajudará a entender o que os artistas do Renascimento buscavam.

Os pintores renascentistas acreditavam que tinham o direito de corrigir as falhas da natureza, ou seja, se uma pessoa tinha traços faciais feios, os artistas os corrigiam de forma que o rosto ficasse doce e atraente.

Descrevendo cenas bíblicas, os artistas renascentistas tentaram deixar claro que as manifestações terrenas de uma pessoa podem ser representadas com mais clareza se usarem histórias da bíblia. Você pode entender o que é queda, tentação, inferno ou céu, se começar a se familiarizar com o trabalho dos artistas da época. A mesma imagem da Madonna nos transmite a beleza de uma mulher e também carrega uma compreensão do amor humano terreno.

Assim, na arte do Renascimento, os caminhos da compreensão científica e artística do mundo e do homem estavam intimamente entrelaçados. Seu significado cognitivo estava inextricavelmente ligado à sublime beleza poética; em sua busca pela naturalidade, não desceu à mesquinha vida cotidiana. A arte tornou-se uma necessidade espiritual universal.

Conclusão

Assim, o Renascimento, ou Renascimento, é uma época na vida da humanidade, marcada por uma ascensão colossal da arte e da ciência. O Renascimento proclamou o homem como o mais alto valor da vida.

Na arte, o tema principal era uma pessoa com possibilidades espirituais e criativas ilimitadas.A arte do Renascimento lançou as bases da cultura européia da Nova Era, mudou radicalmente todos os principais tipos de arte.

Na arquitetura, novos tipos de edifícios públicos se desenvolveram.A pintura foi enriquecida com uma perspectiva linear e aérea, conhecimento da anatomia e proporções do corpo humano.O conteúdo terreno penetrou nos temas religiosos tradicionais das obras de arte. Aumento do interesse pela mitologia antiga, história, cenas cotidianas, paisagens, retratos. Havia uma foto, havia uma pintura pinturas à óleo. A individualidade criativa do artista ocupou o primeiro lugar na arte.

Na arte do Renascimento, os caminhos da compreensão científica e artística do mundo e do homem estavam intimamente entrelaçados.A arte tornou-se uma necessidade espiritual universal.

Sem dúvida, o Renascimento é uma das épocas mais belas da história da humanidade.

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Após a conclusão das principais obras em Versalhes, na virada dos séculos XVII para XVIII, André Le Nôtre lançou atividade vigorosa para a reconstrução de Paris. Ele realizou o colapso do Parque das Tulherias, fixando claramente o eixo central na continuação do eixo longitudinal do conjunto do Louvre. Depois de Le Nôtre, o Louvre foi finalmente reconstruído, a Place de la Concorde foi criada. O grande eixo de Paris deu uma interpretação completamente diferente da cidade, que atendeu aos requisitos de grandeza, grandiosidade e esplendor. A composição de espaços urbanos abertos, o sistema de ruas e praças arquitetonicamente projetadas tornou-se o fator determinante no planejamento de Paris. A clareza do padrão geométrico das ruas e praças unidas em um único todo se tornará um critério para avaliar a perfeição do plano da cidade e a habilidade do urbanista por muitos anos. Muitas cidades ao redor do mundo experimentarão posteriormente a influência do clássico modelo parisiense.

Uma nova compreensão da cidade como objeto de influência arquitetônica sobre uma pessoa encontra uma expressão clara no trabalho sobre conjuntos urbanos. No processo de sua construção, foram delineados os princípios principais e fundamentais do planejamento urbano do classicismo - desenvolvimento livre no espaço e conexão orgânica com o meio ambiente. Superando o caos do desenvolvimento urbano, os arquitetos buscaram criar conjuntos projetados para uma visão livre e desobstruída.

Os sonhos renascentistas de criar uma “cidade ideal” consubstanciaram-se na formação de um novo tipo de praça, cujos limites não eram mais as fachadas de certos edifícios, mas o espaço das ruas e bairros adjacentes a ela, parques ou jardins, um barragem do rio. A arquitetura busca conectar em uma certa unidade de conjunto não apenas edifícios vizinhos diretos, mas também pontos muito remotos da cidade.

Segunda metade do século XVIII e o primeiro terço do século XIX. na França marcam uma nova etapa no desenvolvimento do classicismo e sua disseminação na Europa - neoclassicismo. Após a Grande Revolução Francesa e a Guerra Patriótica de 1812, surgiram novas prioridades no planejamento urbano, em consonância com o espírito de seu tempo. Eles encontraram a expressão mais marcante no estilo Império. Caracterizava-se pelas seguintes características: pathos cerimonial de grandeza imperial, monumentalidade, apelo à arte da Roma Imperial e antigo Egito, a utilização de atributos da história militar romana como principais motivos decorativos.

A essência do novo estilo artístico foi transmitida com muita precisão nas palavras significativas de Napoleão Bonaparte:

"Amo o poder, mas como artista... adoro extrair dele sons, acordes, harmonia."

estilo império tornou-se a personificação do poder político e da glória militar de Napoleão, serviu como uma espécie de manifestação de seu culto. A nova ideologia atendeu plenamente aos interesses políticos e gostos artísticos da nova época. Grandes conjuntos arquitetônicos de praças abertas, ruas largas e avenidas foram criados em todos os lugares, pontes, monumentos e prédios públicos foram erguidos, demonstrando a grandeza imperial e o poder do poder.

Por exemplo, a ponte Austerlitz lembrava a grande batalha de Napoleão e foi construída com as pedras da Bastilha. Na Praça Carruzel foi construído arco triunfal em homenagem à vitória em Austerlitz. Duas praças (Consentimento e Estrelas), separadas entre si por uma distância considerável, foram conectadas por perspectivas arquitetônicas.

Igreja de Saint Genevieve, erguido por J. J. Soufflot, tornou-se o Panteão - o local de descanso do grande povo da França. Um dos monumentos mais espetaculares da época é a coluna do Grande Exército na Place Vendôme. Semelhante à antiga coluna romana de Trajano, deveria, segundo o projeto dos arquitetos J. Gonduin e J. B. Leper, expressar o espírito do Novo Império e a sede de grandeza de Napoleão.

A solenidade e a pomposidade majestosa eram especialmente valorizadas na brilhante decoração de interiores de palácios e edifícios públicos; sua decoração era frequentemente sobrecarregada com parafernália militar. Os motivos dominantes eram combinações contrastantes de cores, elementos de ornamentos romanos e egípcios: águias, grifos, urnas, grinaldas, tochas, grotescos. O estilo Império se manifestou mais claramente nos interiores das residências imperiais do Louvre e Malmaison.

A era de Napoleão Bonaparte terminou em 1815 e logo eles começaram a erradicar ativamente sua ideologia e gostos. Do Império "desaparecido como um sonho", há obras de arte no estilo do Império, atestando claramente sua antiga grandeza.

Perguntas e tarefas

1. Por que Versalhes pode ser atribuído a obras marcantes?

Como ideias urbanísticas do classicismo do século XVIII. encontraram sua personificação prática nos conjuntos arquitetônicos de Paris, como a Place de la Concorde? O que a distingue das praças barrocas italianas de Roma no século XVII, como a Piazza del Popolo (ver p. 74)?

2. Como se expressou a ligação entre o barroco e o classicismo? Que ideias o classicismo herdou do barroco?

3. Quais são os antecedentes históricos para o surgimento do estilo Império? Que novas idéias de seu tempo ele procurou expressar em obras de arte? Em que princípios artísticos se baseia?

oficina criativa

1. Dê aos seus colegas uma visita guiada a Versalhes. Para sua preparação, você pode usar materiais de vídeo da Internet. Os parques de Versalhes e Peterhof são frequentemente comparados. O que você acha que é a base para tais comparações?

2. Tente comparar a imagem da "cidade ideal" do Renascimento com os conjuntos clássicos de Paris (São Petersburgo ou seus subúrbios).

3. Compare o design decoração de interior(interiores) da Galeria Francisco I em Fontainebleau e da Galeria dos Espelhos de Versalhes.

4. Conheça as pinturas do artista russo A. N. Benois (1870-1960) do ciclo “Versalhes. Calçada do Rei” (ver p. 74). Como eles transmitem a atmosfera geral da vida da corte do rei francês Luís XIV? Por que eles podem ser considerados pinturas-símbolos peculiares?

Tópicos de projetos, resumos ou mensagens

"A Formação do Classicismo na Arquitetura Francesa dos Séculos XVII-XVIII"; "Versalhes como modelo de harmonia e beleza do mundo"; "Passear por Versalhes: a ligação entre a composição do palácio e a disposição do parque"; "Obras-primas da arquitetura do classicismo da Europa Ocidental"; "Império Napoleônico na arquitetura da França"; "Versalhes e Peterhof: experiência de características comparativas"; "Descobertas artísticas nos conjuntos arquitetônicos de Paris"; “As praças de Paris e o desenvolvimento dos princípios do ordenamento regular da cidade”; "Clareza de composição e equilíbrio de volumes da catedral dos Inválidos em Paris"; "Praça Concorde - uma nova etapa no desenvolvimento das ideias urbanísticas do classicismo"; “A dura expressividade dos volumes e a mesquinhez da decoração da igreja de St. Genevieve (Panteão) de J. Soufflot”; "Características do classicismo na arquitetura dos países da Europa Ocidental"; "Arquitetos proeminentes do Classicismo da Europa Ocidental".

Livros para leitura complementar

Arkin D. E. Imagens da arquitetura e imagens da escultura. M., 1990. Kantor A. M. e outros Arte do século XVIII. M., 1977. (Pequena história das artes).

Classicismo e Romantismo: Arquitetura. Escultura. Pintura. Desenho / ed. R. Toman. M., 2000.

Kozhina E.F. Arte da França do século XVIII. L., 1971.

Lenotr J. Vida cotidiana Versalhes sob os reis. M., 2003.

Miretskaya N. V., Miretskaya E. V., Shakirova I. P. Cultura do Iluminismo. M., 1996.

Watkin D. História da arquitetura da Europa Ocidental. M., 1999. Fedotova E.D. Império Napoleônico. M., 2008.