Teknikens utveckling inom musikbranschen. Musikbranschens marknadsföring: Metoder, strategi, planmålgrupp för musikmarknadsföring

Innan tillkomsten av moderna bärbara ljudkällor, digital signal och musik, har processen för ljudinspelning och uppspelning kommit långt. Vid sekelskiftet XIX-XX. musikbranschen hade ett visst system, som innefattade: konsert- och turnéverksamhet, försäljning av noter och instrument. På 1800-talet var tryckt musik den huvudsakliga formen för musikaliska varor. I sent XIXårhundradet, framväxten av enheter för inspelning och återgivning av ljud, och som ett resultat, framväxten av skivbolag, ledde till en betydande förändring av strukturen för musikindustrin och uppkomsten av ett sådant fenomen som musikbranschen i början av 1900-talet.

Den mänskliga naturen är sådan att han inte kan föreställa sig livet utan ljud, harmoni och musikinstrument. Under flera årtusenden har musiker finslipat sina färdigheter i att spela lyra, judeharpa, lut eller cistre. Men för att glädja högt uppsatta kunders öron krävdes alltid närvaron av en trupp professionella musiker. Så det fanns ett behov av att spela in musik med möjlighet till vidare uppspelning utan mänsklig inblandning. Dessutom beror uppkomsten av musikbranschen i första hand på framväxten av ljudinspelning.

Man tror att den första ljudåtergivningsanordningen var uppfinningen av den antika grekiska uppfinnaren Ctesibius - "hydravlos" . De första beskrivningarna av denna design finns i manuskripten från sena antika författare - Heron of Alexandria, Vitruvius och Athenaeus. År 875 presenterade bröderna Banu Musa, efter att ha lånat idén från manuskripten från den antika grekiska uppfinnaren, för världen sin analog av en enhet för att återge ljud - "vattenorgan" (Fig. 1.2.1.). Dess funktionsprincip var extremt enkel: en jämnt roterande mekanisk rulle med smart placerade utsprång träffade kärlen med olika mängder vatten, vilket påverkade tonhöjden på ljuden, vilket fick de fulla rören att låta. Några år senare introducerade bröderna även den första "automatiska flöjten", som också byggde på principen om "vattenorgel". Fram till 1800-talet var det uppfinningarna av bröderna Banu Musa som var det enda tillgängliga sättet för programmerbar ljudinspelning.

Ris. 1.2.1. Uppfinningen av bröderna Banu Musa - "vattenorgan"

Från och med XV-talet. Renässanstiden täcktes av ett mode för mekaniska musikinstrument. Öppnar paraden av musikinstrument med principen om driften av bröderna Banu Musa - fatorgel. 1598 dök det första musikuret upp, i mitten av 1500-talet. - speldosor. De första försöken med massdistribution av musik var också de så kallade "ballad flygblad" - dikter tryckta på papper med anteckningar överst på arket, som först dök upp i Europa på 1500-1600-talen. Denna distributionsmetod kontrollerades då inte av någon. Den första medvetet kontrollerade processen för massdistribution av musik var replikeringen av noter.

Under första hälften av 1800-talet fortsatte trenden mot utvecklingen av mekaniska musikinstrument - dosor, snusdosor - alla dessa apparater hade en mycket begränsad uppsättning melodier och kunde återge motivet som tidigare "räddats" av mästaren. Det var inte möjligt att spela in en mänsklig röst eller ljudet av ett akustiskt instrument med möjlighet till ytterligare reproduktion förrän 1857.

Världens första ljudinspelningsapparat är - fonautograf (Fig. 1.2.2.), som uppfanns 1857 av Edward Leon Scott de Martinville. Funktionsprincipen för fonoautografen var att spela in en ljudvåg genom att fånga vibrationer genom ett speciellt akustiskt horn, i slutet av vilket det fanns en nål. Under påverkan av ljud började nålen vibrera och ritade en intermittent våg på en roterande glasrulle, vars yta var täckt med antingen papper eller sot.

Ris. 1.2.2.

Tyvärr kunde Edward Scotts uppfinning inte reproducera det inspelade fragmentet. För några år sedan hittades ett 10 sekunder långt utdrag av inspelningen i ett arkiv i Paris folk sång"Moonlight", framförd av uppfinnaren själv den 9 april 1860. I framtiden togs fonoautografens design som grund för skapandet av andra enheter för inspelning och återgivning av ljud.

År 1877 slutförde skaparen av glödlampan, Thomas Edison, arbetet med en helt ny ljudinspelningsenhet - fonograf (Fig. 1.2.3.), som han ett år senare patenterade i den relevanta amerikanska myndigheten. Funktionsprincipen för fonografen påminde om Scotts fonoautograf: en vaxad rulle fungerade som en ljudbärare, vars inspelning utfördes med en nål ansluten till membranet - mikrofonens stamfader. Genom att ta upp ljud genom ett speciellt horn aktiverade membranet en nål som lämnade fördjupningar på vaxrullen.

Ris. 1.2.3.

För första gången kunde det inspelade ljudet spelas upp med samma enhet som själva inspelningen gjordes på. Den mekaniska energin räckte dock inte för att erhålla den nominella volymnivån. På den tiden vände Thomas Edisons fonograf upp och ner på hela världen: hundratals uppfinnare började experimentera med olika material för att täcka bärcylindern, och 1906 ägde den första offentliga lyssningskonserten rum. Edisons fonograf applåderades av ett fullsatt hus. 1912 såg världen skivfonograf , där man istället för den vanliga vaxrullen använde en skiva, vilket avsevärt förenklade designen. Utseendet på skivfonografen, även om det var av allmänt intresse, samtidigt ur synvinkeln av ljudinspelningens utveckling praktisk applikation hittade den inte.

Senare, med början 1887, utvecklade uppfinnaren Emil Berliner aktivt sin egen vision om ljudinspelning med sin egen enhet - grammofon (Fig. 1.2.4.). Som ett alternativ till vaxtrumman föredrog Emil Berliner den mer hållbara celluloiden. Principen för inspelning förblev densamma: ett horn, ljud, vibrationer av nålen och enhetlig rotation av skivan.

Ris. 1.2.4.

Experiment som utfördes med rotationshastigheterna för en inspelningsbar skiva gjorde det möjligt att öka inspelningstiden för en sida av plattan till 2-2,5 minuter vid en rotationshastighet av 78 varv per minut. De inspelade skivorna placerades i speciella kartongfodral (mindre ofta läderfodral), varför de senare fick namnet "album" - till det yttre liknade de mycket fotoalbum med sevärdheter från städer som säljs överallt i Europa.

Ersättningen för den skrymmande grammofonen var den apparat som förbättrades och modifierades 1907 av Guillon Kemmler - grammofon (Fig. 1.2.5.).

Ris. 1.2.5.

Denna enhet hade ett litet horn inbyggt i kroppen, med möjlighet att placera hela enheten i en kompakt resväska, vilket ledde till den snabba populariseringen av grammofonen. På 1940-talet en mer kompakt version av enheten dök upp - en mini-gramofon, som blev särskilt populär bland soldater.

Utseendet på skivor utökade musikmarknaden avsevärt, eftersom de, till skillnad från noter, kunde köpas av absolut alla lyssnare. Långa år Grammofonskivorna var det huvudsakliga inspelningsmediet och den huvudsakliga musikaliska handelsvaran. Grammofonskivan gav vika för andra medier av musikmaterial först på 1980-talet. Sedan början av 1990-talet och hittills står försäljningen av skivor för några få eller till och med bråkdelar av en procent av den totala omsättningen av ljudprodukter. Men även efter en sådan nedgång i försäljningen försvann inte skivorna och har behållit sin obetydliga och lilla publik bland musikälskare och samlare till denna dag.

Tillkomsten av elektricitet markerade början på ett nytt steg i utvecklingen av ljudinspelning. Med början 1925 - "elektrisk inspelningsera" använda en mikrofon och en elmotor (istället för en fjädermekanism) för att rotera skivan. Arsenalen av enheter som tillåter både ljudinspelning och dess vidare återgivning har fyllts på med en modifierad version av grammofonen - elektrofon (Fig. 1.2.6.).

Ris. 1.2.6.

Tillkomsten av förstärkaren gjorde det möjligt att ta ljudinspelningen till en ny nivå: elektroakustiska system fick högtalare, och behovet av att tvinga ljud genom ett horn är ett minne blott. Alla fysiska ansträngningar av en person började utföras av elektrisk energi. Alla dessa och andra förändringar förbättrade de akustiska möjligheterna, samt ökade producentens roll i inspelningsprocessen, vilket radikalt förändrade situationen på musikmarknaden.

Parallellt med skivbranschen började även radion utvecklas. Regelbundna radiosändningar började på 1920-talet. I början bjöds skådespelare, sångare, orkestrar in för att popularisera ny teknik på radio, och detta bidrog till uppkomsten av en enorm efterfrågan på radioapparater. Radio blev en nödvändighet för en stor publik och en konkurrent till den fonografiska industrin. Ett direkt beroende av ljudet av skivor i luften och en ökning av försäljningen av dessa skivor i butik upptäcktes dock snart. Det fanns ett växande behov av musikkommentatorer, de så kallade "diskjockeyerna", som inte bara satte skivor på spelaren, utan också bidrog till att främja nya skivor på musikmarknaden.

Under första hälften av 1900-talet genomgick musikbranschens grundmodell betydande förändringar. Ljudinspelning, radio och andra framsteg inom vetenskap och teknik har mångdubblat musikbranschens ursprungliga publik och bidragit till uppkomsten och spridningen av nya musikstilar och trender, såsom elektronisk musik. De erbjöd allmänheten en mer attraktiv produkt och passade organiskt in i de former som var vanliga på 1800-talet.

Ett av de största problemen med ljudinspelningsenheter på den tiden var ljudinspelningens varaktighet, som först löstes av den sovjetiske uppfinnaren Alexander Shorin. 1930 föreslog han att använda en filmfilm som passerade genom en elektrisk skrivenhet med konstant hastighet som operationell inspelning. Enheten fick ett namn shorinofon , men kvaliteten på inspelningen förblev endast lämplig för ytterligare återgivning av rösten, var det redan möjligt att placera cirka 1 timmes inspelning på ett 20 meter långt filmband.

Det sista ekot av elektromekanisk inspelning var det så kallade "talande papper", föreslog 1931 av den sovjetiske ingenjören B.P. Skvortsov. Ljudvibrationer registrerades på vanligt papper med en svart bläckpenna. Sådant papper kunde lätt kopieras och överföras. För att återge det inspelade användes en kraftfull lampa och en fotocell. På 1940-talet av förra seklet har redan erövrats av en ny metod för ljudinspelning - magnetisk.

Historien om utvecklingen av magnetisk ljudinspelning löpte nästan hela tiden parallellt med mekaniska inspelningsmetoder, men förblev i skuggan till 1932. I slutet av 1800-talet studerade den amerikanske ingenjören Oberlin Smith, inspirerad av Thomas Edisons uppfinning, frågan om ljudinspelning. 1888 publicerades en artikel om användningen av fenomenet magnetism vid ljudinspelning. Den danske ingenjören Valdemar Poulsen fick efter tio års experiment 1898 patent på användningen av ståltråd som ljudbärare. Så den första ljudinspelningsenheten dök upp, som var baserad på principen om magnetism - telegraf . 1924 förbättrade uppfinnaren Kurt Stille Valdemar Poulsens idéskapande och skapade den första röstinspelaren baserad på magnetband. AEG ingrep i den fortsatta utvecklingen av magnetisk ljudinspelning och släppte en enhet i mitten av 1932. Bandspelare-K 1 (Fig. 1.2.7.) .

Ris. 1.2.7.

Genom att använda järnoxid som filmbeläggning har BASF revolutionerat inspelningsvärlden. Genom att använda AC-bias fick ingenjörerna en helt ny ljudkvalitet. Från 1930 till 1970 representerades världsmarknaden av rullbandspelare med en mängd olika formfaktorer och med en mängd olika funktioner. Magnetband har öppnat kreativa dörrar för tusentals producenter, ingenjörer och kompositörer som har fått möjlighet att experimentera med ljudinspelning inte i industriell skala, utan direkt i sin egen lägenhet.

Sådana experiment underlättades ännu mer av utseendet i mitten av 1950-talet. flerspårsinspelare. Det blev möjligt att spela in flera ljudkällor samtidigt på ett magnetband. 1963 släpptes en 16-spårs bandspelare, 1974 - en 24-spårs, och efter 8 år erbjöd Sony ett förbättrat DASH-format digitalt inspelningsschema på en 24-spårs bandspelare.

1963 introducerade Philips den första kompakt kassett (Fig. 1.2.8.), som senare blev det huvudsakliga massljudåtergivningsformatet. 1964 lanserades massproduktion av kompaktkassetter i Hannover. 1965 startade Philips produktionen av musikkassetter och i september 1966 började de första produkterna från företagets tvååriga industriella experiment till försäljning i USA. Designens opålitlighet och de svårigheter som uppstod med att spela in musik fick tillverkarna att ytterligare söka efter ett referenslagringsmedium. Denna sökning var fruktbar för Advent Corporation, som introducerade en magnetbandskassett 1971 som använde kromoxid i sin produktion.

Ris. 1.2.8.

Dessutom gav uppkomsten av magnetband som ett ljudinspelningsmedium användarna den tidigare otillgängliga möjligheten att självständigt replikera inspelningar. Innehållet i kassetten skulle kunna skrivas om till en annan rulle eller kassett och därigenom erhålla en kopia, även om den inte är 100% korrekt, men ganska lämplig att lyssna på. För första gången i historien är mediet och dess innehåll inte längre en enda och odelbar produkt. Möjligheten att replikera skivor hemma har förändrat uppfattningen och distributionen av musik till slutanvändare, men förändringarna har inte varit radikala. Folk köpte fortfarande kassettband eftersom det var mycket bekvämare och inte mycket dyrare än att göra kopior. På 1980-talet antalet sålda skivor 3-4 gånger fler än kassetter, men redan 1983 delade de marknaden lika. Försäljningen av kompaktkassetter nådde sin topp i mitten av 1980-talet och en märkbar nedgång i försäljningen började först i början av 1990-talet. .

Senare ledde idéerna till ljudinspelning, som lades ner i slutet av 1800-talet av Thomas Edison, under andra hälften av 1900-talet till användningen av en laserstråle. Således ersattes magnetband av "Epoken för laseroptisk ljudinspelning" . Optisk ljudinspelning är baserad på principen om bildandet av spiralspår på en CD, bestående av släta sektioner och gropar. Lasertiden gjorde det möjligt att representera ljudvågen som en komplex kombination av nollor (släta områden) och ettor (gropar).

I mars 1979 demonstrerade Philips den första prototypen av CD-skivan, och en vecka senare ingick det holländska företaget ett avtal med det japanska företaget Sony, som godkände en ny standard för ljud-CD-skivor, som sattes i produktion 1981. CD:n var ett optiskt lagringsmedium i form av en plastskiva med ett hål i mitten, prototypen på detta medium var en grammofonskiva. CD-skivan rymde 72 minuter av högkvalitativt ljud och var också betydligt mindre än vinylskivor, och mätte endast 12 cm i diameter jämfört med 30 cm vinyl, med nästan dubbelt så stor kapacitet. Detta gjorde det utan tvekan mer bekvämt att använda.

1982 introducerade Philips den första CD-spelaren som överträffade alla tidigare presenterade media när det gäller uppspelningskvalitet. Det första kommersiella albumet som spelades in på ett nytt digitalt medium var det legendariska "The Visitors" av ABBA, som tillkännagavs den 20 juni 1982. Och 1984 släppte Sony första bärbara CD-spelaren - Sony Discman D-50 (Fig. 1.2.9.), vars kostnad vid den tiden var $ 350.

Ris. 1.2.9.

Redan 1987 översteg försäljningen av cd-skivor försäljningen av grammofonskivor, och 1991 hade cd-skivorna redan avsevärt pressat ut kompaktkassetter från marknaden. På inledande skede CD-skivan höll huvudtrenden i utvecklingen av musikmarknaden - det var möjligt att sätta ett likhetstecken mellan en ljudinspelning och en bärare. Det var möjligt att lyssna på musik endast från en skiva inspelad på fabriken. Men detta monopol var inte avsett att vara länge.

Den fortsatta utvecklingen av laseroptiska CD-skivors era ledde till uppkomsten av DVD-Audio-standarden 1998, inträdet på ljudmarknaden med annat nummer ljudkanaler (från mono till fem kanaler). Med början 1998 marknadsförde Philips och Sony ett alternativt CD-format, Super Audio CD. Tvåkanalsskivan gjorde det möjligt att lagra upp till 74 minuters ljud i både stereo- och flerkanalsformat. En kapacitet på 74 minuter har bestämts operasångare, dirigent och kompositör Noria Oga, som vid den tiden också innehade positionen som vicepresident för Sony Corporation. Parallellt med utvecklingen av CD-skivor utvecklades också hantverksproduktionen - kopieringsmedia - stadigt. Skivbolag tänkte först på behovet av digitalt dataskydd med kryptering och vattenmärkning.

Trots mångsidigheten och användarvänligheten hos CD-skivor hade de en imponerande lista med brister. En av de viktigaste var överdriven bräcklighet och behovet av försiktig hantering. Inspelningstiden på CD-media var också kraftigt begränsad och inspelningsindustrin letade efter ett alternativ. Utseendet på marknaden av en magneto-optisk minidisk har förblivit obemärkt av vanliga musikälskare. mini disk(Fig. 1.2.10.)- utvecklad av Sony redan 1992, och förblev egendom av ljudtekniker, artister och personer som är direkt relaterade till scenaktiviteter.

Ris. 1.2.10.

Vid inspelning av en miniskiva användes ett magneto-optiskt huvud och en laserstråle som skar genom områden med ett magneto-optiskt lager vid hög temperatur. Den största fördelen med MD jämfört med traditionella CD-skivor var dess förbättrade säkerhet och längre livslängd. 1992 introducerade Sony också den första minidiskmediaspelaren. Spelarmodellen blev särskilt populär i Japan, men utanför landet accepterades inte både den förstfödda Sony MZ1-spelaren och dess förbättrade ättlingar. På ett eller annat sätt var det mer lämpat att lyssna på en CD eller miniskiva enbart för stationär användning.

I slutet av 1900-talet kom "epok högteknologi" . Tillkomsten av persondatorer och det globala Internet öppnade helt nya möjligheter och förändrade avsevärt situationen på musikmarknaden. 1995 utvecklade Fraunhofer Institute ett revolutionerande ljuddatakomprimeringsformat - MPEG 1 Audio Layer 3 , som fick det förkortade namnet MP3. Huvudproblemet i början av 1990-talet inom området för digitala medier var otillgängligheten av tillräckligt med diskutrymme för att rymma en digital komposition. Medelstorleken på hårddisken på den mest sofistikerade persondatorn vid den tiden översteg knappast flera tiotals megabyte.

1997 kom den första mjukvaruaktören in på marknaden - Winamp , utvecklad av Nullsoft. Tillkomsten av mp3-codec och dess fortsatta stöd från CD-spelares tillverkare ledde till en gradvis nedgång i CD-försäljningen. Genom att välja mellan ljudkvalitet (vilket bara en liten andel av konsumenterna verkligen kände) och maximalt möjliga antal låtar som kunde spelas in på en CD (i genomsnitt var skillnaden cirka 6-7 gånger), valde lyssnaren det senare.

På några år har situationen förändrats dramatiskt. 1999 skapade 18-årige Sean Fanning en specialiserad tjänst som heter - "Napster" , vilket chockade hela eran av musikbranschen. Med hjälp av denna tjänst blev det möjligt att utbyta musik, skivor och annat digitalt innehåll direkt via Internet. Två år senare, på grund av upphovsrättsintrång från musikindustrin, stängdes denna tjänst, men mekanismen lanserades och den digitala musikens era fortsatte att utvecklas okontrollerat: hundratals peer-to-peer-nätverk, som var mycket svåra att snabbt reglera.

En radikal vändning i hur musik tas emot och lyssnas på kom när tre saker sammanslogs: persondatorn, internet och bärbara flashspelare (bärbara enheter som kan spela musikspår inspelade på en inbyggd hårddisk eller flashminne) . I oktober 2001 dök Apple upp på musikmarknaden och introducerade den första generationen av en helt ny typ av bärbar mediaspelare till världen - iPod (Fig. 1.2.11.), som var utrustad med ett flashminne på 5 GB, och stödde även uppspelning av ljudformat som MP3, WAV, AAC och AIFF. Det var ungefär lika stort som två kompakta kassetter staplade ihop. Tillsammans med lanseringen av konceptet för en ny Flash-spelare, vd företaget Steve Jobs utvecklade en spännande slogan - "1000 låtar i fickan" (översatt från engelska - 1000 låtar i fickan). På den tiden var den här enheten verkligen revolutionerande.

Ris. 1.2.11.

2003 föreslog Apple dessutom sin egen vision om att distribuera lagliga digitala kopior av kompositioner via Internet via sin egen musikbutik online - iTunes affär . På den tiden var den totala databasen med kompositioner i denna webbutik över 200 000 spår. För närvarande överstiger denna siffra 20 miljoner låtar. Genom att teckna avtal med ledare inom skivbranschen som Sony BMG Music Entertainment, Universal Music Group International, EMI och Warner Music Group har Apple öppnat en helt ny sida i ljudinspelningens historia.

Således har persondatorer blivit ett sätt att bearbeta och replikera ljudinspelningar, flash-spelare - universellt botemedel lyssnande, och Internet har fungerat som ett unikt sätt att distribuera musik. Som ett resultat har användarna fullständig handlingsfrihet. Utrustningstillverkare har tillgodosett konsumentens behov genom att tillhandahålla stöd för uppspelning av det komprimerade MP3-ljudformatet inte bara i flash-spelare utan i alla AV-enheter, från musikcenter, hemmabio och slutar med omvandlingen av CD-spelare till CD/MP3 spelare. På grund av detta började musikkonsumtionen växa i en otrolig takt, och upphovsrättsinnehavarnas vinster började minska lika stadigt. Situationen kunde inte ändras av de nya, mer avancerade SACD-skivorna, som designades för att ersätta cd-skivor. De flesta föredrog komprimerat ljud och andra revolutionerande innovationer, såsom iPod-musikspelaren och dess många analoger, framför dessa innovationer.

Med hjälp av system för den enklaste generationen av ljudsignaler på persondatorer började datormusik skapas i enorma mängder. Internet har tillsammans med digital teknik gjort det möjligt för producenter att skapa och distribuera sin egen musik. Artister har använt nätverket för marknadsföring och albumförsäljning. Användare fick möjlighet att få en inspelning av nästan vilken som helst musikstycke och skapa dina egna musiksamlingar utan att lämna ditt hem. Internet har utökat marknaden, ökat mångfalden av musikmaterial och drivit digitaliseringen av musikbranschen.

Eran av högteknologi hade en enorm inverkan på musikkulturen, bidrog till framväxten och ytterligare utveckling musikbranschen och, som ett resultat, utvecklingen av musikbranschen. Sedan dess har det funnits alternativa möjligheter för artister att ta sig in på musikmarknaden utan medverkan av stora skivbolag. Gamla distributionsmönster är hotade. Under de senaste åren har 95 % av musiken på Internet piratkopierats. Musik säljs inte längre, utan byts gratis på Internet. Kampen mot piratkopiering ökar i takt med att skivbolagen går miste om vinster. Datorindustrin är mer lönsam än musikindustrin, och detta har möjliggjort användningen av musik som produkt för att främja digital försäljning. Opersonligheten och homogeniteten hos musikmaterial och artister ledde till ett överflöd på marknaden och dominansen av bakgrundsfunktioner inom musiken.

Situationen som råder i tidiga XXIårhundradet, som på många sätt påminner om vad som hände i musikbranschen vid sekelskiftet 1800- och 1900-talet, då ny teknik bröt etablerade traditioner och skivor och radio aktivt introducerades i musikbranschen. Detta ledde till att musikindustrin i mitten av seklet hade bildat en nästan ny grundstruktur, på vilken "högteknologiernas era" vid sekelskiftet 20-2000. haft en skadlig effekt.

Således bör man dra slutsatsen att hela historien om utvecklingen av ljuddatabärare är baserad på ärftligheten av prestationerna från de tidigare stegen. Under 150 år har teknikutvecklingen inom musikbranschen kommit en lång väg av utveckling och transformation. Under denna period har nya, mer avancerade apparater för inspelning och återgivning av ljud dykt upp flera gånger, allt från fonoautografer till cd-skivor. De första skotten av inspelningar på optiska CD-skivor och den snabba utvecklingen av hårddiskar i slutet av 1980-talet. på bara ett decennium bröt de konkurrensen för många analoga inspelningsformat. Trots att de första musikaliska optiska skivorna inte skilde sig kvalitativt från vinylskivor, avslutade deras kompakthet, mångsidighet och vidareutveckling av den digitala riktningen förväntat eran av analoga format för massanvändning. ny era högteknologi förändrar musikbranschens värld avsevärt och snabbt.

Föreläsning - Sergey Tynku

Det är fantastiskt, men så många människor vet fortfarande inte hur musikindustrins mekanism fungerar idag. Därför ska jag försöka förklara allt i ett nötskal. Och förresten, om du inte förstår vad bransch är, då förstår de det som affärer utomlands. Det vill säga det handlar om hur musikbranschen, eller musikbranschen, fungerar. Få det i huvudet, en gång för alla är branschen ett företag.

Precis som alla andra branscher tillverkar och säljer musikindustrin en produkt. Och den här produkten är en konsert. Tidigare var produkten rekord, men i vår tid är den inte längre aktuell. Nu är produkten bara en konsert. Varför en konsert? För musiker tjänar pengar på konserter och lyssnare betalar pengar för konserter.

Följaktligen är branschens huvudmål att förstå publikens efterfrågan (i ett givet territorium) för konserter av ett visst format, stil och prislapp. Branschen själv bryr sig inte om vilken typ av musik och vilka musiker som ska säljas. Bara för att sälja bättre. Det är som att vara på en bar. En adekvat barägare bryr sig inte om vilken typ av öl som ska handlas, och han häller den som det finns mer efterfrågan på och som du kan tjäna mer på - köp billigare och sälj dyrare.

För att en artist ska komma in i musikbranschen, stanna där och bli framgångsrik... allt du behöver är att vara efterfrågad. Det är som med vilken produkt som helst på vilken marknad som helst. Om det finns en efterfrågan på din konsert, då kommer du att vara i branschen. Om det inte finns någon efterfrågan, då kommer du inte att vara där. Branschen är intresserad av artister som tar in pengar som folk kommer till.

Denna lag fungerar både för stora arenor i Amerika och för små tavernor i Samara-regionen. Musikbranschen är densamma överallt.

Observera att det inte är nödvändigt att vara bra, men det är nödvändigt att vara efterfrågad. Och i vårt land tror man ofta att om en produkt (musiker) är bra, så måste den vara efterfrågad. Och det här är olika saker. Och "bra" är väldigt subjektivt. Men begreppet "efterfrågad" kan kännas med händerna och mätas i antalet åskådare och pengarna de kommer med.

Branschen består av tre huvuddeltagare - konserthall, konstnär, åskådare. Och huvudsaken är tittaren. För det hela existerar på tittarens pengar. Han betalar för allt. Konsertplatser och artister lever på hans pengar. Han beställer musik i alla avseenden och betalar banketten.

Branschen bryr sig inte om hur en artist uppnår popularitet och efterfrågan (detta är en personlig fråga och kostnaden för artisten och hans chef). Bra musik, skandaler, kompetent PR, mode osv. Branschen bryr sig inte om vilken produkt som ska säljas. Dess uppgift är att sälja det som efterfrågas. Om folk inte kommer till din klubb (eller bar) blir du pank. Därför är branschens uppgift att förstå vad människorna behöver – det här är kanske det viktigaste i branschen.

Föreställ dig bara för en sekund att du har en egen rockklubb. Du spenderade pengarna för att köpa det, du spenderar pengarna för att underhålla det, du betalar personalen och du ådrar dig en massa andra utgifter. Och tänk dig nu att du måste välja en av artisterna för en konsert i din klubb. Och betala honom en avgift. Vem vill du se i din klubb om du behöver tjäna och inte drabbas av förluster?

Att göra vilken konstnär som helst efterfrågad och populär är konstnärens (och hans ledning) uppgift. Branschen bryr sig inte om vem den ska sälja. Hon fokuserar helt enkelt på publikens aktuella smak. Naturligtvis förändras dessa smaker på något sätt ständigt. Eftersom publikens smaker är heterogena arbetar branschen med artister av olika genrer och stilar.

I enlighet med artistens popularitet (efterfrågan) erbjuder branschen publiken konserter på ställen med större eller mindre kapacitet, plus sätter olika biljettpriser. Men branschen drivs alltid av efterfrågan. Det kan sägas att detta är en själlös maskin, som dumt återspeglar det aktuella läget på marknaden och efterfrågan. Grovt sett är branschen tusentals konsertlokaler, vars antal, storlek och format enbart bestäms av marknaden, det vill säga efterfrågan på vissa artister och genrer i vissa territorier.

Kom ihåg, vid olika tidpunkter i olika territorier är efterfrågan också olika!

Det är ingen mening för artisten eller tittaren att vara missnöjd med branschen. Det visar helt enkelt marknadens tillstånd, reagerar på det, inte formar det. Om något inte finns i branschen, eller är dåligt representerat, så beror det bara på att i det här ögonblicket i ett givet territorium finns det en sådan efterfrågan på denna produkt (noll eller liten).

Om en artist inte kommer in i branschen (eller gör det, men inte i den skala vi skulle vilja) är det inte branschens fel. Hon reagerar bara på publikens smak. Och hon bryr sig inte om de specifika namnen på artister.

Det är så det hela fungerar i ett nötskal.

Följaktligen är begreppet efterfrågad musik annorlunda. Om du gör musik efter din egen smak, bli inte förvånad över att musikindustrin inte behöver det. Din smak är inte nödvändigtvis densamma som smaken hos publiken som betalar. Och om den gör det är det inte ett faktum att kvaliteten på din musikaliska produkt kan konkurrera med andra artister. Var alltid medveten om konkurrensen. Numera finns det mycket fler musiker i världen än vad publiken behöver. Därför kommer inte alla in i musikbranschen.

Om efterfrågan på musik i en by är en harmonist för en nyårsfest, kommer tio harmonister inte att passa in i branschen i den här byn.

Det finns musikerchefer i världen. De är mellanhänder mellan artister och publik, artister och industrin. Någon (som på andra ställen) kan klara sig utan mellanhänder, men någon lyckas inte. Som alla mellanhänder strävar chefer efter att tjäna. Därför är det viktigt för dem att se och förstå om en viss artist kommer att kunna bli populär eller "inte inom hästfoder". Denna vision om förståelse skiljer en bra chef från en dålig. Det här är hans inkomst. Återigen, branschen bryr sig inte om hur en artist försöker bli populär – med eller utan chefer. Ordet "chef" i den här texten kan inte bara förstås som en person, utan som ett helt marknadsföringskontor.

Många artister har stora förhoppningar på chefer som enligt deras åsikt kommer att lösa alla problem. Men allt är inte så enkelt. Om chefen är bra och förstår marknaden så kommer han bara att arbeta med en artist som enligt hans åsikt har potential. Och artisten måste på något sätt kunna charma chefen, få honom att tro på sig själv. Och det visar sig att chefen inte är en trollkarl som säljer en dålig produkt, och konstnären måste först och främst ge ut en produkt med lämpliga egenskaper (som kan säljas).

Om managern är dålig kan han lätt ta sig an en artist med oklara framtidsutsikter. Och här kan det vara så att en dålig förvaltare inte hjälper på något sätt, eller så kan det vara så att en bra artist ur marknadsperspektiv kommer att lyckas även med en dålig förvaltare. Men i alla fall, om en artist bestämmer sig för att marknadsföra sig själv med hjälp av en manager, då måste han få managern att tro på den här artisten.

Och vi måste komma ihåg att chefen inte är ledig. Om en chef (kontor) investerar pengar (eller tid/ansträngning) i marknadsföring, betyder det att de ser potentialen i produkten (konstnären) och planerar att få tillbaka kostnaderna och tjäna mer. Och om ingen av de smarta cheferna vill göra affärer med dig, så ser de inte marknadspotentialen i dig. De, som alla andra, kan göra misstag – försök bevisa det för dem och marknaden.

Förstå att om din potential är uppenbar, kommer ett hav av människor omedelbart att bildas runt dig som vill tjäna pengar på dig. Men om det inte är uppenbart så får man dra ut på det eländiga. Det är som med kvinnor. Om du är en super brud, så finns det ett hav av män runt dig. Och om du inte är särskilt bra, då är efterfrågan på dig på herrmarknaden mycket mindre. Allt är väldigt enkelt i den här världen.

Samma lagar gäller inom musikbranschen som på den allmänna marknaden. Föreställ dig en livsmedelsbutik. Det finns 10 paket mjölk från olika märken. Så låt oss säga att du bestämmer dig för att göra mjölk. Bra mjölk. Du kommer till affären och säger – jag har bra mjölk, ta den på hyllan. Och de svarar dig, mjölk kan vara bra, men ingen vet det och kommer inte att köpa det - efterfrågan från folket har redan utvecklats för vissa märken. Varför ska vi köpa några potentiella illikvida aktier på hyllorna? Sedan börjar du marknadsföra din produkt - du spelar in videor för en låda, hänger upp annonser på skyltar runt om i staden, delar ut gratispaket till befolkningen nära tunnelbanan, anlitar en stjärna för marknadsföring. Allt! Efterfrågan dök upp - de tog dig till butiken. Först i en, sedan i en annan, sedan över hela landet! Du är i affärer, man!

Naturligtvis, i verkligheten, kan situationen med efterfrågan och butiken vara mer komplicerad. De kan säga att de inte bryr sig om vad de ska handla – folk i området kommer att köpa vilken mjölk som helst för detta pris och därför kommer de inte att ändra något i sortimentet. Då kommer det att vara nödvändigt att motivera butiken - att erbjuda dem inköpspriser under konkurrenterna eller dumt knuffa en muta. När det gäller konsertlokaler, som inte bryr sig om vem som spelar i deras villkorliga krog, avgörs allt med samma metoder - minskade krav på arvoden till artisten och, återigen, en gammal god muta. Det här är marknaden.

Enkelt tydligt diagram. Men en detalj är viktig här. Du måste producera mjölk av en kvalitet som folket gillar. Och till de priser som folk vill köpa den till. Dvs paketet ska inte kosta 200 spänn. Och det behöver inte vara hundmjölk. Åtminstone i Ryssland. Du kanske själv gillar hund- (eller rått-)mjölk, men om du kommer in på marknaden, försök att krypa in i mjölkindustrin, det vill säga in i affärer, då måste du ta hänsyn till efterfrågan på produkter inom ett visst område.

Det vill säga, om vi pratar om mejeriindustrin, så är allt sig likt här - en produkt (artist), en butik (konsertlokal), en köpare (åskådare). Och det finns reklamavdelningar och byråer (etiketter, mellanhandschefer) som marknadsför varor för pengar.

Naturligtvis vill många musiker över hela planeten inte alls tänka på marknaden, produkten, kunderna och andra oromantiska saker. Och många framgångsrika artister lyckades leva i sin exceptionellt sublima värld, och gjorde bara kreativt arbete (men samtidigt betalade chefer som är fördjupade i rutin och vardag).

Men om du inte har nått en sådan nivå av upplysning, måste du antingen ta itu med marknaden och din popularitet på egen hand, eller försöka charma någon chef (kontor) som kommer att tro på dig. Och sådana chefer finns förstås. Eftersom det finns framgångsrika artister i vilket land som helst, och någon är inblandad i dessa artisters angelägenheter. Men om de inte tror på dig, min vän, alla problem finns bara i dig. I ingen annan. Det är svårt att erkänna - titta i spegeln och säg till dig själv "det verkar som att jag inte är vad folk behöver."

Naturligtvis kan du anställa en chef (som vilken reklambyrå som helst) dumt för dina egna pengar (och inte för en del konserter) ... men det är som betald sex. Rätt killar ges gratis. Och om du inte får en freebie för kärlek, så har du uppenbarligen vissa problem med att vara efterfrågad.

Mycket ofta skyller outtagna artister på branschen, mellanhandschefer och åskådare för deras bristande efterfrågan. Det är så dumt. Branschen och cheferna svarar på tittarens behov, på efterfrågan. Och tittare är fria människor som bestämmer var de ska spendera sina pengar. Om de inte vill ha dig, det är deras rätt. De är inte skyldiga dig någonting. De tvingade dig inte att göra musik.

Och det mest pålitliga sättet att gå med i branschen, och detta är känt för alla professionella musiker och managers av alla tider och folk... är väldigt enkelt. Man måste vara dum för att skriva hits. Och det är allt! Låtar som folk gillar. Skriv hits, dude, och du kommer definitivt att ha allt! Var uppmärksam - alla artister som inte lyckades passa in i branschen - de har inte en enda hit.

Men låt oss säga att du inte kan eller vill skriva träffar? Men trots allt kan man spela främlingar – detta efterfrågas också (på krogar och på företagsfester), och i och med detta kommer de också in i branschen – bara kanske inte på den nivå som någon skulle vilja. Och om du inte spelar hits alls, så finns det inga garantier för att komma in i branschen. Det kanske fungerar i branschen, men det kanske inte.

OK det är över nu. Jag hoppas nu att du förstår varför vissa artister har mycket konserter och pengar, medan andra har en katt som gråter.

Den moderna musikbranschen är ett ganska märkligt fenomen som inte står stilla och som ständigt utvecklas. De som har arbetat i det musikaliska "köket" i mer än ett år vet att det ibland är väldigt svårt att förutse vad som väntar oss i framtiden i musikaliskt. Vinstsystemet är dock alltid detsamma, och alla som menar allvar med att förvandla sin musik till hårda pengar skulle göra klokt i att åtminstone ha en grundläggande förståelse för hur musikbranschen fungerar.

Därför bestämde vi oss för att skriva en liten guide för våghalsarna som vill och tänker marknadsföra sin musik och tjäna bra pengar på den. Detta är precis tillräckligt med information för att ge dig en grundläggande förståelse för hur musikbranschen lever och andas och för att få dig att tänka på hur du kan vara en del av den.

Skivbolag

Den "traditionella" vägen till framgång i musikbranschen är när din skiva hörs av ett välkänt bolag, som sedan skriver under ett kontrakt för dig för att marknadsföra ditt verk. Det är ännu bättre om du redan har spelat in några låtar som kan inkluderas i ditt minialbum, eller i ett fullängdsalbum eller flera album i nätverket.

Faktum är att märket fungerar som en investerare som investerar sina pengar i dig och ditt projekt. Dessa pengar används för att betala för studiohyra, mixning och mastering, samt att betala för ditt förskott, som betalas i förskott så att du kan leva till den punkt där du börjar få din del av försäljningen, som hänvisas till i branschen som royalties.

Etiketten hanterar också allt pappersarbete som behövs för att släppa ett spår/album, vilket inkluderar ett diagram över hur royalties delas: hur stor procentandel av varje mynt som tjänas in går till dig, kollaboratörerna och vilken procentandel som går till etiketten för att täcka deras ursprungliga investeringar och få ytterligare vinster som märket skulle kunna investera i din kampanj igen.

Musikaliska kickbacks

Copyright Protection Society (MCPS) betalar en royalty för varje kopia av ditt spår. Det betyder att ju fler skivor du säljer, desto mer får du. Dessutom, om din låt hamnar på cd- eller dvd-skivor, eller används på annat sätt, så får du också en viss summa för detta.
Till exempel: det finns 20 låtar i samlingen, och en av dem är din. Detta innebär att Copyright Society kommer att betala dig 5% av all försäljning.

Efterlängtad release av din musik

Utgivningen av din musik innebär användningen av ditt spår i någon form, och alla intäkter som tas emot efter utgivningen av din musik kan komma från många och olika källor. I verkligheten kommer pengar från varje gång en låt spelas på TV, radio eller används som filmsoundtrack, även när låten spelas i Topshops provrum. Listan är oändlig.

Teoretiskt visar det sig att du får pengar för all användning av din bana. Detta system fungerar genom inkassobyråer som PRS i Storbritannien eller ASCAP (Composers, Writers and Publishers of America) i USA. Dessa organisationer spårar alla sätt som din musik används på, samlar sedan in och fördelar pengarna därefter.

TV, filmer och mer

De huvudsakliga distributionskanalerna och vinstkällorna i musikbranschen är TV, filmer och videospel, nämligen distributionen av ljudspåret till din musik genom dessa kanaler. Fördelarna med ett fonogram är uppenbara: du får betalt för att använda din komposition; som ett resultat får du nya intäkter från att din låt används i till exempel filmprojekt eller tv-program som soundtrack. Denna användning av din musik gör att du kan öka synligheten för dig och ditt verk, eftersom den kommer att höras av en potentiellt stor publik som inte tidigare var bekant med din musik.

Det är inte lätt att få spår på tv- och filmprojekt, men det finns specialiserade produktionsbolag som kommer att agera på dina vägnar för att driva din musik i en eller annan riktning. Så du kan ägna dig åt ditt företag medan byråer som denna marknadsför dina spår för personer som är involverade i film och tv.

Behovet av att sammanställa en katalog med musik som kommer att finnas i musikbolagens skivbibliotek (i Nyligen kallas musikproduktionsföretag) är förståeligt. När allt kommer omkring är det en sådan katalog som potentiellt är den mest lönsamma av allt du kommer att göra. Som regel kommer ett sådant företag att ta en procentsats för marknadsföring av din musik. Men du behöver inte betala dem i förskott för att representera dig. Betalning sker på plats. Och vad som är ännu bättre är att de inte får betalt förrän din musik släpps, vilket innebär att de kommer att arbeta så hårt de kan för att se till att alla känner till dig.

Tänk på Rembrandts komposition "I'll Be There For You" - soundtracket till serien "Friends" - och hur många som känner honom runt om i världen ...

Andra inkomstkällor

Tänk om du inte skrev eller producerade något alls? Oroa dig inte, du kan fortfarande tjäna pengar på musik. PPL-streaming är inte någon typisk distributionskanal på grund av låtskrivare. Detta är en extra källa till royalties som sändningsföretagen betalar till artister för användningen av deras musik. Alla som är involverade i skapandet av låten (basister, bakgrundssångare, etc.) får också en liten summa pengar för sitt arbete.

Distribution

Distributören ansvarar för att få din musik från lagret till butiken. För att göra detta, om du skapar fysiskt innehåll, måste du ingå ett distributionsavtal.
Som vi vet släpar "fysisk" musik efter digital musik i popularitet, vilket är goda nyheter om du startar ditt eget bolag, eftersom distributionen inte behöver vara mycket ansträngning eller kostnad. Digital distribution innebär att dina inspelningar kommer att finnas tillgängliga för försäljning digitalt på alla platser dina fans väntar på. Till exempel Amazon, Beatport, iTunes. Med andra ord, digital distribution räddar dig från onödigt krångel i alla avseenden.

Och slutligen

Allt ovanstående är ganska svårt att acceptera, men om du vill koppla ditt liv med musik, måste du förstå de grundläggande mekanismerna för en sådan enorm musikalisk maskin, och du måste vara redo om du verkligen vill uttrycka dig och lämna ett märke på det musikaliska området, ta på det är en sak och gå till slutet, oavsett vad.
Och vi önskar dig lycka till!

Hur ofta vi hör musik från överallt. Musik blir ljudbakgrunden i vårt liv. Känner du igen känslan när du bara glömde ta med dig hörlurarna? Tystnad, nej - till och med tomhet. Ovanligt, och händer tenderar att tända något. Musiken slutar spela - den inre rösten slås på, men på något sätt vill jag inte lyssna på den alls. Påminner oss om oavslutade affärer, förebrår oss något, ger allvarliga tankar. Nej, ett nytt spår skulle ha startat så snart som möjligt. Vi har precis vant oss vid musik, vant oss vid att inte vara ensamma hela tiden, utan med dessa glada (eller inte så) musikaliska rytmer.

Förmodligen har alla favoritmelodier, vid ljudet av vilka rader av välbekanta sånger dyker upp någonstans djupt inuti. Samtidigt händer det ofta att en person kan texterna utantill, men han tänkte aldrig på betydelsen av orden som är inpräntade i hans minne och till och med ofta talade ord. Detta beror på att de flesta är vana vid att lyssna på musik i bakgrunden eller viloformat, det vill säga koppla av och inte tänka på någonting, njuta av känslor eller helt enkelt kasta sig in i tankar från tredje part.

Som ett resultat av ett sådant lyssnande fylls en persons världsbild av texter och betydelser som inte har filtrerats på medvetandenivå. Och eftersom informationen presenteras tillsammans med olika rytmer och melodier, assimileras den mycket väl, och i framtiden, från nivån av det undermedvetna, börjar den påverka mänskligt beteende. Vilka beteendeprogram sänds till masspubliken av modern populärmusik - den som spelas på TV och radio, och kan den behandlas omedvetet, det vill säga utan att tänka på dess inflytande? Låt oss titta på några videor:

Efter att ha sett dessa videor är det lämpligt att påminna om citatet från den forntida kinesiske filosofen Konfucius: "Förstörelsen av vilken stat som helst börjar precis med förstörelsen av dess musik. Ett folk utan ren och ljus musik är dömt till degeneration.”

Observera att i den senaste recensionen handlade det inte bara om innehållet i specifika låtar, utan också om den allmänna riktningen för ämnet populärmusik. Detta är en viktig nyans som måste beaktas. Musik ska trots allt spegla olika aspekter av vårt liv, och inte lyfta en till en olämplig storlek och betydelse.

En persons kreativitet, när den kommer från hjärtat, speglar alltid hans inre värld, berör frågorna om personlig utveckling, sökandet efter svar på spännande frågor. Om kreativitet ersätts av affärer och att tjäna pengar kommer först, fylls dess innehåll automatiskt med lämpliga betydelser och former: primitivt, stereotypt, otippat, dumt.

Att lyssna på innehållet som spelas idag på och i luften på de flesta radiostationer är en verklig process för att programmera människor att omedvetet implementera alla de beteenden som anges i videorna i sina liv.

Samtidigt, i de presenterade videorecensionerna, analyserades bara innehållet i texterna och videosekvensen av klippen, men rytm, tonalitet, melodi och musikens ljudstyrka har en enorm inverkan på en person. När allt kommer omkring är vilken musik i slutändan som helst vibrationer som antingen kan vara i harmoni med inre tillstånd person, eller bokstavligen agera destruktivt.

Musikens inverkan på samhället

Dissonans i musik, plötsliga förändringar i rytmen, högt ljud - allt detta uppfattas av kroppen som stress, som en förorenande faktor som påverkar inte bara nervsystemet, utan också kardiovaskulära och endokrina systemen. På Internet kan du hitta resultaten av många experiment som visar att om klassisk musik eller folkmusik förbättrar mentala förmågor, så sänker modern popmusik, byggd på samma rytmer, eller tung trasig musik, tvärtom det mänskliga psyket, och förvärras minne, abstrakt tänkande, uppmärksamhet.

Du kan tydligt se musikens inflytande på dessa bilder:

Dessa fotografier togs av den japanske forskaren Masaru Emoto. Han exponerade vatten för olika melodier och mänskligt tal, varefter han frös det och fotograferade de frusna vattenkristallerna som blev resultatet med hög förstoring. Som du kan se på bilden, under påverkan av ljuden från klassisk musik, får kristaller av destillerat vatten graciösa symmetriska former, under påverkan av tung musik eller negativa ord, känslor, fruset vatten bildar kaotiska, fragmenterade strukturer.

Med tanke på att vi alla mest är vatten, kan du föreställa dig vilket betydande inflytande musik har på oss. Av denna anledning bör valet av de kompositioner som du ofta lyssnar på själv eller inkluderar för barn vara medvetet, utvärdera effekten av musiken och effekten du skulle vilja få.

Musik påverkar en person i tre aspekter:

1. Meningsfullt budskap med texter och videoklipp
2. Musikvibrationer (rytm, tonalitet, melodi, klangfärg, etc.)
3. De personliga egenskaperna hos populära artister vars liv visas

Som den tredje punkten på den här bilden lyfte vi fram den personliga aspekten som är förknippad med moralen hos de artister som får berömmelse och ära. Eftersom modern showbusiness bygger på det faktum att den tar till offentlig diskussion om de så kallade stjärnornas hela personliga liv och påtvingar de yngre generationerna dem som idoler som förkroppsligar "framgång", när man utvärderar moderna sånger, måste man också ta hänsyn till livsstilen som de sänder genom sitt exempel sina artister.

Alla har säkert hört talas om en så populär västerländsk sångare som. Låt oss se vilken ideologi hon främjar med sitt arbete, och genom personliga exempel.

Som en del av Teach Good-projektet gjordes liknande recensioner på andra mest populära västerländska artister: - och överallt samma sak. Deras karriär utvecklas som om enligt ett mönster: från relativt enkla och blygsamma tjejer, efter att ha kommit in i showbusinessbranschen, förvandlas de gradvis till de vars fotografier och frukter av kreativitet till och med är pinsamma att demonstrera under en föreläsning på grund av tvångsmässig vulgaritet och vulgaritet.

Samtidigt är det dessa stjärnor som ständigt tilldelas huvudrollen musik utmärkelser, deras klipp spelas på TV-kanaler och radiostationer, även här i Ryssland hörs deras låtar regelbundet. Det vill säga, samma system är byggt i musikbranschen, baserat på 3 huvudverktyg: prisinstitutioner, finansiella flöden och kontroll över de centrala medierna.

Var hittar man bra låtar?

Genom denna barriär bra artister– det är nästan omöjligt för dem som sjunger riktigt meningsfulla sånger och försöker styra sin kreativitet till nytta för människor. Situationen börjar förändras först i dag, när med Internets tillkomst fick varje person möjligheten genom sina konton i sociala nätverk, genom att blogga och skapa webbplatser att fungera som en oberoende massmedia.

Framväxten av Teach Good-projektet och många andra sammanslutningar av omsorgsfulla människor är en naturlig process att förstöra det gamla systemet byggt på strikt kontroll av personer som släpps in i media. Och det är på Internet som du kan hitta låtar av de artister som du inte kommer att höra på TV, men vars musik är riktigt trevlig och användbar att lyssna på.

De turnerar också i städer, uppträder på scener, samlar fulla hus, men deras bilder skrivs inte ut i glansiga tidningar, och deras låtar sänds inte på populära radiostationer eller musik-TV-kanaler. För för den moderna musikindustrin passar deras verk inte in i det "format" som definieras och påtvingas en bred publik genom alla samma medier, eller snarare sättet att forma och kontrollera allmänhetens medvetande.

Som ett exempel på meningsfull kreativitet uppmärksammar vi en av låtarna som uppfanns och spelades in av läsarna av Teach Good-projektet.

Tabell nummer 9

HUVUDKÄNNETECKEN PÅ DEN RYSKA MUSIKMARKNADEN

Den ryska musikbranschen beror direkt på de allmänna trenderna i utvecklingen av den inhemska ekonomin. Ett exempel på detta är krisen i augusti 1998, då hela musikbranschen praktiskt taget var det

fysiskt förlamad. Som ett resultat minskade antalet skivbolag tre gånger, försäljningen minskade 3-5 gånger (i vissa repertoargrupper - 10 gånger), priserna sjönk 2-3 gånger vad gäller valutamotsvarigheten.

Ett stort antal problem som har samlats över senaste åren hindrar musikbranschens fortsatta utveckling. Först och främst är det frågorna: rättigheter, ömsesidiga skulder och förtroende mellan företag. Nu har många företag ännu inte en komplett uppsättning dokument som bekräftar deras rättigheter till vissa fonogram ( vi pratar både upphovsrätt och närstående rättigheter). Kontrakten slöts utan att de nödvändiga formaliteterna iakttogs, därför sker för närvarande en allvarlig omfördelning av ägandet av projekt som har publicerats under de senaste tio åren. Många företagare insåg att de behövde köpa rättigheter, inte fonogram.

Ett annat problem vid den tiden var den nya prispolicyn. De största säljarna styrs av ett minimum, jämförbart med piratpriser. Ett sådant tillvägagångssätt har blivit det enda möjliga villkoret för överlevnaden för den inhemska musikindustrin och utländska företag som gör sina affärer i Ryssland. Beslutet att arbeta till låga priser var dock inte lätt. Majors var till exempel rädda för att återexportera billiga CD-skivor till väst. Och återexport var och är verkligen även nu. Massreklam för billiga skivor från Ryssland var uteslutet, eftersom ingen distributör eller ägare av en butikskedja med självrespekt skulle sälja skivor av "obskyrt ursprung", utan IFPI-koder och andra

symbolik som bekräftar deras juridiska karaktär. Parallellimport är fortfarande ett stort problem.

1999 visade landets kassettmarknad att dess potential är ganska betydande, även om den börjar tappa mark och följer globala trender.

Förutom försäljningen av traditionella medier som MC och CD utvecklades CD-R-marknaden 1999 ganska aktivt. CD-RW- och DVD-RAM-skivor har lagts till de redan traditionella CD-R-skivorna. År 2000 togs den första CD-R-produktionslinjen i drift i Ryssland vid Ural Electronic Plant.

Ett av huvudproblemen med affärsutveckling är den höga nivån av piratkopiering i landet - 65-70%. I vissa repertoargrupper når den 90 %

Således, ryska marknaden i allmänhet ser det ut så här (separation efter typ av media):

Tabell № 10

TOTALA DATA OM JURIDISK OCH PIRATFÖRSÄLJNING I MILJONER. $

* Konsekvenser av krisen den 17 augusti 1998 Som framgår av tabellen och figurerna är den kompakta kassetten fortfarande den huvudsakliga bäraren av musikalisk produktion.

Tabell nr 11

FÖRSÄLJNING PER REPERTOIR I MILJONER. EKZ. (MC+CD3).

Tabell nr 12

MARKNADSSTRUKTUR PER REPERTOIR (% AV TOTAL LAGLIG FÖRSÄLJNING).

VAD ÄR APKA? VAD ÄR NAPA?

För att bättre förstå tillståndet på den amerikanska videomarknaden, låt oss ta en titt på aktiviteten hos Motion Picture Producers Association of America (APCA). Detta är en professionell sammanslutning av ledande film-, foto- och tv-företag i USA. Dess medlemmar inkluderar företag som Buena Vista Pictures Distribution (Walt Disney Company, Hollywood Pictures Corporation, Sony Pictures Entertainment, Columbia, Trista), Twentys Century Fox Film Corporation, Universal City Studios och Warner Bros.

APKA löser många problem: skydd av film-, video- och tv-företags upphovsrätt och intressen, förhindrande av piratkopiering av video genom skärpta straff för denna typ av olaglig verksamhet. Föreningens advokater hjälper åklagarmyndigheten på bästa sätt att formulera åtalet; samla in bevis, säkerställa deltagande av vittnen och experter, genomföra juridiska och juridiska analyser, beräkna ersättningsbeloppet.

Ungefär 100 APKA-utredare är verksamma i hela USA och hjälper polisen att utreda "piratverksamhet" och straffa de ansvariga. 1998 gjordes 2022 sådana utredningar. Enligt resultaten från 262 av dem inleddes brottmål och domstolsbeslut meddelades. 52 gärningsmän dömdes till fängelsestraff.

Medlemmar i föreningen bidrar till antipiratverksamhet i mer än 70 länder i världen, inklusive Ryssland. De hyr sina

filmer i Ryssland genom organisationer som innehar lämpliga ryska licenser som Cascade, East-West, Jemmy och Premier.

Sedan oktober 1998 har 32 filmer producerade av studiomedlemmarna i APKA distribuerats lagligt i Ryssland för visning på biografer. Bland dem: "Shakespeare in Love", "Armageddon", "Mummy", "Mask of Zorro", "The Adventures of Flick" och "Healer Adame". Dessutom presenteras en serie filmer på video. Filmer på biografer är i allmänhet inte föremål för samtidig distribution på videokassetter. Vanligtvis börjar de sistnämnda säljas efter slutet av filmdistributionen. Detta görs för att skydda filmdistributörernas intressen.

APKA stöder den ryska antipiratorganisationen - RAPO. Administrationen av RAPO är belägen i Moskva, och själva organisationen verkar i stora städer i hela Ryssland. RAPO-medlemmar inkluderar inte bara amerikanska filmstudior och deras licensinnehavare i Ryssland, utan även oberoende ryska filmdistributionsorganisationer, två ryska tv-bolag, Russian Union of Cinematographers, Russian Society of Collectors och Russian Video Association.

RAPO-anställda hjälper brottsbekämpande myndigheter och skattepolisen att undersöka källorna till piratkopierade produkter, med att genomföra räder för att identifiera dess tillverkare och säljare. RAPO representerar experter som kan identifiera föremål av "piratkopierade" produkter och vittna i domstol.

NAPA - National Association of Manufacturers

distributörer av ljudprodukter i Ryssland. Beslutet att skapa National Association of Audio Products Manufacturers of Russia fattades vid det första mötet i Östeuropeiska kommissionen IFPI efter augustikrisen (september 1998). Som ett resultat registrerades NAPA i juni 1999.

Huvudmålen för NAPA är: förberedelser i Ryssland på grundval av NAPA för den nationella IFPI-gruppen, som så småningom kommer att förenas med personalen på IFPI:s representationskontor i Moskva; skydda rättigheterna och legitima intressen för ljudproduktionsproducenter - ryska musikföretag, bekämpa reproduktion och distribution av olagliga ljudprodukter och samordna aktiviteterna för innehavare av ljudprodukträttigheter för att följa befintlig lagstiftning på Ryska federationens territorium.

För närvarande inkluderar NAPA de största ryska företagen och större företag som har sina egna filialer och filialer i Ryssland, såsom Universal, BMG, EMI (S.B.A.), Gala Records, Real Records Art-stars, Studio Soyuz, Producer Igor Matvienko Center, FeeLee Skivbolag, NOX-MUSIC med flera.

Hittills har NAPA sju organisationer som verkar som affiliates i Ryssland. Förhandlingar pågår med andra regioner. NAPA expanderar aktivt "in i inlandet", samtidigt som det fokuserar på affärsregioner i landet, miljonstäder.

NAPA inkluderar många NAPA-medlemsföretag som också är IFPI-medlemmar. För att förstå denna konstruktion, låt oss först överväga strukturen för IFPI i andra länder och i världen som helhet.

International Federation of the Phonographic Industry (IFPI) förenar skivbolag, som i sin tur är förenade på territoriell basis i nationella grupper. Det vill säga att förbundet består av nationella grupper i olika länder, till exempel nationella grupper i Tyskland, USA, etc. Hittills har det inte funnits en sådan förening i Ryssland. Inom riskfyllda affärsområden inleder IFPI sin verksamhet med att öppna representationskontor. Efter en tid, beroende på utvecklingsdynamiken i varje enskilt land, skapas en nationell IFPI-grupp i detta land på representationsplatsen eller med dess hjälp. Funktionerna för federationens representation i olika länder (och även i Ryssland) handlar om att förklara för lokala musikbolag IFPI:s roll i den internationella musikbranschen, bjud in dem att bli medlemmar i federationen och så småningom skapa en nationell grupp. Tyvärr har denna process tagit en "särskild rysk väg" i vårt land.

Slutförandet av skapandet av den nationella IFPI-gruppen i Ryssland är inte långt borta. NAPA är helt förberedd på detta - föreningen skapades som kärnan i IFPI:s nationella grupp. De har gemensamma mål och mål: legalisering av musikbranschen, juridisk och juridisk hjälp till företag - medlemmar i IFPI, en aktiv kamp mot piratkopiering i Ryssland som helhet, men särskilt i regioner med en miljon invånare. Naturligtvis är en speciell plats upptagen av arbete i Moskva och Moskva-regionen.

NAPA bistår statliga strukturer med att förbättra lagstiftningen inom området upphovsrätt och närstående rättigheter, deltar som en oberoende

oberoende experter på utveckling av beslut av statliga myndigheter och ledning i frågor som rör musikbranschen.

Vi har också etablerat och driver Russian Phonographic Association. Det skapades som en organisation som förenar ljudinspelningsföretag. De huvudsakliga målen var insamling av ersättning för offentlig reproduktion och distribution av säkra pengar bland upphovsrättsinnehavare.

Alla inhemska företag som lagligen verkar på marknaden, erkänner de lagstadgade dokumenten och verkar inom området för ljudinspelning och ljudåtergivning, kan bli medlem i NAPA. För att gå med måste du ansöka till NAPA med en ansökan, bifoga en uppsättning lagstadgade och registreringshandlingar till den. Förfarandet är enkelt, men ålägger medlemmarna ett stort ansvar.

Mellan juli 1999 och juli 200 undersökte NAPA i Ryssland 62 076 kopior av ljudmedia för förfalskning. Tjugotvå ansökningar lämnades in för att åtala personer som gjort sig skyldiga till olaglig användning av upphovsrätt och närstående rättigheter, åtta yrkanden, fem framställningar skickades till domstolarna, fem antipiratkampanjer hölls tillsammans med brottsbekämpande myndigheter och IFPI, och femton kampanjer genomfördes tillsammans med inrikesministeriet.

Föreningen är engagerad i studier av ljudproduktmarknaden i Ryska federationen, skapandet av en databank för ljudprodukter, ljudtillverkare och ett handelsnätverk av återförsäljare och distributörer - upp till information om varje handel

punkt. Han ger råd till statliga organ, företag, offentliga föreningar och medborgare i musikbranschen, främjar civiliserade sätt att utveckla musikmarknaden, organiserar seminarier, symposier och praktikplatser i Ryssland och utomlands. Inom en snar framtid - organisationen av nationella tävlingar inom musikbranschen.

NAPA representerar ryska ljudproducenter i International Federation of the Phonographic Industry (IFPI) och deltar i dess aktiviteter (interagerar med andra nationella grupper).

Ständiga partners NAPA är, för det första, upphovsrättsinnehavarna, och för det andra, olika expertorganisationer, inklusive systemet med kriminaltekniska centra vid Ryska federationens inrikesministerium, Center for Independent Comprehensive Examination of Systems and Technologies, som utför hela det möjliga utbudet av studier och undersökningar av beslagtagna produkter. För det tredje, företag som är engagerade i transport och ansvarsfull lagring av förfalskade produkter.

Genom en uppsättning expertundersökningar är det möjligt att bevisa tillverkningen av förfalskade produkter på ett visst företag, eller, som experter säger, "knyta" ljudkassetter till en specifik maskin, en specifik ljudinspelningsenhet. I synnerhet ett magnetband som rör sig i processen för att spela in ljudinformation på det har förändringar i ytskiktet som är karakteristiska för denna ljudinspelningsenhet, som

och avslöjas helt omisskännligt av utredningsundersökningen.

Sökningen efter upphovsrättsinnehavare utförs i databaser som innehåller information om inhemska album (och Russian Musical Yearbook publicerad av Inter Media-byrån hjälper mycket i denna NAPA) och i utländska publikationer. Här förlitar sig NAPA på databaser från utländska partners. Det är viktigt att fastställa datumet för den första publiceringen av verket och fonogrammet för varje titel. En av de väsentliga delarna av undersökningen eller forskningen är fastställandet av storleken på den skada som åsamkas rättighetsinnehavarna till följd av olaglig användning av verk och fonogram. En viktig punkt är erkännandet av upphovsrättsinnehavaren som civil kärande.

Kontanter, som erhålls efter bearbetning av förfalskade produkter och tillverkning av lagliga produkter från de frigjorda komponentmaterialen, distribueras i en överenskommen mängd mellan rättighetsinnehavarna, de företag som ansvarar för lagring av förfalskade produkter, företagets system för bearbetning av förfalskade produkter produkter och tillverkning av lagliga produkter, och budgeten.

VAD ÄR "NOX"?

"NOX" är Riksförbundet kulturgemenskaper. Huvudidéerna för "Knox" är:

Bevarande och utveckling av nationella och etniska kulturer;

Propaganda av kulturarv;

Att förena människor genom kulturellt utbyte, stärka vänskapliga och broderliga band mellan folken;

Bekräftelse av varje persons stolthet för sin nation;

Bistånd till att stärka Ryssland som en multinationell stat där alla folk är lika i sina rättigheter.

Jag har under många år propagerat för tanken att alla människor ska leva i vänskap och frid, kontakt i affärer och ömsesidigt berikas genom kulturella band. Det ska inte finnas några krig på vårt land. När allt kommer omkring föder mammor barn för lyckligt liv, utveckla flitigt sina talanger, ta upp de bästa känslorna i dem och, utan misslyckande, stolthet över sin nation, eftersom det i varje nation finns ovanligt begåvade människor.

För att lösa vårt samhälles problem genom kultur skapade jag NOX.

Nu är det viktigt att hitta personer som man kan lita på fullt ut i genomförandet av dessa idéer. "NOX" borde bli en riktig smedja för sådan personal. Jag överför ständigt mina idéer till chefer, utbildar en ny generation producenter, litar på dem med mina projekt och hjälper dem att förverkliga dem.