Prokofiev är en kompositör av verk för barn. Sergeevich Prokofiev

ryska sovjetisk kompositör pianist, dirigent, musikskribent

kort biografi

Sergei Sergeevich Prokofiev(23 april 1891, Sontsovka - 5 mars 1953, Moskva) - Rysk sovjetisk kompositör, pianist, dirigent, musikskribent. Folkets konstnär av RSFSR (1947). Pristagare av Lenin-priset (1957) och sex Stalin-priser (1943, 1946 - tre gånger, 1947, 1952).

Prokofiev skrev i alla samtida genrer. Han äger 11 operor, 7 baletter, 7 symfonier, 7 konserter för soloinstrument och orkester, 9 pianosonater, oratorier och kantater, kammarsång och instrumentala kompositioner, musik för film och teater.

Prokofiev skapade sin egen innovativa stil. Innovativa funktioner kompositioner från både den tidiga, utländska och sovjetiska perioden noteras. Många av hans kompositioner (mer än 130 opus totalt) har kommit in i världsmusikkulturens skattkammare, såsom den första, femte och sjunde symfonin, den första, andra och tredje pianokonserten, operorna The Love for Three Oranges (1919) och The Fiery Angel (1927), symfonisk saga "Peter och vargen" (1936), balett "Romeo och Julia" (1935), kantaten "Alexander Nevsky" (1939), musik till filmen "Löjtnant Kizhe" (1934) ), "Fleeting", "Delusion", Seventh Sonata och andra pianostycken. Prokofiev är en av 1900-talets mest betydelsefulla och repertoarkompositörer.

Enligt den etablerade traditionen definierade ryska musikforskare och musikförfattare S. S. Prokofiev antingen som en "rysk kompositör" eller som en "sovjetisk kompositör". I USSRs referenslitteratur, till exempel, i den andra upplagan av TSB (1955), i den tredje upplagan av TSB (1975) och andra, definierades Prokofiev som en "sovjetisk kompositör", dessutom i Musical Encyclopedia (1978) - som en ledargestalt sovjetisk kultur. I den postsovjetiska biografin om Prokofiev, författaren I. G. Vishnevetsky (2009), definieras bokens hjälte som en "rysk kompositör". I BDT för kulturpersonligheter som hade medborgarskap i det ryska imperiet, införde Sovjetryssland (USSR), som hade eller har medborgarskap i Ryska federationen, enda attribut - "ryska". För första gången, enligt denna regel, definieras Prokofiev i definitionen av BDT:s biografiska artikel (2015) som en "rysk kompositör".

I västeuropeiska och amerikanska uppslagsverk definieras Prokofiev vanligtvis som en "rysk" eller "rysk" kompositör (engelska ryska, tyska ryska, spanska. russo etc.). Mindre vanliga är definitioner där kompositören definieras som "sovjet" (engelska sovjetiska, tyska sowjetisch, franska soviétique, etc.). I biografin om Lina Prokofieva V.N. Chemberdzhi (2008) frasen den berömda ryska kompositören(engelska), publicerad "för en hel vecka i alla amerikanska tidningar" och citerad i ett brev från Prokofiev daterat den 1 januari 1933, översätts i en fotnot som "den berömda ryske kompositören."

I en artikel av musikforskaren S.A. Petukhova hänvisas Prokofev till som "rysk kompositör", medan adjektivet "rysk" betecknar medborgarskap eller territoriell tillhörighet: "ryska cellister" syftar på cellister från Ryssland. I artikeln av Yu. N. Kholopov på webbplatsen för St. Petersburg Philharmonic anges S. S. Prokofiev som en "stor rysk kompositör", i artikeln "Prokofjevs arbete i sovjetisk teoretisk musikologi" (1972) som en "sovjetisk kompositör" ” och som en ”stor rysk musiker”. I monografin "Modern Features of Prokofiev's Harmony" (1967) karakteriserade samma författare Prokofievs verk som "stolthet Sovjetisk musik”, även om han samtidigt objektivt beskrev Prokofievs innovativa harmoni i sin helhet hans skrifter (inklusive de utanför den "sovjetiska" perioden av kreativitet).

Rektor för Moskvakonservatoriet A. S. Sokolov i sina hälsningar till deltagarna i den internationella vetenskapliga konferensen och musikfestival tillägnad 120-årsdagen av S. S. Prokofjevs födelse, sa: "Namnet på den stora ryska kompositören är känt över hela världen. Prokofievs verksamhet ägde rum i Ryssland, Europa och Amerika.

I artikelsamlingen "Prokofiev Readings" (2016), angående Prokofiev och andra ryska kompositörer, används kombinationerna "Russian composer" och "Russian composers" 10 gånger, och "Russian composers" - endast 1 gång. Under de senaste åren ges en stabil kombination av "rysk kompositör" i förhållande till S. S. Prokofiev i artikeln av O. L. Devyatova "Sergey Prokofiev i Sovjetryssland: en konformist eller en fri konstnär?" (2013), i Literaturnaya Gazeta (2016) och i bestämmelserna om den öppna tävlingen för kompositörernas tid för Prokofievs (2017). O. L. Devyatova citerade S. M. Slonimskys ord om fortsättningen av S. S. Prokofiev av "den kreativa linjen av ryska klassiker från 1800-talet" och skrev att kompositören kände sig "en verkligt rysk person och musiker, uppfostrad av rysk kultur, dess nationella traditioner.” Således fungerar Prokofiev som en bärare och förnyare av den ryska nationella traditionen inom den klassiska världsmusiken.

Samtida talade om Prokofjev som en rysk tonsättare, vilket följer av inlägget i "Dagboken" av Stravinskys recension, uttryckt i Italien 1915: "Efter att ha hört min 2:a konsert, Toccata och 2:a Sonaten, blev Stravinskij extremt att jag är en riktig ryss kompositör och att det inte finns några ryska tonsättare i Ryssland förutom jag. Prokofiev själv kallade sig en "rysk kompositör", vilket bekräftas av hans självidentifiering i en dagboksanteckning från 1915 om skapandet av baletten "Jester": "Den nationella nyansen återspeglades ganska tydligt i dem. När jag komponerade trodde jag alltid att jag var en rysk kompositör och att mina gycklare var ryska, och detta öppnade ett helt nytt, oöppnat område för mig att komponera.

Barndom

Sergei Prokofiev föddes i byn Sontsovka, Bakhmut-distriktet, Yekaterinoslav-provinsen (nu byn Pokrovsky-distriktet, Donetsk-regionen i Ukraina). I motsats till födelsedatumet som anges av många källor är den 11 april, den 15 april 1891 antecknad i en kopia av födelseattesten. Sergei Svyatoslavovich Prokofiev, kompositörens barnbarn, som sätter namnet Sergei Prokofiev Jr under sina publikationer, insisterade på att "Prokofjev inte föddes den 27 april." Kompositören angav upprepade gånger i "Dagboken" att han föddes den 23 april: "Igår var det min födelsedag (27 år gammal)." "<…>Jag fyllde tjugonio igår<…>". "Jag kom ihåg att idag fyllde jag trettiotre år ("Vad var det för ljud i rummet bredvid? Det blev trettiotre år för mig"). Trots det faktum att Prokofiev själv kallade platsen för sin födelse på det lilla ryska sättet - "Sontsevka", citerade kompositörens biograf I. G. Vishnevetsky dokument från tidigt 1900-tal med namnet på byn "Solntsevka".

Far, Sergei Alekseevich Prokofiev (1846-1910), kom från en köpmansfamilj, studerade i Moskva vid Petrovsky Agricultural Academy (1867-1871). Mamma, Maria Grigoryevna (född Zhitkova, 1855-1924), föddes i St. Petersburg och tog examen från gymnasiet med en guldmedalj. Hennes far var livegen till Sheremetevs, i mitten av 1800-talet flyttade han till St Petersburg, gifte sig med en stadskvinna svenskt ursprung. Fadern förvaltade godset efter sin tidigare klasskamrat vid akademin D. D. Sontsov.

En kärlek till musik ingavs i hennes mamma, som ofta spelade musik och framförde främst verk av Beethoven och Chopin. Sergei lyssnade först och började sedan sätta sig bredvid instrumentet och dunkade på tangenterna. Maria Grigorievna var en bra pianist och blev den framtida kompositörens första musikaliska mentor. Sergeis musikaliska förmågor manifesterade sig i tidig barndom, när han vid fem och ett halvt års ålder komponerade det första lilla stycket för piano "Indian galopp". Denna komposition noterades av Maria Grigorievna, och Seryozha lärde sig att spela in de efterföljande styckena (rondos, valser och de så kallade "sångerna" av underbarnet) på egen hand. Senare började fadern ge sin son lektioner i matematik, och hans mamma lärde honom franska och tyska.

I januari 1900, i Moskva, lyssnade Sergei Prokofiev först på operorna Faust och Prince Igor och var på baletten Törnrosa, under intrycket av vilken han tänkte ut sitt eget liknande verk. I juni 1900 komponerades operan Jätten. Året 1901 ägnades åt att komponera den andra operan På de öde öarna, men bara första akten blev klar. Maria Grigoryevnas möjligheter för vidare musikalisk utbildning av sin son var uttömda.

I januari 1902, i Moskva, introducerades Sergei Prokofiev för S. I. Taneyev, för vilken han spelade utdrag ur operan Jätten och ouvertyren till Desert Shores. Kompositören var imponerad av den unga musikerns förmågor och bad R. M. Gliere att studera kompositionsteori med honom. Sommaren 1902 och 1903 kom Gliere till Sontsevka för att ge lektioner åt Prokofiev.

Kompositören beskrev i detalj sina barndomsår innan han kom in på konservatoriet i sin "Självbiografi" i första delen "Barndom".

Vinterträdgård

Med flytten till Petersburg började en ny, med Sergej Prokofjevs egna ord, Petersburgs livsperiod. När han gick in på St. Petersburgs konservatorium presenterade han för kommissionen två mappar med sina kompositioner, innehållande fyra operor, två sonater, en symfoni och pianostycken. Dessa verk finns inte med i listan över kompositörens verk efter opus. Sedan 1904 studerade han vid St. Petersburgs konservatorium i instrumenteringsklassen N. A. Rimsky-Korsakov, med A. K. Lyadov i kompositionsklassen, med J. Vitol - i musikaliska och teoretiska discipliner, med A. N. Esipova - i piano, med N. N. Cherepnin - i dirigering. Han tog examen från konservatoriet som kompositör 1909, som pianist - 1914, när han vann tävlingen bland de fem bästa studenterna vid examen med framförandet av sin första pianokonsert, op. 10, belönades med en guldmedalj och ett hederspris uppkallat efter A. G. Rubinstein - ett piano från Schroederfabriken. I den unga utexaminerade från St. Petersburgs konservatorium "sedan början av 1910-talet har många sett en stor rysk tonsättare." Fram till 1917, inklusive, fortsatte han sina studier vid konservatoriet i orgelklassen.

Under studieåren på konservatoriet började han vänskapliga relationer med kompositörerna Nikolai Myaskovsky och Boris Asafiev, träffade Sergei Rachmaninov. I april 1910 träffade Sergei Prokofiev Igor Stravinsky. Under den långvariga rivaliteten mellan de två kompositörerna, "mätte var och en av dem oundvikligen vad som gjordes med den andras arbete och framgång."

Bildandet av framförande färdigheter underlättades genom ett närmande till St. Petersburg-cirkeln "Evenings of Modern Music", vid en konsert av vilken den 18 december 1908 det första offentliga framträdandet som kompositör och pianist ägde rum. Originalitet, otvivelaktig talang, kreativ fantasi, extravagans, otyglade fantasispel och uppfinningsrikedom av Sergei Prokofiev noterades i recensionen av debuten. Recensenten tillskrev den unge författaren "modernisternas extrema riktning", som "går mycket längre i sin djärvhet och originalitet modern franska". Enligt musikforskaren I. I. Martynov överdrev recensionen fräckheten hos Prokofiev, som vid den tiden inte överträffade den "moderna franskan". Efter den första framgången uppträdde han som solist och framförde främst sina egna verk. 1911 framförde han för första gången i Ryssland pjäserna av A. Schoenberg, op. 11, och 1913 talade han på kvällen i närvaro av C. Debussy under hans ankomst till St. Petersburg.

För att stärka kompositörens rykte kände Prokofiev behovet av att framföra och publicera sina verk, började etablera kontakter med kända dirigenter, skickade flera stycken till Russian Musical Publishing House och till den berömda musikförläggaren P. I. Yurgenson, men förlagen vägrade. År 1911 fick den unge kompositören ett rekommendationsbrev från A.V. Ossovsky, insisterade på ett personligt möte med Jurgenson, spelade hans pianokompositioner för honom och fick medgivande för publiceringen. Prokofievs första publicerade verk var Piano Sonata, op. 1, utgiven 1911 av musikförlaget "P. Yurgenson". I slutet av februari 1913 träffade Prokofiev S. A. Koussevitsky, som redan ångrade att Yurgenson publicerade verk av en lovande kompositör. Sedan 1917 började Prokofievs verk dyka upp i musikförlaget "A. Gutheil”, som vid den tiden tillhörde Koussevitzky. Prokofiev upprätthöll affärskontakter med Kusevitsky i nästan ett kvarts sekel. Nästan alla Prokofievs verk utländsk period publicerades under varumärkena för hans företag "A. Gutheil" eller "Russian Musical Publishing House", några av Prokofievs orkesterverk framfördes först under hans ledning.

Föreställningar i St. Petersburg, Moskva och konserthuset på Pavlovsky-järnvägsstationen stärkte den unga kompositören och pianistens berömmelse och berömmelse. 1913 orsakade premiären av den andra pianokonserten en skandal, publiken och kritikerna delades upp i beundrare och belackare. I en av recensionerna kallades Prokofiev "pianokubist och futurist".

Under den andra utlandsresan i London i juni 1914 träffade S. S. Prokofiev S. P. Diaghilev. Sedan dess började ett långvarigt samarbete mellan kompositören och entreprenören, som fortsatte fram till Diaghilevs död 1929. Prokofiev skapade fyra baletter för företaget Ryska baletterna: Ala och Lolly, The Jester, Steel Lope och The Prodigal Son, varav den första inte sattes upp.

Krig och två revolutioner

Efter första världskrigets utbrott arbetade Prokofiev med skapandet av operan The Gambler och baletten Ala and Lolly. Den unge kompositören var inte föremål för värnplikt i armén, som den ende sonen i familjen.

För att bekanta sig med baletten kallade Diaghilev Prokofiev till Italien, men av olika anledningar vägrade han att iscensätta Ala och Lollia och gjorde en ny beställning för kompositören - baletten The Jester (full titel är The Tale of the Jester Who Outsmarted the Seven). Gycklare). Den 22 februari (7 mars 1915) ägde Prokofjevs första utländska föreställning, organiserad av Diaghilev, rum i Rom, då den andra pianokonserten med en orkester under ledning av Bernardino Molinari och flera stycken för piano framfördes.

Materialet i partituret för den första baletten "Ala och Lolly" omarbetades till kompositionen för orkestern "Scythian Suite". För att arbeta på en ny ordning bidrog Diaghilev till närmandet mellan Prokofiev och Stravinsky. Kritiker noterade inflytandet från Stravinskys musik i skapandet av Scythian Suite och baletten The Jester. "Skytiska sviten" betraktades av Prokofjev och hans närmaste vänner Myaskovsky och Asafjev "som det största och mest betydelsefulla av de orkesterverk som skrivits av honom hittills", "men allmänheten uppfattade den fortfarande som en manifestation av musikalisk extremism." Premiären av "Scythian Suite" den 16 (29) januari 1916 orsakade ännu mer bullrig skandal och protester än den andra pianokonserten, som var som en bombexplosion. Trots sina förtjänster är sviten fortfarande inte ett av kompositörens populära verk. Stora svårigheter följde uppsättningen av operan The Gambler, vars första upplaga blev klar 1916, och världspremiären ägde rum i den andra upplagan 1929.

Kompositionerna av små former från denna period har inte mindre konstnärliga förtjänster: cykeln av pianostycken "Sarcasms", sagan för röst och piano "Den fula ankungen", cykeln av romanser till orden av Anna Akhmatova, op. 27, "Flygande". Trots gloria av avantgardistisk berömmelse, innan han lämnade Ryssland, skapade Prokofiev betydande verk som fortsatte både europeiska och ryska klassiska traditioner - den första violinkonserten och den klassiska symfonin tillägnad B.V. Asafiev, som ett exempel på ett transparent klingande symfoniskt partitur och en "antiromantisk konceptsymfonism under nya förhållanden och på rysk mark. Icke desto mindre noterar den unge Shostakovichs bekantskap med Stravinskys musik och den tidiga Prokofiev när han skapade Es-dur Scherzo, Op. 7 (1923-1924), nämnde Krzysztof Meyer sina första meningsskiljaktigheter med Steinberg: "Läraren ville se honom som en fortsättning på den ryska traditionen, och inte bara en annan - efter Stravinskij och Prokofjev - dess förstörare, en kompositör med misstänkta modernistiska böjelser ."

Utomlands period

I slutet av 1917 tänkte Prokofiev på att lämna Ryssland och skrev i sin dagbok:

Åk till Amerika! Säkert! Här - sura, där - livet är nyckeln, här - massaker och spel, där - kulturliv, här - eländiga konserter i Kislovodsk, där - New York, Chicago. Det finns inga tvekan. Jag åker till våren. Om bara Amerika inte kände fiendskap mot separata ryssar! Och under denna flagga träffade jag Nyår. Kommer han att misslyckas med mina önskningar?

S. S. Prokofiev. Dagbok. 1907-1918.

Den 7 maj 1918 lämnade Prokofiev Moskva med Siberian Express och anlände till Tokyo den 1 juni. I Japan uppträdde han som pianist med två konserter i Tokyo och en i Yokohama, vilket, enligt entreprenören A. D. Strok, gick berömligt och gav lite pengar. I två månader sökte kompositören ett amerikanskt visum och den 2 augusti seglade han till USA. Den 6 september anlände Prokofjev till New York, där han hösten 1918 avslutade sitt första verk av den utländska perioden, Tales of an Old Grandmother.

Konventionellt, eftersom arbetet med vissa verk var tänkt eller påbörjats tidigare, bestäms den kronologiska ramen för Prokofjevs period utomlands från 1918 till 1935 fram till hans sista flytt till Moskva 1936. Bland huvudverken från denna period, operorna The Love for Three Oranges (1919), The Fiery Angel (1919-1927), baletterna The Steel Lope (1925), The Prodigal Son (1928) och On the Dnepr "( 1930), andra (1925), tredje (1928) och fjärde (1930) symfonier; tredje (1917-1921), fjärde (1931) och femte (1932) pianokonsert. Listan över huvudverk av kompositören från den utländska perioden kompletteras av den andra violinkonserten (1935).

Under andra hälften av 1920-talet och under första hälften av 1930-talet turnerade Prokofiev flitigt i Amerika och Europa som pianist (han uppträdde främst egna kompositioner), ibland även som dirigent (endast hans egna kompositioner); 1927, 1929 och 1932 - i Sovjetunionen. 1932 spelade han in i London sin tredje konsert (med London Symphony Orchestra) och 1935 i Paris - ett antal av sina egna pianostycken och arrangemang. Detta förbrukar arvet efter pianisten Prokofiev.

Våren 1925 blev Prokofiev nära och blev snart vän med Dukelsky, som han tidigare träffat i Amerika. Vid det här laget är skrivet i kompositörens "Dagbok". berömt ordspråk Diaghilev om Prokofjev som andra son: ”Jag har, liksom Noah, tre söner: Stravinskij, Prokofjev och Dukelskij. Du, Serge, ursäkta mig att du var tvungen att vara den andra sonen!

Under Prokofievs långa vistelse utomlands löpte resecertifikatet ut av A.V. Lunacharsky 1918 ut, och kompositören förlorade sovjetiskt medborgarskap. Baserat på detta faktum, trots att Prokofiev visade sin apati och inte gick med i den vita rörelsen, rankas kompositören bland den ryska emigrationen av den första vågen. 1927 fick Prokofievs sovjetiska pass, som var nödvändiga för deras första turné i Sovjetunionen. Simon Morrison nämnde att paret Prokofiev hade Nansen-pass. År 1929, i Paris, bad Prokofiev om nya sovjetiska pass för sig själv och sin hustru för att ersätta de utgångna Nansen utan avbokning och skrev ner i "Dagboken" orden av I. L. Arens, som varnade kompositören för eventuella problem med dokument: "<…>inte vi kommer naturligtvis att störa dig, men du kan ha problem med den utländska polisen när de får reda på att du har två pass. Igor Vishnevetsky påpekade att Sergej och Lina Prokofiev bevarade Nansens dokument till 1938, vilket blev efterfrågat för kompositörens turnéer vintern 1935/36 i Spanien, Portugal, Marocko, Algeriet och Tunisien.

I USSR

1936 flyttade Prokofiev och hans familj äntligen till Sovjetunionen och bosatte sig i Moskva. I framtiden reste kompositören utomlands bara två gånger: säsongerna 1936/37 och 1938/39. 1936, på initiativ av Natalia Sats, han skrev en symfonisk saga för Centrala barnteatern Peter och vargen ”(premiären ägde rum den 2 maj 1936), vars huvudsakliga syfte var didaktiskt - en demonstration av verktyg symfoni orkester.

Under den stora Fosterländska kriget Prokofiev arbetade mycket med baletten Askungen, den 5:e symfonin, pianosonaten nr 7, 8, 9, sonaten för flöjt och piano. Enligt Krzysztof Meyer har Prokofjevs femte symfoni "har kommit in på listan över de mest framstående verk som tematiskt är kopplade till andra världskrigets tragedi". Krigsperiodens viktigaste verk var operan "Krig och fred" av roman med samma namn Lev Tolstoj. Prokofiev skrev musik till filmerna "Alexander Nevsky" (1938) och "Ivan the Terrible" (i två serier, 1944-1945), vilket vittnar om hans exceptionellt höga kompositionsskicklighet.

I februari 1948 utfärdade bolsjevikernas centralkommitté en resolution "Om operan Den stora vänskapen av V. Muradeli", där ledande sovjetiska kompositörer (Prokofiev, Shostakovich, Myaskovsky, Popov, Shebalin, Khachaturian) kritiserades skarpt för "formalism". Ett antal av Prokofievs verk förbjöds att utföras genom en hemlig order från kommittén för konst. Den 16 mars 1949, på Stalins personliga order, avbröts denna hemliga order, och den officiella pressen började utvärdera 1948 års kommittés agerande som "några överdrifter".

I kölvattnet av dekretet, från 19 april till 25 april 1948, hölls den första kongressen för Union of Composers of the USSR, där de främsta förföljarna av Prokofiev var hans tidigare nära vän B.V. Asafiev, den unge kompositören och sekreteraren för USSR IC T.N. med formalism” var musikforskaren B. M. Yarustovsky. I Khrennikovs omfattande rapport på kongressen kritiserades många av Prokofjevs verk, inklusive hans 6:e symfoni (1946) och operan Sagan om en riktig man. Om den 6:e symfonin så småningom fick erkännande som ett Prokofiev-mästerverk, så förblir Sagan om en riktig man, en opera som inte är standard och experimentell, underskattad.

Sedan 1949 lämnade Prokofiev knappast sin dacha, men även under den strängaste medicinska regim skrev han en sonat för cello och piano, baletten Sagan om stenblomman, en symfonikonsert för cello och orkester, oratoriet On Guard of the World , och mycket mer. Den sista uppsatsen, som kompositören råkade höra i konserthuset, var den sjunde symfonin (1952). I slutet av filmen "Sergei Prokofiev. Livets svit. Opus 2 (1991), Evgeny Svetlanov noterade att Prokofiev blev en riktig klassiker under sin livstid, som Haydn och Mozart. Kompositören arbetade på dagen för sin död, vilket framgår av datum och tid på manuskriptet med slutförandet av duetten av Katerina och Danila från baletten "Stenblomma".

Prokofiev dog i Moskva i en gemensam lägenhet i Kamergersky Lane av en hypertensiv kris den 5 mars 1953. Eftersom han dog på Stalins dödsdag gick hans död nästan obemärkt förbi, och släktingar och kollegor till kompositören hade stora svårigheter att organisera begravningen. S. S. Prokofiev begravdes i Moskva på Novodevichy-kyrkogården (tomt nr 3). Till minne av kompositören restes en minnestavla på huset i Kamergersky Lane (skulptör M. L. Petrova).

Den 11 december 2016 i Moskva i Kamergersky Lane vid invigningen av monumentet till kompositören, tidpunkt för att sammanfalla med 125-årsdagen av hans födelse, sa Valery Gergiev att Prokofjev nuförtiden uppfattas som Tjajkovskij, är 1900-talets Mozart: "Det fanns inga sådana melodiister som Prokofiev på 1900-talet. Kompositörer som är lika med Sergei Sergeevichs talang kommer inte att dyka upp på jorden snart."

Skapande

Musikaliskt arv

Prokofiev gick till historien som en innovatör av det musikaliska språket. Originaliteten i hans stil är mest märkbar i området harmoni. Trots det faktum att Prokofiev förblev en anhängare av den utökade dur-molltonaliteten och inte delade radikalismen i den nya wienska skolan, är harmonistilen "Prokofjev" omisskännlig igenkännbar på gehör. Specificiteten hos Prokofjevs harmoni utvecklades redan under loppet av tidiga experiment: i Sarcasm (1914, op. 17 nr 5) använde han till exempel ett dissonant ackord som tonisk funktion och en variabel meter (enligt författaren själv, bilden av "onda skratt"), i slutet av pianostycket "Delusion" (op. 4 nr 4) - ett kromatiskt kluster (cis / d / dis / e), som förenar ljuden (tonhöjden) från "obsessiv" fras som spelas. Under hela sitt liv använde Prokofiev en speciell form av dominant, senare kallad "Prokofjevs", i huvudformen och i varianter. Prokofievs nya tonalitet kännetecknas också av linjära ackord (till exempel i den första "Fleeting"), som inte förklaras av det akustiska förhållandet mellan de konjugerade harmonierna, utan är en följd av kompositörens polyfoni av olika mörker.

Igenkännlig och specifik rytm Prokofiev, vilket är särskilt tydligt i hans pianokompositioner som Toccata op. 11, "Besatthet", den sjunde sonaten (med en final baserad på den rytmiska ostinaten den 7/8), etc. Inte mindre igenkännbar är det "antiromantiska" draget i rytmen - den berömda Prokofjevs "motoritet" som är karakteristisk för rytmen pianokompositioner innan Sovjetperioden(Scherzo från den andra pianokonserten, Allegro från den tredje pianokonserten, Toccata, etc.). Framförandet av sådana "motoriska" kompositioner kräver oklanderlig rytmisk disciplin, hög koncentration av uppmärksamhet och teknisk behärskning från pianisten.

Originaliteten i Prokofievs stil manifesteras också i orkestrering. Vissa av hans kompositioner kännetecknas av superkraftiga ljud baserade på dissonant mässing och komplexa polyfoniska mönster av stråkgruppen. Detta märks särskilt i den 2:a (1924) och 3:e (1928) symfonierna, samt i operorna The Gambler, The Fiery Angel och The Love for Three Oranges.

Prokofievs innovation fann inte alltid förståelse bland allmänheten. Från allra första början musikalisk karriär och i hela Prokofiev snålade inte kritikerna på negativ feedback. Under de första decennierna av 1900-talet lyckades L. L. Sabaneev med detta. Under premiären av Scythian Suite (Petersburg, 1916), störtade musikens fantastiska elementära kraft lyssnaren i "skräck och vördnad" (V. G. Karatygin), en del av publiken lämnade salen, inklusive konservatoriets dåvarande chef, kompositören A.K. Glazunov.

Särskilt otur melodier vilket Prokofjevs kritiker fann "oacceptabelt banalt", medan motsatsen gällde. I Prokofievs verk är det alltså nästan omöjligt att hitta sekvenser som är typiska för romantikerna, som personifierade banaliteten i kompositörens "antiromantiska" estetik. Läroboksexempel på Prokofjevs lyriska melodi - det andra temat från finalen i den tredje pianokonserten (Cis-dur / cis-moll, c.110 och därefter), Nyårsbalvals från operan "Krig och fred" (h-moll) ; ingår i orkestersviten "Walts", op. 110), en sidostämma från del I av den sjunde symfonin (F-dur, från v.5 efter v.4), ett komplex av korta teman relaterade till det lyriska karaktärisering av Julia (i baletten Romeo och Julia) och etc. Det är karakteristiskt att Prokofiev sällan använde autentiska folkliga prototyper i melodi, och i det fall då det var nödvändigt att presentera melodin i ryska stil, i grunden komponerade "ryska melodier" själv. Till exempel, för att skapa färgen på urban romantik i musiken till filmen "Löjtnant Kizhe", tog Prokofiev texten till den mest populära ryska låten "The Dove Dove is moaning", men samtidigt lånade han inte brunnen -känd melodi, men kom med sin egen - inte mindre ljus och minnesvärd. Alla teman i kantaten "Alexander Nevsky" är också original, inte baserade på några "folkliga" lån. Men när man skriver Ouvertyren om judiska teman, op. 34 tvekade inte kompositören att använda de östeuropeiska judarnas melodier som klarinettisten S. Beilison tillhandahållit. Prokofiev lånade teman för den andra stråkkvartetten (den så kallade kabardiska kvartetten) från musiken av folken i norra Kaukasus.

Prokofiev var lyhörd för sin egen musik och använde om möjligt sina upptäckter mer än en gång. Vid återanvändning varierade graden av förändring i källmaterialet från en enkel förändring av den utövande besättningen (till exempel ett pianoarrangemang av mars från operan "The Love for Three Oranges") och omorkestrering (The Departure of Gäster från "Romeo och Julia" - en något modifierad Gavotte från "Classic" skriven 20 år tidigare symfonin") till en djupgående revidering av delar och "fullbordande" av ny musik (som i fallet med den första cellokonserten, som, efter en djupgående revidering, förkroppsligades i symfonikonserten för cello och orkester). Anledningen till återanvändningen var ofta misslyckandet eller "kall mottagande" av uruppförandet, vilket kompositören uppfattade som sin egen brist i det i grunden högkvalitativa materialet. Så, musikaliskt material operan "Fiery Angel" ingick i den tredje symfonin, baletten "den förlorade sonen" - i den fjärde symfonin. Ofta komponerade Prokofiev kortvariga orkestersviter och/eller pianosviter av musik från baletter och operor, vars musik (som sviter från Romeo och Julia, The Jester, Three Oranges, Seeds of Kotko, Cinderella, etc.) efter en sådan reduktion blev verkligen repertoar.

litterärt arv

Prokofiev hade enastående litterära förmågor, som manifesterade sig i självbiografi, dagbok, berättelser, operalibretton, på grundval av vilka kompositören karakteriseras som en musikförfattare. litterärt arv Prokofiev vittnar om den optimism, kvickhet och briljanta humor som kännetecknar kompositörens kreativa natur.

"Självbiografi", som täcker livets period från födseln till 1909, är, trots den blygsamma titeln, ett helt färdigt litterärt verk. Prokofiev arbetade noggrant med texten i 15 år. Den första delen av boken "Barndomen" blev klar 1939, den andra delen "Konservatoriet" skapades från 1945 till 1950 med ett uppehåll 1947-1948. I "Kort självbiografi", färdig 1941, täcker biografin perioden fram till 1936.

"Dagboken", som Prokofiev förde från början av september 1907 till juni 1933, ger ett rikt material för att studera kompositörens liv och arbete. 2002 skrev Svyatoslav Prokofiev: "Prokofievs dagbok är ett unikt verk som har full rätt få ditt opusnummer i hans katalog".

Det unika projektet "Wooden Book" skiljer sig åt - ett album med omslag av två brädor, beställt av Prokofiev 1916. Från 1916 till 1921 registrerade kända kulturpersonligheter, "de bästa representanterna för nästan alla trender inom konsten från det tidiga 1900-talet", i ett album sina svar på en enda fråga: "Vad tycker du om solen?" I "Wooden Book", av totalt 48 kändisar, särskilt Balmont, Mayakovsky, Chaliapin, Stravinsky, Anna Dostoevskaya, Petrov-Vodkin, Burliuk, Remizov, Prishvin, Alekhine, Jose Raul Capablanca, Larionov, Goncharova, Arthur Rubinstein, Reinhold Glier, Mikhail Fokin.

Personlighet

Från tiden för sina studier vid konservatoriet strävade Prokofiev efter att vara i rampljuset och visade ofta sin upprörande. Samtida noterade det till och med utseende Prokofiev, som tillät sig själv ljusa, catchy färger och kombinationer i kläder. De bevarade fotografierna vittnar om kompositörens elegans och förmåga att klä sig med smak.

1954 skrev Shostakovich: "S. S. Prokofievs arbetsdisciplin var verkligen fantastisk, och, vilket var obegripligt för många, arbetade han samtidigt på flera verk." Förutom att studera musik hade tonsättaren ett stort intresse för schack och litteratur. Med gåvan av en rik fantasi brukade Prokofiev från sin ungdom byta intellektuell aktivitet från att komponera musik till att lösa schackproblem eller litterär kreativitet. Under det rysk-japanska kriget, uppmärksamhet ung musiker kedjade flottan, och St. Petersburgs konservatoriums stora sal presenterades som en sjöbrygga, "i vilken en kryssare nu kommer att införas för reparation." Ungefär samtidigt skrev Prokofiev slutet av dikten "Greven". Om Prokofiev inte hade blivit kompositör hade han haft skäl nog att bli författare, och han skiljde sig inte från schack från tidig barndom till de sista åren av sitt liv.

Schack

Kulten av precision, som Prokofiev bekände från barndomen till slutet av sitt liv, tog sig uttryck i hans passion för schack. Kompositörens "Självbiografi" innehåller det första av den överlevande författarens manuskript av barn musikaliska kompositioner, gjord 1898, på vars baksida ställningen för det ofullbordade schackspel. På samma plats beskriver Prokofiev stolt dragningen med Emanuel Lasker 1909 i S:t Petersburg och ger en inspelning av spelet Lasker - Prokofiev 1933 i Paris, som han förlorade.

Prokofiev var en ganska stark schackspelare, och hans match med David Oistrakh i Moskva 1937, vunnen av violinisten med minsta marginal på 4:3, väckte stort allmänintresse. Edward Winter ( Edward Winter) listar några av Prokofievs möten på brädet med kända schackspelare:

• i maj 1914, under samtidiga spelsessioner i St. Petersburg med José Raul Capablanca, vann kompositören en match och förlorade två
• i februari 1922 i ett simultanspel i New York med Capablanca
• 1918 och 1931 med Misha Elman
• vintern 1921/22 i Chicago med Eduard Lasker
• 1933 i Paris med Savely Tartakower
• 9 november 1937 vid en schackmatch i Moskva med David Oistrakh.

Kompositörens aforismer är kända: "Schack för mig är en speciell värld, en värld av kamp av planer och passioner" och "Schack är tankens musik." Innovation var kännetecknande för Prokofievs kreativa natur från en tidig ålder, när den unge mannen i januari 1905 "rusade omkring med idén att överföra schack från ett fyrkantigt bräde till ett sexkantigt, som skulle ha sexkantiga fält." Trots det faktum att "uppfinningen inte var genomtänkt till slutet", eftersom tornets och biskopens rörelser oväntat var lika, och "flyttningen av bonden är helt oklar", förkroppsligades senare idén i skapandet av " nio schack” med en bräda på 24x24 rutor och spelregler med nio set figurer.

Relationer med andra tonsättare

D. B. Kabalevsky skrev att så olika och olik anmärkningsvärda musiker i vår tid N. Ya. Myaskovsky och S. S. Prokofiev var förbundna med en djup och lång vänskap.

De musikaliska stilarna hos S. V. Rakhmaninov och S. S. Prokofiev skilde sig också avsevärt. I dokumentären "Geniuses. Sergei Prokofiev” 2003 talade Svyatoslav Prokofiev om förhållandet mellan de två kompositörerna enligt följande: “De hade ett helt korrekt förhållande, men de älskade inte den andras musik. Och vad som är roligt, båda behandlade varandra med lätt nedlåtande. Prokofiev spelade in Prelude nr 5, Op. 23 g-moll Rachmaninoff. Igor Stravinsky och Sergei Prokofiev har alltid agerat som rivaler, vilket bekräftas av Svyatoslav Prokofievs ord. I samma film noterade musikforskaren Viktor Varunts att Prokofiev blev förolämpad av erkännandet av Stravinskys verk i hela Europa, vilket Prokofiev inte lyckades uppnå.

Prokofjevs inställning till Sjostakovitj var allmänt skeptisk, särskilt under förkrigstiden, vilket några av Prokofjevs svidande kommentarer om hans musik bekräftar. Ett sådant fall citerades av D. B. Kabalevsky: "Efter den första framförandet av Sjostakovitjs pianokvintett kritiserade Prokofiev, i närvaro av författaren, skarpt detta verk, som han uppenbarligen inte gillade, och attackerade samtidigt alla som berömde honom." Sjostakovitj följde noga arbetet av sin seniora kollega, ett år efter vars död han uppskattade hans bidrag till skattkammaren för rysk musikkonst: " genial kompositör, han utvecklade kreativt arv lämnade till oss av de ryska musikklassikernas stora armaturer - Glinka, Mussorgskij, Tjajkovskij, Borodin, Rimskij-Korsakov och Rakhmaninov.” Mstislav Rostropovich studerade med Sjostakovitj i tre år i instrumenteringsklassen och arbetade sedan nära Prokofjev för att skapa Symfonikonsert för cello, op. 125. Talar om den "magiska kedjan" av kompositörer i hans kreativt öde, noterade cellisten att Shostakovich arbetade på cellokonsert nr 1 Es-dur, op. 107 (1959), "inspirerad, som det visade sig, av Prokofievs musik i mitt framträdande". Krzysztof Meyer noterade att denna instrumentalkonsert markerade Sjostakovitjs utträde ur krisen och utan tvekan var ett nytt ord i hans verk: "Enligt sin blygsamma bekännelse skrev han under inflytande av Prokofjevs symfonikonsert, med avsikt att prova sig fram i denna nya genre. för han själv."

Kristen vetenskap

I början av juni 1924 fick Sergei och Lina Prokofiev veta om de mirakulösa helandena som utfördes av anhängare av Christian Science. Kompositörens fru bestämde sig för att vända sig till en healer för att förbättra hennes tillstånd efter förlossningen. Prokofiev tog också hjälp av Christian Science-anhängare, eftersom han själv var besvärad av sitt hjärta och huvudvärk. Därefter, som Prokofiev skrev i sin dagbok, hjälpte Christian Sciences metoder honom och hans fru att bli av med sin rädsla för att tala. Ytterligare läsning av boken av Mary Baker Eddy "Science and Health" ( vetenskap och hälsa) bidrog till bildandet av Prokofjevs egen inställning till Gud, människan, till begreppen gott och ont.

Enligt N. P. Savkina var Prokofievs passion för kristen vetenskap betydande och förklarar i synnerhet hans slutliga beslut att återvända till Sovjetunionen. Savkina skrev om rollen av M. Baker Eddys läror i Prokofievs liv: "Du kan dela kompositörens religiösa åsikter eller betrakta dem som naiva, hålla med om Christian Sciences bestämmelser eller, som Mark Twain och Stefan Zweig, ironiskt nog över dem. Kompositörens ständiga andliga arbete, hans outtröttliga strävan efter självförbättring förtjänar dock den djupaste respekt. Han gjorde sitt val och tog ansvar för det."

Enligt I. G. Vishnevetsky valde Prokofiev den andliga praktiken av Christian Science i behovet av att förklara världens struktur med en högre harmonisk design, för att bestämma en tydlig och ren väg.

Trots det faktum att före publiceringen av "Dagboken" 2002 hade biografer, möjligen exklusive N. P. Savkina, inga uppgifter om kompositörens användning av M. Baker Eddys rörelsetekniker, vissa musiker, särskilt I. G. Sokolov, om kristen vetenskaps inflytande på Prokofjevs personlighet var känt redan under sovjettiden. En mer fullständig bedömning av Prokofievs personlighet kan göras av forskare efter 2053, då, enligt kompositörens testamente, tillgång till alla hans arkiv kommer att öppnas.

reception

Betyg och plats i kulturen

Prokofiev rankas bland de mest utförda författarna på 1900-talet. D. D. Shostakovich gav en hög bedömning av S. S. Prokofievs arbete: "Jag är glad och stolt över att jag hade turen att bevittna den lysande blomningen av Prokofjevs geni ... jag kommer aldrig att tröttna på att lyssna på hans musik för att studera hans värdefulla erfarenhet.

Alfred Schnittke talade om Prokofiev som en av de de största kompositörerna på ryska musikalisk historia, citerade "paret" av Prokofjev och Sjostakovitj som ett exempel på konkurrensen mellan två principer i musikhistorien. Enligt Schnittke tillhörde båda kompositörerna ryssen musikalisk kultur: "Detta är otvivelaktigt, och för mig är Sjostakovitj inte mindre en rysk kompositör än Prokofiev, som till det yttre bär mycket mer tecken på rysk musik." Schnittkes komposition "Dedication to Igor Stravinsky, Sergei Prokofiev, Dmitry Shostakovich" för piano i 6 händer från 1979 är känd.

En liknande bedömning gjordes av Gennadij Rozhdestvenskij, för vilken musiken av Sjostakovitj, Prokofjev och Stravinskij representerar ett ryskt fenomen: "Och det är just för att det är ryskt som det är internationellt."

2016 utropades till Prokofievs år i Ryssland.

Musikanvändning och plagiat

I väst används Prokofjevs musik ibland som bakgrund för att beskriva det ryska levnadssättet och, mer allmänt, för den symboliska förkroppsligandet av den "ryska själen". I den meningen använde den amerikanske filmregissören (Love and Death, 1975) och den engelske rockmusikern Sting Prokofievs musik för filmen Lieutenant Kizhe i sin låt The Russians (1985). På liknande sätt används "Dance of the Knights" från "Romeo and Juliet" i låten av Robbie Williams Festa som en ryss. Regissören för filmen "Conan the Barbarian" bad kompositören, när han skapade huvudpersonens ledmotiv, att skriva musik stilmässigt nära "Ala and Lollia", en skytisk svit, Op. 20.

I filmen Prokofiev is Ours från 2016 uttalade den amerikanske musikologen Simon Morrison sin tillförsikt att flera fragment från Prokofievs svit Lieutenant Kizhe, som upprepas i filmen Avatar, vittnar inte om en slump, utan om 100 % plagiat av det enda geniet på 1900-talet. angående melodi i musik.

Det är osannolikt att grannskapet bland de nämnda personerna skulle ha uppfattats positivt och smickrats av kompositören, som från barndomen bestämde sig för att endast komponera seriös musik. Notera närvaron av två olika yrken- "kompositör" (engelsk kompositör) och "Hollywood-kompositör" (engelsk Hollywood-kompositör) - Schnittke talade om Prokofievs filmarbete med följande ord: "I det moderna västerlandet arbetar inte en enda anständig kompositör med självrespekt på film . Biografen kan inte annat än diktera sina villkor till kompositören. Fallet med S. Eisenstein och S. Prokofiev är det enda, kanske finns det fortfarande enskilda undantag. Men redan D. Shostakovich lydde direktörens diktat. Det finns inget du kan göra - det här är inte diktat av en ond regissör, ​​utan genrens detaljer.

Musik av S. S. Prokofiev användes i produktioner musikteater, särskilt:

• "rysk soldat" - enaktsbalett M. M. Fokina till musiken av sviten "Lieutenant Kizhe", hade premiär den 23 januari 1942 i Boston
• "Scythian Suite (Ala och Lolly)" - en enaktsbalett av G. D. Aleksidze, premiär den 6 juli 1969 på S. M. Kirov-teatern
• "Ivan the Terrible" - en tvåakters balett av koreografen Y. N. Grigorovich till kompositörens musik till filmen med samma namn av S. M. Eisenstein, reviderad av M. I. Chulaki, som först visades den 20 februari 1975 på Bolsjojteatern i Moskva, uppsättning design av S. B. Virsaladze
• "Violinkonsert nr 2" - en enaktsbalett av koreografen Anton Pimonov till musiken av kompositörens verk med samma namn; premiären ägde rum den 4 juli 2016 på Mariinsky Theatre i St. Petersburg, scenografi av Anastasia Travkina och Sergey Zhdanov, kostymer av Arina Bogdanova

Familj

1919 träffade Prokofiev den spanska (katalanska) kammarsångerskan Lina Kodina, 1923 gifte han sig med henne i den tyska staden Ettal, medan hustrun tog sin mans efternamn. 1936 flyttade Prokofiev, med sin fru och sina söner Svyatoslav och Oleg, slutligen till Sovjetunionen och bosatte sig i Moskva.

S. S. Prokofiev och M. A. Mendelson. Nikolina Gora, 1946

1938 träffade Prokofiev en student vid det litterära institutet, Mira Alexandrovna Mendelson, som frivilligt hjälpte honom att översätta Sheridan och förbereda librettot för operan Trolovning i ett kloster. Kommunikation växte ur ramarna för kompositörens och librettistens kreativa gemenskap, och från mars 1941 började Prokofiev leva med Mendelssohn separat från sin familj. Några år senare förklarade den sovjetiska regeringen äktenskap som ingåtts utanför Sovjetunionen med utlänningar som inte var certifierade av konsulaten ogiltiga. Den 15 januari 1948 gifte sig Prokofiev formellt med Mira Mendelssohn utan att lämna in en skilsmässa från Lina Prokofieva (enligt S. Morrison, 13 januari). Därefter, som ett resultat av rättegången, erkändes båda äktenskapen som giltiga, och, enligt uttalandena från sonen till kompositören Svyatoslav och V.N. Chemberdzhi, termen "Prokofjevs incident". 1948 dömdes Lina Prokofieva enligt artikel 58 och dömdes till 20 år i strikta regimläger; rehabiliterade först efter Prokofievs död - 1956. Under åren av moderns fängelse togs inte Prokofievs barn in i familjen av de nygifta och till största delen lämnades de åt sig själva.

• Hustru - Prokofieva, Lina Ivanovna (Lina Lubera, 1897-1989)
  • Son - Prokofiev, Svyatoslav Sergeevich (1924-2010)
    • Sonson - Prokofiev, Sergei Svyatoslavovich (född 1954)
  • Son - Prokofiev, Oleg Sergeevich (1928-1998)
    • Sonson - Prokofiev, Sergei Olegovich (1954-2014)
    • Sonson - Prokofiev, Gabriel (född 1975)
• Hustru - Mendelssohn, Mira Alexandrovna (Mendelssohn-Prokofieva, 1915-1968)

Kompositioner

operor

• "The Giant" (skriven av en 9-årig kompositör, denna opera är uppsatt på ett antal teatrar än i dag).
• "På de öde öarna" (1901-1903, ouvertyr och akt 1 skrivna i tre scener)
• "Maddalena" (1911; 2:a upplagan 1913)
• The Gambler (efter F. M. Dostojevskij, premiär i 2:a upplagan, på franska, 1929, Bryssel)
• "Kärlek till tre apelsiner" (efter K. Gozzi, 1921, Chicago; 1926, Leningrad)
• "Fiery Angel" (efter V. Ya. Bryusov, fragment i konsertföreställning 1928, Paris; världspremiär (på italienska) 1955, Venedig)
• "Semyon Kotko" (enligt V.P. Kataev, 1940, Moskva)
• ”Förlovning i ett kloster”, andra namn. Duenna (efter R. Sheridan, 1946, Leningrad)
• "Krig och fred" (enligt L. N. Tolstoj), 1943; slutrevision 1952; 1946, Leningrad; 1955, ibid.; 2012, Moskva)
• "The Tale of a Real Man" (enligt B.P. Polevoy, sluten föreställning vid en repetition 1948, Leningrad; föreställning redigerad av M. Ermler och G. Rozhdestvensky 1960, Moskva; konsertföreställning (med klipp) dirigerad av V. Gergiev 2002, Rotterdam, världspremiär full version operor dirigerad av A. Lubchenko 2015, Vladivostok)

baletter

• "Sagan om gycklaren som överlistade sju gycklare" (1921, Paris)
• Trapeze (1925, Gotha), till musik av Kvintetten för oboe, klarinett, violin, viola och kontrabas g-moll, op. 39, med tillägg av 2 ytterligare delar
• "Steel lope" (1927, Paris)
• "Den förlorade sonen" (1929, ibid.)
• "På Dnepr" (1932, Paris Opera),
• "Romeo och Julia" (enligt W. Shakespeare; 1938, Brno, till musiken från den första och andra sviten; premiär av den fullständiga versionen - 1940, Leningrad)
• "Askungen" (1945, Moskva)
• "Sagan om stenblomman" (enligt P.P. Bazhov; 1954, Moskva)

För kör och solister med orkester

• "Sju av dem", kantat. Prokofjevs ursprungliga undertitel: "Kaldeisk besvärjelse för solist, kör och orkester" (ord av K. D. Balmont i Prokofievs ändring, 1917-1918)
• Kantat för 20-årsdagen av oktober. Om texterna av K. Marx, V. I. Lenin och I. V. Stalin (1936-1937)
• "Alexander Nevsky", kantat (ord av Prokofiev och V. A. Lugovsky, 1939)
• "Toast", kantat för Stalins 60-årsjubileum (orden "folk", 1939)
• ”Blomstrande, mäktigt land!”, kantat för kör och orkester
• "Balladen om pojken som förblev okänd", kantat för kör, solister och orkester till ord av P. Antokolsky
• "Winter Bonfire", svit för orkester och barnkör(ord av S. Ya. Marshak, 1949)
• "Våra dagars sånger", kantat för solister och orkester
• "På världens vakt", oratorium (ord av S. Ya. Marshak, 1950)

för orkester

• Symfoni nr 1
• Symfoni nr 2
• Symfoni nr 3
• Symfoni nr 4
• Symfoni nr 5
• Symfoni nr 6
• Symfoni nr 7
• Ala och Lolly (Scythian Suite, 1915)
• "Peter och vargen" (författarens undertitel: Symphonic Tale for Children; 1936)
• Pushkin valser (1949)
• Tre sviter till musiken av baletten "Romeo och Julia" (1936, 1936, 1946)

Filmmusik

• "Löjtnant Kizhe" (1934)
• The Queen of Spades (1936; filmen brann ner i Mosfilms eld)
• "Alexander Nevsky" (1938)
• "Partisaner i Ukrainas stäpp" (1941)
• "Kotovsky" (1942)
• "Tonya" (från samlingen "Our Girls", 1942)
• "Lermontov" (1943; tillsammans med V. Pushkov)
• "Ivan the Terrible" (1945)

För instrument med orkester

• för piano och orkester

Pianokonsert nr 1 Des-dur, op. 10 (1912) Pianokonsert nr 2 i g-moll, op. 16 (1913; 2:a upplagan, 1923) Pianokonsert nr 3 i C-dur, op. 26 (1921) Pianokonsert nr 4 i B-dur, op. 53 (1931; för vänster hand) Pianokonsert nr 5 i G-dur, op. 55 (1932)

• för fiol och orkester

Violinkonsert nr 1 i D-dur, op. 19 (1917) Violinkonsert nr 2 i g-moll, op. 63 (1935)

• för cello och orkester

Konsert för cello och orkester, op. 58 (1938; 2:a uppl. under titeln Symphony-Concerto for Cello and Orchestra, op.125, 1952)

För instrumental ensemble

• Ouvertyr om judiska teman i c-moll, op. 34 (1919)
• Kvintett för oboe, klarinett, violin, viola och kontrabas g-moll, op. 39 (1924)
• Två sonater för violin och piano (Den andra är ett arrangemang av Sonaten för flöjt och piano)
• Sonata för violinsolo
• Sonata för två violiner (1932)
• Sonat för cello och piano
• Sonat för flöjt
• Två stråkkvartett

för piano

• Sonat nr 1 i f-moll - op. 1 (1907-1909)
• 4 studier för piano - op. 2 (1909)
• 4 stycken för piano - op. 3 (1907-1908)
• 4 stycken för piano - op. 4 (1908)
• Toccata i d-moll - op. 11 (1912)
• 10 stycken för piano - op. 12 (1906-1913)
• Sonat nr 2 i d-moll - op. 14 (1912)
• "Sarkasmer" - op. 17 (1912-1914; premiär 1916)
• "Flytig" - op. 22 (1915-1917)
• Sonat nr 3 i a-moll - op. 28 (1907-1917)
• Sonat nr 4 i c-moll - op. 29 (1908-1917)
• "Berättelser om en gammal mormor" - op. 31 (1918)
• 4 stycken för piano - op. 32 (1918)
• Sonat nr 5 i C-dur - op. 38 (1923)
• Divertissement - op. 43b (1938)
• 6 transkriptioner för piano - op. 52 (1930-1931)
• 2 sonatiner för piano - op. 54 (1931-1932)
• 3 stycken för piano - op. 59 (1933-1934)
• "Musik för barn" - op. 65 (1935)
• "Romeo och Julia". 10 stycken för piano - op. 75 (1937)
• Sonat nr 6 i A-dur - op. 82 (1939-1940)
• Sonat nr 7 i B-dur - op. 83 (1939-1942)
• Sonat nr 8 i B-dur - op. 84 (1939-1944)
• 3 stycken för piano - op. 96 (1941-1942)
• "Askungen" - 10 stycken för piano - op. 97 (1943)
• "Askungen" - 6 stycken för piano - op. 102 (1944)
• Sonat nr 9 i C-dur - op. 103 (1947)

Även: romanser, sånger; musik för dramateaterföreställningar och filmer.

Oavslutade kompositioner

• Konsert nr 6 för två pianon och orkester
• Concertino för cello och orkester (1952, final avslutad av M. Rostropovich, instrumentering framförd av D. Kabalevsky)
• Opera "Distant Seas" efter V. A. Dykhovichny (den första målningen, skriven sommaren 1948, har bevarats; konsertföreställning: 2009, Moskva)
• Sonata för cello solo, op. 133

Litterära skrifter

• Kort självbiografi. I: S. S. Prokofiev. Material, dokument, memoarer. Comp., red., anm. och intro. artiklar av S. I. Shlifshtein. 2:a uppl. M., 1961
• Självbiografi. 2:a uppl. M.: Sovjetisk kompositör, 1982
  • Självbiografi. M.: Classics XXI, 2007 (2:a utökade upplagan, med ljudtillägg)
• Dagbok 1907-1933: i 3 band Paris: sprkfv, 2002
• Berättelser. Moskva: Kompositör, 2003

Diskografi

En komplett cykel av alla Prokofievs baletter spelades in av G. N. Rozhdestvensky. Den mest storskaliga cykeln av Prokofjevs operor (6 operor av 8) spelades in under ledning av V. A. Gergiev. Bland andra dirigenter som gjort betydande inspelningar av Prokofievs operor är D. Barenboim, G. Bertini, I. Kertes, E. Kolobov, A. N. Lazarev, A. Sh. Melik-Pashaev, K. Nagano, A. Rodzinsky, G N. Rozhdestvensky M.L. Rostropovich, T. Sokhiev, B. Haitink, R. Hickox, M.F. Ermler, V.M. Yurovsky, N. Yarvi.

En komplett cykel av Prokofievs symfonier spelades in av V. Weller, V. A. Gergiev, D. Kitaenko, Z. Koshler, T. Kuchar, J. Martinon, S. Ozawa, G. N. Rozhdestvensky, M. L. Rostropovich, N. Yarvi.

Bland andra dirigenter som gjort betydande inspelningar av Prokofjevs symfonier är N. P. Anosov, E. Ansermet, C. Ancherl (nr 1), V. D. Ashkenazy, L. Bernstein, A. Dorati (nr 5), K. K Ivanov, G. von Karajan, R. Kempe (nr 7), K. P. Kondrashin (nr 1, 3, 5), S. Koussevitzky (nr 1, 5), E. Leinsdorf (nr 2, 3, 5) , 6) , D. Mitropoulos, E. A. Mravinsky (nr 5, 6), D. F. Oistrakh (nr 5), Y. Ormandi, S. A. Samosud, E. F. Svetlanov, K. Tenstedt.

Betydande inspelningar av Prokofievs pianoverk gjordes av pianisterna Svyatoslav Richter (sonater, konserter), Vladimir Ashkenazy (alla konserter med orkestern dirigerad av Andre Previn), John Browning (alla konserter, dirigent - Erich Leinsdorf), Vladimir Krainev (alla konserter, dirigent - Dmitry Kitayenko ), Victoria Postnikova (alla konserter, dirigent - Gennady Rozhdestvensky), Nikolai Petrov (sonater), Alexander Toradze (alla konserter med Valery Gergiev).

År 2016, till minne av 125-årsdagen av S. S. Prokofjevs födelse, släppte företaget Melodiya en jubileumsuppsättning av inspelningar av sju baletter av kompositören under ledning av G. N. Rozhdestvensky och en sällsynt inspelning från 1938 av framförandet av den andra sviten från baletten. Romeo och Julia, op. 64 ter under kontroll av S. S. Prokofiev.

Titlar, utmärkelser och priser

• Sex Stalinpriser:
  • 1943 - II grad för 7:e sonaten
  • 1946 - Jag tar examen för 5:e symfonin och 8:e sonaten
  • 1946 - Jag examen för musiken för den första serien av filmen "Ivan the Terrible"
  • 1946 - Jag tar examen för baletten "Cinderella"
  • 1947 - Jag tar examen för sonat för violin och piano
  • 1951 - II grad för den sång- och symfoniska sviten "Winter Bonfire" och oratoriet "On Guard of the World" till verserna av S. Ya. Marshak
• 1933 - Hedersprofessor vid Moskvas statskonservatorium uppkallad efter P. I. Tjajkovskij
• 1943 - Orden för arbetarens röda baner
• 1944 - Guldmedalj av Royal Philharmonic Society
• 1947 – People's Artist of the RSFSR hämtad 3 juni 2017.
• 1947 - Ledamot av Kungliga Musikaliska Akademien
• 1957 - Leninpriset tilldelas postumt för den 7:e symfonin

Förevigande av kompositörens minne

Jubileumsmynt från Sovjetunionen, tillägnad S. S. Prokofiev, 1991, 1 rubel

USSR:s frimärke, tillägnad S. S. Prokofiev, 1991, 15 kopek (TsFA 6314, Scott 5993)

• Museet för S. S. Prokofiev är kompositörens första museum, som öppnades 1966 på musikskolan nr 1 uppkallad efter S. S. Prokofiev i Moskva (Tokmakov-banan, 8). Utställningen berättar om kompositörens liv och arbete, den presenterar de saker som omgav kompositören, böcker och noter, pianon, möbler och fotografier av familjen Prokofiev.
• Severodonetsk regionala Musikskolan uppkallad efter S. S. Prokofiev - öppnade den 1 juni 1966 i Severodonetsk, Luhansk-regionen.
• Moscow Regional College of Music uppkallad efter S. S. Prokofiev i Pushkino.
• Museum of S. S. Prokofiev - öppnades den 24 juni 2008 i Moskva i Kamergersky Lane, 6/5 i lägenhet nr 6. Det är ingraverat på minnesplattan: "I detta hus 1947-1953 den enastående sovjetiske kompositören Sergei Sergeevich Prokofiev levde och arbetade". Museet innehåller musikaliska och litterära autografer av kompositören, sällsynta fotografier, dokument och personliga tillhörigheter av Prokofiev.
• Den 11 december 2016 avtäcktes ett monument till Prokofiev i Kamergersky Lane, tidsbestämt att sammanfalla med 125-årsdagen av kompositörens födelse.
• Sergei Sergeevich Prokofiev International Competition i St. Petersburg, som hålls årligen i tre specialiteter: komposition, symfoniledning och piano.
• Monument till Prokofiev nära Prokofiev Music School i Moskva (1991, skulptör - V. Kh. Dumanyan, arkitekt - A. V. Stepanov).
• Monument och konserthall uppkallad efter Prokofjev i Tjeljabinsk.
• Konserthuset uppkallad efter S. S. Prokofiev från Donetsk Philharmonic.
• Donetsk State Music Academy uppkallad efter S. S. Prokofiev.
• Symfoniorkester uppkallad efter S. S. Prokofiev från Donetsk Philharmonic.
• Barnkonstskola nr 1 uppkallad efter S. Prokofiev i Vladivostok
• Barns Musikskolan Nr 10 uppkallad efter S. S. Prokofiev i Azov.
• Prokofiev gata i Sumy i Ukraina.
• Prokofiev-museet i kompositörens hemland i byn Sontsovka (från 1920-talet till 2016 - Krasnoe) i Pokrovsky-distriktet i Donetsk-regionen i Ukraina öppnades för Prokofievs 100-årsjubileum 1991.
• 1991 utfärdades ett jubileumsmynt från Sovjetunionen, tillägnat hundraårsdagen av födelsen av S. S. Prokofiev.
• 2012 öppnades Sergei Prokofiev International Airport i staden Donetsk i Ukraina.
• Aeroflots Airbus A319 (VP-BWA) heter "S. Prokofiev.
• Den 6 augusti 2012 döptes en krater på Merkurius efter Prokofjev.

Dokumentärer om Prokofiev

• "Kompositör Prokofiev" - en dokumentär pedagogisk film för årskurs 7. Regisserad av Popova, manusförfattare Rappoport, längd 26:36. Moskva, "Shkolfilm", USSR, 1975. Filmen är baserad på filmen "Kompositören Sergei Prokofiev" producerad av Tsentrnauchfilm-studion 1960. Sällsynt fall av demonstration dokumentärer på cirka två och en halv minut, filmad sommaren 1946 vid kompositörens dacha på Nikolina Gora: Prokofjev vid pianot, berättar sedan om kreativa planer. Endast i andra dokumentärer korta utdrag av detta fragment.
• Sergej Prokofiev. Suite of Life” är en dokumentärfilm i två delar. Regissör Viktor Okuntsov, manus: V. Okuntsov, E. Fradkina; produktion "Lentelefilm", TPO "Soyuztelefilm", USSR, 1991:
  • Den fullständiga versionen av filmen Sergei Prokofiev. Livets svit. Opus 1 på YouTube - Nina Dorliak, Anatoly Vedernikov, Natalya Sats är involverade i den första delen av filmen. Längd: 1:08:10.
  • Den fullständiga versionen av filmen Sergei Prokofiev. Livets svit. Opus 2 på YouTube - den andra delen av filmen med en varaktighet på 01:06:20 med huvudrollerna: Evgeny Svetlanov, Valery Gergiev, Boris Pokrovsky, Daniil Zhitomirsky, Anatoly Vedernikov, Nina Dorliak, Svyatoslav Richter, Natalya Sats.
• Genier. Sergej Prokofiev. Andrey Konchalovsky Foundation på uppdrag av Kultura State Television and Radio Broadcasting Company. State Internet Channel "Ryssland". Hämtad 30 november 2016. - den första dokumentären från "Geniuses"-serien, Ryssland, 2003. Författaren till idén är Andrey Konchalovsky, regissör Galina Ogurnaya, konsult Noel Mann. I filmen medverkar Tikhon Khrennikov, Mstislav Rostropovich, son till kompositören Svyatoslav Prokofiev, musikforskarna Viktor Varunts, Vladimir Zak, Marina Rakhmanova, regissören Boris Pokrovsky.

› Sergei Sergeevich Prokofiev

foto 1918
S.S. Prokofiev

Sergei Sergeevich Prokofiev föddes den 23 april 1891 i byn Sontsovka, Yekaterinoslav-provinsen (nuvarande byn Sontsovka i Donetsk-regionen i Ukraina). Far - Sergei Alekseevich Prokofiev (1846-1910) - från en köpmansfamilj, vid tiden för hans sons födelse var förvaltaren av Dmitry Sontsovs egendom. Mor - Maria Grigorievna Prokofieva (Zhitkova, 1855-1924).
Från tidig barndom ingav mamman till den framtida kompositören honom en kärlek till musik. Hon blev den första musiklärare Sergei Sergeevich. Han komponerade sin första musik - ett stycke för piano - vid fem års ålder, vars toner spelades in av Maria Grigoryevna. Prokofiev spelade in alla sina efterföljande kompositioner själv. Hans mor lärde honom också franska och tyska, och hans far lärde honom matematik. Ett besök i operan år 1900 gjorde stort intryck på honom. Efter det bestämmer sig Sergei Sergeevich för att skriva sin egen opera och ett halvår senare avslutar han operan Jätten. 1902 framförde han utdrag ur sina verk för Sergei Taneyev, och tack vare hans begäran fortsatte Reinhold Gliere att studera Prokofiev.
1904 gick han in på St. Petersburgs konservatorium. En av hans lärare vid den tiden var Nikolai Rimsky-Korsakov. För första gången agerar han offentligt som tonsättare och artist i St. Petersburg-kretsen "Evenings of Modern Music" den 31 december (18 enligt gammal stil) december 1908. 1909 tog han examen från konservatoriet som tonsättare, men fortsatte sina studier vid konservatoriet i piano (han tog examen 1914) och orgel (han studerade till 1917). Efter uppträdanden i St Petersburg och Moskva växer hans berömmelse. 1911 den första tryckt upplaga verk av Prokofiev. 1914, för framförandet av sin första pianokonsert, belönades han med en guldmedalj och ett hederspris uppkallat efter A.G. Rubinstein. Prokofiev var den enda sonen i familjen, på grund av vilken han inte var föremål för värnplikt under första världskriget (1914-1918), vilket gjorde att han kunde fortsätta sina musikstudier. 1915 uppträdde han för första gången utomlands, i Italien.
I slutet av 1917 bestämmer han sig för att lämna Ryssland och i maj 1918 åker han till Japan. I Tokyo gav han två konserter, som inte var framgångsrika. I augusti 1918, efter att ha fått ett amerikanskt visum, lämnade han Japan. 1919 gifter han sig med den spanska sångerskan Carolina Codina, som bytte namn till Lina Ivanovna efter att ha flyttat till Sovjetunionen. Sedan andra hälften av tjugotalet har han uppträtt mycket i Amerika och Europa som pianist och dirigent, främst med egna verk. 1924 och 1928 föddes två söner till Sergei och Karolina - Svyatoslav (1924-2010) och Oleg (1928-1998). Under andra hälften av trettiotalet bestämmer han sig för att flytta till Sovjetunionen med sin familj.
1936 flyttade Prokofiev till Moskva med sin fru och sina barn. Från 1936 till 1939 reste han två gånger utomlands med konserter. Under andra världskriget fortsatte han att arbeta med sina verk. Kompositörens mest betydande verk under denna period är operan "Krig och fred". 1941 lämnade Prokofiev familjen och gick med Mira Aleksandrovna Mendelssohn, som han skrev på 1948. 1948 utfärdades en resolution med skarp kritik mot flera tonsättare och Prokofjev. Som ett resultat utfärdas en hemlig order som förbjuder framförandet av några av Prokofievs verk. Alla hans verk får också ofta kritik. Situationen förändrades 1949 efter att Stalin avbröt den hemliga ordern. Sedan 1949 tillbringar han större delen av sin tid på dacha och fortsätter att arbeta.
Sergey Sergeevich Prokofiev dog den 5 mars 1953 i Moskva av en hjärtattack. Han begravdes i Moskva på Novodevichy-kyrkogården.

Musiksektionens publikationer

7 verk av Prokofiev

Sergey Prokofiev är en kompositör, pianist och dirigent, författare till operor, baletter, symfonier och många andra verk, kända och populära över hela världen och i vår tid. Läs berättelser om sju viktiga verk av Prokofiev och lyssna på musikillustrationer från Melodiya.

Opera "The Giant" (1900)

De musikaliska förmågorna hos den framtida klassikern av rysk musik, Sergei Prokofiev, manifesterade sig i tidig barndom, när han vid en ålder av fem och ett halvt år komponerade sitt första stycke för piano - Indian Galopp. Mamman till den unga kompositören Maria Grigorievna spelade in det i anteckningar, och Prokofiev spelade in alla sina efterföljande kompositioner på egen hand.

Våren 1900, inspirerad av baletten Törnrosan av Pjotr ​​Tjajkovskij, samt operorna Faust av Charles Gounod och Prins Igor av Alexander Borodin, komponerade den 9-årige Prokofjev sin första opera, Jätten.

Trots det faktum att, som Prokofiev själv påminde sig, hans "förmåga att skriva ner" "inte höll jämna steg med sina tankar", i denna naiva barnkomposition i commedia dell'arte-genren, var den framtida proffsens seriösa inställning till sitt arbete redan synlig. Operan hade, som sig bör, en ouvertyr, var och en av karaktärerna i kompositionen hade sin egen exit-aria – ett slags musikporträtt. I en av scenerna använde Prokofiev till och med musikalisk och scenisk polyfoni - när huvudkaraktärerna diskuterar en plan för att bekämpa jätten, går jätten själv förbi och sjunger: "De vill döda mig".

Att höra utdrag från Jätten, rekommenderade den berömda kompositören och professorn vid konservatoriet Sergei Taneyev att den unge mannen på allvar skulle ta upp musiken. Och Prokofiev själv inkluderade stolt operan i den första listan över sina kompositioner, som han sammanställde vid 11 års ålder.

Opera "Jätte"
Dirigent - Mikhail Leontiev
Författaren till restaureringen av orkesterversionen är Sergey Sapozhnikov
Premiär på Mikhailovsky-teatern den 23 maj 2010

Första pianokonserten (1911–1912)

Liksom många unga författare, under den tidiga perioden av sitt arbete, fann Sergei Prokofiev inte kritikernas kärlek och stöd. 1916 skrev tidningarna: "Prokofjev sätter sig vid pianot och börjar antingen torka av tangenterna eller prova vilken av dem som låter högre eller lägre". Och om den första föreställningen av Prokofievs Scythian Suite, som dirigerades av författaren själv, talade kritikerna enligt följande: "Det är helt enkelt otroligt att ett sådant stycke utan någon mening skulle kunna framföras på en seriös konsert ... Det här är något slags oförskämd, oförskämd ljud som inte uttrycker något annat än ändlös skryt".

Ingen tvivlade dock på Prokofjevs utövande talang: vid den tiden hade han lyckats etablera sig som en virtuos pianist. Prokofiev framförde dock mestadels sina egna kompositioner, bland vilka lyssnarna särskilt kom ihåg den första konserten för piano och orkester, som tack vare den energiska "slagverk" karaktären och det ljusa, minnesvärda motivet i första satsen fick det inofficiella smeknamnet " På skallen!”.

Pianokonsert nr 1 i D-dur, op. 10 (1911–1912)
Vladimir Krainev, piano
Akademiska symfoniorkestern MGF
Dirigent - Dmitry Kitayenko
1976 inspelning
Ljudtekniker - Severin Pazukhin

Första symfonin (1916–1917)

Igor Grabar. Porträtt av Sergei Prokofiev. 1941. Statens Tretjakovgalleri, Moskva

Zinaida Serebryakova. Porträtt av Sergei Prokofiev. 1926. Statens centralmuseum teaterkonst dem. Bakhrushina, Moskva

I trots av konservativa kritiker, som ville, som han själv skrev, "reta gässen", skrev den 25-årige Prokofiev samma 1916 ett opus som var helt motsatt i stilen - den första symfonin. Hon Prokofiev gav författarens undertitel "Klassisk".

Den blygsamma sammansättningen av orkestern i Haydn-stil och klassiska musikformer antydde att om "Papa Haydn" hade levt för att se den tiden, så kunde han mycket väl ha skrivit en sådan symfoni, kryddat den med djärva melodiska svängar och fräscha harmonier. Prokofjevs första symfoni skapades för hundra år sedan "för att trotsa alla" och låter fortfarande fräscht och ingår i repertoaren av världens bästa orkestrar, och Gavotte, dess tredje sats, har blivit ett av 1900-talets mest populära klassiska stycken.

Prokofiev själv inkluderade därefter denna gavotte som ett insticksnummer i sin balett Romeo och Julia. Kompositören hade också ett hemligt hopp (han erkände själv senare detta) att han i slutändan skulle gå segrande ur konfrontationen med kritikerna, särskilt om den första symfonin med tiden verkligen blir en klassiker. Vilket faktiskt hände.

Symfoni nr 1 "Klassisk", i D-dur, op. 25

Dirigent - Evgeny Svetlanov
1977 inspelning

I. Allegro

III. Gavott. Non troppo allegro

Sagan "Peter och vargen" (1936)

Fram till slutet av sina dagar behöll Prokofiev sin världsbilds omedelbarhet. Eftersom han var något av ett barn i hjärtat, hade han en god känsla för det barnsliga inre värld och skrev upprepade gånger musik för barn: från sagan "Den fula ankungen" (1914) till texten till sagan av HC Andersen till sviten "Vinterbranden" (1949), komponerad redan under de sista åren av hans liv.

Prokofievs första komposition efter att ha återvänt till Ryssland 1936 från en lång emigration var den symfoniska sagan för barn "Peter och vargen", beställd av Natalia Sats för Centrala barnteatern. De unga lyssnarna blev förälskade i sagan och kom ihåg den tack vare de ljusa musikaliska porträtten av karaktärerna, som fortfarande är bekanta för många skolbarn, inte bara i Ryssland utan också utomlands. För barn utför "Peter och vargen" en pedagogisk funktion: sagan är en slags guide till instrumenten i en symfoniorkester. Med detta verk förutsåg Prokofiev en guide till symfoniorkestern för ungdomar skriven nästan tio år senare och liknande i konceptet (Variations and Fugue on a Theme of Purcell) engelsk kompositör Benjamin Britten.

"Peter och vargen", symfonisk saga för barn, Op. 67
USSR State Academic Symphony Orchestra
Dirigent - Evgeny Svetlanov
1970 inspelning

Balett Romeo och Julia (1935–1936)

På nittonhundratalets erkända mästerverk, många nummer från vilka toppar de internationella listorna klassisk musik, - Sergei Prokofievs balett "Romeo och Julia" - fick ett svårt öde. Två veckor före den planerade premiären beslutade generalmötet för Kirov-teaterns kreativa team att ställa in föreställningen för att undvika, som alla trodde, ett fullständigt misslyckande. Det är möjligt att sådana stämningar hos artisterna delvis var inspirerade av artikeln "Röra istället för musik", publicerad i tidningen Pravda i januari 1936, som hårt kritiserade Dmitrij Sjostakovitjs teatermusik. Både teatersamfundet och Prokofiev själv tog artikeln som ett angrepp på samtidskonsten i allmänhet och bestämde sig, som man säger, för att inte be om bråk. På den tiden spreds till och med ett grymt skämt i den teatrala miljön: "Det finns ingen sorgligare historia i världen än Prokofievs musik i balett!"

Som ett resultat hade Romeo och Julia inte premiär förrän två år senare Nationalteatern Brno stad i Tjeckoslovakien. Och den inhemska allmänheten såg produktionen först 1940, när baletten ändå sattes upp på Kirov-teatern. Och trots ytterligare en regeringskamp med den så kallade "formalismen" belönades baletten "Romeo och Julia" av Sergej Prokofjev till och med med Stalinpriset.

Romeo och Julia, balett i fyra akter (9 scener), Op. 64
Symfoniorkester för den statliga akademiska Bolsjojteatern i Sovjetunionen
Dirigent - Gennady Rozhdestvensky
Inspelad 1959
Ljudtekniker - Alexander Grossman

Akt I. Scen ett. 3. Gatan vaknar

Akt I. Scen två. 13. Riddardans

Akt I. Scen två. 15. Mercutio

Kantat för 20-årsdagen av oktober (1936–1937)

1936 återvände Sergei Prokofiev, en emigrant från den första postrevolutionära vågen, en mogen, framgångsrik och eftertraktad kompositör och pianist, till Sovjet ryssland. Han var mycket imponerad av förändringarna i landet, som hade blivit helt annorlunda. Spelet enligt de nya reglerna krävde vissa justeringar i kreativiteten. Och Prokofiev skapade ett antal verk, vid första anblicken, uppriktigt sagt "hov" i naturen: Kantat för 20-årsdagen av oktober (1937), skriven på texterna från marxismen-leninismens klassiker, kantaten "Toast", komponerad för Stalins 60-årsjubileum (1939), och kantaten "Blomstra, mäktigt land", tillägnad redan 30-årsdagen av oktoberrevolutionen (1947). Sant, med tanke på Prokofjevs säregna humor, som då och då manifesterade sig i hans musikaliska språk, fram till nu musikkritiker kan inte ge ett entydigt svar på frågan om kompositören skrivit dessa verk uppriktigt och seriöst, eller med en viss ironi. Till exempel, i en av delarna av kantaten "On the 20th Anniversary of October", som kallas "The Crisis is Ripe", sjunger sopranen (eller snarare, gnisslar) i högsta registret "Krisen är mogen!" , fallande i halvtoner. Det här ljudet av ett spänt ämne verkar komiskt - och sådana tvetydiga lösningar finns i Prokofjevs "pro-sovjetiska" verk vid varje tur.

Kantat för 20-årsjubileet i oktober för två blandade körer, symfoni- och militärorkestrar, en orkester av dragspel och ljudinstrument, Op. 74 (förkortad version)

stat körkapell
Konstnärlig ledare - Alexander Yurlov
Moscow Philharmonics symfoniorkester
Dirigent - Kirill Kondrashin
1967 inspelning
Ljudtekniker - David Gaklin

Texter av Karl Marx och Vladimir Lenin:

Introduktion. Ett spöke hemsöker Europa, kommunismens spöke

Filosofer

Rotation

Musik till filmen "Alexander Nevsky" (1938)

Kompositörer från första hälften av 1900-talet var tvungna att göra mycket för första gången, och proverna på ny konst som de skapade anses nu vara läroböcker. Detta gäller fullt ut även filmmusik. Bara sju år efter uppkomsten av den första sovjetiska ljudfilmen (Putevka v zhizn', 1931), anslöt sig Sergei Prokofiev till biograferna. Bland hans verk inom genren filmmusik framträder ett storskaligt symfoniskt partitur skrivet till Sergei Eisensteins film "Alexander Nevsky" (1938), senare reviderad till en kantat med samma titel (1939). Många av bilderna som Prokofjev har lagt ner i denna musik (den sorgliga scenen i det "döda fältet", korsfararnas attack, själlösa och mekaniska i ljudet, det ryska kavalleriets glada motattack), är fortfarande en stilistisk guide för film tonsättare över hela världen än i dag.

Alexander Nevsky, kantat för mezzosopran, kör och orkester (till ord av Vladimir Lugovsky och Sergei Prokofiev), Op. 78

Larisa Avdeeva, mezzosopran (Field of the Dead)
Rysslands statliga akademiska kör uppkallad efter A. A. Yurlov
Körledare - Alexander Yurlov
USSR State Academic Symphony Orchestra
Dirigent - Evgeny Svetlanov
1966 inspelning
Ljudtekniker - Alexander Grossman

Låten om Alexander Nevsky

Slaget på isen

de dödas fält

Den kardinala fördelen (eller, om du så vill, nackdelen) med mitt liv har alltid varit sökandet efter ett original, mitt eget musikspråk. Jag hatar imitation, jag hatar klichéer...

Du kan vara så länge du vill utomlands, men du måste verkligen återvända till ditt hemland då och då för den riktiga ryska andan.
S. Prokofiev

Den framtida kompositörens barndomsår passerade i en musikalisk familj. Hans mamma var en duktig pianist, och pojken som somnade hörde ofta ljudet av L. Beethovens sonater komma på långt håll, flera rum bort. När Seryozha var 5 år gammal komponerade han sitt första stycke för piano. År 1902 blev S. Taneyev bekant med sina barns komponerande erfarenheter och på hans råd började kompositionslektioner med R. Gliere. Åren 1904-14 Prokofiev studerade vid St. Petersburgs konservatorium med N. Rimsky-Korsakov (instrumentering), J. Vitols ( musikalisk form), A. Lyadov (komposition), A. Esipova (piano).

Vid slutprovet framförde Prokofiev briljant sin första konsert, för vilken han tilldelades priset. A. Rubinstein. Den unge kompositören absorberar ivrigt nya trender inom musiken och hittar snart sin egen väg som en innovativ musiker. Som pianist inkluderade Prokofiev ofta sina egna verk i sina program, vilket orsakade en stark reaktion från publiken.

1918 lämnade Prokofiev till USA och startade en serie resor till främmande länder - Frankrike, Tyskland, England, Italien, Spanien. I ett försök att vinna en världspublik ger han konserter mycket, skriver stora verk - operorna The Love for Three Oranges (1919), The Fiery Angel (1927); baletter "Stål lope" (1925, inspirerad av de revolutionära händelserna i Ryssland), "Förlorade son" (1928), "På Dnepr" (1930); instrumental musik.

I början av 1927 och i slutet av 1929 uppträdde Prokofjev med stor framgång i Sovjetunionen. 1927 hålls hans konserter i Moskva, Leningrad, Kharkov, Kiev och Odessa. "Mottagandet som Moskva gav mig var utöver det vanliga. ... Mottagandet i Leningrad visade sig vara ännu hetare än i Moskva”, skrev kompositören i sin självbiografi. I slutet av 1932 bestämmer sig Prokofiev för att återvända till sitt hemland.

Sedan mitten av 30-talet. Prokofievs kreativitet når sina höjder. Han skapar ett av sina mästerverk - baletten Romeo och Julia av W. Shakespeare (1936); den lyriskt-komiska operan Trolovning i ett kloster (The Duenna, efter R. Sheridan - 1940); kantater Alexander Nevsky (1939) och Toast (1939); en symfonisk saga till hans egen text "Peter och vargen" med instrument-karaktärer (1936); Sjätte pianosonaten (1940); cykel av pianostycken "Barnmusik" (1935). På 30-40-talet. Prokofievs musik framförs av de bästa sovjetiska musikerna: N. Golovanov, E. Gilels, B. Sofronitsky, S. Richter, D. Oistrakh. Den högsta prestationen av sovjetisk koreografi var bilden av Julia, skapad av G. Ulanova. Sommaren 1941, i en dacha nära Moskva, målade Prokofiev på uppdrag av Leningrads opera och balett. S. M. Kirov-balettsaga "Askungen". Nyheten om krigsutbrottet med det fascistiska Tyskland och de efterföljande tragiska händelserna orsakade ett nytt kreativt uppsving hos kompositören. Han skapade en storslagen heroiskt-patriotisk episk opera "Krig och fred" baserad på romanen av L. Tolstoy (1943), med regissören S. Eisenstein som arbetade på den historiska filmen "Ivan den förskräcklige" (1942). Störande bilder, reflektioner av militära händelser och samtidigt okuvlig vilja och energi är kännetecknande för musiken i den sjunde pianosonaten (1942). Majestätisk förtroende fångas i den femte symfonin (1944), där tonsättaren, med hans ord, ville "sjunga om en fri och lycklig man, hans mäktiga styrka, hans adel, hans andliga renhet."

Under efterkrigstiden, trots en allvarlig sjukdom, skapade Prokofiev många betydelsefulla verk: den sjätte (1947) och den sjunde (1952) symfonierna, den nionde pianosonaten (1947), en ny upplaga av operan Krig och fred (1952) , Cellosonaten (1949) och Symfonikonserten för cello och orkester (1952). Sent 40-tal - början av 50-talet. överskuggades av bullriga kampanjer mot den "antinationella formalistiska" riktningen inom sovjetisk konst, förföljelsen av många av dess bästa representanter. Prokofiev visade sig vara en av de främsta formalisterna inom musik. Den offentliga förtal av hans musik 1948 förvärrade kompositörens hälsa ytterligare.

Prokofiev tillbringade de sista åren av sitt liv på en dacha i byn Nikolina Gora bland den ryska naturen han älskade, han fortsatte att komponera kontinuerligt och bröt mot läkarnas förbud. De svåra omständigheterna i livet påverkade också kreativiteten. Tillsammans med genuina mästerverk finns bland de senaste årens verk verk av en "förenklad uppfattning" - ouvertyren "Meeting of the Volga with the Don" (1951), oratoriet "On Guard of the World" (1950), svit "Winter Bonfire" (1950), några sidor i baletten "Tale about a stone flower" (1950), Sjunde symfonin. Prokofjev dog samma dag som Stalin och avslöjade den store ryske kompositören sista vägenöverskuggades av folklig upphetsning i samband med begravningen av folkens store ledare.

Prokofievs stil, vars verk täcker 4 och ett halvt decennier av det turbulenta 1900-talet, har genomgått en mycket stor utveckling. Prokofiev banade väg för vårt århundrades nya musik, tillsammans med andra innovatörer från seklets början - C. Debussy. B. Bartok, A. Skrjabin, I. Stravinskij, tonsättare av Novovensk-skolan. Han gick in i konsten som en vågad omstörtare av den senromantiska konstens förfallna kanoner med dess utsökta sofistikering. På ett märkligt sätt utvecklade M. Mussorgskys, A. Borodins traditioner, Prokofiev förde in i musiken otyglad energi, angrepp, dynamik, friskhet hos urkrafter, uppfattade som "barbari" ("Vanförnimmelse" och Toccata för piano, "Sarkasmer"; symfoniska "Scythian Suite" av balett "Ala och Lolly"; Första och andra pianokonserten). Prokofievs musik återspeglar innovationerna från andra ryska musiker, poeter, målare, teaterarbetare. "Sergey Sergeevich spelar på Vladimir Vladimirovichs ömmaste nerver," sa V. Majakovskij om en av Prokofjevs framträdanden. Bitande och saftig ryskbyfigurativitet genom prismat av utsökt estetik är karakteristisk för baletten "Sagan om gycklaren som överlistade sju gycklare" (baserad på sagor ur A. Afanasievs samling). Jämförelsevis sällsynt på den tiden lyrik; i Prokofiev saknar han sensualitet och känslighet - han är blyg, mild, känslig ("Fleeting", "Tales of the Old Grandmother" för piano).

Ljusstyrka, variation, ökat uttryck är typiska för stilen av utländska femton år. Detta är operan "Kärlek till tre apelsiner", stänkande av glädje, med entusiasm, baserad på sagan av K. Gozzi ("ett glas champagne", enligt A. Lunacharsky); den praktfulla tredje konserten med dess kraftfulla motoriska tryck, igångsatt av den underbara pipmelodin i början av 1:a delen, den genomträngande lyriken i en av varianterna av 2:a delen (1917-21); spänningen av starka känslor i "The Fiery Angel" (baserad på romanen av V. Bryusov); den heroiska kraften och omfattningen av den andra symfonin (1924); "Kubistisk" urbanism av "Stål lope"; lyrisk introspektion "Tankar" (1934) och "Saker i sig" (1928) för piano. Stilperiod 30-40-tal. präglat av den kloka självbehärskning som är inneboende i mognad, kombinerat med konstnärliga koncepts djup och nationella jordmån. Kompositören strävar efter universella idéer och teman, generaliserande bilder av historien, ljusa, realistiskt konkreta musikaliska karaktärer. Denna kreativitetslinje fördjupades särskilt på 40-talet. i samband med de svåra prövningar som fallit på lotten sovjetiska folk under krigsåren. Avslöjande av den mänskliga andens värden, djupa konstnärliga generaliseringar blir Prokofievs huvudsträvan: "Jag är övertygad om att kompositören, liksom poeten, skulptören, målaren, är kallad att tjäna människan och folket. Det ska sjunga om mänskligt liv och leda en person till en ljusare framtid. Sådan, från min synvinkel, är konstens orubbliga kod.

Prokofiev lämnade ett enormt kreativt arv - 8 operor; 7 baletter; 7 symfonier; 9 pianosonater; 5 pianokonserter (varav den fjärde är för en vänsterhand); 2 violin, 2 cellokonserter (Andra - Symfoni-konsert); 6 kantater; oratorium; 2 vokala och symfoniska sviter; många pianostycken; stycken för orkester (inklusive rysk ouvertyr, symfonisk sång, Ode till krigets slut, 2 Pushkin-valser); kammarverk (Overtyr över judiska teman för klarinett, piano och stråkkvartett; Kvintett för oboe, klarinett, violin, viola och kontrabas; 2 stråkkvartetter; 2 sonater för violin och piano; Sonata för cello och piano; ett antal sångkompositioner för ord A. Akhmatova, K. Balmont, A. Pushkin, N. Agnivtsev och andra).

Kreativitet Prokofiev fick världsomspännande erkännande. Det bestående värdet av hans musik ligger i hans generositet och vänlighet, i hans engagemang för höga humanistiska idéer, i rikedomen i det konstnärliga uttrycket i hans verk.

Y. Kholopov

Konstverk

1918 fick Sergei Sergeevich Prokofiev ett album där alla hans vänner var tvungna att lämna anteckningar om samma ämne: "Vad tycker du om solen?" Kompositören valde det inte av misstag, eftersom solen är källan till livet, och han själv har alltid, i alla sina verk, varit livets sångare.

Om vad Prokofiev var en tonsättare vet vi från hans verk, men om vilken typ av person han var, vad han älskade, vad han strävade efter kan vi bäst lära oss av hans självbiografi.

"Benägenheten att spela in var kännetecknande för mig från barndomen, och den uppmuntrades av mina föräldrar," rapporterar Sergei Prokofiev på de första sidorna av självbiografi. "Vid sex års ålder skrev jag redan musik. Vid sjutiden, efter att ha lärt sig att spela schack, startade han en anteckningsbok och började skriva ner spelen; den första av dem är "herdens" kompis jag fick i tre drag. Vid nio års ålder skrevs berättelserna om stridande tennsoldater, med hänsyn till förluster och diagram över rörelser. Vid tolvtiden spanade jag min musikprofessor när jag skrev dagbok. Det verkade helt underbart, och jag började uppföra mitt eget, under en fruktansvärd hemlighet från alla.

Prokofiev föddes och tillbringade sin barndom i godset Sontsovka (i den nuvarande Donetsk-regionen), där hans far, en lärd agronom, var chef. Redan en mogen man, påminde Prokofiev med nöje Sontsovo-stäppfriheten, spel i trädgården med vänner - bybarn, början av musiklektioner under ledning av sin mor, Maria Grigorievna.

Fortfarande utan att kunna tonerna, enligt ryktet, försökte pojken spela något eget på piano. Och han lärde sig tonerna, främst för att spela in detta "sitt eget". Och vid nio års ålder, efter en resa till Moskva och under intryck av den första operan han hörde (det var Gounods Faust), bestämde sig Seryozha för att komponera sin egen opera, vars handling han också uppfann själv. Det var operan "Jätten" i tre akter med äventyr, slagsmål med mera.

Prokofievs föräldrar var utbildade människor och de tog själva upp pojkens grundutbildning i alla skolämnen. Men de kunde naturligtvis inte lära ut reglerna för att komponera musik. Därför tog Maria Grigorievna med sin son på en av sina vanliga vinterresor till Moskva, och tog honom till den välkända kompositören och läraren Sergei Ivanovich Taneyev, som rådde att bjuda in den unge kompositören Reinhold Moritsevich Gliere till Sontsovka för klasser med Serezha för sommaren .

Gliere tillbringade två somrar i rad i Sontsovka, svävade med Seryozha och spelade även schack och krocket med honom - inte längre i rollen som lärare, utan som en äldre kamrat. Och när den trettonårige Sergej Prokofjev hösten 1904 kom till S:t Petersburg för att avlägga examen vid konservatoriet, tog han med sig ett ovanligt gediget bagage av kompositioner. I en tjock pärm låg två operor, en sonat, en symfoni och många små pianostycken - "Sånger" - skrivna under ledning av Gliere. Vissa "Songs" var så originella och skarpa i ljudet att en av Serezhas vänner rekommenderade att de inte skulle kalla dem "Songs", utan "Dogs", eftersom de "biter".

Studieår på konservatoriet

På konservatoriet var Serezha den yngsta bland klasskamraterna. Och naturligtvis var det svårt för honom att bli vän med dem, särskilt eftersom han av bus ibland räknade antalet fel i de musikaliska uppgifterna för var och en av eleverna, härledde medeltalet för en viss period - och resultatet för många var nedslående ...

Men så dök en annan student upp på konservatoriet, i uniform som en löjtnant från en sapperbataljon, alltid mycket återhållsam, sträng, smart. Det var Nikolai Yakovlevich Myaskovsky, en välkänd kompositör i framtiden, som under sovjettiden blev chef för tonsättarskolan i Moskva. Trots åldersskillnaden (Myaskovsky var tjugofem och Prokofiev var femton), började en livslång vänskap mellan dem. De visade alltid varandra sina kompositioner, diskuterade dem - personligen och i brev.

I klasserna för teorin om komposition och fri komposition föll Prokofiev i allmänhet i onåd - hans speciella talang var för respektlös mot den konservativa traditionen. Prokofiev vågade inte ens visa de mest vågade kompositionerna för lärare, i vetskap om att detta skulle orsaka förvirring eller irritation. Lärarnas attityd uttrycktes i mycket genomsnittliga betyg i Prokofievs komponerande diplom. Men den unge musikern hade ytterligare en specialitet i reserv - piano - där han våren 1914 återigen tog examen från konservatoriet.

"Om jag var likgiltig inför den dåliga kvaliteten på kompositörens diplom," mindes Prokofiev senare, "den här gången greps jag av ambition och jag bestämde mig för att avsluta pianot först."

Prokofiev tog en risk: i stället för den klassiska pianokonserten bestämde han sig för att spela sin egen första konsert, precis publicerad, och lämnade över tonerna till examinatorerna i förväg. Konsertens jublande musik, full av ung entusiasm, fängslade publiken, Prokofievs framträdande var en triumf, och han fick ett diplom med hedersbetygelser och Anton Rubinstein-priset.

Resultat av kreativ aktivitet

Den unga kompositören Prokofievs kreativa energi var verkligen vulkanisk. Han arbetade snabbt, djärvt, outtröttligt och strävade efter att täcka en mängd olika genrer och former. Den första pianokonserten följdes av den andra, följt av den första violinkonserten, opera, balett, romanser.

Ett av verken av S.S. Prokofiev är särskilt karakteristisk för den tidiga perioden. Detta är "Scythian Suite", skapad på grundval av musiken från den misslyckade baletten. Dyrkandet av de hedniska gudarna, den frenetiska "Ondskans dans", den tysta och mystiska bilden av den sovande skytiska stäppen och slutligen den bländande finalen - "Sunrise" - allt detta förmedlas i fantastiskt ljusa orkesterfärger, spontana ökningar av klanglighet , energiska rytmer. Den inspirerande optimismen i sviten, som tränger igenom dess ljus, är desto mer anmärkningsvärd eftersom den skapades under första världskrigets svåra år.

Sergei Prokofiev kom mycket snabbt in i den första raden av kompositörer kända inte bara hemma utan också utomlands, även om hans musik alltid har orsakat kontroverser, och vissa verk, särskilt scen, har väntat i åratal på att framföras. Men det var scenen som särskilt lockade kompositören. Jag lockades av möjligheten, att följa Mussorgskijs väg, att uttrycka de mest subtila, hemliga nyanser av känslor i musikaliska intonationer, att skapa levande mänskliga karaktärer.

Det gjorde han visserligen även inom kammarmusiken, till exempel i den sångsagan "Den fula ankungen" (enligt Andersen). Var och en av invånarna på fjäderfägården är utrustade med sin egen unika karaktär: en lugn ankamamma, små entusiastiska ankungar och sig själv huvudkaraktär, innan den förvandlas till vacker svan olycklig och föraktad av alla. När A. M. Gorkij hörde denna berättelse av Prokofjev utbrast han: "Men han skrev den om sig själv, om sig själv!"

Kompositionerna av den unge Prokofiev är förvånansvärt varierande och ibland skarpt kontrasterade. 1918 framfördes hans "Klassisk symfoni" för första gången - ett elegant verk glittrande med rolig och subtil humor. Dess titel, som om den betonar avsiktlig stilisering - en imitation av Haydns och Mozarts sätt - uppfattas nu av oss utan citat: detta är en sann klassiker av sovjettidens musik. I kompositörens verk började symfonin en ljus och tydlig linje, som dras ända fram till hans senare verk - baletten Askungen, den sjunde symfonin.

Och nästan samtidigt med den klassiska symfonin uppstod det storslagna vokal-symfoniska verket The Seven of Them, återigen, likt Skythian Suite, återupplivande bilder av den djupaste antiken, men samtidigt kopplat till några komplexa och oklara associationer till de revolutionära händelserna som skakade världen 1917 Ryssland och hela världen. Den "konstiga vändningen" av kreativt tänkande överraskade senare Prokofiev själv.

Utomlands

En ännu märkligare vändning skedde i själva kompositörens biografi. Våren 1918, efter att ha fått ett utländskt pass, reste han till Amerika, utan att lyssna på råd från vänner som varnade honom: "När du kommer tillbaka, kommer de inte att förstå dig." En lång vistelse utomlands (fram till 1933) hade faktiskt en negativ inverkan på kompositörens kontakt med publiken, särskilt eftersom dess sammansättning har förändrats och utökats under åren.

Men åren utomlands innebar inte en fullständig separation från sitt hemland. Tre konsertresor till Sovjetunionen var ett tillfälle att kommunicera med gamla vänner och ny publik. 1926 sattes operan Kärlek till tre apelsiner upp i Leningrad, som skapades hemma men skrevs utomlands. Året innan hade Prokofiev skrivit baletten "Stålhop" - en serie målningar från den unga sovjetrepublikens liv. Brokiga vardagsskisser och musikaliska och koreografiska porträtt av kommissarien, talaren, arbetaren, sjömannen sida vid sida med industrimålningar ("Fabrik", "Hammar").

Detta verk fann liv endast på konsertscenen i form av en symfonisk svit. 1933 återvände Prokofiev äntligen till sitt hemland och lämnade det bara för en kort tid. Åren efter hans återkomst visade sig kanske vara de mest fruktbara i hans liv och i allmänhet mycket produktiva. Verk skapas ett efter ett, och vart och ett av dem markerar ett nytt, högt stadium i en viss genre. Operan "Semyon Kotko", baletten "Romeo och Julia", musiken till filmen "Alexander Nevsky", på grundval av vilken kompositören skapade ett oratorium - allt detta gick in i den gyllene fonden för musiken från den sovjetiska perioden.

Att förmedla handlingen i Shakespeares tragedi med hjälp av dans och dansmusik – en sådan uppgift föreföll många omöjlig och till och med onaturlig. Prokofiev gick fram till henne som om det inte fanns några balettkonventioner.

I synnerhet vägrade han att bygga upp baletten som en serie av färdiga nummer, i pauserna mellan vilka dansarna bugar och tackar publiken för applåderna. Prokofievs musik och koreografiska handlingar utvecklas kontinuerligt och följer dramats lagar. Denna balett, som sattes upp för första gången i Leningrad, visade sig vara en enastående konstnärlig händelse, särskilt eftersom Galina Ulanova blev den oöverträffade Julia.

Och en helt oöverträffad uppgift löste kompositören i "Kantata för 20-årsjubileet i oktober". Musiken är baserad på en dokumentär text: artiklar, tal och brev från K. Marx och V. I. Lenin används i den. Verket var så oerhört nytt att kantaten fick vänta 20 år på sitt framförande...

Olika historier, olika genrer...

Verk av den mogna perioden

Men, ta en allmän titt på verken mogen period och om man jämför dem med de tidiga, kan man tydligt se den allmänna trenden: den oåterkalleliga kokningen av kreativt tänkande ersätts av klok balans, intresset för det otroliga, fantastiska, legendariska ersätts av intresse i verkligheten människoöden("Semyon Kotko" - en opera om ung soldat), till hemlandets heroiska förflutna ("Alexander Nevsky", operan "Krig och fred"), till evigt tema kärlek och död ("Romeo och Julia").

Samtidigt försvann inte humorn som alltid är karakteristisk för Prokofiev. I berättelsen (för en läsare och en symfoniorkester), riktad till de yngsta lyssnarna, ges mycket intressant information på ett skämtsamt sätt. Varje karaktär kännetecknas av något verktyg. Det visade sig vara en slags guide till orkestern och samtidigt munter, rolig musik. - ett av de verk där kompositören uppnådde en "ny enkelhet", som han själv kallade det, det vill säga ett sådant sätt att framföra tankar som lätt når lyssnaren, utan att förminska eller utarma själva tanken.

Höjdpunkten i Prokofjevs verk är hans opera Krig och fred. Handlingen i L. Tolstojs stora verk, som återskapade de heroiska sidorna i rysk historia, uppfattades under åren av det patriotiska kriget (nämligen när operan skapades) ovanligt akut och modern.

Detta verk kombinerade de bästa, mest typiska dragen i hans verk. Här är Prokofiev både en mästare på ett karakteristiskt innationellt porträtt, och en muralist som fritt komponerar folkscener och slutligen en lyriker som skapade en ovanligt poetisk och feminin bild av Natasha.

En gång jämförde Prokofjev kreativitet med att skjuta mot rörliga mål: "Bara att ta sikte framåt, in i morgondagen, kommer du inte att bli kvar, på nivån med gårdagens krav."

Och hela sitt liv tog han "siktet framåt", och förmodligen, just därför, var alla hans verk - både skrivna under åren av hans kreativa uppsving och under åren av hans sista allvarliga sjukdom - kvar hos oss och fortsätter att ge lyssnarna glädje.

Huvudkompositioner:

Opera:

"Spelare" (1916)
"Kärleken till tre apelsiner" (1919).
"Fiery Angel" (1927),
"Semyon Kotko" (1939)
"Förlovning i ett kloster" (1940)
"Krig och fred" (1943)
"Sagan om en riktig man" (1948)

Baletter:

"Sagan om gycklaren som överlistade sju gycklare" (1915)
"Steel lope" (1925)
"Förlorad son" (1928)
Romeo och Julia (1936)
"Askungen" (1944)
"Sagan om stenblomman" (1950)

(Inga betyg än)