Projekt av idealiska städer i renässansens Italien. Arkitektoniska ensembler i Paris
Sergey Khromov
Även om inte en enda ideal stad förkroppsligades i sten, fann deras idéer liv i verkliga renässansstäder...
Fem århundraden skiljer oss från den period då arkitekter först tog upp frågorna om att återuppbygga staden. Och samma frågor är akuta för oss idag: hur skapar man nya städer? Hur bygger man om de gamla - för att passa in separata ensembler i dem eller riva och bygga om allt? Och viktigast av allt - vilken idé att ligga i en ny stad?
Renässansens mästare förkroppsligade de idéer som redan hade klingat i antik kultur och filosofi: humanismens idéer, naturens och människans harmoni. Människor vänder sig åter till Platons dröm om en idealstat och en idealstad. Den nya bilden av staden föds först som en bild, som en formel, som en idé, vilket är ett djärvt anspråk på framtiden - som många andra uppfinningar av italienska Quattrocento.
Byggandet av teorin om staden var nära kopplat till studiet av antikens arv och framför allt hela avhandlingen "Tio böcker om arkitektur" av Mark Vitruvius (andra hälften av 1:a århundradet f.Kr.), en arkitekt och ingenjör i Julius Caesars armé. Denna avhandling upptäcktes 1427 i ett av klostren. Vitruvius auktoritet betonades av Alberti, Palladio, Vasari. Den största kännaren av Vitruvius var Daniele Barbaro, som 1565 publicerade sin avhandling med sina kommentarer. I ett verk tillägnat kejsar Augustus sammanfattade Vitruvius erfarenheterna av arkitektur och stadsplanering i Grekland och Rom. Han övervägde de redan klassiska frågorna om att välja ett gynnsamt område för grundandet av staden, placeringen av stadens viktigaste torg och gator, och typologin för byggnader. Ur en estetisk synvinkel rådde Vitruvius att följa ordination (efter arkitektoniska order), rimlig planering, observera enhetligheten i rytm och ordning, symmetri och proportionalitet, formens överensstämmelse med syftet och fördelningen av resurser. |
I renässansens stadsplanering utvecklas teori och praktik parallellt. Nya byggnader byggs och gamla byggs om, arkitektoniska ensembler bildas och avhandlingar skrivs samtidigt, tillägnad arkitektur, planering och befästning av städer. Bland dem kända verk Alberti och Palladio, planer idealiska städer Filarete, Scamozzi och andra. Författarnas idé ligger långt före behoven av praktisk konstruktion: de beskriver inte färdiga projekt som kan användas för att planera en specifik stad, utan en grafiskt avbildad idé, begreppet en stad. Resonemang om stadens läge ur ekonomi, hygien, försvar, estetik ges. Man söker efter optimala planer för bostadsområden och tätorter, trädgårdar och parker. Frågor om komposition, harmoni, skönhet, proportioner studeras. I dessa idealkonstruktioner präglas planeringen av staden av rationalism, geometrisk klarhet, centrisk sammansättning och harmoni mellan helheten och delarna. Och slutligen, det som skiljer renässansens arkitektur från andra epoker är personen som står i centrum, i hjärtat av alla dessa konstruktioner. uppmärksamhet åt mänsklig personlighet var så stor att till och med arkitektoniska strukturer liknade människokropp som en standard för perfekta proportioner och skönhet.
Teori
På 50-talet av XV-talet. Avhandlingen "Tio böcker om arkitektur" av Leon Alberti dyker upp. Det var i huvudsak den nya erans första teoretiska arbete om detta ämne. Den behandlar många frågor om stadsplanering, allt från platsval och stadsplanering till byggnadstypologi och inredning. Av särskilt intresse är hans argument om skönhet. Alberti skrev att "skönhet är en strikt proportionell harmoni av alla delar, förenad av vad de tillhör - så att ingenting kan läggas till, subtraheras eller ändras utan att göra det värre." Faktum är att Alberti var den första som proklamerade de grundläggande principerna för renässansens urbana ensemble, och kopplade ihop det gamla sinnet för proportioner med den rationalistiska början på en ny era. Det givna förhållandet mellan byggnadens höjd och utrymmet framför den (från 1:3 till 1:6), konsistensen av de arkitektoniska skalorna för huvud- och sekundärbyggnaderna, balansen i kompositionen och frånvaron av dissonanta kontraster - det här är renässansens stadsplanerares estetiska principer.
Den idealiska staden gladde många fantastiska människor från tiden. Tänkte på honom och Leonardo da Vinci. Hans idé var att skapa en stad i två våningar: den övre våningen var avsedd för gång- och ytvägar, och den nedre var för tunnlar och kanaler förbundna med huskällare, genom vilka godstransporter rör sig. Känd för sina planer för återuppbyggnaden av Milano och Florens, samt projektet med en spindelstad.
En annan framstående stadsteoretiker var Andrea Palladio. I sin avhandling "Fyra böcker om arkitektur" reflekterar han över den urbana organismens integritet och förhållandet mellan dess rumsliga element. Han säger att "staden är inget annat än en viss stort hus, och vice versa, huset är en slags liten stad. Om den urbana ensemblen skriver han: ”Skönhet är resultatet av vacker form och överensstämmelsen mellan helheten och delarna, delarnas motsvarighet till varandra, och även delarnas motsvarighet till helheten. En framträdande plats i avhandlingen ges till det inre av byggnader, deras dimensioner och proportioner. Palladio försöker organiskt koppla ihop gatornas yttre rymden med det inre av hus och innergårdar.
Nära slutet av 1500-talet. många teoretiker attraherades av frågorna om butiksytor och befästningar. Så, Giorgio Vasari Jr. i sin idealiska stad ägnar mycket uppmärksamhet åt utvecklingen av torg, shoppinggallerior, loggier, palats. Och i Vicenzo Scamozzis och Buanayuto Lorrinis projekt upptar frågor om befästningskonst en betydande plats. Detta var ett svar på tidens ordning - med uppfinningen av explosiva granater, ersattes fästningens murar och torn av jordbastioner, togs ut från stadsgränserna, och staden började likna en flerstrålande stjärna i sina konturer . Dessa idéer förkroppsligades i den faktiskt byggda fästningen Palmanova, vars skapelse tillskrivs Scamozzi.
Öva
Även om inte en enda idealstad förkroppsligades i sten, med undantag för små fästningsstäder, förkroppsligades många av principerna för dess konstruktion i verkligheten redan på 1500-talet. På den tiden, i Italien och andra länder, anlades raka breda gator som förenade viktiga delar av den urbana ensemblen, nya torg skapades, gamla byggdes om och senare uppträdde parker och palatsensembler med en regelbunden struktur.
| Ideal City av Antonio Filarete Staden var en åttakantig stjärna i plan, bildad av skärningspunkten i en vinkel på 45 ° av två lika kvadrater med en sida på 3,5 km. I stjärnans utsprång fanns det åtta runda torn, och i "fickorna" - åtta stadsportar. Portarna och tornen var förbundna med centrum av radiella gator, av vilka några var sjöfartskanaler. I den centrala delen av staden, på en kulle, fanns det huvudsakliga rektangulära torget, på vars kortsidor prinsens palats och stadens katedral skulle ligga, och på långsidorna - rättsliga och stadsinstitutioner. I mitten av torget fanns en damm och ett vakttorn. Två andra gränsar till huvudtorget, med husen till de mest framstående invånarna i staden. Ytterligare sexton torg låg i skärningspunkten mellan radiella gator och ringgatan: åtta shopping och åtta för församlingscentra och kyrkor. |
Trots att renässanskonsten var tillräckligt emot medeltidens konst passade den lätt och organiskt in i medeltida städer. I sin praktiska verksamhet använde renässansarkitekter principen att "bygga en ny utan att förstöra det gamla". De lyckades skapa överraskande harmoniska ensembler inte bara av byggnader i samma stil, som man kan se på torgen i Annuziata i Florens (ritad av Filippo Brunelleschi) och Capitolium i Rom (ritad av Michelangelo), utan också att kombinera byggnader från olika tider till en komposition. Så på torget i St. Mark i Venedig, medeltida byggnader kombineras till en arkitektonisk och rumslig ensemble med nya byggnader från 1500-talet. Och i Florens, från Piazza della Signoria med det medeltida Palazzo Vecchio, följer Uffizigatan, designad av Giorgio Vasari, harmoniskt. Dessutom kombinerar ensemblen av den florentinska katedralen Santa Maria del Fiore (Brunelleschis rekonstruktion) perfekt tre arkitektoniska stilar samtidigt: romansk, gotisk och renässans.
Medeltidens stad och renässansens stad
Renässansens idealstad framstod som en slags protest mot medeltiden, uttryckt i utvecklingen av antika stadsplaneringsprinciper. Till skillnad från den medeltida staden, som uppfattades som en snäll, om än ofullkomlig, likhet med det "himmelska Jerusalem", förkroppsligandet av inte en mänsklig, utan en gudomlig plan, skapades renässansens stad av en mänsklig skapare. Människan kopierade inte bara det som redan fanns, hon skapade något mer perfekt och gjorde det i enlighet med den "gudomliga matematiken". Renässansens stad skapades för människan och måste motsvara den jordiska världsordningen, dess verkliga sociala, politiska och vardagliga struktur.
Den medeltida staden är omgiven av kraftfulla murar, inhägnad från världen, dess hus är mer som fästningar med några kryphål. Renaissance City är öppet, det är inte skyddat från världen utanför, han kontrollerar det, underordnar det. Byggnadernas väggar, som avgränsar, förenar utrymmena på gator och torg med gårdar och rum. De är genomsläppliga - de har många öppningar, arkader, pelargångar, uppfarter, fönster.
Om den medeltida staden är placeringen av arkitektoniska volymer, så är renässansens stad i större utsträckning fördelningen av arkitektoniska utrymmen. Centrum av den nya staden är inte byggnaden av katedralen eller rådhuset, utan det fria utrymmet på det stora torget, öppet både uppåt och åt sidan. De går in i byggnaden och går ut på gatan och torget. Och om den medeltida staden kompositionsmässigt dras till sitt centrum - den är centripetal, då är renässansens stad centrifugal - den riktas mot omvärlden.
| Platons idealiska stad I plan var den centrala delen av staden en växling av vatten och jordringar. Den yttre vattenringen var förbunden med havet med en 50 stadia lång kanal (1 stadia - ca 193 m). Jordringarna som skiljer vattenringarna åt hade underjordiska kanaler nära broarna anpassade för passage av fartyg. Den största vattenringen i omkrets var tre stadier bred, likaså den jord som följde efter den; de följande två ringarna, vatten och jord, var två stadier breda; slutligen var vattenringen som omgav ön i mitten en stadia bred. |
Den medeltida staden följer det naturliga landskapet och använder det för sina egna syften. Renässansens stad är snarare ett konstverk, ett "geometrispel". Arkitekten modifierar terrängen genom att lägga ett geometriskt rutnät av ritade utrymmen på den. En sådan stad har en tydlig form: en cirkel, en fyrkant, en oktagon, en stjärna; även floderna rätas ut i den.
Den medeltida staden är vertikal. Här är allt riktat uppåt, till himlen - avlägset och otillgängligt. Renässansens stad är horisontell, huvudsaken här är perspektiv, strävan i fjärran, mot nya horisonter. För en medeltida person är vägen till himlen en uppstigning, som kan uppnås genom omvändelse och ödmjukhet, försakelse av allt jordiskt. För människorna i renässansen är detta en uppstigning genom att få sin egen erfarenhet och förstå de gudomliga lagarna.
Drömmen om en idealisk stad gav impulser till många arkitekters kreativa sökningar, inte bara från renässansen utan också från senare tider, den ledde och belyste vägen till harmoni och skönhet. Den ideala staden finns alltid inuti den verkliga staden, lika skild från den som tankevärlden från faktavärlden, som fantasins värld från fantasins värld. Och om du vet hur man drömmer så som renässansens mästare gjorde, då kan du se denna stad - Solens stad, guldstaden.
Originalartikeln finns på platsen för tidningen "New Acropolis".
Klassicism i Västeuropas arkitektur
Låt oss överlåta det till italienarna
Tom glitter med sin falska glans.
Total mening är viktigare men för att komma till honom,
Vi måste övervinna hinder och vägar,
Följ den markerade stigen strikt:
Ibland har sinnet bara ett sätt...
Du måste tänka på innebörden och först sedan skriva!
N. Boileau. "Poetisk konst".
Översättning av V. Lipetskaya
Så lärde sina samtida en av klassicismens främsta ideologer, poeten Nicolas Boileau (1636-1711). Klassicismens strikta regler förkroppsligades i Corneilles och Racines tragedier, Molières komedier och La Fontaines satirer, Lullys musik och Poussins målning, arkitekturen och utsmyckningen av Paris palats och ensembler...
Klassicismen manifesterades tydligast i arkitekturens verk, fokuserad på de bästa prestationerna från den antika kulturen - ett ordningssystem, strikt symmetri, en tydlig proportionalitet mellan delarna av kompositionen och deras underordning till den allmänna idén. Den klassicistiska arkitekturens "stränga stil" tycktes vara avsedd att visuellt förkroppsliga dess ideala formel av "ädel enkelhet och lugn storhet". Klassicismens arkitektoniska strukturer dominerades av enkla och tydliga former, en lugn harmoni av proportioner. Företräde gavs till raka linjer, diskret dekor, upprepa konturerna av föremålet. Utförandets enkelhet och ädla, praktiska och ändamålsenlighet påverkade allt.
Baserat på renässansarkitekternas idéer om den "ideala staden" skapade klassicismens arkitekter ny typ ett grandiost palats och parkensemble, strikt underordnad en enda geometrisk plan. En av den här tidens enastående arkitektoniska strukturer var de franska kungarnas residens i utkanten av Paris - Versaillespalatset.
"Fairy Dream" från Versailles
Mark Twain, som besökte Versailles i mitten av 1800-talet.
”Jag skällde ut Ludvig XIV, som spenderade 200 miljoner dollar på Versailles när folk inte hade tillräckligt med bröd, men nu har jag förlåtit honom. Det är utomordentligt vackert! Du stirrar, öppna bara dina ögon och försök förstå att du är på jorden och inte i Edens trädgårdar. Och du är nästan redo att tro att detta är en bluff, bara en fantastisk dröm.
Visserligen förvånar Versailles "sagodrömmen" fortfarande med omfattningen av den vanliga layouten, fasadernas magnifika prakt och briljansen i den dekorativa dekorationen av interiörerna. Versailles blev en synlig förkroppsligande av klassicismens stora officiella arkitektur, som uttryckte idén om en rationellt arrangerad modell av världen.
Hundra hektar mark i en extremt en kort tid(1666-1680) förvandlades till ett stycke paradis avsett för den franska aristokratin. Arkitekterna Louis Leveaux (1612-1670), Jules Hardouin-Mansart (1646-1708) och André Le Nôtre(1613-1700). Under loppet av ett antal år byggde de om och förändrade mycket i dess arkitektur, så att det för närvarande är en komplex sammansmältning av flera arkitektoniska skikt som absorberar klassicismens karakteristiska drag.
Versailles centrum är Grand Palace, dit tre konvergerande vägar leder. Beläget på en viss höjd, intar palatset en dominerande ställning över området. Dess skapare delade upp den nästan halva kilometer långa fasaden i en central del och två sidovingar - risalit, vilket gav den en speciell högtidlighet. Fasaden representeras av tre våningar. Den första, som spelar rollen som en massiv bas, är dekorerad med rustikation på modell av italienska renässanspalats-palats. På den andra framsidan finns höga välvda fönster, mellan vilka det finns joniska pelare och pilastrar. Nivån som kröner byggnaden ger slottets utseende monumentalitet: den är förkortad och avslutas med skulpturala grupper som ger byggnaden en speciell elegans och lätthet. Rytmen av fönster, pilastrar och pelare på fasaden understryker dess klassiska stramhet och storslagenhet. Det är ingen slump att Molière sa om Stora palatset i Versailles:
"Den konstnärliga utsmyckningen av palatset är så i harmoni med den perfektion som naturen ger det att det kan kallas ett magiskt slott."
Interiörer stort palats inredda i barockstil: de vimlar av skulpturala dekorationer, rik dekor i form av förgylld stuckatur och sniderier, många speglar och utsökta möbler. Väggarna och taken är täckta med färgade marmorplattor med tydliga geometriska mönster: kvadrater, rektanglar och cirklar. Pittoreska paneler och gobelänger på mytologiska teman förhärligar kung Ludvig XIV. Massiva bronskronor med förgyllning kompletterar intrycket av rikedom och lyx.
Salarna i palatset (det finns cirka 700 av dem) bildar oändliga enfilader och är avsedda för ceremoniella processioner, storslagna festligheter och maskeradbaler. I slottets största ceremonihall - Spegelgalleriet (73 m långt) - visas tydligt sökandet efter nya rumsliga och ljuseffekter. Fönstren på ena sidan av hallen matchades av speglar på den andra. Under solljus eller artificiell belysning skapade fyrahundra speglar en exceptionell rumslig effekt som förmedlar ett magiskt spel av reflektioner.
De dekorativa kompositionerna av Charles Lebrun (1619-1690) i Versailles och Louvren var slående i sin ceremoniella prakt. Den "metoden att avbilda passioner" som han proklamerade, som innebar pompösa beröm av högt uppsatta personer, gav konstnären en svindlande framgång. 1662 blev han kungens förste målare och sedan chef för den kungliga manufakturen av gobelänger (handvävda mattbilder eller gobelänger) och chef för allt dekorativt arbete i Versaillespalatset. I spegelgalleriet i palatset målade Lebrun
ett förgyllt tak med många allegoriska kompositioner på mytologiska teman som förhärligade "Solkungens" Ludvig XIV:s regeringstid. Höga pittoreska allegorier och attribut, ljusa färger och dekorativa effekter från barocken stod i tydlig kontrast till klassicismens arkitektur.
Kungens sovrum ligger i den centrala delen av palatset och vetter mot stigande sol. Det var härifrån som en vy av tre motorvägar som strålade från en punkt öppnade sig, vilket symboliskt påminde om statsmaktens huvudcentrum. Från balkongen öppnade utsikten över kungen upp för Versailles-parkens skönhet. Dess främsta skapare, Andre Le Nôtre, lyckades knyta ihop elementen i arkitektur och trädgårdskonst. Till skillnad från landskap (engelska) parker, som uttryckte idén om enhet med naturen, underordnade vanliga (franska) parker naturen till konstnärens vilja och avsikter. Parken i Versailles imponerar med sin klarhet och rationella organisation av rymden, dess ritning är noggrant verifierad av arkitekten med hjälp av en kompass och linjal.
Parkens gränder uppfattas som en fortsättning på palatsets hallar, var och en av dem slutar med en reservoar. Många pooler har rätt geometrisk form. De släta vattenspeglarna under timmarna före solnedgången reflekterar solens strålar och nyckfulla skuggor som kastas av buskar och träd trimmade i form av en kub, kon, cylinder eller boll. Grönskan bildar ibland solida, ogenomträngliga väggar, ibland breda gallerier, i konstgjorda nischer av vilka skulpturala kompositioner, hermer (tetraedriska pelare krönta med ett huvud eller byst) och många vaser med kaskader av tunna vattenstrålar placeras. Allegorisk skulptur av fontäner gjorda kända mästare, utformad för att förhärliga en absolut monarks regeringstid. "Solkungen" dök upp i dem antingen i skepnad av guden Apollo, eller Neptunus, ridande upp ur vattnet i en vagn eller vilande bland nymferna i en sval grotta.
Släta mattor av gräsmattor förvånar med ljusa och färgglada färger med en bisarr blomsterprydnad. I vaser (det fanns cirka 150 tusen av dem) fanns färska blommor, som ändrades på ett sådant sätt att Versailles blommade konstant när som helst på året. Parkens stigar är beströdda med färgad sand. Några av dem var fodrade med porslinschips som glittrade i solen. All denna prakt och prakt av naturen kompletterades av dofter av mandel, jasmin, granatäpple och citron, som spred sig från växthus.
Det fanns natur i den här parken
Som om livlös;
Som med en hög sonett,
De bråkade med gräset.
Ingen dans, inga söta hallon,
Le Nôtre och Jean Lully
I trädgårdar och danser av oordning
Orkade inte.
Idegranarna frös, som i trans,
Buskarna stod i rad,
Och nedskuren
Lärde blommor.
V. Hugo Översättning av E. L. Lipetskaya
N. M. Karamzin (1766-1826), som besökte Versailles 1790, talade om sina intryck i en rysk resenärs brev:
”Delarnas oändlighet, den perfekta harmonin, helhetens handling: detta är vad målaren inte kan avbilda med en pensel!
Låt oss gå till trädgårdarna, skapandet av Le Nôtre, som det djärva geniet överallt placerade på den stolta konstens tron, och den ödmjuka Na-tura, som en fattig slav, kastade honom för hans fötter ...
Så leta inte efter naturen i Versailles trädgårdar; men här, vid varje steg, fängslar konst ögat ... "
arkitektoniska ensembler Paris. Imperium
Efter slutförandet av det huvudsakliga byggnadsarbetet i Versailles, vid sekelskiftet 1600-1700, lanserade André Le Nôtre kraftig aktivitet för ombyggnaden av Paris. Han utförde nedbrytningen av Tuilerieparken och fixerade tydligt den centrala axeln på fortsättningen av Louvren-ensemblens längsgående axel. Efter Le Nôtre byggdes slutligen Louvren upp igen, Place de la Concorde skapades. Paris stora axel gav en helt annan tolkning av staden, som uppfyllde kraven på storhet, grandiositet och prakt. Sammansättningen av öppna stadsrum, systemet med arkitektoniskt utformade gator och torg blev den avgörande faktorn i planeringen av Paris. Tydligheten i det geometriska mönstret hos gator och torg som är sammanlänkade till en helhet kommer att bli ett kriterium för att bedöma stadsplanens perfektion och stadsplanerarens skicklighet under många år framöver. Många städer runt om i världen kommer senare att uppleva inflytandet från den klassiska parisiska modellen.
En ny förståelse av staden som ett objekt för arkitektoniskt inflytande på en person får ett tydligt uttryck i arbetet med urbana ensembler. I processen för deras konstruktion skisserades de viktigaste och grundläggande principerna för stadsplanering av klassicismen - fri utveckling i rymden och organisk koppling till miljön. För att övervinna kaoset i stadsutvecklingen försökte arkitekterna skapa ensembler designade för en fri och fri utsikt.
Renässansdrömmar om att skapa en "ideal stad" förkroppsligades i bildandet av en ny typ av torg, vars gränser inte längre var fasaderna för vissa byggnader, utan utrymmet av gator och kvarter intill den, parker eller trädgårdar, en flodvallen. Arkitektur strävar efter att koppla samman i en viss ensemble enhet inte bara direkt angränsande byggnader, men också mycket avlägsna platser i staden.
Andra hälften av 1700-talet och den första tredjedelen av 1800-talet. firas i Frankrike ny scen utvecklingen av klassicismen och dess spridning i europeiska länder - nyklassicism. Efter den stora franska revolutionen och det fosterländska kriget 1812 dök nya prioriteringar upp i stadsplaneringen, i samklang med deras tidsanda. De hittade det mest slående uttrycket i empirestilen. Det kännetecknades av följande egenskaper: ceremoniell patos av kejserlig storhet, monumentalitet, vädjan till konsten i det kejserliga Rom och forntida Egypten, användningen av attribut från romersk militärhistoria som de viktigaste dekorativa motiven.
Kärnan i den nya konstnärliga stilen förmedlades mycket exakt i Napoleon Bonapartes betydelsefulla ord:
"Jag älskar kraft, men som artist ... älskar jag det att extrahera ljud, ackord, harmoni från det."
Empire stil blev personifieringen av Napoleons politiska makt och militära härlighet, fungerade som en slags manifestation av hans kult. Den nya ideologin mötte till fullo den nya tidens politiska intressen och konstnärliga smak. Stora arkitektoniska ensembler av öppna torg, breda gator och alléer skapades överallt, broar, monument och offentliga byggnader uppfördes, vilket demonstrerade den kejserliga storheten och makten.
Austerlitzbron påminde till exempel om det stora slaget vid Napoleon och byggdes av bastiljens stenar. På Place Carruzel byggdes Äreport för att hedra segern i Austerlitz. Två rutor (Samtycke och Stjärnor), separerade från varandra på avsevärt avstånd, var förbundna med arkitektoniska perspektiv.
Kyrkan Saint Genevieve, uppförd av J. J. Soufflot, blev Pantheon - viloplatsen för det stora folket i Frankrike. Ett av den tidens mest spektakulära monument är den stora arméns kolumn på Place Vendôme. I likhet med den antika romerska kolumnen av Trajanus, var det tänkt, enligt planen av arkitekterna J. Gonduin och J. B. Leper, att uttrycka andan i det nya imperiet och Napoleons törst efter storhet.
I den inre ljusa dekorationen av palats och offentliga byggnader värderades högtidlighet och majestätisk pompositet särskilt högt, deras inredning var ofta överbelastad med militära tillbehör. De dominerande motiven var kontrasterande kombinationer av färger, inslag av romerska och egyptiska ornament: örnar, griffiner, urnor, kransar, facklor, grotesker. Empirestilen manifesterades tydligast i interiörerna i de kejserliga residensen i Louvren och Malmaison.
Eran av Napoleon Bonaparte slutade 1815, och mycket snart började de aktivt utrota dess ideologi och smak. Från imperiet "försvann som en dröm" fanns konstverk i empirestil, som tydligt vittnade om dess forna storhet.
Frågor och uppgifter
1. Varför kan Versailles tillskrivas enastående verk?
Som stadsplanering idéer klassicism av XVIII-talet. hittat deras praktiska genomförande i de arkitektoniska ensemblerna i Paris, till exempel Place de la Concorde? Vad skiljer den från de italienska barocktorgen i Rom på 1600-talet, såsom Piazza del Popolo (se sid. 74)?
2. Hur kom kopplingen mellan barock och klassicism till uttryck? Vilka idéer ärvde klassicismen från barocken?
3. Vilken är den historiska bakgrunden till uppkomsten av empirestilen? Vilka nya idéer från sin tid sökte han uttrycka i konstverk? Som konstnärliga principer litar han på?
kreativ verkstad
1. Ge dina klasskamrater en guidad rundtur i Versailles. För att förbereda det kan du använda videomaterial från Internet. Parkerna i Versailles och Peterhof jämförs ofta. Vad tror du ligger till grund för sådana jämförelser?
2. Försök att jämföra bilden av renässansens "idealstad" med de klassicistiska ensemblerna i Paris (S:t Petersburg eller dess förorter).
3. Jämför utformningen av inredningen (interiörerna) av Francis I:s galleri i Fontainebleau och Spegelgalleriet i Versailles.
4. Bekanta dig med målningarna av den ryske konstnären A. N. Benois (1870-1960) från cykeln "Versailles. Walk of the King” (se s. 74). Hur förmedlar de den allmänna atmosfären i den franske kungen Ludvig XIV:s hovliv? Varför kan de betraktas som speciella bildsymboler?
Ämnen för projekt, sammanfattningar eller meddelanden
"Klassicismens bildande i fransk arkitektur på 1600- och 1700-talen"; "Versailles som en modell för harmoni och skönhet i världen"; "Gå runt i Versailles: sambandet mellan palatsens sammansättning och parkens layout"; "Mästerverk av den västeuropeiska klassicismens arkitektur"; "Napoleonska imperiet i Frankrikes arkitektur"; "Versailles och Peterhof: erfarenhet jämförande egenskaper»; « Konstnärliga upptäckter i Paris arkitektoniska ensembler”; "Paris torg och utvecklingen av principerna för regelbunden planering av staden"; "Klarhet i sammansättning och balans av volymer av katedralen i Invalides i Paris"; "Concord Square är ett nytt steg i utvecklingen av klassicismens stadsplaneringsidéer"; "Den svåra uttrycksfullheten i volymer och snålheten i dekoren av kyrkan St. Genevieve (Pantheon) av J. Soufflot"; "Klassicismens drag i arkitekturen i västeuropeiska länder"; "Enastående arkitekter av västeuropeisk klassicism".
Böcker för ytterligare läsning
Arkin D. E. Bilder av arkitektur och bilder av skulptur. M., 1990. Kantor A. M. och andra. Konst från 1800-talet. M., 1977. (Liten konsthistoria).
Klassicism och romantik: Arkitektur. Skulptur. Målning. Ritning / red. R. Toman. M., 2000.
Kozhina E.F. Art of France på 1700-talet. L., 1971.
LenotrJ. Vardagslivet i Versailles under kungarna. M., 2003.
Miretskaya N. V., Miretskaya E. V., Shakirova I. P. Upplysningstidens kultur. M., 1996.
Watkin D. Västeuropeisk arkitekturs historia. M., 1999. Fedotova E.D. Napoleonska riket. M., 2008.
Vid förberedelse av materialet, texten i läroboken "World konstkultur. Från 1700-talet till nutid” (Författare Danilova G. I.).
Renässansen är en av de viktigaste perioderna i kulturell utveckling mänskligheten, för det är vid denna tidpunkt som grunden för en i grunden ny kultur uppstår, som en rikedom av idéer, tankar, symboler uppstår som aktivt kommer att användas av efterföljande generationer i framtiden. På XV-talet. i Italien föds en ny bild av staden, som utvecklas mer som ett projekt, en framtidsmodell än en riktig arkitektonisk förkroppsligande. Naturligtvis gjorde de i renässansens Italien en hel del försköning av städer: de rätade ut gator, planade fasader, spenderade mycket pengar på att skapa trottoarer, etc. Arkitekter byggde också nya hus, passade in dem i tomma utrymmen, eller i sällsynta fall , uppförde dem istället för demolerade gamla byggnader. På det hela italiensk stad i verkligheten förblev den medeltida i sitt arkitektoniska landskap. Det var ingen period av aktiv stadsutveckling, men det var just vid den här tiden som stadsfrågor började uppmärksammas som ett av de viktigaste områdena för kulturbyggande. Många intressanta avhandlingar dök upp om vad en stad är och inte bara som ett politiskt, utan också som ett sociokulturellt fenomen. Hur framstår en ny stad i renässanshumanisternas ögon, annorlunda än den medeltida?
I alla sina stadsplaneringsmodeller, projekt och utopier befriade staden sig först och främst från sin heliga prototyp - det himmelska Jerusalem, arken, som symboliserar utrymmet för mänsklig frälsning. Under renässansen uppstod idén om en idealisk stad, som skapades inte enligt den gudomliga prototypen, utan som ett resultat av arkitektens individuella kreativa aktivitet. Den berömda L. B. Alberti, författare till klassiska Tio böcker om arkitektur, hävdade att ursprungliga arkitektoniska idéer ofta kommer till honom på natten, när hans uppmärksamhet distraheras och han har drömmar där saker dyker upp som inte avslöjar sig själva under vakenhet. Denna sekulariserade beskrivning av den skapande processen skiljer sig helt från de klassiska kristna seende handlingarna.
Ny stad uppträdde i verk av italienska humanister som inte motsvarar de himmelska utan de jordiska bestämmelserna i dess sociala, politiska, kulturella och inhemska syfte. Det byggdes inte på principen om helig-rumslig sammandragning, utan utifrån en funktionell, helt sekulär rumslig avgränsning, och var indelad i utrymmen av torg, gator, som var grupperade kring viktiga bostads- eller offentliga byggnader. En sådan rekonstruktion, även om den faktiskt utfördes i viss utsträckning, till exempel i Florens, men i större utsträckning visade sig förverkligas i bild och form, vid konstruktion av renässansmålningar och i arkitektoniska projekt. Renässansstaden symboliserade människans seger över naturen, den optimistiska tron att "separationen" av den mänskliga civilisationen från naturen till dess nya mänskliga skapade värld hade rimliga, harmoniska och vackra grunder.
Renässansmannen är en prototyp av civilisationen av erövringen av rymden, som med sina egna händer fullbordade det som visade sig vara oavslutat av skaparen. Det är därför, när de planerade städer, var arkitekter förtjusta i att skapa vackra projekt, baserade på den estetiska betydelsen av olika kombinationer av geometriska former, där det var nödvändigt att placera alla byggnader som var nödvändiga för stadssamhällets liv. Utilitaristiska överväganden bleknade i bakgrunden och de arkitektoniska fantasiernas fria estetiska spel underkuvade dåtidens stadsplanerares medvetande. Idén om fri kreativitet som grund för individens existens är ett av renässansens viktigaste kulturella imperativ. arkitektonisk kreativitet i det här fallet förkroppsligade också denna idé, som uttrycktes i skapandet av byggnadsprojekt som mer såg ut som några invecklade dekorativa fantasier. I praktiken visade sig dessa idéer främst implementeras i skapandet av olika typer av stenbeläggningar, som täcktes med regelbundna plattor. Det var dem, som de viktigaste innovationerna, som stadsborna var stolta över och kallade dem "diamant".
Staden var ursprungligen tänkt som en konstgjord produkt, som motsatte sig naturligheten i den naturliga världen, eftersom den, till skillnad från den medeltida staden, underkuvade och behärskade livsutrymmet och inte bara passade in i terrängen. Därför hade renässansens ideala städer en strikt geometrisk form i form av en kvadrat, ett kors eller en oktagon. Enligt det träffande uttrycket av I. E. Danilova var den tidens arkitektoniska projekt så att säga överlagrade på terrängen från ovan som ett sigill på det mänskliga sinnets dominans, som allt är föremål för. I New Age:s era försökte människan göra världen förutsägbar, rimlig, för att bli av med det ofattbara spelet med slumpen eller förmögenheten. Sålunda hävdade L. B. Alberti i sitt arbete "Om familjen" att sinnet spelar i civila angelägenheter och i mänskligt liv mycket större roll än förmögenhet. Den berömda teoretikern för arkitektur och stadsplanering talade om behovet av att testa och erövra världen och utvidga reglerna för tillämpad matematik och geometri till den. Ur denna synvinkel var renässansstaden den högsta formen för att erövra världen, rymden, eftersom stadsbyggnadsprojekt innebar omorganiseringen av det naturliga landskapet som ett resultat av att pålägga det ett geometriskt rutnät av avgränsade utrymmen. Det var, till skillnad från medeltiden, en öppen modell, vars centrum inte var katedralen, utan torgets fria utrymme, som öppnade sig från alla håll med gator, med utsikt i fjärran, bortom stadsmuren.
Moderna specialister Inom kulturområdet ägnas mer och mer uppmärksamhet åt problemen med den rumsliga organisationen av renässansstäder, i synnerhet diskuteras temat för stadens torg, dess tillkomst och semantik aktivt vid olika internationella symposier. R. Barthes skrev: ”Staden är ett tyg som inte består av likvärdiga element i vilka deras funktioner kan listas, utan av element som är betydande och obetydliga ... Dessutom måste jag notera att de börjar fästa mer och mer betydelse för betydande tomhet istället för meningstomhet. Med andra ord blir elementen mer och mer betydelsefulla inte i sig själva, utan beroende på var de befinner sig.
Den medeltida staden, dess byggnader, kyrkan förkroppsligade fenomenet närhet, behovet av att övervinna någon fysisk eller andlig barriär, oavsett om det är en katedral eller ett palats som liknar en liten fästning, detta är ett speciellt utrymme skilt från omvärlden. Penetration där symboliserade alltid bekantskap med någon dold hemlighet. Torget, å andra sidan, var en symbol för en helt annan era: det förkroppsligade idén om öppenhet inte bara uppåt utan också åt sidorna, genom gator, gränder, fönster etc. Människor kom alltid in på torget från ett slutet utrymme. Däremot skapade vilket torg som helst känslan av ett omedelbart öppet och öppet utrymme. Stadens torg symboliserade så att säga själva processen för befrielse från mystiska hemligheter och förkroppsligade ett öppet avsakraliserat utrymme. L. B. Alberti skrev att den viktigaste utsmyckningen av städer gavs av position, riktning, korrespondens, placering av gator och torg.
Dessa idéer förstärktes av den verkliga praktiken av kampen för att befria stadsrum från kontrollen av enskilda familjeklaner, som ägde rum i Florens under XIV och XV-talen. F. Brunelleschi designar under denna tidsperiod tre nya torg i staden. Gravstenar för olika ädla personer tas bort från torgen, marknader byggs om därefter. Idén om öppet utrymme förkroppsligas av L. B. Alberti i förhållande till väggarna. Han rekommenderar att man använder pelargångar så ofta som möjligt för att betona väggarnas konventionella som ett hinder. Därför uppfattas bågen vid Alberti som motsatsen till de låsta stadsportarna. Bågen är alltid öppen, som om den fungerar som en ram för öppningsvyer och på så sätt binder samman stadsrummet.
Renässansurbanisering innebär inte stadsrummets närhet och isolering, utan tvärtom dess distribution utanför staden. Det aggressiva offensiva patoset hos "naturens erövrare" demonstreras av Francesco di Giorgio Martinis projekt. Yu. M. Lotman skrev om denna rumsliga impuls, karakteristisk för hans avhandlingar. Martinifästningar har i de flesta fall formen av en stjärna, som blottas åt alla håll av väggarnas hörn med bastioner som är kraftigt utskjutna. Denna arkitektoniska lösning berodde till stor del på uppfinningen av kanonkulan. Kanonerna, som var monterade på bastioner långt fram i rymden, gjorde det möjligt att aktivt motverka fienderna, träffa dem på stort avstånd och hindra dem från att nå huvudväggarna.
Leonardo Bruni, i sina lovordande verk tillägnad Florens, framträder framför oss snarare än riktig stad, men en förkroppsligad sociokulturell doktrin, för han försöker "korrigera" den urbana layouten och beskriva byggnaders placering på ett nytt sätt. Som ett resultat av detta visar sig Palazzo Signoria vara i centrum av staden, varifrån, som en symbol för urban makt, ringar av murar, befästningar etc., bredare än i verkligheten, divergerar. I denna beskrivning avgår Bruni från den slutna modellen av en medeltida stad och försöker förkroppsliga ny idé idén om urban expansion, som är en slags symbol för en ny era. Florens intar närliggande landområden och lägger under sig stora territorier.
Således den idealiska staden i XV-talet. skapas inte i en vertikal sakraliserad projektion, utan i ett horisontellt sociokulturellt rum, som inte förstås som en frälsningssfär, utan som en bekväm livsmiljö. Det är därför den ideala staden avbildas av konstnärer från 1400-talet. inte som något avlägset mål, utan inifrån, som en vacker och harmonisk sfär av mänskligt liv.
Det är dock nödvändigt att notera vissa motsägelser som ursprungligen fanns i bilden av renässansstaden. Trots det faktum att under denna period uppträdde magnifika och bekväma bostäder av en ny typ, skapade i första hand "för folkets skull", börjar själva staden redan uppfattas som en stenbur, vilket inte tillåter utvecklingen av en fri kreativ mänsklig personlighet. Det urbana landskapet kan uppfattas som något som strider mot naturen, och det är som bekant naturen (både mänsklig och icke-mänsklig) som är föremål för estetisk beundran för dåtidens konstnärer, poeter och tänkare.
Början av urbaniseringen av det sociokulturella rummet, även i dess primära, rudimentära och entusiastiskt uppfattade former, väckte redan en känsla av ontologisk ensamhet, övergivenhet i den nya, "horisontella" världen. I framtiden kommer denna dualitet att utvecklas, förvandlas till en akut motsägelse av den moderna tidens kulturella medvetande och leda till framväxten av utopiska anti-urbana scenarier.
Vi har den största informationsbasen i RuNet, så du kan alltid hitta liknande frågor
Detta ämne tillhör:
Kulturologi
Teori om kultur. Kulturologi i systemet för socio-humanitär kunskap. Vår tids grundläggande kulturteorier och skolor. Kulturens dynamik. kulturhistoria. Forntida civilisation - vaggan europeisk kultur. Den europeiska medeltidens kultur. Faktiska problem modern kultur. Kulturens nationella ansikten i en globaliserad värld. Språk och kulturkoder.
Detta material innehåller avsnitt:
Kultur som villkor för samhällets existens och utveckling
Kulturologi som självständigt kunskapsområde
Begrepp om kulturstudier, dess objekt, ämne, uppgifter
Kulturkunskapens struktur
Metoder för kulturforskning
Enheten av historiska och logiska i förståelsen av kultur
Gamla idéer om kultur
Att förstå kultur under medeltiden
Förståelse av kultur i den europeiska filosofin i modern tid
Allmänna egenskaper hos kulturstudier under XX-talet.
O. Spenglers kulturella koncept
Integrationsteori om kultur P. Sorokin
Psykoanalytiska kulturbegrepp
Grundläggande tillvägagångssätt för analys av kulturens väsen
Kulturens morfologi
Kulturens normer och värderingar
Kulturens funktioner
Renässanskonst
Renässans- detta är storhetstid för all konst, inklusive teatern, litteraturen och musiken, men utan tvekan var den främsta bland dem, som mest fullständigt uttryckte sin tids anda, de sköna konsterna.
Det är ingen slump att det finns en teori om att renässansen började med det faktum att konstnärer inte längre var nöjda med ramarna för den dominerande "bysantinska" stilen och, på jakt efter modeller för sitt arbete, var de första att vända sig till till antiken. Termen "renessans" (renässans) introducerades av tänkaren och konstnären från själva eran, Giorgio Vasari ("Biografi över kända målare, skulptörer och arkitekter"). Så han kallade tiden från 1250 till 1550. Ur hans synvinkel var detta tiden för antikens väckelse. För Vasari framstår antiken på ett idealiskt sätt.
I framtiden har innehållet i termen utvecklats. Väckelsen började betyda vetenskapens och konstens frigörelse från teologin, en kylning mot kristen etik, födelsen av nationella litteraturer, människans önskan om frihet från den katolska kyrkans restriktioner. Det vill säga, renässansen, i huvudsak, började betyda humanism.
REVIVAL, RENAISSANCE(Fransk renais sance - återfödelse) - en av de största epoker, vändpunkt i världskonstens utveckling mellan medeltiden och den nya tiden. Renässansen täcker XIV-XVI-talen. i Italien, XV-XVI århundraden. i andra europeiska länder. Denna period i kulturens utveckling fick sitt namn - renässans (eller renässans) i samband med återupplivandet av intresset för antik konst. Men dåtidens konstnärer kopierade inte bara gamla mönster, utan lade också in ett kvalitativt nytt innehåll i dem. Renässansen bör inte betraktas som en konstnärlig stil eller riktning, eftersom det i denna tid fanns olika konstnärliga stilar, trender, strömningar. Renässansens estetiska ideal bildades utifrån en ny progressiv världsbild - humanismen. Den verkliga världen och människan utropades till det högsta värdet: Människan är alla tings mått. Den kreativa personens roll har särskilt ökat.
Tidens humanistiska patos förkroppsligades bäst i konsten, som liksom under tidigare århundraden syftade till att ge en bild av universum. Det nya var att man försökte förena det materiella och det andliga till en helhet. Det var svårt att hitta en person som var likgiltig för konst, men företräde gavs åt konst och arkitektur.
Italiensk målning från 1400-talet mestadels monumentala (fresker). Måleriet intar en ledande plats bland olika typer av konst. Det överensstämmer till fullo med renässansprincipen om att "imitera naturen". Ett nytt visuellt system bildas på grundval av studiet av naturen. Konstnären Masaccio gjorde ett värdigt bidrag till utvecklingen av en förståelse för volym, dess överföring med hjälp av chiaroscuro. Upptäckt och vetenskapligt belägg för lagarna för linjär och flygperspektiv avsevärt påverkat det europeiska måleriets vidare öde. Ett nytt plastspråk för skulptur håller på att bildas, dess grundare var Donatello. Han återupplivade den fristående runda statyn. Hans bästa verk är skulpturen av David (Florens).
Inom arkitekturen återuppstår principerna för det antika ordningssystemet, vikten av proportioner höjs, nya typer av byggnader bildas (stadspalats, lantvilla etc.), arkitekturteorin och konceptet om en idealstad är utvecklas. Arkitekten Brunelleschi byggde byggnader där han kombinerade den antika förståelsen av arkitektur och den sena gotikens traditioner, vilket uppnådde en ny figurativ andlighet av arkitektur, okänd för de gamla. Under högrenässansen förkroppsligades den nya världsbilden bäst i verk av konstnärer som med rätta kallas genier: Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione och Titian. De sista två tredjedelarna av 1500-talet kallad sen renässans. Vid den här tiden omfattar krisen konst. Det blir reglerat, hövligt, tappar sin värme och naturlighet. Men enskilda stora artister - Titian, Tintoretto fortsätter att skapa mästerverk under denna period.
Den italienska renässansen hade en enorm inverkan på konsten i Frankrike, Spanien, Tyskland, England och Ryssland.
Uppgången i utvecklingen av konsten i Nederländerna, Frankrike och Tyskland (XV-XVI århundraden) kallas den norra renässansen. Målarna Jan van Eycks, P. Brueghel den äldres arbete är denna periods höjdpunkt i konstens utveckling. I Tyskland var A. Dürer den tyska renässansens största konstnär.
De upptäckter som gjordes under renässansen inom området andlig kultur och konst var av stor historisk betydelse för utvecklingen av europeisk konst under de följande århundradena. Intresset för dem fortsätter än i dag.
Renässansen i Italien gick igenom flera stadier: tidig renässans, högrenässans, sen renässans. Florens blev renässansens födelseplats. Grunden till den nya konsten utvecklades av målaren Masaccio, skulptören Donatello och arkitekten F. Brunelleschi.
Den första som skapade målningar istället för ikoner var proto-renässansens största mästare Giotto. Han var den första som strävade efter att förmedla kristna etiska idéer genom skildringen av verkliga mänskliga känslor och upplevelser, och ersatte symbolik med skildringen av verklig rymd och specifika föremål. På Giottos berömda fresker i Arenakapellet i Padua du kan se ganska ovanliga karaktärer bredvid helgonen: herdar eller en spinnare. Varje enskild person i Giotto uttrycker ganska bestämda upplevelser, en bestämd karaktär. 
Under den tidiga renässansens era inom konst sker utvecklingen av det antika konstnärliga arvet, nya etiska ideal bildas, konstnärer vänder sig till vetenskapens prestationer (matematik, geometri, optik, anatomi). Den ledande rollen i bildandet av de ideologiska och stilistiska principerna för konsten från den tidiga renässansen spelas av Florens. I bilderna skapade av sådana mästare som Donatello, Verrocchio, dominerar ryttarstatyn av condottiere Gattamelata David av Donatello de heroiska och patriotiska principerna ("St. George" och "David" av Donatello och "David" av Verrocchio). 
Masaccio var grundaren av renässansmåleriet.(väggmålningar i Brancacci-kapellet, "Trenity"), kunde Masaccio förmedla rymdens djup, kopplade ihop figuren och landskapet med en enda kompositionsidé och gav individer porträttexpressivitet.
Men bildandet och utvecklingen av det bildliga porträttet, som återspeglade renässanskulturens intresse för människan, är förknippade med namnen på konstnärerna i Umrbi-skolan: Piero della Francesca, Pinturicchio.
Konstnärens verk skiljer sig från den tidiga renässansen Sandro Botticelli. Bilderna han skapade är andliga och poetiska. Forskare noterar abstraktionen och den förfinade intellektualismen i konstnärens verk, hans önskan att skapa mytologiska kompositioner med komplicerat och krypterat innehåll ("Våren", "Venus födelse").En av Botticellis biografer sa att hans Madonnor och Venuser ger intryck av att förlust, vilket orsakar oss en känsla av outplånlig sorg... Vissa av dem förlorade himlen, andra - jorden. 
"Vår" "Venus födelse"
Kulmen i utvecklingen av den italienska renässansens ideologiska och konstnärliga principer är Högrenässans. Grundaren av högrenässansens konst är Leonardo da Vinci - stor konstnär och vetenskapsman.
Han skapade ett antal mästerverk: "Mona Lisa" ("La Gioconda") Strängt taget kännetecknas Giocondans själva ansikte av återhållsamhet och lugn, det leende som skapade hennes världsberömmelse och som senare blev en oumbärlig del av verken av Leonardo-skolan märks knappt i den. Men i det mjukt smältande diset som omsluter ansiktet och figuren lyckades Leonardo få känna den gränslösa variationen hos mänskliga ansiktsuttryck. Även om ögonen på Gioconda tittar uppmärksamt och lugnt på betraktaren, på grund av skuggan av hennes ögonhålor, kan man tycka att de rynkar en aning; hennes läppar är sammanpressade, men knappt märkbara skuggor är skisserade nära deras hörn, vilket får dig att tro att de varje minut kommer att öppnas, le, tala. Själva kontrasten mellan hennes blick och halvleendet på hennes läppar ger en uppfattning om den motsägelsefulla karaktären av hennes upplevelser. Det var inte förgäves som Leonardo torterade sin modell med långa sessioner. Som ingen annan lyckades han förmedla skuggor, nyanser och halvtoner i denna bild, och de ger upphov till en känsla av darrande liv. Inte konstigt att Vasari trodde att man på halsen på Mona Lisa kan se hur en ven slår.
I porträttet av Gioconda förmedlade Leonardo inte bara kroppen och luftmiljön som omsluter den perfekt. Han lade också in en förståelse för vad ögat behöver för att en bild ska ge ett harmoniskt intryck, varför allt ser ut som om formerna naturligt föds ur varandra, som händer i musik när en spänd dissonans löses upp. med ett harmoniskt ackord. Gioconda är perfekt inskriven i en strikt proportionell rektangel, hennes halvfigur bildar något helt, vikta händer ger hennes bild fullständighet. Nu kunde det naturligtvis inte vara fråga om de bisarra lockarna från den tidiga bebådelsen. Men oavsett hur mjuka alla konturer är, är det vågiga locket i Giocondas hår i samklang med den genomskinliga slöjan, och det hängande tyget som kastas över axeln finner ett eko i de mjuka slingrarna på den avlägsna vägen. I allt detta visar Leonardo sin förmåga att skapa enligt lagarna för rytm och harmoni. ”Teknikmässigt har Mona Lisa alltid ansetts vara något oförklarligt. Nu tror jag att jag kan svara på den här gåtan”, säger Frank. Enligt honom använde Leonardo tekniken han utvecklade "sfumato" (italienska "sfumato", bokstavligen - "försvann som rök"). Tricket är att föremålen i målningarna inte ska ha tydliga gränser, allt ska gå smidigt från det ena till det andra, föremålens konturer mjukas upp med hjälp av den lätta luftdisen som omger dem. Den största svårigheten med denna teknik ligger i de minsta slagen (cirka en kvarts millimeter) som inte är tillgängliga för igenkänning vare sig i mikroskop eller med röntgenstrålar. Det tog alltså flera hundra sessioner att måla en da Vinci-målning. Bilden av Mona Lisa består av cirka 30 lager flytande, nästan genomskinlig oljefärg. För sådant smyckesarbete var konstnären tydligen tvungen att använda ett förstoringsglas. Kanske förklarar användningen av en så mödosam teknik den långa tiden som ägnas åt att arbeta på porträttet - nästan 4 år. 
, "Sista måltiden" gör ett bestående intryck. På väggen, som om man skulle övervinna den och ta med betraktaren in i en värld av harmoni och majestätiska visioner, utspelar sig det uråldriga evangeliedramat om vilseledd tillit. Och detta drama finner sin upplösning i en allmän impuls riktad mot huvudpersonen - en make med ett sorgset ansikte, som accepterar det som händer som oundvikligt. Kristus hade just sagt till sina lärjungar: "En av er kommer att förråda mig." Förrädaren sitter med de andra; de gamla mästarna avbildade Judas sittande separat, men Leonardo tog fram sin dystra isolering mycket mer övertygande och höljde sina ansikten med en skugga. Kristus är undergiven sitt öde, full av medvetenhet om offret av sin bedrift. Hans lutande huvud med sänkta ögon, hans händers gest är oändligt vacker och majestätisk. Ett charmigt landskap öppnar sig genom fönstret bakom hans gestalt. Kristus är centrum för hela kompositionen, i all den där virveln av passioner som rasar runt. Hans sorg och lugn är så att säga eviga, naturliga - och detta är den djupa innebörden av dramat som visas. Han letade efter källorna till perfekta former av konst i naturen, men N. Berdyaev anser honom vara ansvarig för den kommande processen av mekanisering och mekanisering av mänskligt liv, som slet en person från naturen.
Målning uppnår klassisk harmoni i kreativitet Raphael. Hans konst utvecklas från de tidiga kyliga umbriska bilderna av Madonnas (Madonna Conestabile) till världen av "glad kristendom" av florentinska och romerska verk. "Madonna med en guldfink" och "Madonna i en fåtölj" är mjuka, humana och till och med vanliga i sin mänsklighet. 
Men bilden av den "sixtinska madonnan" är majestätisk och förbinder symboliskt de himmelska och jordiska världarna. Mest av allt är Raphael känd som skaparen av milda bilder av Madonnor. Men i måleriet förkroppsligade han både renässansens universella människas ideal (porträtt av Castiglione) och dramat av historiska händelser. Den sixtinska madonnan (ca 1513, Dresden, konstgalleri) är ett av konstnärens mest inspirerade verk. Skrivet som en altartavla för kyrkan i klostret St. Sixtus in Piacenza, denna målning, när det gäller design, komposition och tolkning av bilden, skiljer sig väsentligt från Madonnorna under den florentinska perioden. Istället för en intim och jordisk bild av en vacker ung jungfru som nedlåtande följer två spädbarns nöjen, har vi här en underbar vision som plötsligt dök upp på himlen på grund av en gardin som drogs tillbaka av någon. Omgiven av en gyllene strålglans, högtidlig och majestätisk, går Maria genom molnen och håller Kristusbarnet framför sig. Vänster och höger knä framför hennes St. Sixtus och St. Barbara. Den symmetriska, strikt balanserade kompositionen, silhuettens klarhet och den monumentala generaliseringen av formerna ger den sixtinska madonnan en speciell storhet.
I den här bilden lyckades Raphael, kanske i större utsträckning än någon annanstans, kombinera bildens verklighetstrogna sanning med drag av idealisk perfektion. Bilden av Madonnan är komplex. Den rörande renheten och naiviteten hos en mycket ung kvinna kombineras i honom med fast beslutsamhet och heroisk beredskap för offer. Detta hjältemod gör bilden av Madonnan relaterad till den italienska humanismens bästa traditioner. Kombinationen av det ideala och det verkliga i denna bild för tankarna till Rafaels välkända ord från ett brev till sin vän B. Castiglione. "Och jag ska säga dig," skrev Raphael, "att för att skriva en skönhet behöver jag se många skönheter ... men på grund av bristen ... hos vackra kvinnor använder jag en idé som kommer till mig . Om det har någon perfektion vet jag inte, men jag försöker mycket hårt för att uppnå det. Dessa ord kastar ljus över konstnärens kreativa metod. Utgår från verkligheten och förlitar sig på den, samtidigt strävar han efter att höja bilden över allt som är oavsiktligt och övergående.
Michelangelo(1475-1564) - utan tvekan en av de mest inspirerade konstnärerna i konsthistorien och, tillsammans med Leonardo da Vinci, den mäktigaste figuren i den italienska högrenässansen. Som skulptör, arkitekt, målare och poet hade Michelangelo ett enormt inflytande på sin samtid och på efterföljande västerländsk konst i allmänhet.
Han ansåg sig vara en florentinare – även om han föddes den 6 mars 1475 i den lilla byn Caprese nära staden Arezzo. Michelangelo älskade djupt sin stad, dess konst, kultur och bar denna kärlek till sina dagars slut. Han tillbringade större delen av sina mogna år i Rom och arbetade för påvarna; dock lämnade han ett testamente, i enlighet med vilket hans kropp begravdes i Florens, i en vacker grav i kyrkan Santa Croce.
Michelangelo färdigställde marmorskulpturen Pieta(Kristi klagan) (1498-1500), som fortfarande finns på sin ursprungliga plats - i Peterskyrkan. Detta är ett av de mest kända verken i världskonstens historia. Pietan färdigställdes förmodligen av Michelangelo innan han var 25 år gammal. Detta är det enda verk han har skrivit på. Den unga Maria avbildas med den döde Kristus på knä, en bild lånad från nordeuropeisk konst. Marys blick är inte så ledsen som högtidlig. Detta är den högsta kreativiteten hos den unge Michelangelo. 
Inte mindre betydande verk av den unge Michelangelo var en gigantisk (4,34 m) marmorbild David(Academy, Florens), avrättad mellan 1501 och 1504, efter att ha återvänt till Florens. Hjälte Gamla testamentet avbildad av Michelangelo i form av en stilig, muskulös, naken ung man som oroligt tittar i fjärran, som om han utvärderar sin fiende - Goliat, som han måste slåss med. Det livliga, spända uttrycket i Davids ansikte är karakteristiskt för många av Michelangelos verk - detta är ett tecken på hans individuella skulpturala sätt. David, Michelangelos mest kända skulptur, har blivit en symbol för Florens och placerades ursprungligen på Piazza della Signoria framför Palazzo Vecchio, det florentinska rådhuset. Med denna staty bevisade Michelangelo för sin samtid att han inte bara överträffade alla samtida konstnärer, utan också antikens mästare.
Målning på Sixtinska kapellets valv 1505 kallades Michelangelo till Rom av påven Julius II för att uppfylla två order. Den viktigaste var freskmålningen av Sixtinska kapellets valv. När han arbetade liggande på höga byggnadsställningar precis under taket, skapade Michelangelo de vackraste illustrationerna till några bibliska berättelser mellan 1508 och 1512. På det påvliga kapellets valv avbildade han nio scener ur Första Moseboken, som började med Ljusets Separation från Mörkret och inkluderade Adams Skapelse, Evas Skapelse, Adams och Evas frestelse och fall och syndafloden. . Runt huvudmålningarna växlar bilder av profeter och sibyllor på marmortroner, andra Gamla testamentets karaktärer och Kristi förfäder.
För att förbereda sig för detta fantastiska arbete gjorde Michelangelo ett stort antal skisser och kartonger, på vilka han avbildade figurerna av sittarna i en mängd olika poser. Dessa kungliga, kraftfulla bilder bevisar konstnärens mästerliga förståelse av mänsklig anatomi och rörelse, vilket gav impulser till en ny riktning i västeuropeisk konst. 
Två andra utmärkta statyer, Bunden fånge och en slavs död(båda ca 1510-13) finns i Louvren, Paris. De visar Michelangelos inställning till skulptur. Enligt hans åsikt är figurerna helt enkelt inneslutna i marmorblocket, och det är konstnärens uppgift att befria dem genom att ta bort den överflödiga stenen. Ofta lämnade Michelangelo skulpturerna ofullbordade, antingen för att de inte längre behövdes eller helt enkelt för att de tappade intresset för konstnären. 
San Lorenzos bibliotek Projektet med Julius II:s grav krävde arkitektoniska studier, men Michelangelos seriösa arbete på det arkitektoniska området började först 1519, då han beordrades att fasadera biblioteket St. Lawrence i Florens, dit konstnären återvände igen ( detta projekt genomfördes aldrig). På 1520-talet ritade han också den eleganta entréhallen till biblioteket som gränsar till kyrkan San Lorenzo. Dessa strukturer färdigställdes bara några decennier efter författarens död.
Michelangelo, en anhängare av den republikanska fraktionen, deltog under åren 1527-29 i kriget mot Medici. Hans ansvar omfattade byggandet och återuppbyggnaden av Florens befästningar. 
Medici kapell. Efter att ha bott i Florens under en ganska lång period slutförde Michelangelo mellan 1519 och 1534 familjen Medicis uppdrag att uppföra två gravar i den nya sakristian i kyrkan San Lorenzo. I en sal med ett högt kupolvalv reste konstnären två magnifika gravar mot väggarna, avsedda för Lorenzo De Medici, hertig av Urbino och för Giuliano De Medici, hertig av Nemours. Två komplexa gravar tänktes som representationer av motsatta typer: Lorenzo - en person innesluten i sig själv, en eftertänksam, tillbakadragen person; Giuliano är tvärtom aktiv, öppen. Ovanför Lorenzos grav placerade skulptören allegoriska skulpturer av morgon och kväll, och ovanför Giulianos grav - allegorier om dag och natt. Arbetet med Medici-gravarna fortsatte efter att Michelangelo återvänt till Rom 1534. Han besökte aldrig sin älskade stad igen.
Sista domen
Från 1536 till 1541 arbetade Michelangelo i Rom med att måla altarväggen i Sixtinska kapellet i Vatikanen. Renässansens största fresk föreställer den yttersta domens dag.Kristus delar med en brinnande blixt i handen obönhörligen alla jordens invånare i de frälsta rättfärdiga, avbildade på kompositionens vänstra sida, och syndare som stiger ned till Dantes helvete (vänster sida av fresken). Strikt efter sin egen tradition målade Michelangelo ursprungligen alla figurerna nakna, men ett decennium senare "klädde" någon puritansk konstnär dem när det kulturella klimatet blev mer konservativt. Michelangelo lämnade sitt eget självporträtt på fresken - hans ansikte är lätt att gissa på huden sliten från den helige martyraposteln Bartolomeus.
Även om Michelangelo under denna period hade andra bilduppdrag, som att måla apostelns kapell (1940), försökte han först och främst ägna all sin kraft åt arkitektur.
Kupolen av Peterskyrkan. 1546 utsågs Michelangelo till huvudarkitekt för Peterskyrkan i Vatikanen, som var under uppbyggnad. Byggnaden byggdes enligt Donato Bramantes plan, men Michelangelo blev i slutändan ansvarig för byggandet av altarabsiden och för utvecklingen av den tekniska och konstnärliga lösningen för katedralens kupol. Slutförandet av byggandet av Peterskyrkan var den florentinska mästarens högsta prestation inom arkitekturområdet. Under sitt långa liv var Michelangelo en nära vän med prinsar och påvar, från Lorenzo de Medici till Leo X, Clement VIII och Pius III, samt många kardinaler, målare och poeter. Konstnärens karaktär, hans position i livet är svår att entydigt förstå genom hans verk - de är så olika. Förutom kanske i poesi, i sina egna dikter, vände sig Michelangelo oftare och djupare till frågor om kreativitet och sin plats i konsten. En stor plats i hans dikter ges åt de problem och svårigheter som han hade att möta i sitt arbete, och personliga relationer med de mest framstående representanterna för den tiden. kända poeter Renässansen Lodovico Ariosto skrev ett epitafium för denna berömda konstnär: "Michele är mer än dödlig, han är en gudomlig ängel." 
