Genialisten A. Zverev och hans dikter

Hur många världar finns det på jorden? Så många som det finns människor. För alla skapar sin egen värld. Hur går det till? Från barndomen dras vi obönhörligt mot fantasi, sagor. Att uppleva detta liv i sin helhet. Världen verkar inte bara tråkig, utan oinkarnerad. Och när vi tillåter oss själva att skapa uppstår en ny värld.

Vad lär oss konstnärens erfarenhet? Rita först om du känner för att rita! Om detta är ditt sätt att uttrycka vad du bryr dig om. För det andra - skildra ditt liv, berätta med en linje, färglägg, kom ihåg detaljerna, försök att förmedla hela "ditt minnes teater". För det tredje - om det inte finns något album och penslar, ta en enkel anteckningsbok, en uppsättning barnpennor, en kulspetspenna och slutligen - gå.

Vårt liv är ett konstverk. Även om vi inte skriver eller ritar så skapar vi ändå.

Tillbaka i boken

Om du förstår att livet är kreativitet, att varje ögonblick är upplyst av skapelsens energi, kommer förverkligandet av detta att leda till uppvaknandet av din talang, och sedan genialitet. Som en gång i barndomen kommer allt att vara möjligt - och rita, och sjunga och dansa, skapa din egen värld, allt var då möjligt - till och med flyga!

Detta rörande bra bok hjälper dig att hitta och utveckla ditt kreativa "jag". Av den lär du dig:

• hur man skapar konstprojekt
• vad är en skattkista
• om karikatyrteckningens krångligheter
• hur man håller drakar i en målning
• bokstäver och kalligrafi tips
• varför är den "svarta fyrkanten" så dyr
• vilka är dabloiderna som bor i en elefants snabel och hemligt liv dykare
• om att måla med vind

…340 sidor med inspiration, metaforer, berättelser som talar till din inre konstnär.

Var inte rädd för din talang. Upptäck ditt unika "jag" och tro på dig själv! En vacker dag kommer dina världar att bli oberoende och, som regnbågsbubblor, flyga över jorden och börja leva sina egna liv.

P.S.: Prenumerera på vårt nyhetsbrev om kreativa böcker för att få de läckraste utdragen varje vecka, bli den första att veta om rabatter och delta i kreativa utmaningar.

Adolphe-William Bouguereau (Bouguereau)(1825-1905) - en av de mest begåvade franska konstnärer 1800-talet största representanten salongsakademin, som skrev mer än 800 målningar. Men det hände så att hans namn och geniala konstnärligt arv utsattes för den strängaste kritiken och glömdes bort i nästan ett sekel.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0002.jpg" alt=""En kvinna från Cervar och hennes barn". Författare: William Bouguereau." title=""Kvinna från Chervar och hennes barn".

Den framtida konstnärens begåvning manifesterades fullt ut i grundskola: alla hans anteckningsböcker var bokstavligen målade med teckningar och olika skisser. Men på grund av ekonomiska problem i familjen placerades mycket unge William i vård av den 27-årige farbror Yuzhen, som ingjutit ung talang intresse för filosofi, litteratur, mytologi och religion.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0033.jpg" alt="Ung Johannes Döparen. Författare: Adolf William Bouguereau." title="Unge Johannes Döparen.

Snart gick drömmen i uppfyllelse och William Bouguereau blev en av de bästa eleverna på denna skola. I ett försök att lära dig mer om din framtida yrke, han går kurser i kostymhistoria, studerar arkeologi och deltar i anatomiska obduktioner.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0028.jpg" alt=""Italiensk pojke med en bit bröd". Författare: William Bouguereau." title=""Italiensk pojke med en bit bröd."

Och när målaren återvände till Paris kände hans popularitet inga gränser.
Bouguereau arbetade outtröttligt på sina skapelser. Han kom till sin verkstad tidigt på morgonen och gick hemifrån efter midnatt. Liksom alla stora konstnärer kännetecknades han av ett ständigt missnöje med sig själv och en oåterkallelig önskan om perfektion. För detta gav samtida honom smeknamnet "1800-talets Sisyfos".

Och den begåvade målaren jämfördes med Rembrandt. De sa det "Rembrandt fångade ålderdomens själ, medan Bouguereau fångade ungdomens själ." Perfekta kunskaper i anatomi människokropp, noggranna detaljer, överraskande utvalda färger - allt detta gjorde William Bouguereaus dukar ovanligt realistiska.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0003.jpg" alt=""Tröstens Virgin". (1877). Författare: William Bouguereau." title=""Jungfru av tröst" (1877).

Och för att på något sätt glömma den svåra förlusten ägnade sig konstnären helt åt arbetet. Han målade porträtt och målningar om historiska, mytologiska, bibliska och allegoriska ämnen, där nakenhet rådde. kvinnliga kroppar och sysslolöshet, vilket orsakade missnöje bland många.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0004.jpg" alt=""Oreads".

Men Bouguereau fortsatte att skriva i sin egen stil, och när nya fashionabla trender och trender snabbt började strömma in i konsten, accepterade han dem inte och motsatte sig dem med allt sitt arbete.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-00113.jpg" alt="Elizabeth Gardner är konstnärens andra fru. (1879). Författare: William Bouguereau." title="Elizabeth Gardner är konstnärens andra fru. (1879).

Hans sons död förlamade fullständigt mästarens hälsa. Och det nedstämda humöret, den ackumulerade tröttheten, det enorma beroendet av alkohol och rökning hade en skadlig effekt på hans hjärta. Och vid 79 års ålder dog den lysande målaren.

Glömskan och triumferande återkomst

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-00115.jpg" alt=" Dante och Virgil i helvetet. (1850). Författare: William Bouguereau." title="Dante och Vergilius i helvetet. (1850).

I nästan ett sekel var hans namn och konstnärliga arv bortglömda, och bara i kritisk litteratur kunde man finna ett negativt omnämnande av William Bouguereau som en målare av nakengenren. Hans målningar, som skickades till museernas förråd, hölls under alla dessa år i fuktigt källare och på vindar.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0017.jpg" alt=""Härlig börda".

1984, med stöd av Montreal Museum bild och form i Paris anordnades den första retrospektiva utställningen av en lysande målare.
Med stor svårighet lyckades dess arrangörer samla in arvet efter William Bouguereau och få det till en presentabel form. Många skapelser var tvungna att återställas, eftersom nästan ett sekel hade gått, och lokalerna där de förvarades inte alls motsvarade speciella lagringsutrymmen.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/219412167.jpg" alt=""Bön".

Vid den första auktionsförsäljningen 1977 översteg inte kostnaden för målningar av William Bouguereau 10 tusen dollar, men redan 1999 var det bara en duk"Амур и Психея" было продано на аукционе Christie’s за 1,76 миллиона долларов. Ну а к 2005 году стоимость его работ превысила отметку в 23 миллиона долларов. Это было воистину триумфальным возвращением гениального художника.!}

De sa att han spelade rollen som en stadsgalning. Jag spelade för att överleva och inte hamna under förtryckets rink. Han sålde inte sina verk under sin livstid, han gav dem till barn och sa att han skrev för den framtida tittaren.

Konstnären utvecklade sin egen ursprungliga målarstil, ibland kallad "fantastisk expressionism". Nu värderas hans målningar till - 15 000-26 000 dollar.

Som en fakir, en trollkarl och en trollkarl kunde han lätt skapa ett verkligt mirakel av vanliga saker. Hans kulisser för föreställningar i teatern. Abai i Alma-Ata förvandlade en vanlig lokal föreställning till en ovanligt ljus show, och publiken såg alltid fram emot utseendet på hans nya verk. Hela hans liv är en teater, och konstnären har generöst dekorerat den med alla medel som står till hans förfogande.

Utan denna person är det svårt att föreställa sig Alma-Ata på 40-60-talet. När han gick runt i staden i konstiga, löjliga kläder var han en integrerad del av huvudstaden. genialisk konstnär eller stadsgalen? Den berömda Alma-Ata-bon Sergey Kalmykov var en kontroversiell och kontroversiell figur. Ändå är det hans målningar som nu pryder museerna i många städer.

De vande sig vid Kalmykov - vid hans hemmagjorda byxor med flerfärgade byxor, vid hans scharlakansröda basker, vid hans fantastiska jacka med tomma plåtburkar knutna till, klirrande när han gick. Med tiden har det blivit en unik del av Almatys stadslandskap, som en kolibri i den sibiriska taigan. Han kallade sig själv, inte utan ironi, "den sista avantgardekonstnären i det första samtalet" ... trots allt visade han sig vara nästan den enda representanten för en lysande kultur Silveråldern mirakulöst överlevde tills Chrusjtjov tinade upp.

1896, familj. Signatur på baksidan: "Min pappa, mamma, Lelya, Shura! Vanya och jag, den minsta. Jag minns när vi filmades. Vanya och jag var i röda sidenskjortor. Shura är en gymnasieelev!

Sergei Ivanovich Kalmykov föddes 1891 i Samarkand. Snart flyttade hans familj till Orenburg, där Seryozha Kalmykov studerade på gymnasiet, sedan på skolan för målning, skulptur och arkitektur. I sin ungdom var han en reserverad, okommunikativ person. 1910 reste han till S:t Petersburg och gick i 4 år i V.N. Zvantseva, där sådana kända artister som Dobuzhinsky, Petrov-Vodkin, Bakst.

Det var då som en tjugoårig yngling skapade fantastisk bild"Badar de röda hästarna" Petrov-Vodkin uppskattade mycket studentens arbete och sa om honom: "han är som en ung japan som precis har lärt sig att rita."

Ett år senare målade Kuzma Petrov-Vodkin själv sin berömda röda häst, som blev en symbol för det ryska avantgardet. Vid detta tillfälle påminde Kalmykov: "Ser ut som en japaner gul pojke som sitter på en röd häst är jag. Men mina ben är inte så korta. Detta skrev Petrov-Vodkin från en lägre vinkel. Mina ben kommer att bli längre."

Återvände till Orenburg, Kalmykov arbetade hårt, efter Oktoberrevolutionen blev en av de mest aktiva Orenburg-konstnärerna. Han deltog i utformningen av revolutionära helgdagar, offentliga byggnader, föreläste. Hans målningar, teckningar och skulpturer väckte allmänhetens uppmärksamhet. På 1920-talet deltog Kalmykov i den konstnärliga utformningen av föreställningarna i Orenburg teater och cirkus, i utvecklingen av skisser teatraliska kostymer och affischer. På den tiden reste han mycket med Middle Volga Mobile Opera som huvudkonstnär, samtidigt bestämde sig Kalmykov som dekoratör och bestämde sig för att knyta sin kreativt liv med teatern.

tre nåder

1935 blev Kalmykov inbjuden till Kazakstan för att arbeta i det nyskapade musikteater(nu GATOB uppkallad efter Abay). Här designade han självständigt operorna Aida, Prince Igor, Faust, Floria Tosca och andra.

"Kazakhstanskaya Pravda" den 30 oktober 1935 skrev om pjäsen "Prins Igor": "Konstnärerna Kalmykov och Mikheev löste framgångsrikt scenens utformning och orsakade välförtjänt applåder från publiken. Skrivet i behagliga färger, med ett stort sinne för proportioner, kulisser som inte rörde ner scenerna som vanligt, framgångsrika kostymer - tyder på att artisterna noggrant studerade eran och skickligt använde det tillgängliga materialet. I Alma-Ata tecknar han mycket, skriver, men ställer inte ut, publiceras inte, säljer inte sina verk.

Konstcentret är just nu i mitt huvud- skrev konstnären.

1936 blev Sergei Ivanovich medlem av Union of Artists of Kazakhstan. Parallellt med sitt arbete på teatern ledde Kalmykov också en oberoende konstnärligt arbete teckning, målning och gravyr. Han deltog i nästan alla förbundets Konst utställning. 1946 lämnade han arbetet av hälsoskäl. 1952 återvände han till teatern och arbetade som dekoratör.

självporträtt

Så här beskrev författaren Yuri Dombrovsky sitt första möte med konstnären: "... och sedan såg jag konstnären vid staffliet. Jag har hört talas om den här killen förut. För en månad sedan lämnade han in en förklaring till polisen (grannar klagade) och skrev under på följande sätt: ”Genius av 1:a rangen av Jorden och galaxen, dekoratör, artist-utövande av Opera- och Balettteatern. Abai SERGEY IVANOVICH KALMYKOV.<…>

Han var också klädd inte för människor, utan för galaxen. På hans huvud låg en platt och någon slags häftig basker, och på hans tunna axlar hängde en blå kappa med prydnadssaker, och under den gnistrade något otroligt ljust och desperat - röd-gul-lila. Konstnären arbetade. Han kastade ett slag på duken, ett annat, ett tredje - allt detta slarvigt, slentrianmässigt, lekande - steg sedan åt sidan, sänkte penseln skarpt - folkmassan vek undan, konstnären försökte, tittade noga och kastade plötsligt ut sin hand - tid ! - och ett svart djärvt kladd föll på duken. Den fastnade någonstans nedanför, snett, klumpigt, som helt malplacerad, men så kom det fler drag, och några fler drag och beröringar av penseln - det vill säga fläckar - gult, grönt, blått - och nu på duken av färgad dimma började något bryta ut, tjockna, visa. Och en bit av basaren dök upp: damm, värme, sand uppvärmd till ett vitt ljud och en vagn lastad med vattenmeloner ... ".

”Folk föreställer sig ett geni, förmodligen så. Det är de högsta lönerna. Popularitet. Växande berömmelse, pengar. Vi är ödmjuka professionella genier, vi vet: genialitet är trasiga byxor. Det här är tunna strumpor. Det här är en sliten kappa”, skrev konstnären.

"Kalmykov ansågs av alla begåvad artist– sa då en av konstnärens kollegor. – Detta erkändes av mycket kompetenta människor, men mängden konstigheter i hans beteende tillät honom inte att uppnå den position han förtjänade. Så han kunde rita den mest magnifika skissen eller bilden på beställning, men sedan täcka upp allt och skriva något besvärligt. Han kunde till exempel skriva Venus de Milo, rita hennes händer och sätta en primus i dem.

Eller skildra en skådespelare i en sketch i en absurd kostym som inte stämmer överens med situationen och idén. En massa av de mest olika teorierna trängdes alltid i hans huvud: antingen ville han bygga ovanliga raketer eller en korridor som förbinder Moskva med Alma-Ata. Eller så arbetade han på sin avhandling "Connecting sutures of the skull". Redan då var hans idéer om storhet tydligt manifesterade. Han kallade sig själv ett kosmiskt geni, en lysande konstnär och sa att alla borde kyssa hans hälar ...

I senaste åren han tilldelades inte självständigt arbete, han gjorde ofta helt löjliga saker, bortskämd. Många av hans verk, under tiden, som hela hans lägenhet är full av, sågs av Moskvakonstnärer och betraktades som honom bästa artist städer. Han var alltid slarvig, hans utseende och kläder var inte intresserade. Började smeta ut håret oljefärg, förklarar att han behövde ha svart hår för lång livslängd ... Han hade sitt eget näringssystem: han åt bara bröd (i sin ungdom tuggade han alltid franska frallor), men samtidigt, när han gick på besök, åt han allt som gavs. Då åt han främst mjölk, ost och keso, men utan bröd. Han åt inget kött, han var vegetarian. Han sa att varmt te och mat var ohälsosamt, elektriskt ljus var dåligt för ögonen, så han hade ingen gas, och på kvällen arbetade han i levande ljus eller satt i mörkret.

Inhemsk fattigdom var i hälarna på honom, han visste vad undernäring och hunger var. År efter år utgjorde mjölk och bröd hans kost. "Möbeln" i hans kennel byggdes av buntar av gamla tidningar bundna med garn.

När han fick en kappa i konstnärsförbundet slet han upp den, satte in kilar. Sedan dess började han gå i löjliga kläder, bisarra kläder, som han ändrade från olika gammalt skräp. Han trodde att han skapade en revolution i modelleringsvärlden. Han ansåg sig vara författare, skrev mycket under falska namn. Han kände inte kvinnor, förde dagböcker där han skrev om sina sexuella upplevelser. Ingen visste om han någonsin besökt ett badhus. Sov på golvet på tidningar. I Nyligen Jag släppte inte in någon, jag tog inte emot hjälp från grannar.”

Rumslig arkitektur var ett viktigt ämne för den ryska kosmismen, så Sergey Kalmykov bygger sina Babels torn, sträcker sig mot himlen, och designar några beboeliga fordon för rymden. Ibland dyker plötsligt en groda upp i hans "rymdpastoral", som snart måste förvandlas till en vacker prinsessa, och detta är lätt att förklara, eftersom konstnären, som bodde ensam, naturligtvis drömde om en flickvän, men inte om "Venus med Primus ”, som han kallade en av sina teckningar, men om en söt och vacker dam.

Titlarna på Kalmykovs verk är fulla av pretentiöshet: romanen " Sista dagar rundtur i den legendariska Kasfikis, eller Sergej Kalmykovs apoteos”, självporträtt "Pretendenteren till absolut odödlighet - S. Kalmykov", "Extraordinära stycken", hans manuskript, essäer, konsthistoriska skrifter, filosofiska diskurser och romaner har bevarats : "Pigeon Book", " grön bok”, ”Boom Factory”, ”Moon Jazz” och andra.

Officiell kritik erkände inte Kalmykovs verk, den orsakade "olycklig förvirring".

"Världen är sjuk. Och det finns inget förvånande i det faktum att endast konstnärer kan leda världen till frälsning". - skrev Sergey Kalmykov

Men nu hänger hans skapelser på museerna i St. Petersburg, Moskva, Astana och Almaty. Dukar förvaras också i privata samlingar. Några av Sergey Kalmykovs målningar är fortfarande http://bonart.kz/kalmyikov-s.html Och en av de amerikanska samlarna grundade Sergey Kalmykov Foundation.

1962 gick Sergei Kalmykov i pension och släpptes från jobbet på teatern. För aktivt deltagande i teaterns produktion och sociala arbete belönades Kalmykov upprepade gånger med diplom från Kazakiska SSR:s högsta råd (1940, 1945, 1959).

I mars 1967 fördes Kalmykov med ambulans till sjukhuset i allvarligt tillstånd, där de avslutade: ”Utmattad, osammanhängande tal, skakig gång. Paranoid nonsens. Dystrofi". 27 april 1967 dog Sergei Kalmykov. Före sin död, i ett sjukhusrum, beundrade han smaken av varm mat. Hans viloplats är okänd. Det är rättvist att säga: planeten jorden.

Enligt de mest grova uppskattningarna lämnade Kalmykov efter sig över ett och ett halvt tusen verk (teckningar, grafik, målningar) och omkring tio tusen sidor manuskript. Dessa manuskript i sig är ett slags "samizdat": sydda, inbundna och inbundna böcker, påkostat illustrerade. Utan undantag är alla texter utförda för hand, varje bokstav är en teckning, varje sida innehåller en komplett komposition.

Materialet använder fotografier från Centralen Statsarkivet RK.

Källor,

Först måste det sägas direkt att genialitet är en myt som har uppstått relativt nyligen och som framgångsrikt fungerar för att lösa specifika problem som knappast är relaterade till de aspekter av verkligheten som intresserar oss.

Om vi ​​ersätter frågan med en mer adekvat fråga "Är Pavlensky en begåvad konstnärsaktivist", så kan vi redan argumentera.

Problemet med konstnärlig aktivism är att den kombinerar två strängar: konst och politisk aktivism. Som aktivist är det inte särskilt etiskt att diskutera Pavlensky, eftersom han verkligen gör djärva saker, hävdar enkla, begripliga och sunda idéer och är ansvarig för dem. Dessutom är hans aktivism onekligen mer ambitiös än något strejkande och banderollhängande, vilket han verkligen förtjänar respekt för.

Å andra sidan kan man diskutera Pavlensky som konstnär. Kritiker-filosofernas inställning till honom som helhet varierar från återhållsamt positiv till (enligt sensationer - i de flesta fall) entusiastisk; problemet är att de flesta delar det politiska åsikter, och en situation uppstår där kritik mot Pavlenskij likställs med stöd för regimen och allmän obskurantism.

Varje konstnärlig handling innefattar två aspekter: estetisk-konceptuell eftertänksamhet och effekt. Pavlenskys aktier är mycket heterogena. Ja, mest bra jobbat"Carcass" (den nakna konstnären klättrade in i en spole av taggtråd, fastnade i den, räddades av polisen, som omedelbart arresterade honom), där han noggrant orkestrerade situationen med växlande tillstånd av fara-försvarslöshet-skydd-straff , fick inte en sådan resonans som en mer rak och dum handling med att spika pungen: dess sociala patos dödades helt av den störande bilden av konstnären.

Handlingen med att sätta eld på dörren är måttligt intressant: dess viktigaste resultat (utöver mycket vackra foton) - FSB-officerarnas handlingar, som stängde den skadade dörren med metallplåtar, och avslöjade därigenom en fantastisk rädsla för att förstöra sin egen integritet. Det fanns en sådan stigmatisering av icke-sterilitet, en önskan att eliminera alla spår av yttre inblandning, även till priset av att begränsa sin egen frihet, uppstod. Det kan jämföras med handlingen hos en person som, generad av en repa i ansiktet, kommer att binda hela huvudet, samtidigt som han förlorar förmågan att se.

Motsättningen mellan avsikt och resultat blir ganska uppenbar om man tittar på aktierna i Pussy Riot (och båda tillhör artisterna i alla fall). Så de gjorde samma sak flera gånger (på Lobnoye mesto, på taket av en trolleybuss, i tunnelbanan, i XXC). Varje tid är i grunden samma verk, men det var "furore" av handlingen i katedralen Kristus Frälsaren som förde deras arbete till en helt annan nivå.

Sammanfattningsvis är jag övertygad om att Pyotr Pavlensky är en mycket bra konstnär, med en något ojämn kreativitet, bland vars andelar det finns både enastående verk och övergående saker.

Han gick till historien, men han kommer inte att skapa sin egen skola.

Varför i målningarna av den sk. modern konst har inte en sådan grad av bearbetning av detaljer, som i klassisk måleri?

Över hela världen är de särskilt älskade av amerikanerna, som vill se Ryssland bara så. Han visar livet för en ryss utan "masker". Dricka, utsvävningar, botten och mänskliga laster. Någon respekterar hans arbete, och någon föraktar. Varje bild bär djup mening. Om du tittar noga kan du se historien för varje karaktär. Många tror att Vasily hatar, men han kanske vill att den som såg sig själv på duken ska förändras?! Hans verk kan beskrivas som "dystert, men sant."

Den polske surrealistiska konstnären Jacek Yerka har sin egen specialitet, som ritar varje detalj. Hans målningar domineras av varma behagliga färger. Att titta på dem omsluter en känsla av magi, naturens och världens mäktiga kraft som vi kanske inte vet någonting om. Målningar ger fritt spelrum åt vår fantasi och förändrar verklighetsuppfattningen. Jacek Yerka är definitivt extraordinär skapande konstnär och hans målningar är värda vår uppmärksamhet.

Arbetar tysk konstnär och illustratören Quint Buchholz ger vår hjärna "mat" till eftertanke. Jag vill gå tillbaka till hans målningar och titta på dem om och om igen. Var och en har sin egen historia. Paletten är trevlig, delikat och viktlös. När man tittar på hans målningar lugnar man sig ofrivilligt och får en känsla av lätthet. Konstnären har haft mer än 70 utställningar och hans målningar har belönats med många och internationella. Bland hans verk hittar alla något de gillar.

Målningar Amerikansk konstnär Mark Raiden kan till en början verka konstig och lite galen, men om man tittar närmare på dem kan man se karaktärernas inre upplevelser, uppriktighetens och ärlighetens värld i mänskliga relationer och relationer med sig själv. Oftast hamnar hans målningar på sorg, sorg och sorg. Framställningsstilen beskrivs som pop, och hans signaturelement är "ögat och humlan", som flimrar på vart och ett av hans verk.