Japon sanatının adı nedir? Japonya uzun metrajlı filmleri

Japon kültürünün en büyük fenomenlerinden biri olan çay töreninin (chanoyu) oluşumu, ülke için çok zor, sıkıntılı bir zamanda, feodal klanlar arasındaki yıkıcı kanlı savaşların ve kan davalarının insanların hayatını çekilmez hale getirdiği bir zamanda gerçekleşti. Çay seremonisi, Zen Budizminin estetik ve felsefesinin etkisi altında ortaya çıkmış ve umutsuzluk havasına Güzelliğe tapınma ile karşı koymaya çalışmıştır.

O günlerde, siyasi ve ticari tartışmalar için bir araya gelen askeri sınıfın yöneticileri ve zengin tüccarlar, sık sık çay ikram etme fırsatı buldular. Hayatın dert ve tasalarından sıyrılmış, sakin bir çay salonunda boş boş oturmak, mangalda kaynayan suyun sesini dinlemek rafine bir zevk sayılırdı. Büyük öğretmen Sen-no-Rikyu çay içmeyi bir sanat haline getirdi. Kısmen var olan yukarıda bahsedilen sosyal arka plan nedeniyle çay seremonisi sanatını geliştirmeyi başardı.

Sen no Rikyu tarafından inşa edilen çay salonu ilk bakışta çok basit ve hatta çok küçük görünüyordu. Ama en ince ayrıntısına kadar ince okunabilirlikle en dikkatli şekilde planlandı. Kar beyazı yarı saydam Japon kağıdıyla kaplı sürgülü kapılarla süslenmişti. Tavan bambu veya sazla kaplandı ve duvarların açık dokusu çok değerliydi. Destekler çoğunlukla doğal kabuklarını koruyan ahşaptı. Çay salonunun tasarımında bir inziva yeri etkisi yaratmak için tüm gereksiz süslemeler ve aşırı süslemeler atılmıştır.

Günümüzde çay seremonisi en belirgin olanıdır. benzersiz sanat. Maneviyatta önemli bir rol oynar ve kamusal yaşam Birkaç yüzyıl boyunca Japonlar. Zamanla çay töreni ritüeli kanonlaştırıldı, eylem ve davranış sırası verildi. Basit ahşap kapılara çoktan girmiş olan konuklar, özel bir dünyaya daldılar, dünyevi her şeyi arkalarında bıraktılar ve yalnızca eylem yasalarına uyarak sessiz bir konsantrasyon içinde.

Klasik chanoyu, çay ustasının (çayı demleyen ve döken kişi) ve törendeki diğer katılımcıların katıldığı, katı bir şekilde planlanmış bir ritüeldir. Esasen, bir çay ustası bir çay eylemi gerçekleştiren bir rahiptir, geri kalanı ona katılanlardır. Hem otururkenki duruş hem de yüz ifadesi ve konuşma tarzına kadar her hareket dahil olmak üzere herkesin kendine özgü davranış tarzı vardır.

Çay içerken hikmetli konuşmalar yapılır, şiirler okunur, sanat eserleri değerlendirilir. Çiçek demetleri ve içeceğin hazırlanması için özel gereçler, her durum için özel bir özenle seçilir.

Atmosferin kendisi, şaşırtıcı derecede basit ve mütevazı olan uygun havayı yaratır: bakır bir çaydanlık, fincanlar, bambu karıştırıcı, çay saklama kutusu vb. Japonlar parlak parlak nesneleri sevmezler, donukluktan etkilenirler. D. Tanizaki bunun hakkında şöyle yazıyor: “Avrupalılar gümüş, çelik veya nikelden yapılmış sofra takımları kullanıyorlar, göz kamaştırıcı bir parlaklık elde etmek için cilalıyorlar ama biz böyle bir parlaklığa dayanamıyoruz. Gümüş eşyalar da kullanırız... ama onları asla parlak hale getirmeyiz. Aksine, nesnelerin yüzeyinden bu parlaklık çıktığında, bir reçete dokunuşu elde ettiğinde, zamanla karardığında seviniriz ... İnsan eti, yağ isi, hava ve yağmur kabarması izleri taşıyan şeyleri severiz. Çay seremonisi için tüm öğeler zamanın damgasını taşır, ancak hepsi tertemizdir. Alacakaranlık, sessizlik, en basit çaydanlık, çay dökmek için bir tahta kaşık, kaba bir seramik bardak - tüm bunlar mevcut olanları büyülüyor.

Bir çay evinin içindeki en önemli unsur bir niş - tokonomadır. Genellikle resimli veya kaligrafik yazıtlı bir parşömen ve bir buket çiçek, tütsülü bir buhurdan içerir. Girişin karşısında yer alan Tokonoma, misafirlerin hemen ilgisini çekiyor. Tokonama parşömeni büyük bir özenle seçilir ve törenlerde vazgeçilmez bir tartışma konusudur. Zen Budist tarzında ve o kadar arkaik hat sanatıyla yazılmıştır ki, yazılanların anlamını çok az kişi anlayabilir ve anlayabilir, örneğin: "Bambu yeşildir ve çiçekler kırmızıdır", "Şeyler şeylerdir ve bu güzeldir." !" veya "Su sudur." Mevcut olanlar, bu sözlerin anlamı, görünüşte basit, ama aynı zamanda felsefi olarak çok derin bir şekilde açıklanır. Bu düşünceler bazen haiku'nun şiirsel biçiminde ifade edilir, bazen de "wabi" ilkesine uygun olarak, kural olarak eski ustanın resmine yansır.

Japonya'da çay töreninin pek çok biçimi vardır, ancak yalnızca birkaçı kesin olarak yerleştirilmiştir: gece çayı, gün doğumu çayı, sabah çayı, ikindi çayı, akşam çayı, özel çay.

Gece çayı ay ile başlar. Konuklar on bir buçukta gelir ve sabah dörtte ayrılırlar. Genellikle misafirlerin önünde hazırlanan toz çay demlenir: yapraklar damarlardan arındırılır ve bir havanda toz haline getirilir. Bu çay çok güçlüdür, aç karnına içilmez. Bu nedenle, konuklara ilk başta biraz farklı yiyecekler ikram edilir. Çay, gün doğarken sabah üç veya dört gibi içilir. Misafirler saat altıya kadar aynı saatte kalırlar. Sabah çayı sıcak havalarda yapılır, misafirler sabah altıda toplanır. Öğleden sonra çayı genellikle sadece saat 1 civarında keklerle servis edilir. Akşam çayı 18:00 civarında başlar. Herhangi bir özel durumda özel bir çay partisi (rinjitya-noyu) düzenlenir: arkadaşlarla buluşma, tatiller, değişen mevsimler vb.

Japonlara göre çay seremonisi sadeliği, doğallığı, temizliği gündeme getirir. Bu doğru elbette ama çay seremonisinden daha fazlası var. İnsanları köklü bir ritüelle tanıştırarak, onları katı düzene ve sosyal kuralların koşulsuz yerine getirilmesine alıştırır. Çay seremonisi milli duyguların yeşermesi için en önemli temellerden biridir.

Himeji, Japonya'daki en eski kalelerden biridir.

Antik Dönem Japon Sanatı
Japon kültürü, özel doğal ve tarihi koşullarda şekillendi ve gelişti. Japonya, denizlerle yıkanan dört büyük ve çok sayıda küçük adada yer almaktadır. Doğunun en ucunda olduğu için, Çin ve Kore gibi anakara kültürlerinin periyodik olarak artan, sonra tekrar kaybolan etkisini yaşadı. ile etkileşim dönemleri dış dünya Japon tarihinde yerini uzun yüzyıllar süren kültürel izolasyon aldı (10. yüzyıldan 14. yüzyıla ve 17. yüzyıldan 19. yüzyılın ortalarına kadar olan dönemler). İkinci durum, genel olarak Japon kültürünün ve özel olarak sanatın birçok benzersiz özelliğinin geliştirilmesine ve sağlamlaştırılmasına katkıda bulundu. Batı kültürüyle tanışma, orijinal Japon medeniyetinin ana özelliklerinin zaten oluştuğu 16. yüzyılda gerçekleşti. 1854 yılına kadar Japonya, Çin ve Hollanda ile tek bir liman üzerinden ticaret yapıyordu.

Japon adalarının en eski sakinlerinden - avcılar ve balıkçılar - arkeolojik kazılar sonucunda keşfedildi. taş baltalar, zıpkınlar, ok uçları ve üzerlerinde “ip izi” anlamına gelen “Jomon” deseninden adını alan el yapımı seramik kaplar işlenmiştir. Bu nedenle Japonya'daki Neolitik kültüre Jomon da denir. Sibirya, Polinezya ve daha sonra Kore ve Çin'den gelen yerleşimciler farklı seviyelerde duruyorlardı. kültürel gelişme. Bu, hem Neolitik çağa hem de Tunç Çağı'na ait anıtların bazı kültürel katmanlarda bulunmasını açıklar. Japonca, Altay grubunun dillerine yakındır. ile temasların bir sonucu olarak ne zaman Çin Kültürü Japonlar, Çin hiyeroglif yazısına aşina olduklarından, Çin hiyerogliflerini sözlü Japonca konuşmayı iletmek için uyarlamanın çok zor olduğu ortaya çıktı.

Japon kültürünün, hakkında güvenilir verilerin korunduğu ilk dönemine, kofunlar (höyükler) çağı denir - zemin kısmı karakteristik bir şekle sahip toprak bir höyük olan mezarlar - bir daire ve bir yamuk kombinasyonu, toprak ve suyun birliğini simgeleyen bir anahtar deliğine benziyordu. Oldukça büyüktüler, suyla dolu bir çift hendekle çevriliydiler, höyüğün üzerinde otlar büyümüştü ve höyüğün iç çevresi boyunca 30 cm'den bire kadar insan, hayvan, tekne ve ev modellerinin içi boş kil figürleri vardı. ve bir buçuk metre yüksekliğinde. Onlara "haniwa" deniyordu. Mezar odasının içinde, ritüel nesnelerin yerleştirildiği soyluların ölü temsilcilerinin bulunduğu tabutlar vardı: sesinin kötü ruhları korkutması ve tanrıları - yekelerin patronları - çekmesi gereken bir ayna, bir dotaku çanı. Yamato krallarının cenazelerinde her zaman yeşim kolyeler ve kılıçlar gibi güç ritüel sembolleri bulunurdu. Yamato klanının krallarını yüceltmek için tarihin başlangıcı kuruldu, tanrıların hiyerarşisi belirlendi, tanrı Amaterasu ("Gökten parlayan") seçildi, bu da gücü onlara devretti. Japon adaları Yamato klanının kralları. "Yükselen güneşin ülkesi" anlamına gelen "Nippon" veya "Nihon" adı 7. yüzyılda ortaya çıktı. 608'de, iki yüzyıldan fazla süren Çin'de eğitim gezileri başladı.

Dotaku - ritüel bronz çanlar - duvarları grafik görüntülerle dolu karelere bölünmüş, kıvrık çıkıntılı geniş halkalarla tepeye daraltılmış silindirler

İlkel animizm ve fetişizmin birçok özelliğini taşıyan Japonların heterojen inançları Şinto'ya da yansımıştır. Şinto ("tanrıların yolu") özünde, doğanın evrensel maneviyatı hakkındaki Japon fikirlerini yansıtır. Hem Biwa Gölü ve Fuji Dağı gibi mucizevi manzara nesnelerinde hem de insanlar tarafından yaratılan nesnelerde - bu nedenle büyülü özelliklere sahip kılıçlar, aynalar gibi sayısız sözde "kami" (ruh) vardır. Şinto tapınağı, ahşap yapısının sadeliği ile ayırt edildi: her tarafı bir veranda ile çevrili, sütunlar üzerine tek salonlu bir oda yerleştirildi. Şinto tapınağının içi loş ve boştu. İnananlar tapınağa girmediler.

Para dönemi (MS 645-794)

Nara, o dönemde Japonya'nın ilk başkentinin ve tek şehrinin adıdır. Bu, Japon devletinin kurulduğu, Budizm'in tanıtıldığı ve Budist sanatının anıtlarının - tapınaklar, pagodalar, çeşitli Budist tanrı heykelleri - yaratıldığı zamandı. Bu dönemde Budizm, mahkeme politikasının bir devamı olarak halkın inancı değildi. Budizm'in çeşitli mezhepleri mahkemede çok önemli bir rol oynadı, Budist manastırlarının arazileri büyüdü, rahiplerin mahkemede büyük etkisi oldu. Dikdörtgen duvarlı bir alanda yer alan ahşap bina grupları olan Budist manastırları ortaya çıkıyor. Ön kapıya giden geniş sokak, tapınağın önündeki meydan ve uzaktan görülebilen çok katmanlı pagoda özellikle önemliydi. Ahşap tapınaklar kırmızı lake ile boyanmış, taş temeller üzerine yükseltilmiş ve geniş kavisli çift çatılara - irimoya - sahipti.

İlk Budist tapınakları arasında Asukadera, Horyuji vardır, ikincisinin inşasına 607'de o zamanki Veliaht Prens Shotoku Taishi'nin emriyle başlandı. Manastır, 90 bin metrekarelik bir alan üzerine kurulu 53 binadan oluşuyordu. Tapınağın cephesi güneye bakıyor, ana binalar kuzey-güney ekseninde, kutsal bölge kuzeyde, vaazlar için bir salon vardı - kodo, kondo ve beş katmanlı bir pagoda. Horyuji'de 265 heykel vardı, ana heykel görüntüsü, iki bodhisattva eşliğinde inancın kurucusunun bir heykeliyle temsil edilen Shakyamuni'nin üçlüsüydü. 8. yüzyılda büyük manastırlarda zaten heykeltıraş atölyeleri vardı. Adı Sanskritçe Avalokiteshvara (dünyanın seslerine dikkat) adının bir çevirisi olan bodhisattva Kannon kültü yayıldı. Canlı varlıklara karşı şefkatle dolu olan bir bodhisattva, nerede olurlarsa olsunlar acı çekenlerin seslerini duyabilir. Avalokiteshvara kültü kuzeybatı Hindistan'da ortaya çıktı ve Çin'e yayıldı. Lotus Sutra'sında bodhisattva'nın kendisini çağıran varlıkların şeklini aldığı söylendi. Japonya'da Kannon kültünün yayılması, çok sayıda görüntüsünün ortaya çıkmasına neden oldu - aziz Kannon cehennemde yardım ediyor, at başlı Kannon sığırlara merhamet yayar, kötü ruhlar - asuralar bin kişi tarafından kurtarılır -silahlı Kannon, Kannon ile bir balıkçı ormanı ile insanları kurtarır.

Heian dönemi (794-1185)

794'te eyaletin başkenti Heian şehrine (şimdiki Kyoto) taşındı. Heian döneminde, sofistike bir saray kültürü gelişti. Bir Japon hecesi oluşturuldu - kana (jap. - ödünç alınmış bir hiyeroglif). İlk başta sadece kadınlar bu yazıyı kullanırken, resmi yazı Çince olmaya devam etti. X yüzyılda. kadınların yazıları özel muayenehanelerde kullanılmaya başlandı. XI yüzyılda. Japon klasik edebiyatının altın çağı başladı, bunun parlak bir örneği saray hanımı Murasaki Shikibu tarafından yaratılan "Genji Monogatari" romanıdır.

Heian sanatında asıl yer, o dönemde Çin'den gelen ve tüm canlıların Buda'nın özüne sahip olduğunu öğreten ezoterik mezhepler Tendai ve Shingon'un Budist imgeleri tarafından işgal edilir. Ruhu ve bedeni eğiterek, yeminleri yerine getirerek, herkes birkaç yeniden doğuş sürecinde Buda'nın özünü elde edebilir. Bu tarikatların tapınakları dağların tepelerine ve kayalık çıkıntılara inşa edilmiş, içlerindeki şapeller iki kısma ayrılmıştı. Kutsal görüntünün bulunduğu yere sıradan inananların girmesine izin verilmedi.

Heian dönemi, yönetici çevreler için bir lüks zamanıdır. Şu anda, shinden konut tipi oluştu. Duvarlar ve sıcak bir iklimin koşulları sermaye değildi ve bir referans değeri yoktu. Çok kolay bir şekilde birbirinden ayrılabilir, soğuk havalar için daha dayanıklı olanlarla değiştirilebilir veya sıcak havalarda tamamen çıkarılabilirler. Pencere de yoktu. Cam yerine kafes çerçeveye gerildi Beyaz kağıt bu, ışığın odaya yayılmasını sağlar. Çatının geniş kornişi duvarları rutubetten ve güneş ışığından koruyordu. Kalıcı mobilyalardan yoksun iç kısımda sürgülü bölme duvarları vardı, bu sayede istendiğinde bir salon veya birkaç küçük izole oda oluşturmak mümkündü, zemin aynı boyutta hasır paspaslar - tatami ile kaplandı (180 90 cm'ye kadar).

Heian döneminde Çin'den Konfüçyüsçü ve Budist metinler getirildi. Genellikle resimlerle süslenirlerdi. Başlangıçta, Japon sanatçılar Çin'in "ünlü yerlerini" kopyaladılar, ancak 10. yüzyıldan itibaren. manzara ve geleneklerin imajına dönün Anavatan. Çin resminden farklı olarak Japon şiiri, kısa öyküleri, romanları veya halk efsaneleri. Resim adını, Japonya devletinin kurulduğu Honshu adasının güneybatı kısmı olan Yamato bölgesinin adından almıştır.
Görüntü genellikle, elle alınan ve sağdan sola döndürülen ilgili metinle birlikte bir resim parşömenini temsil ediyordu, ilgili bölüm okunurken, onu takip eden resim dikkate alındı.

Yamato-e resmi geç Heian döneminde zirve yaptı. Şu anda, ekranlarda, kayan bölmelerde (shoji) ve parşömenlerde - emakimono'da laik konularda resimler yapan profesyonel sanatçılar ortaya çıktı. Parşömenlerin en eskisi Genji Monogatari'dir. Emakimano parşömenleri resimli masallardı. Murasaki Shikibu'nun ünlü romanı "Genji-monogatari-emaki"nin parşömeni, aristokrasinin aylak yaşamını canlı renklerle betimleyen, kaligrafi, edebiyat ve resmin bir sentezidir ve günümüze kadar ulaşmıştır. Romanın 54 bölümden günümüze ulaşan 19'unda, çizimlerde tek bir olay örgüsü ve aksiyon yoktur. Tasvir edilen sahnelerin çoğu iç mekanlarda geçiyor, görünen her şey yukarıdan gösteriliyor, çizgilerin tek bir kaçış noktası yok, figürlerin ve mimarinin büyük ölçekli yazışmaları var, tüm karakterlerin yüzleri aynı, sadece saç stilleri ve kıyafetleri farklı . Sanatçının asıl ilgilendiği konu, romanda geçen ve herkes tarafından iyi bilinen olayların duygusal içerikli bir şekilde aktarılmasıdır. Ana teknikler, mekanın inşası ve renk olasılıklarının kullanılmasıdır. Karakterlerin iç durumunu ve her sahnenin atmosferini iletmek için, sanatçı için, yapıların kirişlerini veya kornişleri gösteren çapraz çizgilerin parşömenin alt kenarına göre hangi açıda yönlendirildiği önemlidir. perdelerden veya verandanın kenarından. Duygusal gerginliğin derecesine göre bu açı 30 ile 54 derece arasında değişir.

Bodhisattva - Kannon, Çin, Kore ve Japonya'da çoğunlukla kadın formunda, elinde bir sürahi, bir söğüt dalı ve bir kementle görünür.

Aristokratların evlerinde bölmeler yoktu, en iyi sanatçılar perdelere ve perdelere yamato-e resimleri çizdiler. Yamato-e resimleri, Edebi çalışmalar ekranlara ve perdelere de yerleştirildi. X-XIII yüzyılların şiir antolojilerinde. 9.-10. yüzyılların ekranlarında yazılan ayetler nadir değildir. Bu tür şiirlerin en büyük sayısı "Sui-shu" antolojisinde yer almaktadır. Nasıl şiir dört mevsim hakkındaysa, resim de ekranlar için öyleydi. Halk şarkılarına uygun olarak, belirli bir şiirsel formüller sistemi gelişti ve ardından Japon klasik poetikasının temeli oldu. Yani, baharın işareti puslu bir pus, bir söğüt ağacı, yazın bir işaretiydi - guguk kuşu, ağustosböcekleri, sonbahar - kırmızı akçaağaç yaprakları, bir geyik, bir ay, kışlar - kar ve erik çiçekleri.

Kyoto, Japonya'nın eski bir cevheridir.

Dilde eş anlamlıların çokluğu, ayetlere pek çok anlam verilmesini mümkün kılmıştır. Temalar ve olay örgüsü, bir ayrıntı veya ipucu aracılığıyla, son derece özlü bir şiirsel biçimde (tanka başına 31 hece) duygusal durumların tüm tonlarının çeşitliliğini ifade etmeyi mümkün kıldı. Yazılı ekranlardan yazısız ekranlara kademeli bir geçiş oldu. Gerçek resimsel tür alt bölümleri bu şekilde oluşturuldu - shiki-e ("dört mevsimin resimleri") ve mei-se-e ("ünlü yerlerin resimleri").
Bu tür resimlerin kompozisyonu kategorilerin hiçbirine uymuyordu. Çin resmi. Doğa ve insanın en büyük kaynaşması, Japonya'daki çeşitli sanat türlerinin özelliği haline gelecek.

Kamakura dönemi (1185-1333) ve Muromachi dönemi (1333-1568)

12. yüzyılın sonunda başkent yeniden taşındı, kanlı bir iç çekişme sonucu ülkedeki güç, başkenti başkenti Kamakura yerleşimine taşıyan Minamoto klanı tarafından ele geçirildi. Japonya tarihinde bir sonraki aşama. Samurayın askeri sınıfı, aralarından şogunların geldiği ülkede iktidara geldi - Japonya'nın gerçek askeri yöneticileri, Nara'da kalan imparator, yalnızca nominal güç niteliklerini elinde tuttu. Samurayın mahkeme kültürünün karmaşıklığı sadeliği tercih etti. Zen mezhebinin manastırları artık pagodaları içermiyordu, tapınaklar kırsal kulübeleri andırıyordu. XIII yüzyılın sonundan itibaren. Zen mezhebinin panteistik fikirlerinin etkisi altında manzara, herhangi bir peyzaj nesnesinde Budist tanrılarının varlığı fikrini somutlaştırmaya başladı. Kamakura manastırlarında, Minsk Patriğinin portrelerinin bir ikonografisi geliştirildi: yüzün vurgulanmış bir özelliği, bakışın hipnotik gücü ile oturmuş ve sakin bir poz. Zen mezhebinin etkisiyle heykel arka plana itilir, resim, özellikle manzara resmi, bu devir insanının tavrını ifade eder.

Muromachi dönemi, Honshu adasının güneydoğu bölgelerinin feodal beylerinin Kamakura'yı ele geçirip yakarak başkenti Heian'a geri verdiği 1333 olaylarıyla başlar. İç çekişmelerin ve feodal klanların savaşlarının olduğu bir dönemdi. Zen mezhebinin taraftarlarının, doğa ile birliği sağladıktan sonra, hayatın zorluklarıyla yüzleşebileceği ve dünya ile birliği sağlayabileceği öğretisi, sıkıntılı zamanlara öncülük ediyordu. Japon sanatında ilk etapta Buda'nın "bedeninin" doğa olduğunu söyleyen Zen öğretisinin de etkisiyle manzara resmi ortaya konulmuştur. XII.Yüzyılın ikinci yarısında. siyah mürekkeple boyama Çin'den Japonya'ya girdi. Ağırlıklı olarak bu tür tabloları uygulayan Japonlar, Zen mezhebinin üyeleriydi. Yarattılar yeni bir stil yeni inancı kim açıkladı (shigaku - resim ve şiirin bir kombinasyonu). 15. ve 16. yüzyıllar - önde gelen ustası Sesshu Toyo (1420-1506) olan mürekkep resminin maksimum gelişme zamanı. Bu stile paralel olarak yamato-e stili de vardı.

Askeri sınıfı ön plana çıkaran sosyo-politik ilişkilerdeki değişimler, 16. yüzyılda da ortaya çıkmasına neden oldu. Sein mimari tarzı. Evin daha önce tek olan hacmi şimdi sürgülü kapılar (shoji), sürgülü bölmeler (fusuma) yardımıyla bölünmüştür. Odalarda sınıflar için özel bir yer belirdi - kitaplar için bir raf ve geniş bir pencere pervazına sahip bir pencere ve bir buketin veya tuhaf şekilli bir taşın yerleştirildiği ve dikey bir kaydırmanın asıldığı bir niş (tokonoma).

16. yüzyılda. Japon mimarisi tarihinde, çay seremonisinin doğru şekilde yürütülmesi ihtiyacı ile bağlantılı olarak çay pavyonları ortaya çıkar. Çay, Kamakura döneminde Budist rahipler tarafından iksir olarak Japonya'ya getirildi. Çay ritüeli (cha-no-yu), Zen keşişi Murata Shuko'nun girişimiyle tanıtıldı ve uygulanması için özel bir yöntem gerektirdi. Böylece, yeni bir mimari yapı türü oluşturuldu - chashitsu (çay seremonisi için köşk), yapıcı temelinde bir konut binasına ve işlevinde - bir Budist tapınağına yakındı. Çay köşkünün destekleri ahşaptı, tavanı bambu veya kamışla kaplanmıştı. Hasırlarla kaplı bir kulübenin içinde, kerpiç duvarlı 1,5 veya 2 tatami, farklı seviyelerde küçük pencereler, asılı tek renkli manzaraya sahip bir tokonoma nişi ve vazoda bir çiçek, bir ocak, mutfak eşyaları için bir raf vardı.

Muromachi döneminde bahçecilik sanatı gelişti. Japon bahçeleri farklıdır. Küçük bahçeler çoğunlukla tapınaklarda bulunur veya geleneksel bir evle ilişkilendirilir, görülmek üzere tasarlanırlar. Büyük peyzajlı bahçeler içeriden algılanacak şekilde tasarlanmıştır.

Kondo - (jap. altın salon) - Budist kompleksinin simgeler, heykeller, duvar resimleri içeren ana tapınağı

Zen tapınağı bahçesi, tek renkli bir manzara kaydırma ilkesine göre inşa edildi. Sanatçı, bir kağıt yaprağı yerine, bir gölün genişliğini veya çakıllarla kaplı bir platformu, lekeler ve yıkamalar yerine, çalılıklar taşları, yosunları, ağaçların ve çalıların yapraklarını kullandı. Yavaş yavaş çiçekler bahçeden kayboldu, yerlerini yosun ve çalılar aldı, köprü yerine taş kullanılmaya başlandı. Bazı bahçeler peyzajlıydı, tepelikti (tsukiyama). Tsukiyama bahçeleri, kıyıda zorunlu bir köşk ile kayalar, yosunlar, ağaçlar, göletler gibi doğal unsurların bir kombinasyonuydu. En eski peyzaj bahçesi Kyoto'da bulunur ve Sohoji Manastırı'na aittir. Kuru bahçelere "hiraniva" denirdi, yani. düz. Hiraniva, izleyiciden gelişmiş bir hayal gücü talep ettiği için "felsefi" bir bahçedir. Hiraniwa bahçesi “taş, kum ve çakıllardan ibaretti. Üç tarafı etrafını çeviren bir duvarla kapatılan bahçe, sadece tefekkür amaçlıydı. XV yüzyılın sonunda. Ryoanji manastırındaki en ünlü kuru bahçelerden birini yarattı. Dikdörtgen çakıllı bir alan üzerine yerleştirilmiş 15 taştan oluşmaktadır. Daitokuji Manastırı'nın 1509 yılında oluşturulan hiraniwa bahçesinde doğa, taş ve çakıl kompozisyonlarıyla temsil ediliyor. Bahçenin bir bölümü "boşluk okyanusu" olarak adlandırılır ve dikdörtgen bir alanın ortasında iki alçak çakıl tepeden oluşur. Bahçeler birbirini tamamlayabilir.

XV yüzyılın sonunda. Kano dekoratif resim mahkeme okulu kuruldu. Okulun kurucusu Kano Masanobu (1434-1530) askeri bir sınıftan geldi ve tanınmış bir mahkeme profesyonel sanatçısı oldu. Manzaraları sadece ön plan, diğer her şey puslu bir pusla kaplıydı. Görüntünün belirli bir konusuna yapılan vurgu, Kano okulunun özelliği haline gelecektir. Kano ekolü sanatçılarının çalışmalarındaki ana yer, dekoratif duvar resimleri ve ekranlarla doluydu. Tür boyama. Duvar resimleri, mimari formla sentezin ana bileşeni ve mimari mekanın figüratif anlamını etkileme aracı haline gelmiştir. Buna karşılık, mimari formun özellikleri resimlerin belirli üslup niteliklerini gerektiriyordu, bu nedenle yavaş yavaş yeni bir üslup kanonu oluştu ve bu kanon Japon resmi 19. yüzyıla kadar.

Shinden bir tür konut binasıdır. Dikdörtgen planlı, tek salonlu, güney cepheli meydana bakan, doğu ve batıdan galerilerle çerçevelenmiş ana bina

Momoyama dönemi (1X73-1614)

Ve bu kez feodal savaşlar dönemi sona erdi, ülkedeki güç ardışık askeri diktatörlere geçti - Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi ve Iyaesu Tokugawa. Kentsel büyümenin, kültürün laikleşmesinin ve demokratikleşmesinin, yeni değer yönelimlerinin nüfuz ettiği bir dönemdi. Kült mimarisi eski önemini yitirmiştir. Japonya'nın yeni yöneticileri, yapımına Japonya'da ateşli silahların ortaya çıkması ve buna karşılık gelen savaş ve savunma taktiklerindeki değişikliğin neden olduğu görkemli kaleler inşa ederek güçlerini ilan ettiler. Kale, temelde yeni bir Japon mimarisi türü haline geldi. Kalenin bir hendek ve koruma ve köşe kuleleri ile çevrili asimetrik olarak yerleştirilmiş bölgesi, merkezi bir meydan ve birçok avlu ve oda, yer altı sığınakları ve geçitleri içeriyordu. Yaşam alanları, sosyal hiyerarşiyi yansıtan katı bir iç mekan hiyerarşisi ile kale topraklarında bulunan ahşap bir binada bulunuyordu. Alacakaranlığa dalmış kalelerin iç mekanları, altın zemin üzerine parlak renklerle dolu, görkemli boyutlu dekoratif duvar resimleri için en uygun olanıdır.

Kano Eitoku (1543-1590). Askeri diktatörleri yüceltmek için tasarlanmış yeni bir duvar resmi stilinin yaratıcısı. Geniş yatay yüzeylerde tek bir kompozisyon ilkesini ilk geliştiren, formları genişleten, küçük parçalar sadece silüetleri değil, aynı zamanda formlarının dinamiklerini de aktarmak. Eitoku, dekoratif niteliklerini geliştirmek için resmin düzlüğünü artırma arzusuyla karakterize edilir. Yani boşluğu simgeleyen yerlerde altın tozu katkılı lekeler var. Kompozisyonun alanı derinlemesine değil, bakış boyunca açıldı.
1576'da, diktatör Oda Nobunaga'nın gücünü göstermesi beklenen Biwa Gölü kıyısına yedi katlı devasa bir kuleye sahip daha önce hiç görülmemiş bir kale dikildi. Kalenin bir özelliği, sadece resmi değil, aynı zamanda özel odaların da varlığıydı. Odaların ana dekorasyonu, Kano Eitoku'nun yaptırdığı ve büyük bir asistan grubuyla üç yıl boyunca üzerlerinde çalıştığı duvar resimleriydi. Emrin yerine getirilmesiyle diktatör tarafından aceleye getirilen Kano Eitoku, pirinç samanından yapılmış kalın bir fırça kullanarak, özlü bir sanatsal dile başvurarak formları büyütmeye başladı. Ana yer ağaçların, çiçeklerin, kuşların ve hayvanların görüntüsü tarafından işgal edildi. Renk şeması parlaktı, renk nüansı yoktu.

Tokugawa şogunlarının iktidara gelmesinden sonra ülkedeki sosyal durumdaki değişiklik, kale inşaatlarının yasaklanmasına yol açtı.
XVII yüzyılın ilk üçte birinin sanatçılarının çalışmalarında. yeni özellikler devralmaya başlar. Resimde dengeli, sakin kompozisyonlar arzusu, dekoratif formların büyümesi, Heian dönemi kültürüne ve yamato-e çalışmalarına olan ilgi daha belirgin hale geldi. Ayırt edici özellik Bu zamanın Kano okulları - süsleme ve artan dekorasyon. XVII yüzyılın ikinci çeyreğindeyken. kalelerin inşası yasaklandı, perde dekoratif resmin ana biçimi haline geldi. Kano Eitoku'nun anıtsallığı dekoratif resim bıraktı. Sanat, üslup niteliklerini etkileyen kişisel bir renk aldı. dekoratif boyama 17. yüzyıl çoğunlukla klasik edebiyatın kahramanlarından ve temalarından ilham alan, kabile aristokrasisinin ilgi alanlarını ve ortaya çıkan burjuva seçkinlerinin dachshund'unu yansıtan. Eski başkent Kyoto'da geliştirilen dekoratif boyama.

Ogata Korin, yeni sanat tüketicilerinin - şehir sakinleri, tüccarlar ve zanaatkarlar - beğenisinin sözcüsü oldu. yeni temsilci Kano okulları.

Emakimano, ucunda ahşap bir rulo bulunan brokar bordürle çerçevelenmiş bir taban üzerine yapıştırılmış kağıt veya ipekten yapılmış yatay bir kaydırmadır.

Ogata Korin (1658-1716), sürekli "eğlenceli mahalleleri" ziyaret ederek zengin bir tırmık gibi yaşadı. Ancak yıkımdan sonra, geçimini sağlamak için ciddi bir ihtiyaçla karşı karşıya kalınca, kumaş boyamaya ve resim yapmaya başladı. Ogata Korin hem seramik hem de lake eşyalar, boyalı kimonolar ve yelpazelerle uğraştı. Nasıl
usta tanımakla başladı geleneksel resim ve onun yöntemleri. Korin her zaman kompaktlık, form dengesi, karakteristik bir özellik için çabaladı yaratıcı tavır- birkaç arsa motifinin gelişimine, bunların tekrarına ve varyasyonuna odaklanın. Ogata Korin'in çalışmasında ilk kez hayattan eser ortaya çıktı. Ekranın “Kırmızı Beyaz Erik Ağacı” adlı resminde Korin'in aldığı olay örgüsü motifi, erken ilkbahar ve uyanan doğa imgeleriyle klasik şiire kadar gider. Derenin her iki tarafında, altın bir arka plan üzerinde, çiçekli ağaçlar yazılmıştır: kalın, kavisli bir gövdeye ve neredeyse dikey olarak yükselen dallara sahip bir bodur, bir kırmızı erik ağacı ve yalnızca gövdenin dibinde gösterilen ve keskin bir şekilde kavisli başka bir erik ağacı, sanki suya düşüyormuş gibi ve bu nedenle aniden beyaz çiçeklerle dolu bir dal fırladı.

Bir çam ağacı üzerinde Kano Eitoku şahin. Ekran. 16. yüzyılın sonundan detay.

Ogata Kenzan (1663-1743), gençliğinden itibaren manevi değerlere yönelen ağabeyi Ogata Korin'in aksine Zen Budizm'in takipçisiydi, Çin ve Japon klasik edebiyatını, tiyatrosuz ve çay ritüelini biliyordu. Ninnaji tapınağına ait topraklarda Kenzan, 13 yıl boyunca 1712'ye kadar ürün üreten kendi seramik fırınını inşa etme izni aldı. Kârlılık için çabalamadı, son derece sanatsal ürünler yaratma fikri ona rehberlik etti. . Hacimsel resimde ilk kez geleneksel mürekkeple boyama tekniklerini kullandı. Kenzan renk kullanmaya başladı, nemli bir parça üzerine yazdı, gözenekli kil, mürekkeple resimdeki kağıt gibi boyayı emdi. Ogata Kenzan, popüler haiku türünü bir vahye dönüştüren büyük çağdaş şairi Basho gibi, sıradan seramik tabakların, fincanların, vazoların hem faydacı nesneler hem de aynı zamanda şiirsel sanat başyapıtları olabileceğini gösterdi.

Edo dönemi (1614-1868)

1615'te samuraylar Kyoto'dan Edo'ya yerleştirildi. Mara, Kyoto ve Osaka'da yoğunlaşan tüccar, tüccar ve tefeciler sınıfının önemi arttı. Bunların temsilcileri için sosyal gruplar seküler bir yaşam algısı, kendilerini feodal ahlakın etkisinden kurtarma arzusu ile karakterize edildi. İlk kez sanat, sözde yaşam da dahil olmak üzere günlük yaşamın temalarını ele alıyor. eğlenceli mahalleler - çay evleri dünyası, Kabuki tiyatrosu, sumo güreşçileri. Gravürler dolaşım, ucuzluk ve erişilebilirlik ile karakterize edildiğinden, gravürlerin ortaya çıkışı kültürün demokratikleşmesiyle ilişkilendirildi. Sonrasında ev boyama gravür ukiyo-e (kelimenin tam anlamıyla - ölümlü değişebilir dünya) olarak bilinmeye başlandı.

Gravür üretimi geniş bir kapsam kazanmıştır. Ukiyo-e grafiklerinin geliştirilmesindeki erken dönem, çay evleri sakinlerinin, zanaatkarların yaşamlarından karmaşık olmayan sahneleri farklı zamanlarda birleştiren, birbiriyle ilgisiz olarak tasvir eden Hasikawa Moronobu'nun (1618-1694) adıyla ilişkilendirilir. diğer, bir gravür üzerinde. Gravürlerin arka planı beyaz kaldı, çizgiler netti. Yavaş yavaş, gravür konularının yelpazesi genişledi, karakterlerin sadece dış dünyasına değil, aynı zamanda iç dünyasına da ilgi derinleşti. 1780-1790'da Japon gravürü. altın çağına giriyor. Suzuki Haranobu (1725-1770), kahramanların iç dünyasını ilk kez "Erik dalı koparan güzeller", "Karla kaplı bahçede aşıklar" gibi gravürlerde ortaya çıkarmaya başladı. Çizgilerin kalınlığını ve dokusunu çeşitlendiren, koyudan açık tona bir geçiş yaratan kıvırma tekniğini ilk kullanan oydu. Gerçek renkleri hiç umursamadı, gravürlerinde deniz pembe, gökyüzü kum, çimen mavi, her şey genele bağlı. duygusal ruh hali sahneler. Onun biri en iyi işler"Aynı Shamisen'i Çalan Aşıklar", Japon atasözü "Müzik aşkı teşvik ediyorsa, çalın" teması üzerine yaratıldı.

Tokonoma - bir çay evinin içindeki bir niş

Kitagawa Utamaro (1753-1806) - olağanüstü bir ukiyo-e ustası. Çalışmaları "The Book of Insects", "Songs of Shells" albümleriyle başladı. Utamaro, yarım boy, göğüs boyunda kadın portrelerinde ilk kez mika tozu kullanıyor ve bu da parıldayan bir arka plan yaratıyor. Başın zarif şekli ve uyumu ile mükemmel güzellikteki Utamaro,
ince boyun, küçük ağız, kısa siyah kaşlar. "On" dizisinde kadın karakterler"ve" Kadınların günleri ve saatleri ", kadınların farklı görünüm ve karakter türlerini belirlemeye çalıştı. 90'ların sonunda. Utamaro'da “Anne ve Çocuk” ve “Top Oyunu” gibi gravürlerde annelik temasını ele alırken, aynı zamanda dolaylı adlandırmaya başvurarak (ülkenin kahramanları tasvir edilmiştir) tarihsel temalar üzerine triptikler ve poliptikler oluşturur. güzellikler olarak). Teshusai Shyaraku, kabuki tiyatro oyuncuları ve sumo güreşçilerinin bir dizi portresini yarattı. Grotesk'i ana tekniği haline getirerek genel kabul görmüş gelenekleri terk etti. Ukiyo-e baskılarının geliştirilmesindeki üçüncü dönem 1800-1868'e denk gelir. Bu sırada, üzerindeki etki japon sanatı Hollandalı ve Alman gravürler. Utagawa sanatsal hanedanının yaratıcılığı için, bireysellik arayışının reddi, resmi zarafet arzusu karakterler haline geldi. Gravürde manzara türünün altın çağı, Katsushika Hokusai'nin (1760-1849) adıyla ilişkilendirilir. Hokusai antik çağları inceledi ve modern trendler Japon sanatı, Çin sanatını biliyordu ve Avrupa gravürüyle tanıştı. Neredeyse 50 yaşına kadar Hokusai, ukiyo-e sanatçılarının geleneksel tarzında çalıştı. Hokusai, yalnızca ilk cildi 1812'de yayınlanan Manga albümlerinde (bir eskiz kitabı) sanat alanını buldu. Artık gündelik sahneleri, manzaraları, kalabalıkları resmediyordu.

japonya peyzaj bahçeleri

Hokusai, 70 yaşında, sanatçının Fuji Dağı'nı tasvir ettiği gravürlerin her birinde "Fuji Dağı'nın 36 Görünümü" serisini yarattı. Tür temasının manzara ile birleşimi Hokusai'nin bir özelliğidir. Antik manzara ressamlarının aksine, Hokusai dünyayı aşağıdan gösterir. Aynı zamanda "Ülkenin şelalelerinde yolculuk", "Köprüler", "Büyük Çiçekler", "Fuji'nin 100 Manzarası" dizisini yaratıyor. Hokusai bir şeyleri aktarabilir beklenmedik taraf. Fuji'nin 100 Görünümü gravürlerinde dağlar ya gecenin karanlığından bir görüntü gibi çıkar ya da bambu saplarının arkasından görünür ya da göle yansır. Hokusai'nin takipçisi Ando Hiroshige (1797-1858) doğayı çok daha gerçekçi resmetti. Mesleği nehir ajanı olarak ülke çapında çok seyahat etti ve "53 Tokaido İstasyonu", "Omi Gölü'nün 8 Manzarası", "Kishikaido'nun 69 Manzarası" serisini yarattı. Hiroshige sanatı, ukiyo-e gravürünün iki yüz yıllık altın çağını tamamlayarak Avrupa resmine yaklaşıyor.

Japonya? Nasıl gelişti? Bu ve diğer soruları makalede cevaplayacağız. Japon kültürünün şekillendirdiği tarihsel hareket Japonların anakaradan takımadalara taşınmasıyla başlayan ve Jomon dönemi uygarlığının doğduğu dönem.

Bu insanların mevcut aydınlanması Avrupa, Asya (özellikle Kore ve Çin) ve Kuzey Amerika. Japon kültürünün işaretlerinden biri, 19. yüzyılın ortalarına kadar süren Tokugawa Shogunate hükümdarlığı sırasında devletin diğer tüm ülkelerden tamamen izolasyonu (sakoku politikası) çağındaki uzun gelişimidir - 19. yüzyılın başlangıcı. Meiji dönemi.

Etkilemek

Japonya'nın sanatsal kültürü nasıl gelişti? Medeniyet, ülkenin izole edilmiş bölgesel konumundan, iklimsel ve coğrafi özellikler, yanı sıra doğal olaylar (tayfunlar ve sık depremler). Bu, nüfusun canlı bir varlık olarak doğaya karşı olağanüstü tutumunda ifade edildi. Japonların ulusal karakterinin bir özelliği, küçük bir ülkede birçok sanat türünde ifade edilen evrenin mevcut güzelliğine hayran kalma yeteneğidir.

Japonya'nın sanat kültürü Budizm, Şintoizm ve Konfüçyüsçülüğün etkisi altında yaratılmıştır. Bu aynı eğilimler, daha da gelişmesini etkiledi.

eski Çağlar

Katılıyorum, Japonya'nın sanatsal kültürü muhteşem. Şintoizm'in kökleri eski çağlara dayanmaktadır. Budizm, çağımızdan önce ortaya çıkmasına rağmen, ancak beşinci yüzyıldan itibaren yayılmaya başladı. Heian dönemi (8.-12. yüzyıllar), Japonya'nın devletinin altın çağı olarak kabul edilir. Aynı dönemde bu ülkenin pitoresk kültürü en yüksek noktasına ulaştı.

Konfüçyüsçülük 13. yüzyılda ortaya çıktı. Bu aşamada Konfüçyüs felsefesi ile Budizm arasında bir ayrılık yaşandı.

hiyeroglifler

Japonya'nın sanatsal kültürünün görüntüsü, adı verilen benzersiz bir şiirde somutlaştırılmıştır. Bu ülkede, efsaneye göre göksel ilahi imgelerden ortaya çıkan kaligrafi sanatı da oldukça gelişmiştir. Yazıya can verenler onlardı, bu nedenle halk imladaki her işarete karşı nazik.

Söylentiye göre Japon kültürünü veren hiyerogliflerdi, çünkü yazıtları çevreleyen görüntüler onlardan çıktı. Biraz sonra, resim ve şiir unsurlarının tek bir eserde güçlü bir şekilde bir araya geldiği gözlemlenmeye başlandı.

Bir Japon parşömenini incelerseniz, eserin iki tür sembol içerdiğini göreceksiniz. Bunlar yazı işaretleridir - mühürler, şiirler, kolofen ve pitoresk. Aynı zamanda Kabuki tiyatrosu büyük bir popülerlik kazandı. Farklı bir tiyatro türü - Ama - ağırlıklı olarak askeri personel tarafından tercih edilir. ciddiyetleri ve gaddarlıkları No.1 üzerinde güçlü bir etkiye sahipti.

Tablo

Sanat kültürü birçok uzman tarafından incelenmiştir. Japonca'da çizim veya resim anlamına gelen kaiga resmi, oluşumunda büyük bir rol oynadı. Bu sanat, çok sayıda çözüm ve biçim tarafından belirlenen, devletin en eski resim türü olarak kabul edilir.

İçinde kutsal prensibi belirleyen doğa tarafından özel bir yer işgal edilmiştir. Resmin sumi-e ve yamato-e olarak bölünmesi onuncu yüzyıldan beri var olmuştur. İlk tarz on dördüncü yüzyıla yakın gelişti. Bir tür monokrom sulu boyadır. Yamato-e, edebiyat eserlerinin dekorasyonunda yaygın olarak kullanılan yatay olarak katlanmış parşömenlerdir.

Kısa bir süre sonra, 17. yüzyılda, ülkede tabletler üzerine baskı ortaya çıktı - ukiyo-e. Ustalar manzaraları, geyşaları, ünlü aktörler kabuki tiyatrosu. 18. yüzyıldaki bu tür resim, Avrupa sanatı üzerinde güçlü bir etkiye sahipti. Ortaya çıkan eğilim "Japonizm" olarak adlandırıldı. Orta Çağ'da, Japonya kültürü ülke sınırlarının ötesine geçti - dünya çapında şık ve modaya uygun iç mekanların tasarımında kullanılmaya başlandı.

Kaligrafi

Ah, Japonya'nın sanatsal kültürü ne kadar güzel! Doğa ile uyum anlayışı her segmentinde kendini göstermektedir. Modern Japon kaligrafisi nedir? Buna shodo ("bildirim yolu") denir. Hat sanatı da yazı gibi zorunlu bir disiplindir. Bilim adamları, bu sanatın Çin yazısı ile aynı anda oraya geldiğini keşfettiler.

Bu arada, eski zamanlarda bir kişinin kültürü, onun kaligrafi düzeyine göre değerlendiriliyordu. Bugün çok sayıda yazı stili var ve bunları Budist rahipler geliştiriyor.

Heykel

Japon kültürü nasıl ortaya çıktı? İnsan yaşamının bu alanının gelişimini ve türlerini olabildiğince ayrıntılı olarak inceleyeceğiz. Heykel, Japonya'daki en eski sanat türüdür. Antik çağda, bu ülkenin insanları seramikten put figürinleri ve tabaklar yaptılar. Daha sonra insanlar pişmiş topraktan yapılmış haniv heykellerini mezarların üzerine yerleştirmeye başladılar.

Modern Japon kültüründe heykel sanatının gelişimi, Budizm'in eyalette yayılmasıyla ilişkilidir. Japon anıtlarının en eski temsilcilerinden biri, Zenko-ji tapınağına yerleştirilen ahşaptan yapılmış Buda Amitabha heykeli olarak kabul edilir.

Heykeller genellikle kirişlerden yapılmıştır, ancak çok zengin görünüyorlardı: zanaatkarlar onları vernik, altın ve parlak renklerle kapladılar.

Japon kağıt katlama sanatı

Japonya'nın sanatsal kültürünü seviyor musunuz? Doğa ile uyum anlayışı unutulmaz bir deneyim yaşatacaktır. Karakteristik özellik Japon kültürü, origaminin (“katlanmış kağıt”) harika ürünleri haline geldi. Bu beceri, kökenini aslında parşömenin icat edildiği Çin'e borçludur.

İlk başta dini törenlerde "katlanmış kağıt" kullanılıyordu. Bu sanat sadece üst sınıf tarafından çalışılabilirdi. Ancak İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra origami, soyluların evlerini terk etti ve dünyanın her yerinde hayranlarını buldu.

İkebana

Doğu ülkelerinin sanat kültürünün ne olduğunu herkes bilmeli. Japonya, gelişimine çok fazla yatırım yaptı. Bu kültürün diğer bir bileşeni harika ülke ikebana'dır ("yaşayan çiçekler", " yeni hayat renkler"). Japonlar estetik ve sadeliğin hayranlarıdır. İşlere yatırılan tam da bu iki niteliktir. Görüntülerin karmaşıklığı, bitki örtüsünün doğal güzelliğinin faydalı kullanımıyla elde edilir. Origami gibi ikebana da dini bir törenin parçası olarak hizmet etti.

Minyatürler

Muhtemelen, birçoğu zaten anlamıştır ki sanatsal kültür Antik Çin ve Japonya yakından iç içe geçmiş durumda. Ve bir bonsai nedir? Gerçek bir ağacın neredeyse birebir minyatür bir kopyasını yetiştirmek Japonlara özgü bir beceridir.

Japonya'da, bir tür anahtarlık olan küçük heykeller olan netsuke yapmak da yaygındır. Genellikle bu kapasitedeki bu tür figürinler, Japonların cepleri olmayan kıyafetlerine iliştirildi. Sadece dekore etmekle kalmadılar, aynı zamanda orijinal bir karşı ağırlık görevi gördüler. Anahtarlık, kese, hasır sepet şeklinde anahtarlıklar yapıldı.

resim tarihi

Sanat kültürü antik japonya birçok insanla ilgileniyor. Bu ülkedeki resim, Japon Paleolitik döneminde ortaya çıkmış ve şu şekilde gelişmiştir:

• Yamato dönemi. Asuka ve Kofun döneminde (4.-7. yüzyıllar), hiyerogliflerin tanıtılması, Çin tarzı bir devlet rejiminin oluşturulması ve Budizm'in yaygınlaşmasıyla birlikte Çin'den Japonya'ya birçok sanat eseri getirildi. Bundan sonra Yükselen Güneş Ülkesinde Çin tarzı resimler yeniden üretilmeye başlandı.
• Nar zamanı. VI ve VII yüzyıllarda. Budizm Japonya'da gelişmeye devam etti. Bu bağlamda, aristokrasi tarafından inşa edilen çok sayıda tapınağı süslemek için kullanılan dini resim gelişmeye başladı. Genel olarak Nara döneminde heykel ve sanatın gelişimine katkısı resimden daha fazlaydı. erken resimler Bu döngü, Nara Eyaletindeki Horyu-ji Tapınağı'nın iç duvarlarının Buddha Shakyamuni'nin hayatını anlatan duvar resimlerini içerir.
• Heian dönemi. Japon resminde, 10. yüzyıldan itibaren, yukarıda yazdığımız gibi, yamato-e eğilimi ayırt edilir. Bu tür resimler, kitapları tasvir etmek için kullanılan yatay kaydırmalardır.
• Muromachi dönemi. XIV.Yüzyılda Supi-e stili (tek renkli suluboya) ve XVII.Yüzyılın ilk yarısında ortaya çıktı. sanatçılar panolara gravürler basmaya başladı - ukiyo-e.
• Azuchi-Momoyama döneminin resmi, Muromachi döneminin resmiyle keskin bir tezat oluşturuyor. Yoğun gümüş kullanımı ile çok renkli bir tarza sahiptir ve bu dönemde Kano eğitim kurumu büyük prestij ve üne kavuşmuştur. Kurucusu, ayrı odalar için tavanları ve sürgülü kapıları boyayan Kano Eitoku'ydu. Bu tür çizimler, askeri soyluların kalelerini ve saraylarını süsledi.
• Maiji dönemi. 19. yüzyılın ikinci yarısından itibaren sanat, birbiriyle yarışan geleneksel ve Avrupa stilleri. Maiji döneminde Japonya, yetkililer tarafından organize edilen modernleşme ve Avrupalılaşma süreciyle büyük sosyal ve politik değişimler geçirdi. Gelecek vaadeden genç sanatçılar yurt dışına okumaya gönderildi ve denizaşırı sanatçılar okul sanat programları oluşturmak için Japonya'ya geldi. Her ne olursa olsun, ilk merak dalgasının ardından sanatsal tarz Batı'da sarkaç geri döndü ve Japon geleneksel tarzı yeniden doğdu. 1880'de Batı sanatı pratikleri resmi sergilerden men edildi ve ağır bir şekilde eleştirildi.

Şiir

Antik Japonya'nın sanatsal kültürü hala incelenmektedir. Tuhaflığı, farklı dinlerin etkisi altında oluştuğu için çok yönlülük, bazı sentetiklerdir. Japon klasik şiirinin günlük yaşamdan ortaya çıktığı, onun içinde hareket ettiği ve bu dünyeviliğinin günümüz şiirinin geleneksel biçimlerinde bir dereceye kadar korunduğu bilinmektedir - belirgin bir şekilde ayırt edilen üç satırlık haiku ve beş satırlık tanka. kitle karakteri. Bu arada, onları 20. yüzyılın başında Avrupa şiirinin etkisi altında Japonya'da ortaya çıkan seçkinciliğe yönelen "serbest nazım" dan ayıran da tam olarak bu niteliktir.

Japonya'nın sanatsal kültürünün gelişim aşamalarının çok yönlü olduğunu fark ettiniz mi? Bu ülkenin toplumunda şiir özel bir rol oynadı. En ünlü türlerden biri haiku'dur, onu ancak tarihini öğrenerek anlayabilirsiniz.

İlk olarak Heian döneminde ortaya çıkmış, wah'ın düşünceli mısralarına ara vermek isteyen şairler için bir tür çıkış noktası olan renga stiline benziyordu. Haikai, 16. yüzyılda renga çok ciddi hale geldiğinden ve haiku günlük konuşma diline dayandığından ve hala esprili olduğundan, kendi başına bir tür haline geldi.

Elbette birçok eserde Japonya'nın sanat kültürü kısaca anlatılıyor ama biz bundan daha detaylı bahsetmeye çalışacağız. Orta Çağ'da en ünlü edebi Japon türlerinden birinin tanka ("özlü şarkı") olduğu bilinmektedir. Çoğu durumda, bu, sabit sayıda heceye sahip bir çift kıtadan oluşan beş satırdır: ilk kıtanın üç satırında 5-7-5 hece ve ikinci kıtanın iki satırında 7-7. İçeriğe gelince, tanka aşağıdaki şemayı kullanır: ilk dörtlük belirli bir doğal görüntüyü temsil eder ve ikincisi, bir kişinin bu görüntüyü yansıtan hissini yansıtır:

• uzak dağlarda
  Uyuyan uzun kuyruklu sülün -
  Bu uzun, uzun gece
  Yalnız uyuyabilir miyim? ( Kakinomoto no Hitovaro, 8. yüzyılın başları, çeviren Sanovich.)

Japon dramaturjisi

Birçoğu, Çin ve Japonya'nın sanatsal kültürünün büyüleyici olduğunu iddia ediyor. Gösteri sanatlarını sever misin? Yükselen Güneş Ülkesi'nin geleneksel dramaturjisi joruri (kukla tiyatrosu), Noh tiyatrosu dramaturjisi (kyogen ve yokyoku), kabuki tiyatrosu ve shingeki'ye ayrılır. Bu sanatın gelenekleri beş temel tiyatro türünü içerir: kyogen no, bugaku, kabuki ve bunraku. Bu beş geleneğin tümü bugün hala mevcuttur. Muazzam farklılıklara rağmen, Japon sanatının temelini oluşturan ortak estetik ilkelerle bağlantılıdırlar. Bu arada, Japonya'nın dramaturjisi 1 No'lu sahnede ortaya çıktı.

Kabuki tiyatrosu 17. yüzyılda ortaya çıktı ve 18. yüzyılın sonlarına doğru zirveye ulaştı. Bu dönemde gelişen performans biçimi, Kabuki'nin modern sahnesinde korunur. Bu tiyatronun prodüksiyonları, antik sanatın dar bir hayran kitlesine odaklanan No sahnelerinin aksine, kitlesel seyirci için tasarlanmıştır. Kabuki becerilerinin kökleri, komedyenlerin performanslarından kaynaklanır - küçük saçmalıkların sanatçıları, dans ve şarkı söylemeden oluşan sahneler. Kabuki'nin teatral becerisi, joruri ve no'nun unsurlarını özümsedi.

Kabuki tiyatrosunun görünümü, Kyoto'daki Budist tapınağı O-Kuni'nin işçisinin adıyla ilişkilendirilir (1603). O-Kuni, Nembutsu-odori halk oyunlarının hareketlerini içeren dini danslarla sahnede performans sergiledi. Performansları komik oyunlarla serpiştirildi. Bu aşamada yapımlara yujo-kabuki (fahişelerin kabuki), o-kuni-kabuki veya onna-kabuki (kadınların kabuki) adı verildi.

Gravürler

Geçen yüzyılda Avrupalılar ve daha sonra Ruslar, Japon sanatı olgusuyla gravür yoluyla karşılaştılar. Bu arada, Yükselen Güneş Ülkesinde, bir ağaç üzerine çizim yapmak, kitle kültürünün tüm özelliklerine - ucuzluk, bulunabilirlik, dolaşım - sahip olmasına rağmen, ilk başta hiç bir beceri olarak görülmedi. Ukiyo-e uzmanları, hem olay örgüsünün düzenlenmesinde hem de seçimlerinde en yüksek anlaşılırlığı ve basitliği elde edebildiler.

Ukiyo-e özel bir sanat okuluydu, bu yüzden bir dizi seçkin usta ortaya çıkarabildi. Bu nedenle, Hisikawa Moronobu'nun (1618-1694) adı olay örgüsünün gelişiminin ilk aşamasıyla ilişkilendirilir. 18. yüzyılın ortalarında, çok renkli gravürün ilk uzmanı Suzuki Harunobu yarattı. Çalışmasının ana motifleri, eyleme değil, ruh hallerinin ve duyguların aktarımına dikkat edilen lirik sahnelerdi: aşk, hassasiyet, üzüntü. Enfes gibi tarihi Sanat Heian döneminde ukiyo-e virtüözleri, yenilenmiş bir kentsel ortamda bir kadının rafine güzelliğine dair olağanüstü kültü yeniden canlandırdı.

Tek fark, baskıların gururlu Heian aristokratları yerine Edo'nun eğlence bölgelerinden gelen zarif geyşaları tasvir etmesiydi. Sanatçı Utamaro (1753-1806), yaratımını tamamen kadınları çeşitli yaşam koşullarında çeşitli pozlar ve elbiselerle tasvir etmeye adamış, resim tarihinde belki de benzersiz bir profesyonel örneğidir. En iyi eserlerinden biri, Moskova'da Puşkin Resim Müzesi'nde saklanan "Geisha Usame" gravürüdür. Sanatçı, jest ve ruh halinin, yüz ifadelerinin birliğini alışılmadık bir şekilde ince bir şekilde aktardı.

Manga ve anime

Birçok sanatçı Japonya resmini incelemeye çalışır. Anime (Japon animasyonu) nedir? Yetişkin bir izleyiciye daha fazla uyum sağlamasıyla diğer animasyon türlerinden farklıdır. Burada, kesin bir ifade için stillere yinelenen bir ayrım vardır. hedef kitle. Ezmenin ölçüsü sinemaseverin cinsiyeti, yaşı veya psikolojik portresidir. Çoğu zaman anime, aynı zamanda büyük ün kazanan Japon manga çizgi romanlarının bir film uyarlamasıdır.

Manganın temel kısmı yetişkin bir izleyici için tasarlanmıştır. 2002 verilerine göre, tüm Japon kitap pazarının yaklaşık %20'si manga çizgi romanları tarafından işgal edildi.

Japonya coğrafi olarak bize yakın, ancak buna rağmen uzun süre tüm dünya tarafından anlaşılmaz ve erişilemez kaldı. Bugün bu ülke hakkında çok şey biliyoruz. Uzun bir gönüllü izolasyon, kültürünün diğer devletlerin kültürlerinden tamamen farklı olmasına yol açmıştır.

Detaylar Kategori: 19. Yüzyıl Güzel Sanatlar ve Mimarisi Gönderim Tarihi 14.08.2017 18:30 Görüntülenme: 1604

XIX yüzyılın ilk yarısında. Ukiyo-e hala Japon resmine hakimdi. 1868'de Meiji devrimi ve sınırların açılmasından sonra, Batı medeniyetinin başarıları Japonya'da daha erişilebilir hale geldi ve ukiyo-e'nin modası yavaş yavaş düştü ve yerini fotoğraf aldı.
Ama önce ilk şeyler.

Ukiyo tarzı

Ukiyo-e(Değişen dünyanın Japon resimleri (resimleri)) - Japonya'nın güzel sanatlarında bir trend. Başlangıçta bu Budist terim "ölümlü dünya, keder vadisi" anlamında kullanılmıştır. Ancak Edo döneminde, kabuki tiyatrosunun geliştiği ve geyşaların ve fahişelerin evleri olduğu, özel olarak belirlenmiş şehir bloklarının ortaya çıkmasıyla, terim yeniden düşünüldü ve "geçici zevkler dünyası" olarak anlaşılmaya başlandı. sevgi Dünyası."
Ukiyo-e baskılar, Japonya'daki ana gravür türüdür. Bu sanat formu, 17. yüzyılın ikinci yarısında şehir kültüründe popüler hale geldi. Ukiyo-e'nin kurucusu bir Japon ressam ve grafik sanatçısıdır. Hisikawa Moronobu.

H. Moronobu “Asakusa'da Sonbahar. Ueno Park'ta kiraz çiçekleri. Ekran boyama. Freer Galerisi (Washington)
Başlangıçta, gravürler mürekkeple yapılmış siyah beyazdı. XVIII yüzyılın başından itibaren. bazı eserler fırça ile elde boyandı.
Ukiyo-e baskıları, daha pahalı resimli tabloları karşılayamayan şehir sakinleri için tasarlandı.
Ukiyo-e temaları günlük hayatın resimleridir: güzel geyşalar, sumo güreşçileri, popüler kabuki tiyatro oyuncuları ve daha sonra manzara baskıları.

Katsushika Hokusai "Kanagawa Açıklarındaki Büyük Dalga" (1823-1831)
XVIII-XIX yüzyıllar döneminde. önemli sanatçılar Utamaro, Hokusai, Hiroshige ve Toshusai Syaraku idi.
Ukiyo-e tarzının Japonya'da modası geçmeye başladığı, Batı Avrupa ve Amerika'da popülerlik kazandığı bir dönemde, sanat tarihçileri toplu olarak gravür satın almaya başladı.
Japon gravürleri, Kübizm, Empresyonizm, Post-Empresyonizm tarzında çalışan birçok Avrupalı ​​sanatçıya ilham verdi: Vincent van Gogh, Claude Monet ve diğerleri, bu etki "Japonizm" olarak adlandırıldı.

Vincent van Gogh "Peder Tanguy'un Portresi" (1887-1888). Kanvas, yağ. Rodin Müzesi (Paris)

Önemli ukiyo-e sanatçıları:

Hisikawa Moronobu (17. yüzyıl)
Kitagawa Utamaro (XVIII yüzyıl)
Kawanabe Kyosai (19. yüzyıl)
Katsushika Hokusai (XVIII-XIX yüzyıllar)
Utagawa Hiroshige (19. yüzyıl)
Utagawa Kunisada (19. yüzyıl)
Utagawa Kuniyoshi (19. yüzyıl)
Keisai Eisen (19. yüzyıl)
Suzuki Harunobu (19. yüzyıl)
Toyohara Kunitika (19. yüzyıl)
Tsukioka Yoshitoshi (19. yüzyıl)
Ogata Gekko (XIX-XX yüzyıllar)
Hasui Kawase (XX yüzyıl)

Bazılarının çalışmalarını düşünün.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Katsushika Hokusai. otoportre
Ünlü Japon ukiyo-e sanatçısı, illüstratör, oymacı. Birçok takma adla çalıştı (en az 30). Bir zanaatkar ailesinde dünyaya gelen sanatçı, 6 yaşında resim yapmaya başladı. Bir kitapçıda çalışarak okuma yazma öğrendi. Daha sonra bir oymacının atölyesinde çalıştı - oymacılık o zamanlar Japonya'da çok popülerdi.
1793-1794'te. başlar bağımsız yaşam maddi açıdan oldukça ağır, ancak sanatla doymuş bir sanatçı - farklı resim okulları üzerinde çalışıyor: Kano okulları (manzaralar, kuş ve hayvan resimleri, günlük sahneler; sürgülü paravanların kapılarını bir desenle süslediler); Sotatsu okulu (resim Gündelik Yaşam Japon ve japon manzaraları sürgülü kapılarda). Sanatçı yavaş yavaş kendi tarzını geliştirmeye başlar.
1796'da sanatçı, daha sonra yaygınlaşan şeyi kullanmaya başladı. ünlü takma ad Hokusai. 1800 yılında, 41 yaşında, sanatçı kendisine Gakejin Hokusai ("Çılgın Hokusai Tablosu") demeye başladı.
Sanatçı, insanların günlük yaşamının, çalışmalarının ve kaygılarının öneminin, özel değerinin farkında olarak dünya resmini kavrar. Hokusai'nin manzaralarındaki doğanın hayatı, anlamı ve güzelliği, yalnızca içlerinde olağan işleriyle uğraşan insanların varlığı sayesinde netleşir. Hokusai, hayatının çoğunu ülkeyi dolaşarak, gördüğü her şeyi çizerek geçirdi. Hokusai sadece bir oymacı olarak değil, aynı zamanda bir yazar, şair ve ressam olarak da biliniyordu.
Çalışmalarında manzaranın önem kazandığı Japon gravür sanatçılarının ilkidir. bağımsız tür. Hokusai'nin manzaraları, Japonya'nın canlı ve görkemli doğasını yakaladı.
benim için uzun sanatsal aktivite yaklaşık 30.000 çizim ve gravür yarattı ve yaklaşık 500 kitap resimledi.
Hokusai'nin yaratıcılığının altın çağı 1820'lere ve 1830'ların başına kadar uzanıyor. Bu sırada en iyi manzara serisini yarattı. Bu diziler, Hokusai'nin sanatsal vizyonunun derinliği ve zenginliği ile hayrete düşürüyor - "Fuji Dağı'nın 36 Görünümü" (1823-1829) dizisindeki dünya görüşünün geniş bir felsefi anlayışından, "Köprüler" serisinde doğanın destansı ihtişamını gösteriyor ( 1823-1829), "Şelaleler"deki (1827-1830) temel gücüne hayranlıkla "Çin ve Japonya Şairleri" (1830) dizisindeki ince lirik doğa deneyimine hayran kaldı.

Katsushika Hokusai Güney Rüzgarı. Temiz gün". "Fuji'nin Otuz Altı Manzarası" serisinden renkli gravür (1823-1831)
En iyilerinden biri önemli iş Bir sanatçı-düşünür olarak çalışmalarının özgünlüğünün en iyi şekilde ortaya çıktığı Hokusai, "Fuji'nin 36 Görünümü" dizisidir. Bu dizideki sayfaların çoğu çeşitli türden sahneleri temsil ediyor: ağlarını atan bir balıkçı; bir odun deposunda çalışan keresteciler; küvet yapan bir fıçıcı vb. Tüm bu sahneler, arka planda Fuji Dağı'nın olduğu bir manzarada geçiyor.
Hokusai'nin yaratıcılığı çok sayıda taklide neden oldu, öğrencilerinin sayısı çok fazlaydı. Ancak sanatçının hemen hemen tüm takipçileri, yaratıcı yönteminin yalnızca dış tarafının özümsenmesi ile karakterize edilir.

Surimono

Surimono, Japon kentsel entelijansiyası arasında bir hediye görevi gören, renkli gravürlü, geleneksel bir Japon sanatı türüdür. Yıldönümleri, bir erkek çocuğunun doğumu, kiraz çiçeği mevsiminin başlangıcı, yaklaşan Yeni Yıl vb. böyle bir hediyenin nedeni olabilir. Surimono türleri çok çeşitliydi: figürlerin görüntüsü, hayvanların, çiçeklerin ve kuşların görüntüsü, manzara.
Görsel, şiirsel ve teknik yollarla oluşturulan imajın bir bütünlük içinde olması gerekiyordu. Surimono, kasaba halkının günlük yaşamının bir parçası olan hem bir sanat hem de bir oyun ve bir eğlence biçimidir.

Katsushika Hokusai "Sazan" (surimono)
Surimono'nun popülaritesinin artmasında Hokusai'nin değeri büyüktür: onu Japon gravür türlerinin en önemlisi yapar.
Hokusai'nin surimono'sundaki insanlar "canlıdır". Manzaranın arka planında tasvir edilmişler, onunla aktif olarak etkileşime giriyorlar: elleriyle gözlerini güneşten kapatıyorlar, bulutları işaret ediyorlar, sonsuz genişliklere bakıyorlar, hatta bazen izleyiciye sırtlarını çeviriyorlar.

Katsushika Hokusai. Surimono

Manga

"Manga" (Japonca, kelimenin tam anlamıyla "Hokusai'nin çizimleri"), sanatçının şöhretinin zirvesinde yarattığı yaratıcı mirasının en önemli eserlerinden biridir. "Manga", Hokusai'nin yaratıcılık konusundaki görüşlerinin bir ifadesidir, felsefesi, ustanın sırlarını açığa çıkarır; sadece Hokusai'nin yaşamında bir dönüm noktası olarak değil, aynı zamanda geç feodalizm döneminde Japonya'nın kültür ve sanatı hakkında önemli bir bilgi kaynağı olarak da değerlidir. Hokusai'nin Manga'sına genellikle "Japon halkının ansiklopedisi" denir. Çizimlerin çoğu şehir hayatından sahneleri tasvir ediyordu, birçok insan eskizleri vardı. Koleksiyon, ustanın hayatta gördüğü her şeyi çizimler biçiminde (metin değil) girdiği bir günlüktü.

Katsushika Hokusai "Fuji Dağı'nın Tefekkürü" (1814) Mangası
Hokusai, genel olarak Japon sanatı gibi, Avrupa sanatı üzerinde önemli bir etkiye sahipti. sanat XIX yüzyıl, Fransız İzlenimciliği dahil. Hokusai'nin gravürlerinin teması, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir ve diğerlerinin eserlerinde mevcuttur.
19. yüzyılın ilk yarısında Japon gravür sanatının son önemli temsilcisi. manzara ressamı Ando Hiroshige.

Ando Hiroşige (1797-1858)

Utagawa Hiroshige, bir Japon grafik sanatçısı, ukiyo-e yönünün temsilcisi, renkli gravür ustasıdır. En az 5400 gravürün yazarı. Tür motifli lirik manzaralarda doğanın değişken hallerini, kar ve sisin atmosferik etkilerini aktarmıştır. Ando Hiroshige takma adı altında çalıştı.
Annesini ve babasını erken kaybetmiştir. güzel Sanatlar Hokusai'nin çalışmalarını gördükten sonra çalışmaya başladım.
Hiroshige, oymacı Utagawa Toyohiro'nun (1763-1828) öğrencisiydi. Hiroshiga'ya ün kazandıran ilk eser, 1834'te basılan "53 Tokaido İstasyonu" baskı dizisiydi. Hokusai'nin manzara türünü sürdüren Hiroshige, onu kendi tarzında geliştirir.
Tokaido, Edo'yu Japonya'nın diğer bölgelerine bağlayan beş yoldan biriydi. Honshu'nun doğu kıyısı boyunca uzanıyordu. Boyunca gezginlere konaklama, yiyecek ve ahır teklif edilen 53 posta istasyonu bulunuyordu.
1832'de Hiroshige, imparatorluk sarayı için atları taşıyan resmi bir heyetin parçası olarak Tokaido'dan geçti. Manzaralar sanatçı üzerinde güçlü bir etki bıraktı ve birçok eskiz yaptı. Eve döndükten sonra 53 eserlik bir döngü yarattı. Bu serinin başarısı, Hiroshige'i en önemli ve tanınan matbaacılardan biri yaptı.

A. Hiroshige. 1. İstasyon: Shinogawa

A. Hiroshige. 30. İstasyon: Maisaka

A. Hiroshige. 32. İstasyon: Shirasuka
İÇİNDE doğal güzellik Hiroshige'nin doğası ifade gücü çekiyor.
Hiroshige'nin çalışması, 18. ve 19. yüzyılın ilk yarısındaki Japon renkli gravürlerinin parlak çiçeklenme dönemini tamamlıyor. Gravür 1850-1860 tek bir büyük sanatçı ortaya koymadı, stilizasyon ve eklektizm içinde giderek daha belirgin hale geliyor.
1868'de Japonya'da bir burjuva devrimi gerçekleşti ve 1880'lerde Japonya bir monarşiye dönüştü. Bu olaylar, Japon sanat tarihinde yeni bir aşamanın başlangıcına işaret ediyordu çünkü. Japonya kapitalist ülkeler dünya sistemine girdi. Bu dönemin Japonya sanatında çok sayıda okul ve gruplaşma ortaya çıktı. Bazıları Avrupa sanatında ustalaşma yolunu tuttu, diğer Japon sanatçılar (örneğin, Kuroda Kiyoteri (1866-1924) Avrupa'da okumak için ayrıldı. Ancak ulusal geleneklerin saflığını korumaya çalışanlar da vardı.
19. yüzyılın sonları - 20. yüzyılın başları Japonya sanatında eski sanatsal geleneğin gözden geçirildiği, Avrupa sanatının geliştiği, yeni bir sanat arayışının yanı sıra kendi gelişim tarzının da olduğu bir dönemdi.

Japonya Uygulamalı Sanatları

Japon uygulamalı sanatının altın çağı, 16. yüzyılın sonunda başladı. 19. yüzyılda ahşap oymacılığı, kemik oymacılığı, seramik ve porselen yaygın olarak kullanılmıştır.
hakkında da söylenmeli netsuke- minyatür heykel, bir Japon sanat ve zanaat eseri. Netsuke, geleneksel Japon kıyafetleri, kimono ve kosode üzerinde kullanılan oymalı küçük bir anahtarlıktır.

Netsuke, Hotei'yi (iletişim, eğlence ve refah tanrısı) tasvir ediyor. Fildişi, çağdaş çalışma
İlk netsuke, 16. yüzyılın ikinci yarısında ve 17. yüzyılın başlarında Japonya'da ortaya çıktı. 19. yüzyılın sonlarından itibaren ve 20. yüzyıl boyunca. netsuke ihracat için yapılmıştır. Bugün hala yapılıyorlar. Konveyör yöntemiyle üretilen hediyelik ürünlerdir, çok fazla değil. Yüksek kalite. Ancak netsuke sanatı ortadan kalkmadı. Ve bugün uzmanlığı netsuke oymacılığı olan ustalar var.

Bir sır ile Netsuke

Japonya, adalarda bulunan muhteşem bir doğu ülkesidir. Japonya'nın diğer adı Ülke'dir. Doğan güneş. Ilıman ve nemli iklim, dağ sıraları volkanlar ve deniz suları, genç Japonların büyüdüğü muhteşem manzaralar yaratır ve bu da şüphesiz bu küçük devletin sanatı üzerinde bir iz bırakır. Burada olan insanlar İlk yıllar güzelliğe alışırlar ve taze çiçekler, süs bitkileri ve göllü küçük bahçeler konutlarının bir özelliğidir. Herkes kendileri için bir parça vahşi yaşam düzenlemeye çalışıyor. Tüm doğu milletleri gibi, Japonlar da medeniyetlerinin yüzyıllar boyunca var olduğu yüzyıllar boyunca onurlandırılan ve saygı duyulan doğa ile bir bağ kurdular.

Hava nemlendirme: WINIX WSC-500 hava yıkayıcı, ince su parçacıkları üretir. Winix WSC-500 lavabonun çalışma modları: "WINIX WSC-500" hava lavabosunun uygun bir otomatik çalışma modu vardır. Aynı zamanda, odadaki en uygun ve konforlu nem korunur - %50-60 ve plazma hava temizleme ve iyonizasyon modu ("Plasma Wave™") varsayılan olarak etkindir.

Japon mimarisi

Uzun zamandır Japonya kapalı bir ülke olarak kabul edildi, temaslar sadece Çin ve Kore ile yapıldı. Bu nedenle gelişimleri kendi özel yolunda gerçekleşti. Daha sonra, adaların topraklarına çeşitli yenilikler girmeye başladığında, Japonlar bunları hızla kendilerine uyarladılar ve kendi yöntemleriyle yeniden yaptılar. Japon mimari tarzı, kendinizi sürekli şiddetli yağmurlardan korumanıza izin veren masif kavisli çatılara sahip evler. Gerçek sanat eseri, imparatorluk sarayları bahçeler ve köşkler ile.

Japonya'da bulunan ibadet yerlerinden, bugüne kadar ayakta kalan ahşap Şinto tapınakları, Budist pagodaları ve daha fazla ortaya çıkan Budist tapınak kompleksleri ayırt edilebilir. geç dönem Tarih, Budizm'in anakaradan ülkeye girdiği ve devlet dini ilan edildiği zaman. Bildiğiniz gibi ahşap binalar dayanıklı ve savunmasız değildir, ancak Japonya'da binaları orijinal hallerinde yeniden yaratmak gelenekseldir, bu nedenle yangınlardan sonra bile bir zamanlar inşa edildikleri biçimde yeniden inşa edilirler.

Japonya heykeli

Budizm, Japon sanatının gelişimi üzerinde güçlü bir etkiye sahipti. Pek çok eser Buda'nın imajını temsil ediyor, bu nedenle tapınaklarda Buda'nın çok sayıda heykeli ve heykeli yaratıldı. Metal, ahşap ve taştan yapılmışlardı. Sadece bir süre sonra, seküler portre heykelleri yapmaya başlayan ustalar ortaya çıktı, ancak zamanla bunlara olan ihtiyaç ortadan kalktı, bu nedenle, binaları süslemek için giderek daha fazla derin oymalı heykel kabartmaları kullanılmaya başlandı.

Minyatür netsuke heykeli, Japonya'da ulusal sanat formu olarak kabul edilir. Başlangıçta, bu tür figürler, kemere takılan bir anahtarlık rolü oynadı. Her heykelciğin, o sırada kıyafetlerin cepleri olmadığı için üzerine gerekli eşyaların asıldığı bir ip için bir deliği vardı. Netsuke figürinleri dünyevi karakterleri, tanrıları, iblisleri veya çesitli malzemelerözel bir gizli anlamı olan, örneğin aile mutluluğu dileği olan. Netsuke ahşap, fildişi, seramik veya metalden yapılır.

Japon sanatları ve el sanatları

Kenarları keskin silahların imalatı Japonya'da sanat mertebesine yükseltildi ve samuray kılıcının imalatı mükemmelliğe getirildi. Kılıçlar, hançerler, kılıç çerçeveleri, savaş mühimmatı unsurları, bir sınıfa ait olduğunu belirten bir tür erkek takısı görevi gördü, bu yüzden yapıldılar. yetenekli zanaatkarlar, değerli taşlar ve oymalarla süslenmiştir. Ayrıca Japonya'nın halk el sanatları arasında seramik, lake eşya, dokuma ve gravür işçiliği imalatı yer almaktadır. Japon çömlekçiler geleneksel çömlekleri çeşitli desenler ve sırlarla boyarlar.

Japonya boyama

İlk başta Japon resmine, kaligrafi sanatıyla yakından iç içe geçmiş tek renkli bir tablo türü hakim oldu. Her ikisi de aynı prensiplere göre yaratılmıştır. Boya, mürekkep ve kağıt yapma sanatı anakaradan Japonya'ya geldi. Bu bağlamda, resim sanatının yeni bir gelişme turu başladı. O zamanlar, Japon resim türlerinden biri, Buda'nın hayatından sahneleri tasvir eden uzun yatay emakinomo parşömenleriydi. Japonya'da manzara resmi çok daha sonra gelişmeye başladı, ardından sahnelerde uzmanlaşmış sanatçılar ortaya çıktı. dünyevi hayat, portreler ve askeri sahneler yazmak.

Japonya'da genellikle paravanlar, shojiler, evlerin duvarları ve giysiler üzerine çizim yapılırdı. Japonlar için ekran sadece evin işlevsel bir unsuru değil, aynı zamanda odanın genel havasını belirleyen tefekkür için bir sanat eseridir. Ulusal kimono kıyafetleri de özel bir oryantal lezzet taşıyan Japon sanatının nesnelerine aittir. Parlak renkler kullanılarak altın varak üzerine dekoratif paneller de Japon resim eserlerine atfedilebilir. Japonlar, sözde gravür olan ukiyo-e'yi yaratmada büyük beceri kazandılar. Bu tür resimlerin konusu, sıradan vatandaşların, sanatçıların ve geyşaların yaşamlarından ve ayrıca Japonya'da resim sanatının gelişmesinin bir sonucu olan muhteşem manzaralardan bölümlerdi.