Japon sanatının ana eserlerinin büyüklüğünün sırrı. Japon resminin gelişimi

Bu makale ile Japon tarihi üzerine bir dizi makaleye başlıyorum. görsel Sanatlar. Bu yazılar ağırlıklı olarak Heian döneminden başlayarak resim üzerine odaklanacak ve bu yazı bir giriş niteliğinde olup sanatın 8. yüzyıla kadar olan gelişimini anlatıyor.

Jōmon dönemi
Japon kültürünün çok eski kökleri vardır - en eski buluntular MÖ 10. binyıla kadar uzanır. e. ancak resmi olarak Jomon döneminin başlangıcı MÖ 4500 olarak kabul edilir. e. Bu dönem hakkında nekokit çok güzel bir yazı yazmış
Jemon seramiğinin benzersizliği, tarımın gelişmesiyle birlikte genellikle seramiğin ortaya çıkışının Neolitik çağın başlangıcını göstermesidir. Bununla birlikte, tarımın ortaya çıkmasından birkaç bin yıl önce, Mezolitik çağda bile, Jomon avcı-toplayıcıları oldukça karmaşık bir şekle sahip çanak çömlek ürettiler.

Çanak çömleğin çok erken ortaya çıkmasına rağmen, Jomon döneminin insanları teknolojiyi çok yavaş geliştirdiler ve Taş Devri seviyesinde kaldılar.

Orta Jōmon döneminde (MÖ 2500-1500), seramik figürinler ortaya çıktı. Ancak hem Orta hem de Geç (MÖ 1000-300) dönemlerde soyut ve oldukça stilize kalırlar.

Ebisuda, Tajiri-cho, Miyagi.H. 36.0.
Jomon Dönemi, MÖ 1000-400
Tokyo Ulusal Müzesi

Bu arada, ufologlar bunların uzaylıların görüntüleri olduğuna inanıyor. Bu figürinlerde yüzlerinde uzay kıyafetleri, gözlükler ve oksijen maskeleri görüyorlar ve "uzay kıyafetleri" üzerindeki spiral görüntüleri galaksi haritaları olarak kabul ediliyor.

Yayoi dönemi
Yayoi, Japon tarihinde MÖ 300'den MS 300'e kadar süren ve Japon toplumunda en dramatik kültürel değişikliklerin meydana geldiği kısa bir dönemdir. Bu dönemde anakaradan gelen ve Japon adalarının yerli nüfusunu yerinden eden kabileler, kültürlerini ve pirinç ekimi ve bronz işleme gibi yeni teknolojileri getirdiler. Yine Yayoi döneminin sanat ve teknolojisinin çoğu Kore ve Çin'den ithal edildi.

Kofun dönemi
300 ile 500 yılları arasında kabile liderleri "Kofun" adı verilen höyüklere gömüldü. Bu dönem bu adla anılır.

Mezarlara ölünün ihtiyaç duyabileceği şeyler konulmuştur. Bunlar yiyecekler, aletler ve silahlar, mücevherler, çömlekler, aynalar ve en ilginçleri - "haniwa" adı verilen kil figürinler.

Kokai, Oizumi-machi, Gunma.H.68.5'ten.
Kofun Dönemi, 6. yüzyıl.
Tokyo Ulusal Müzesi

Heykelciklerin kesin amacı bilinmiyor, ancak Kofun dönemine ait tüm mezarlıklarda bulunuyorlar. Bu küçük heykelciklerden, insanlar alet ve silahlarla ve bazen de evlerin yanında tasvir edildiğinden, o dönemde insanların nasıl yaşadığını hayal etmek mümkündür.

Çin geleneklerinden etkilenen bu heykeller, yalnızca yerel sanata özgü bağımsız unsurlara sahiptir.

Kadın dansçı, Batı Han hanedanı (MÖ 206 – MS 9), MÖ 2. yüzyıl
Çin
Metropolitan Sanat Müzesi, NY

Kofun döneminde figürinler daha rafine ve daha farklı hale gelir. Bunlar askerlerin, avcıların, şarkıcıların, dansçıların vb. görüntüleridir.

Nohara, Konan-machi, Saitama'dan Günümüz H. 64.2, 57.3.
Kofun Dönemi, 6. yüzyıl.
Tokyo Ulusal Müzesi

Bu heykellerin bir özelliği daha var. Haniva sadece sosyal bir işlevi değil, aynı zamanda figürün ruh halini de temsil eder. Örneğin bir savaşçının yüzünde sert bir ifade vardır. ve köylülerin yüzlerinde kocaman gülümsemeler.

Iizuka-cho, Ota-shi, Gunma.H. 130.5.
Kofun Dönemi, 6. yüzyıl.
Tokyo Ulusal Müzesi

Asuka dönemi
Yayoi döneminden bu yana, Japon görsel sanatları Kore veya Çin sanatı. Bu, Japon sanatının hızla çeşitli görsel türlere dönüşmeye başladığı yedinci ve sekizinci yüzyıllarda en belirgin hale gelir.

6. yüzyılda Japon toplumunda önemli değişiklikler meydana geldi: ilk Japon devleti olan Yamato nihayet şekillendi ve ayrıca 552'de Budizm Japonya'ya geldi ve beraberinde Budist heykelini ve ortaya çıkmasına neden olan bir tapınak kavramını getirdi. Japonya'daki tapınakların sayısı - hem Şinto hem de Budist.
Şinto mabetleri tahıl ambarlarının mimarisini izledi (En eski Şinto mabetleri, hasat kutlamalarının yapıldığı ambarlardı. Ritüel ziyafetler sırasında insanlar, tanrıların kendileriyle ziyafet çektiğine inanırdı.)
Şinto tanrıları - her şeyden önce doğal güçler Böylece bu türbelerin mimarisi nehirler ve ormanlar gibi doğa ile bütünleşmiştir. Bunu anlamak önemlidir. Şinto mimarisinde, insan yapımı yapıların doğal dünyanın uzantıları olması gerekiyordu.

İlk Budist tapınağı Shitennoji, sadece 593 yılında Osaka'da inşa edildi. Bu ilk tapınaklar, üç bina ve kapalı bir koridorla çevrili merkezi bir pagodadan oluşan Kore Budist tapınaklarının taklitleriydi.

Budizm'in yayılması, Japonya ve Kore arasında Çin ile temasları ve Çin kültürünün Japon kültürüne entegrasyonunu kolaylaştırdı.

Japonya? Nasıl gelişti? Bu ve diğer soruları makalede cevaplayacağız. Japon kültürü, Japonların anakaradan takımadalara taşınmasıyla başlayan tarihsel bir hareketin sonucu olarak oluşmuş ve Jomon dönemi uygarlığı doğmuştur.

Avrupa, Asya (özellikle Kore ve Çin) ve Kuzey Amerika, bu insanların mevcut aydınlanmasını güçlü bir şekilde etkilemiştir. Japon kültürünün işaretlerinden biri, 19. yüzyılın ortalarına kadar süren Tokugawa Shogunate hükümdarlığı sırasında devletin diğer tüm ülkelerden tamamen izolasyonu (sakoku politikası) çağındaki uzun gelişimidir - 19. yüzyılın başlangıcı. Meiji dönemi.

Etkilemek

nasıl oldu Sanat kültürü Japonya? Medeniyet, ülkenin izole edilmiş bölgesel konumundan, iklimsel ve coğrafi özellikler, yanı sıra doğal olaylar (tayfunlar ve sık depremler). Bu, nüfusun canlı bir varlık olarak doğaya karşı olağanüstü tutumunda ifade edildi. özellik Ulusal karakter Japonca, küçük bir ülkede birçok sanat türünde ifadesini bulan, evrenin mevcut güzelliğine hayran olma yeteneğidir.

Japonya'nın sanat kültürü Budizm, Şintoizm ve Konfüçyüsçülüğün etkisi altında yaratılmıştır. Bu aynı eğilimler, daha da gelişmesini etkiledi.

eski Çağlar

Katılıyorum, Japonya'nın sanatsal kültürü muhteşem. Şintoizm'in kökleri eski çağlara dayanmaktadır. Budizm, çağımızdan önce ortaya çıkmasına rağmen, ancak beşinci yüzyıldan itibaren yayılmaya başladı. Heian dönemi (8.-12. yüzyıllar), Japonya'nın devletinin altın çağı olarak kabul edilir. Aynı dönemde bu ülkenin pitoresk kültürü en yüksek noktasına ulaştı.

Konfüçyüsçülük 13. yüzyılda ortaya çıktı. Bu aşamada Konfüçyüs felsefesi ile Budizm arasında bir ayrılık yaşandı.

hiyeroglifler

Japonya'nın sanatsal kültürünün görüntüsü, adı verilen benzersiz bir şiirde somutlaştırılmıştır. Bu ülkede, efsaneye göre göksel ilahi imgelerden ortaya çıkan kaligrafi sanatı da oldukça gelişmiştir. Yazıya can verenler onlardı, bu nedenle halk imladaki her işarete karşı nazik.

Söylentiye göre Japon kültürünü veren hiyerogliflerdi, çünkü yazıtları çevreleyen görüntüler onlardan çıktı. Biraz sonra, resim ve şiir unsurlarının tek bir eserde güçlü bir şekilde bir araya geldiği gözlemlenmeye başlandı.

Bir Japon parşömenini incelerseniz, eserin iki tür sembol içerdiğini göreceksiniz. Bunlar yazı işaretleridir - mühürler, şiirler, kolofen ve pitoresk. Aynı zamanda Kabuki tiyatrosu büyük bir popülerlik kazandı. Farklı bir tiyatro türü - Ama - ağırlıklı olarak askeri personel tarafından tercih edilir. ciddiyetleri ve gaddarlıkları No.1 üzerinde güçlü bir etkiye sahipti.

Tablo

Sanat kültürü birçok uzman tarafından incelenmiştir. Japonca'da çizim veya resim anlamına gelen kaiga resmi, oluşumunda büyük bir rol oynadı. Bu sanat, çok sayıda çözüm ve biçim tarafından belirlenen, devletin en eski resim türü olarak kabul edilir.

İçinde kutsal prensibi belirleyen doğa tarafından özel bir yer işgal edilmiştir. Resmin sumi-e ve yamato-e olarak bölünmesi onuncu yüzyıldan beri var olmuştur. İlk tarz on dördüncü yüzyıla yakın gelişti. Bir tür monokrom sulu boyadır. Yamato-e, edebiyat eserlerinin dekorasyonunda yaygın olarak kullanılan yatay olarak katlanmış parşömenlerdir.

Kısa bir süre sonra, 17. yüzyılda, ülkede tabletler üzerine baskı ortaya çıktı - ukiyo-e. Ustalar manzaraları, geyşaları, ünlü aktörler kabuki tiyatrosu. 18. yüzyıldaki bu tür resim, Avrupa sanatı üzerinde güçlü bir etkiye sahipti. Ortaya çıkan eğilim "Japonizm" olarak adlandırıldı. Orta Çağ'da, Japonya kültürü ülke sınırlarının ötesine geçti - dünya çapında şık ve modaya uygun iç mekanların tasarımında kullanılmaya başlandı.

Kaligrafi

Ah, Japonya'nın sanatsal kültürü ne kadar güzel! Doğa ile uyum anlayışı her segmentinde kendini göstermektedir. Modern Japon kaligrafisi nedir? Buna shodo ("bildirim yolu") denir. Hat sanatı da yazı gibi zorunlu bir disiplindir. Bilim adamları, bu sanatın Çin yazısı ile aynı anda oraya geldiğini keşfettiler.

Bu arada, eski zamanlarda bir kişinin kültürü, onun kaligrafi düzeyine göre değerlendiriliyordu. bugün var Büyük sayı yazı stilleri ve Budist rahipler tarafından geliştirilmiştir.

Heykel

Japon kültürü nasıl ortaya çıktı? İnsan yaşamının bu alanının gelişimini ve türlerini olabildiğince ayrıntılı olarak inceleyeceğiz. Heykel, Japonya'daki en eski sanat türüdür. Antik çağda, bu ülkenin insanları seramikten put figürinleri ve tabaklar yaptılar. Daha sonra insanlar pişmiş topraktan yapılmış haniv heykellerini mezarların üzerine yerleştirmeye başladılar.

Modern sanatta heykel sanatının gelişimi Japon Kültürü eyalette Budizm'in yayılmasıyla ilişkili. Japon anıtlarının en eski temsilcilerinden biri, Zenko-ji tapınağına yerleştirilen ahşaptan yapılmış Buda Amitabha heykeli olarak kabul edilir.

Heykeller genellikle kirişlerden yapılmıştır, ancak çok zengin görünüyorlardı: zanaatkarlar onları vernik, altın ve parlak renklerle kapladılar.

Japon kağıt katlama sanatı

Japonya'nın sanatsal kültürünü seviyor musunuz? Doğa ile uyum anlayışı unutulmaz bir deneyim yaşatacaktır. Karakteristik özellik Japon kültürü, origaminin (“katlanmış kağıt”) harika ürünleri haline geldi. Bu beceri, kökenini aslında parşömenin icat edildiği Çin'e borçludur.

İlk başta dini törenlerde "katlanmış kağıt" kullanılıyordu. Bu sanat sadece üst sınıf tarafından çalışılabilirdi. Ancak İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra origami, soyluların evlerini terk etti ve dünyanın her yerinde hayranlarını buldu.

İkebana

Doğu ülkelerinin sanat kültürünün ne olduğunu herkes bilmeli. Japonya, gelişimine çok fazla yatırım yaptı. Bu kültürün diğer bir bileşeni harika ülke ikebana'dır ("yaşayan çiçekler", "çiçeklerin yeni yaşamı"). Japonlar estetik ve sadeliğin hayranlarıdır. İşlere yatırılan tam da bu iki niteliktir. Görüntülerin karmaşıklığı, bitki örtüsünün doğal güzelliğinin faydalı kullanımıyla elde edilir. Origami gibi ikebana da dini bir törenin parçası olarak hizmet etti.

Minyatürler

Muhtemelen çoğu kişi, Eski Çin ve Japonya'nın sanatsal kültürünün yakından iç içe geçmiş olduğunu anlamıştır. Ve bir bonsai nedir? Gerçek bir ağacın neredeyse birebir minyatür bir kopyasını yetiştirmek Japonlara özgü bir beceridir.

Japonya'da, bir tür anahtarlık olan küçük heykeller olan netsuke yapmak da yaygındır. Genellikle bu kapasitedeki bu tür figürinler, Japonların cepleri olmayan kıyafetlerine iliştirildi. Sadece dekore etmekle kalmadılar, aynı zamanda orijinal bir karşı ağırlık görevi gördüler. Anahtarlık, kese, hasır sepet şeklinde anahtarlıklar yapıldı.

resim tarihi

Sanat kültürü antik japonya birçok insanla ilgileniyor. Bu ülkedeki resim, Japon Paleolitik döneminde ortaya çıkmış ve şu şekilde gelişmiştir:

• Yamato dönemi. Asuka ve Kofun döneminde (4.-7. yüzyıllar), hiyerogliflerin tanıtılması, Çin tarzı bir devlet rejiminin oluşturulması ve Budizm'in yaygınlaşmasıyla birlikte Çin'den Japonya'ya birçok sanat eseri getirildi. Bundan sonra Yükselen Güneş Ülkesinde Çin tarzı resimler yeniden üretilmeye başlandı.
• Nar zamanı. VI ve VII yüzyıllarda. Budizm Japonya'da gelişmeye devam etti. Bu bağlamda, aristokrasi tarafından inşa edilen çok sayıda tapınağı süslemek için kullanılan dini resim gelişmeye başladı. Genel olarak Nara döneminde heykel ve sanatın gelişimine katkısı resimden daha fazlaydı. Bu döngüdeki ilk resimler, Shakyamuni Buddha'nın hayatını tasvir eden Nara Eyaletindeki Horyu-ji Tapınağı'nın iç duvarlarındaki duvar resimlerini içerir.
• Heian dönemi. Japon resminde, 10. yüzyıldan itibaren, yukarıda yazdığımız gibi, yamato-e eğilimi ayırt edilir. Bu tür resimler, kitapları tasvir etmek için kullanılan yatay kaydırmalardır.
• Muromachi dönemi. XIV.Yüzyılda Supi-e stili (tek renkli suluboya) ve XVII.Yüzyılın ilk yarısında ortaya çıktı. sanatçılar panolara gravürler basmaya başladı - ukiyo-e.
• Azuchi-Momoyama döneminin resmi, Muromachi döneminin resmiyle keskin bir tezat oluşturuyor. Yoğun gümüş kullanımı ile çok renkli bir tarza sahiptir ve bu dönemde Kano eğitim kurumu büyük prestij ve üne kavuşmuştur. Kurucusu, ayrı odalar için tavanları ve sürgülü kapıları boyayan Kano Eitoku'ydu. Bu tür çizimler, askeri soyluların kalelerini ve saraylarını süsledi.
• Maiji dönemi. 19. yüzyılın ikinci yarısından bu yana sanat, rekabet eden geleneksel ve Avrupa stillerine ayrıldı. Maiji döneminde Japonya büyük bir sosyal ve politik değişim yetkililer tarafından organize edilen modernleşme ve Avrupalılaşma sürecinde. Gelecek vaadeden genç sanatçılar yurt dışına okumaya gönderildi ve denizaşırı sanatçılar okul sanat programları oluşturmak için Japonya'ya geldi. Her ne olursa olsun, Batı'nın sanatsal üslubuna yönelik ilk merak dalgasının ardından sarkaç sallandı. ters taraf ve Japon geleneksel tarzı yeniden canlandırıldı. 1880'de Batı sanatı pratikleri resmi sergilerden men edildi ve ağır bir şekilde eleştirildi.

Şiir

Antik Japonya'nın sanatsal kültürü hala incelenmektedir. Özelliği, farklı dinlerin etkisi altında oluştuğu için çok yönlülük, bazı sentetiklerdir. Japon klasik şiirinin günlük yaşamdan ortaya çıktığı, onun içinde hareket ettiği ve bu dünyeviliğinin günümüz şiirinin geleneksel biçimlerinde bir dereceye kadar korunduğu bilinmektedir - belirgin bir şekilde ayırt edilen üç satırlık haiku ve beş satırlık tanka. kitle karakteri. Bu arada, onları 20. yüzyılın başında Avrupa şiirinin etkisi altında Japonya'da ortaya çıkan seçkinciliğe yönelen "serbest nazım" dan ayıran da tam olarak bu niteliktir.

Japonya'nın sanatsal kültürünün gelişim aşamalarının çok yönlü olduğunu fark ettiniz mi? Bu ülkenin toplumunda şiir özel bir rol oynadı. En ünlü türlerden biri haiku'dur, onu ancak tarihini öğrenerek anlayabilirsiniz.

İlk olarak Heian döneminde ortaya çıktı, wah'ın düşünceli dizelerine ara vermek isteyen şairler için bir tür çıkış noktası olan renga stiline benziyordu. Haikai oldu bağımsız tür 16. yüzyılda renga çok ciddi bir hal alınca haiku konuşma dili ve hala komikti.

Elbette birçok eserde Japonya'nın sanat kültürü kısaca anlatılıyor ama biz bundan daha detaylı bahsetmeye çalışacağız. Orta Çağ'da en ünlü edebi Japon türlerinden birinin tanka ("özlü şarkı") olduğu bilinmektedir. Çoğu durumda, bu, sabit sayıda heceye sahip bir çift kıtadan oluşan beş satırdır: ilk kıtanın üç satırında 5-7-5 hece ve ikinci kıtanın iki satırında 7-7. İçeriğe gelince, tanka aşağıdaki şemayı kullanır: ilk dörtlük belirli bir doğal görüntüyü temsil eder ve ikincisi, bir kişinin bu görüntüyü yansıtan hissini yansıtır:

• uzak dağlarda
  Uyuyan uzun kuyruklu sülün -
  Bu uzun, uzun gece
  Yalnız uyuyabilir miyim? ( Kakinomoto no Hitovaro, 8. yüzyılın başları, çeviren Sanovich.)

Japon dramaturjisi

Birçoğu, Çin ve Japonya'nın sanatsal kültürünün büyüleyici olduğunu iddia ediyor. Gösteri sanatlarını sever misin? Yükselen Güneş Ülkesi'nin geleneksel dramaturjisi joruri (kukla tiyatrosu), Noh tiyatrosu dramaturjisi (kyogen ve yokyoku), kabuki tiyatrosu ve shingeki'ye ayrılır. Bu sanatın gelenekleri beş temel tiyatro türünü içerir: kyogen no, bugaku, kabuki ve bunraku. Bu beş geleneğin tümü bugün hala mevcuttur. Muazzam farklılıklara rağmen, Japon sanatının temelini oluşturan ortak estetik ilkelerle bağlantılıdırlar. Bu arada, Japonya'nın dramaturjisi 1 No'lu sahnede ortaya çıktı.

Kabuki tiyatrosu 17. yüzyılda ortaya çıktı ve 18. yüzyılın sonlarına doğru zirveye ulaştı. Belirtilen dönemde gelişen performans biçimi, Kabuki'nin modern sahnesinde korunur. Bu tiyatronun prodüksiyonları, antik sanatın dar bir hayran kitlesine odaklanan No sahnelerinin aksine, kitlesel seyirci için tasarlanmıştır. Kabuki becerilerinin kökleri, komedyenlerin performanslarından kaynaklanır - küçük saçmalıkların sanatçıları, dans ve şarkı söylemeden oluşan sahneler. Kabuki'nin teatral becerisi, joruri ve no.

Kabuki tiyatrosunun görünümü, Kyoto'daki Budist tapınağı O-Kuni'nin işçisinin adıyla ilişkilendirilir (1603). O-Kuni, Nembutsu-odori halk oyunlarının hareketlerini içeren dini danslarla sahnede performans sergiledi. Performansları komik oyunlarla serpiştirildi. Bu aşamada yapımlara yujo-kabuki (fahişelerin kabuki), o-kuni-kabuki veya onna-kabuki (kadınların kabuki) adı verildi.

Gravürler

Geçen yüzyılda Avrupalılar ve daha sonra Ruslar, Japon sanatı olgusuyla gravür yoluyla karşılaştılar. Bu arada, Yükselen Güneş Ülkesinde, bir ağaç üzerine çizim yapmak, kitle kültürünün tüm özelliklerine - ucuzluk, bulunabilirlik, dolaşım - sahip olmasına rağmen, ilk başta hiç bir beceri olarak görülmedi. Ukiyo-e uzmanları, hem olay örgüsünün düzenlenmesinde hem de seçimlerinde en yüksek anlaşılırlığı ve basitliği elde edebildiler.

Ukiyo-e özel bir sanat okuluydu, bu yüzden bir dizi seçkin usta ortaya çıkarabildi. Bu nedenle, Hisikawa Moronobu'nun (1618-1694) adı olay örgüsünün gelişiminin ilk aşamasıyla ilişkilendirilir. 18. yüzyılın ortalarında, çok renkli gravürün ilk uzmanı Suzuki Harunobu yarattı. Çalışmasının ana motifleri, eyleme değil, ruh hallerinin ve duyguların aktarımına dikkat edilen lirik sahnelerdi: aşk, hassasiyet, üzüntü. Heian döneminin enfes antik sanatı gibi, ukiyo-e virtüözleri de yenilenmiş bir kentsel ortamda kadınların enfes güzelliğine dair olağanüstü kültü yeniden canlandırdı.

Tek fark, baskıların gururlu Heian aristokratları yerine Edo'nun eğlence bölgelerinden gelen zarif geyşaları tasvir etmesiydi. Sanatçı Utamaro (1753-1806), yaratımını tamamen kadınları çeşitli yaşam koşullarında çeşitli pozlar ve elbiselerle tasvir etmeye adamış, resim tarihinde belki de benzersiz bir profesyonel örneğidir. En iyi eserlerinden biri, Moskova'da Puşkin Resim Müzesi'nde saklanan "Geisha Usame" gravürüdür. Sanatçı, jest ve ruh halinin, yüz ifadelerinin birliğini alışılmadık bir şekilde ince bir şekilde aktardı.

Manga ve anime

Birçok sanatçı Japonya resmini incelemeye çalışıyor. Anime (Japon animasyonu) nedir? Yetişkin bir izleyiciye daha fazla uyum sağlamasıyla diğer animasyon türlerinden farklıdır. Burada, kesin bir ifade için stillere yinelenen bir ayrım vardır. hedef kitle. Ezmenin ölçüsü sinemaseverin cinsiyeti, yaşı veya psikolojik portresidir. Çoğu zaman anime, aynı zamanda büyük ün kazanan Japon manga çizgi romanlarının bir film uyarlamasıdır.

Manganın temel kısmı yetişkin bir izleyici için tasarlanmıştır. 2002 verilerine göre, tüm Japon kitap pazarının yaklaşık %20'si manga çizgi romanları tarafından işgal edildi.

Japonya coğrafi olarak bize yakın, ancak buna rağmen uzun süre tüm dünya tarafından anlaşılmaz ve erişilemez kaldı. Bugün bu ülke hakkında çok şey biliyoruz. Uzun bir gönüllü izolasyon, kültürünün diğer devletlerin kültürlerinden tamamen farklı olmasına yol açmıştır.

Japonya, Uzak Doğu'daki en küçük ülkedir - 372 bin kilometrekare. Ancak Japonya'nın dünya kültür tarihine yaptığı katkı, büyük antik devletlerin katkısından daha az değildir.

Bu antik ülkenin sanatının kökenleri MÖ 8. binyıla kadar uzanıyor. Ancak tüm alanlardaki en önemli aşama, sanat hayatı 6-7. yüzyıllarda R.Kh.'den başlayan bir dönem vardı. ve 19. yüzyılın ortalarına kadar devam etti. Japon sanatının gelişimi düzensiz bir şekilde ilerledi, ancak çok keskin değişiklikler veya keskin düşüşler bilmiyordu.

Japon sanatı, özel doğal ve tarihi koşullarda gelişmiştir. Japonya dört büyük adada (Honshu, Hokkaido, Kyushu ve Shioku) ve birçok küçük adada yer almaktadır. Uzun zamandır zaptedilemezdi ve dış savaşları bilmiyordu. Japonya'nın anakaraya yakınlığı, eski çağlarda Çin ve Kore ile temasların kurulmasını etkilemiştir. Bu, Japon sanatının gelişimini hızlandırdı.

Japon ortaçağ sanatı, Kore ve Çin kültürlerinin etkisi altında gelişti. Japonya, Çin alfabesini ve Çin dünya görüşünün özelliklerini benimsedi. Budizm, Japonya'nın devlet dini haline geldi. Ancak Japonlar kendi yollarıyla kırıldı çin fikirleri ve onları yaşam biçimlerine uyarladı.

Japon evi, Japon iç mekanı
Japon evinin dışı kadar içi de açık ve basittir. Sürekli temiz tutuldu. Parlak bir şekilde parlatılan zemin, odayı eşit dikdörtgenlere bölen hafif hasır paspaslar - tatami ile kaplandı. Ayakkabılar kapı eşiğinde çıkarıldı, eşyalar dolaplarda tutuldu, mutfak yaşam alanlarından ayrıydı. Odalarda kural olarak kalıcı şeyler yoktu. Gerektiğinde getirildiler ve götürüldüler. Ancak boş bir odadaki her şey, vazodaki bir çiçek, bir resim veya bir lake masa olsun, dikkat çekti ve özel bir ifade kazandı.

Her tür sanat, ortaçağ Japonya'sında bir evin, tapınağın, sarayın veya kalenin mekanının tasarımıyla ilişkilendirilir. Her biri diğerinin tamamlayıcısı olarak hizmet etti. Örneğin, ustalıkla seçilmiş bir buket, manzara resminde aktarılan ruh halini tamamladı ve harekete geçirdi.

Bir Japon evinin dekorasyonunda olduğu gibi aynı kusursuz hassasiyet, aynı malzeme duygusu, dekoratif sanat ürünlerinde hissedildi. Çay törenlerinde en büyük mücevher olarak el yapımı kapların kullanılması boşuna değildir. Yumuşak ve pürüzlü çanak çömleği, ıslak kili şekillendiren parmakların izini koruyordu. Pembe-inci, turkuaz-leylak veya gri-mavi sırlar akılda kalıcı değildi, ancak Japon sanatının her nesnesinin ilişkilendirildiği yaşamla doğanın parlaklığını hissettiler.

Japon çömlek
Sırsız, elle kalıplanmış ve düşük sıcaklıkta pişirilmiş kil kaplar, diğer antik halkların seramiklerine benziyordu. Ancak zaten Japon kültürüne özgü özelliklere sahiptiler. Çeşitli şekillerdeki sürahi ve tabak desenleri, kasırgaların, denizlerin ve ateş püskürten dağların unsurları hakkındaki fikirleri yansıtıyordu. Bu ürünlerin fantezisi, doğanın kendisi tarafından harekete geçirilmiş gibiydi.

Yapışmış dışbükey kil demetleri desenine sahip, neredeyse bir metre yüksekliğe ulaşan devasa testiler, ya sarmal kabukları ya da dallanmış mercan resiflerini ya da yosun düğümlerini ya da volkanların pürüzlü kenarlarını andırır. Bu görkemli ve anıtsal vazolar ve kaseler sadece ev içi değil, aynı zamanda ritüel amaçlara da hizmet ediyordu. Ancak MÖ 1. binyılın ortasında. bronz eşyalar kullanıma girdi ve seramik kaplar ritüel amaçlarını yitirdi.

Seramiğin yanında, yeni sanatsal el sanatları ürünleri ortaya çıktı - silahlar, mücevherler, bronz çanlar ve aynalar.

Japon ev eşyaları
MS 9. ila 12. yüzyıllarda, Japon aristokrasisinin zevkleri dekoratif sanatlarda ortaya çıktı. Japon odalarının alacakaranlığını aydınlatıyormuşçasına altın ve gümüş tozu serpilmiş, hafif ve zarif, pürüzsüz, neme dayanıklı lake eşyalar ve çok çeşitli günlük eşyalardan oluşuyordu. Lake, kaseler ve tabutlar, sandıklar ve masalar oluşturmak için kullanıldı. müzik Enstrümanları. Tapınağın ve günlük yaşamın her küçük şeyi - yemek için gümüş çatal bıçak takımı, çiçekler için vazolar, mektuplar için desenli kağıtlar, işlemeli kemerler - Japonların dünyaya karşı şiirsel ve duygusal tutumunu ortaya çıkardı.

Japonya boyama
Anıtsal saray mimarisinin gelişmesiyle birlikte saray mektebi ressamlarının faaliyeti çok daha hareketli hale geldi. Sanatçılar, yalnızca duvarların değil, aynı zamanda odadaki hem resimlerin hem de portatif bölmelerin rolünü oynayan çok katlı kağıt paravanların geniş yüzeylerini boyamak zorunda kaldılar. Yetenekli zanaatkarların yaratıcı tarzının bir özelliği, bir duvar panelinin veya ekranın geniş düzleminde büyük, çok renkli bir manzara detayının seçilmesiydi.

Kano Eitoku'nun kalın ve sulu beneklerle parıldayan altın renkli arka planlar üzerinde icra ettiği çiçek, bitki, ağaç ve kuş kompozisyonları, evrenin gücü ve ihtişamı hakkındaki fikirleri genelleştirdi. Kano ekolünün temsilcileri, doğal motiflerin yanı sıra, 16. yüzyıl Japon şehrinin yaşamını ve hayatını yansıtan resimlere ve yeni konulara yer verdi.

Saray ekranlarında da tek renkli manzaralar vardı. Ancak harika bir dekoratif etkiye sahipler. Sesshu'nun takipçisi Hasegawa Tohaku'nun (1539-1610) çizdiği tablo böyledir. Beyaz mat yüzeyi, ressam tarafından kalın bir sis perdesi olarak yorumlanır ve içinden yaşlı çamların silüetleri aniden fırlar. Tohaku, yalnızca birkaç kalın mürekkep damlasıyla bir sonbahar ormanının şiirsel bir resmini yaratıyor.

Tek renkli manzara parşömenleri, yumuşak güzellikleriyle saray odalarının tarzına uymuyordu. Ancak manevi konsantrasyon ve huzur için tasarlanmış chashitsu çay köşkünün vazgeçilmez bir parçası olarak önemini korudular.

Japon ustaların sanat eserleri, yalnızca eski tarzlara sadık kalmakla kalmaz, aynı zamanda içlerinde her zaman başka hiçbir sanat eserinde olmayan yeni bir şeyler taşır. Japon sanatında klişelere ve kalıplara yer yoktur. Doğada olduğu gibi onda da tamamen özdeş iki yaratım yoktur. Ve şimdi bile, Japon ustaların sanat eserleri diğer ülkelerden sanat eserleri ile karıştırılamaz. Japon sanatında zaman yavaşlamıştır ama durmamıştır. Japon sanatında eski zamanların gelenekleri günümüze kadar gelmiştir.

« büyük bir dalga Katsushika Hokusai'nin (1760-1849) "Kanagawa'da" adlı eseri en ünlü gravürlerden biridir ve Otuz Altı Fuji Manzarası serisinin ilk sayfasıdır. 1830'ların başlarında, Eijudo yayınevi tarafından görevlendirilen Katsushika Hokusai, 46 sayfalık bir dizi (36 ana ve 10 ek) oluşturmaya başladı ve Kanagawa'daki Büyük Dalga, tüm seriyi açan bir gravürdü.

Bu tür gravür koleksiyonları, o zamanın kasaba halkı için bir tür "sanal seyahat" işlevi görüyordu, merakı gidermenin uygun ve ucuz bir yolu. Fuji benzeri baskılar yaklaşık 20 mon'a mal oluyor - o zamanın bir Japon lokantasındaki eriştelerin iki katı kadar. Bununla birlikte, başarı o kadar büyüktü ki, 1838'de Hokusai'nin sayfalarının maliyeti neredeyse 50 mon'a yükseldi ve ustanın ölümünden sonra, Wave yalnızca yeni panolardan 1000'den fazla kez yeniden basıldı.

Şaşırtıcı bir şekilde, tüm serinin belirtilen temasına rağmen, The Wave'deki Fuji ikincil bir rol oynuyor gibi görünüyor. Bu gravürdeki ana "karakter" bir dalgadır ve ön planda bir adamın elementlerle mücadelesinin dramatik bir sahnesi ortaya çıkar. Köpük armanın kenarları, fantastik bir öfkeli iblisin kıvrık parmakları gibi görünüyor ve teknelerdeki insan figürlerinin yüzsüzlüğü ve hareketsizliği, bu mücadelenin galibinin kim olacağına şüphe bırakmıyor. Ancak, gravürün olay örgüsünü yaratan çatışma bu yüzleşme değildir.
Hokusai, teknelerin çarptığı anı durdurarak, izleyicinin Fuji'yi bir an için gri gökyüzüne karşı ufka doğru karararak görmesini sağlar. Japon oymacılar o zamana kadar Avrupa doğrusal ve havadan perspektif ilkelerine zaten aşina olsalar da, bu tekniğe ihtiyaç duymadılar. Karanlık arka planın yanı sıra, gözün dalganın hareketi yoluyla ön plandan teknelerle Fuji'ye yaptığı uzun yolculuk, gözü kutsal dağın bizden denizin genişliğiyle ayrıldığına ikna eder.

Fuji, fırtınalı unsurların aksine, istikrar ve sürekliliğin sembolü olarak kıyıdan uzakta yükselir. Karşıtların birliği ve birbirine bağımlılığı, Uzak Doğu'nun dünya görüşünde kozmik düzen ve mutlak uyum fikrinin temelini oluşturuyor ve seriyi açan "Kanagawa'daki Büyük Dalga" gravürünün ana teması haline gelenlerdi. Katsushika Hokusai.

Kitagawa Utamaro'nun "Güzel Nanivaya Okita", 1795-1796

Kitagawa Utamaro (1753-1806) haklı olarak bir şarkıcı olarak adlandırılabilir. kadın güzelliği Japonca baskıda ukiyo-e: Japon güzelliklerinin bir dizi kanonik görüntüsünü yarattı ( bijinga) - çay evlerinin sakinleri ve Japonya'nın başkenti Edo'daki ünlü eğlence bölgesi Yoshiwara edo — 1868'den önce Tokyo'nun adı..

Bijinga gravüründe her şey modern izleyiciye göründüğü gibi değildir. Zengin giyimli soylu hanımlar, kural olarak, utanç verici bir zanaatla uğraşıyorlardı ve alt sınıfa aitlerdi ve güzellik portrelerinin olduğu gravürlerin açıkça reklam işlevi vardı. Aynı zamanda gravür, kızın görünüşü hakkında bir fikir vermedi ve Asakusa tapınağının yakınındaki Nanivaya çay evinden Okita, Edo'nun ilk güzelliği olarak kabul edilmesine rağmen, gravürdeki yüzü bireysellikten tamamen yoksun.

10. yüzyıldan beri, Japon sanatında kadın imgeleri minimalizm kanonuna tabi olmuştur. "Çizgi göz, kanca burun" - teknik hikime kagihana sanatçının yalnızca belirli bir kadının tasvir edildiğini belirtmesine izin verildi: Japon geleneksel kültüründe fiziksel güzellik konusu genellikle göz ardı edildi. kadınlarda Soylu"Gönül güzelliği" ve eğitim çok daha değerliydi ve neşeli mahallelerin sakinleri her şeyde en yüksek standartları taklit etmeye çalıştı. Utamaro'ya göre Okita gerçekten güzeldi.

"Güzel Nanivaya Okita" sayfası 1795-1796'da 9. yüzyıl yazarlarından birinin her güzelliğe karşılık geldiği "Ünlü Güzeller Altı Ölümsüz Şaire Benzetildi" dizisinde basılmıştır. Sol üst köşede Okita'nın portresinin bulunduğu sayfada, geleneksel olarak Ise Monogatari romanının atfedildiği, Japonya'nın en saygın şairlerinden biri olan Arivara no Narihira'nın (825-880) bir resmi var. Bu asil soylu ve parlak şair, bazıları romanın temelini oluşturan aşk ilişkileriyle de ünlendi.

Bu sayfa, tekniğin özel bir kullanımıdır. mite(karşılaştırmalar) Japon gravüründe. Yetkili bir "prototipin" nitelikleri, tasvir edilen güzelliğe aktarılır ve konuğa bir fincan çay ikram eden sakin bir yüze sahip zarif fahişe, şiir ve aşk eylemlerinde yetenekli bir hanımefendi olarak izleyici tarafından şimdiden okunur. Arivara no Narihira ile karşılaştırma, gerçekten onun Edo güzelleri arasındaki üstünlüğünün tanınmasıydı.

Aynı zamanda, Utamaro şaşırtıcı derecede lirik bir imaj yaratıyor. Yaprak üzerindeki koyu ve açık noktaları dengeleyerek ve formu melodik, zarif çizgilerle çizerek, zarafet ve uyumun gerçekten mükemmel bir görüntüsünü yaratır. "Reklam" ortadan kalkar ve Utamaro'nun yakaladığı güzellik zamansız kalır.

Ekran "İrisler", Ogata Korin, 1710'lar

Ogata Korin (1658-1716) tarafından 1710 civarında Kyoto'daki Nishi Hongan-ji tapınağı için bir çift altı panelli iris ekranı - şimdi Japonya'nın ulusal bir hazinesi - yaratıldı.

16. yüzyıldan beri duvar panoları ve kağıt paravanlar üzerine boyama, Japonya'da önde gelen dekoratif sanat türlerinden biri haline geldi ve Rinpa sanat okulunun kurucusu Ogata Korin, en büyük ustalarından biriydi.

Japon iç mekanındaki ekranlar önemli bir rol oynadı. Geniş saray binaları yapısal olarak basit bir Japonun konutlarından farklı değildi: neredeyse hiç iç duvarları yoktu ve alan katlanır paravanlarla bölgelere ayrılmıştı. Bir buçuk metreden biraz daha yüksek olan ekranlar, tüm sınıfların ortak Japon geleneği olan yerde yaşamaları için tasarlandı. Japonya'da 19. yüzyıla kadar mama sandalyesi ve masa kullanılmadı ve ekranın yüksekliği ve resminin kompozisyonu dizlerinin üzerinde oturan bir kişinin görüşüne göre tasarlandı. Bu bakış açısıyla inanılmaz bir etki ortaya çıkıyor: irisler oturan kişiyi çevreliyor gibi görünüyor - ve bir kişi kendini çiçeklerle çevrili nehrin kıyısında hissedebiliyor.

Süsenler kontursuz bir şekilde boyanır - neredeyse izlenimci, geniş koyu mavi, leylak ve mor tempera vuruşları bu çiçeğin yemyeşil ihtişamını taşır. Pitoresk etki, süsenlerin resmedildiği donuk altın ışıltısıyla artırılır. Ekranlar çiçeklerden başka bir şey tasvir etmiyor, ancak açısal büyüme çizgileri, çiçeklerin nehrin dolambaçlı rotası veya ahşap köprülerin zikzakları etrafında büküldüğünü gösteriyor. Japonların ekranda bir köprünün eksik olduğunu, özel bir "sekiz tahtadan oluşan köprü" görmeleri doğal olacaktır ( yatsuhaşi), klasik olarak süsen ile ilişkili Japon edebiyatı. Ise Monogatari (9. yüzyıl) romanı, başkentten kovulan bir kahramanın hüzünlü yolculuğunu anlatır. Yatsuhashi köprüsünün yakınındaki nehir kıyısında dinlenmek için maiyetiyle birlikte yerleşen kahraman, süsenleri görünce sevgilisini hatırlar ve şiirler yazar:

elbiseli sevgilim
Orada zarif, başkentte,
Aşk kaldı...
Ve ne kadar özlemle düşünüyorum
ben ondan uzağım... NI Konrad'ın çevirisi.

Yazar, "Böylece katlandı ve herkes kuru pirinçlerinin üzerine gözyaşı döktü, böylece pirinç nemden şişti" diye ekliyor yazar ve lirik kahraman hikaye anlatımı, Arivara no Narihira.

Eğitimli bir Japon için, köprünün yanındaki süsenlerle Ise monogatari, süsen ve ayrılmış aşk teması arasındaki bağlantı açıktı ve Ogata Korin, ayrıntıdan ve açıklayıcılıktan kaçınıyor. Dekoratif resim yardımıyla sadece ışık, renk ve edebi çağrışımlarla dolu ideal bir alan yaratır.

Kinkakuji Altın Köşkü, Kyoto, 1397

Altın Tapınak, ironik bir şekilde, yapımından çok yıkımıyla yüceltilen Japonya'nın sembollerinden biridir. 1950'de, bu binanın ait olduğu Rokuonji Manastırı'nın akli dengesi yerinde olmayan bir keşişi, binanın yüzeyinde duran bir göleti ateşe verdi.
köşk 1950'deki bir yangın sırasında tapınak neredeyse yok edildi. Kinkaku-ji'deki restorasyon çalışmaları 1955'te başladı, 1987'de yeniden yapılanma bir bütün olarak tamamlandı, ancak tamamen kaybolan iç dekorasyonun restorasyonu 2003 yılına kadar devam etti.. Eyleminin gerçek nedenleri belirsizliğini koruyordu, ancak yazar Yukio Mishima'nın yorumuna göre, bu tapınağın ulaşılamaz, neredeyse mistik güzelliği suçlanacaktı. Gerçekten de, birkaç yüzyıl boyunca Kinkakuji, Japon güzelliğinin özü olarak kabul edildi.

1394 yılında, Japonya'nın neredeyse tamamını kendi iradesine tabi kılan Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), resmi olarak emekli oldu ve kuzey Kyoto'da amaca yönelik olarak inşa edilmiş bir villaya yerleşti. Yapay Kyokoti Gölü ("ayna gölü") üzerindeki üç katmanlı bina, bir tür inziva yeri, dinlenmek, okumak ve dua etmek için tenha bir köşk rolünü oynadı. Shogun'un tablolarından oluşan bir koleksiyon, bir kütüphane ve Budist emanetlerinden oluşan bir koleksiyon içeriyordu. Kıyıya yakın su üzerinde yer alan Kinkakuji'nin kıyıyla yalnızca tekne iletişimi vardı ve Kyokoti'nin etrafına dağılmış taşlar ve çam ağaçlarıyla yapay adalarla aynı adaydı. "Göksellerin adası" fikri, Çin mitolojisinden ödünç alınmıştır. göksel meskenölümsüzlerin adası Penglai adası olarak hizmet etti. Köşkün sudaki yansıması, Budist hakikat dünyasının ihtişamının yalnızca soluk bir yansıması olan ölümlü dünyanın yanıltıcı doğası hakkındaki fikirlerle Budist çağrışımlarını şimdiden çağrıştırıyor.

Tüm bu mitolojik imalar spekülatif olsa da, köşkün konumu ona inanılmaz bir uyum ve uyum sağlıyor. Yansıma, binanın bodurluğunu gizleyerek onu daha uzun ve daha ince yapar; aynı zamanda, göletin herhangi bir kıyısından, her zaman yeşilliklerin koyu bir arka planında görülmesini mümkün kılan, köşkün yüksekliğidir.

Bununla birlikte, bu pavyonun orijinal haliyle ne kadar altın olduğu tam olarak belli değil. Muhtemelen Ashikaga Yoshimitsu'nun altında, gerçekten de altın yaprak ve koruyucu bir vernik tabakasıyla kaplıydı. Ancak 19. - 20. yüzyılın başları ve Yukio Mishima'nın fotoğraflarına inanıyorsanız, o zaman 20. yüzyılın ortalarında yaldız neredeyse soyulmuştu ve kalıntıları yalnızca binanın üst katında görülebiliyordu. Bu sırada, ıssızlığın cazibesiyle, zamanın izleriyle, en güzel şeylere bile karşı konulmaz bir şekilde ruha daha çok dokundu. Bu melankolik çekicilik, estetik ilkeye tekabül ediyordu. sabi Japon kültüründe çok saygı görüyor.

Öyle ya da böyle, bu binanın ihtişamı hiç de altın değildi. Kinkakuji'nin formlarının zarif ciddiyeti ve manzarayla olan kusursuz uyumu, onu Japon mimarisinin başyapıtlarından biri yapıyor.

Karatsu tarzında "İris" kasesi, XVI-XVII yüzyıllar

Kelime meibutsu- adı olan bir şey. Bu kasenin gerçekten sadece adı var, çünkü ikisi de tam zamanı ne yaratıldığı yer ne de ustanın adı korunmamıştır. Bununla birlikte, Japonya'nın ulusal hazineleri arasında yer almaktadır ve ulusal tarzda seramiğin en parlak örneklerinden biridir.

16. yüzyılın sonlarında çay seremonisi cha-no-yu değerli malzemeleri anımsatan sırlarla terk edilmiş kaliteli Çin porselenleri ve seramikleri. Muhteşem güzellikleri, çay ustalarına fazla yapay ve açık sözlü göründü. Mükemmel ve pahalı eşyalar - kaseler, su kapları ve çay kutuları - çay seremonisinin ruhu içinde gelişen Zen Budizminin neredeyse münzevi ruhani kanunlarına karşılık gelmiyordu. Çay eyleminde gerçek bir devrim, Japon atölyelerinin kıta çanak çömlek teknolojilerinde ustalaşmaya yeni başladığı bir zamanda, çok daha basit ve sanatsız olan Japon seramiğine başvurmaktı.

İris kasesinin şekli basit ve düzensizdir. Duvarların hafif eğriliği, gövdenin her yerinde görülen çömlekçi ezikleri, çanağa neredeyse naif bir rahatlık veriyor. Kil parçası, bir çatlak ağı - küçük çatlak ile hafif sır ile kaplanmıştır. Çay seremonisi sırasında konuğa hitap eden ön tarafta sırın altına bir iris görüntüsü uygulanıyor: çizim naif ama enerjik bir fırçayla tam olarak sanki tek bir harekette Zen ruhuyla yapılmış gibi. kaligrafi. Görünüşe göre hem form hem de dekor kendiliğinden ve özel kuvvetler uygulanmadan yapılmış olabilir.

Bu kendiliğindenlik ideali yansıtır. wabi- manevi özgürlük ve uyum duygusuna yol açan sadelik ve sanatsızlık. Zen Budizminin Japon takipçilerinin görüşlerine göre herhangi bir kişi veya hatta cansız bir nesne, Buda'nın aydınlanmış doğasına sahiptir ve ustanın çabaları, bu doğayı kendi içinde ve çevresindeki dünyayı keşfetmeyi amaçlar. Çay töreninde kullanılan şeyler, tüm beceriksizliklerine rağmen, derin bir hakikat deneyimini, her anın alaka düzeyini uyandırmalı, en sıradan biçimlere bakmaya ve onlardaki gerçek güzelliği görmeye zorlanmalıydı.

Kasenin pürüzlü dokusuna ve sadeliğine zıtlık, küçük bir yontma altın cila ile restorasyondur (bu tekniğe denir. kintsugi). Restorasyon 18. yüzyılda gerçekleştirildi ve Japon çay ustalarının çay seremonisi için kaplara gösterdiği saygıyı gösteriyor. Böylece çay seremonisi, katılımcılara, İris kasesi gibi şeylerin gerçek güzelliğini keşfetmeleri için bir "yol" sağlar. Örtüklük, gizlilik, estetik wabi kavramının temeli ve Japon dünya görüşünün önemli bir parçası haline geldi.

Keşiş Gandzin'in Portresi, Nara, 763

VIII.Yüzyılda heykel, Japon devletinin oluşumu ve Budizm'in güçlenmesiyle ilişkili dönemin, Nara döneminin (710-794) sanatsal ifadesinin ana biçimi haline geldi. Japon ustalar çıraklık aşamasını ve kıtasal tekniklerin ve imgelerin kör taklidini çoktan geçtiler ve zamanlarının ruhunu heykelde özgürce ve canlı bir şekilde ifade etmeye başladılar. Budizm'in otoritesinin yayılması ve büyümesi, bir Budist heykelsi portresinin ortaya çıkmasına neden oldu.

Bu türün başyapıtlarından biri, 763'te yaratılan Gandzin'in portresidir. Kuru cila tekniğiyle (kumaş kaplı ahşap bir çerçeve üzerine cila katmanları oluşturarak) yapılan heykel neredeyse yaşam boyutu gerçekçi bir şekilde boyanmıştı ve tapınağın yarı karanlığında Ganjin, "canlıymış gibi" meditasyon pozisyonunda oturuyordu. Bu gerçekçilik, bu tür portrelerin ana kült işleviydi: öğretmenin her zaman Nara kentindeki Todaiji manastırının duvarları içinde olması ve en önemli ilahi ayinlerde hazır bulunması gerekiyordu.

Daha sonra, 11.-13. yüzyıllarda, saygıdeğer öğretmenlerin bunak hallerini, çökük ağızlarını, sarkık yanaklarını ve derin kırışıklıklarını tasvir eden heykelsi portreler neredeyse acımasız bir illüzyonizme ulaştı. Bu portreler, Budizm taraftarlarına kaya kristali ve ahşapla işlenmiş canlı gözlerle bakıyor. Ancak Gandzin'in yüzü bulanık görünüyor, içinde net konturlar ve net şekiller yok. Yarı kapalı ve kabuk bağlamamış gözlerin göz kapakları şişmiş görünür; gergin ağız ve derin nazolabial kıvrımlar, meditasyon konsantrasyonundan çok alışılmış dikkati ifade eder.

Tüm bu özellikler, bu keşişin dramatik biyografisini, inanılmaz çilecilik ve trajedilerin hikayesini ortaya koyuyor. Çinli bir Budist keşiş olan Ganjin, Nara'nın en büyük manastırı olan Todaiji'nin kutsama töreni için Japonya'ya davet edildi. Gemi korsanlar tarafından ele geçirildi, uzaktaki bir Japon tapınağına yönelik paha biçilmez parşömenler ve Budist heykeller yangında kayboldu, Ganjin yüzünü yaktı ve görme yetisini kaybetti. Ancak vaaz verme arzusunu medeniyetin uzak kenar mahallelerinde, yani Japonya'nın o zamanlar kıta tarafından nasıl algılandığı konusunda bırakmadı.

Denizi geçmek için birkaç girişim daha aynı başarısızlıkla sonuçlandı ve yalnızca beşinci denemede, zaten orta yaşlı, kör ve hasta Ganjin, Japon başkenti Nara'ya ulaştı.

Japonya'da Ganjin, Budist hukuku uzun süre öğretmedi: hayatındaki dramatik olaylar sağlığını baltaladı. Ancak yetkisi o kadar yüksekti ki, muhtemelen ölümünden önce bile heykelinin yaratılmasına karar verildi. Kuşkusuz, sanatçı-rahipler heykele modele mümkün olduğu kadar çok benzerlik vermeye çalıştılar. Ancak bu, bir kişinin dış görünüşünü korumak için değil, bireysel ruhsal deneyimini, Ganjin'in geçtiği ve Budist öğretisinin çağırdığı zorlu yolu yakalamak için yapıldı.

Daibutsu - Todaiji Tapınağı'nın Büyük Buda'sı, Nara, 8. yüzyılın ortaları

8. yüzyılın ortalarında Japonya, doğal afetler ve salgın hastalıklardan muzdaripti ve nüfuzlu Fujiwara ailesinin entrikaları ve yükselttikleri isyan, İmparator Shomu'yu başkent Nara şehrinden kaçmaya zorladı. Sürgündeyken, Budist öğretilerinin yolunu izleyeceğine yemin etti ve 743'te ülkenin ana tapınağının inşasına başlanmasını ve devasa bir tapınağın dökümünü emretti. bronz heykel Buddha Vairochana (Buda Büyük Güneşi veya Her Şeyi Aydınlatan Işık). Bu tanrı, Budist öğretilerin kurucusu Buddha Shakyamuni'nin evrensel enkarnasyonu olarak kabul edildi ve huzursuzluk ve isyan döneminde imparatorun ve tüm ülkenin korunmasının garantörü olması gerekiyordu.

Çalışmalar 745 yılında başladı ve Çin'in başkenti Luoyang yakınlarındaki Longmen mağara tapınaklarındaki dev Buda heykeli örnek alınarak modellendi. Nara'daki heykel, Buda'nın herhangi bir görüntüsü gibi, "Buda'nın büyük ve küçük işaretlerini" göstermesi gerekiyordu. Bu ikonografik kanon, Buddha Shakyamuni'nin asil bir aileden geldiğini ve çocukluğundan beri ağır küpeler taktığını, başının üstünde bir çıkıntı (ushnisha), alnında bir nokta (çömlek) olduğunu hatırlatan uzun kulak memelerini içeriyordu.

Heykelin yüksekliği 16 metre, yüzün genişliği 5 metre, uzatılmış avuç içi uzunluğu 3,7 metre ve vazo bir insan kafasından daha büyüktü. İnşaat, özellikle ülkenin kuzeyinde arama çalışmaları yapılan 444 ton bakır, 82 ton kalay ve çok miktarda altın aldı. Tapınağı korumak için heykelin etrafına Daibutsuden adlı bir salon inşa edildi. Küçük alanında, hafifçe eğilmiş oturan bir Buda figürü tüm alanı doldurur ve Budizm'in ana varsayımlarından birini - tanrının her yerde hazır ve her yeri kapladığı, her şeyi kucakladığı ve doldurduğu fikrini - gösterir. Yüzün aşkın sakinliği ve tanrının elinin hareketi (mudra, koruma sağlama hareketi), Buda'nın sakin ihtişamını ve gücünü tamamlar.

Bununla birlikte, bugün orijinal heykelin yalnızca birkaç parçası kalmıştır: yangınlar ve savaşlar, 12. ve 16. yüzyıllarda heykelde büyük hasara neden olmuştur ve modern heykel, esas olarak 18. yüzyıldan kalma bir dökümdür. 18. yüzyılın restorasyonu sırasında bronz figür artık altınla kaplı değildi. 8. yüzyılda İmparator Shomu'nun Budist şevki, hazineyi fiilen boşalttı ve zaten şokta olan ülkenin kanını akıttı ve daha sonraki yöneticiler artık bu kadar ölçüsüz harcamaları karşılayamazdı.

Bununla birlikte, Daibutsu'nun önemi altında ve hatta güvenilir özgünlüğünde yatmıyor - Budist öğretilerinin böylesine görkemli bir düzenlemesi fikri, Japon anıtsal sanatının gerçek bir çiçeklenme yaşadığı, kendisini özgürleştirdiği bir dönemin anıtıdır. kıtasal örneklerin kör kopyalanması ve daha sonra kaybolan bütünlük ve ifade elde edildi.

Japonlar, 9.-12. yüzyıllarda, Heian döneminde (794-1185) şeylerde saklı olan güzelliği keşfettiler ve hatta “mono no aware” (物の哀れ (もののあわれ)) özel konseptiyle tanımladılar. şeylerin hüzünlü çekiciliği. "Şeylerin cazibesi", Japon edebiyatında güzelliğin en eski tanımlarından biridir ve her şeyin kendi tanrısı - kami - ve kendine özgü çekiciliği olduğu şeklindeki Şinto inancıyla ilişkilendirilir. Avare, zevke, heyecana neden olan şeylerin içsel özüdür.

- Washi (wasi) veya wagami (wagami).
Manuel kağıt yapımı. Ortaçağ Japonları, washi'ye yalnızca pratik nitelikleri nedeniyle değil, aynı zamanda güzelliği için de değer veriyordu. İnceliğiyle, neredeyse şeffaflığıyla ünlüydü, ancak bu onu gücünden mahrum bırakmadı. Washi, kozo (dut) ağacının ve diğer bazı ağaçların kabuğundan yapılır.
Washi kağıdı yüzyıllardır korunmuştur, bunun kanıtı, yüzyıllar boyunca günümüze gelen eski Japon hat sanatının albümleri ve ciltleri, resimler, ekranlar, gravürlerdir.
Vasya'nın kağıdı liflidir, mikroskoptan bakarsanız havanın ve güneş ışığının girdiği çatlakları görürsünüz. Bu kalite, ekranların ve geleneksel Japon fenerlerinin imalatında kullanılır.
Washi hediyelik eşyaları Avrupalılar arasında çok popüler. Bu kağıttan birçok küçük ve kullanışlı eşya yapılır: cüzdanlar, zarflar, yelpazeler. Oldukça dayanıklı ancak hafiftirler.

- Gohei.
Kağıt şeritlerden tılsım. Gohei - kağıt zikzak şeritlerin tutturulduğu bir Şinto rahibinin ritüel personeli. Aynı kağıt şeritleri bir Şinto tapınağının girişine asılır. Kağıdın Şinto'daki rolü geleneksel olarak çok büyük olmuştur ve kağıt ürünlere her zaman ezoterik anlam. Ve her şeyin, her fenomenin, hatta kelimelerin bile bir kami - bir tanrı - içerdiği inancı, gohei gibi uygulamalı sanatın ortaya çıkışını açıklar. Şintoizm, bizim putperestliğimize biraz benziyor. Şintoistler için kami, sıra dışı olan herhangi bir şeyde ikamet etmeye özellikle isteklidir. Örneğin, kağıt üzerinde. Ve daha da fazlası, bugün Şinto tapınaklarının girişinin önünde asılı duran ve tapınakta bir tanrının varlığını gösteren karmaşık bir zikzak şeklinde bükülmüş bir gohei'de. Gohei'yi katlamanın 20 yolu vardır ve özellikle alışılmadık şekilde katlanmış olanlar kami'yi çeker. Gohei ağırlıklı olarak beyaz renktedir, ancak altın, gümüş ve diğer birçok ton da bulunur. 9. yüzyıldan beri Japonya'da, dövüş başlamadan önce sumo güreşçilerinin kemerlerindeki gohei'yi güçlendirme geleneği vardır.

- Anesama.
Bu, kağıt bebek üretimidir. 19. yüzyılda samuray eşleri, çocukların oynadıkları kağıt bebekler yaptılar ve onlara farklı kıyafetler giydirdiler. Oyuncakların olmadığı zamanlarda, anne, abla, çocuk ve arkadaş rollerini “icra eden” çocukların tek muhatabı annesama idi.
Bebek Japon washi kağıdından katlanır, saç buruşuk kağıttan yapılır, mürekkeple boyanır ve ona parlaklık veren yapıştırıcı ile kaplanır. Ayırt edici bir özellik, uzun bir yüzdeki hoş bir küçük burundur. Usta ellerden başka bir şey gerektirmeyen bu basit, geleneksel biçimli oyuncak bugün de aynı şekilde yapılmaya devam ediyor.

- Japon kağıt katlama sanatı.
Eski kağıt katlama sanatı (折り紙, yanıyor: "katlanmış kağıt"). Origami sanatının kökleri, kağıdın icat edildiği antik Çin'e dayanmaktadır. Başlangıçta, origami dini törenlerde kullanıldı. Uzun bir süre boyunca, bu tür sanatlar yalnızca, kağıt katlama tekniklerine sahip olmanın iyi bir zevk işareti olduğu üst sınıfların temsilcileri tarafından mevcuttu. Ancak İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra origami Doğu'nun ötesine geçerek Amerika ve Avrupa'ya geldi ve burada hayranlarını hemen buldu. Klasik origami, kare bir kağıttan katlanır.
En karmaşık ürünün bile katlama şemasını çizmek için gerekli olan belirli bir dizi geleneksel sembol vardır. Geleneksel işaretlerin çoğu, 20. yüzyılın ortalarında ünlü Japon usta Akira Yoshizawa tarafından uygulamaya konulmuştur.
Klasik origami, yapıştırıcı ve makas olmadan tek bir kare eşit renkli kağıt yaprağının kullanılmasını öngörür. Modern formlar sanatlar bazen bu kanondan sapar.

- Kirigami.
Kirigami, makas yardımıyla birkaç kez katlanmış bir kağıt yaprağından çeşitli şekiller kesme sanatıdır. Model yapma sürecinde makas ve kağıt kesme kullanımına olanak sağlayan bir origami türü. Adında vurgulanan kirigami ile diğer kağıt katlama teknikleri arasındaki temel fark budur: 切る (kiru) - kes, 紙 (gami) - kağıt. Hepimiz çocuklukta kar taneleri kesmeyi severdik - kirigami'nin bir çeşidi, bu tekniği kullanarak sadece kar taneleri değil, çeşitli figürler, çiçekler, çelenkler ve diğer sevimli kağıt şeyleri de kesebilirsiniz. Bu ürünler, baskılar, albüm süslemeleri, kartpostallar, fotoğraf çerçeveleri, moda tasarımı, iç tasarım ve diğer çeşitli dekorasyonlar için şablon olarak kullanılabilir.

- İkebana.
Ikebana, (jap 生け花 veya いけばな) şuradan çevrilmiştir: Japon Dili- ike” - hayat, “bana” - çiçekler veya “yaşayan çiçekler”. Japon çiçek düzenleme sanatı, Japon halkının en güzel geleneklerinden biridir. İkebana derlenirken çiçeklerle birlikte kesilmiş dallar, yapraklar ve sürgünler kullanılır.Temel ilke, bitkilerin doğal güzelliğini vurgulamaya çalıştıkları zarif sadeliktir. İkebana, bir çiçeğin güzelliği ile kompozisyonu yaratan ustanın ruhunun güzelliğinin uyumlu bir şekilde birleştirildiği yeni bir doğal formun yaratılmasıdır.
Bugün Japonya'da 4 büyük ikebana okulu vardır: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Bunlara ek olarak, bu ekollerden birine bağlı yaklaşık bin farklı yön ve eğilim vardır.

-Oribana.
17. yüzyılın ortalarında, iki ohara okulu (ikebana'nın ana formu - oribana) ve koryu (ana form - sek) ikenobo'dan ayrıldı. Bu arada, ohara okulu hala sadece oribanu okuyor. Japonların dediği gibi origaminin origamiye dönüşmemesi çok önemlidir. Gomi, Japonca'da çöp anlamına gelir. Sonuçta, olduğu gibi, bir kağıt parçasını katladınız ve sonra onunla ne yapacaksınız? Oribana, iç mekanı dekore etmek için buketler için birçok fikir sunar. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Hata.
Çiçekçilikten doğan bir güzel sanat türü. Çiçekçilik, Japonya'da altı yüz yıldan fazla bir süredir var olmasına rağmen, ülkemizde sekiz yıl önce ortaya çıktı. Orta Çağ'da bir zamanlar samuray, bir savaşçının yolunu kavradı. Ve oshibana, tıpkı hiyeroglif yazmak ve kılıç kullanmak gibi, bu yolun bir parçasıydı. Hatanın anlamı, ustanın anda tam mevcudiyet (satori) durumundayken, kuru çiçeklerin (preslenmiş çiçekler) bir resmini yaratmasıydı. O zaman bu resim, sessizliğe girmeye ve aynı satoriyi deneyimlemeye hazır olanlar için bir anahtar, bir rehber görevi görebilir.
"Oshibana" sanatının özü, yazarın çiçekleri, bitkileri, yaprakları, kabukları baskı altında toplayıp kurutarak ve bunları tabana yapıştırarak, bitkilerin yardımıyla gerçek bir "resim" çalışması yaratmasıdır. Yani bitkilerle resim yapmak yanlıştır.
Çiçekçilerin sanatsal yaratıcılığı, kurutulmuş bitki materyalinin formunun, renginin ve dokusunun korunmasına dayanır. Japonlar, "oshibana" resimlerini solmaya ve kararmaya karşı korumak için bir teknik geliştirdiler. Özü, cam ile resim arasına hava pompalanması ve bitkilerin bozulmasını önleyen bir vakum yaratılmasıdır.
Sadece bu sanatın alışılmadıklığı değil, aynı zamanda hayal gücü, tat ve bitkilerin özellikleri hakkında bilgi gösterme fırsatı da çekiyor. Çiçekçiler süs eşyaları, manzaralar, natürmortlar, portreler ve hikaye resimleri yaratır.

- Bonzai.
Bonsai, bir fenomen olarak Çin'de bin yıldan fazla bir süre önce ortaya çıktı, ancak bu kültür gelişiminin zirvesine yalnızca Japonya'da ulaştı. (bonsai - Japonca 盆栽 lit. "saksıya bitki") - minyatürde gerçek bir ağacın tam bir kopyasını yetiştirme sanatı. Bu bitkiler, çağımızdan birkaç yüzyıl önce Budist rahipler tarafından yetiştirildi ve daha sonra yerel soyluların faaliyetlerinden biri haline geldi.
Bonsai, Japon evlerini ve bahçelerini süsledi. Tokugawa döneminde park tasarımı yeni bir ivme kazandı: açelya ve akçaağaç yetiştirmek zenginler için bir eğlence haline geldi. Cüce mahsul üretimi (hachi-no-ki - "saksıdaki ağaç") da gelişti, ancak o zamanın bonsaileri çok büyüktü.
Artık bonsai için sıradan ağaçlar kullanılıyor, sürekli budama ve diğer çeşitli yöntemler nedeniyle küçülüyorlar. Aynı zamanda, kasenin hacmi ile sınırlı olan kök sisteminin boyutlarının ve bonsai'nin toprak kısmının oranı, doğadaki yetişkin bir ağacın oranlarına karşılık gelir.

- Mizuhiki.
Makrome analogu. Bu, özel iplerden çeşitli düğümler atmaya ve bunlardan desenler oluşturmaya yönelik eski bir Japon uygulamalı sanatıdır. Bu tür sanat eserleri, hediye kartları ve mektuplardan saç stilleri ve el çantalarına kadar son derece geniş bir alana sahipti. Şu anda mizuhiki, hediyelik eşya endüstrisinde son derece yaygın bir şekilde kullanılmaktadır - hayattaki her olay için, bir hediyenin çok özel bir şekilde paketlenmesi ve bağlanması gerekir. Mizuhiki sanatında son derece fazla düğüm ve kompozisyon vardır ve her Japon hepsini ezbere bilmez. Tabii ki, en sık kullanılan en yaygın ve basit düğümler vardır: bir çocuğun doğumunu kutlamak, bir düğün veya anma töreni, bir doğum günü veya üniversiteye kabul için.

- Kumihimo.
Kumihimo, Japon örgülü bir kordondur. İplik dokurken kurdeleler ve danteller elde edilir. Bu bağcıklar özel makinelerde dokunuyor - Marudai ve Takadai. Marudai makinesi yuvarlak dantel dokumak için, Takadai ise düz olanlar için kullanılır. Japonca'da Kumihimo, "ip dokuma" anlamına gelir (kumi - dokuma, birlikte katlama, himo - ip, dantel). Tarihçilerin inatla İskandinavlar ve And Dağları sakinleri arasında benzer dokumaların bulunabileceği konusunda ısrar etmelerine rağmen, Japon kumihimo sanatı gerçekten de en eski dokuma türlerinden biridir. İlk sözü, Budizm'in tüm Japonya'ya yayıldığı ve özel törenlerin özel süslemeler gerektirdiği 550 yılına kadar uzanıyor. Daha sonra kumihimo bağcıkları, bir kadın kimonosundaki obi kemeri için bir sabitleyici olarak, tüm samuray silah cephaneliğini "paketlemek" için halatlar olarak kullanılmaya başlandı (samuray, kumihimo'yu zırhlarını ve at zırhlarını bağlamak için dekoratif ve işlevsel amaçlar için kullandı) ve ayrıca ağır nesneleri bağlamak için.
Modern kumihimo'nun çeşitli desenleri ev yapımı karton tezgahlarda çok kolay dokunuyor.

- Komono.
Zamanını doldurduktan sonra bir kimonodan geriye ne kalır? Sizce atılır mı? Hiçbir şey böyle değil! Japonlar bunu asla yapmaz. Kimonolar pahalıdır. Öylece çöpe atmak düşünülemez ve imkansız... Diğer kimono geri dönüşüm türlerinin yanı sıra, zanaatkar kadınlar küçük parçalardan küçük hediyelik eşyalar yaptılar. Bunlar çocuklar için küçük oyuncaklar, oyuncak bebekler, broşlar, çelenkler, kadın takıları ve diğer ürünlerdir, eski kimono topluca "komono" adı verilen küçük sevimli şeylerin yapımında kullanılır. Kendi başlarına bir hayat sürecek olan küçük şeyler, kimononun yolunu devam ettiriyor. "Komono" kelimesinin anlamı budur.

- Kanzaşi.
Kumaştan (çoğunlukla ipek) yapılmış saç tokalarını süsleme sanatı (çoğunlukla çiçeklerle (kelebekler vb.) Süslenir). Japon kanzashi (kanzashi), geleneksel Japon kadın saç modeli için uzun bir saç tokasıdır. gümüş, kaplumbağa kabuğu geleneksel Çin ve Japon saç modellerinde kullanılır. Yaklaşık 400 yıl önce, Japonya'da kadınların saç stili değişti: kadınlar saçlarını geleneksel biçimde taramayı bıraktılar - taregami (uzun düz saç) ve karmaşık ve karmaşık şekiller vermeye başladılar. tuhaf formlar - nihongami. çeşitli eşyalar kullandı - saç tokaları, çubuklar, taraklar. O zaman basit bir kushi tarağı bile gerçek bir sanat eseri haline gelen olağanüstü güzellikte zarif bir aksesuara dönüştü.Japon kadınlarının geleneksel kostümü izin vermedi bilek takıları ve kolyeler, bu nedenle saç süslemeleri, sahibinin cüzdanının tadını ve kalınlığını göstermenin yanı sıra kendini ifade etmenin ana güzelliği ve alanıydı. Gravürlerde - yakından bakarsanız - Japon kadınlarının saç stillerine yirmi kadar pahalı kanzaşiyi nasıl kolayca astığını görebilirsiniz.
Saç stillerine incelik ve zarafet katmak isteyen genç Japon kadınları arasında kanzashi kullanma geleneğinde artık bir canlanma var, modern saç tokaları sadece bir veya iki zarif el yapımı çiçeklerle süslenebilir.

- Kinuşaiga.
Japonya'dan inanılmaz bir iğne işi türü. Kinusaiga (絹彩画), batik ve patchwork karışımıdır. Ana fikir, yeni resimlerin eski ipek kimonolardan bir araya getirilmesidir - gerçek sanat eserleri.
İlk olarak, sanatçı kağıt üzerinde bir eskiz yapar. Daha sonra bu çizim bir tahtaya aktarılır. Desenin konturu oluklar veya oluklar ile kesilir ve ardından eski ipek kimonodan renk ve ton olarak uyumlu küçük parçalar kesilir ve bu parçaların kenarları oyukları doldurur. Böyle bir resme baktığınızda sanki bir fotoğrafa bakıyormuşsunuz hissine kapılıyorsunuz, hatta sadece pencereden dışarıdaki manzarayı seyrediyorsunuz, o kadar gerçekçiler ki.

- Temari.
Bunlar, bir zamanlar bir çocuk oyuncağı olan ve şimdi sadece Japonya'da değil, tüm dünyada pek çok hayranı olan bir sanat formu haline gelen basit dikişlerle yapılmış geleneksel Japon geometrik işlemeli toplardır. Uzun zaman önce bu ürünlerin samuray eşleri tarafından eğlence için yapıldığına inanılıyor. Başlangıçta gerçekten bir top oyunu için top olarak kullanılıyorlardı, ancak yavaş yavaş sanatsal unsurlar kazanmaya başladılar ve daha sonra dekoratif süslemelere dönüştüler. Bu topların narin güzelliği tüm Japonya'da bilinir. Ve bugün, renkli, özenle hazırlanmış ürünler, Japonya'daki halk el sanatları türlerinden biridir.

- Yubinuki.
Japon yüksükleri, elle dikilirken veya nakış yapılırken, çalışan elin orta parmağının orta falanksına konur, parmak uçları yardımıyla iğneye istenilen yön verilir ve iğne ortadaki halkanın içinden itilir. parmak işte Başlangıçta, Japon yubinuki yüksükleri oldukça basit bir şekilde yapıldı - birkaç katman halinde yaklaşık 1 cm genişliğinde yoğun bir kumaş veya deri şeridi parmağın etrafına sıkıca sarıldı ve birkaç basit dekoratif dikişle birbirine bağlandı. Yubinuklar olduğundan beri gerekli konu her evde ipek ipliklerle geometrik işlemelerle süslenmeye başlandı. Dikişlerin birbirine geçmesinden renkli ve karmaşık desenler yaratıldı. Basit bir ev eşyasından Yubinuki, aynı zamanda günlük yaşamın dekorasyonu olan "hayranlık uyandıran" bir nesneye dönüştü.
Yubinuki hala dikiş ve nakışta kullanılmaktadır, ancak dekoratif yüzükler gibi ellerde herhangi bir parmağa takılmış olarak da bulunabilirler. Yubinuki tarzı işlemeler, yüzük şeklinde çeşitli nesneleri süslemek için kullanılır - peçete halkaları, bilezikler, temari standları, yubinuki işlemeleri ile süslenmiş ve aynı tarzda işlemeli iğne yatakları da vardır. Yubinuki desenleri, temari obi nakışı için harika bir ilham kaynağı olabilir.

- Suibokuga veya sumi.
Japon mürekkep boyama. Bu Çin tarzı resim, 14. yüzyılda ve 15. yüzyılın sonunda Japon sanatçılar tarafından benimsendi. Japonya'da resmin ana akımı haline geldi. Suibokuga tek renklidir. Katı bir form olan siyah mürekkebin (sumi) kullanılmasıyla karakterize edilir. odun kömürü veya bir hokkada öğütülmüş, suyla seyreltilmiş ve bir fırçayla kağıda veya ipeğe uygulanan Çin mürekkebi isinden yapılır. Tek renkli, ustaya Çinlilerin uzun zaman önce mürekkebin "renkleri" olarak tanıdığı sonsuz bir ton seçeneği sunar. Suibokuga bazen gerçek renklerin kullanılmasına izin verir, ancak bunu her zaman mürekkep çizgisine bağlı kalan ince, şeffaf vuruşlarla sınırlar. Mürekkep resmi, hat sanatıyla, sıkı bir şekilde kontrol edilen ifade ve formun teknik ustalığı gibi temel özellikleri paylaşır. Mürekkeple resmin kalitesi, kaligrafide olduğu gibi, tıpkı kemiklerin dokuları kendi üzerinde tutması gibi, adeta sanat eserini kendi üzerinde tutan mürekkeple çizilen çizginin bütünlüğüne ve yırtılmaya karşı direncine bağlıdır.

- Etegami.
Çizilmiş kartpostallar (e - resim, etiketli - mektup). Kendin yap kartpostal yapımı genellikle Japonya'da çok popüler bir aktivitedir ve tatilden önce popülaritesi daha da artar. Japonlar arkadaşlarına kartpostal göndermeyi severler ve onları almayı da severler. Bu, özel boşluklar üzerinde bir tür hızlı mektuptur, zarfsız posta ile gönderilebilir. etegami'de değil özel kurallar veya bir teknisyen, özel eğitim almamış herhangi bir kişi olabilir. Etagami, ruh halini, izlenimleri doğru bir şekilde ifade etmeye yardımcı olur, bu, gönderenin sıcaklık, tutku, ilgi, aşk vb. Mevsimleri, etkinlikleri, sebze ve meyveleri, insanları ve hayvanları tasvir eden bu kartpostalları bayram ve bunun gibi gönderirler. Bu resim ne kadar basit çizilirse o kadar ilginç görünür.

- Furoshiki.
Japon sarma tekniği veya kumaş katlama sanatı. Furoshiki, Japonların hayatına uzun süre girdi. Kamakura-Muromachi dönemine (1185 - 1573) ait eski parşömenler, başlarında kumaşa sarılı giysi demetleri taşıyan kadınların resimleriyle korunmuştur. Bu ilginç teknik, Japonya'da MS 710 - 794 gibi erken bir tarihte ortaya çıktı. "Furoshiki" kelimesi kelimenin tam anlamıyla "banyo halısı" anlamına gelir ve her şekil ve büyüklükteki nesneleri sarmak ve taşımak için kullanılan kare bir kumaş parçasıdır.
Eskiden ziyaretçilerin evden getirdikleri hafif pamuklu kimonolarla Japon hamamlarında (furo) yürümek adettendi. Banyo yapan kişi, soyunurken üzerinde durduğu özel bir kilim (shiki) de getirdi. "Yıkanan" bir kimonoya dönüşen ziyaretçi, kıyafetlerini bir halıya sardı ve banyodan sonra ıslak bir kimonoyu eve getirmek için bir kimonoya sardı. Böylece banyo paspası çok işlevli bir çanta haline geldi.
Furoshiki'nin kullanımı çok kolaydır: Kumaş, sardığınız nesnenin şeklini alır ve kulplar yükü taşımayı kolaylaştırır. Ayrıca sert kağıda değil, yumuşak, çok katmanlı bir kumaşa sarılmış bir hediye özel bir ifade kazanır. Furoshiki'yi her gün, her gün veya bayram için katlamak için birçok plan var.

- Amigurumi.
Küçük doldurulmuş hayvanları ve insansı yaratıkları örme veya tığ işi yapma Japon sanatı. Amigurumi (編み包み, lafzen: “örülmüş-sarılmış”) genellikle sevimli hayvanlardır (ayılar, tavşanlar, kediler, köpekler vb.), küçük adamlar ama insani özelliklerle donatılmış cansız nesneler de olabilirler. Örneğin, kekler, şapkalar, el çantaları ve diğerleri. Amigurumi örülür veya örülür veya tığ işi yapılır. Son zamanlarda tığ işi amigurumi daha popüler ve yaygın hale geldi.
iplikten basit bir örgü yöntemiyle örülmüş - bir spiral içinde ve Avrupa örgü yönteminin aksine, daireler genellikle birbirine bağlı değildir. Ayrıca iplik kalınlığına göre daha küçük bir bedene örülerek çok yoğun bir kumaş elde edilir ve dolgunun dışarı çıkması için boşluk kalmaz. Amigurumi genellikle parçalardan yapılır ve daha sonra bir araya getirilir, uzuvları olmayan, sadece bir bütün olan bir baş ve gövdeye sahip bazı amigurumiler hariç. Uzuvlar bazen canlı ağırlık vermek için plastik parçalarla doldurulurken, vücudun geri kalanı elyaf dolgu ile doldurulur.
Amigurumi estetiğinin yayılması, sevimlilikleri (“kawaii”) ile kolaylaştırılır.