Japon Kültürü. Japon Sanatı - Tarih - Giriş - İlginç Japonya — LiveJournal

Japon resmi dünyanın en güzel resimlerinden biridir.

Japon resmi, en eski ve şaşırtıcı yaratıcılık türlerinden biridir. Diğerleri gibi, tekniklere ve özelliklere göre birkaç döneme ayrılabilen kendi uzun geçmişine sahiptir. Tüm dönemlerde ortak olan, resimlerde ana yer verilen doğadır. Japonya'nın güzel sanatlarında popülerlik açısından ikinci sırada, hayattan yerli sahneler var.

Yamato

yamato(VI-VII yüzyıllar) - yazmanın temelini atan Japon sanatının ilk dönemi. Çin'in din ve yazı alanındaki başarıları sanatın gelişmesine ivme kazandırdı. Japonya, yapısında değişiklikler yaparak ve her şeyi Çin'e benzer şekilde inşa ederek seviyesine yükselmek için koştu. Resmin gelişimi için, Çinli ustaların çok sayıda eseri Japonya'ya getirildi ve bu, benzer resimler yaratmak için cesurca koşan Japonlara ilham verdi.

Takamatsuzuka Mezarında Resim

Bu dönem iki alt dönemden oluşur:

• Kofun- Yamato'nun ilk yarısını işgal eden Japon sanatı dönemi. Dönemin adı "höyükler dönemi" olarak çevrilmiştir. O günlerde höyüklere gerçekten de büyük bir rol verildi ve onları her yerde yarattılar.
• Asuka- Yamato döneminin ikinci kısmı. Dönem, adını o yıllarda faaliyet gösteren ülkenin siyasi merkezinden almıştır. Budizm'in Japonya'ya gelişiyle ve gelecekte tüm kültürel alanların aktif gelişimi ile ilişkilidir.

Nara

Çin'den gelen Budizm, sanatta dini temaların ortaya çıkmasına katkıda bulunan Japonya'da aktif olarak yayıldı. Bu konuya kapılan Japon sanatçılar, etkili kişilikler tarafından yaratılan tapınakların duvarlarını boyadılar. Bugüne kadar, Horyu-ji tapınağı o zamandan kalma duvar resimlerini korumuştur.

Azuchi-Momoyama

Bu dönem, selefinin tam tersidir. Kasvet ve monokrom eserlerden kayboluyor, yerini parlak renklere ve resimlerde altın ve gümüş kullanımına bırakıyor.

selvi. Ekran. Kano Eitoku.

meiji

19. yüzyılda, Japon resminin birbiriyle şiddetle rekabet eden geleneksel ve Avrupa stillerine bölünmesi başladı. Bu dönemde Japonya'da muazzam siyasi değişimler patlak verdi. O yıllarda Avrupa'nın etkisi gezegenin hemen her köşesini etkilemiş, her devlete kendi özelliklerini tanıtmıştır. Avrupa sanat tarzı, eski gelenekleri reddeden yetkililer tarafından aktif olarak desteklendi. Ancak kısa süre sonra Batı resminin etrafındaki heyecan hızla azaldı ve geleneksel sanata olan ilgi keskin bir şekilde geri döndü.

Japon resminin gelişimi güncellendi: 15 Eylül 2017 yazan: sevgili

Antik çağlardan beri Japon sanatı, aktif yaratıcılık ile karakterize edilmiştir. Sürekli olarak yeni sanatsal ve estetik eğilimlerin ortaya çıktığı Çin'e bağımlı olmasına rağmen, Japon sanatçılar her zaman yeni özellikler getirdiler ve öğretmenlerinin sanatını değiştirerek ona Japon görünümü verdiler.

Japonya'nın tarihi, ancak 5. yüzyılın sonunda kesin biçimler almaya başlar. Kazılar veya inşaat çalışmaları sırasında elde edilen bazı buluntular olağanüstü sanatsal yetenekten söz etse de, önceki yüzyıllara (arkaik dönem) ait nispeten az sayıda parça bulunmuştur.

arkaik dönem.

Japon sanatının en eski eserleri, Jomon tipi (kordon baskısı) kil çömleklerdir. Adını, ustanın kabı yapmak için kullandığı çubukların etrafına sarılmış bir kordonun spiral baskılarıyla yüzeyin bezemesinden almıştır. Belki de ustalar ilk başta yanlışlıkla hasır işi baskıları keşfettiler ama sonra bunları bilinçli olarak kullanmaya başladılar. Bazen kordon benzeri kil bukleler yüzeye yapıştırılarak daha karmaşık bir dekoratif etki, neredeyse bir kabartma yaratıldı. İlk Japon heykeli Jomon kültüründen kaynaklanmıştır. Bir insan veya hayvanın doğusu ("kil sureti") muhtemelen bir tür dini öneme sahipti. Çoğunluğu kadın olan insanların görüntüleri, diğer ilkel kültürlerin kil tanrıçalarına çok benziyor.

Radyokarbon analizi, Jomon kültüründen bazı buluntuların MÖ 6-5 bin yıl öncesine kadar uzanabileceğini gösteriyor, ancak bu kadar erken bir tarihleme genel olarak kabul edilmiyor. Elbette bu tür yemekler uzun süredir yapılıyor ve kesin tarihler henüz belirlenemese de üç dönem ayırt ediliyor. En eski örnekler sivri bir kaideye sahiptir ve bir çömlekçi aletinin izleri dışında neredeyse hiç süslenmemiştir. Orta döneme ait kaplar, bazen hacim izlenimi yaratan kalıplanmış öğelerle daha zengin bir şekilde süslenmiştir. Üçüncü dönem kaplarının formları çok çeşitlidir ancak dekor tekrar düzleşir ve daha ölçülü hale gelir.

Yaklaşık 2. yüzyılda. M.Ö. Jōmon seramiği, formunun zarafeti, tasarımın basitliği ve yüksek teknik kalitesiyle karakterize edilen Yayoi seramiklerine yol verdi. Geminin parçası inceldi, süsleme daha az tuhaf hale geldi. Bu tip 3. yüzyıla kadar hüküm sürdü. AD

Sanatsal açıdan belki en iyi işler 3.-5. yüzyıllara tarihlenen khaniva, kil silindirler erken dönem örnekleridir. AD Bu dönemin karakteristik anıtları, devasa tepeler veya mezar höyükleri, imparatorların mezar yapıları ve güçlü soylulardır. Genellikle çok büyük beden, imparatorluk ailesinin ve saray mensuplarının gücünün ve zenginliğinin kanıtıdırlar. İmparator Nintoku-tenno (yaklaşık MS 395-427) için böyle bir yapının inşası 40 yıl sürdü. Bu höyüklerin en dikkat çekici özelliği, etrafını bir çit, khaniva gibi saran kil silindirlerdi. Genellikle bu silindirler oldukça basitti, ancak bazen insan figürleriyle, daha az sıklıkla at, ev veya horoz figürleriyle süslenmişlerdi. Amaçları iki yönlüydü: büyük toprak kütlelerinin erozyonunu önlemek ve ölen kişiye dünyevi yaşamda kullandığı gerekli her şeyi sağlamak. Doğal olarak, silindirler hemen büyük miktarlarda yapıldı. Temaların çeşitliliği, onları süsleyen figürlerin yüz ifadeleri ve jestleri, büyük ölçüde ustanın doğaçlamasının sonucudur. Ressam ve heykeltıraşlardan ziyade zanaatkarların eseri olmalarına rağmen, gerçek bir Japon sanatı olarak büyük önem taşırlar. Binalar, battaniyelere sarılmış atlar, seçkin hanımlar ve savaşçılar, erken feodal Japonya'nın askeri yaşamının ilginç bir resmini sunuyor. Bu silindirlerin prototiplerinin, çeşitli nesnelerin doğrudan mezarlara yerleştirildiği Çin'de ortaya çıkması mümkündür, ancak haniwa'nın icrası ve kullanımı yerel geleneğe aittir.

Arkaik dönem genellikle yüksek sanatsal düzeydeki eserlerin olmadığı, esas olarak arkeolojik ve etnolojik değeri olan şeylerin egemen olduğu bir dönem olarak görülür. Ancak unutulmamalıdır ki, bu eserlerin erken kültür biçimleri hayatta kaldığı ve daha sonraki dönemlerde Japon sanatının belirli ulusal özellikleri olarak var olmaya devam ettiği için genellikle büyük bir canlılığa sahipti.

Asuka dönemi

(MS 552-710). Budizm'in 6. yüzyılın ortalarında tanıtılması. Japonların yaşam ve düşünce biçimlerinde önemli değişiklikler yapmış ve bu ve sonraki dönem sanatının gelişmesine itici güç olmuştur. Budizm'in Çin'den Kore üzerinden gelişi geleneksel olarak MS 552'ye tarihlenir, ancak muhtemelen daha önce biliniyordu. İlk yıllarda Budizm siyasi muhalefetle, ulusal din olan Şinto'ya karşı muhalefetle karşı karşıya kaldı, ancak yalnızca birkaç on yıl sonra, yeni inanç resmi onay aldı ve sonunda kuruldu. Japonya'ya girişinin ilk yıllarında Budizm, imgelere ihtiyaç duyan az sayıda tanrıya sahip nispeten basit bir dindi, ancak yaklaşık yüz yıl sonra güç kazandı ve panteon muazzam bir şekilde büyüdü.
Bu dönemde, yalnızca inancı yayma amaçlarına hizmet etmeyen, aynı zamanda sanat ve eğitim merkezleri olan tapınaklar kuruldu. Horyu-ji'deki manastır-tapınak, erken dönem Budist sanatının incelenmesi için en önemlilerinden biridir. Diğer hazinelerin yanı sıra, büyük üçlü Syaka-Nerai'nin (MS 623) bir heykeli var. Bildiğimiz ilk büyük Japon heykeltıraş Tori Busshi'nin bu eseri, Çin'in büyük mağara tapınaklarındaki benzer gruplara benzeyen, stilize edilmiş bronz bir resimdir. Oturan Shaki'nin ("shakyamuni" kelimesinin Japonca transkripsiyonu, tarihi Buda) ve onun yanlarında duran iki figürün pozunda katı bir cephelilik gözlemlenir. İnsan figürünün formları, şematik olarak işlenmiş kıyafetlerin ağır simetrik kıvrımları tarafından gizlenmiştir ve pürüzsüz, uzun yüzlerde kişi, rüya gibi bir kendi kendine odaklanma ve tefekkür hissedebilir. Bu ilk Budist döneminin heykeli, elli yıl önce anakaradan gelen stil ve prototiplere dayanmaktadır; Kore üzerinden Japonya'ya gelen Çin geleneğini sadakatle takip eder.

Bu zamanın en önemli heykellerinden bazıları bronzdan yapılmıştır ancak ahşap da kullanılmıştır. En ünlü iki ahşap heykel, tanrıça Kannon'un heykelleridir: Her ikisi de Horyuji'de bulunan Yumedono Kannon ve Kudara Kannon. Arkaik gülümsemeleri ve hülyalı ifadeleriyle Şeki üçlüsünden daha çekici bir tapınma nesnesidirler. Kannon figürlerinde cüppelerin kıvrımlarının dizilişi de şematik ve simetrik olsa da daha hafif ve hareketlidir. Uzun, ince figürler, yüzlerin maneviyatını, soyut nezaketlerini, tüm dünyevi kaygılardan uzak, ancak acı çekenlerin yakarışlarına duyarlı olduklarını vurgular. Heykeltıraş, Kudara Kannon figürünün giysi kıvrımlarıyla gizlenen ana hatlarına biraz dikkat etti ve Yumedono'nun pürüzlü siluetinin aksine hem figürün hem de kumaşın hareketi derinlemesine yönlendirildi. Kudar'ın profilinde Kannon zarif bir S şekline sahip.

7. yüzyılın başlarındaki üslup hakkında fikir veren tek resim örneği, "kanatlı tapınak" olan Tamamushi Zushi'dir. Bu minyatür kutsal alan, adını delikli metal bir çerçeveye yerleştirilmiş yanardöner böcek kanatlarından alır; daha sonra renkli lake ile yapılmış dini kompozisyonlar ve bireysel karakterlerin figürleri ile dekore edilmiştir. Bu dönemin heykelleri gibi, bazı görseller de büyük bir tasarım özgürlüğü sergiliyor.

nara dönemi

(710-784). 710'da başkent Nara'ya taşındı. yeni kasaba, Çin'in başkenti Chang'an modeli üzerine inşa edilmiştir. Geniş caddeler, büyük saraylar, çok sayıda Budist tapınağı vardı. Tüm yönleriyle sadece Budizm değil, tüm Çin kültürel ve siyasi hayat rol model olarak algılanmıştır. Belki de hiçbir ülke kendi kültürünün yetersizliğini bu kadar hissetmemiş ve dış etkilere bu kadar açık olmamıştır. Akademisyenler ve hacılar Japonya ile anakara arasında serbestçe hareket ettiler ve Tang Hanedanlığı döneminde yönetim ve saray hayatı Çin'den sonra modellendi. Ancak unutulmamalı ki Japonlar, özellikle sanatta Tang Çini'nin modellerini taklit etseler de, onun etkisini ve üslubunu algılasalar da, hemen hemen her zaman yabancı biçimleri kendi tarzlarına uyarlamışlardır.

Heykelde, önceki Asuka döneminin katı cephesi ve simetrisi yerini daha özgür formlara bıraktı. Tanrılar hakkında fikirlerin geliştirilmesi, artan teknik beceri ve malzemeye sahip olma özgürlüğü, sanatçıların daha yakın ve daha erişilebilir ikonik görüntüler yaratmasına olanak sağladı. Yeni Budist mezheplerinin kurulması, panteonu Budizm'in azizlerini ve kurucularını bile kapsayacak şekilde genişletti. Bronz heykelin yanı sıra ahşap, kil ve ciladan yapılmış çok sayıda eser bilinmektedir. Taş nadirdi ve neredeyse hiç heykel için kullanılmadı. Kuru cila özellikle popülerdi, belki de bileşimi hazırlama sürecinin karmaşıklığına rağmen, ondan yapılan eserler ahşaptan daha muhteşem görünüyordu ve üretimi daha kolay olan kil ürünlerden daha güçlüydü. Lake figürler, daha sonra çıkarılan ahşap veya kil bir taban üzerinde veya ahşap veya tel bağlantı parçaları üzerinde oluşturuldu; hafif ve güçlüydüler. Bu teknik, pozlarda bir miktar katılık gerektirse de, yüzlerin tasvirinde büyük ölçüde özgürlüğe izin verildi, bu da tam anlamıyla portre heykeli olarak adlandırılabilecek şeyin gelişimine kısmen katkıda bulundu. Tanrının yüzünün görüntüsü, Budist kanonlarının katı reçetelerine uygun olarak yapıldı, ancak inancın bazı kurucularının ve vaizlerinin popülaritesi ve hatta tanrılaştırılması, portre benzerliğini iletmek için mükemmel fırsatlar sağladı. Böyle bir benzerlik, Japonya'da saygı duyulan Çin patriği Genjin'in Toshodaiji tapınağında bulunan kuru cila heykelinde izlenebilir. Genjin, 753'te Japonya'ya vardığında kördü ve görmeyen gözleri ve aydınlanmış iç tefekkür hali, bilinmeyen bir heykeltıraş tarafından güzel bir şekilde işlendi. Bu gerçekçi eğilim, en açık şekilde, 13.-14. yüzyıllarda heykeltıraş Kosho tarafından yaratılan vaiz Kui'nin ahşap heykelinde ifade edildi. Vaiz, bir asa, bir gong ve bir tokmakla gezgin bir dilenci gibi giyinmiş ve yarı açık ağzından Buda'nın küçük figürleri çıkıyor. Şarkı söyleyen keşişin imajından memnun olmayan heykeltıraş, sözlerinin en derin anlamını ifade etmeye çalıştı.
Nara dönemi Buda'nın görüntüleri de büyük gerçekçilikle ayırt edilir. Sayıları her geçen gün artan tapınaklar için yaratılmışlar, öncekiler kadar soğuk ve çekingen değiller, daha zarif bir güzellikleri ve asaletleri var ve kendilerine tapanlara daha çok iltifat ediyorlar.

Bu döneme ait çok az tablo günümüze ulaşmıştır. Kağıt üzerindeki çok renkli çizim, Buda'nın geçmiş ve şimdiki yaşamlarını tasvir ediyor. Bu, emakimono veya parşömen resminin birkaç eski örneğinden biridir. Parşömenler yavaşça sağdan sola açıldı ve izleyici, resmin yalnızca parşömeni açan eller arasındaki kısmının tadını çıkarabildi. Resimler, metnin bir bölümünün açıklayıcı bir resimle dönüşümlü olarak yer aldığı sonraki parşömenlerin aksine, doğrudan metnin üzerindeydi. Parşömen resminin hayatta kalan bu en eski örneklerinde, ana hatları çizilen figürler, zar zor ana hatları çizilen bir manzaranın arka planına yerleştirilir ve bu durumda ana karakter, Syaka, çeşitli bölümlerde görünür.

Erken Heian

(784-897). 784'te başkent, kısmen Nara'nın Budist din adamlarının egemenliğinden kaçınmak için geçici olarak Nagaoka'ya taşındı. 794'te daha uzun bir süre için Heian'a (şimdiki Kyoto) taşındı. Geç 8. ve 9. yüzyıllar Japonya'nın birçok yabancı yeniliği başarıyla özümsediği, kendi özelliklerine uyarladığı bir dönemdi. Budist dini de, gelişmiş ritüel ve görgü kuralları ile yeni ezoterik Budizm mezheplerinin ortaya çıktığı bir değişim dönemi yaşadı. Bunlardan en etkili olanı, Hindistan'da ortaya çıkan Tendai ve Shingon mezhepleriydi, Çin'e ulaştı ve oradan uzun bir çıraklıktan sonra anavatanlarına dönen iki bilim adamı tarafından Japonya'ya getirildi. Shingon ("Doğru Sözler") mezhebi özellikle sarayda sevildi ve hızla hakim bir konuma geldi. Ana manastırları Kyoto yakınlarındaki Koya Dağı'nda bulunuyordu; diğer önemli Budist merkezleri gibi, devasa sanat eseri koleksiyonlarının deposu haline geldiler.

Heykel 9. yy. çoğunlukla ahşaptı. Tanrıların görüntüleri, görünüşlerinin ve kütlelerinin ciddiyeti ile vurgulanan ciddiyet ve erişilemez ihtişamla ayırt edildi. Perdeler standart desenlere göre ustaca kesildi, eşarplar dalgalar halinde uzanıyordu. Muroji'deki tapınaktan ayakta duran Shaki figürü bu tarzın bir örneğidir. 9. yüzyılın bu ve benzeri görüntüleri için. daha derin, net kıvrımlar ve diğer ayrıntılarla sert oyma ile karakterize edilir.

Tanrıların sayısının artması sanatçılar için büyük zorluklar yaratmıştır. Karmaşık, harita benzeri mandalalarda (büyülü anlamı olan geometrik bir tasarım), tanrılar, kendisi de mutlakın yalnızca bir tezahürü olan, merkezi olarak yerleştirilmiş bir Buda'nın etrafında hiyerarşik olarak düzenlenmişti. Bu sırada, koruyucu tanrıların figürlerini alevlerle çevrili, görünüşte korkunç, ancak doğası gereği yararlı tasvir etmenin yeni bir yolu ortaya çıktı. Bu tanrılar asimetrik olarak düzenlenmiş ve hareketli pozlarda, korkunç yüz hatlarında, inancı olası tehlikelerden şiddetle koruyan tasvir edilmiştir.

Orta ve Geç Heian veya Fujiwara dönemi

(898-1185). Ruhban sınıfının zorlu taleplerinden kurtulmayı amaçlayan başkentin Heian'a devri, siyasi sistemde de değişikliklere neden oldu. Soylular baskın güçtü ve Fujiwara ailesi onun en karakteristik temsilcileri haline geldi. Dönem 10-12 yüzyıllar. genellikle bu adla ilişkilendirilir. Gerçek imparatorlara, daha keyifli şiir ve resim arayışları uğruna devlet işlerini bir kenara bırakmalarının "şiddetle tavsiye edildiği" bir özel güç dönemi başladı. Yetişkinliğe ulaşana kadar imparator, genellikle Fujiwara ailesinden katı bir naip tarafından yönetildi. Edebiyat, kaligrafi ve sanatta lüks ve olağanüstü başarılar çağıydı; her şey durgun ve duygusal geliyordu, bu nadiren derinliğe ulaştı, ama genel olarak büyüleyiciydi. Zarif incelik ve gerçeklerden kaçış bu zamanın sanatına yansıdı. Budizm'in taraftarları bile daha kolay yollar arıyorlardı ve göksel Buda Amida'ya tapınma özellikle popüler hale geldi. Buda Amida'nın şefkat ve kurtarıcı zarafet kavramları, bu dönemin resim ve heykellerine derinden yansımıştır. 9. yüzyıl heykellerinin masifliği ve kısıtlılığı. 10-11 yüzyıllarda. yerini mutluluk ve çekiciliğe bıraktı. Tanrılar rüya gibi, düşünceli sakin olarak tasvir edilir, oymalar daha az derinleşir, yüzey daha renkli hale gelir ve zengin bir şekilde gelişmiş bir dokuya sahiptir. Bu dönemin en önemli anıtları heykeltıraş Jocho'ya aittir.
Sanatçıların eserleri ayrıca kumaş üzerindeki çizimleri ve hatta korkunç tanrıları anımsatan daha yumuşak özellikler kazandı - inancın savunucuları daha az korkutucu hale geldi. Sutralar (Budist metinler) koyu mavi tonlu kağıda altın ve gümüşle yazılırdı, metnin ince kaligrafisinden önce genellikle küçük bir resim gelirdi. En popüler yerler Budizm ve onlarla ilişkili tanrılar, aristokrasinin tercihlerini ve erken Budizm'in sert ideallerinden kademeli olarak ayrılmayı yansıtır.

Bu zamanın atmosferi ve eserleri kısmen 894'te Çin ile resmi ilişkilerin sona ermesiyle bağlantılı. O zamanlar Çin'de Budizm zulüm gördü ve yozlaşmış Tang mahkemesi bir düşüş halindeydi. Bu kopukluğu izleyen tenha ada varlığı, Japonları kendi kültürlerine dönmeye ve yeni, daha saf bir Japon tarzı geliştirmeye sevk etti. Gerçekten de, 10-12. Yüzyılların laik resmi. hem teknik hem de kompozisyon ve olay örgüsü bakımından neredeyse tamamen Japoncaydı. Yamato-e adı verilen bu Japon parşömenlerinin ayırt edici bir özelliği, engi olay örgülerinin (köken, tarih) baskınlığıydı. Çin parşömenleri çoğunlukla engin şaşırtıcı doğayı, dağların, akarsuların, kayaların ve ağaçların panoramalarını ve insanları tasvir ederken, çizim ve metinde Japonların anlatı parşömenlerinde nispeten önemsiz görünüyordu, kişi ana şeydi. Manzara, anlatılan hikaye için yalnızca bir arka plan rolü oynadı, ana manzaraya bağlıydı. oyunculuk yapan kişi veya kişiler. Pek çok parşömen, ünlü Budist vaizlerin veya tarihi şahsiyetlerin hayatlarının, seyahatlerinin ve askeri seferlerinin günlüklerini resmediyordu. Diğerleri, soyluların ve saray mensuplarının hayatından romantik olaylardan bahsetti.

İlk parşömenlerin görünüşte kendine özgü stili, Budist defterlerinin sayfalarındaki basit mürekkep eskizlerinden geliyordu. Bunlar, hayvan resimleri aracılığıyla insan davranışını karikatürize eden ustaca çizimlerdir: manastır giysili bir maymun, şişirilmiş bir kurbağaya tapınma, tavşan, maymun ve kurbağa yarışmaları. Bunlar ve diğer geç Heian parşömenleri, 13. ve 14. yüzyılların gelişmiş stilinin daha karmaşık anlatı parşömenlerinin temelini oluşturdu.

Kamakura dönemi

(1185-1392). 12. yüzyılın sonları Japonya'nın siyasi ve dini yaşamına ve tabii ki sanatına ciddi değişiklikler getirdi. Kyoto mahkemesinin zarafeti ve estetiği değiştirildi veya "özel" kural geleneğinde, yeni, sert ve cesur bir kural olan Kamakura şogunluğu şeklinde "eklendi". Kyoto nominal olarak başkent olarak kalmasına rağmen, şogun Minamoto no Yoritomo (1147-1199) karargahını Kamakura şehrinde kurdu ve sadece 25 yıl içinde katı bir askeri diktatörlük ve feodalizm sistemi kurdu. Sıradan halk tarafından anlaşılamayacak kadar karmaşık ve ritüelleşmiş olan Budizm, sanatın himayesini vaat etmeyen büyük bir değişim geçirdi. Honen Shonin'in (1133-1212) liderliğindeki Buddha Amida'ya bir tapınma biçimi olan Yodo ("Saf Toprak") mezhebi, budalar ve tanrılar hiyerarşisini yeniden düzenledi ve Amida'ya inanan herkese kurtuluş umudu verdi. Bu kolayca ulaşılabilen bir cennet doktrini daha sonra, Amida'nın hoşgörüsünün o kadar büyük olduğunu ve dini eylemlerde bulunmaya gerek olmadığını, bunun yeterli olduğunu kabul eden Shin mezhebinin kurucusu Shinran (1173-1262) adlı başka bir keşiş tarafından daha sonra basitleştirildi. "Namu Amida Butsu" büyüsünü tekrarlamak için (ilk kelime "gönder" anlamına gelir; ikinci ikisi "Buddha Amida"dır). Bir ruhu kurtarmanın bu kadar basit bir yolu son derece çekiciydi ve şimdi milyonlar bunu kullanıyor. Bir nesil sonra, tarikata adını veren militan vaiz Nichiren (1222-1282), bu basitleştirilmiş din biçimini terk etti. Takipçileri, anında ve koşulsuz kurtuluş vaat etmeyen Lotus Sutra'ya saygı duyuyorlardı. Vaazları genellikle siyasi konulara değiniyordu ve inançları ile kilise ve devlet reformları önerdiği Kamakura'daki yeni savaşçı sınıfına hitap ediyordu. Son olarak, 8. yüzyılda ortaya çıkan Zen felsefesi, o dönemin Budist düşüncesinde giderek daha büyük bir rol oynamaya başladı. Zen, meditasyonun önemini vurguladı ve insanı Tanrı ile bağlantı kurma arayışında engelleyebilecek her türlü imgeyi hor gördü.

Dolayısıyla, dini düşüncenin daha önce ibadet için gerekli olan resim ve heykel sayısını sınırlandırdığı bir dönemdi. Bununla birlikte, Japon sanatının en güzel eserlerinden bazıları Kamakura döneminde yaratılmıştır. Teşvik, Japonların doğasında var olan sanat sevgisiydi, ancak bulmacanın anahtarı, dogma değil, insanların yeni inançlara karşı tutumudur. Gerçekten de eserlerin kendileri yaratılış nedenini gösteriyor çünkü bu heykellerin ve hayat ve enerji dolu resimlerin çoğu portre. Zen felsefesi, dini tapınmanın sıradan nesnelerini aydınlanmanın önünde bir engel olarak görmüş olsa da, öğretmenlere hürmet etme geleneği oldukça kabul edilebilirdi. Portrenin kendisi bir tapınma nesnesi olamazdı. Portreye yönelik bu tutum, Zen Budizmine özgü değildi: Saf Toprak mezhebinin birçok bakanı, neredeyse Budist tanrıları gibi saygı görüyordu. Portre sayesinde yeni bir mimari form bile ortaya çıktı - mieido veya portre şapeli. Gerçekçiliğin hızlı gelişimi tamamen zamanın ruhuna uygundu.
Rahiplerin resmedilmeye değer portrelerinin aslında birer imge olduğu gerçeğine rağmen belirli insanlar, genellikle Budizm'in Çinli kurucularını tasvir eden resimlerin yeniden işlenmesiydi. Vaaz verirken boyanmışlardı, ağızları açık, elleri hareket ediyordu; bazen dilenci keşişler, inancın ihtişamı için zorlu bir yolculuk yaparken tasvir edildi.

En popüler olay örgülerinden biri, ölüm döşeğindeki bir müminin ruhunu kurtarmak ve onu cennete nakletmek için bir bulutun üzerine inen Buda Amida'yı arkadaşlarıyla birlikte tasvir eden raigo (istenen varış) idi. Bu tür görüntülerin renkleri genellikle uygulanan altınla zenginleştirildi ve dalgalı çizgiler, dalgalanan pelerinler, dönen bulutlar Buda'nın inişine bir hareket hissi verdi.

12. yüzyılın ikinci yarısında ve 13. yüzyılın başlarında çalışan Unkei, Kamakura döneminde heykeltıraşların en sevdiği malzeme olarak kalan ahşabı yontmayı kolaylaştıran bir yeniliğin yazarıydı. Önceden, usta, figürün kesildiği güverte veya kütüğün boyutu ve şekli ile sınırlıydı. Kollar ve giyim elemanları ayrı ayrı üst üste bindirildi, ancak bitmiş parça genellikle orijinal silindirik şekle benziyordu. Yeni teknikte, düzinelerce küçük parça dikkatlice birbirine oturtularak içi boş bir piramit oluşturuldu ve çıraklar daha sonra figürü kabaca kesebiliyorlardı. Heykeltraşın emrinde daha yumuşak bir malzeme ve daha karmaşık formlar yaratma yeteneği vardı. Kaslı tapınak muhafızları ve dalgalanan pelerinler ve cüppeler içindeki tanrılar, göz yuvalarına kristal veya cam yerleştirilmeye başlandığı için daha canlı görünüyordu; heykeller yaldızlı bronzla süslenmeye başlandı. Ahşap kurudukça daha hafif hale geldiler ve çatlama olasılıkları azaldı. Unkei'nin oğlu Kosho'nun eseri olan Kuya Shonin'in bahsedilen ahşap heykeli, portre heykelinde Kamakura döneminin gerçekçiliğinin en yüksek başarısını göstermektedir. Gerçekten de, o dönemde heykel, gelişiminde doruk noktasına ulaştı ve daha sonra artık sanatta bu kadar önemli bir yer işgal etmedi.

Laik resim aynı zamanda zamanın ruhunu da yansıtıyordu. Geç Heian döneminin ölçülü renkler ve zarif çizgilerle anlatı parşömenleri, Prens Genji'nin romantik maceralarını veya sarayın münzevi hanımlarının eğlencelerini anlatıyordu. Şimdi, parlak renkler ve enerjik vuruşlarla, Kamakura döneminin sanatçıları, savaşan klanların savaşlarını, alevler içinde kalan sarayları ve saldıran birliklerden kaçan korkmuş insanları tasvir ettiler. Parşömende dini bir hikaye ortaya çıktığında bile, görüntü bir ikondan çok kutsal insanların seyahatlerinin ve gerçekleştirdikleri mucizelerin tarihsel bir kanıtıydı. Bu arsaların tasarımında, doğaya karşı artan bir sevgi ve yerel manzaralara olan hayranlık bulunabilir.

Muromachi veya Ashikaga dönemi

(1392-1568). 1392'de, 50 yılı aşkın çekişmeden sonra Aşıkağa ailesinin üçüncü şogun'u Yoshimitsu (1358-1408) ülkeyi yeniden birleştirdi. Hükümet koltuğu, Ashikaga şogunlarının Muromachi mahallesinde saraylarını inşa ettiği Kyoto'nun sözde başkenti oldu. (Bu döneme bazen Muromachi, bazen Ashikaga denir.) Savaş zamanı pek çok tapınağı - oradaki hazinelerle birlikte yakılan Japon sanatının depolarını - esirgemedi. Ülke ciddi bir şekilde harap olmuştu ve savaşan klanlar başarılarında kaprislerine göre iyilikler dağıttığı için barış bile çok az rahatlama getirdi. Durumun sanatın gelişimi için son derece elverişsiz olduğu görülüyor, ancak gerçekte Ashikaga şogunları, özellikle resmin geliştiği 15. ve 16. yüzyıllarda, ona patronluk tasladılar.

Bu dönemin en önemli sanatı, Zen Budizmi tarafından teşvik edilen ve Song ve Yuan hanedanlarının Çin tasarımlarından etkilenen tek renkli şiirsel mürekkep çizimleriydi. Ming Hanedanlığı döneminde (1368-1644), Çin ile temaslar yenilendi ve bir koleksiyoncu ve sanat koruyucusu olan Yoshimitsu, Çin resminin toplanmasını ve incelenmesini teşvik etti. Hafif ve akıcı fırça darbeleriyle manzaralar, kuşlar, çiçekler, rahip ve bilge resimleri çizen yetenekli sanatçılar için bir model ve başlangıç ​​noktası oldu. Bu zamanın Japon resmi, çizgi ekonomisi ile karakterizedir; sanatçı, izleyicinin bakışının onu ayrıntılarla doldurmasına izin vererek, tasvir edilen olay örgüsünün özünü çıkarıyor gibi görünüyor. Bu resimlerdeki gri ve parlak siyah mürekkebin geçişleri, yazarlarına ilham veren Zen felsefesine çok yakındır. Bu inanç, Kamakura'nın askeri gücü altında bile hatırı sayılır bir etkiye ulaşmış olsa da, çok sayıda Zen manastırının ortaya çıktığı 15. ve 16. yüzyıllarda hızla yayılmaya devam etti. Esas olarak "kendini kurtarma" fikrini vaaz ederek, kurtuluşu Buda ile ilişkilendirmedi, bunun yerine, onu mutlakla birleştiren ani bir sezgisel "aydınlanma" elde etmek için insanın şiddetli öz disiplinine güvendi. Mürekkebin tutumlu ama cesur kullanımı ve kağıdın boyanmamış bölümlerinin idealize edilmiş manzaraları, bilgeleri ve bilim adamlarını tasvir etmede önemli bir rol oynadığı asimetrik kompozisyon, bu felsefeyle uyumluydu.

Tek renkli mürekkeple resim yapma tarzı olan sumi-e'nin en ünlü savunucularından biri, uzun ve verimli yaşamı kendisine sürekli saygı gösterilmesini sağlayan bir Zen rahibi olan Sesshu'ydu (1420-1506). Hayatının sonunda, net, ekonomik vuruşlar gerektiren olgun tarzın aksine, monokrom resim geleneğini neredeyse soyutlamaya götüren haboku (hızlı mürekkep) stilini kullanmaya başladı.
Kano sanatçı ailesinin faaliyeti ve üsluplarının gelişimi aynı döneme denk gelir. Konu seçimi ve mürekkep kullanımı açısından Çince'ye yakındı, ancak ifade araçları açısından Japonca kaldı. Kano, şogunluğun desteğiyle resmin "resmi" okulu veya sanatsal tarzı haline geldi ve 19. yüzyıla kadar gelişti.

Naif yamato-e geleneği, Japon resminin ikinci önemli yönü olan Tosa okulunun eserlerinde yaşamaya devam etti. Aslında, o zamanlar, her iki okul, Kano ve Tosa yakından ilişkiliydi, modern yaşama olan ilgiyle birleşmişlerdi. Motonobu Kano (1476-1559), biri seçkin sanatçılar Bu dönemde kızını ünlü ressam Tosa ile evlendirmekle kalmamış, onun tarzında resim de yapmıştır.

15-16 yüzyıllarda. sadece birkaç kayda değer heykel eseri vardı. Bununla birlikte, çeşitli ruh halleri ve duygularıyla noo dramasının gelişiminin heykeltıraşlar için yeni bir faaliyet alanı açtığına dikkat edilmelidir - oyuncular için maskeler oydular. Aristokrasi tarafından ve aristokrasi için oynanan klasik Japon dramasında, oyuncular (bir veya daha fazla) maske takardı. Korku, endişe ve kafa karışıklığından ölçülü neşeye kadar bir dizi duygu aktardılar. Bazı maskeler o kadar mükemmel bir şekilde oyulmuştu ki, oyuncunun başını en ufak bir çevirmesi, ifadesinde ince değişikliklere neden oldu. Bu maskelerin dikkat çekici örnekleri, üyeleri için yapıldıkları aileler tarafından yıllarca saklandı.

Momoyama dönemi

(1568-1615). 1593'te büyük askeri diktatör Hideyoshi, kalesini Momoyama, "Şeftali Tepesi" üzerine inşa etti ve Ashikaga şogunluğunun düşüşünden Tokugawa veya Edo döneminin kuruluşuna kadar geçen 47 yıllık dönemi bu adla belirtmek adettendir. , 1615'te. Bu, büyük serveti sanatın gelişmesine katkıda bulunan tamamen yeni bir askeri sınıfın hakimiyet dönemiydi. Büyük seyirci salonları ve uzun koridorları olan etkileyici kaleler, 16. yüzyılın sonunda moda oldu. ve büyüklüklerine uygun süs eşyaları talep ettiler. Sert ve cesur insanların zamanıydı ve yeni patronlar, eski aristokrasinin aksine, entelektüel uğraşlarla veya zanaatkarlığın incelikleriyle pek ilgilenmiyorlardı. Neyse ki, yeni nesil sanatçılar patronlarına göre yaşadılar. Bu dönemde parlak kırmızı, zümrüt, yeşil, mor ve mavi renklerde harika ekranlar ve hareketli paneller ortaya çıktı. Genellikle altın veya gümüş zemin üzerine yapılan bu tür coşkulu renkler ve dekoratif formlar, yüz yıl boyunca çok popülerdi ve yaratıcılarına haklı olarak "büyük dekoratörler" deniyordu. İnce Japon zevki sayesinde, gösterişli tarz bayağılığa dönüşmedi ve kısıtlama ve yetersizlik yerini lüks ve dekoratif aşırılıklara bıraktığında bile Japonlar zarafeti korumayı başardı.

Bu dönemin ilk büyük sanatçılarından biri olan Eitoku Kano (1543-1590), Kano ve Tosa tarzında çalışarak birincisinin çizim anlayışını genişletip ikincisinin renk zenginliğiyle birleştirdi. Eitoku'nun güvenli bir şekilde yazarı olarak tanımlanabileceği yalnızca birkaç eser hayatta kalsa da, Momoyama stilinin kurucularından biri olarak kabul edilir ve bu dönemin sanatçılarının çoğu onun öğrencisiydi veya ondan etkilenmişti.

Edo veya Tokugawa dönemi

(1615-1867). Yeni birleşmiş Japonya'ya gelen uzun barış dönemine ya hükümdarın adından sonra Tokugawa zamanı ya da Edo (modern Tokyo) denir, çünkü 1603'te bu şehir yeni güç merkezi haline geldi. Kısa Momoyama döneminin iki ünlü generali Oda Nobunaga (1534-1582) ve Toyotomi Hideyoshi (1536-1598), askeri harekât ve diplomasi yoluyla, sonunda güçlü klanları ve militan din adamlarını uzlaştırmayı başardı. Hideyoshi'nin 1598'de ölümüyle iktidar, ortaklaşa başlatılan önlemleri tamamlayan Ieyasu Tokugawa'ya (1542-1616) geçti. 1600'deki belirleyici Sekigahara savaşı, Ieyasu'nun konumunu güçlendirdi, 1615'te Oska Kalesi'nin düşüşüne, Hideyoshi evinin nihai çöküşü ve Tokugawa şogunluğunun bölünmemiş yönetiminin kurulması eşlik etti.

Tokugawa'nın barışçıl yönetimi 15 nesil sürdü ve ancak 19. yüzyılda sona erdi. Temelde bir "kapalı kapılar" politikası dönemiydi. 1640 tarihli bir kararname ile yabancıların Japonya'ya girişi yasaklandı ve Japonlar yurt dışına seyahat edemiyordu. Tek ticari ve kültürel bağlantı, Nagazaki limanı üzerinden Hollandalılar ve Çinlilerle oldu. Diğer tecrit dönemlerinde olduğu gibi 17. yüzyılın sonlarında milli duygularda bir yükseliş ve ortaya çıkış olmuştur. sözde tür resim ve gravür okulu.
Hızla büyüyen başkent Edo, ada imparatorluğunun sadece siyasi ve ticari hayatının değil, aynı zamanda sanat ve zanaatın da merkezi haline geldi. Eyalet feodal beyleri olan daimyo'nun her yılın belirli bir döneminde başkentte bulunması gerekliliği, saray binaları da dahil olmak üzere yeni yapılara ve dolayısıyla bunları dekore edecek sanatçılara ihtiyaç doğurmuştur. Eşzamanlı olarak ortaya çıkan zengin ancak aristokrat olmayan bir tüccar sınıfı, sanatçılara yeni ve genellikle profesyonel olmayan bir himaye sağladı.

Erken Edo döneminin sanatı, Momoyama tarzını kısmen devam ettirir ve geliştirir, lüks ve ihtişama yönelik eğilimlerini yoğunlaştırır. Bir önceki dönemden miras kalan tuhaf görüntülerin ve çok renkliliğin zenginliği gelişmeye devam ediyor. Bu dekoratif tarz, 17. yüzyılın son çeyreğinde zirveye ulaşmıştır. sözde. Tokugawa döneminin (1688-1703) Genroku dönemi. Japon dekoratif sanatında, lüks bir yaşam tarzının nitelikleri olan resim, kumaş, cila, sanatsal önemsiz şeylerde renk ve dekoratif motiflerin savurganlığı ve zenginliği ile hiçbir paralelliği yoktur.

Nispeten geç bir tarih döneminden bahsettiğimiz için, birçok sanatçının adının ve eserlerinin korunmuş olması şaşırtıcı değil; burada en öne çıkanlardan sadece birkaçını adlandırmak mümkündür. Momoyama ve Edo dönemlerinde yaşayan ve çalışan dekoratif okulun temsilcileri arasında Honnami Koetsu (1558-1637) ve Nonomura Sotatsu (ö. 1643) bulunmaktadır. Çalışmaları, dikkate değer bir desen, kompozisyon ve renk duygusu sergiliyor. Yetenekli bir seramikçi ve cila sanatçısı olan Koetsu, kaligrafisinin güzelliği ile biliniyordu. Sotatsu ile birlikte o zamanlar moda olan parşömen şiirler yarattılar. Edebiyat, kaligrafi ve resmin bu birleşiminde, imgeler sadece illüstrasyon değildi: metnin algılanmasına uygun bir ruh hali yarattılar ya da önerdiler. Ogata Korin (1658-1716), dekoratif stilin mirasçılarından biriydi ve küçük kardeşi Ogata Kenzan (1663-1743) ile birlikte tekniğini mükemmelleştirdi. Bir sanatçıdan çok bir seramikçi olarak tanınan Kenzan, ünlü ağabeyinin tasarımlarının yazılı olduğu kapları pişirirdi. 19. yüzyılın başlarında bu okulun yeniden canlanması. Şair ve ressam Sakai Hoitsu (1761-1828) tarafından dekoratif tarzdaki son dalgalanma oldu. Horitsu'nun güzel parşömenleri ve ekranları, Korin'in çizim anlayışını Maruyama natüralizminin doğaya olan ilgisini birleştirerek, önceki dönemin renk zenginliği ve dekoratif motiflerini fırça darbelerinin ihtişamı ve inceliğiyle yumuşattı.

Çok renkli dekoratif tarzın yanı sıra, geleneksel Kano okulu mürekkep çizimi popüler olmaya devam etti. 1622'de Kanō Tanyu (1602-1674) saray ressamı olarak shogun'a atandı ve Edo'ya çağrıldı. Bu göreve atanması ve Kobikito'da Kano resim Edo okulunun kurulmasıyla, bu geleneğin yarım asırlık sanatsal liderliği başladı ve bu, Kano ailesinin önemini geri getirdi ve Edo döneminin eserlerini en önemli hale getirdi. Kano resminde önemlidir. Tangyu, "büyük dekoratörler" ve rakipleri tarafından yaratılan altın ve parlak renklerle boyanmış ekranların popülaritesine rağmen, yeteneğinin gücü ve resmi konumu sayesinde, canlanan Kano okulunun resmini soylular arasında popülerleştirmeyi başardı. Tanyu, sert bir kırık çizgiye ve kompozisyon öğelerinin geniş bir serbest yüzey üzerinde iyi düşünülmüş bir düzenlemesine dayanan Kano okulunun geleneksel özelliklerine güç ve basitlik kattı.

18. yüzyılın sonunda doğaya olan ilginin ana özelliği olduğu yeni bir akım hakim olmaya başladı. Yeni okulun başkanı Maruyama Okyo (1733-1795) bir köylüydü, sonra din adamı ve sonunda bir sanatçı oldu. İlk iki ders ona mutluluk ya da başarı getirmedi, ancak bir sanatçı olarak büyük zirvelere ulaştı ve Maruyama gerçekçi okulunun kurucusu olarak kabul edildi. Kano okulunun ustası Ishida Yutei (ö. 1785) ile çalıştı; ithal Hollanda gravürlerine dayanarak, Batı'nın perspektif temsil tekniğini kavradı ve bazen bu gravürleri basitçe kopyaladı. Chen Xuan (1235-1290) ve Shen Nanping'in incelikli ve gerçekçi stili de dahil olmak üzere Song ve Yuan hanedanlarından Çin stilleri üzerinde çalıştı; ikincisi 18. yüzyılın başında Nagasaki'de yaşadı. Okyo, doğadan birçok eser vermiş ve bilimsel gözlemleri, Maruyama okulunun dayandığı doğa algısının temelini oluşturmuştur.

18. yüzyılda natüralizme olan ilginin yanı sıra. Çin sanat geleneğinin yenilenen etkisi. Bu akımın temsilcileri, Çin'deki sanatın mevcut durumuna ilişkin anlayışları muhtemelen sınırlı olsa da, Ming (1368-1644) ve Qing (1644-1912) ressam-bilim adamlarının resim okuluna yöneldiler. Bu Japon okulunun sanatına bujinga (eğitimli insanların sanatı) adı verildi. Bujinga stilinin en etkili ustalarından biri Ikeno Taiga (1723-1776) idi. ünlü artist ve hattat. Olgun tarzı, açık tonlarda ve mürekkeple hafif tüylü vuruşlarla dolu kalın kontur çizgileriyle karakterize edilir; ayrıca rüzgarda ve yağmurda eğilmiş bambu gövdelerini tasvir eden geniş, serbest siyah mürekkep darbeleriyle boyadı. Kısa, kıvrımlı çizgilerle, ormanla çevrili bir gölün üzerindeki puslu dağların görüntüsündeki gravürleri anımsatan bir etki elde etti.
17. yüzyıl Edo döneminin bir başka dikkate değer sanat yönetmenliğini ortaya çıkardı. Bu sözde ukiyo-e (değişen dünyanın resimleri) - sıradan insanlar tarafından ve onlar için yaratılan tür sahneleri. Erken ukiyo-e, eski başkent Kyoto'da ortaya çıktı ve çoğunlukla pitoreskti. Ancak üretimlerinin merkezi kısa süre sonra Edo'ya taşındı ve ustaların dikkati gravürlere odaklandı. Gravür baskının ukiyo-e ile yakın ilişkisi, gravür baskının bu dönemin keşfi olduğu yanılgısına yol açtı; aslında, 11. yüzyılda ortaya çıktı. Bu tür ilk görüntüler, Budizm'in kurucularını ve tanrıları betimleyen doğası gereği adak niteliğindeydi ve Kamakura döneminde, bazı anlatı parşömenleri oyulmuş bloklardan yeniden üretildi. Ancak gravür sanatı özellikle 17. yüzyılın ortalarından 19. yüzyıla kadar olan dönemde popüler oldu.

Ukiyo-e gravürlerinin konuları, gey mahallelerinin güzel fahişeleri, en sevilen aktörler ve dramalardan sahnelerdi. Erken, sözde. ilkel gravürler siyah renkte, güçlü ritmik dalgalı çizgilerle yapıldı ve basit tasarımlarla ayırt edildi. Bazen hardal sarısı ve yeşil işaretlerle tan-e (parlak kırmızı resimler) adı verilen turuncu-kırmızı renkte elle boyanmışlardı. "İlkel" sanatçılardan bazıları, urushu-e (cila boyama) adı verilen, karanlık alanların yapıştırıcı eklenerek zenginleştirildiği ve daha parlak hale getirildiği el resmini kullandılar. 1741 veya 1742'de ortaya çıkan erken bir çok renkli baskıya benizuri-e (kızıl baskı) adı verildi ve genellikle üç renk kullanıldı - gül kırmızısı, yeşil ve bazen sarı. Tüm paleti kullanan ve nishiki-e (brokar resimler) adı verilen gerçekten çok renkli gravürler 1765'te ortaya çıktı.

Bireysel baskılar yaratmanın yanı sıra, oymacıların çoğu kitapları resimledi ve kitaplarda ve parşömenlerde erotik resimler yaparak para kazandı. Ukiyo-e oymacılığının üç tür faaliyetten oluştuğu akılda tutulmalıdır: matbaanın adını taşıyan bir ressamın, bir oymacının ve bir matbaanın işiydi.

Hishikawa Moronobu (c. 1625-1694), ukiyo-e baskıları yaratma geleneğinin kurucusu olarak kabul edilir. Bu akımın diğer "ilkel" sanatçıları, Kiyomasu (1694-1716) ve Kaigetsudo grubu (varlığı belirsizliğini koruyan garip bir sanatçı topluluğu) ve Okumura Masanobu'dur (1686-1764).

Benizuri-e baskıları yaratan geçiş sanatçıları Ishikawa Toyonobu (1711-1785), Torii Kiyohiro (aktif yaklaşık 1751-1760) ve Torii Kiyomitsu (1735-1785) idi.

Suzuki Harunobu'nun (1725-1770) çalışmaları çok renkli gravür çağını açar. Yumuşak, neredeyse nötr renklerle dolu, zarif hanımlar ve cesur aşıkların yaşadığı Harunobu baskıları büyük bir başarıydı. Aynı sıralarda Katsukawa Shunsho (1726-1792), Torii Kienaga (1752-1815) ve Kitagawa Utamaro (1753-1806) onunla çalıştı. Her biri bu türün gelişimine katkıda bulundu; ustalar zarif güzellikleri tasvir eden gravürler getirdiler ve ünlü aktörler Mükemmelliğe. 1794-1795'te birkaç ay içinde, gizemli Tosusai Saraku, o günlerin aktörlerinin şaşırtıcı derecede güçlü ve açıkçası acımasız portrelerini yarattı.

19. yüzyılın ilk on yıllarında bu tür olgunluğa ulaştı ve düşüşe geçti. Katsushika Hokusai (1760-1849) ve Ando Hiroshige (1797-1858), çalışmaları 19. yüzyılda gravür sanatının düşüşünü birbirine bağlayan dönemin en büyük ustalarıdır. ve 20. yüzyılın başındaki yeni canlanması. Her ikisi de modern hayatın olaylarını gravürlerinde sabitleyen manzara ressamlarıydı. Oymacıların ve matbaacıların tekniğindeki parlak ustalık, gravürde tuhaf çizgileri ve batan güneşin veya şafakta yükselen sisin en ufak gölgelerini aktarmayı mümkün kıldı.

Meiji Restorasyonu ve Modern Dönem.

Çoğu zaman, şu veya bu halkın eski sanatının isimler, tarihler ve hayatta kalan eserler açısından zayıf olduğu görülür, bu nedenle herhangi bir yargılama ancak büyük bir dikkatle ve gelenekle yapılabilir. Bununla birlikte, herhangi bir hareketin veya sanatçının ve onun eserinin ölçeğini doğru bir şekilde değerlendirmek için tarihsel bir perspektiften mahrum olduğumuz için, çağdaş sanatı yargılamak daha az zor değil. Japon sanatının incelenmesi bir istisna değildir ve yapılabilecek en fazla şey, çağdaş sanatın bir panoramasını sunmak ve bazı geçici ön sonuçlar çıkarmaktır.

19. yüzyılın ikinci yarısında Japon limanları yeniden ticarete açıldı, siyasi sahnede büyük değişiklikler oldu. 1868'de şogunluk kaldırıldı ve İmparator Meiji'nin saltanatı yeniden sağlandı. İmparatorun resmi başkenti ve ikametgahı Edo'ya taşındı ve şehrin kendisi Tokyo (doğu başkenti) olarak tanındı.

Geçmişte olduğu gibi, ulusal izolasyonun sona ermesi, diğer ulusların başarılarına büyük ilgi yarattı. Bu sırada Japonlar bilim ve teknolojide büyük bir sıçrama yaptı. Sanatsal olarak, Meiji döneminin (1868-1912) başlangıcı, teknoloji de dahil olmak üzere Batılı olan her şeyin kabul edildiğini gösterir. Ancak bu gayret uzun sürmedi ve bunu bir asimilasyon dönemi, yeni biçimlerin ortaya çıkışı, kendi geleneklerine dönüşü ve yeni Batılı eğilimleri birleştiren bir dönem izledi.

Sanatçılar arasında Kano Hogai (1828-1888), Shimomura Kanzan (1873-1916), Takeuchi Seiho (1864-1924) ve Tomioka Tessai (1836-1942) ün kazandı. İlk üçü, ruh hali ve teknikte özgünlük göstermeye çalışsalar da, geleneksel Japon tarzına ve konularına bağlı kaldılar. Örneğin Seihō, Kyoto'nun sakin ve muhafazakar atmosferinde çalıştı. Onun erken eserler Maruyama'nın natüralist tarzında yaratıldı, ancak daha sonra Çin'de yoğun bir şekilde seyahat etti ve Çin mürekkep resminden derinden etkilendi. Müze gezileri ve önde gelen sanat merkezleri Eserlerinde Avrupa da iz bırakmıştır. Bu zamanın tüm önde gelen sanatçıları arasında yalnızca Tomioka Tessai yeni bir tarz geliştirmeye yaklaştı. Enerjik ve güçlü eserlerinde kaba, kıvrımlı, çentikli çizgiler ve siyah mürekkep lekeleri, incelikle yazılmış renk yamalarıyla birleşiyor. Daha sonraki yıllarda, bazı genç yağlı boya ressamları, büyükbabalarının başaramadığı yerde başarılı oldular. Bu olağandışı malzemeyle çalışmaya yönelik ilk girişimler, Paris tuvallerini andırıyordu ve ne özel bir değer ne de özellikle Japon özellikleri ile ayırt edilmiyordu. Bununla birlikte, ayırt edici bir Japon renk ve denge duygusunun soyut temalarla parıldadığı olağanüstü çekici eserler yaratılıyor. Daha doğal ve geleneksel mürekkeple çalışan ve bazen kaligrafiyi başlangıç ​​noktası olarak kullanan diğer sanatçılar, parlak siyahlar ve gri tonlarda enerjik soyut parçalar yaratıyor.

Edo döneminde olduğu gibi, 19. ve 20. yüzyıllarda. heykel popüler değildi. Ancak bu alanda temsilciler modern nesil, Amerika ve Avrupa'da eğitim gördü, büyük bir başarı ile deneyler yaptı. Soyut formda ve garip bir şekilde adlandırılmış küçük bronz heykeller, yumuşak yeşil veya sıcak kahverengi patine kullanımında kendini gösteren Japon çizgi ve renk duygusunu gösteriyor; ahşap oymacılığı, Japonların malzemenin dokusuna olan sevgisine tanıklık ediyor.

Japon "yaratıcı baskısı" Sosaku hanga, 20. yüzyılın ilk on yılında ortaya çıktı, ancak özel bir sanat yönü olarak modern sanatın diğer tüm alanlarını gölgede bıraktı. Bu modern baskı, tam anlamıyla eski ukiyo-e gravürün halefi değildir; tarz, olay örgüsü ve yaratma yöntemleri bakımından farklılık gösterirler. Birçoğu Batı resminden büyük ölçüde etkilenen sanatçılar, kendi eserlerinin önemini anladılar. sanatsal miras ve yaratıcı ideallerini ifade etmek için ahşapta uygun malzeme buldular. Hanga ustaları sadece resim yapmakla kalmaz, aynı zamanda tahta bloklara resimler de oyar ve bunları kendileri basar. Bu sanat formunda ahşap işçiliği en yüksek seviyede olmasına rağmen, tüm modern Batı baskıresim teknikleri kullanılmaktadır. Bazı durumlarda yapraklar, sicim ve "bulunan nesneler" ile denemeler yapmak, benzersiz yüzey dokusu efektleri oluşturmanıza olanak tanır. İlk başta, bu akımın ustaları tanınmaya zorlandılar: Sonuçta, ukiyo-e okulunun en iyi başarıları bile entelektüel sanatçılar tarafından okuma yazma bilmeyen bir kalabalıkla ilişkilendirildi ve pleb sanatı olarak kabul edildi. Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi ve Maekawa Senpan gibi sanatçılar, baskıresme saygıyı yeniden tesis etmek ve onu güzel sanatların değerli bir dalı haline getirmek için çok şey yaptılar. Birçok genç sanatçıyı gruplarına çektiler ve şimdi yüzlerce oymacı var. Japonya'da ve Batı'da tanınan bu kuşağın ustaları arasında Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen ve Saito Kiyoshi bulunmaktadır. Bunlar, yenilikçilikleri ve yadsınamaz yetenekleri, Japonya'nın önde gelen sanatçıları arasında değerli bir konuma sahip olmalarını sağlayan ustalardır. Akranlarının çoğu ve diğer genç hanga sanatçıları da dikkate değer gravürler ürettiler; burada isimlerini zikretmemiz, eserlerinin değerlendirilmesinin düşük olduğu anlamına gelmez.

SANATLAR VE UYGULAMALI SANATLAR, MİMARLIK VE BAHÇELER

Önceki bölümler, çoğu ülkede ana sanat türleri olarak kabul edilen resim ve heykel ile ilgiliydi. görsel Sanatlar. Belki de makalenin sonuna Japon sanatının önemli ve ayrılmaz bir parçası olan dekoratif sanatlar ve halk el sanatları, bahçe sanatı ve mimarlık biçimlerini dahil etmek haksızlık olur. Bununla birlikte, belki de, mimarlık dışında, özel bir değerlendirmeye ihtiyaç duyarlar. genel dönemlendirme Japon sanatı ve stil değişiklikleriyle.

Seramik ve porselen.

Japonya'daki en önemli sanat ve el sanatları seramik ve porselendir. Seramik sanatı doğal olarak iki kategoriye ayrılır. İnce çok renkli Imari, Nabeshima ve Kakiemon porselenleri, adını üretim yerlerinden almıştır ve krem ​​veya mavimsi beyaz bir yüzey üzerindeki zengin tablosu, soylular ve saray çevreleri için tasarlanmıştır. Gerçek porselen yapma süreci Japonya'da 16. yüzyılın sonlarında veya 17. yüzyılın başlarında bilinmeye başlandı; asimetrik veya brokar benzeri bir desene sahip pürüzsüz sırlı tabaklar ve kaseler hem evde hem de Batı'da değerlidir.

Shino, Oribe ve Bizen için tipik olan kilden veya düşük kaliteli taş kütlesinden yapılmış kaba çanak çömlekteki porselenin aksine, dikkat, görünüşte dikkatsiz ama dekoratif unsurların düşünceli düzenlemesi olan malzemeye odaklanmıştır. Zen Budizmi'nin kavramlarından etkilenen bu tür kaplar, entelektüel çevrelerde çok popülerdi ve özellikle çay törenlerinde yaygın olarak kullanılıyordu. Çay seremonisi sanatının nitelikleri olan pek çok fincan, çaydanlık ve kutuda Zen Budizminin özü somutlaştırılmıştı: katı öz disiplin ve katı sadelik. Japon dekoratif sanatının en parlak döneminde, yetenekli sanatçılar Korin ve Kenzan seramik ürünleri süslemekle uğraştılar. Unutulmamalıdır ki Kenzan'ın ünü bir ressam olarak değil, daha çok bir seramikçi olarak yeteneğiyle ilişkilidir. Kap yapmak için daha basit tip ve tekniklerden bazıları halk zanaatı geleneklerinden gelmektedir. Eski gelenekleri sürdüren modern atölyeler, zarif sadeliği ile keyif veren güzel ürünler üretiyor.

Lake ürünler.

Zaten 7-8 yüzyıllarda. vernik Japonya'da biliniyordu. Bu zamandan beri insan resimleri ve geometrik motiflerle süslenmiş, ince altın çizgilerle uygulanan tabut kapakları korunmuştur. 8. ve 9. yüzyıllarda kuru cila tekniğinin heykel için öneminden daha önce bahsetmiştik; aynı zamanda ve sonrasında mektup kutusu veya tütsü kutusu gibi dekoratif objeler yapılmıştır. Edo döneminde bu ürünler bol miktarda ve en görkemli süslemelerle yapılmıştır. Kahvaltı, kek, tütsü ve ilaç için inro adı verilen lüks bir şekilde dekore edilmiş kutular, bu zamanın doğasında var olan zenginliği ve lüks sevgisini yansıtıyordu. Nesnelerin yüzeyi, altın ve gümüş tozu desenleri, tek başına veya kabuk kakmalarla birlikte altın varak parçaları, sedef, kalay ve kurşun alaşımı vb. ile süslenmiştir; bu desenler lake kırmızı, siyah veya kahverengi yüzeyle tezat oluşturuyordu. Bazen Korin ve Koetsu gibi sanatçılar lak tasarımları yapmışlardır ancak bu çalışmalara bizzat katılmaları pek olası değildir.

Kılıçlar.

Japonlar, daha önce de söylendiği gibi, tarihlerinin önemli bir döneminde savaşçı bir halk olmuştur; silahlar ve zırh, nüfusun büyük bir kısmı için temel öğeler olarak görülüyordu. Kılıç, bir adamın gururuydu; hem bıçağın kendisi hem de kılıcın diğer tüm kısımları, özellikle sapı (tsuba) çeşitli tekniklerle süslenmiştir. Demir veya bronzdan yapılmış tsuba, altın ve gümüş kakmalarla süslenmiş, oyulmuş veya her ikisiyle de süslenmiştir. Manzaraları veya insan figürlerini, çiçekleri veya aile armalarını (mon) tasvir ettiler. Bütün bunlar kılıç yapımcılarının çalışmalarını tamamladı.

kumaşlar.

Zenginlik ve bolluk zamanlarında saray ve din adamları tarafından tercih edilen zengin desenli ipekler ve diğer kumaşların yanı sıra halk sanatının neredeyse ilkel tasarım özelliğine sahip düz kumaşlar da ulusal Japon yeteneğinin ifadeleridir. Zengin Genroku döneminde zirveye ulaşan tekstil sanatı, modern Japonya'da yeniden gelişti. Batı'dan fikirleri ve yapay elyafları geleneksel renkler ve dekoratif motiflerle birleştirir.

bahçeler

Son yıllarda, Batı halkının bu sanat formlarına daha fazla maruz kalması nedeniyle Japon bahçelerine ve mimarisine olan ilgi arttı. Japonya'da bahçelerin özel bir yeri vardır; yüksek dini ve felsefi hakikatlerin ifadesi ve simgesidirler ve bu belirsiz, sembolik imalar, bahçelerin görünen güzelliği ile birleşerek Batı dünyasının ilgisini çekmektedir. Dini ya da felsefi fikirlerin birbirine bağlı olduğu söylenemez. Asıl sebep bahçeler yaratmak, ancak bir bahçe planlarken ve yaratırken, planlamacı, tefekkürü izleyiciyi çeşitli felsefi gerçekler üzerinde düşünmeye sevk edecek bu tür unsurları dikkate aldı. Burada, Zen Budizm'in tefekkür yönü, bir grup olağandışı taş, tırmıklanmış kum ve çakıl dalgaları, çim ile birleştirilmiş veya arkalarındaki akıntı kaybolacak ve yeniden görünecek şekilde düzenlenmiş bitkilerde somutlaştırılmıştır ve bunların tümü, izleyiciyi bağımsız olarak tamamlamaya teşvik eder. inşaat bahçe fikirleri sırasında ortaya konan. Anlaşılır açıklamalar yerine muğlak ipuçlarının tercih edilmesi Zen felsefesinin karakteristiğidir. Artık Batı'da popüler olan cüce bonsai ağaçları ve küçük saksı bahçeleri bu fikirlerin devamı haline geldi.

Mimari.

Ana mimari anıtlar Japonya tapınaklar, manastır kompleksleri, feodal kaleler ve saraylardır. Antik çağlardan günümüze ahşap, ana yapı malzemesi olmuştur ve büyük ölçüde tasarım özelliklerini belirlemektedir. En eski dini binalar, ulusal Japon dini Şinto'nun türbeleridir; Metinlere ve çizimlere bakılırsa, eski konutlar gibi sazdan çatılı nispeten basit binalardı. Budizm'in yayılmasından sonra inşa edilen ve onunla ilişkilendirilen tapınak binaları, stil ve düzen açısından Çin prototiplerine dayanıyordu. Budist tapınağı mimarisi zamanla değişmiş, binaların dekoru ve düzeni farklı mezheplerde değişiklik göstermiştir. Japon binaları, yüksek çatılı büyük salonlar ve karmaşık bir konsol sistemi ile karakterize edilir ve dekorları, zamanlarının zevkini yansıtır. 7. yüzyılın başlarında Nara yakınlarında inşa edilen Horyu-ji kompleksinin sade ve görkemli mimarisi, Uji'nin Lotus Gölü'ne yansıyan "Phoenix Salonu" Hoodo'nun oranlarının güzelliği ve zarafeti kadar Asuka döneminin karakteristiğidir. , Heian dönemine aittir. Edo döneminin daha ayrıntılı yapıları, hendekli şatoların ve feodal sarayların içini süsleyen aynı "büyük dekoratörler" tarafından yapılan zengin boyalı sürgülü kapılar ve paravanlar şeklinde ek süslemeler aldı.

Japonya'nın mimarisi ve bahçeleri o kadar yakından ilişkilidir ki, birbirlerinin parçaları olarak kabul edilebilirler. Bu özellikle çay töreni için binalar ve bahçeli evler için geçerlidir. Açıklıkları, sadelikleri ve özenle hazırlanmış peyzaj ve perspektif bağlantıları, üzerinde büyük bir etkiye sahiptir. Modern mimari Batı.

JAPON SANATININ BATI'DAKİ ETKİSİ

Sadece bir yüzyıl içinde, Japon sanatı Batı'da tanındı ve üzerinde önemli bir etkisi oldu. Daha önce de temaslar vardı (örneğin, Hollandalılar Nagasaki limanı üzerinden Japonya ile ticaret yaptı), ancak 17. yüzyılda Avrupa'ya ulaşan nesneler esas olarak uygulamalı sanat eserleriydi - porselen ve lake eşya. Merak olarak hevesle toplandılar ve çeşitli şekillerde kopyalandılar, ancak bu dekoratif ihracat, Japon sanatının özünü ve kalitesini yansıtmadı ve hatta Japonlara Batı zevki hakkında kötü bir fikir verdi.

Batı resmi, Avrupa'da ilk kez 1862'de Londra'daki büyük Uluslararası Sergi sırasında Japon sanatının doğrudan etkisini yaşadı. Beş yıl sonra Paris Fuarı'nda tanıtılan Japon tahta baskıları yeniden ilgi uyandırdı. Birkaç özel gravür koleksiyonu hemen ortaya çıktı. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh ve diğerleri, Japon renkli baskılarını bir vahiy olarak aldılar; Japon baskı sanatının Empresyonistler üzerinde hafif ama her zaman fark edilebilir bir etkisi sıklıkla not edilir. Amerikalı Whistler ve Mary Cassatt, ukiyo-e baskılarının ve tablolarının çizgi kısıtlaması ve parlak renklerinden etkilenmişlerdi.

1868'de Japonya'nın yabancılara açılması, Batılı olan her şeye karşı bir hayranlık uyandırdı ve Japonları kendi zengin kültür ve sanatsal mirasından uzaklaştırdı. Bu dönemde birçok güzel tablo ve heykel satıldı ve Batı müzelerinde ve özel koleksiyonlarda yer aldı. Bu öğelerin sergilenmesi, Batı'yı Japonya'ya tanıttı ve Uzak Doğu'ya seyahat etme konusunda ilgi uyandırdı. Kuşkusuz, II. Dünya Savaşı'nın sonunda Japonya'nın Amerikan birlikleri tarafından işgali, Japon tapınaklarını ve hazinelerini tanımak ve daha derinlemesine incelemek için eskisinden daha fazla fırsat açtı. Bu ilgi Amerikan müzelerinin katılımına da yansıdı. Genel olarak Doğu'ya olan ilgi, Japon kamu ve özel koleksiyonlarından seçilen ve Amerika ve Avrupa'ya getirilen Japon sanatı sergilerinin düzenlenmesinden kaynaklandı.

Bilimsel araştırma son on yıl Japon sanatının Çin sanatının yalnızca bir yansıması olduğu fikrini çürütmek için çok şey yaptı ve bu konuda çok sayıda Japon yayını ingilizce dili Batı'yı Doğu'nun idealleriyle tanıştırdı.

Modern Japon sanat sahnesi tamamen küreselleşmiş gibi görünüyor. Sanatçılar Tokyo ve New York arasında seyahat ediyor, neredeyse tamamı Avrupa veya Amerika eğitimi almış, çalışmaları hakkında uluslararası sanat İngilizcesinde konuşuyorlar. Ancak, bu resim tam olmaktan uzak.

Ulusal biçimler ve eğilimler, Japonya'nın dünya sanatsal fikir ve eser pazarına sunabileceği en çok aranan mallardan biri haline geldi.

uçak operasyonu. Superflat, Amerikan inek kültürünü ve geleneksel Japon resmini nasıl birleştiriyor?

Takashi Murakami. "Tang Tan Bo"

Batı dünyasında hemen hemen herkes için (belki de en ateşli postmodern teorisyenler hariç) yüksek kültür ile kitle kültürü arasındaki sınır sorunlu da olsa hala geçerliyse, o zaman Japonya'da bu dünyalar tamamen karışıktır.

Bunun bir örneği, dünyanın en iyi galerilerindeki sergileri ve canlı yayını başarıyla birleştiren Takashi Murakami'dir.

Murakami sergisi turunun kaydı "Hafif bir yağmur olacak"

Ancak Murakami'nin popüler kültürle ilişkisi - ve Japonya için bu öncelikle manga ve anime hayranlarının (otaku) kültürüdür - daha karmaşıktır. Filozof Hiroki Azuma, otaku anlayışını otantik bir Japon fenomeni olarak eleştiriyor. Otaku, kendilerini 17-19. Yüzyılların Edo döneminin gelenekleriyle - izolasyonizm çağı ve modernleşmenin reddi - doğrudan bağlantılı olarak görüyor. Azuma, manga, animasyon, grafik romanlar, bilgisayar oyunlarına dayanan otaku hareketinin ancak savaş sonrası Amerikan işgali bağlamında Amerikan kültürünün ithal edilmesinin bir sonucu olarak ortaya çıkmış olabileceğini savunuyor. Murakami ve takipçilerinin sanatı, otaku'yu pop art teknikleriyle yeniden icat ediyor ve geleneğin özgünlüğüne dair milliyetçi mitini çürütüyor. "Japonlaşmış Amerikan kültürünün yeniden Amerikanlaşmasını" temsil ediyor.

Sanatsal bir bakış açısından, süper düz, erken dönem Japon ukiyo-e resmine en yakın olanıdır. Bu geleneğin en ünlü eseri, Katsushika Hokusai'nin (1823–1831) yazdığı The Great Wave Off Kanagawa baskısıdır.

Batı modernizmi için Japon resminin keşfi bir dönüm noktasıydı. Resmi bir düzlem olarak görmeyi mümkün kıldı ve onun bu özelliğini aşmaya değil, onunla çalışmaya çalıştı.

Katsushiki Hokusai. "Kanagawa'daki Büyük Dalga"

Performansın öncüleri. 1950'lerin Japon sanatı bugün ne anlama geliyor?

Akira Kanayama ve Kazuo Shiraga'nın yaratıcı sürecinin belgelenmesi

Superflat sadece 2000'li yıllarda şekillendi. Ancak dünya sanatı için önemli olan sanatsal eylemler Japonya'da çok daha önce - ve hatta Batı'dakinden daha önce başladı.

Sanatta performatif dönüş, geçen yüzyılın 60'lı ve 70'li yıllarının başında gerçekleşti. Japonya'da performans ellili yıllarda ortaya çıktı.

Gutai Group, ilk kez kendi kendine yeten nesnelerin yaratılmasından üretim sürecine odaklandı. Buradan - geçici bir olay lehine sanat nesnesinin terk edilmesine bir adım.

Gutai'den bireysel sanatçılar (ve yirmi yılda 59 tane vardı) uluslararası bağlamda aktif olarak var olmalarına rağmen, genel olarak Japon savaş sonrası sanatının kolektif faaliyetlerinin Batı'da oldukça yakın bir zamanda nasıl başladığını anlamak. Patlama 2013'te New York ve Los Angeles, Tokyo 1955-1970: MoMA'daki Yeni Avant-Garde ve Guggenheim Müzesi'ndeki devasa tarihi retrospektif Gutai: Splendid Playground'daki küçük galerilerdeki birkaç sergiyle geldi. Japon sanatının Moskova ithalatı, bu eğilimin neredeyse gecikmiş bir devamı gibi görünüyor.

Sadamasa Motonaga. Guggenheim Müzesi'nde İş (Su)

Bu retrospektif sergilerin ne kadar modern göründüğü dikkat çekicidir. Örneğin, Guggenheim Müzesi'ndeki serginin ana amacı, Sadamasa Motonaga tarafından, müze rotunda seviyelerinin renkli suyla polietilen borularla birbirine bağlandığı İşin (Su) yeniden inşasıdır. Tuvalden koparılmış fırça darbelerini andırıyorlar ve Gutai'nin "somutluk" (grubun adının Japoncadan tercüme edildiği şekliyle) ve sanatçının çalıştığı nesnelerin maddiliği üzerindeki merkezi odağının bir örneğini oluşturuyorlar.

Gutai'nin pek çok üyesi klasik nihonga resmiyle ilgili bir eğitim aldı, birçoğu biyografik olarak Zen Budizminin dini bağlamına, karakteristik Japon kaligrafisine bağlı. Hepsi eski geleneklere yeni, prosedürel veya katılımcı bir yaklaşım buldu. Kazuo Shiraga, Rauschenberg karşıtı monokromlarını ayaklarıyla nasıl çizdiğini videoya kaydetti ve hatta halka açık tablolar yaptı.

Minoru Yoshida, Japon baskılarından çiçekleri psychedelic nesnelere dönüştürdü - bunun bir örneği, dünyadaki ilk kinetik (hareket eden) heykellerden biri olan Biseksüel Çiçek'tir.

Guggenheim Müzesi'ndeki serginin küratörleri, bu eserlerin siyasi öneminden bahsediyor:

"Gutai, onlarca yıl boyunca militarist bir hükümetin kritik bir nüfuz kitlesi kazanmasına, Çin'i işgal etmesine ve sonra Dünya Savaşı'na katılın."

İyi ve bilge. Sanatçılar Neden 1960'larda Amerika'ya Gitmek İçin Japonya'dan Ayrıldı?

Gutai, savaş sonrası Japonya'daki kuralın istisnasıydı. Avangard gruplar marjinal kaldı, sanat dünyası kesinlikle hiyerarşikti. Tanınmanın ana yolu, tanınmış klasik sanatçı dernekleri tarafından düzenlenen yarışmalara katılmaktı. Bu nedenle, birçoğu Batı'ya gitmeyi ve İngilizce sanat sistemine entegre olmayı tercih etti.

Özellikle kadınlar için zordu. İlerici Gutai'de bile varlıklarının payı beşte birine bile ulaşmadı. Erişim için gerekli olan geleneksel kurumlar hakkında ne söyleyebiliriz? özel Eğitim. Altmışlı yıllara gelindiğinde, kızlar zaten sanat öğrenme hakkını elde etmişlerdi (eğer bu, beceri setinin bir parçası olan dekoratif bir şey değilse). ryosai kenbo- iyi bir eş ve bilge bir anne), sosyal olarak hoş karşılanmayan bir meslekti.

Yoko Ono. kesilmiş parça

Beş güçlü Japon kadın sanatçının Tokyo'dan Amerika Birleşik Devletleri'ne göçünün öyküsü, Midori Yoshimoto'nun "Into Performance: Japanese Women Artists in New York" adlı çalışmasına konu oldu. Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi ve Shigeko Kubota kariyerlerinin başlangıcında New York'a gitmeye karar verdiler ve orada Japon sanatının geleneklerinin modernizasyonu da dahil olmak üzere çalıştılar. ABD'de yalnızca Yoko Ono büyüdü - ancak 1962-1964'teki kısa kalışı sırasında Tokyo'nun sanatsal hiyerarşisinden hayal kırıklığına uğradığı için Japonya'ya dönmeyi de kasıtlı olarak reddetti.

Ono, yalnızca John Lennon'ın karısı olarak değil, aynı zamanda kadın bedeninin nesneleştirilmesine adanmış proto-feminist performansların yazarı olarak beşi arasında en ünlüsü oldu. Seyircinin sanatçının kıyafetlerinden parçalar kesebildiği Cut Piece It ile "performansın büyükannesi" Marina Abramović'in "Rhythm 0" adlı eseri arasında bariz paralellikler var.

Kısa bacaklarda. Yazarın oyunculuk eğitiminden Tadashi Suzuki nasıl geçilir?

Ono ve Gutai örneğinde, yazarlardan ayrılan çalışmalarının yöntemleri ve temaları uluslararası düzeyde önem kazandı. Başka ihracat biçimleri de vardır - sanatçının çalışmaları uluslararası arenada ilgiyle algılandığında, ancak özgünlüğü nedeniyle asıl yöntemin ödünç alınması gerçekleşmez. En çarpıcı örnek ise Tadashi Suzuki'nin oyunculuk eğitim sistemi.

Suzuki Tiyatrosu Rusya'da bile seviliyor ve bu şaşırtıcı değil. Son kez 2016'da Euripides'in metinlerinden uyarlanan Truvalı Kadınlar performansıyla aramızdaydı ve 2000'li yıllarda Shakespeare ve Çehov'un yapımlarıyla birkaç kez geldi. Suzuki, oyunların eylemini mevcut Japon bağlamına aktardı ve metinlerin açık olmayan yorumlarını sundu: İvanov'da anti-Semitizmi keşfetti ve bunu Japonların Çinlilere karşı küçümseyici tavrıyla karşılaştırdı, Kral Lear'ın eylemini aktardı. bir japon akıl hastanesi.

Suzuki, sistemini Rus tiyatro okuluna karşı inşa etti. İÇİNDE geç XIX yüzyılda, sözde Meiji döneminde, modernleşen emperyal Japonya, muhalefet hareketlerinin yükselişini yaşadı. Sonuç, daha önce aşırı derecede kapalı bir kültürün geniş çaplı bir batılılaşmasıydı. İthal edilen formlar arasında, hala Japonya'da (ve Rusya'da) ana yönetmenlik yöntemlerinden biri olan Stanislavsky sistemi vardı.

suzuki egzersizleri

Altmışlarda, Suzuki kariyerine başladığında, Japon aktörlerin vücut özelliklerinden dolayı o zamanki repertuarı dolduran Batılı metinlerdeki rollere alışamadıkları tezi giderek daha fazla yayılıyordu. Genç yönetmen en inandırıcı alternatifi sunmayı başardı.

Suzuki'nin bacak grameri adı verilen egzersiz sistemi, oturmak için düzinelerce yol ve hatta ayakta durmak ve yürümek için daha fazlasını içerir.

Oyuncuları genellikle yalınayak oynarlar ve ağırlık merkezini alçaltarak, yere mümkün olduğunca sıkı bir şekilde bağlı, ağır görünürler. Suzuki onlara ve yabancı sanatçılara tekniğini Toga köyünde, modern ekipmanlarla dolu eski Japon evlerinde öğretiyor. Topluluğu yılda sadece yaklaşık 70 performans veriyor ve geri kalan zamanını neredeyse köyden ayrılmadan ve kişisel işlere hiç vakti olmadan yaşıyor - sadece çalışıyor.

Toga Center 1970'lerde ortaya çıktı ve yönetmenin isteği üzerine dünyaca ünlü mimar Arata Isozaka tarafından tasarlandı. Suzuki'nin sistemi ataerkil ve muhafazakar görünebilir, ancak kendisi Toga'dan modern ademi merkeziyetçilik terimleriyle bahsediyor. 2000'li yılların ortalarında bile Suzuki, başkentten bölgelere sanat ihraç etmenin ve yerel üretim noktaları düzenlemenin önemini anladı. Yönetmene göre, Japonya'nın tiyatro haritası birçok açıdan Rus tekine benziyor - sanat Tokyo'da ve birkaç küçük merkezde yoğunlaşıyor. Rus tiyatrosu, düzenli olarak küçük kasabalarda turneye çıkan ve başkentten uzakta bulunan bir şirketten de faydalanacaktır.

Toga'daki SCOT Şirket Merkezi

Çiçek yolları. Modern tiyatro noh ve kabuki sistemlerinde hangi kaynağı keşfetti?

Suzuki yöntemi iki eski Japon geleneğinden - ama aynı zamanda kabuki'den - doğar. Sadece bu tür tiyatrolar genellikle yürüme sanatı olarak nitelendirilmekle kalmaz, aynı zamanda daha belirgin ayrıntılarla da karakterize edilir. Suzuki genellikle erkekler tarafından tüm rollerin performansıyla ilgili kuralı takip eder, örneğin kabuki örneğinin hanamichi'si ("çiçeklerin yolu") gibi karakteristik mekansal çözümler kullanır - sahneden oditoryumun derinliklerine uzanan bir platform. Ayrıca çiçekler ve parşömenler gibi oldukça tanınabilir sembollerden yararlanır.

Tabii ki, içinde küresel dünya Japonların ulusal biçimlerini kullanma ayrıcalığı söz konusu değildir.

Zamanımızın en önemli yönetmenlerinden biri olan Amerikalı Robert Wilson'ın tiyatrosu, ancak'dan ödünç alınarak inşa edildi.

Yalnızca Japonya'nın kitlesel izleyicisini hatırlatan maskeler ve makyaj kullanmakla kalmıyor, aynı zamanda hareketin maksimum yavaşlamasına ve jestin kendi kendine yeterli ifadesine dayalı oyunculuk biçimlerini de ödünç alıyor. Geleneksel ve ritüel formları ultra modern ışık skorları ve minimalist müzikle birleştiren Wilson (Wilson'ın en ünlü eserlerinden biri, Philip Glass'ın Einstein on the Beach operasının bir prodüksiyonudur), esasen modern sanatın çoğunun çabaladığı köken ve alaka sentezini üretir. .

Robert Wilson. "Sahilde Einstein"

Modern dansın temel direklerinden biri olan noh ve kabuki'den, karanlığın dansı - butoh, kelimenin tam anlamıyla tercüme edildi - büyüdü. 1959'da koreograflar Kazuo Ono ve aynı zamanda düşük bir ağırlık merkezi ve ayaklara odaklanma üzerine çalışan Tatsumi Hijikata tarafından icat edilen butoh, travmatik savaş deneyimlerinin yansımalarını bedensel boyuta taşımakla ilgiliydi.

“Vücudu hasta, çökmekte olan, hatta canavarca, canavarca gösterdiler.<…>Hareketler ya yavaş ya da kasıtlı olarak keskin, patlayıcı. Bunun için, hareket iskeletin kemik kaldıraçları nedeniyle ana kasları içermiyormuş gibi yapıldığında özel bir teknik kullanılır” dans tarihçisi Irina Sirotkina butoh'u vücudun kurtuluş tarihine yazar, bağlar bale normatifliğinden ayrılma ile. Butoh'u 20. yüzyılın başlarındaki dansçıların ve koreografların uygulamalarıyla karşılaştırır - Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, daha sonraki "postmodern" dans üzerindeki etkiden bahseder.

Butoh geleneğinin modern halefi olan Katsura Kana'nın dansından bir parça

Bugün, orijinal haliyle butoh artık avangart bir uygulama değil, tarihsel bir yeniden yapılanmadır.

Ancak Ohno, Hijikata ve takipçileri tarafından geliştirilen hareket sözlüğü, çağdaş koreograflar. Batı'da Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky ve hatta The Weekend'in "Belong To The World" klibinde bile kullanılıyor. Japonya'da butoh geleneğinin halefi, örneğin Ekim ayında Rusya'ya gelecek olan Saburo Teshigawara'dır. Karanlığın dansıyla paralellikleri kendisi inkar etse de, eleştirmenler oldukça tanınabilir işaretler buluyor: görünüşte kemiksiz bir vücut, kırılganlık, sessiz adım. Doğru, zaten postmodernist koreografi bağlamına yerleştirildiler - yüksek temposu, koşuları, post endüstriyel gürültülü müzikle çalışmaları.

Saburo Teshigawara. metamorfoz

Yerel olarak küresel. Çağdaş Japon sanatı Batı sanatına nasıl benzer?

Teshigawara ve meslektaşlarının birçoğunun çalışmaları, Batı'nın en iyi çağdaş dans festivallerinin programlarına organik olarak uyuyor. Japon tiyatrosunun en büyük yıllık gösterisi olan Festival / Tokyo'da gösterilen performansların ve performansların açıklamalarına göz atarsanız, Avrupa trendlerinden temel farklılıkları fark etmek zor olacaktır.

Ana temalardan biri bölgeye özgüdür - Japon sanatçılar, gökdelen şeklindeki kapitalizm yığınlarından otaku yoğunluğunun marjinal alanlarına kadar Tokyo'nun alanlarını keşfederler.

Başka bir tema, nesiller arası yanlış anlaşılmanın incelenmesi, farklı yaşlardan insanların canlı buluşma ve organize iletişim yeri olarak tiyatrodur. Toshika Okada ve Akira Tanayama tarafından kendisine adanan projeler, birkaç yıl üst üste Avrupa'nın en önemli performans sanatları festivallerinden biri için Viyana'ya getirildi. 2000'li yılların sonunda belgesel materyallerin ve kişisel hikayelerin sahneye aktarılmasında yeni bir şey yoktu, ancak Viyana Festivali'nin küratörü bu projeleri bir başkasıyla canlı, noktadan noktaya iletişim fırsatı olarak halka sundu. kültür.

Diğer bir ana hat, travmatik deneyim üzerinde çalışmaktır. Japonlar için Gulag veya Holokost ile değil, Hiroşima ve Nagazaki'nin bombalanmasıyla ilişkilendirilir. Tiyatro sürekli olarak ona atıfta bulunur, ancak tüm modern Japon kültürünün doğuş anı olarak atomik patlamalar hakkındaki en güçlü ifade hala Takashi Murakami'ye aittir.

“Little Boy: The Arts of Japan’s Patlayan Alt Kültür” sergisine

“Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture”, 2005 yılında New York'ta sergilenen küratörlüğünü yaptığı projesinin adıdır. "Küçük Oğlan" - Rusça'da "bebek" - 1945'te Japonya'ya atılan bombalardan birinin adı. Önde gelen çizerlerden yüzlerce manga çizgi romanı, özgün eski oyuncaklar, Godzilla'dan Hello Kitty'ye kadar ünlü animelerden ilham alan ürünler toplayan Murakami, müze alanında sevimliliğin - kawaii - yoğunluğunun sınırlarını zorladı. Aynı zamanda, patlamaların, çıplak toprağın ve yıkılan şehirlerin resimlerinin merkezi görüntüler haline geldiği bir animasyon seçkisi başlattı.

Bu karşıtlık, Japon kültürünün travma sonrası stres bozukluğuyla başa çıkmanın bir yolu olarak çocuksulaştırılmasına ilişkin ilk büyük ifadeydi.

Şimdi bu sonuç zaten açık görünüyor. Inuhiko Yomota'nın akademik bir kawaii çalışması bunun üzerine inşa edilmiştir.

Daha sonra travmatik tetikleyiciler de vardır. En önemlilerinden - 11 Mart 2011 olayları, Fukuşima nükleer santralinde büyük bir kazaya yol açan deprem ve tsunami. Festival/Tokyo-2018'de altı performanstan oluşan programın tamamı, doğal ve teknolojik bir felaketin sonuçlarını anlamaya ayrıldı; Solyanka'da sunulan eserlerden birinin teması oldular. Bu örnek, Batı ve Japon sanatı tarafından kullanılan eleştirel yöntemlerin cephaneliğinin temelde farklı olmadığını açıkça göstermektedir. Haruyuki Ishii, depremle ilgili televizyon programlarından yüksek hızlı kurgulanmış ve döngüsel görüntüler arasında geçiş yapan üç televizyon setinden oluşan bir enstalasyon yaratıyor.

Küratörler, "Çalışma, sanatçının gördüğü her şeyin artık kurgu olarak algılanmadığı ana kadar her gün haberlerde izlediği 111 videodan oluşuyor" diye açıklıyor. Yeni Japonya, sanatın ulusal mitlere dayalı yoruma nasıl direnmediğinin etkileyici bir örneğidir, ancak aynı zamanda eleştirel bir bakış, aynı yorumun herhangi bir kökenden gelen sanat için geçerli olabileceğini ortaya koymaktadır. Küratörler, Lao Tzu'dan alıntılar yaparak Japon geleneğinin temeli olarak tefekkürden bahsediyorlar. Aynı zamanda, neredeyse tüm çağdaş sanatın (serginin adıyla) “gözlemci etkisine” odaklandığı parantezleri dışarıda bırakır gibi - ister tanıdık fenomenlerin algılanması için yeni bağlamlar yaratma biçiminde, ister yükseltme şeklinde olsun. yeterli algı olasılığı sorunu.

Hayali Topluluklar - video sanatçısı Haruyuki Ishii'nin başka bir çalışması

oyun

Bununla birlikte, 2010'ların Japonya'sının bir ilericilik yoğunluğu olduğu düşünülmemelidir.

Eski güzel gelenekçiliğin alışkanlıkları ve oryantalist egzotizm sevgisi henüz ortadan kalkmadı. "The Theatre of Virgins", Rus muhafazakar dergisi "PTJ"de Japon tiyatrosu "Takarazuka" hakkında oldukça beğenilen bir makalenin başlığıdır. Takarazuka, 19. yüzyılın sonunda, yanlışlıkla özel bir demiryolunun terminali haline gelen, aynı adı taşıyan uzak bir şehre turist çekmek için bir iş projesi olarak ortaya çıktı. Demiryolunun sahibine göre erkek seyircileri şehre çekmesi gereken tiyatroda sadece evli olmayan kızlar oynuyor. Bugün Takarazuka, kendi TV kanalı, yoğun bir konser programı ve hatta yerel bir eğlence parkı ile bir endüstri işlevi görüyor. Ama yine de sadece evli olmayan kızların toplulukta yer alma hakkı var - en azından bekaretini kontrol etmediklerini umalım.

Ancak Takarazuka, Japonların tiyatro olarak da adlandırdığı Kyoto'daki Toji Deluxe kulübünün yanında sönük kalıyor. Şuna göre kesinlikle vahşi görünüyorlar: Tanım New Yorker köşe yazarı Ian Buruma, striptiz gösterisi: sahnedeki birkaç çıplak kız, üreme organlarının gösterisini halka açık bir ritüele dönüştürüyor.

birçokları gibi sanatsal uygulamalar, bu gösteri eski efsanelere dayanmaktadır (bir mum ve bir büyüteç yardımıyla, izleyicilerden erkekler sırayla "ana tanrıça Amaterasu'nun sırlarını" keşfedebilirler) ve yazarın kendisine noh geleneği hatırlatılmıştır. .

Takarazuki ve Toji için Batılı analogları aramayı okuyucuya bırakacağız - onları bulmak zor değil. Sadece modern sanatın önemli bir bölümünün, süper düz danstan butoh dansına kadar hem Batılı hem de Japon olmak üzere bu tür baskı uygulamalarıyla tam olarak mücadele etmeye yönelik olduğunu not ediyoruz.

Japonya, çok çeşitli gelenek ve görenekleriyle tanınan çok ilginç bir devlettir. Yükselen Güneş Ülkesinin coğrafi konumu, Avrupa ülkelerini dikkate almadan gelişmesi sayesinde onu diğer devletlerden bir şekilde izole etti. Japonya kültürü son derece zengin ve çeşitlidir. Tuhaf Japon gelenekleri, tarihin etkisi altında şekillendi. önemli olaylar. Yavaş yavaş Japonya, karakteristik özelliklere ve nüfusun belirli bir zihniyetine sahip güçlü, uyumlu bir devlete dönüştü.

Japon kültürünün ana yönleri

Ülkenin kültürü toplumun birçok alanında kendini gösterir. Japonya'da yönleri;

Japonlar için çay içme süreci, vücudun fizyolojik ihtiyaçlarının basit bir tatmini değil, gerçek bir külttür. Japonya'daki çay törenine özel nitelikler eşlik eder ve birçok gelenek içerir. Görünüşe göre günlük sürece karşı böylesine saygılı bir tutum, gelişimini Budist rahiplerin meditasyonundan aldı. Çay içme sürecine bu kadar önem veren onlardı.

Avrupalılar için "kimono" kavramı Japonya'nın ulusal kıyafetlerini karakterize ediyor. Bununla birlikte, Yükselen Güneş Ülkesinde, bu kelimenin iki anlamı vardır - dar ve geniş anlamda. Japonya'da "kimono" kelimesi sadece ulusal kostümü değil, genel olarak tüm kıyafetleri ifade eder. Kimono altında kural olarak özel bir bornoz ve yedi kemer giyilir. Yaz aylarında giyilen kimonoya yukata denir. Kadının yaşına göre kıyafet modeli de değişiklik gösterebilmektedir.

Japonya'da aynı anda iki dini hareket başarıyla vaaz ediliyor - Şintoizm ve Budizm. Şintoizm eski Japonya'da ortaya çıktı, çeşitli yaratıklara tapınmaya dayanıyor. Budizm de çeşitli türlere ayrılmıştır. Japonya'da Budizm'in şu ya da bu akımını destekleyen birçok okul var.

Japonya kültüründe kaya bahçeleri özel bir öneme sahiptir. Sadece turistlerin ilgisini çeken mimari bir eser değil, aynı zamanda bir mekandır. manevi büyüme. Burada Japonlar, özel bir düzende bulunan taş yapıların tefekküründen aydınlanma buluyor. Kaya bahçeleri, yalnızca aydınlanmış bir kişinin çözebileceği belirli bir plan içerir.

Tango no sekku, erkeklerin onuruna yapılan bir kutlamadır. Sadece tüm küçük erkek temsilcilere değil, aynı zamanda tüm Japon halkının erkekliğine ve gücüne adanmıştır. Tatili, doğanın uyandığı ve güzelliğiyle mutlu olduğu ilkbaharda kutlamak gelenekseldir. Tango no sekku gününde çocuklara ebeveynleri bakar. Baba, oğluna tüm Japon savaşçıları ve onların kahramanlıklarını anlatmalıdır. Ve annesi ona lezzetli yemeklerle sofrayı kurar.

Kiraz çiçeği en güzel doğa olayı olarak kabul edilir. Pek çok turist, çiçekli bir bitkinin tefekkürünün tadını çıkarmak için buraya gelir. İlkbaharda, Japonya'nın parklarında büyük bir insan kalabalığı gözlemlenebilir. Birçok aile pikniğe gider ve Japon kiraz ağacının güzelliğini seyreder.

Yaylar, ülkenin kendine özgü geleneklerine atfedilebilir. Görgü kurallarını temsil ederler. Japonların veda etmesi alışılmış bir şey değildir, bunun yerine muhatabın yaptığı kadar çok kez eğilirler.

Samuray, gelenek ve göreneklerin etkisi altında gelişen belirli bir toplum sınıfını temsil eder. Ülke kültürü ile doğrudan bağlantısı vardır. Samuray, hem askeri, hem güvenlik hem de hane halkı olabilen belirli bir hizmeti yerine getiren savaşçılardır. Bu vakaların herhangi birinde samuray, Japon halkının cesaretini, erkekliğini ve asaletini kişileştirir.

Eski Japonya kültürünün oluşum süreci

Eski Japonya kültürü, Japon dilinin ve yazısının doğuşuyla gelişmeye başladı. Doğan güneşin ülkesi bunun temelini Çin'den ödünç aldı. Japonca yazı ayrıca yabancı bir vatandaşın anlayamayacağı hiyeroglifler içerir. Zamanla Japon diline yeni kelimeler, sesler ve deyimler eklenmeye başlandı. Yani tamamen değişti, ancak ortak özelliklerÇin ile hala izlenebilir.

Ülkenin dindarlığı da çok eski çağlardan gelmektedir. Şintoizm, çeşitli mitolojilerin gelişiminin bir sonucuydu. Açık şu an bu öğreti, liderler ve ölü insanlar kültünü teşvik eder. Budizm ise o kadar derin köklere sahiptir ki, bilim adamlarının ve tarihçilerin bu din türünün ortaya çıkışı hakkındaki görüşleri büyük farklılıklar göstermektedir.

Japon sanatı

Japonya'da uygulanan hemen hemen tüm sanat türleri tek bir ana fikir taşır - sakinlik ve rahatlama. Bilginin sunulma şekli ne olursa olsun, sanatı içeren tam da insanın kendisiyle uyumudur. Tüm dünyada bilinen birçok sanat formu Japonya'da gelişmeye başladı. Bunların arasında origami ayırt edilebilir - çeşitli şekilleri kağıttan katlama yeteneği.

Bir diğer popüler kısım Japon sanatı ikebana oldu. Bu, özel bir teknoloji kullanarak çiçek demetleri oluşturma becerisidir. Buradan, bonsai adı verilen eşit derecede popüler bir etkinlik geldi. Bu, cüce ağaçlardan çeşitli kompozisyonların yaratılmasıdır. Tokyo'dan çok uzak olmayan Omiya'da koca bir Bonsai parkı var. Burada sunulan her cüce ağaç, kendine göre benzersiz ve güzeldir.

Her resim gizli bir anlam taşıdığı için Japonya resimleri özel bir önemi hak edecek. Tasarım olarak kural olarak parlak renkler, zıt geçişler ve net çizgiler kullanılır. Japonya'da hat sanatı da var. Bu, estetik açıdan güzel hiyeroglif yazma becerisidir. Uygulamalı sanat da Japonya'da yaygındır. Tokyo'da bu zanaata adanmış bütün bir müze var. Burada kağıt, cam veya metalden yapılmış ürünleri görebilirsiniz. Ve bu, bu amaçla kullanılan malzemelerin tam listesi değildir.

Japon tarzı iç tasarım da özel ilgiyi hak ediyor. Performansın özgünlüğü ile birlikte işlevsellik ve basitliği içerir. Buna ek olarak, iç tasarım, diğer Japon sanatı biçimleri gibi dini bir felsefe taşır.

Japon mimarisi

Japonya'daki mimari yapılar şu ya da bu şekilde din ile ilişkilendirilir. İlk başta tapınak binaları, çoğu zaman çiçeklerden yoksundu. Bu, inşaatta boyasız ahşap kullanılmasından kaynaklanıyordu. Daha sonra kırmızı ve mavi tonları kullanmaya başladılar.

Japonya'daki mimari yapıların ana malzemesi ahşap olarak kabul edilir. Bunun nedeni, hisse senedi bu kaynakülkede yeterince büyük. Ağacın ısıyı iyi iletmesi ve nemi emmesinin yanı sıra Japonya'da oldukça sık meydana gelen depremler sırasında da pratiktir. Yıkıldıktan sonra bir taş evin yeniden yaratılması çok zorsa, ahşap bir ev çok daha kolaydır.

Japonya mimarisindeki ana özellik, geometrik şekillerin bile varlığıdır. Çoğu zaman bunlar üçgenler ve dikdörtgenlerdir. Çizgilerin pürüzsüzlüğü ve yuvarlaklığını herhangi bir yapıda karşılamak neredeyse imkansızdır. Japonların evlerini donattığı temel ilke, evin içinin ve dışının ayrılmaz varlığıdır. Bu, Japon bahçeleri için geçerlidir. Evin kendisiyle tamamen aynı tarzda dekore edilmelidirler. Aksi takdirde, kötü tat ve tam kötü tat olarak kabul edilir. Japonlar bahçelerine özel önem verirler.

Japon müziği

Müzikal gelişim açısından Japonya, herhangi bir şeyi kullanarak diğer ülkelere baktı. müzik Enstrümanları. Ancak daha sonra yerel zevklerin ve geleneklerin etkisiyle onları modernize etti. Japonya'da klasik müziğin oluşumundaki ilk etki, yabancı etkilerle karışan ve şu anda Japonya'ya aşina olan müziğe yol açan yerel Dengaku folkloruydu.

Konunun dini yönü de müzikal kökene katkıda bulundu. Hristiyanlık sayesinde org çalmak yaygınlaşmaya başladı. Ve Budizm flüt çalmayı teşvik etti.

Şu anda, klasik müzik Japonya'da popülerlik kazanmıştır. Bu yaratıcılık hücresinin birçok üyesi Japonya dışına seyahat ediyor. Bunlar arasında Goto Midori, Ozawa Seiji ve Uchida Mitsuko bulunur. Nispeten yakın bir zamanda, Japonya'da rahat bir şekilde klasik müzik dinlemek için tasarlanmış salonlar açıldı. Bunlar arasında Kiyo Hall, Osaka Symphony Hall, Orchard vb.

Japonya'nın ev gelenekleri

Japonlar, gelenek ve göreneklerini koruyan, iyi huylu bir halktır. Japonya'da kendinize ve başkalarına saygı norm olarak kabul edilir. Çocukluktan itibaren çocuklara görgü kuralları öğretilir, onlara Japon halkının temel değerleri açıklanır ve mümkün olan her şekilde aydınlatılır. Ve hepsi toplumun yararına. Doğan Güneş Ülkesine başka bir ülkeden gelen herhangi bir turist, Japonların ne kadar cana yakın, arkadaş canlısı ve görgülü olduğuna şaşırır.

Avrupa ülkelerinin aksine, Japonya'da halka açık yerlerde sigara içme yasağı uzun süredir var. Bu aynı zamanda özel mülkiyet için de geçerlidir. Diğer kişilerin yanında sigara içilmesine ancak izin vermeleri halinde izin verilir.

Diğer şeylerin yanı sıra Japonlar, toplumun kendilerine dikte ettiği tüm hijyen kurallarına kesinlikle uyuyorlar. Örneğin dini yapılar da dahil olmak üzere herhangi bir odada özel hasır halılar bulunmaktadır. Ayakkabılarla üzerlerinde yürüyemezsiniz, sadece iç dekorasyon olarak değil, aynı zamanda gerçek bir saygısızlık olarak kabul edilirler. Ayrıca Japonlar, tuvaletten ayaklarına getirdikleri olası bakterilerden kendilerini korumaya karar verdiler. Herhangi bir halka açık yerde ve apartman dairelerinde, tuvalet için zararlı mikropların diğer odalara geçmesine izin vermeyen özel terlikler bulunmaktadır.

Japonlar için yemek yemek bir yaşam süreci değil, gerçek bir kült olarak kabul edilir. Japonlar yemek yemeden önce ellerini her zaman oshibori adı verilen suya batırılmış özel bir havluyla silerler. Tablo ayarı rastgele değil, özel bir şemaya göre gerçekleşir. Hatta her cihazın kendi yeri vardır. Japonlar onları erkek ve dişi olarak ayırır ve bu onlar için çok önemlidir. Japonya'da kaşık sadece Yeni Yıl için hazırlanan o-zon çorbası yemek için kullanılırken, Japonlar diğer ilk yemekleri sadece özel kaselerden içmeyi tercih ediyor. Ayrıca yemek yerken dudaklarını şapırdatmak kötü bir davranış sayılmaz. Bu şekilde yemeğin lezzetinin daha iyi ortaya çıktığına inanılır.

Japonya'da iyi formun önemi, aşağıdaki kuralların varlığıyla kanıtlanmıştır:

• Toplantının yeri ve saatini önceden görüşmek gerekir. Japonya'da geç kalmak küstahlık ve terbiye sınırlarının ötesinde kabul edilir.
• Muhatabın sözünü kesemezsiniz, kişinin konuşmasını sabırla beklemeniz ve ardından fikrini açıklamaya başlamanız gerekir.
• Yanlış numarayı ararsanız, özür dilemeniz gerekir.
• Birisi yardımınıza geldiyse, kesinlikle ona teşekkür etmelisiniz.
• Japonların bazı konukları onursal sayılabilir. Hatta onlar için masada, kural olarak girişten odaya en uç nokta olan özel bir yer ayırırlar.
• Japonlara hediye verilirken her ne olursa olsun mütevazi davranıldığı için özür dilemek gerekir. Kurallar bunlar, onları çiğnememelisin.
• Yemek masasında oturan erkekler bacak bacak üstüne atabilirken, kadınların bunu yapması kesinlikle yasaktır. Bacaklar sıkıştırılmalı ve bir yöne işaret edilmelidir.

Ayrıca, Japonya'nın yaşamındaki gelenekler, yaştaki insanlara saygı gösterilmesini içerir. Bir insanın mesleği, kazancı, dış görünüşü, karakter özellikleri ne olursa olsun, eğer yaşı büyükse ona saygı gösterilmesi gerekir. Japonya'da yaşlılık saygı ve gurur uyandırır. Bu, kişinin uzun bir yol kat ettiği ve şimdi onurlandırılmayı hak ettiği anlamına gelir.

Siteye yardım edin: Düğmeleri tıklayın

Merhaba, sevgili okuyucular bilgi ve gerçeği arayanlar!

Bugün sizi güzelliğe dokunmaya ve Eski Japonya'nın sanatı hakkında konuşmaya davet ediyoruz. Aşağıdaki yazıda, Japon sanatının oluşumunu etkileyen tarihin aşamalarını kısaca gözden geçireceğiz ve ardından her bir bileşeni üzerinde daha ayrıntılı olarak duracağız. Sadece mimari, resim gibi geleneksel türlerin özelliklerini değil, aynı zamanda dövüş sanatı, minyatürler, tiyatro, parklar ve çok daha fazlasını öğreneceksiniz.

Bu nedenle, makale ilginç ve en önemlisi - bilgilendirici olmayı vaat ediyor!

Tarihsel dönemler

Yükselen Güneş Ülkesi, geleneksel orijinal binalarda ve tapınaklarda, tablolarda, heykellerde, dekorasyonlarda, bahçelerde, edebi eserlerde somutlaşan eşsiz bir kültüre sahiptir. Son yüzyıllarda gravür, şiir, origami, bonsai, ikebana ve hatta manga ve anime gibi önemsiz olmayan alanlar popülerlik kazanıyor. Hepsi antik çağda kök salmış uzun bir süre şekillendi.

Geçen yüzyılın başına kadar bu zaman hakkında çok az şey biliniyordu, çünkü Japonya dünyanın geri kalanına oldukça kapalı bir ülkeydi. Ancak o zamandan beri çok sayıda çalışma yapıldı ve arkeolojik kazılar şaşırtıcı bulgulara sahip. Zaten MÖ 2. binyılda kültürel bir Japon toplumu olduğunu ve 15-12 bin yıl önce adalarda ilkel kabilelerin yaşadığını gösteriyorlar.

Japon kültürü MÖ 4. binyıl civarında şekillenmeye başladı, ancak Orta Çağ'da - 6. yüzyıldan 18. yüzyıla kadar olan dönemde - zirvesine ulaştı.

Antik Japon tarihi, tarihöncesi çağlarda başlar ve 8-9. Bu bağlamda, sırayla daha küçük dönemlere ayrılan üç ana aşama ayırt edilir veya cidai. Her biri, yeni ürünlerin, yapıların, stillerin ortaya çıkmasıyla karakterize edilir.

1. ilkel komünal sistem

Japonya'daki ilkel toplum, Jomon ve Yayoi döneminde olduğu kadar, ilk taş aletlerin ortaya çıktığı Neolitik çağda da vardı. Jōmon'un MÖ 10. binyıldan 4. yüzyıla kadar sürdüğüne inanılıyor. Sonra tüm çağla aynı adı taşıyan ilk seramikler ortaya çıkmaya başladı - jomon.

Jōmon toprak kap

Bu kaplar asimetrik bir şekle sahipti ve bükülmüş bir halat şeklinde geleneksel süslemelere sahipti. Çeşitli ayin ve ayinlerde kullanıldıklarına inanılmaktadır. Aynı zamanda, çeşitli mücevher türleri ortaya çıktı - kilden yapılmış küpeler, bilezikler ve kolyeler, hayvan dişleri, deniz kabukları, kayalar, kristal.

Jomon döneminden kil küpeler ve bilezikler

MÖ 3. yüzyılda, altı yüzyıl süren Yayoi dönemi başladı. Daha sonra yerliler pirinç mahsulü yetiştirmeyi öğrendiler, tarıma başladılar, seramik sanatında ustalaşmaya devam ettiler ve ayrıca en önemlisi demir olan metalleri eritmeye, bakırdan silahlar ve bronzdan çanlar yapmaya başladılar.

Dotaku bronz çanı, Yayoi döneminin sonu

• Devletin oluşumu Japon devleti 4. yüzyıldan 8. yüzyıla kadar şekillenmeye başladı. Bu dönem Kofun ve Yamato dönemleri olarak bilinir. Sonra ülkede bütün bir mezar höyüğü ağı ortaya çıktı ve Japonya'nın kendisi, kaçınılmaz olarak dini - ve onunla birlikte - mimariyi, heykeli benimseyerek Göksel İmparatorluğa yaklaşmaya başladı.Dönemin en önemli binası, temsil edilen Horyu-ji'dir. beş katlı bir pagoda. Höyüklerin yanına “haniva” adı verilen kilden yapılmış özel heykeller yapılmaya başlandı.

Horyu-ji, Japonya

• Kanunların oluşturulması Bu aşama, Nara (VIII. Yüzyıl) ve Heian (VIII-XII. Yüzyılların sonları) dönemlerine denk gelir. O anda Japonlar komşularına daha da yakınlaşıyorlar - Çinliler ve Koreliler, Budist kavramının yanı sıra Konfüçyüsçü ve Taocu kavramları da ödünç alıyorlar, metal işleme tekniklerini, inşaat yöntemlerini ve bina tasarımını, resimdeki yeni trendleri benimsiyorlar. özellikle değişen - basit Şinto tapınaklarının yerini Hintlilere benzer katmanlı Budist stupaları alıyor. Sıradan insanların konutlarında, zeminde çıplak toprak yerine ahşap kalaslar ve üstte selvi çatılar belirdi.

Japonya'daki Nara döneminin tasviri

Daha sonraki bir zamandan bahsedersek, o zaman birkaç dönemi ve bunların ana kültürel özelliklerini ayırt edebiliriz:

• Karakum (XII-XIV yüzyıl) - samuray ve dövüş sanatlarının ortaya çıkışı;
• Sengoku ve Jidai (XV-XVI yüzyıllar) - Hıristiyanlığın ve Batı kültürel eğilimlerinin Yükselen Güneş Ülkesine bile nüfuz ettiği, Avrupa'nın Doğu dünyasına yayılma zamanı;
• Edo (XVII-XIX yüzyıllar) - Japonya'nın izolasyonu ve kültürel kimliğin gelişimi ile karakterize edilen ünlü Tokugawa ailesinin gücü.

Daha sonra olan her şey zaten Yeni zaman ve modernite ve şimdi, şüphesiz, nispeten kapalı Japonya'da bile, kesin bir şey var. kültürel küreselleşme- Batılı ustaların deneyimi benimseniyor ve Batı'da da Japon motifleri moda oluyor. Ancak Japon sanatının her zaman özel bir tadı, kendine has özellikleri olmuştur.

Sadelik, insanla orantılılık, özlülük, doğal malzemeler, doğa ile birlik - hem eski hem de modern Japon şaheserlerini bu şekilde karakterize edebilirsiniz.

Tablo

Japonya bildiğiniz gibi uzun süre ayrı durdu, sınırları diğer ülkelere kapatıldı. 7. yüzyılın gelişiyle birlikte Japonlar, kıta dünyasıyla bağlar kurmak için komşularıyla giderek daha sık iletişim kurmaya başladıklarında, boyaları, parşömenleri, mürekkebi ve onlarla birlikte güzel sanatları keşfettiler.

İlk başta, son derece basit ve özlüydü: siyah veya beyaz kağıt üzerine, genellikle üç renkten biri olan sarı, yeşil veya kırmızı basit görüntüler yapıldı. Bununla birlikte, yerel ressamların becerileri yavaş yavaş arttı ve büyük ölçüde Buda'nın öğretilerinin yayılması nedeniyle, Öğretmen ve öğrencilerinin hayatından giderek daha fazla resim yaratıldı.

Eski Japonya'da Budist temalı resimler

9. yüzyılda Japonya, Çin'den bağımsız olan kendi resim dalını çoktan oluşturmuştu. Aynı zamanda Budizm'in rolü zayıflamaya başladı ve dini motiflerin yerini, özellikle Tokugawa ailesinin hükümdarlığı döneminde popüler olan sözde laik, yani laik motifler aldı.

Tokugawa hanedanının şogunları

Japonların resim olarak adlandırdığı Kaiga, tamamen farklı biçimler ve tarzlar aldı ve doğa içinde önemli bir yer aldı. O zamandan beri resim kendini yeni biçimlerde gösterdi:

• Yamato-e, ressamların ana okuludur. 9.-10. yüzyıllarda ortaya çıktı ve imparatorun altındaki Sanat Akademisi tarafından desteklendi. Eserler, tasvir edilen rulo parşömenlerdi. edebi araziler yetenekli kaligrafi ile birleştiğinde. İki ana parşömen türü vardı: emakimono - birçok metre uzunluğunda, yatay olarak katlanmış ve genellikle masada görülüyor ve kakimono - dikey olarak katlanmış ve duvara asılmış. Genellikle yamato-e tarzında parlak bir şekilde ipek veya kağıt boyanırdı, ancak daha sonra seramik tabaklar, ulusal giysiler, yelpazeler, duvarlar ve ekranlar tuval olarak giderek daha fazla kullanıldı. Ruh halinin aktarılmasına özellikle dikkat edildi.
• Sumi-e - XIV.Yüzyılda bağımsız bir tarz olarak kuruldu. Özellikleri sulu boya ve siyah beyaz renklerin kullanılmasıdır.
• Portreler - XIII-XIV yüzyıllarda popüler oldu.
• Manzara - XIV-XV yüzyıllarda, büyük ölçüde tefekkür ve doğa ile birlik fikrine dayanan Zen Budizminin ülke çapında yayılması nedeniyle popülerlik kazandı.
• Ukiyo-e, panolarda karakteristik parlak bir tablodur. 17. yüzyılda ortaya çıktı ve doğa resimleri, ünlü Japon geyşaları veya Kabuki tiyatro sanatçıları içeriyordu. Bir asır sonra bu akım o kadar popüler oldu ki Avrupalıların bile kalbini kazandı - bu tarzı kendi eserlerinde uygulamaya başladılar.

Geleneksel Ukiyo-e baskısı

mimari yön

Başlangıçta, Japon mimarisi eski geleneksel evlerin - haniwa - inşasına indirgendi. 4. yüzyıldan önce yaratıldılar ve görünüşleri, bugüne kadar hayatta kalmadıkları için yalnızca hayatta kalan minyatür kil modeller ve çizimlerle değerlendirilebilir.

Burada sıradan insanların hayatı ve hayatı geçti. Bunlar, yukarıdan bir saman gölgelik ile kaplı orijinal sığınaklardı. Özel ahşap çerçevelerle desteklenmiştir.

Daha sonra, tahıl ambarlarının bir benzeri olan takayuka ortaya çıktı. Ayrıca mahsulü doğal afetlerden ve zararlılardan korumayı mümkün kılan özel destek kirişlerinden oluşuyordu.

Aynı sıralarda, I-III yüzyıllarda, antik Şinto dininin tapınakları, doğanın güçlerini koruyan tanrıların onuruna görünmeye başladı. Çoğunlukla işlenmemiş ve boyanmamış selviden yapılmışlardı ve özlü bir dikdörtgen şekle sahiptiler.

Sazdan veya çam çatısı beşikti ve yapıların kendileri pavyonlarla çevrili sütunlar üzerine inşa edilmişti. Şinto mabetlerinin bir diğer karakteristik özelliği de girişin önündeki U şeklindeki kapıdır.

Şinto'da bir yenileme yasası vardır: her yirmi yılda bir tapınak yıkılır ve neredeyse tamamen aynı, ancak aynı yere yeni inşa edilir.

Bu türden en ünlü tapınağa Ise denir. İlk olarak 1. binyılın başında inşa edilmiş ve geleneğe göre sürekli yeniden inşa edilmiştir. Ise, birbirinden biraz uzakta bulunan iki benzer kompleksten oluşur: birincisi güneşin güçlerine, ikincisi doğurganlık tanrısına adanmıştır.

6. yüzyıldan itibaren Çin ve Kore'den gelen Budist öğretileri ve onunla birlikte Budist tapınakları inşa etme ilkeleri Yükselen Güneş Ülkesinde yayılmaya başladı. İlk başta Çin kopyalarını temsil ettiler, ancak daha sonra tapınak mimarisinde özel, gerçek bir Japon tarzı izlenmeye başlandı.

Yapılar, sanki doğayla bütünleşiyormuş gibi asimetrik olarak inşa edildi. Formların özlü ve netliği, taş bir temel ile birleştirilmiş ahşap bir çerçeve, birkaç katlı pagodalar, çok parlak renkler - o zamanın kutsal alanlarını ayıran şey budur.

Birçoğu bu güne kadar hayatta kaldı. Mimari anıtlar arasında, ünlü Altın Tapınak ve diğer 40 bina ile 7. yüzyılın başından kalma Horyu-ji, hala dünyanın en büyük ahşap yapısı olarak kabul edilen Nara şehrinde 8. yüzyılın ortalarından kalma Todai-ji bulunmaktadır. gezegen. Aynı zamanda Budist mimarisi, Öğretmen'in hayatından tanrıları ve motifleri tasvir eden heykel ve resim ile yakından iç içe geçmiştir.

Todai-ji tapınağı

12-13. Yüzyılların başında eyalette feodalizm başladı ve bu nedenle ihtişamıyla ayırt edilen Shinden tarzı popüler oldu. Başında sadelik ve biraz samimiyet olan sein stiliyle değiştirildi: duvarlar yerine neredeyse ağırlıksız perdeler, yerde paspaslar ve tatami var.

Aynı zamanda yerel feodal beylerin sarayları-tapınakları da ortaya çıkmaya başladı. Bu tür yapıların şaheserleri, 14. yüzyıldan kalma ünlü Kinkaku-ji veya Altın Köşk ile Gümüş Tapınak olarak da bilinen 15. yüzyıldan kalma Ginkaku-ji'dir.

Ginkakuji Tapınağı (Altın Köşk)

XIV-XV yüzyıllarda saraylar-tapınaklarla birlikte bahçecilik sanatı ortaya çıkmaya başlamıştır. Birçok yönden görünüşü, Zen'in tefekkür öğretilerinin Japonya'ya nüfuz etmesinden kaynaklanmaktadır. Bahçeler, ana bileşenlerin sadece bitkiler, çiçekler değil, aynı zamanda su elementini simgeleyen taşlar, su ve kum ve çakıl höyükleri olduğu tapınaklar ve büyük konutlar etrafında görünmeye başladı.

Eşsiz Kyoto şehri tüm dünyada ünlüdür.

Diğer bir bahçe türü de “tyaniva” adı verilen çay bahçesidir. Özel, sakin bir törenin yapıldığı çay evini çevreliyor ve tüm bahçeden eve özel bir yol geçiyor. Orta Çağ'da ortaya çıkan çekme, bugün her yerde bulunur.

heykel yönü

Antik Japonya'da heykel, çoğunlukla dini ve ritüel geleneklerle ilişkilendirilir. Ayrıca III-V yüzyıllar insanlar doğu adı verilen küçük figürler yapmayı öğrendiler.

Doğu, insanları, hayvanları tasvir etti ve höyüklerde bulundukları göz önüne alındığında, ölülerle birlikte mezara kondukları sonucuna varabiliriz - bunlar, sonraki dünyada faydalı olabilecek hizmetkarlarıydı. Doğu kil, bronz, ahşap, lake figürlerdi. Daha sonra, höyüklerin ve Şinto tapınaklarının yakınında daha büyük tanrı heykelleri de yaratıldı.

doğu heykelcik

Budizm'in ülkeye gelişi elbette yerel heykeltıraşlığı etkiledi. Buda'ya ait çok sayıda anıt 6-7. Yüzyıllarda ortaya çıkmaya başladı. Çinli ve Koreli ustaların ardından yerel heykeltıraşlar yolculuklarına başladı.

9. yüzyılda heykel yönü daha da gelişmeye başladı, ancak Budaların görünümü değişti ve birkaç bine kadar yüzleri ve elleri olmaya başladı. Çoğu zaman güçlü ahşap türleri, vernik, bronz, kilden yapılmıştır.

Birçok güzel anıt günümüze ulaşmıştır. Örneğin, Haryu-ji tapınağında, bir nilüfer çiçeğinin üzerinde görkemli bir Buda figürü oturur ve Todai-ji'de, heykeltıraşlar Kaikei ve Unkei tarafından yaratılan 16 metrelik bir Buda'nın başkanlık ettiği bütün bir tanrılar topluluğu vardır. .

Diğer çeşitler

Japon sanatı çok yönlüdür ve bunun hakkında saatlerce konuşabilirsiniz. Antik çağda ortaya çıkan diğer birkaç sanat türünden bahsedelim.

• Kaligrafi

Buna "bildirim yolu" anlamına gelen sedo denir. Japonya'da kaligrafi, Çinlilerden ödünç alınan güzel hiyeroglifler sayesinde ortaya çıktı. Birçok modern okulda zorunlu ders olarak kabul edilir.

• haiku veya haiku

Haiku, 14. yüzyılda ortaya çıkan özel bir Japon lirik şiiridir. Şairin adı "haijin"dir.

• Japon kağıt katlama sanatı

Bu isim "katlanmış kağıt" olarak tercüme edilir. Orta Krallık'tan gelen origami, aslen ritüellerde kullanıldı ve soylular için bir uğraştı, ancak son zamanlarda tüm dünyaya yayıldı.

tarihi Sanat japonya'da origami

• İkebana

Çevirideki kelime "yaşayan çiçekler" anlamına gelir. Origami gibi, başlangıçta ritüellerde kullanılıyordu.

• Minyatürler

En yaygın iki minyatür türü bonsai ve netsuke'dir. Bonsai, gerçek ağaçların büyük ölçüde küçültülmüş kopyalarıdır. Netsuke, 18.-19. yüzyıllarda ortaya çıkan tılsım gibi küçük heykelciklerdir.

• Dövüş sanatları

Öncelikle samuray - bir tür şövalyelik, ninja - suikastçılar-paralı askerler, bushido - savaşçılar ile ilişkilendirilirler.

• tiyatro sanatı

En ünlü tiyatro, tüm Japonların gururu klasik Kabuki tiyatrosudur. Japonya'daki tiyatro sanatı hakkında daha fazla bilgi edinebilirsiniz.

Japonya'da Kabuki tiyatrosu

Çözüm

Makaleden de görebileceğimiz gibi, Japonya, yalnızca ulusal değil, aynı zamanda küresel ölçekte de bir sanat başyapıtları hazinesidir. Çağımızdan çok önce başlayan eski zamanlardan beri Japonlar etrafta güzel şeyler yaratmaya ve yaratmaya başladı: resimler, binalar, heykeller, şiirler, parklar, minyatürler - ve bu tüm liste değil.

İlginç bir şekilde, yerleşik özellikler Japon Kültürü antik çağın, zamanımızın kreasyonlarında izlenebilir - bu basitlik, özlülük, doğallık, doğa ile uyum arzusudur.

İlginiz için çok teşekkür ederim sevgili okuyucular! Umarız bugün Japonya gibi gizemli ve uzak bir ülke hakkında çok şey öğrenmişsinizdir. Bize katılın - yorum bırakın, makalelerin bağlantılarını arkadaşlarınızla paylaşın - keşfetmekten çok mutlu olacağız gizemli dünya Doğu seninle!

Yakında görüşürüz!