Мистецтво японії. Японське мистецтво

Хімедзі - один із найдавніших замків Японії.

Мистецтво Японії найдавнішого періоду
Японська культура складалася та розвивалася у особливих природних та історичних умовах. Японія розташована на чотирьох великих і багатьох дрібних островах, що омиваються морями. Перебуваючи на самому краю сходу, вона зазнавала періодичного посилення, потім знову загасаючого впливу таких материкових культур, як Китай і Корея. Періоди взаємодії із зовнішнім світом змінювалися в японській історії довгими століттями культурної ізоляції (періоди з X по XIV та з XVII по сер. XIX ст.). Остання обставина сприяла напрацюванню та закріпленню багатьох унікальних рис японської культури загалом та мистецтва зокрема. Знайомство з культурою Заходу відбулося XVI в., коли основні риси самобутньої японської цивілізації вже сформувалися. До 1854 Японія здійснювала торгівлю з Китаєм і Голландією тільки через один порт.

Від найдавніших мешканців Японських островів - мисливців і рибалок - дійшли виявлені в результаті археологічних розкопок Кам'яні сокири, гарпуни, наконечники стріл і виліплені від руки керамічні судини, що отримали назву через відбитий на них візерунок "Демон", що означає "слід мотузки". Тому культуру неоліту у Японії також називають Демон. Переселенці, які прибували з Сибіру, ​​з Полінезії, а пізніше з Кореї та Китаю, стояли на різних щаблях. культурного розвитку. Це пояснює те, що в одних культурних прошарках виявляються пам'ятники як неолітичної епохи, так і епохи бронзи. Мова японців близька до мов алтайської групи. Коли в результаті контактів з китайською культурою японці познайомилися з китайською ієрогліфічною писемністю, виявилося дуже важко пристосувати китайську ієрогліфіку для передачі усного японського мовлення.

Початковий період культури Японії, про який збереглися достовірні дані, називається епохою кофунів (курганів) - поховань, наземна частина яких представляла земляний насип характерної форми - поєднання кола та трапеції, що нагадує замкову щілину, що символізувало союз землі та води. Вони були значних розмірів, їх оточував подвійний рів з водою, поверх кургану росла трава, а по внутрішньому периметру насипу розташовувалися порожнисті глиняні фігурки людей, тварин, моделі човнів та будинків заввишки від 30 см до півтора метра. Вони називалися "ханіва". Усередині похоронної комори розташовувалися труни з померлими представниками знаті, куди поміщали ритуальні предмети: дзеркало, дзвін «дотаку», чиє звучання мало відлякувати злих духів і залучати богів - покровителів землеробів. У похованнях царів Ямато обов'язково були такі ритуальні символи влади, як нефритові підвіски і мечі. Для звеличення царів роду Ямато було встановлено початок історії, визначено ієрархію богів, виділено божество Аматерасу («З небес сяюча»), яке передало владу над японськими островами царям з клану Ямато. Назва «Ніппон» або «Ніхон», що означає «країна сонця, що сходить», з'явилося в VII ст. У 608 р. почалися поїздки для навчання до Китаю, які тривали протягом двох з лишком століть.

Дотаку - ритуальні бронзові дзвони - звужені до верху циліндри, увінчані широкими петлями з фігурними виступами, стінки яких розділені на квадрати, заповнені графічними зображеннями

Різнорідні вірування японців, яких дуже багато рис первісного анімізму і фетишизму, відбилися у Синто. Сінто («шлях богів») за своєю суттю відображає уявлення японців про загальну одухотвореність природи. Численна безліч так званих «камі» (духи) існує як у нерукотворних ландшафтних об'єктах, таких, як озеро Біва і гора Фудзі, так і в створених людьми предметах – мечах, дзеркалах, наділених через це магічними властивостями. Синтоїстський храм відрізняла простота дерев'яної конструкції: на палях містилося однозальне приміщення, з усіх боків оточене верандою. Усередині синтоїстського храму було напівтемно і порожньо. Віруючі не заходили до храму.

Період Пара (645-794 рр. І.Е.)

Нара - найменування першої столиці та єдиного на той час міста Японії. Це був час утвердження японської державності, запровадження буддизму та створення пам'яток буддійського мистецтва – храмів, пагод, різноманітних статуй буддійських божеств. Буддизм у період був й не так вірою народу, скільки продовженням політики двору. Різні секти буддизму грали дуже значну роль при дворі, земельні володіння буддійських монастирів зростали, ченці мали великий вплив при дворі. З'являються буддійські монастирі, що є групами дерев'яних будівель, розташованих на обнесеній стінами прямокутній ділянці. Особливого значення набули широка алея, що йде до парадних воріт, площа перед храмом, видима здалеку багатоярусна пагода. Дерев'яні храми були забарвлені червоним лаком, піднесені на кам'яних фундаментах, мали широкі вигнуті подвійні дахи - іримоя.

Серед ранніх буддистських храмів - Асукадера, Хорюдзі, будівництво останнього було розпочато в 607 р. за велінням правлячого тоді наслідного принца Сетоку Тайсі. Монастир складався з 53 будівель, розміщених на площі 90 тис. кв. м. Фасадом храм звернений на південь, основні споруди розміщені на осі північ – південь, сакральна зона – північ, там розташовувався зал для проповідей – кодо, кондо та п'ятиярусна пагода. У Хорюдзі знаходилося 265 статуй, головним скульптурним зображенням була трійця Шакьямуні, представлена ​​скульптурою засновника віровчення, що супроводжується двома бодхісаттвами. У VIII ст. при великих монастирях вже були майстерні скульпторів. Поширився культ бодхісаттви Каннон, чиє ім'я було перекладом санскритського імені Авалокітешвара (що слухає звуки світу). Сповнений співчуття до живих істот, бодхісаттва здатний слухати звуки страждаючих, де б вони не знаходилися. Культ Авалокітешвари виник у північно-західній Індії, поширився у Китаї. В «сутрі Лотоса» говорилося про те, що бодхісаттва приймав образ тих істот, які закликають до нього. У Японії поширення культу Каннон призвело до появи великої кількості її зображень - святої Каннон, що допомагає в пеклі, Каннон з головою коня поширює милосердя на худоби, злих духів - асурів рятує тисячорука Каннон, Каннон з рибальським лісом рятує людей.

Період Хейан (794-1185 рр.)

У 794 р. столицю держави було перенесено до міста Хейан (зараз Кіото). У період Хейан розквітла витончена придворна культура. Було створено японський складовий лист – кана (яп. – запозичений ієрогліф). Спочатку цим листом користувалися лише жінки, тоді як офіційна писемність продовжувала залишатися китайською. Протягом X ст. жіночий лист став використовуватися у приватній практиці. У ХІ ст. настав період розквіту японської класичної літератури, блискучим зразком її є роман «Гендзі Моногатарі», створений придворною жінкою Мурасакі Сікібу.

У мистецтві Хейан чільне місце займають буддійські образи езотеричних сект Тендай і Сінгон, що прийшли в цей час з Китаю, які вчили тому, що всі живі істоти мають сутність Будди. Тренуючи дух і тіло, виконуючи обітниці, будь-хто здатний набути сутність Будди в процесі кількох перероджень. Храми цих сект будувалися на вершинах гір та скельних уступах, молитовні в них ділилися на дві частини. У внутрішню, де було священне зображення, прості віруючі не допускалися.

Епоха Хейан – час розкоші правлячих кіл. У цей час формується тип жител Сіндена. Стіни та умови теплого клімату були капітальними і мали опорного значення. Вони дуже легко могли бути розсунуті, замінені міцнішими на холодний час або в теплий час зняті зовсім. Вікон також не було. На решітчастий каркас замість шибок натягувалася білий папір, що пропускає в приміщення неяскраве розсіяне світло. Широкий карниз даху оберігав стіни від вогкості та сонячних променів. Внутрішнє приміщення, позбавлене постійних меблів, мало ковзні стіни-перегородки, завдяки яким можна було за бажанням створювати то зал, то кілька невеликих ізольованих кімнат, підлогу вистилали солом'яними циновками - татами, одного розміру (180 на 90 см).

З Китаю в період Хейан привозили конфуціанські та буддійські тексти. Нерідко вони оздоблювалися зображеннями. Спочатку японські художники копіюють китайські «уславлені місця», але починаючи з X в. звертаються до зображення пейзажів та звичаїв рідної країни. Оформляється живопис «ямато-е», який відрізнявся від китайського живопису використанням тем з японської поезії, новел, романів або народних легенд. Свою назву живопис отримав від назви району Ямато – південно-заладної частини острова Хонсю, де склалася державність Японії.
Зображення часто представляло сувій ілюстрацій з відповідним текстом, який брався руками і розкручувався праворуч наліво, при прочитанні відповідної ділянки розглядалася ілюстрація.

Пік розквіту живопису ямато-е посідає пізній Хэйан. У цей час з'явилися художники-професіонали, що писали картини на світські сюжети на ширмах, розсувних перегородках (седзі) та сувої - емакімоно. Найстаріший із сувоїв – «Гендзі моногатарі». Свитки емакімано являли собою картини-повісті. До наших днів дійшов сувій «Гендзі-монога-тарі-емакі», знаменитий роман Мурасакі Сікібу, що зображує в яскравих фарбах пусте життя аристократії, він є синтезом каліграфії, літератури та живопису. У 19 з 54 розділів роману, що збереглися, в ілюстраціях немає єдиного сюжету і наскрізної дії. Більшість зображених сцен відбувається в інтер'єрах, все видиме показано зверху, немає єдиної точки сходження ліній, масштабної відповідності фігур та архітектури, обличчя всіх персонажів однакові, різні лише зачіски та одягу. Головним предметом уваги художника є передача емоційного змісту подій, що відбуваються в романі, які були добре відомі всім. Основні прийоми - побудова простору та використання можливостей кольору. Для передачі внутрішнього стануГероїв і атмосфери кожної сцени художнику важливо, під яким кутом по відношенню до нижнього краю сувоя спрямовані діагональні лінії, що позначають балки конструкцій, або карнизи завіс, або край веранди. Залежно від ступеня емоційної напруженості кут змінюється від 30 до 54 градусів.

Бодхісаттва — Каннон виступає в Китаї, Кореї та Японії переважно в жіночому вигляді, в руках зі глечиком, гілкою верби та ласо.

У будинках аристократів був ніяких перегородок, на ширмах і завісах кращі художники малювали картини ямато-е. Картини ямато-е становили єдність із літературними творами, які також розміщувалися на ширмах та завісах. В антологіях поезії X-XIII ст. часті вірші, написані на ширмах IX-X століть. Найбільша кількість таких віршів містить антологія «Суйсю». Як поезія була на тему чотирьох сезонів, так і живопис для ширм. У руслі народної пісенності складалася, та був стала основою японської класичної поетики певна система поетичних формул. Так, знаком весни був туманний серпанок, дерево верби, знаком літа – зозуля, цикади, осені – червоне листя клена, олень, місяць, зими – сніг та квіти сливи.

Кіото - стародавня перлина Японії.

Велика кількість у мові омонімів давало можливість надати віршам багато смислів. Теми та сюжети дозволяли через деталь або натяк при вкрай лаконічній віршованій формі (у танку 31 склад) висловити різноманіття всіх відтінків емоційних станів. Від ширм із текстами поступово відбувся перехід до ширм без тексту. Так склалися власне мальовничі жанрові підрозділи - сікі-е («картини чотирьох сезонів») та мей-се-е («картини уславлених місць»).
Композиція подібних картин не відповідала жодній із категорій китайського живопису. Найбільше злиття природи та людини стане характерним для різних жанрів мистецтва Японії.

Період Камакура (1185-1333 рр.) та Муроматі (1333-1568 рр.)

Наприкінці XII століття столиця знову була перенесена, владу в країні внаслідок кривавої міжусобиці захопив клан Мінамото, голова якого переніс столицю до свого поселення Камакура, назва якого стала іменем наступного етапу історії Японії. До влади в країні прийшов військовий стан самураїв, з-поміж яких виходили сьогуни - дійсні військові правителі Японії, за імператором, що залишився в Нара, зберігалися лише номінальні атрибути влади. Витонченості придворної культури самураї надавали перевагу простоті. Монастирі секти дзен вже не включали пагоди, храми нагадували сільські хатини. З кінця XIII ст. під впливом пантеїстичних уявлень секти дзен пейзаж став втілювати ідею про перебування буддійських божеств у будь-яких ландшафтних об'єктах. У монастирях Камакури склалася іконографія портретів Мінського патріарха: сидячої та спокійної пози з підкресленою характеристикою обличчя, гіпнотичною силою погляду. Під впливом секти дзен скульптура відсувається другого план, живопис, особливо пейзажна, висловлює світовідчуття людей цієї епохи.

Період Муроматі починається з подій 1333, коли феодали південно-східних районів острова Хонсю захопили і спалили Камакуру, повернувши столицю в Хейан. Це був час внутрішніх усобиць та воєн феодальних кланів. Ведучим для смутного часу стало вчення адептів секти дзен про те, що, досягнувши єдності з природою, можна змиритися з негараздами життя і досягти єднання зі світом. На перше місце в японському мистецтві під впливом вчення дзен у тому, що «тілом» Будди є природа, висувається пейзажний живопис. У другій половині ХІІ ст. в Японію з Китаю проник живопис з використанням чорної туші. Японці, які переважно займалися таким живописом, були членами секти дзен. Вони й створили новий стиль, який пояснював нове віровчення (шига-ку - комбінація живопису та поезії). XV та XVI ст. - час максимального розквіту живопису тушшю, провідним майстром якого був Сессю Тойо (1420-1506 рр.). Паралельно із цим стилем існував і стиль ямато-е.

Зміни соціально-політичних відносин, які висунули першому плані військовий стан, зумовили і поява XVI в. архітектурного стилю «Сеїн». Насамперед єдиний об'єм будинку розчленовується тепер за допомогою розсувних дверей (сидзі), розсувних перегородок (фусума). У кімнатах з'явилося спеціальне місце для занять - полиця для книг та вікно з широким підвіконням і ніша (токонома), куди ставився букет або камінь вибагливої ​​форми та вішався вертикальний сувій.

У XVI ст. історія японського зодчества з'являються чайні павільйони у зв'язку з необхідністю правильного проведення чайної церемонії. Чай був завезений до Японії в період Камакура буддійськими ченцями як зілля. Чайний ритуал (тя-но-ю) було запроваджено з ініціативи дзенського ченця Мурата Сюко та вимагав спеціального методу для свого проведення. Так склався новий тип архітектурної споруди - тясіцю (павільйон для чайної церемонії), у своїй конструктивній основі він був близький до житлового будинку, а за своєю функцією - буддійського храму. Опори чайного павільйону були дерев'яними, по толок оброблявся бамбуком або очеретом. Усередині вистеленої циновками хатини в 1,5 або 2 тата ми з глинобитними стінами, маленькими різнорівневими вікнами, нішою токонома з висить монохромним пейзажем і квіткою у вазі знаходився вогнище, полиця для начиння.

У період Муроматі розквітає мистецтво створення садів. Японські сади різні. Малі сади найчастіше розташовані при храмах або пов'язані з традиційним будинком, призначені для перегляду. Великі ландшафтні садирозраховані сприйняття їх зсередини.

Кондо (яп. золотий зал) - головний храм буддійського комплексу, що містить ікони, статуї, настінні розписи

Дзенський прихрамовий сад будувався за принципом монохромного пейзажного свитка. Художник замість аркуша паперу використовував гладь озера або засипаний галькою майданчик, замість плям і розмивів гущі – каміння, мохи, листя дерев та чагарників. Поступово з саду зникли квіти, їх замінили мохи та чагарники, замість містків почали використовувати каміння. Одні сади були пейзажні, горбисті (цукіяма). Сади цукіяма були комбінацією таких природних елементів, як камені, мохи, дерева, водойми, з обов'язковим павільйоном на березі. Найдавніший пейзажний сад знаходиться в Кіото і належить монастирю Соході. Сухі сади звалися «хиранива», тобто. плоскі. Хіраніва - це «філософський» сад, як він вимагав від глядача розвиненої уяви. Сад хіранів «залишався з каміння, піску, гальки. Замкнений з трьох боків стіною, що обкрутила його, сад призначався тільки для споглядання. Наприкінці XV ст. створено один із найвідоміших сухих садів у монастирі Реандзі. Він включає 15 каменів, розташованих на прямокутному засипаному гравієм майданчику. У саду хіранива монастиря Дайтокудзі, створеному в 1509 р., природа представлена ​​композиціями з каміння та гальки. Одна з частин саду отримала назву «океану порожнечі» і є двома невисокими гальковими пагорбами серед прямокутного майданчика. Сади могли доповнювати одна одну.

Наприкінці XV ст. формується придворна школа декоративного живопису Кано. Засновник школи Кано Масанобу (1434-1530) походив із військового стану, ставши визнаним придворним художником-професіоналом. Його пейзажі мали лише передній план, все інше затуманювало туманний серпанок. Акцент на одному певному предметі зображення стане притаманним школі Кано. Головне місце у творчості художників школи Кано займали декоративні настінні розписи та ширми з жанровим живописом. Настінні розписи стали головним компонентом синтезу з архітектурною формою та засобом на образний зміст архітектурного простору. У свою чергу, особливості архітектурної форми вимагали певних стильових якостей розписів, чому поступово і сформувався новий стильовий канон, що зберігався в японського живописуаж до ХІХ ст.

Сінден – тип житлового будинку. Прямокутна в плані однозальна головна будівля, звернена південним фасадом до площі, а зі сходу та заходу обрамлена галереями

Період Момояма (1X73-1614 рр.)

І цей час добігла кінця епоха феодальних воєн, влада в країні перейшла до військових диктаторів, що послідовно змінили один одного - Ода Нобунага, Тойотомі Хідеєсі та Іяесу Токугава. Це був час зростання міст, змирення та демократизації культури, проникнення нових ціннісних орієнтацій. Культова архітектура втратила своє колишнє значення. Нові володарі Японії заявляли про свою могутність будівництвом грандіозних замків, спорудження яких було спричинене появою в Японії вогнепальної зброї та відповідною зміною тактики бою та оборони. Замок став новим типом японської архітектури. Асиметрично розташована територія замку, оточена ровом та сторожовими та кутовими вежами, включала центральну площу та безліч дворів та приміщень, підземних укриттів та переходів. Житлові приміщення знаходилися в розташованій на території замку дерев'яній будівлі із суворою ієрархією внутрішнього простору, яка відображала суспільну ієрархію. Зануреним у напівтемряву інтер'єрам замків найбільше підходили настінні декоративні розписи, грандіозні за розмірами, виконані яскравими фарбами на золотому тлі.

Кано Ейток (1543-1590). Автор нового стилю розписів, покликаного звеличити військових диктаторів. Він уперше розробив принцип єдиної композиції великих горизонтальних поверхнях, укрупнивши форми, відмовившись від дрібних деталей передачі як силуетів, а й динаміки їх форм. Для Ейток характерне прагнення до збільшення площинності картини, посилення її декоративних якостей. Так, на місцях, що символізують порожній простір, розміщені плями із домішкою золотої пудри. Простір композиції розгортався не вглиб, а вздовж погляду.
У 1576 р. на березі озера Біва був зведений небачений досі замок із колосальною семиповерховою вежею, який мав демонструвати міць диктатора Ода Нобунага. Особливістю замку була наявність не лише офіційних, а й приватних покоїв. Головними в декорі кімнат стали настінні розписи, які було доручено здійснити Кано Ейтоку, котрий працював над ними три роки з великою групоюпомічників. Кано Ейтоку, якого диктатор поспішав із виконанням замовлення, став укрупнювати форми, використовуючи товсту кисть із рисової соломи, вдаючись до лаконічного художньої мови. Головне місце займало зображення дерев, квітів, птахів та тварин. Колірна гама була яскравою, відсутнє нюансування кольору.

Зміна соціальної ситуації в країні після того, як до влади прийшли сьогуни Токугава, призвело до заборони на будівництво замків.
У творчості художників першої третини XVII ст. починають переважати нові риси. У живопису помітнішим стало прагнення до врівноважених, спокійних композицій, наростання орнаментальності форм, інтересу і культури Хейанської епохи та творів ямато-е. Відмінна риса школи Кано цього часу – орнаментальність та підвищена декоративність. Коли у другій чверті XVII ст. було заборонено будівництво замків, головною формою декоративного розпису стала ширма. З декоративного живопису пішла монументальність Кано Ейтоку. Мистецтво набуло особистісного забарвлення, що вплинуло і на його стильові якості. Декоративний живопис XVII ст. надихалася найчастіше героями і темами класичної літератури, відображаючи коло інтересів родової аристократії, а таксі буржуазної еліти, що народжується. Декоративний живопис розвивався у старій столиці - Кіото.

Виразником смаку нових споживачів мистецтва – мешканців міста, торговців та ремісників – став Огата Корін, новий представникшколи Кано.

Емакімано - горизонтальний сувій з паперу або шовку, наклеєний на основу, обрамлену парчовою облямівкою з дерев'яним валиком на кінці

Огата Корін (1658-1716) жив як багатий гульвіса, постійно відвідував «веселі квартали». Тільки після руйнування, зіткнувшись із суворою необхідністю заробляти собі життя, він почав займатися розписом тканин і живописом. Огата Корін мав справу і з керамікою, і з виробами з лаку, розписував кімоно та віяла. Як
майстер, він почав зі знайомства з традиційним живописом та його прийомами. Корін завжди прагнув компактності, врівноваженості форм, характерна особливість творчої манери - зосередженість розробки декількох сюжетних мотивів, їх багаторазове повторення і варіювання. У творчості Огата Коріна вперше з'явилася робота з натури. У розписі ширми «Червоне і біле дерево сливи» сюжетний мотив, взятий Коріном, походить від класичної поезії з її образами ранньої весни і природи, що прокидається. По обидва боки від потоку на золотому фоні написані квітучі дерева: кремезне, з товстим вигнутим стволом і майже гілками, що вертикально піднімаються, дерево червоної сливи та інше, позначене лише підніжжям стовбура і різко зігнутою, ніби припадаючою до води, а тому раптом злетіла вгору. посипаний білими квітами.

Кано Ейтоку яструб на сосні. Ширма. Деталь кінець XVI ст.

Огата Кендзан (1663-1743) на відміну від свого старшого брата Огата Коріна з юності тяжів до духовних цінностей, був послідовником дзен-буддизму, знав китайську та японську класичну літературу, театр Але, чайний ритуал. На території, що належить храму Ніннадзі, Кендзан отримав дозвіл збудувати власну керамічну піч, що випускала продукцію протягом 13 років до 1712 р. Він не прагнув прибутковості, ним керувала ідея створення високохудожньої продукції. Вперше він використовував традиційні прийоми живопису тушшю в розписі об'ємної форми. Кендзан почав використовувати колір, він писав по сирому черепку, пориста глина вбирала фарбу, подібно до паперу в живописі тушшю. Подібно до свого великого сучасника поета Басі, що перетворив популярний низький жанр хайку на одкровення, Огата Кендзан показав, що звичайні керамічні тарілки, чашки, вази можуть бути і утилітарними предметами, і одночасно поетичними шедеврами мистецтва.

Період Едо (1614-1868 рр.)

У 1615 р. з Кіото в Едо було переселено самураї. Зросла значення стану купців, торговців і лихварів, зосереджених у Мара, Кіото та Осака. Для представників цих соціальних груп характерно було мирське сприйняття життя, прагнення звільнитися з-під впливу феодальної моралі. Вперше мистецтво звертається до тем повсякденності, включаючи побут т.зв. веселих кварталів – світу чайних будинків, театру Кабукі, борців сумо. Поява гравюри на дереві була пов'язана з демократизацією культури, оскільки гравюрі властива тиражність, дешевизна та доступність. Слідом за побутовим живописом гравюра стала називатися укіе-е (дослівно - тлінний мінливий світ).

Виготовлення гравюр набуло широкого розмаху. Ранній період розвитку графіки укіє пов'язаний з ім'ям Хасікава Моронобу (1618-1694), який зображував нехитрі сцени з життя мешканців чайних будинків, ремісників, поєднуючи на одній гравюрі різночасні, не пов'язані між собою події. Фон гравюр залишався білим, чіткі лінії. Поступово коло тем гравюр розширилося, глибшим став інтерес не лише до зовнішнього, а й до внутрішнього світу персонажів. Японська гравюра у 1780-1790 pp. набуває період розквіту. Судзукі Харанобу (1725-1770) вперше почав розкривати внутрішній світгероїв у таких гравюрах, як «Красуні, що зривають гілку сливи», «Закохані в засніженому саду». Він вперше застосував прийом гуркоту, що створює перехід від темного до світлого тону, варіював товщину та фактуру ліній. Він ніколи не дбав про реальне забарвлення, море на його гравюрах рожеве, пісочне небо, трава блакитна, все залежить від загального емоційного настрою сцени. Одна з його кращих робіт «Закохані, що грають на одному семісені» створена на тему японського прислів'я – «Якщо музика сприяє кохання – грайте».

Токонома - ніша в інтер'єрі чайного будинку

Кітагава Утамаро (1753-1806 рр.) - Видатний майстер укіе-е. Його творчість розпочалася з альбомів «Книга комах», «Пісні раковин». У своїх поясних, погрудних жіночих портретах Утамаро вперше застосовує слюдяний порошок, що створює мерехтливий фон. Ідеальна красуня Утамаро з витонченою формою та посадкою голови,
тонкою шиєю, маленьким ротом, короткими чорними бровами. У серіях «Десять жіночих характерів» та «Дні та години жінок» він прагнув виявлення різних типів зовнішності та характеру жінок. Наприкінці 90-х років. в Утамаро звертається до теми материнства в таких гравюрах, як «Мати з дитиною» та «Гра в м'яч», у цей же час він створює триптихи та поліптихи на історичні теми, вдаючись до непрямого позначення (герої країни зображуються у вигляді красунь). Тесюсай Сяраку створив серію портретів акторів театру Кабукі та борців сумо. Він відмовився від загальноприйнятих традицій, зробивши гротеск своїм основним прийомом. Третій період розвитку гравюри укіе-е припадає на 1800-1868 р.р. У цей час посилився вплив на японське мистецтво голландських та німецьких офортів. Для творчості художньої династії Утагава стали характери відмова від пошуків індивідуальності, прагнення формальної витонченості. Розквіт жанру пейзажу у гравюрі пов'язані з ім'ям Кацусика Хокусая (1760-1849). Хокусай вивчав стародавні та сучасні напрямки японського мистецтва, знав мистецтво Китаю та познайомився з європейською гравюрою. Майже до 50 років Хокусай працював у традиційній манері художників укіе-е. Лише альбомах «Манга» (книга нарисів), перший том яких вийшов 1812 р., Хокусай знайшов свою область мистецтва. Тепер він малював побутові сцени, краєвиди, натовп.

пейзажні сади Японії

У віці 70 років Хокусай створює свою серію «36 видів гори Фудзі», на кожній із гравюр художник зображує гору Фудзі. У поєднанні жанрової теми з пейзажем – особливість Хокусая. На відміну від стародавніх пейзажистів, Хокусай показує землю знизу. Одночасно він створює серії «Подорож водоспадами країни», «Мости», «Великі квіти», «100 видів Фудзі». Хокусай міг передавати речі з несподіваного боку. У гравюрах «100 видів Фудзі» гори то виникають із мороку ночі, як бачення, то проглядаються за стеблами бамбука, то відбиваються в озері. Послідовник Хокусая Андо Хіросіге (1797-1858) писав природу набагато реалістичніше. За професією річковий агент, він багато їздив країною, створюючи свої серії «53 станції Токайдо», «8 видів озера Омі», «69 видів Кісікайдо». Мистецтво Хіросіге наближається до європейського живопису, завершуючи двохсотлітній період розквіту гравюри укіе-е.

Свої картини він створював у період Тайсі (1912-26) та ранній Сева. Народився він у 1891
року в Токіо, був сином журналіста Кісіда Гінко. У 1908 році закінчив школу, у віці
15 років він став християнином і присвятив себе церковній діяльності, потім Кішіда
Ryūsei вивчав західні стилі мистецтва у студії Хакубакай (Hakubakai) під керівництвом
Сейкі Курода (1866-1924), який був одним із засновників Академії мистецтв у Японії.
Вже 1910 року молодий художник почав виставляти свої роботи на щорічній
Державної виставки Бантен. Його ранні твори, особливо пейзажі, написані
під великим впливом і повторюють стиль його вчителя Курода Сейка.

Портрет Рейко

Пізніше художник познайомився і потоваришував із Мусанокою Санеатцу (Mushanokoji Saneatsu),
який ввів художника у товариство Сіракаба ( Біла береза) і познайомив із європейськими
фовізмом та кубізмом. Становлення Kishida Ryūsei як художника відбулося в першу
десятиліття двадцятого століття, коли багато японських молодих художників поїхали вивчати
живопис за кордон, перш за все, до Парижа. Kishida Ryūsei ніколи не був у Європі та
не навчався у європейських майстрів, але вплив європейського постімпресіонізму на нього
було величезним, особливо творчість Ван Гога та Сезанна. З кінця 1911 року до початку
1912 року він був натхненний роботами сучасних французьких художників, з роботами яких
знайомився в журналі Сіракаба та через ілюстровані книги. Його ранні роботи явно
створені під впливом Анрі Матісса та фовістів.

Автопортрет у капелюсі, 1912 рік,
стиль: фовізм

У 1912 році у віці двадцяти одного року Kishida Ryūsei дебютував як
професійний художник, відбулася його перша персональна виставка у
художня галерея Rokando. Цього ж року художник організував свій
художній гурток Фуйзанкай (Fyizankai), щоб вивчати та пропагувати
постімпресіонізм.

Сад Президента Південної Маньчжурської залізничної компанії 1929

Незабаром гурток розпався через внутрішні конфлікти після проведення двох виставок.
Приблизно з 1914 року митець відмовився від фовізму, свого раннього стилю. У 1915
році Кісіда Рейсай створив групу Седоса, в якій його головним товаришем, учнем
і послідовником був художник Мічісай Коно.

Path in Early Summer 1917
стиль: yoga-ka

З цього часу у нього склався свій неповторний стиль великого майстра, японською
мовою його називають "shajitsu" або "shasei", російською перекладають зазвичай як реалізм.
Художник полегшує форми, знаходить неповторний колорит, все це йде від мистецтва
Сезанна. Хоча Кісіда Рейсай високо цінував мистецтво Франції, але у пізній період він
розглядав східне мистецтво набагато вище західного мистецтва.

Road Cut Through a Hill, 1915 рік,
стиль: yoga-ka

Портрет Бернарда Ліча, 1913 рік,
стиль: фовізм

Автопортрет, 1915 рік,
стиль: yoga-ka

Автопортрет, 1913 рік,
стиль: yoga-ka

Автопортрет, 1917 рік,
стиль: yoga-ka

Портрет чоловіка,
стиль: yoga-ka

Приблизно з 1917 року художник переїхав до Кугенума Фудзісава в район Канагави. Він почав
вивчати стилі та методи північних європейських художників епохи Відродження, таких як
Дюрер та Ван Дейк. У цей період він написав свою знамениту серію картин доньки Рейко,
які поєднують у собі майже фотографічний реалізм із сюрреалістичними
декоративні елементи. На початку 1920-х років Kishida Ryūsei виявив інтерес до
елементам східного мистецтва, зокрема, до китайським картинам«Пісні» та
"Династія Юань".

"Портрет Санада Hisakichi"

Під час Великого землетрусу Канто у 1923 році будинок художника у Кугенумі був
зруйнований, Kishida Ryūsei переїхав на короткий період до Кіото, після чого в лютому
1926 року повернувся жити в Камакура. У 1920-х роках митець писав численні
статті з естетики та історії японського живопису.

Tea Cup Tea Bowl and Three Green Apples, 1917,
стиль: сезанізм

Натюрморт, 1918,
стиль: сезанізм

Two Red Apples, Tea-cup, Tea-bowl and a Bottle, 1918,
стиль: сезанізм

У 1929 році за сприяння Південно-Маньчжурської залізниці Kishida Ryūsei здійснив
єдина у своєму житті закордонна подорож, відвідавши Далянь, Харбін та Фентянь
у Маньчжурії. По дорозі назад він зробив зупинку в місті Токуяма, району
Ямагучи, де раптово помер від гострого самоотруєння організму. Kishida Ryūsei
створював свої портрети, пейзажі та натюрморти до своєї ранньої смерті у віці
38 років. Могила художника знаходиться на цвинтарі Тама Рейєн у Токіо. Після смерті
Kishida Ryūsei двом його картинам Агентство японського уряду у справах культури
надало звання «Національна культурна цінність». У грудні 2000 року один із
його портретів дочки Рейко з хусткою на плечах було продано за 360 мільйонів ієн, що
стало найвищою ціною на аукціонах японського живопису.

Зміст статті

ЯПОНСЬКЕ МИСТЕЦТВО.З найдавніших часів для японського мистецтва було характерно активне творче начало. Незважаючи на залежність від Китаю, де постійно виникали нові художні та естетичні напрями, японські художники завжди вносили нові риси та змінювали мистецтво своїх вчителів, надаючи йому японського вигляду.

Історія Японії як такої починає набувати певних форм лише наприкінці 5 ст. Предметів, що належать до попередніх століть (архаїчному періоду), виявлено порівняно мало, хоча деякі знахідки, зроблені під час розкопок або під час будівельних робіт, говорять про чудовий художній талант.

Архаїчний період.

Найдавніші твори японського мистецтва – глиняні горщики на кшталт демон (відбиток шнура). Назва походить від прикраси поверхні спіральними відбитками шнура, обмотаного навколо паличок, які використовував майстер під час виготовлення посудини. Можливо, спочатку майстри випадково виявили відбитки плетінки, але потім їх почали застосовувати свідомо. Іноді на поверхню наліплювали шнуроподібні глиняні завитки, що створювали складніший декоративний ефект, майже рельєф. У культурі Демон виникла перша японська скульптура. Догу (букв. «глиняне зображення») людини чи тварини, мабуть, мали якесь релігійне значення. Зображення людей, переважно жінок, дуже схожі на глиняних богинь інших примітивних культур.

Радіовуглецевий аналіз показує, що деякі знахідки з культури Демон можуть належати до 6–5 тис. до н.е., проте таке раннє датування не є загальноприйнятим. Безумовно, такий посуд виготовляли протягом тривалого часу, і хоча точні датування поки що не можуть бути встановлені, виділяють три періоди. Найдавніші зразки мають гостру основу і майже не орнаментовані, якщо не брати до уваги слідів зброї горщика. Судини середнього періоду більш багато орнаментовані, іноді наліпними елементами, що створюють враження об'ємності. Форми судин третього періоду дуже різноманітні, але декор знову сплощується і стає стриманішим.

Приблизно в 2 ст. до н.е. кераміка Демон поступилася місцем кераміці Яєй, що характеризується витонченістю форм, простотою малюнка і високою технічною якістю. Черепок судини став тоншим, орнамент менш химерним. Цей тип переважав до 3 ст. н.е.

З художньої точки зору, можливо, кращими творамираннього періоду є ханіва, глиняні циліндри, що датуються 3-5 ст. н.е. Характерні пам'ятки цієї епохи – величезні пагорби, чи кургани, похоронні споруди імператорів та могутньої знаті. Часто дуже великого розміру, вони є свідченнями могутності та багатства імператорської сім'ї та придворних. Будівництво такої споруди для імператора Нінтокутенно (бл. 395–427 н.е.) зажадала 40 років. Найбільш примітною рисою цих курганів були оточуючі їх на кшталт забору глиняні циліндри, ханіва. Зазвичай ці циліндри були зовсім простими, але іноді прикрашалися людськими фігурами, рідше фігурками коней, будинків чи півнів. Їхнє призначення було подвійним: запобігати ерозії величезних мас землі і забезпечувати померлого тим необхідним, чим він користувався в земному житті. Звичайно, циліндри виготовлялися відразу у великій кількості. Різноманітність тем, виразів обличчя і жестів фігурок, що їх прикрашають, – значною мірою результат імпровізації майстра. Незважаючи на те, що це скоріше твори ремісників, а не художників та скульпторів, вони мають велике значення як власне японська. художня форма. Побудови, закутані в попони конячки, манірні дами та воїни представляють цікаву картину військового життя ранньофеодальної Японії. Можливо, прототипи цих циліндрів з'явилися у Китаї, де різні предмети клали прямо у поховання, але виконання та спосіб застосування ханіву належать місцевій традиції.

Архаїчний період часто розглядають як час, позбавлений творів високого художнього рівня, час домінування речей, що мають переважно археологічну та етнологічну цінність. Однак слід пам'ятати, що твори цієї ранньої культури в цілому мали велику життєздатність, оскільки їх форми вижили і продовжували існувати як специфічні національні особливості японського мистецтва в пізніші періоди.

Період Асука

(552-710 н.е.). Введення буддизму в середині 6 ст. внесло істотні зміни у спосіб життя та мислення японців і стало поштовхом для розвитку мистецтва цього та наступних періодів. Прихід буддизму з Китаю через Корею традиційно датується 552 н. У перші роки буддизм зіткнувся з політичною опозицією, з протидією національної релігії синто, але через кілька десятиліть нова віра отримала офіційне схвалення і остаточно утвердилася. У перші роки проникнення в Японію буддизм був відносно простою релігією з невеликою кількістю божеств, які потребували зображення, але через якихось сто років він набрав чинності, а пантеон надзвичайно розрісся.

У цей період ґрунтувалися храми, які служили не лише цілям пропаганди віри, але були центрами мистецтва та освіти. Монастир-храм у Хорюдзі є одним із найбільш важливих для вивчення ранньобуддійського мистецтва. Крім інших скарбів, там знаходиться статуя великої тріади Сяка-Нерай (623 н.е.). Цей твір Торі Буссі, першого відомого нам великого японського скульптора, є стилізованим бронзовим зображенням, подібним до аналогічних груп у великих печерних храмах Китаю. У позі сидячого Сякі (японська транскрипція слова «шакьямуні», історичного Будди) і двох фігур, що стоять по сторонах його, дотримується строга фронтальність. Форми людської фігури приховані важкими симетричними складками схематично переданих одягів, а в гладких подовжених обличчях відчувається мрійлива самопоглибленість та споглядання. Скульптура цього першого буддійського періоду заснована на стилі та прототипах з материка п'ятдесятирічної давності; вона правильно слідує за китайською традицією, що прийшла до Японії через Корею.

Деякі з найважливіших скульптурних зображень цього часу робилися з бронзи, проте використовували і дерево. Дві найвідоміші дерев'яні скульптури – статуї богині Каннон: Юмедоно Каннон та Кудара Каннон, обидві – у Хорюдзі. Вони є більш привабливим об'єктом для поклоніння, ніж тріада Сякі, з їх архаїчними посмішками і мрійливими виразами облич. Хоча у фігур Каннон розташування складок одягу теж схематичне і симетричне, вони легші і сповнені руху. Високі стрункі фігури підкреслюють одухотвореність осіб, їхню абстрактну доброту, віддалену від усіх мирських турбот, але чуйну до благань стражденних. Скульптор приділив певну увагу обрисам фігури Кудара Каннона, прихованої складками одягу, і на відміну від зубчастого силуету Юмедоно рух і фігури, і тканини спрямовані в глибину. У профіль Кудара Каннон має витончені S-подібні контури.

Єдиний зразок живопису, що дав уявлення про стиль початку 7 ст., – розпис Тамамусі Дзусі, «крилатого святилища». Це мініатюрне святилище отримало назву від райдужних крил жуків, вставлених у перфоровану металеву окантовку; пізніше воно було прикрашене релігійними композиціями та фігурами окремих персонажів, виконаними кольоровим лаком. Подібно до скульптури цього періоду, деякі зображення свідчать про велику свободу малюнка.

Період Нара

(710-784). У 710 році столиця була перенесена в Нара, нове місто, побудоване за зразком китайської столиці Чан'ань. Там були широкі вулиці, великі палаци, численні буддійські храми. Не тільки буддизм у всіх його аспектах, але все китайське культурне та політичне життя сприймалося як зразок для наслідування. Ніяка інша країна, можливо, не відчувала настільки недостатності власної культури і була настільки сприйнятлива до впливів ззовні. Вчені та паломники вільно переміщалися між Японією та континентом, а управління та палацове життя будувалися за зразком, що існував у Китаї часів династії Тан. Однак треба пам'ятати, що, незважаючи на наслідування зразків танського Китаю, особливо в мистецтві, сприймаючи його вплив та стиль, японці майже завжди пристосовували чужі форми до своїх власних.

У скульптурі строга фронтальність і симетрія попереднього періоду Асука поступилися місцем більш вільним формам. Розвиток уявлень про богів, зросла технічна майстерність і свобода володіння матеріалом дозволяли художникам створювати більш близькі та доступні культові зображення. Заснування нових буддійських сект розширило пантеон, до якого були включені навіть святі та засновники буддизму. Крім бронзової скульптури відома велика кількість творів із дерева, глини та лаку. Камінь був рідкістю та майже ніколи не використовувався для скульптури. Сухий лак був особливо популярний, можливо, тому, що при всій складності процесу приготування складу твори з нього виглядали ефектніше дерев'яних і були міцнішими, ніж простіші у виготовленні глиняні вироби. Лакові фігури формувалися на дерев'яній або глиняній основі, яка потім видалялася, або на дерев'яній або дротяній арматурі; вони були легкими та міцними. Незважаючи на те, що ця техніка диктувала деяку жорсткість поз, у зображенні осіб допускалася велика свобода, яка частково сприяла розвитку того, що можна назвати власне портретною скульптурою. Зображення обличчя божества виконувалося відповідно до суворих приписів буддійських канонів, але популярність і навіть обожнювання деяких засновників і проповідників віри надавали чудові можливості передачі портретної подібності. Така подібність простежується в скульптурі з сухого лаку китайського патріарха Гендзіна, який шанувався в Японії, що знаходиться в храмі Тоседайдзі. Гендзін був сліпий, коли прибув до Японії в 753, і його невидимі очі та просвітлений стан внутрішнього споглядання чудово передані невідомим скульптором. Ця реалістична тенденція найяскравіше виявилася у дерев'яній скульптурі проповідника Куя, створеної скульптором Косьо у 13–14 ст. Проповідник одягнений як мандрівний жебрак з палицею, гонгом і калатушкою, а з його напіввідкритого рота виходять маленькі фігурки Будди. Не задовольнившись зображенням ченця, що співає, скульптор зробив спробу висловити потаємний зміст його слів.

Великим реалізмом відрізняються зображення Будди періоду Нара. Створені для постійно збільшуваного числа храмів, вони не настільки незворушно холодні і стримані, як їх попередники, мають більш витончену красу і шляхетність і звернені до людей, які поклоняються їм, з більшою прихильністю.

Збереглося дуже мало мальовничих творів цього часу. На багатобарвному малюнку на папері зображені минулі та справжні життя Будди. Це – один із небагатьох стародавніх зразків емакімоно, або живопису на сувоях. Свитки повільно розмотувалися праворуч наліво, і глядач міг насолоджуватися тільки тією ділянкою картини, яка знаходилася між руками, що розвертали сувій. Ілюстрації знаходилися прямо над текстом, на відміну від пізніших сувоїв, де ділянка тексту чергувалася з пояснювальним зображенням. У цих найдавніших зразках звиткового живопису, що збереглися, окреслені контуром фігури розташовуються на тлі ледь наміченого пейзажу, причому центральна дійова особа, в даному випадку Сяка, з'являється в різних епізодах.

Ранній Хейан

(784-897). У 784 році столиця тимчасово була перенесена в Нагаока, частково щоб уникнути переважання буддійського духовенства Нари. У 794 році вона перемістилася в Хейан (нині Кіото), вже на більш тривалий термін. Кінець 8 та 9 ст. були періодом, коли Японія успішно асимілювала, пристосовуючи до своїх особливостей багато закордонних нововведень. Буддійська релігія теж переживала час змін, поява нових сект езотеричного буддизму, з його розробленим ритуалом та етикетом. З них найбільшим впливом мали секти Тендай і Сінгон, які зародилися в Індії, досягли Китаю і вже звідти були привезені до Японії двома вченими, які повернулися на батьківщину після довгого учнівства. Секта Сінгон («Справжні слова») особливо сподобалася при дворі і швидко зайняла панівне становище. Її головні монастирі розташовувалися на горі Коя поблизу Кіото; як та інші важливі буддійські центри, вони стали сховищем величезних колекцій пам'яток мистецтва.

Скульптура 9 ст. була переважно дерев'яною. Зображення божеств відрізнялися суворістю і недоступною величчю, що підкреслювалося урочистістю їх зовнішності та масивністю. Драпірування майстерно вирізалися за стандартними зразками, хвилями лягали шарфи. Стояча фігура Сякі з храму Муроді – приклад цього стилю. І тому подібних йому зображень 9 в. характерна жорстка різьблення з глибшими чіткими складками та іншими деталями.

Збільшення кількості богів створювало великі труднощі художників. У складних, схожих на карти мандалах (геометричний малюнок із магічним значенням) божества відповідно до ієрархії розташовувалися навколо поміщеного в центр Будди, який сам був лише одним із проявів абсолюту. У цей час з'явилася нова манера зображення оточених полум'ям фігур божеств-охоронців, жахливих на вигляд, але благодійних за природою. Ці божества розташовувалися асиметрично і зображалися в рухливих позах, з грізними рисами осіб, які шалено захищають віру від можливих небезпек.

Середній та Пізній Хейан, або період Фудзівара

(898-1185). Перенесення столиці в Хейан, що мав на меті ухилитися від трудновиконуваних вимог духовенства, викликав зміни і в політичній системі. Знати була домінуючою силою, і найхарактернішими її представниками стала родина Фудзівара. Період 10-12 ст. часто асоціюється із цим ім'ям. Починався період особливої ​​влади, коли справжнім імператорам «настійно радили» залишити осторонь справи держави заради приємніших занять поезією та живописом. До досягнення повноліття імператором керував суворий регент – зазвичай із сім'ї Фудзівара. Це був вік розкоші та чудових досягнень у літературі, каліграфії та мистецтві; у всьому відчувалася томність і емоційність, яка рідко досягала глибини, але загалом була чарівною. Елегантна витонченість та втеча від дійсності відбилися у мистецтві цього часу. Навіть прихильники буддизму шукали легших шляхів, і особливо популярним стало поклоніння небесному Будді, Аміду. Уявлення про співчуття та рятівну милість Будди Аміда глибоко відбилися у живописі та скульптурі цього періоду. Масивність та стриманість статуй 9 ст. у 10–11 ст. поступилися місцем млості та чарівності. Божества зображуються мрійливими, задумливо-спокійними, різьблення стає менш глибоким, поверхня – барвистішою, з багато розробленою фактурою. Найважливіші пам'ятки цього періоду належать скульптору Дьото.

Твори художників теж набули м'якіших рис, нагадуючи малюнки на тканині, і навіть жахливі божества – захисники віри стали менш жахливими. Сутри (буддійські тексти) писали золотом та сріблом на папері глибокого синього тону, прекрасній каліграфії тексту часто передувала невелика ілюстрація. Найбільш популярні напрями буддизму і пов'язані з ними божества відображають переваги аристократії та поступовий відхід від суворих ідеалів раннього буддизму.

Атмосфера цього часу та його твори частково пов'язані і з припиненням формальних відносин з Китаєм у 894 році. Наступне за цим припиненням зв'язків замкнуте острівне існування спонукало японців звернутися до своєї культури і виробити новий, чистіший японський стиль. Справді, світський живопис 10–12 ст. була майже повністю японською - і в техніці, і в композиції та сюжетах. Відмінною особливістю цих японських сувоїв, які називалися ямато-е, було переважання сюжетів енгі (походження, історія). У той час як на китайських сувоїх найчастіше зображалася неосяжна дивовижна природа, панорами гір, потоків, скель і дерев, а люди уявлялися відносно незначними, на оповідальних сувої японців у малюнку і тексті головною була людина. Ландшафт грав лише роль фону для історії, що розповідається, підпорядкованого головній дійовій особі або особам. Багато сувої являли собою мальовані літописи життя відомих буддійських проповідників або історичних діячів, їх подорожі та військові походи. Інші розповідали про романтичні епізоди з життя знаті та придворних.

Явно своєрідний стиль ранніх сувоїв походив від простих начерків тушшю на сторінках буддійських зошитів. Це майстерні малюнки, що карикатурно передають людську поведінку через образи тварин: мавпа в чернечому одязі, що поклоняється надутій жабі, змагання між зайцями, мавпами та жабами. Ці та інші сувої пізнього Хейана послужили основою складніших оповідальних сувоїв розвиненого стилю 13–14 ст.

Період Камакура

(1185-1392). Кінець 12 ст. приніс серйозні зміни у політичне та релігійне життя Японії і, звичайно, у її мистецтво. Елегантність та естетизм двору Кіото змінився або, у традиціях «особливого» правління, «отримав доповнення» у вигляді нового, суворого та мужнього правління – сьогуната Камакура. Хоча столицею номінально залишався Кіото, сьоґун Мінамото-но Йорітомо (1147–1199) заснував свою штаб-квартиру в місті Камакура і лише за 25 років встановив жорстку систему військової диктатури та феодалізму. Буддизм, який став настільки складним і ритуалізованим, що був малозрозумілим для простих мирян, також зазнав серйозних змін, які аж ніяк не обіцяли заступництва мистецтвам. Секта Йодо («Чиста Земля»), різновид шанування Будди Аміда, під керівництвом Хонена Сьоніна (1133–1212) реформувала ієрархію будд і божеств і дала надію на порятунок усім, хто просто вірив у Аміда. Ця доктрина легко досяжного раю пізніше була спрощена іншим ченцем, Сінраном (1173-1262), засновником секти Сін, яка визнавала, що поблажливість Аміди настільки велика, що немає необхідності в скоєнні релігійних актів, досить просто повторювати заклинання «Наму Аміда Бутсу» означає "підкорятися", другі два - "Будда Аміда"). Такий простий спосіб порятунку душі був украй привабливим, і зараз ним користуються мільйони. Поколінням пізніше войовничий проповідник Нітірен (1222–1282), ім'ям якого названо секту, відмовився від цієї спрощеної форми релігії. Його послідовники шанували Сутру Лотоса, яка не обіцяла миттєвого та безумовного порятунку. У проповідях він нерідко стосувався політичних тем, а його переконання та запропоновані реформи церкви та держави припали до душі новому військовому класу в Камакурі. Нарешті, філософія дзен, що виникла ще в 8 ст, почала відігравати все більшу роль у буддійській думці цього періоду. Дзен підкреслювала важливість медитації та зневагу до будь-яких зображень, які могли перешкодити людині у його прагненні поєднатися з богом.

Отже, це був час, коли релігійна думка обмежила кількість творів живопису та скульптури, насамперед необхідних для культу. Проте в період Камакура були створені одні з найпрекрасніших творів японського мистецтва. Стимулом служила властива японцям любов до мистецтва, але ключ до розгадки – щодо народу до нових віровчень, а чи не в догматах як таких. Справді, самі твори підказують причину свого створення, адже багато хто з цих повних життя та енергії скульптур та мальовничих творів – портрети. Хоча філософія дзен могла вважати звичайні предмети релігійного культу перепоною на шляху до просвітлення, традиція шанування вчителів була цілком прийнятною. Портрет сам не міг бути предметом поклоніння. Таке ставлення до портрета було властиво не лише дзен-буддизму: багато служителів секти Чистої Землі вважалися майже буддійськими божествами. Завдяки портрету навіть з'явилася нова архітектурна форма – міейдо або портретна капела. Бурхливий розвиток реалізму був цілком у дусі часу.

Незважаючи на те, що мальовничі портрети жерців, очевидно, дійсно були зображеннями конкретних людей, вони часто були переробками картин із зображенням китайських засновників буддизму. Їх малювали проповідуючими, роти відкриті, руки жестикулюють; іноді зображувалися злиденні ченці, які роблять важкий шлях на славу віри.

Одним із найпопулярніших сюжетів був райго (бажаний прихід), де зображався Будда Аміда зі своїми супутниками, що спускається на хмарі, щоб на смертному одрі врятувати душу віруючого та перенести її до раю. Фарби таких зображень часто були посилені накладним золотом, а хвилясті лінії, розкидані накидки, хмари, що клубилися, надавали відчуття руху зішестю Будди.

Ункей, який працював у другій половині 12 і на початку 13 ст., був автором нововведення, яке полегшило різьблення по дереву, що залишалося в період Камакура улюбленим матеріалом скульпторів. Насамперед майстер був обмежений розмірами та формою колоди чи колоди, з якої вирізувалася фігура. Руки та елементи одягу накладалися окремо, але закінчений твір часто нагадував вихідну циліндричну форму. У новій техніці десятки дрібних шматочків ретельно підганялися один до одного, утворюючи порожню піраміду, з якої потім підмайстри могли начорно вирізати фігуру. Скульптор отримував у своє розпорядження більш м'який матеріал і можливість створювати більше складні форми. М'язисті храмові сторожі і божества в накидках і одязі, що розвіваються, здавались більш живими ще й тому, що в їхні очні западини стали вставляти кришталь або скло; статуї почали прикрашати позолоченою бронзою. Вони стали легшими і рідше розтріскувалися в міру висихання дерева. Згадувана дерев'яна статуя Куя Сєніна, роботи Косьо, сина Ункея, демонструє найвище досягнення реалізму епохи Камакура в портретній скульптурі. Справді, скульптура у цей час досягла апогею у своєму розвитку, і згодом вона вже не займала такого видного місця у мистецтві.

Світський живопис також відбивав дух часу. Оповідальні сувої пізньохейанського періоду в стриманій колористичній гамі і витончених лініях розповідали про романтичні ескапади принца Гендзі або про розваги придворних дам, що ведуть затворницький спосіб життя. Тепер яскравими фарбами та енергійними мазками художники епохи Камакура зображували битви ворогуючих кланів, охоплені полум'ям палаци та переляканих людей, що біжать від нападників. Навіть коли на свитку розгорталася релігійна історія, зображення було не так іконою, як історичним свідченням про подорожі святих людей і сотворені ними чудеса. В оформленні цих сюжетів можна виявити любов до природи, що зростає, і захоплення рідними пейзажами.

Муроматі, або період Асікага

(1392-1568). У 1392, після більш ніж 50 років розбратів, третій сьогун сімейства Асікага, Йосіміцу (1358-1408), знову об'єднав країну. Місцем розташування уряду знову стала номінальна столиця Кіото, де сьогуни Асікага у кварталі Муроматі збудували свої палаци. (Цей період називають то Муроматі, то Асикага.) Військовий час не пощадив багатьох храмів – сховищ японського мистецтва, які були спалені разом із скарбами, що там були. Країна була жорстоко розорена, і навіть світ не приніс великого полегшення, тому що ворогуючі клани, домагаючись успіху, роздавали милості за своєю примхою. Здавалося б, ситуація була вкрай несприятливою для розвитку мистецтва, проте насправді сьогуни Асікага сприяли йому, особливо в 15–16 ст., коли процвітав живопис.

Найбільш значним явищем мистецтва цього часу були монохромні поетичні зображення тушшю, що заохочувалися дзен-буддизмом і під впливом китайських зразків династій Сун і Юань. У період династії Мін (1368–1644) з Китаєм були відновлені контакти, і Йосіміцу, колекціонер та покровитель мистецтв, заохочував колекціонування та вивчення китайського живопису. Вона стала взірцем та відправною точкою для обдарованих художників, які легкими та швидкими мазками пензля малювали пейзажі, птахів, квіти, зображення священнослужителів та мудреців. Японський живопис цього часу характеризується ощадливістю лінії; художник ніби витягує квінтесенцію зображуваного сюжету, надаючи глядачеві погляду наповнити його деталями. Переходи сірої та блискучої чорної туші в цих картинах дуже близькі до філософії дзен, яка, безумовно, надихала їх авторів. Хоча це віровчення досягло значного впливу ще за військової влади Камакура, воно продовжувало швидко поширюватися у 15–16 вв.(століття), коли виникли численні дзенські монастирі. Проповідуючи в основному ідею «саморятування», воно не пов'язувало порятунок із Буддою, але більше покладалося на сувору самодисципліну людини для досягнення раптового інтуїтивного «просвітлення», що поєднує його з абсолютом. Економне, але сміливе використання туші та асиметрична композиція, в якій незабарвлені частини паперу відігравали значну роль у зображеннях ідеалізованих ландшафтів, мудреців та вчених, відповідали цій філософії.

Одним із найзнаменитіших представників напряму сумі-е, стилю монохромного живопису тушшю, був Сессю (1420–1506), дзенський священик, чиє довге та плідне життя забезпечило йому тривале шанування. Наприкінці життя він став застосовувати манеру хабоку (швидкої туші), яка, на противагу зрілому стилю, що вимагав чітких, економних мазків, доводила традицію монохромного живопису майже абстракції.

На цей же період припадає діяльність родини художників Кано та розвиток їхнього стилю. На вибір сюжетів і використання туші він був близький до китайського, проте за виразними засобами залишався японським. Кано за підтримки сьоґунату став «офіційною» школою або художнім стилем живопису і процвітав ще й у 19 ст.

Наївна традиція ямато-е продовжувала жити у творах школи Тоса, другого важливого напряму японського живопису. Насправді в цей час обидві школи Кано і Тоса були тісно пов'язані, їх об'єднував інтерес до сучасного життя. Мотонобу Кано (1476–1559), один із видатних художниківцього періоду, не тільки видав свою дочку за відомого художника Тоса, а й писав у його манері.

У 15-16 ст. з'явилося лише кілька цікавих творів скульптури. Слід зазначити, що розвиток драми ноо, з її різноманітністю настроїв та емоцій, відкрило перед скульпторами нове поле діяльності – вони вирізали маски для акторів. У класичній японській драмі, яка виконувалася аристократією і для аристократії, актори (один або більше) носили маски. Вони передавали гаму почуттів від страху, тривоги та розгубленості до стриманої радості. Деякі маски були так чудово вирізані, що найменший поворот голови актора викликав тонкі зміни вираження почуттів. Чудові зразки цих масок зберігалися роками у сім'ях, членам яких вони були виготовлені.

Період Момояма

(1568-1615). У 1593 великий військовий диктатор Хідеосі побудував свій замок на Момоямі, «Персиковому Пагорбі», і цим ім'ям прийнято визначати період 47 років від падіння сьогуната Асікага до затвердження Токугава, або періоду Едо, 1615. Це був час домінування абсолютно нового воїнського чиє велике багатство сприяло процвітанню мистецтва. Вражаючі замки з великими залами для аудієнцій та довгими коридорами увійшли до моди наприкінці 16 ст. і вимагали прикрас, що відповідають їхній величі. Це був час суворих і мужніх людей, і нові покровителі, на відміну від колишньої аристократії, особливо цікавилися інтелектуальними пошуками чи тонкощами майстерності. На щастя, нове покоління художників цілком відповідало своїм покровителям. У цей період з'явилися чудові ширми та рухливі панелі яскравого малинового, смарагдового, зеленого, фіолетового та синього кольорів. Такі буйні кольори та декоративні форми, часто на золотому чи срібному тлі, були дуже популярні протягом ста років, а їх творців вельми справедливо називали «великими декораторами». Завдяки тонкому японському смаку пишний стиль не переріс у вульгарність, і навіть коли стриманість і недомовленість поступилися місцем розкоші та декоративним надмірностям, японцям вдавалося зберегти елегантність.

Ейтоку Кано (1543–1590), один із перших великих художників цього періоду, працював у стилі Кано та Тоса, розширивши уявлення про малюнок першого та поєднуючи їх з багатством фарб другого. Хоча збереглося лише кілька творів, автором яких можна з упевненістю назвати Ейтоку, він вважається одним із засновників стилю Момояма, і більшість художників цього періоду були його учнями або перебували під його впливом.

Едо, або період Токугава

(1615-1867). Довгий період світу, що настав для знову об'єднаної Японії, називається або часом Токугава, на прізвище правителя, або Едо (сучасний Токіо), оскільки в 1603 році це місто стало новим центром влади. Два знаменитих генерала нетривалого періоду Момояма, Ода Нобунага (1534–1582) та Тойотомі Хідеосі (1536–1598), за допомогою військових дій та дипломатії зуміли нарешті примирити могутні клани та войовниче духовенство. Зі смертю Хідеосі в 1598 влада перейшла до Іеяса Токугава (1542-1616), який завершив розпочаті спільно заходи. Рішуча битва при Секігахарі в 1600 р. зміцнила позиції Іеясу, падіння замку Оска в 1615 р. супроводжувалося остаточним крахом будинку Хідеосі і встановленням неподільного володарювання сьогуната Токугава.

Мирне правління Токугава тривало 15 поколінь і завершилося лише 19 в. Це був переважно період політики «закритих дверей». Декретом 1640 року іноземцям було заборонено доступ до Японії, а японці не могли виїжджати за кордон. Єдиний комерційний та культурний зв'язок був з голландцями та китайцями через порт Нагасакі. Як і в інші періоди ізоляції, спостерігалося піднесення національних почуттів та виникнення наприкінці 17 ст. так званої школи жанрового живопису та гравюри.

Швидко зростаюча столиця Едо стала центром як політичного і ділового життя острівної імперії, а й центром мистецтв і ремесел. Вимога, щоб дайме, провінційні феодали протягом певної частини кожного року перебували в столиці, породжувало потребу в нових, у тому числі палацових спорудах, а значить, і в художниках для їх оздоблення. Одночасно виник клас багатих, але не належать до аристократії купців надавав нове і часто непрофесійне заступництво художникам.

Мистецтво раннього періоду Едо частково продовжує та розробляє стиль Момояма, посилюючи в ньому тенденції до розкоші та пишності. Продовжує розвиватися успадковане від попереднього періоду багатство химерних образів та поліхромії. Цей декоративний стиль досяг найвищого розквіту в останній чверті 17 ст. у т.зв. епоху Генроку періоду Токугава (1688-1703). У японському декоративному мистецтві він не має паралелей з екстравагантності та багатства кольору та декоративних мотивів у живописі, тканинах, лаку, у художніх дрібницях – атрибутах розкішного способу життя.

Оскільки йдеться про відносно пізній період історії, не дивно, що збереглися імена багатьох художників та їх твори; тут можна назвати лише кілька найвидатніших. Серед представників декоративної школи, які жили і працювали в періоди Момояма та Едо, – Хоннамі Коецу (1558–1637) та Нономура Сотацу (пом. 1643). Їхні роботи демонструють чудове почуття малюнка, композиції та кольору. Коецу, талановитий кераміст та художник лакових виробів, був відомий красою своєї каліграфії. Разом із Сотацу вони створювали модні на той час поеми на сувоях. У цьому поєднанні літератури, каліграфії та живопису зображення були простими ілюстраціями: вони створювали чи припускали настрій, відповідне сприйняттю тексту. Огата Корін (1658-1716) був одним із спадкоємців декоративного стилю і разом зі своїм молодшим братом Огата Кендзан (1663-1743) довів його техніку до досконалості. Кендзан, більш відомий як кераміст, ніж художник, обпікав судини з нанесеними на них малюнками свого знаменитого старшого брата. Відродження цієї школи на початку 19 ст. поетом та художником Сакаї Хоїцу (1761–1828) було останнім сплеском декоративного стилю. Красиві сувої та ширми Хорицю поєднували почуття малюнка Коріна з інтересом до природи, властивим натуралізму школи Маруяма, що виявилося у багатстві кольору та декоративних мотивів, властивому більш ранньому періоду, яке стримувалося пишнотою та витонченістю мазка.

Разом із поліхромним декоративним стилем продовжував залишатися популярним традиційний малюнок тушшю школи Кано. У 1622 Кано Тан'ю (1602-1674) був призначений придворним художником сьоґуна і викликаний в Едо. З його призначенням на цю посаду та створенням школи живопису Кано в Едо, в Кобікіто, настав піввіковий період художнього лідерства цієї традиції, який повернув сімейству Кано видатне становище та зробив твори періоду Едо найбільш значними у живописі Кано. Незважаючи на популярність розписаних золотом і яскравими фарбами ширм, що створювалися «великими декораторами» та суперниками, Тан'ю завдяки силі свого таланту та офіційному положенню зміг зробити популярним серед знаті живопис відродженої школи Кано. До традиційних особливостей школи Кано Тан'ю додав міць і простоту, засновану на жорсткій переривчастій лінії та продуманому розташуванні елементів композиції на великій вільній поверхні.

Новий напрям, у якому головною рисою був інтерес до природи, став переважати наприкінці 18 в. Маруяма Окё (1733–1795), голова нової школи, був селянином, потім став священнослужителем і, нарешті, художником. Перші два заняття не принесли йому ні щастя, ні успіху, зате як художник досяг великих висот і вважається засновником реалістичної школи Маруяма. Він навчався у майстра школи Кано Ісіда Ютеї (пом. бл. 1785); на основі привізних голландських гравюр він спіткав західну техніку перспективного зображення, а іноді просто копіював ці гравюри. Він вивчав також китайські стилі часів династій Сун та Юань, у тому числі тонкий та реалістичний стиль Чень Суаня (1235–1290) та Шен Нанпіна; останній жив у Нагасакі на початку 18 ст. Окё зробив багато робіт з натури, та її наукові спостереження послужили основою сприйняття природи, у якому грунтувалася школа Маруяма.

Крім інтересу до натуралізму у 18 ст. відновився вплив китайської мистецької традиції. Представники цього напряму тяжіли до мальовничої школи художників-вчених доби Мін (1368–1644) та Цін (1644–1912), хоча, ймовірно, їх уявлення про сучасному станімистецтва в Китаї були обмежені. Мистецтво цієї японської школи називалося будзинга (мистецтво освічених людей). Одним із найвпливовіших майстрів, які працювали в стилі будзингу, був Ікено Тайга (1723–1776), відомий художник та каліграф. Для зрілого стилю характерні товсті контурні лінії, заповнені легкими перистими штрихами світлих тонів і туші; він писав і широкими, вільними мазками чорної туші, зображуючи схилі під вітром і дощем бамбукові стовбури. Короткими вигнутими лініями він досягав ефекту, що нагадує гравюри, у зображенні туманних гір над оточеним лісом озером.

17 ст. породив ще один чудовий напрямок мистецтва періоду Едо. Це так зване укіє-е (картини світу, що змінюється) – жанрові сцени, що створювалися простим народом і для нього. Ранні укіє з'явилися в старій столиці Кіото і були в основному мальовничими. Але центр їх виготовлення швидко перемістився в Едо, і увага майстрів зосередилася на гравюрі дерева. Тісний зв'язок гравюри на дереві з укіє привела до невірного уявлення, що гравюра на дереві була відкриттям цього періоду; насправді вона виникла ще 11 ст. Такі ранні зображення мали вотивний характер, ними зображалися засновники буддизму і божества, а період Камакура деякі оповідальні сувої відтворювалися з різьблених блоків. Однак особливо популярним мистецтво гравюри стало в період із середини 17 і аж до 19 ст.

Предметами зображення гравюр укіє були прекрасні куртизанки веселих кварталів, улюблені актори та сцени з драм. Ранні, т.зв. примітивні гравюри були виконані в чорному кольорі, з сильними хвилястими ритмічними лініями, і відрізнялися простим малюнком. Їх іноді розфарбовували від руки в оранжево-червоний колір, що називався тан-е (яскраво-червоні картини), з відмітками жовто-гірчичного та зеленого кольорів. Деякі з «примітивних» художників використовували ручний розпис, що називався урусю-е (лаковий живопис), в якому темні ділянки посилювалися і ставали яскравішими завдяки додаванню клею. Рання багатобарвна гравюра, що з'явилася в 1741 або 1742, називалася бенидзурі-е (малинова гравюра) і зазвичай використовувала три кольори – рожево-червоний, зелений та іноді жовтий. По-справжньому багатобарвні гравюри, що використовували всю палітру і називалися нісіки-е (парчові зображення), з'явилися в 1765 році.

Крім створення окремих відбитків, багато з граверів ілюстрували книги і заробляли виготовленням еротичних ілюстрацій у книгах і на сувоях. Слід мати на увазі, що гравюра укіє складалася з трьох видів діяльності: це була праця малювальника, чиє ім'я носив відбиток, різьбяра і друкаря.

Родоначальником традиції створення гравюр укіє вважається Хісікава Моронобу (бл. 1625-1694). Інші «примітивні» художники цього напряму – Кіємасу (1694–1716) та група Кайгецудо (дивна співдружність художників, час існування якої залишається незрозумілим), а також Окумура Масанобу (1686–1764).

Художниками перехідного періоду, які створили гравюру бенидзурі-е, були Ісікава Тоєнобу (1711–1785), Торії Кієхіро (працював бл. 1751–1760) та Торії Кіоміцу (1735–1785).

Твори Судзукі Харунобу (1725-1770) відкривають епоху поліхромної гравюри. Виконані м'якими, майже нейтральними фарбами, населені витонченими дамами та галантними коханцями, гравюри Харунобу мали великий успіх. Приблизно одночасно з ним працювали Кацукава Сюнсьо (1726–1792), Торії Кієнага (1752–1815) та Кітагава Утамаро (1753–1806). Кожен із них зробив свій внесок у розвиток цього жанру; майстри довели гравюри із зображенням витончених красунь та знаменитих акторівдо досконалості. За кілька місяців у 1794–1795 таємничий Тосусаї Сараку створив сильні та відверто жорстокі портрети акторів тих днів.

У перші десятиліття 19 в. цей жанр досяг зрілості і почав хилитися до занепаду. Кацусіка Хокусай (1760–1849) та Андо Хіросіге (1797–1858) – найбільші майстри епохи, творчість яких поєднує захід сонця мистецтва гравюри 19 ст. та його нове відродження на початку 20 ст. Обидва були насамперед пейзажистами, які фіксували у своїх гравюрах події сучасного життя. Блискуче володіння технікою різьбярів і друкарів дозволяло передавати в гравюрі примхливі лінії і найменші відтінки заходу сонця або туману, що піднімається на зорі.

Реставрація Мейдзі та сучасний період.

Часто буває так, що стародавнє мистецтво того чи іншого народу бідне іменами, датами і творами, що збереглися, тому які-небудь судження можна виносити лише з великою обережністю та умовністю. Однак судити про сучасне мистецтво не менш важко, оскільки ми позбавлені історичної перспективи, щоб вірно оцінити масштаб якогось напряму чи художника та його творчості. Вивчення японського мистецтва не є винятком, і найбільше, що можна зробити, це уявити панораму сучасного мистецтва і зробити деякі умовні попередні висновки.

У другій половині 19 ст. були знову відкриті для торгівлі японські порти, на політичній сцені відбулися серйозні зміни. У 1868 році було скасовано сьогунат і відновлено правління імператора Мейдзі. Офіційна столиця і резиденція імператора були перенесені до Едо, а саме місто стало називатися Токіо (східна столиця).

Як це траплялося й у минулому, кінець національної ізоляції викликав неабиякий інтерес до здобутків інших націй. У цей час японці здійснили величезний стрибок у сфері науки та техніки. У художньому відношенні початок епохи Мейдзі (1868-1912) демонструє прийняття всього західного, включаючи техніку. Однак це прагнення тривало недовго, і за ним був період асиміляції, виникнення нових форм, що поєднують повернення до власних традицій і нові західні віяння.

Серед художників набули популярності Кано Хогай (1828–1888), Сімомура Кандзан (1873–1916), Такеуті Сейхо (1864–1924) та Томіока Тессай (1836–1942). Перші троє дотримувалися традиційного японського стилю та сюжетів, хоча й прагнули виявити оригінальність у настрої та техніці. Сейхо, наприклад, працював у спокійній та консервативній атмосфері Кіото. Його ранні твори створені в натуралістичній манері Маруяма, але пізніше він багато подорожував Китаєм і зазнав глибокого впливу китайського живопису тушшю. Його поїздки музеями та провідними мистецькими центрами Європи також залишили слід у його роботах. З усіх видатних художників цього часу тільки один Томіок Тессай близько підійшов до розробки нового стилю. У його енергійних і повних силах творах грубі викривлені нерівні лінії та плями чорної туші поєднуються з тонко виписаними ділянками кольору. У пізніші роки деякі молоді художники, які працювали олією, досягли успіху там, де їхні діди зазнали невдачі. Перші спроби роботи з цим незвичним матеріалом нагадували паризькі полотна і не відрізнялися особливою цінністю, ні специфічно японськими рисами. Проте нині створюються роботи виняткової привабливості, у яких через абстрактні теми просвічує характерне японське почуття кольору та врівноваженості. Інші художники, працюючи з більш природною та традиційною тушшю і іноді використовуючи каліграфію як вихідний мотив, створюють енергійні абстрактні твори у блискучих чорних тонах із відтінками сірого.

Як і період Едо, в 19–20 ст. скульптура була популярною. Але і в цій галузі представники сучасного покоління, які навчалися в Америці та Європі, експериментували досить успішно. Невеликі бронзові скульптури, абстрактні за формою та з дивними назвами, демонструють властиве японцям почуття лінії та кольору, що проявляється у використанні м'якої зеленої чи теплої коричневої патини; різьблення по дереву свідчить про кохання японців до фактури матеріалу.

Сосаку ханга, японська «творчий друк», з'явилася лише перше десятиліття 20 в., але як особливий напрям мистецтва вона затьмарила й інші області сучасного мистецтва. Ця сучасна гравюра, строго кажучи, не є наступницею більш старої гравюри на дереві укіе; вони різняться за стилем, сюжетами та способами створення. Художники, багато з яких перебували під сильним впливом західного живопису, усвідомили важливість власного художньої спадщиниі знайшли в дереві потрібний матеріал для вираження своїх творчих ідеалів. Майстри ханга не лише малюють, а й вирізають зображення на дерев'яних блоках і самі їх друкують. Хоча у цьому виді мистецтва найвищі здобутки пов'язані з роботами на дереві, застосовуються всі сучасні західні техніки гравюри. Експерименти з листям, мотузками і знайденими предметами в деяких випадках дозволяють створити унікальні ефекти фактури поверхні. Спочатку майстри цього напряму були змушені домагатися визнання: адже навіть найкращі досягнення школи укіе художники-інтелектуали пов'язували з неписьменним натовпом і вважали плебейським мистецтвом. Такі художники, як Онті Косіро, Хірацука Уньїті та Маекава Семпан, багато зробили для того, щоб повернути повагу до гравюри та затвердити цей напрямок як гідну гілку витончених мистецтв. Вони залучили багато молодих художників до своєї групи, і гравери нині обчислюються сотнями. Серед майстрів цього покоління, які досягли визнання в Японії та на Заході, – Адзеті Уметаро, Мунаката Сіко, Ямагучі Ген та Сайто Кієсі. Це майстри, чиє новаторство та безперечний талант дозволили їм зайняти гідне становище серед провідних художників Японії. Багато їх ровесників та інших, молодших художників ханга, теж створили чудові гравюри; те, що ми не згадуємо тут їхні імена, не означає низької оцінки їхньої творчості.

ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНЕ МИСТЕЦТВО, АРХІТЕКТУРА І САДИ

У попередніх розділах йшлося переважно про живопис та скульптуру, які в більшості країн вважаються головними видами образотворчого мистецтва. Можливо, несправедливо відносити до кінця статті декоративне мистецтво та народні ремесла, мистецтво садів та архітектуру – форми, які становили важливу та невід'ємну частину японського мистецтва. Однак, можливо, за винятком архітектури, вони вимагають особливого розгляду поза зв'язком із загальною періодизацією японського мистецтва та змінами стилю.

Кераміка та порцеляна.

До найважливіших видів декоративно-ужиткового мистецтва в Японії відносяться кераміка та фарфор. Керамічне мистецтво природно поділяється на дві категорії. Прекрасний поліхромний порцеляна Імарі, Набесіма і Якіемон отримав назву від місць виробництва, і його багатий розпис на кремовій або блакитно-білій поверхні призначався для знаті та придворних кіл. Процес виготовлення справжньої порцеляни став відомий у Японії наприкінці 16 або на початку 17 ст.; тарілки та чаші з гладкою глазур'ю, з асиметричним або нагадуючим парчу малюнком, цінуються як на батьківщині, так і на Заході.

На відміну від порцеляни в грубому посуді з глини або кам'яної маси невисокої якості, характерної для Сіно, Орібе та Бідзена, увага акцентується на матеріалі, здавалося б недбале, але продумане розташування декоративних елементів. Такі судини, що створювалися під впливом концепцій дзен-буддизму, були дуже популярні в інтелектуальних колах і широко використовувалися, особливо в чайних церемоніях. У багатьох чашках, чайниках та чайницях, атрибутах мистецтва чайної церемонії, втілилася сама суть дзен-буддизму: жорстка самодисципліна та сувора простота. У період розквіту японського декоративного мистецтва талановиті художники Корін та Кендзан займалися декором керамічних виробів. Слід згадати, що слава Кендзана пов'язана з його талантом кераміста, а чи не живописця. Деякі з найпростіших типів та технік виготовлення судин походять із традицій народного ремесла. Сучасні майстерні, продовжуючи старі традиції, виготовляють чудові вироби, що захоплюють своєю елегантною простотою.

Лакові вироби

Вже у 7–8 ст. лак був відомий у Японії. Від цього часу збереглися кришки скриньок, прикрашені зображеннями людей та геометричними мотивами, нанесеними тонкими золотими лініями. Ми вже говорили про важливість техніки сухого лаку для скульптури 8–9 ст.; у цей час і пізніше робилися декоративні предмети типу скриньок для листів чи коробочок для пахощів. У період Едо ці вироби виготовлялися у великій кількості та з найбільш пишним декором. Розкішно прикрашені коробочки для сніданків, для тістечок, для пахощів і ліків, які називалися інро, відбивали багатство і любов до розкоші, властиві цьому часу. Поверхня предметів прикрашалася візерунками із золотого та срібного порошку, шматочків золотої фольги, окремо або у комбінації з інкрустаціями раковинами, перламутром, сплавом олова та свинцю тощо; ці візерунки контрастували з лакованою червоною, чорною або коричневою поверхнею. Іноді малюнки для лаків робили художники, наприклад Корін та Коецу, проте навряд чи вони особисто брали участь у цих роботах.

Мечі.

Японці, як було зазначено, протягом значного періоду своєї історії були народом воїнів; зброю та зброю вважалися предметами першої необхідності для великої частини населення. Меч був гордістю чоловіка; як сам клинок, і всі інші частини меча, особливо рукоятка (цуба), прикрашалися у різних техніках. Цуба із заліза або бронзи прикрашали інкрустаціями із золота та срібла, покривали різьбленням або обробляли і тим, і іншим. Там зображали пейзажі чи постаті людей, квіти чи фамільні герби (мон). Все це доповнювало роботу мечів.

Тканини.

Багаті візерунчасті шовкові та інші тканини, улюблені двором та духовенством за часів пишноти та достатку, а також прості тканини з майже примітивним малюнком, характерним для народного мистецтва, також є виразом національного японського таланту. Досягнувши найвищого розквіту в багату епоху Генроку, мистецтво текстилю знову розквітло в Японії. У ньому ідеї та штучні волокна із Заходу вдало поєднуються з традиційними забарвленнями та декоративними мотивами.

Сади.

В останні десятиліття інтерес до японських садів та архітектури посилився завдяки ширшому знайомству західної публіки з цими формами мистецтва. Сади у Японії займають особливе місце; вони є виразом і символом високих релігійних і філософських істин, і ці незрозумілі, символічні обертони, що поєднуються з очевидною красою садів, викликають інтерес західного світу. Не можна сказати, що релігійні або філософські ідеїбули головною причиною створення садів, але при плануванні та створенні саду художник-планувальник обмірковував такі елементи, споглядання яких призведе глядача до роздумів про різні філософські істини. Тут споглядальний аспект дзен-буддизму втілюється в групі незвичайних каменів, хвилях вирівняного граблями піску і гравію, що поєднуються з дерном, або рослинах, розташованих так, що струмок за ними то зникає, то знову з'являється, - все це спонукає глядача самостійно завершити закладені при спорудженні саду ідеї. Перевага неясному натяку перед зрозумілим поясненням характерна для філософії дзен. Продовженням цих ідей стали популярні зараз на Заході карликові дерева бонсай та крихітні садочки у горщиках.

Архітектура.

Головні архітектурні пам'ятки Японії - це храми, монастирські комплекси, феодальні замки та палаци. З давніх-давен і до цього дня дерево є головним будівельним матеріалом і великою мірою визначає конструктивні особливості. Найдавніші релігійні споруди – святилища національної японської релігії синто; судячи з текстів і малюнків, вони були відносно простими будовами із солом'яним дахом, як і стародавні житла. Храмові будівлі, що зводилися після поширення буддизму і пов'язані з ним, за стилем та плануванням ґрунтувалися на китайських прототипах. Буддійська храмова архітектура змінювалася залежно від часу, а декор та розташування будівель були різними у різних сектах. Японські споруди відрізняються великими залами з високими дахами та складною системою консолей, які декор відбивав смак свого часу. Проста і велична архітектура комплексу Хорюдзі, побудованого поблизу Нара на початку 7 ст, так само характерна для періоду Асука, як краса та елегантність пропорцій Хоодо, «Зала фенікса» в Удзі, що відображається в озері Лотоса, для епохи Хейан. Більш складні споруди періоду Едо придбали додаткові прикраси у вигляді багато розфарбованих розсувних дверей та ширм, виготовлених тими ж «великими декораторами», які прикрашали інтер'єри оточених ровами замків та палаців феодалів.

Архітектура та сади Японії пов'язані настільки тісно, ​​що можуть вважатися частинами один одного. Особливо це справедливо щодо будівель та садових будиночків для чайної церемонії. Їх відкритість, простота і ретельно продуманий зв'язок з ландшафтом і перспективою дуже впливають на сучасну архітектуру Заходу.

ВПЛИВ ЯПОНСЬКОГО МИСТЕЦТВА НА ЗАХІД

Протягом усього століття мистецтво Японії стало відоме на Заході і справило на нього значний вплив. Були й більш ранні контакти (наприклад, голландці торгували з Японією через порт Нагасакі), проте предмети, які сягали Європи у 17 в., були переважно творами прикладного мистецтва – фарфор і лакові вироби. Їх охоче колекціонували як дива і копіювали різними способами, але ці предмети декоративного експорту не відображали суті та якості японського мистецтва і навіть породили у японців невтішне уявлення про західний смак.

Вперше західний живопис зазнав прямого впливу японського мистецтва в Європі в 1862 під час величезної Міжнародної виставкив Лондоні. Представлені на Паризькій виставці п'ятьма роками пізніше японські гравюри на дереві знову порушили великий інтерес. Відразу виникло кілька приватних колекцій гравюр. Дега, Мане, Моне, Гоген, Ван Гог та інші сприйняли японські кольорові гравюри як одкровення; часто відзначається легкий, але завжди розпізнаваний вплив японської гравюри на імпресіоністів. Американців Вістлера та Мері Кассат залучили стриманість лінії та яскраві колористичні плями гравюр та живопису укіе-е.

Відкриття Японії для іноземців у 1868 породило захоплення всіма західними речами поспіль і змусило японців відвернутися від їхньої власної багатої культури та художньої спадщини. У цей час багато прекрасних живописних творів і скульптур були продані і опинилися в західних музеяхта приватних колекціях. Виставки цих предметів познайомили Захід з Японією та стимулювали інтерес до подорожей на Далекий Схід. Безумовно, окупація Японії американськими військами наприкінці Другої світової війни відкрила ширші, ніж раніше, можливості знайомства і глибшого вивчення японських храмів та його скарбів. Цей інтерес позначився і на відвідуваності американських музеїв. Інтерес до Сходу взагалі викликав організацію виставок творів японського мистецтва, відібраних із японських державних та приватних колекцій та привезених до Америки та Європи.

Наукові дослідження останніх десятиліть зробили багато для спростування думки, що японське мистецтво є лише відображенням китайської, а численні японські публікації англійською познайомили Захід з ідеалами Сходу.

 Подробиці Категорія: Образотворче мистецтво та архітектура XIX століття Розміщено 14.08.2017 18:30 Переглядів: 1604

У першій половині ХІХ ст. в японському живопису ще панував стиль укіе-е. У 1868 р., після революції Мейдзі і відкриття кордонів, в Японії стали доступнішими досягнення західної цивілізації, і укіе-е поступово виходить з моди, замінюючись фотографією.
Але про все по порядку.

Стиль укіе-е

Укіє-е(яп. картини (образи) мінливого світу) – напрямок у образотворчому мистецтві Японії. Спочатку цей буддистський термін вживався у значенні «тлінний світ, юдоль печалі». Але в епоху Едо, з появою спеціально відведених міських кварталів, в яких процвітав театр Кабукі і знаходилися вдома гейш та куртизанок, термін був переосмислений, і його стали розуміти як «світ скороминучих насолод, світ кохання».
Гравюри в стилі укіє-е – основний вид ксилографії у Японії. Ця форма мистецтва стала популярною у міській культурі у другій половині XVII ст. Основоположник укіє-е – японський живописець та графік Хісікава Моронобу.

Х. Моронобу «Осінь в Асакуса. Квітуча вишня у парку Уено». Розпис ширми. Галерея Фрір (Вашингтон)
Спочатку гравюри були чорно-білими, виконаними тушшю. З початку XVIII ст. деякі роботи розфарбовувалися вручну за допомогою пензля.
Гравюри укіє-е призначалися в основному для міських жителів, які не могли собі дозволити дорожчі живописні картини.
Теми укіє - е - картини повсякденного життя: прекрасні гейші, борці сумо, популярні актори театру кабуки, а пізніше - пейзажна гравюра.

Кацусіка Хокусай "Велика хвиля в Канагаві" (1823-1831)
У період XVIII-XIX ст. відомими художниками були Утамаро, Хокусай, Хіросіге та Тосюсай Сяраку.
У той час, коли в Японії стиль укіє став виходити з моди, він набув популярності в Західній Європі та Америці, гравюри починають масово скуповувати мистецтвознавці.
Японські гравюри надихнули багатьох європейських художників, які працювали в стилі кубізму, імпресіонізму, постімпресіонізму: Вінсента ван Гога, Клода Моне та ін Цей вплив назвали «японізмом».

Вінсент ван Гог "Портрет татуся Тангі" (1887-1888). Полотно, олія. Музей Родена (Париж)

Відомі художники стилю укіе-е:

Хісікава Моронобу (XVII ст.)
Кітагава Утамаро (XVIII ст.)
Каванабе Кесай (XIX ст.)
Кацусика Хокусай (XVIII-XIX ст.)
Утагава Хіросіге (XIX ст.)
Утагава Кунісада (XIX ст.)
Утагава Куніосі (XIX ст.)
Кейсай Ейсен (XIX ст.)
Судзукі Харунобу (XIX ст.)
Тоєхара Кунітіка (XIX ст.)
Цукіока Ёсітосі (XIX ст.)
Огата Гекко (XIX-XX ст.)
Хасуї Кавасе (XX ст.)

Розглянемо творчість деяких із них.

Кацусіка Хокусаї (1760-1849)

Кацусіка Хокусай. Автопортрет
Відомий японський художник укіе-е, ілюстратор, гравер. Працював під безліччю псевдонімів (щонайменше 30). Народився у сім'ї ремісника, почав малювати у віці 6 років. Працюючи у книжковій лавці, навчився грамоти. Потім працював у майстерні гравера – гравюра на той час була дуже популярною в Японії.
У 1793-1794 pp. починається самостійне життя художника, досить важке у матеріальному плані, але насичене мистецтвом – він вивчає різні школи живопису: школи Кано (пейзажі, зображення птахів та тварин, побутові сценки; вони прикрашали малюнком дверей розсувних ширм); школа Сотацу (зображення повсякденного життя японців та японські пейзажі на розсувних дверях). Художник поступово починає виробляти свій стиль.
У 1796 р. художник став використовувати широко згодом широко відомим псевдонімХокусай. У 1800 р., у віці 41 року, художник став називати себе Гакедзін Хокусай («Божевільний живописом Хокусай»).
Картину світу художник осмислює через свідомість значущості, особливої ​​цінності щоденного життя людей, їхньої праці та турбот. Життя природи, її сенс і краса у пейзажах Хокусай стають зрозумілими лише завдяки присутності у яких людей, зайнятих своїми звичайними справами. Більшу частину свого життя Хокусай провів у подорожах країною, замальовуючи все, що було побачено. Хокусай був відомий як гравер, а й як письменник, поет і живописець.
Він був першим із художників японської гравюри, у творчості якого пейзаж отримав значення самостійного жанру. У пейзажах Хокусай був відбитий живий і величний вигляд природи Японії.
За свою довгу художню діяльністьвін створив близько 30 тисяч малюнків та гравюр та проілюстрував близько 500 книг.
Розквіт творчості Хокусай належить до 1820-початку 1830-х років. У цей час їм було створено найкращі його пейзажні серії. Ці серії вражають глибиною і багатством художнього бачення Хокусаї - від широкого філософського осмислення картини світу в серії «36 видів гори Фудзі» (1823-1829), показу епічної величі природи в серії «Мости» (1823-1829), милування її стихійною міццю «Водоспади» (1827-1830) до тонкого ліричного переживання природи в серії «Поети Китаю та Японії» (1830).

Кацусіка Хокусай «Південний вітер. Ясний день". Кольорова гравюра на дереві (1823-1831) із серії «Тридцять шість видів Фудзі»
Однією з найзначніших робіт Хокусая, в якій найповніше розкрилося своєрідність його творчості як художника-мислителя, є серія «36 видів Фудзі». Більша кількість аркушів цієї серії представляють різні жанрові сцени: рибалки, що закинув сіті; працюючих на дров'яному складі пильщиків; бочара, що майструє баддю, тощо. Всі ці сцени розгорнуті у пейзажі з горою Фудзі на задньому плані.
Творчість Хокусаї викликало численні наслідування, число його учнів було дуже велике. Але майже всім послідовників художника характерне засвоєння лише зовнішнього боку його творчого методу.

Сурімоно

Сурімоно – вид традиційного японського мистецтва, кольорова ксилографія, яка слугувала подарунком серед японської міської інтелігенції. Приводом для такого подарунка могли бути ювілеї, народження сина, настання пори цвітіння вишень, Новий рік і т.д. Жанри суримоно були різноманітні: зображення фігур, зображення тварин, квітів та птахів, пейзаж.
Створюваний образотворчими, віршованими і технічними засобами образ повинен був мати цілісність. Сурімоно - це і мистецтво, і гра, і спосіб розваг, частина побуту городян.

Кацусика Хокусай «Карпи» (сурімоно)
Заслуга Хокусая у злеті популярності суримоно велика: він робить його найважливішим із видів японської ксилографії.
Люди на суримоно Хокусая – «живі». Зображені на тлі пейзажу, вони активно з ним взаємодіють: прикривають рукою очі від сонця, вказують на хмари, вдивляються у безкраї простори, іноді навіть повернувшись спиною до глядача.

Кацусіка Хокусай. Сурімоно

Манга

«Манга» (яп. буквально «малюнки Хокусая») – одна з найголовніших робіт у творчій спадщиніхудожника, створена ним у зеніті слави. «Манга» є виразом поглядів Хокусая творчість, його філософії, розкриває секрети майстра; вона цінна не лише як віха в житті Хокусая, а й як важливе джерело інформації про культуру та мистецтво Японії епохи пізнього феодалізму. "Мангу" Хокусая нерідко називають "енциклопедією японського народу". Більшість малюнків зображали сценки з міського життя, містилося безліч замальовок людей. Збірник був щоденник, куди майстер заносив все бачене їм у житті у вигляді малюнків (не текстом).

Кацусіка Хокусай "Споглядання гори Фудзі" (1814) Манга
Хокусай, як і японське мистецтво загалом, вплинув на європейське мистецтво ХІХ ст., зокрема на французький імпресіонізм. Тематика гравюр Хокусая присутня в роботах Клода Моне, П'єра Огюста Ренуара та ін.
Останнім значним представником японської гравюри першої половини ХІХ ст. був пейзажист Андо Хіросіге.

Андо Хіросіге (1797-1858)

Утагава Хіросіге – японський художник-графік, представник напрямку укіе-е, майстер кольорової ксилографії. Автор не менш ніж 5400 гравюр. У ліричних пейзажах із жанровими мотивами передавав хиткі стани природи, атмосферні ефекти снігу та туману. Працював під псевдонімом Андо Хіросіге.
Рано втратив батька та матір. Образотворчим мистецтвом почав займатися після того, як побачив роботи Хокусая.
Хіросіге був учнем гравера Утагава Тоєхіро (1763-1828). Першою роботою, яка принесла Хіросізі популярність, була серія гравюр «53 станції Токайдо», надрукована в 1834 р. Продовжуючи пейзажний жанр Хокусая, Хіросіге розробляє його по-своєму.
Токайдо була однією з п'яти доріг, що з'єднували Едо з іншими частинами Японії. Вона пролягала вздовж східного берега Хонсю. Уздовж неї були розташовані 53 поштові станції, де мандрівникам пропонувався ночівля, їжа та стайні.
У 1832 р. Хіросіге проїхав Токайдо у складі офіційної делегації, що перевозила коней для імператорського двору. Краєвиди справили сильне враження на художника, і він зробив безліч ескізів. Після повернення додому він створив цикл із 53 робіт. Успіх цієї серії зробив Хіросіге одним із найзначніших і найвизнаніших майстрів гравюри.

А. Хіросіге. 1-а станція: Синогава

А. Хіросіге. 30-та станція: Маїсака

А. Хіросіге. 32-а станція: Сірасука
У природній красіПрирода Хіросіге приваблює виразність.
Творчість Хіросіге завершує період блискучого розквіту японської кольорової ксилографії XVIII та першої половини XIX ст. Гравюра 1850-1860 років. не висунула жодного великого художника, у ній все виразніше виступають стилізаторство та еклектика.
У 1868 р. у Японії відбулася буржуазна революція, а 1880-х роках вона стала монархією. Ці події започаткували новий етап історія японського мистецтва, т.к. Японія увійшла у світову систему капіталістичних країн. У мистецтві Японії цього періоду виникають численні школи та угруповання. Деякі з них стали на шлях освоєння європейського мистецтва, інші японські художники (наприклад, Курода Кійотері (1866-1924), поїхали вчитися до Європи, але були й ті, хто прагнув зберегти чистоту національних традицій.
Кінець XIX-початок XX ст. у мистецтві Японії був часом перегляду старої художньої традиції, освоєнням європейського мистецтва, пошуками нового, і навіть власного шляху розвитку.

Прикладне мистецтво Японії

Розквіт японського прикладного мистецтва розпочався наприкінці XVI ст. У ХІХ ст. велике поширення набули різьблення по дереву, по кістки, кераміка, порцеляна.
Слід сказати і про нецке– мініатюрної скульптури, твори японського декоративно-ужиткового мистецтва. Нецке є невеликим різьбленим брелоком, який використовувався на традиційному японському одязі кімоно і косоде.

Нецке, що зображує Хотея (бог спілкування, веселощів та благополуччя). Слонова кістка, сучасна робота
Перші нецке з'явилися торік у Японії у другій половині XVI-початку XVII в. З кінця ХІХ ст. та весь XX ст. нецке виконувалися на експорт. Виготовляються вони й у наш час. Це сувенірна продукція, що випускається конвеєрним способом, не надто високої якості. Але мистецтво нецке не зникло. І в наші дні існують майстри, спеціальність яких – різьблення нецке.

Нецке із секретом

Має дуже багату історію; її традиція велика, причому унікальне становище Японії у світі значною мірою вплинуло на домінуючі стилі та техніки японських художників. Відомий факт, що Японія була вельми ізольована протягом багатьох століть, зумовлений не лише географією, а й домінуючою японською культурною схильністю до ізоляції, яка позначила історію країни. Протягом століть існування того, що ми могли б назвати «японською цивілізацією», культура та мистецтво розвивалися окремо від тих, що були в іншому світі. І це навіть помітно у практиці японського живопису. Наприклад, картини Ніхонга є одним із основних творів практики японського живопису. Вона заснована на більш ніж тисячолітній традиції, а картини зазвичай створюються пензлями на ваші (японський папір) або егіну (шовк).

Проте, японське мистецтво та живопис перебували під впливом іноземних художніх практик. Спочатку це було китайське мистецтво в XVI столітті і китайський живопис і китайська традиція мистецтва, яка була особливо впливовою в кількох аспектах. На XVII століття японська живопис також перебувала під впливом західних традицій. Зокрема, у довоєнний період, який тривав з 1868 по 1945 рік, на японський живопис вплинув імпресіонізм та європейський романтизм. У той самий час нові європейські художні рухи також значно впливали японські художні техніки. В історії мистецтва цей вплив називають «японізмом», і він особливо суттєвий для імпресіоністів, кубістів та художників, пов'язаних із модернізмом.

Довга історія японського живопису може розглядатися як синтез кількох традицій, що створюють частини визнаної японської естетики. Насамперед, буддистське мистецтво та методи живопису, як і і релігійна живопис, залишили істотний слід на естетиці японських картин; водно-тушковий живопис пейзажів у традиції китайського літературного живопису – інший важливий елемент, визнаний у багатьох знаменитих японських картинах; живопис тварин і рослин, особливо птахів та квітів - це те, що зазвичай пов'язане з японськими композиціями, як і пейзажі та сцени з повсякденного життя. Нарешті, великий вплив на японський живопис мали давні уявлення про красу з філософії та культури Стародавньої Японії. Вабі, що означає короткочасну та сувору красу, сабі (краса натуральної патини та старіння) та юген (глибока грація та тонкість), як і раніше, впливають на ідеали в практиці японського живопису.

Нарешті, якщо ми концентруємо увагу на виборі десять найвідоміших японських шедеврів, ми маємо згадати укіе-е, який є одним із найпопулярніших жанрів мистецтва в Японії, навіть незважаючи на те, що він відноситься до гравюри. Він домінував у японському мистецтві з XVII - XIX століття, при цьому художники, що належать до цього жанру, створювали ксилографії та картини з такими предметами як красиві дівчата, актори Кабукі та борці сумо, а також сцени з історії та народних казок, сцени подорожі та пейзажі, флора та фауна і навіть еротика.

Завжди складно складати список кращих картин з художніх традицій. Багато дивовижних творів буде виключено; однак у цьому списку представлені десять найвідоміших японських картин у світі. У цій статті будуть представлені лише картини, створені з ХІХ століття до сьогодні.

Японський живопис має надзвичайно багату історію. Протягом століть японські художники розробили велику кількість унікальних технік та стилів, які є найціннішим внеском Японії у світ мистецтва. Одна з цих технік – сумі-е. Сумі-е буквально означає «чорнильний малюнок», що поєднує в собі каліграфію та малювання чорнилом для створення рідкісної краси композицій, намальованих пензлем. Ця краса парадоксальна - давня, але сучасна, проста, але складна, смілива, але підпорядкована, що безсумнівно відображає духовну основу мистецтва в дзен-буддизмі. Буддійські священики завезли твердочорнильний брикет і бамбукову кисть до Японії з Китаю в шостому столітті, а за останні 14 століть Японія розробила багату спадщину тушового живопису.

Скрутка вниз і 10 Japanese Painting Masterpieces

1. Кацусика Хокусай "Сон дружини рибалки"

Одна з найвідоміших японських картин - "Сон дружини рибалки". Вона була написана у 1814 році відомим художникомХокусаємо. Якщо дотримуватися суворих визначень, цей дивовижний твір Хокусая не можна розглядати як живопис, оскільки він є ксилографією жанру укіє з книги «Молоді сосни» (Kinoe no Komatsu), яка є тритомною книгою сюнга. У композиції зображено молоду нирку аму, обвиту сексуально парою восьминогів. Цей образ був дуже впливовим у XIX та XX століттях. Робота вплинула на пізніших художників, таких як Фелісьєн Ропс, Огюст Роден, Луїс Окок, Фернан Кнопф та Пабло Пікассо.

2. Тессай Томіока "Абе-но Накамаро пише ностальгічну поему, спостерігаючи за місяцем"

Тессай Томіока – псевдонім відомого японського художника та каліграфа. Він вважається останнім великим художником у традиції бунцзингу та одним із перших великих художників стилю Ніхонга. Бунцзинга була школою японського живопису, яка процвітала за доби пізнього Едо серед художників, які вважали себе літераторами чи інтелектуалами. Кожен із цих художників, включаючи Тессайя, розробив свій власний стиль та техніку, але всі вони були великими шанувальниками китайського мистецтва та культури.

3. Фудзісіма Такедзі «Схід сонця над Східним морем»

Фудзісіма Такедзі був японським художником, відомим за працю з розвитку романтизму та імпресіонізму в художньому русі йога (західний стиль) наприкінці XIX – на початку XX століття. У 1905 році він вирушив до Франції, де на нього вплинули французькі рухи того часу, зокрема імпресіонізм, що можна побачити в його картині «Схід сонця над Східним морем», яка була написана в 1932 році.

4. Кітагава Утамаро «Десять типів жіночих осіб, колекція панівних красунь»

Кітагава Утамаро був видатним японським художником, який народився у 1753 році та помер у 1806 році. Він, безперечно, найвідоміший серією під назвою «Десять типів жіночих осіб. Колекція панівних красунь, теми великого кохання класичної поезії» (іноді звана «Жінки в коханні», що містить окремі гравюри «Оголена любов» та «Задумлива любов»). Він є одним із найбільш значних художників, що належать до жанру ксилографії укіе-е.

5. Каванабе Кесай «Тигр»

Каванабе Кесай був одним із найвідоміших японських художників періоду Едо. Його мистецтво було під впливом творчості Тохаку, художник школи Кано XVI століття, який був єдиним художником свого часу, який малював ширми повністю тушшю на ніжному тлі з порошкового золота. Хоча Кесай відомий як карикатурист, він написав деякі з найвідоміших картин японської історії мистецтва XIX століття. «Тигр» - одна з тих картин, для створення якої Кесай використовував акварель та чорнило.

6. Хіросі Йосіда «Фудзі з боку озера Кавагуті»

Хіросі Йосіда відомий як один з найбільших постатей стилю син-ханга (син-ханга - це художній рух в Японії на початку XX століття, в періоди Тайсе і Сева, яке відродило традиційне мистецтво укіе-е, що пустило своє коріння в період Едо і Мейдзі (XVII – XIX ст.)). Він навчався традиції західного живопису олією, яка була запозичена в Японії в період Мейдзі.

7. Такасі Муракамі «727»

Такаші Муракамі, ймовірно, найпопулярніший японський художник сучасності. Його роботи продаються за астрономічні ціни великих аукціонах, а творчість вже надихає нові покоління художників у Японії, а й її межами. Мистецтво Муракамі включає низку середовищ і зазвичай описується як суперплощину. Його творчість відома використанням кольору, включенням мотивів з японської традиційної та популярної культури. Зміст його картин часто описується як «миле», «психоделічний» або «сатиричний».

8. Яєї Кусама «Гарбуз»

Яой Кусама також є однією з найвідоміших японських художниць. Вона творить у різних техніках, включаючи живопис, колаж, скет-скульптуру, перфоманс, енвайронментальне мистецтво та інсталяцію, більшість з яких демонструють її тематичний інтерес до психоделічних кольорів, повторення та візерунка. Однією з найвідоміших серій цієї великої художниці є серія «Гарбуз». Покритий візерунком горошок звичайний гарбуз яскраво-жовтого кольору представлений на фоні мережі. У сукупності всі такі елементи утворюють візуальну мову, яка безпомилково відповідає стилю художниці, і була розвинена і вдосконалена протягом десятиліть копіткого виготовлення та відтворення.

9. Теммея Хісасі «Японський дух №14»

Теммея Хісасі - сучасний японський художник, який відомий своїми картинами у стилі нео-ніхонгу. Він брав участь у відродженні старої традиції японського живопису, яка є повною протилежністю сучасного японського живопису. У 2000 році він також створив свій новий стиль butouha, який демонструє стійке ставлення до авторитетної художньої системи через його картини. «Японський дух № 14» був створений як частина художньої схеми «БАСАРА», інтерпретованої в японській культурі як бунтівна поведінка нижчої аристократії під час періоду Воюючих царств, щоб позбавити влади можливості добиватися ідеального способу життя, одягаючись у пишні та розкішні одяги та дійства волі, що не відповідало їхньому соціальному класу.

10. Кацусика Хокусай "Велика хвиля в Канагаві"

Нарешті, «Велика хвиля в Канагаві», ймовірно, найвідоміша японська картина, коли-небудь написана. Це насправді найвідоміший витвір мистецтва, створений у Японії. На ній зображено величезні хвилі, що загрожують човнам біля берегів префектури Канагава. Незважаючи на те, що хвиля, що іноді приймається за цунамі, як передбачає назву картини, швидше за все, просто має аномально велику висоту. Картина виконана у традиції укіе-е.

Від: ,  18346 переглядів

- Приєднуйтесь! Ваше ім'я:

Коментар: