Studio dell'olio. Raccolta di libri sulla pittura e l'arte

Hanno parlato principalmente di uno studio a lungo termine, che prevede uno studio approfondito della forma degli oggetti con il colore, tenendo conto della gamma cromatica della natura morta, delle condizioni ambientali - luce, dello spazio circostante e delle loro reciproche influenze.

Ma avanti corsi di pittura a scuola d'arte Nuove intenzioni artistiche insegniamo agli artisti alle prime armi a scrivere velocemente un disegno, a catturare in uno schizzo solo la cosa principale, la più significativa o solo una parte del tutto: un frammento. Pertanto, accanto alle opere che durano l'intera lezione di pittura, ci sono altre forme di studio. Questi sono studi-schizzi, studi di frammenti, schizzi a memoria.

Tutte queste forme hanno il diritto di esistere. L'unica domanda è come combinarli saggiamente. Lavorando solo su studi a lungo termine con disegni approfonditi e dettagliati di oggetti, non acquisiremo le capacità di un lavoro rapido e non saremo in grado di catturare immediatamente le caratteristiche più importanti ed essenziali nello studio, non impareremo a consapevolmente sacrificare l'uno o l'altro dettaglio per il bene della cosa principale.

In un tale studio, insieme alla definizione della struttura compositiva, lo scopriamo da soli combinazione di colori, ricorda la miscelazione dei colori, con l'aiuto del quale otteniamo le combinazioni desiderate. Tale studio viene eseguito entro mezz'ora - un'ora.

Di seguito una serie studi veloci- schizzi e schizzi di singole soluzioni frammentarie di nature morte di frutta, bacche e oggetti per la casa. Fai una serie di esercizi per acquisire alcune abilità nel disegnare brevi studi.

Imparare a disegnare schizzi.

In primavera o in estate, crea un mazzo di fiori uniformi, includi uno o due fiori di tipo diverso. Metti prima un tale bouquet alla luce diffusa in una grande stanza piena di luce, su una veranda o in un giardino, e scrivi uno schizzo entro un'ora e mezza o due. Prova a scrivere lo stesso o un altro bouquet in piena luce, in una giornata di sole, mettendo fiori su una finestra o in un giardino. In ognuna di queste attività incontrerai nuove condizioni per te. Sotto l'influenza di una forte luce diretta (in questo caso solare) il colore degli oggetti cambia rispetto alle condizioni della stanza. A causa dei contrasti emergenti, dell'abbondanza di riflessi, dell'abbagliamento, della combinazione e dell'interazione di tutti questi fattori, gli oggetti sembrano perdere la loro concretezza. Sia la luce che l'ombra e la penombra non sono percepite come chiaramente delimitate l'una dall'altra, ma si arricchiscono a vicenda con una massa di nuove sfumature, sfumature e transizioni. In una parola, la soluzione dei problemi di luce e ombra acquista in questo caso una grandissima importanza.

Per il pittore l'illuminazione è importante quanto il motivo stesso, o meglio, l'uno con l'altro è indissolubilmente legato. Pertanto, quando si lavora su uno studio in aria, come si dice in plein air*, sorgono problemi speciali che sono di grande interesse. * (Dal francese plein air - sotto cielo aperto. Il termine è usato in belle arti applicato all'immagine esterna).

Lo studio delle campane da campo viene effettuato alla luce diretta del sole. Facilmente, con vernici trasparenti, viene delineata la loro massa totale. Tuttavia, è percepito come voluminoso. Sul bordo esterno del bouquet, le campane sembrano trasparenti e senza peso. Alcuni quasi scompaiono sullo sfondo, altri sono più chiari, ma non nitidi.

Lo schizzo è interessante per noi lato tecnico esecuzione. La purezza dei colori, l'impressione generale di freschezza e succosità sono ottenute dal fatto che il lavoro viene eseguito su carta umida e inumidita, abbondantemente satura di una soluzione pittorica. Nei corsi di pittura della nostra scuola si parla più approfonditamente delle caratteristiche di tale scrittura.

A differenza dell'esercizio precedente, un mazzo di fiori uniformi, crea anche un piccolo mazzo di fiori di diversi colori e forme. Mettilo in luce diffusa in una stanza contro un muro chiaro e senza motivi. Il bouquet, in relazione allo sfondo, comporrà una silhouette di una certa forza.

Nel disegno, delinea facilmente i fiori che sporgono dalla massa totale del bouquet. Saranno diversi nel loro contorno, forma e dimensione. Quindi, confrontando nel contempo la forza del tono, inizia a coprire in parti colore desiderato gruppi separati di colori, cercando di trasmettere il loro carattere. Allo stesso tempo, non è necessario prendere la vernice a tutta forza per poter successivamente rinforzare alcune parti. Quando si disegnano fiori, evitare contorni netti nel toccare alcuni colori con altri o con il verde. Altrimenti daranno l'impressione di rigidità e sembreranno più artificiali che vivi. I fiori, soprattutto i fiori selvatici, sono sempre teneri, fragili, tremanti e in uno schizzo bisogna sforzarsi di trasmettere queste qualità.

Guarda l'attenzione e l'amore con cui il pennello di sambuco, i fiori di lino giallo, accanto a loro ci sono foglie di camomilla e felce. Assicurati che l'immagine non dia l'impressione di essere piatta, come se fosse ritagliata e incollata su carta come un'appliqué. Per evitare ciò, è necessario determinare per confronto le caratteristiche del tocco del bouquet con lo sfondo. In alcune parti i fiori si fonderanno con esso in leggerezza o addirittura risulteranno più leggeri di esso, in altri formeranno sagome di diversa forza di contorno. Nonostante la varietà di sfumature che compongono un mazzo di fiori, non deve sembrare variegato, ma mantenere la compostezza, l'integrità di un'unica tonalità. Quando si impara a disegnare in una scuola d'arte, si consiglia ai principianti a volte di socchiudere gli occhi mentre lavorano e di guardare il bouquet o il proprio schizzo. Questo aiuta a vedere gli errori commessi nella soluzione tonale.

Il prossimo esercizio in questa lezione di pittura è progettato per approfondire le tue abilità nel lavorare su uno studio rapido. L'esercizio pone il compito, utilizzando le abilità precedentemente acquisite nella tecnica a la prima, di ottenere ricchezza e vivacità nella pittura. È utile dedicare da una a due ore a ciascuno di questi esercizi.

Per cominciare, puoi completare un'attività simile allo schizzo con le fragole. Qui, come nello studio precedente, l'autore utilizza le capacità di un pennello saturo di una soluzione pittorica o applica tratti leggeri e trasparenti di colori puri, consentendo un minimo della loro miscelazione. Di conseguenza, si ottiene il trasferimento della succosità e della morbidezza delle bacche grandi, l'impressione della loro permeazione di luce.

Lo studio con una tazza è realizzato anche nella forma schizzo veloce. La performance è interessante con una combinazione di vari soggetti. Prima che l'artista si alzi nuovo compito- mostrare la brillantezza del metallo accanto alla superficie lucida della buccia di un pomodoro. I colori sono puliti, chiari, trasparenti, il colore generale è chiaro. Pertanto, il lavoro dà l'impressione di freschezza, immediatezza.

Di conseguenza, negli studi di rapida esecuzione, il compito è stabilire relazioni cromatiche di base, contrasti di base e trasmettere l'illuminazione. In tali studi, non sono richiesti dettagli dettagliati in tutte le parti. Ad esempio, in un bouquet con campanelle, con una soluzione generalizzata dell'intera massa del bouquet, vediamo una camomilla ei caratteristici contorni delle campanelle stesse delineate dalla sagoma.

Tali studi possono avere un significato sia subordinato che indipendente. Subordinato: quando si esegue uno schizzo preliminare prima di uno schizzo lungo; indipendente - quando si risolvono problemi pittorici speciali (trasferimento di condizioni di luce, combinazioni di colori) e, infine, quando è necessario catturare una sorta di motivo per se stessi, ma non c'è tempo per completarlo in modo più dettagliato.

A un corso di pittura Nuove intenzioni artistiche mettiamo in guardia contro l'eccessiva indulgenza in studi così rapidi. Con la generalizzazione della soluzione, lo studio non dovrebbe perdere le sue caratteristiche soggettive. In una parola, la generalizzazione non dovrebbe diventare fine a se stessa nel disegno per principianti. Al contrario, con l'aiuto di esso cerchiamo di esprimere le proprietà più caratteristiche e tipiche per un dato oggetto o fenomeno.

Bozzetti in acrilico realizzati dagli studenti durante le lezioni di pittura presso Artintenstudio.

Quando inizia l'artista? Ognuno a suo tempo. L'artista in un ambiente naturale si forma sotto l'influenza dell'ambiente: genitori, insegnanti, società. L'ambiente è una fonte di creatività, il risveglio del talento.

L'individualità creativa è formata in modo diverso per tutti. Pertanto, è impossibile determinare la soglia che separa il maestro dallo studente. A volte è solo un passo, a volte ce ne sono molti. La padronanza della maestria per uno avviene quasi istantaneamente, per l'altro richiede molto tempo e impercettibilmente.

La storia della pittura è piena di una varietà di esempi antichi sviluppo artistico e, al contrario, relativamente tardi. Di solito il talento si manifesta nell'atmosfera dell'arte, ma spesso proviene da un ambiente estraneo all'arte. La maggior parte degli artisti di cui si sentono i nomi ha ricevuto un'istruzione accademica, altri pittori hanno studiato diligentemente, ma non nelle accademie. E alcuni hanno imparato l'arte della scrittura da soli.

A ogni vero artistaè inerente un insieme specifico di qualità, senza le quali non può aver luogo: amore per la natura, sete di conoscenza.

Perché un'introduzione così lunga?

Rovistando tra vecchie cartelle, ho trovato diversi schizzi superstiti del tempo dell'apprendistato, dipinti a olio. È interessante guardare indietro a un paio di decenni fa e ricordare i tuoi sentimenti ricevuti dal lavoro.

Ogni schizzo è uno schizzo educativo, veloce (non più di 15 minuti) a colori dell'uno o dell'altro stato di natura. Su una quota di studi - paesaggio: sera, tramonto, notte. Naturalmente, dovevano essere scritti senza illuminazione. Ad esempio, le finestre luminose del portico sono dipinte nell'oscurità totale con colori aperti letteralmente al tatto.

Lo scanner, purtroppo, non è riuscito a trasmettere la brillantezza del colore corretto. Ha presentato tutte le aree più scure come un solido riempimento nero senza colore.

L'artista inizia proprio con tali schizzi "per lo stato". Noi, studenti del dipartimento di pittura, ne abbiamo dipinti a centinaia con l'unico scopo di "riempire" la mano e l'occhio, usando il colore e il pennello più largo.

Per quanto riguarda gli studi diurni, se il dipinto sembra una macchia, consiglio di socchiudere gli occhi e vedere come lo spazio piatto del paesaggio si scompone in luce e ombra. Non importa quanto tecnico e dettagliato sia lo schizzo dello studio. Ciò che conta è il corretto rapporto tra luce e ombra. Questa è l'essenza del lavoro all'aria aperta, e per niente nell'intenzione di dipingere un numero enorme di paesaggi in vendita.

Ma, oltre alla confutazione del paragrafo precedente, diciamo che gli studi migliori e degni di vendita, ovviamente, sono stati venduti da tempo. Tutto ciò che viene presentato qui è l'essenza del resto.

Tag: pittura da cavalletto

Studio. luogo significativo nel lavoro di Malyutin era occupato dalla pittura di studio.

I suoi schizzi possono essere divisi in due tipi. Alcuni sono lunghi: sono stati creati dalla natura, con un attento studio delle forme in due o quattro ore ed erano destinati principalmente opere di genere. Questi includono, ad esempio, quanto segue: “Pastore al dipinto “Pastore con un pastore” (1893, Galleria statale Tretyakov), “Capanna” al dipinto “Fiera di campagna” (1907, Galleria statale Tretyakov), “Ragazzo” a il dipinto "Nonno e nipote" (1932 , Consiglio centrale dei sindacati di tutta l'Unione), "Angurie" per il dipinto "Artel Lunch" (1934, Galleria statale Tretyakov).

Questi studi sono realizzati su un primer a grana fine, denso tela di lino. Vernici pastose cancellate Malyutin applica energicamente corpo, tratti strutturati, forme scolpite in modo espressivo.

Il secondo tipo di studi comprende studi di 15-20 minuti-"patch" eseguiti dall'artista sul posto durante i suoi frequenti viaggi nella regione di Mosca, nel nord della Russia, in Crimea e in altri luoghi della nostra Patria.

Monastero in Istria

In questi schizzi di dimensioni standard (9x15 centimetri), Malyutin ha perseguito un duplice obiettivo. Per lui era, in primo luogo, un costante allenamento della mano e dell'occhio nella natura, e in secondo luogo, negli schizzi-"macchie" l'artista cercava le relazioni cromatiche di cui aveva bisogno.

La dimensione di 9x15 centimetri corrispondeva esattamente a un piccolo album da disegno (un regalo di K. Korovin). di solito accompagna Malyutin durante le sue gite sul campo. Andando a scrivere schizzi, Malyutin portò con sé solo un piccolo album da disegno. Non gli piaceva lavorare sul posto con altri disegnatori. Spremendo sulla tavolozza i colori che gli servivano, prese in tasca bianco e pennelli e andò a scrivere.

Il materiale principale per questi schizzi erano lastre di compensato resistente, a tre strati, ben stagionato, con uno spessore da 1,5 a 2,5 mm. In rari casi, la tela a grana fine innescata veniva incollata su compensato (studio "Capanna", 1925, collezione di O. S. Malyutina).

Le tecniche per stendere i colori in piccoli schizzi dipinti rapidamente si distinguevano per un'eccezionale diversità. Quella era una muratura di pitture molto sottile, semi-vetrata (vernici piuttosto diluite liquide) nello studio “Alabino. Brook" con l'inclusione in alcuni punti nello strato pittoresco e colorato della trama del compensato; poi un bozzetto dipinto in modo più impastato “Skorotovo” (1936) con una muratura semivetrata di colori sullo sfondo e tratti (nuvole) massicci, in rilievo, fortemente pronunciati posti nel cielo in un corpus; poi muratura energica con pennellate corte e larghe di media densità di colori, che scolpiscono chiaramente forme in "Peasant Yard" (1911); poi i tratti strutturati longitudinali (cielo e acqua) ampiamente stesi lungo l'intera lunghezza dello studio, combinati con piccoli tratti molto pastosi e in rilievo del primo piano (riva e pietre) nello studio “Crimea. Mare" (1925).

Alcuni schizzi si distinguono per la massiccia muratura di pasta densa colorata simile allo smalto, posata bruscamente in piccoli tratti (schizzo "Albero. Crimea" (1925).

Malyutin ha utilizzato abilmente la superficie ruvida del compensato nello studio. Dipinto nello schizzo “Crimea. The Beach” (1925) è realizzato in modo tale che la trama del compensato, leggermente usurata dalla vernice grigia (che lascia tracce su di esso sotto forma di numerosi trattini), trasmetta perfettamente la spiaggia sabbiosa della spiaggia. Solo sullo sfondo, l'acqua e la schiuma del surf sono espressi in modo espressivo da diversi tratti di vernice blu e bianca. Seduto sulla spiaggia figura femminile delineato con pochi tratti leggeri di rosso veneziano e nero.

Malyutin dipingeva sempre i suoi schizzi con pennelli di setola di vari numeri.

Studio. Artista Malyutin S.V.

Ho mostrato il mio set compatto per schizzi veloci ad acquerello (di quelli lunghi scriverò la prossima settimana), ora è il turno di parlare di studi sull'olio. Anche qui tutto dipende dai compiti: per grandi opere Prendo un treppiede Mabef e un supporto per tele, per numerosi brevi schizzi: utilizzo un piccolo album da disegno Podolsky con le gambe, modificandolo un po 'per me stesso, ma questa è un'opzione per camminare. C'è un po 'di tempo, sono saltato fuori nel parco e ho fatto uno schizzo. Oppure sono andato a fare un picnic con gli amici e mentre tutti stendevano la coperta, tagliavano i pomodori, ho colto velocemente l'attimo. Sono andato a far vedere a mia madre Repino: lei passeggia lungo la costa, io dipingo. E l'ho disegnato all'ora di pranzo 🙂

Un'altra opzione del genere può essere definita urbana. Peter nella stagione - è una folla di turisti. D'accordo, a poche persone piace lavorare quando diverse persone stanno dietro la schiena e respirano nella parte posteriore della testa, chiedono qualcosa, consigliano ... Beh, è ​​​​semplicemente impossibile concentrarsi su un compito. Non mi occupo solo di disegno, sto parlando di qualsiasi lavoro. Nella pittura l'artista risolve anche i problemi: come trasmettere la luce, dove è meglio posizionare un cespuglio, come distogliere l'attenzione del futuro spettatore in profondità nell'opera. Futuro! Ma nel processo di disegno, non tutti sono pronti a "mettersi a nudo" e mostrare il "dietro le quinte", il treno dei propri pensieri. E anche se lo dicono mille volte, devi abituarti ad attirare la folla, ma non funziona! Devi iniziare da qualche parte. Abituati) Comincio, ma nella stagione turistica di San Pietroburgo e continuo con la scatola giuliana.

Il vantaggio più importante è che non attira l'attenzione su di sé allo stesso modo di un normale album da disegno con le gambe. Ti alzi su una strada rumorosa con un treppiede e tutto, sei un eroe! Hanno "visto" i selfie con te, prendono i tuoi scarabocchi, chiedono perché è giallo, raccontano le loro storie... oh:((((Cerco di creare le condizioni più confortevoli per me stesso all'aria aperta. A proposito di trucchi per la vita. Tutto è più facile con la scatola Jullian: devi solo prendere una sedia e sederti con le spalle alla casa o, ad esempio, dentro giardino estivo abbraccia i cespugli. Ho aperto l'album da disegno in ginocchio e - vai avanti! La tela su cartone 25x35 cm è nascosta da occhi indiscreti, è impossibile stare dietro, è molto difficile guardare dentro (ci vuole un collo come una giraffa). E se raccogli anche vestiti grigio-beige-verde, puoi fonderti facilmente con l'ambiente 🙂 Minimo spettatori e massima concentrazione sul processo.

Grande grasso in più quaderni di schizzi simili: la preparazione per la pittura non richiede molto tempo. Devi solo aprire il coperchio e spremere le vernici (non mi piace farlo in anticipo, in molti tubi c'è olio liquido esfoliato, mentre arrivi sul posto, alcune vernici escono). Stanco o una folla di turisti mi ha ancora preso, ha chiuso il coperchio e se n'è andato.

Peso della scatola 2,5 kg. Dimensioni: 42 x 29 x 9 cm All'interno - gli scomparti con rivestimento in metallo si puliscono facilmente dall'olio, che macchia tutto intorno))) Realizzato perfettamente dai francesi. Non ho preso la Russia o la Cina, perché. Amo le cose fatte con alta qualità, con la mente. Quando tutte le serrature sono scattate delicatamente in posizione e il coperchio è fissato saldamente nella posizione corretta (da solo, senza viti), la valigia stessa è realizzata in faggio, uniformemente (!) Verniciata, con un comodo manico in pelle. Bene, in generale, mi capisci 🙂 ci sono tutti i tipi di cose che usiamo spesso, e se sono pensate nei minimi dettagli, allora questo è un ronzio separato.

Cosa c'è dentro?

• Tela su cartoncino 25x35 oppure puoi acquistare un cartoncino grande e tagliarlo nella misura desiderata
• Tavolozza (quando si chiude il cassetto, è fissato saldamente con un coperchio)
• Fazzoletti di carta (se sporchi, sono a portata di mano)
• Straccio (pulisco i miei pennelli)
• Spatole (scrivo con una, pulisco la tavolozza con l'altra)
• Piccoli tubi con pittura a olio in una trousse (non mi piace quando penzolano intorno alla scatola e tintinnano mentre camminano)
• Sacchetti della spazzatura)
• Burriera
• Una scatola con puntine da disegno (prima del lavoro le inserisco subito nel cartone, dopo aver disegnato metto il cartone rivolto verso il coperchio, così i bottoni proteggono il coperchio dalla vernice sullo schizzo. Non metto lo schizzo davanti alla tavolozza, perché le vernici non ripulite possono passare allo schizzo scritto). Come appaiono i pulsanti stessi: guarda la foto all'inizio della nota. Trasferisco anche diversi schizzi: in ognuno devi attaccare i bottoni negli angoli, impilare gli schizzi uno sopra l'altro e metterli in una scatola.
• In una bottiglia di plastica (questo proviene da un bagnoschiuma di qualche hotel) - olio di semi di lino o una maglietta (di solito ci scrivo sopra)
• pennelli

Oh si! A proposito di contro Ho dimenticato di dire! Seduto c'è solo un punto di vista: il piano orizzontale si apre poco, e se sono attratto dalle ombre traforate degli alberi sul vicolo che si allontana, allora devo prendere un treppiede o cercare un'altra trama.

Il resto sono solidi vantaggi. E inoltre! Quando a casa dipingo un quadro su una grande tela in più sedute, tengo in un cassetto una tavolozza con i colori già spremuti in modo che non si secchino.

L'ho comprato un paio di anni fa all'Art Quarter e ho tirato fuori il cervello di un povero consulente che mi ha mostrato diverse scatole per un paio d'ore: abbiamo inserito diversi cartoni all'interno, calcolato quanti schizzi ci sarebbero entrati, messo un mucchio di pennelli, pesati, aperti e chiusi. Ma è così che dovrebbe essere. Ho provato di tutto, mi sono assicurato che lo sketchbook fosse adatto a me al 100% e sono rimasto soddisfatto. Mai pentito. Quindi tormenta i consulenti)

Domande? Di cosa hai dimenticato di scrivere?

UPD. Grazie mille per le domande su instagram! Ci sono aggiunte.

Il cartone, ahimè, non si fissa in alcun modo, ma scrivo schizzi veloci in modo liquido, in uno strato sottile. Di solito, quando si scrive in modo impastato o espressivo, la tela trema) Ecco perché divido i miei set in base ai compiti: pittura solida - un album da disegno con le gambe o un treppiede, pittura veloce - la scatola di Jullian.

Come faccio a non sporcarmi lato posteriore schizzo dai colori sulla tavolozza? Sì, ho dimenticato di chiarire che di solito spremo un bel po' di olio per uno studio, scrivo in modo fluido. Inserisco i bottoni in modo che escano dall'altra parte e poi le gambette proteggono il disegno dall'olio. No, la tavolozza non è stata graffiata) non so perché) Buona copertura, immagino. Si pulisce facilmente anche. Se ho spremuto molto olio, metto il cartone con le gambe di plastica sulla tavolozza. Se è molto, molto, prendo una scatola di metallo da sotto i lecca-lecca e sposto lì il resto. E quando sono andato a Vyborg per studiare schizzi e ho scritto molto (più di 2 non entreranno in una scatola), ho usato un sacchetto di carta spessa di una boutique e ho messo lì 4-5 schizzi con questi bottoni. Portato separatamente.

Il processo di creatività e il risultato sono strettamente correlati alla visione del mondo dell'artista. I suoi pensieri, sentimenti, fantasia, abilità, attitudine al raffigurato partecipano all'immagine che crea L'artista è sempre alla ricerca della soluzione più espressiva alla sua idea, medita sulla trama, sulla composizione. Le immagini che sorgono nella sua immaginazione hanno un'origine oggettiva, nascono dalle proprietà visibili della realtà e hanno le loro forme specifiche. Pertanto, il pittore, incarnando la sua idea, fa riferimento a quelle proprietà di oggetti e fenomeni che percepisce visivamente. Solo in presenza dell'autenticità visiva del raffigurato, è possibile esprimere determinati sentimenti, pensieri, provocare esperienze appropriate nello spettatore, le cui rappresentazioni associative sono associate al mondo oggettivo. In un buon paesaggio, lo spettatore vedrà non solo oggetti materiali, ma anche il gioco naturale di luci e colori, la lucentezza argentea della rugiada o il gioco di colori nel cielo mattutino. Un'immagine del genere evoca impressioni dimenticate nella memoria, fa funzionare l'immaginazione, mette in moto pensieri e sentimenti associati a esperienze passate, a esperienze precedenti. L'impatto emotivo ed estetico dei dipinti è legato alle peculiarità di questa percezione associativa.

Non si deve pensare che l'autore dell'immagine, cercando di raggiungere l'autenticità visiva della pittura, debba copiare meccanicamente l'aspetto del dipinto. Il lavoro educativo è caratterizzato principalmente dalla cognizione, dallo studio approfondito e completo della natura. Molto spesso gli schizzi didattici sono troppo “secchi”, “frazionati”, “protocollo”, simili tra loro non solo nella trama e in termini tematici, ma anche nell'esecuzione tecnica. Tutto ciò è del tutto naturale, e la "aridità", la timidezza del lavoro accademico non possono essere considerate segni della sua debolezza o della mancanza di talento creativo dell'autore.

Allo stesso tempo, l'atteggiamento libero dello studente nei confronti dei compiti dello studio, una certa "audacia" non sono segni di creatività, come talvolta si crede. Le opere educative non sono abbastanza emotive, fresche e originali, perché sono ancora artisticamente imperfette, poiché gli studenti non hanno ancora esperienza, abilità, non conoscono l'intera varietà di mezzi per risolvere un problema educativo o incarnare un'idea. La libera padronanza creativa della natura e delle sue leggi, così come la perfezione tecnica, arriveranno solo con l'esperienza.

Si tratta del lavoro accademico i compiti educativi prefissati sono stati risolti in modo coerente e chiaro e, in relazione a ciò, gli studenti sono stati allevati e hanno sviluppato talenti creativi.

Parte principale

La capacità di vedere e trasmettere forme tridimensionali e colori di oggetti su un piano è l'essenza della pittura. Questo diploma si acquisisce principalmente in esercizi dalla natura. Come più artista scrive schizzi dalla natura, più acuto diventa il suo senso del colore, l'armonia dei colori e il ritmo delle linee. Come risultato di costanti esercizi nel rappresentare nature morte, paesaggi, la testa e la figura di una persona dalla natura, si sviluppa l'osservazione, la capacità di enfatizzare l'essenziale, scartare il secondario, esprimere le proprie emozioni causate dalla bellezza della natura circostante, il si sviluppa la diversità della vita.

Il percorso verso la maestria inizia con lo studio dei fondamenti teorici della pittura e l'attuazione sistematica di esercizi pratici. Senza la conoscenza delle leggi della pittura, il lavoro pratico degli studenti è cieco e il miglioramento professionale rallenta.

Raffigurare è, prima di tutto, ragionare. Quando inizi a dipingere, devi pensare attentamente al tuo compito, definire chiaramente il tuo obiettivo.

Anche Leonardo da Vinci diceva che “chi si innamora della pratica senza la scienza è come gli scricchiolii che navigano senza timone e senza bussola, perché non sanno mai dove vanno. La pratica deve sempre essere costruita su una buona teoria, e senza di essa nulla può essere fatto bene nei casi di pittura."