casa › Telaio › Cosa ha ispirato Munch a dipingere l'immagine dell'urlo. L'orrore esistenziale de "L'urlo" di Edvard Munch

Cosa ha ispirato Munch a dipingere l'immagine dell'urlo. L'orrore esistenziale de "L'urlo" di Edvard Munch

Il famoso dipinto di Edvard Munch "The Scream" oggi per la prima volta è apparso davanti agli occhi dei londinesi. Per molto tempo era in voga un dipinto di un espressionista norvegese collezione privata connazionale Edvard Munch, uomo d'affari Petter Olsen, il cui padre era amico, vicino e cliente dell'artista. È interessante notare che usando diverso tecnica artistica, ha scritto Munch quattro opzioni dipinti chiamati "Grido".

Caratteristica distintiva Il dipinto "The Scream", che viene presentato a Londra, è la cornice originale in cui è collocata l'opera. La cornice è stata dipinta dallo stesso Edvard Munch, il che è confermato dall'iscrizione dell'autore che spiega la trama del quadro: "I miei amici sono andati avanti, sono rimasto indietro, tremando di ansia, ho sentito il grande Grido della Natura". A Oslo, all'Edvard Munch Museum, ci sono altre due versioni di The Scream: una è realizzata a pastello e l'altra a olio. La quarta versione del dipinto è in norvegese Museo Nazionale arte, architettura e design. "The Scream", di Olsen, è il primo dipinto della serie, dipinto a pastelli, e si differenzia dagli altri tre dipinti in un insolitamente luminoso palette dei colori. Il dipinto di Edvard Munch "L'urlo" incarna l'isolamento di una persona, la solitudine disperata, la perdita del senso della vita. La tensione della scena crea un drammatico contrasto tra la figura solitaria in primo piano e gli estranei in lontananza, impegnati con se stessi.

Se vuoi avere riproduzione di alta qualità di un dipinto di Edvard Munch nella tua collezione, quindi ordina una riproduzione del dipinto "L'urlo" su tela. L'esclusiva tecnologia di stampa di riproduzioni su tela riproduce i colori originali, grazie all'utilizzo di inchiostri di qualità europea con protezione dallo sbiadimento. La tela, come base per una riproduzione de "L'urlo" di Munch, trasmetterà la struttura naturale della tela artistica e la tua riproduzione sembrerà una vera opera d'arte. Tutte le riproduzioni sono incorniciate su una speciale barella da galleria, che alla fine conferisce alla riproduzione una somiglianza con opera originale arte. Ordina una riproduzione del dipinto su tela di Edvard Munch e ti garantiamo la migliore riproduzione del colore, tela di cotone e barella di legno utilizzata dalle gallerie d'arte professionali.

Perché stanno urlando? Sì, anche con una faccia storta, tenendosi la testa, coprendosi le orecchie? Dalla paura, dalla disperazione, dalla disperazione. Questo è ciò che Munch ha voluto trasmettere nella sua immagine. La figura distorta su di esso è l'incarnazione della sofferenza. Il sole al tramonto lo ha ispirato per questa immagine, dipingendo il cielo con colori sanguinanti. Il cielo rosso e infuocato sopra la città nera dava a Munch la sensazione di un urlo che trafiggeva tutto intorno.

Va aggiunto che nel suo lavoro ha raffigurato l'urlo più di una volta (ci sono altre versioni dell '"Urlo"). Ma il grido della natura era in realtà un riflesso del suo stesso grido interiore. Tutto finì con il trattamento in clinica (ci sono prove che Munch soffrisse di psicosi maniaco-depressiva).

Ma per quanto riguarda il cielo insanguinato, qui non ha visto niente, non c'è metafora in queste parole. Secondo gli astronomi, il Krakatoa eruttò nel 1883. Per diversi mesi il vulcano ha emesso enormi nuvole di polvere, che hanno causato i tramonti "sanguinosi" in Europa.

E c'è anche una versione completamente fantastica di questa immagine. I suoi sostenitori credono che Munch abbia avuto la possibilità di entrare in contatto con l'intelligenza extraterrestre (apparentemente, la figura nella foto ha ricordato a qualcuno un alieno). Ecco le sue impressioni su questo contatto, ha ritratto.

Uno degli artisti più significativi, talentuosi ed enigmatici del XIX secolo è Vincent van Gogh. A questo periodo appartiene anche il dipinto "L'urlo". Fino ad oggi, rimane forse il più riconoscibile opera d'arte il secolo scorso. Cosa hanno in comune un grande artista e una grande opera d'arte? Proviamo a capirlo.

Biografia di Van Gogh

Vincent van Gogh nasce nel 1853. Il dipinto "L'urlo" fu dipinto nel 1893, quando l'artista era già morto. Ma nello stile e nell'umore ricorda molte delle sue opere. Perché sono così simili e chi ha effettivamente dipinto il famoso quadro? Su tutto in ordine.

Van Gogh è nato nel piccolo villaggio di Grot-Zundert nei Paesi Bassi. Il confine con il Belgio era proprio lì accanto. Suo padre era un pastore protestante e sua madre era la figlia di un libraio di successo dell'Aia.

Il futuro artista era il secondo figlio della famiglia, prendeva il nome dal nonno paterno. Quando il ragazzo aveva 7 anni, andò in una scuola del villaggio, ma vi studiò solo per un anno. Ha continuato a ricevere un'istruzione a casa con sua sorella. All'età di 11 anni andò in un collegio a Zevenbergen. E sebbene l'istituzione non fosse lontana da casa sua, la separazione dai propri cari causò gravi sofferenze a Van Gogh.

In collegio ha mostrato una brama per le lingue e il disegno, il che non sorprende. All'età di 15 anni, il ragazzo ha lasciato il collegio a metà anno scolastico ed è tornato a casa. Questa fu la fine della sua educazione formale.

Primi passi nell'età adulta

Van Gogh ha lavorato dall'età di 16 anni. Ha iniziato nella società d'arte e commerciale di suo zio, dove ha acquisito padronanza della professione di commerciante. All'inizio tutto è andato bene nel servizio, Vincent ha lavorato così duramente che è stato presto trasferito in un ufficio londinese più prestigioso. Ogni giorno Van Gogh incontrava i migliori lavori arte del suo tempo, grazie alla quale iniziò presto ad essere esperto di pittura.

Ha guidato Vita impegnata al lavoro, mostre e musei regolarmente visitati. Ma l'amore infelice ha giocato con lui brutto scherzo. Rifiutato (non si sa ancora esattamente di chi fosse innamorato), Van Gogh perse gradualmente interesse per il servizio, lesse molto la Bibbia.

Nel 1875 fu trasferito all'ufficio di Parigi. Parallelamente, ha iniziato a provare a disegnare se stesso. Poco dopo, alla fine perse interesse per il suo lavoro e decise che i mercanti d'arte, a cui lui, in effetti, apparteneva, - peggiori nemici arte. Di conseguenza, è stato licenziato.

Diventare un artista

Nella lotta contro la depressione che lo attanagliava, Van Gogh si tuffò creatività artistica. Ha frequentato le lezioni alla Royal Academy belle arti a Bruxelles, con l'aiuto del fratello Theo. Tuttavia, non ha studiato lì a lungo, lasciando tutto e partendo per i suoi genitori. A quel tempo, credeva che non fosse necessario che un maestro avesse un'istruzione, bastava avere talento e diligenza.

E ancora una volta l'artista ha sperimentato uno shock d'amore ed è stato respinto. Dopodiché, fu per sempre deluso dal tentativo di organizzare la sua vita personale.

Lavorando sui suoi dipinti, ha studiato la vita degli isolati più poveri, ha ottenuto colori e sfumature sorprendenti, mescolando vari colori sulla tela e combinando tecniche pittoriche.

Il periodo di massimo splendore di Van Gogh

Il periodo di massimo splendore della creatività di Van Gogh arrivò negli anni '80 del XIX secolo. Nelle sue opere ha mostrato un temperamento artistico, oltre a una paura animale delle forze ostili all'uomo. Tutto ciò si riflette nelle sue tele "La casa gialla", "Red Vineyards in Arles", "Van Gogh's Bedroom in Arles".

A quel tempo, era in stretto contatto con un altro artista famoso quella volta - Paul Gauguin. Nel 1888 Gauguin fece un viaggio speciale ad Arles, dove allora visse Van Gogh, per discutere con lui l'idea di creare un laboratorio di pittura del sud. Tuttavia, tutto finì in scandalo e conflitto. Gauguin era infastidito dalla disattenzione di Van Gogh, mentre l'eroe del nostro articolo è rimasto perplesso perché Gauguin non poteva accettare l'idea di una direzione collettiva della pittura in nome del futuro.

Conflitto con Gauguin

Il conflitto con Gauguin giunse al culmine una settimana prima del capodanno 1889. Van Gogh ha attaccato un collega con un rasoio e solo per miracolo Gauguin è riuscito a scappare.

Le cause e le circostanze di quel conflitto non sono ancora note con certezza. Esiste una versione in cui Van Gogh ha attaccato Gauguin mentre dormiva, quest'ultimo è stato salvato solo dal fatto che si è svegliato in orario.

Si sa solo per certo che dopo un fallito tentativo di assassinio, Van Gogh si tagliò il lobo dell'orecchio. Ma anche qui non c'è consenso sul motivo per cui lo ha fatto. Alcuni credono che ciò sia avvenuto in un impeto di rimorso, altri ritengono che sia stata una manifestazione di follia, i cui attacchi hanno visitato sempre più l'artista a causa dell'uso regolare dell'assenzio.

La mattina dopo, Van Gogh è stato portato in una clinica psichiatrica.

Ultimi lavori

Durante i periodi di illuminazione, Van Gogh chiese di essere rilasciato dalla clinica per continuare a lavorare sui dipinti, ma gli abitanti della città di Arles chiesero di non farlo, temendo i suoi scoppi di follia.

Di conseguenza, l'artista si stabilì in una clinica per malati di mente a Saint-Remy-de-Provence. Lì ha lavorato diligentemente su nuove tele per un anno intero. L'opera di Van Gogh di questo periodo è caratterizzata al meglio dal dipinto " Notte stellata", in cui si manifestano più chiaramente l'enorme tensione nervosa e il dinamismo. In totale, durante questo periodo, il postimpressionista dipinse circa 150 tele.

Nel 1890 si stabilì vicino a Parigi, dove continuò a lavorare. Qui scrisse il suo famoso "Campo di grano con corvi". Poco dopo, la sua vita fu tragicamente interrotta.

Andando a fare una passeggiata con colori e tela, si è sparato al petto con un revolver che aveva comprato poco prima per spaventare gli uccelli. Il proiettile è passato sotto il cuore, è riuscito ad arrivare in albergo da solo, ma non sono riusciti a salvarlo. Vincent van Gogh morì il 29 luglio 1890. Non ha mai visto l'immagine "L'urlo", non ha incontrato il suo autore, sebbene vivessero contemporaneamente, nella stessa parte del pianeta.

La storia del dipinto "Scream"

Il dipinto "The Scream" è stato creato tra il 1893 e il 1910. In effetti, non era uno, ma tutta una serie di opere. L'autore del dipinto "The Scream" è l'espressionista norvegese Edvard Munch. Con un solo sguardo alla tela, gli intenditori d'arte capiscono che il pittore olandese ha avuto un'influenza notevole sull'artista.

"The Scream" è diventato una sorta di emblema dell'espressionismo, un preludio alla nuova arte del XX secolo. Munch nel suo lavoro prevedeva molti dei punti principali del modernismo, a cui era rimasto pochissimo tempo. Vale la pena notare che anche Van Gogh ha avuto un certo ruolo in questo. Il dipinto "L'urlo" ricorda molte delle opere del pittore olandese. Copre argomenti che sono diventati mainstream nel 20 ° secolo. È solitudine, disperazione e alienazione.

Edvard Munch

L'autore del dipinto "The Scream" Edvard Munch è nato nella città norvegese di Hedmark nel 1863. Non era solo artista famoso ma anche un teorico dell'arte. Uno dei primi rappresentanti di una direzione come l'espressionismo. Il suo lavoro ha avuto una grande influenza sull'arte del XX secolo. I temi vicini all'autore sono la morte e la solitudine, che si accompagnano a un'insaziabile sete di vita.

Uno dei suoi primi opere famose divenne "Sick Girl", scritto nel 1886. Ha dipinto una grande tela basata sui propri ricordi della malattia e della morte della sorella maggiore Sophie. Ha cercato di buttare fuori i suoi sentimenti più intimi sulla tela, mentre i critici hanno reagito freddamente al lavoro. Scrivere così francamente, capovolgendo l'anima, non era ancora accettato in quel momento.

Dipinto "Urlo"

Si ritiene che L'urlo di Edvard Munch sia stato dipinto nel 1893. Figura su tela uomo urlante. Inoltre, è così primitivo che è stato portato al livello di uno scheletro, di uno spermatozoo o di un embrione.

La descrizione del dipinto "L'urlo" è impossibile senza menzionare i paesaggi ondulati, che, per così dire, ripetono i contorni arrotondati della testa del protagonista e la sua larghezza massima bocca aperta. L'urlo sembra provenire da ogni parte. C'è un luminoso emozione negativa, per cui all'inizio molti non riuscivano a capire chi avesse scritto quest'opera: Munch o Van Gogh.

L'emozione negativa che esplode dall'unico personaggio in questo lavoro schiaccia l'intero il mondo e acquista una portata semplicemente universale.

Ma alcuni critici fanno una descrizione diversa del dipinto "L'urlo". Vi notano sopra una persona, agonizzante per il "grido della natura", come lo chiamava lo stesso autore. Questo grido per Munch è stato sentito da ogni parte.

L'immagine di Edvard Munch sembrava poter guardare nel prossimo secolo. Predicendo tutte le guerre, le epidemie, i disastri ambientali e le rivoluzioni che hanno colpito l'umanità in questi cento anni. Allo stesso tempo, secondo molti critici, l'autore nega letteralmente qualsiasi, anche la minima possibilità di resistere e superare le avversità. Sono inevitabili e devono obbedire. L'autore non vede alcuna via d'uscita da questa situazione.

Versioni di "L'urlo"

È noto che esistono diverse versioni del dipinto "The Scream" del norvegese Munch. Almeno quattro. Il famoso espressionista li ha dipinti usando tecniche diverse e modi di scrivere.

Il dipinto "L'urlo", il cui originale si trova al Munch Museum di capitale norvegese Oslo, presentato in galleria in due versioni. Uno è a olio, l'altro è a pastello.

Un'altra opera dell'autore con lo stesso nome è conservata nel Museo Nazionale della Norvegia. È questa versione che è considerata la più famosa al mondo. Secondo il racconto, è stato scritto per secondo. Per crearlo, l'artista ha utilizzato anche l'olio.

Un'altra versione di "Scream" non è ancora disponibile galleria di stato ma in mani private. La tela, scritta a pastello, apparteneva all'uomo d'affari e miliardario norvegese Petter Olsen. Nel 2012 lo ha esposto su asta aperta. Di conseguenza, il dipinto è stato venduto all'uomo d'affari americano Leon Black. Il suo costo ammontava a quasi 120 milioni di dollari USA. A quel tempo era un record per il costo di un'opera d'arte.

Tale interesse per il lavoro di Munch l'ha resa più di una volta bersaglio di intrusi, che hanno cercato di rubare o falsificare il dipinto. Il famoso furto di The Scream dal Museo Nazionale Norvegese è avvenuto nel 1994. Fu solo pochi mesi dopo che poté tornare al suo posto.

Il critico polacco St. Przybyshevsky ha scritto del dipinto “L'urlo”: “È impossibile persino dare un'idea di questo dipinto - tutto il suo potere inaudito è a colori. Il cielo era furioso per il grido del povero figlio di Eva. Ogni sofferenza è un abisso di sangue stantio, ogni esteso ululato di sofferenza è mazze di bande, irregolari, approssimativamente spostate, come atomi bollenti di mondi emergenti... E il cielo sta urlando, tutta la natura è concentrata in un terribile uragano di urla, e davanti, sulla piattaforma, c'è un uomo e urla, stringendosi la testa con entrambe le mani, perché da tali urla scoppiano le vene ei capelli diventano grigi.

L'urlo di Edvard Munchè un emblema e una vetrina dell'espressionismo, sebbene il dipinto sia stato dipinto prima che l'espressionismo si diffondesse. Edvard Munch(come Van Gogh) ha creato non solo opere grafiche e colorate, ma le ha anche riempite di vivide emozioni. Nel caso dell'immagine "Grido"- emozioni travolgenti. "Grido" diventato un preludio al modernismo e all'arte del XX secolo, riflette i temi chiave del modernismo della solitudine, della disperazione e dell'alienazione.

Questa immagine è una delle più capolavori misteriosi pittura del mondo. Il potere dell'artista Sgranocchiare non solo nell'abilità artistica, ma nella speciale filosofia del maestro, nella sua capacità di vedere e interpretare ambiguamente il mondo che lo circonda. Me stessa Sgranocchiare ha detto che ha raffigurato non solo ciò che ha visto, ma ciò che ha suscitato in lui una reazione filosofica. E in questa immagine viene in primo piano la reazione, o meglio, le emozioni ricreate.

Nel disegno del 1892 "Disperazione" Sgranocchiare ha inserito la seguente voce:

“Stavo camminando lungo la strada con due compagni. Il sole stava tramontando. Il cielo è diventato improvvisamente rosso sangue e ho sentito un'esplosione di malinconia, un dolore lancinante sotto il mio cuore. Mi sono fermato e mi sono appoggiato alla staccionata, stanco morto. Sopra il fiordo blu-nero e la città giacevano sangue e fiamme. I miei amici hanno continuato a camminare, e io sono rimasto indietro, tremando di paura, e ho sentito un urlo senza fine che trafiggeva la natura.

Poco dopo, incarnerà questa sensazione nella foto. "Grido" O meglio, in più immagini.

Dopotutto "Grido"è una serie di dipinti espressionisti di un artista norvegese Edvard Munch, raffigurante una figura disperata contro un cielo rosso sangue. nel paesaggio di sfondo "Grido" si può immaginare la vista del fiordo di Oslo dalla collina di Ekeberg a Christiania. Nome originale in tedesco, dato Monaco immagine, era "Der Schrei der Natur" ("Grido della natura").

Edvard Munch, "L'urlo". 1893

Cartone, olio, tempera, pastello. 91 × 73,5 cm

Galleria Nazionale, Oslo

“Posta al centro della composizione, la figura di un uomo che urla disperatamente attira l'attenzione dello spettatore. Su un volto impersonale al primitivo si leggono disperazione e orrore, al limite della follia. L'autore è riuscito a trasmettere le emozioni umane più potenti con mezzi avari. Agli occhi della sofferenza, una bocca spalancata rende l'urlo stesso penetrante e davvero palpabile. Le mani alzate che coprono le orecchie parlano del desiderio riflesso di una persona di scappare da se stessa, di fermare questo attacco di paura e disperazione. La solitudine del protagonista, la sua fragilità e vulnerabilità riempiono l'intera opera di una tragedia ed energia speciali.

Sgranocchiare creato quattro versioni "Grido", ognuna realizzata con una tecnica diversa.

Nel Museo Sgranocchiare ha presentato una delle due opzioni, realizzata a olio e una a pastello.

La più famosa, la seconda versione, è esposta al Museo Nazionale della Norvegia. È dipinto a olio.

L'unica versione della trama rimasta in mani private è realizzata a pastello. Era di proprietà del miliardario norvegese Petter Olsen, che lo mise all'asta nel maggio 2012. Di conseguenza, il dipinto fu venduto a Leon Black per 119 milioni 922mila 500 dollari, che a quel tempo rappresentavano un record per le opere d'arte.

Alla vigilia dell'asta, David Norman, copresidente del consiglio di amministrazione di Sotheby's, ha dichiarato:

« "Grido" fa riferimento all'inconscio collettivo. Qualunque sia la tua nazionalità, credo o età, devi aver sperimentato lo stesso orrore esistenziale almeno una volta, specialmente in un'epoca di violenza e autodistruzione, quando tutti lottano per la sopravvivenza.

Crede anche che la tela Sgranocchiare divenne un'opera profetica che predisse il XX secolo con le sue due guerre mondiali, l'Olocausto, i disastri ambientali e le armi nucleari.

A proposito, questa versione "Grido"è una delle opere d'arte più riconoscibili della storia, alla pari dei Girasoli di Van Gogh o di Malevich.

Urlo - Edvard Munch. 1893. Cartone, olio, tempera, pastello. 91x73,5

modello espressionista, dipinto "Urlo", come le sue numerose varianti, è tuttora uno dei capolavori più misteriosi della pittura mondiale. Molti critici ritengono che la trama dell'immagine sia il frutto di una fantasia malata di una persona mentalmente malsana. Qualcuno vede nell'opera una premonizione di una catastrofe ecologica, qualcuno risolve la questione su quale tipo di mummia abbia ispirato l'autore a realizzare quest'opera. Dietro tutte le filosofie, la cosa principale scompare: le emozioni che questa immagine evoca, l'atmosfera che trasmette e l'idea che ogni spettatore può formulare autonomamente.

Cosa ha rappresentato l'autore? Che significato ha dato al suo lavoro ambiguo? Cosa volevi dire al mondo? Le risposte a queste domande possono essere diverse, ma tutti concordano su un'opinione comune: "urlare" fa immergere lo spettatore in pensieri difficili su se stesso e sulla vita moderna.

Analisi del dipinto "L'urlo"

Il cielo rosso, infuocato, copriva il freddo fiordo, che a sua volta dà origine a un'ombra fantastica, simile a un certo mostro marino. La tensione distorce lo spazio, le linee si spezzano, i colori non corrispondono, la prospettiva viene distrutta.

Solo il ponte su cui si trovano gli eroi del film è indistruttibilmente uniforme. Si oppone al caos in cui sta precipitando il mondo. Un ponte è una barriera che separa l'uomo dalla natura. Protetti dalla civiltà, le persone hanno dimenticato come sentire, vedere e ascoltare. Due figure indifferenti in lontananza, che non reagiscono in alcun modo a quanto sta accadendo intorno, sottolineano solo la tragedia della trama.

La figura di un uomo che urla disperatamente posta al centro della composizione attira in primo luogo l'attenzione dello spettatore. Su un volto impersonale al primitivo si leggono disperazione e orrore, al limite della follia. L'autore è riuscito a trasmettere le emozioni umane più potenti con mezzi avari. Agli occhi della sofferenza, una bocca spalancata rende l'urlo stesso penetrante e davvero palpabile. Le mani alzate che coprono le orecchie parlano del desiderio riflesso di una persona di scappare da se stessa, di fermare questo attacco di paura e disperazione.

La solitudine del protagonista, la sua fragilità e vulnerabilità, riempiono l'intera opera di una tragedia ed energia speciali.

L'autore utilizza una tecnica complessa, in un'opera utilizzando e Dipinti ad olio e tempera. Allo stesso tempo, la colorazione dell'opera è semplice, persino avara. In effetti, due colori - rosso e blu, nonché una miscela di questi due colori - creano tutto il lavoro. Curve di linee intricate e irrealistiche nell'immagine della figura centrale e della natura riempiono la composizione di energia e drammaticità.

Lo spettatore decide da solo la domanda: cosa viene prima nell'opera: un grido o una deformazione. Qual è il cuore dell'opera? Forse, la disperazione e l'orrore manifestati nel grido e hanno dato origine a deformazioni intorno, rispondendo alle emozioni umane, la natura reagisce in modo simile. Puoi anche vedere il "grido" nella deformazione.

Informazioni storiche sul dipinto

Sorprendentemente, quest'opera di Munch è stata rubata più volte dagli aggressori. E non è tanto il costo colossale di "Scream". Il punto è l'impatto unico e inspiegabile di questo lavoro sullo spettatore. L'immagine è emotivamente ricca e capace di evocare forti emozioni. D'altra parte, nel modo più sconosciuto, avendo realizzato il suo capolavoro proprio alla fine dell'Ottocento, l'autore ha saputo prevedere la tragedia e l'abbondanza di catastrofi nel Novecento.

Va aggiunto che è stato questo lavoro a ispirare molti registi e sceneggiatori a creare film di vario genere. Tuttavia, nessuno dei film si è mai avvicinato in termini di tragedia ed emotività al capolavoro di Edvard Munch.

150 anni fa, non lontano da Oslo, nacque Edvard Munch, un pittore norvegese, il cui lavoro, preso dall'alienazione e dall'orrore, poche persone possono lasciare indifferenti. I dipinti di Munch suscitano emozioni anche tra persone che conoscono poco la biografia dell'artista e le circostanze per cui le sue tele sono quasi sempre dipinte con colori cupi. Ma oltre ai motivi costanti della solitudine e della morte, nei suoi dipinti si sente anche il desiderio di vivere.

"Ragazza malata" (1885-1886)

"Ragazza malata" immagine iniziale Munch, e uno dei primi presentati dall'artista in occasione dell'Autunno esibizione artistica 1886. Il dipinto raffigura una ragazza dai capelli rossi dall'aspetto malaticcio sdraiata a letto e una donna vestita di nero le tiene la mano, chinandosi. Nella stanza regna la semioscurità e l'unico punto luminoso è il volto di una ragazza morente, che sembra illuminata. Sebbene l'undicenne Betsy Nielsen abbia posato per il dipinto, la tela era basata sui ricordi dell'artista associati alla sua amata sorella maggiore Sophie. Quando il futuro pittore aveva 14 anni, sua sorella di 15 anni morì di tubercolosi, e questo accadde 9 anni dopo che la madre di famiglia, Laura Munch, morì della stessa malattia. Un'infanzia difficile, oscurata dalla morte di due persone vicine e dall'eccessiva pietà e severità del padre-sacerdote, si è fatta sentire per tutta la vita di Munch e ha influenzato la sua visione del mondo e la sua creatività.

"Mio padre era molto irascibile e ossessionato dalla religione - da lui ho ereditato i germogli della follia. Gli spiriti della paura, del dolore e della morte mi hanno circondato dal momento della nascita", ha ricordato Munch della sua infanzia.

La donna raffigurata accanto alla ragazza nel dipinto è la zia dell'artista Karen Bjelstad, che si prese cura dei figli della sorella dopo la sua morte. Alcune settimane durante le quali Sophie Munch stava morendo di consunzione divennero uno dei periodi più terribili della vita di Munch - in particolare, anche allora pensò per la prima volta al significato della religione, che in seguito portò al suo rifiuto. Secondo le memorie dell'artista, nella notte sfortunata, suo padre, che, in tutti i guai, si rivolgeva a Dio, "camminava su e giù per la stanza, incrociando le mani in preghiera", e non poteva in alcun modo aiutare sua figlia .

In futuro, Munch è tornato più di una volta in quella tragica notte: per quarant'anni ha dipinto sei dipinti raffiguranti la sorella morente Sophie.

La tela del giovane artista, sebbene sia stata esposta insieme a dipinti di pittori più esperti, ha ricevuto recensioni devastanti dalla critica. Così, la "Ragazza malata" è stata definita una parodia dell'arte e il giovane Munch è stato rimproverato per aver osato presentare un'immagine incompiuta, secondo gli esperti. "Il miglior servizio che si può rendere a Edvard Munch è passare silenziosamente davanti ai suoi dipinti", ha scritto uno dei giornalisti, aggiungendo che la tela ha abbassato il livello generale della mostra.

Le critiche non hanno cambiato l'opinione dell'artista stesso, per il quale "The Sick Girl" è rimasto uno dei dipinti principali fino alla fine della sua vita. Il dipinto può ora essere visto in galleria Nazionale Oslo.

"Urlo" (1893)

Nel lavoro di molti artisti è difficile individuare il singolo più significativo e dipinto famoso, tuttavia, nel caso di Munch, non ci sono dubbi: il suo "Urlo" è noto anche a chi non ha un debole per l'arte. Come molte altre tele, Munch ha ricreato L'urlo nel corso di diversi anni, scrivendo la prima versione del dipinto nel 1893 e l'ultima nel 1910. Inoltre, in questi anni l'artista ha lavorato a dipinti di umore simile, ad esempio su "Alarm" (1894), raffigurante persone sullo stesso ponte sul fiordo di Oslo, e "Evening on Karl John Street" (1892). Secondo alcuni storici dell'arte, in questo modo l'artista ha cercato di liberarsi dell '"Urlo" e ha potuto farlo solo dopo un ciclo di cure in clinica.

Il rapporto di Munch con la sua pittura, così come le sue interpretazioni, è argomento prediletto da critici ed esperti. Qualcuno crede che un uomo rannicchiato dall'orrore reagisca al "Grido della Natura" proveniente da ogni dove (il titolo originale del quadro - ndr). Altri credono che Munch abbia previsto tutte le catastrofi e gli sconvolgimenti che attendono l'umanità nel XX secolo, e abbia rappresentato l'orrore del futuro e allo stesso tempo l'impossibilità di superarlo. Comunque sia, il dipinto emotivamente carico divenne una delle prime opere dell'espressionismo e per molti rimase il suo emblema, ei temi della disperazione e della solitudine in esso riflessi si rivelarono i principali nell'arte del modernismo.

Su ciò che ha costituito la base di "Scream", l'artista stesso ha scritto nel suo diario. Una voce intitolata "Nizza 22/01/1892" dice: "Stavo camminando lungo il sentiero con due amici - il sole stava tramontando - improvvisamente il cielo si è tinto di rosso sangue, mi sono fermato, sentendomi esausto, e mi sono appoggiato allo steccato - ho guardato al sangue e alle fiamme sopra il fiordo e la città nero-bluastro - i miei amici continuarono, e io rimasi tremante di eccitazione, sentendo l'urlo infinito che trafiggeva la natura.

L'"Urlo" di Munch ha influenzato non solo gli artisti del '900, ma è stato citato anche nella cultura pop: l'allusione più evidente al dipinto è quella famosa.

"Madonna" (1894)

Il dipinto di Munch, oggi conosciuto come "Madonna", era originariamente chiamato " donna amorevole". Nel 1893 Dagny Jul, moglie dello scrittore e amico di Munch Stanislav Pshibyszewski e musa degli artisti contemporanei, posò per lei per l'artista: oltre a Munch, Jul-Pshibyszewska fu dipinta da Wojciech Weiss, Konrad Krzhizhanovsky, Giulia Volftorn.

Secondo l'idea di Munch, la tela doveva riflettere i cicli principali della vita di una donna: il concepimento di un bambino, la produzione della prole e la morte. Si ritiene che il primo stadio sia dovuto alla posa della Madonna, il secondo Munch riflesso in una litografia realizzata nel 1895 - nell'angolo in basso a sinistra c'è una figura nella posa di un embrione. Il fatto che l'artista abbia associato il dipinto alla morte è evidenziato dai suoi stessi commenti su di esso e dal fatto che l'amore, secondo Munch, è sempre stato indissolubilmente legato alla morte. Inoltre, d'accordo con Schopenhauer, Munch credeva che la funzione di una donna si compisse dopo la nascita di un bambino.

L'unica cosa che unisce la Madonna nuda di Munch dai capelli neri alla Madonna classica è un'aureola sopra la sua testa. Come nel resto dei suoi dipinti, qui Munch non ha usato linee rette: la donna è circondata da morbidi raggi "ondulati". In totale, l'artista ha creato cinque versioni della tela, che sono ora conservate al Munch Museum, al National Museum of Art, Architecture and Design di Oslo, alla Kunsthalle di Amburgo e in collezioni private.

"Separazione" (1896)

In quasi tutti i suoi quadri degli anni Novanta dell'Ottocento, Munch usa le stesse immagini, combinandole in modi diversi: una striscia di luce sulla superficie del mare, una ragazza bionda sulla riva, un'anziana donna vestita di nero, una donna sofferente Uomo. In tali dipinti, Munch di solito interpretava il personaggio principale primo piano e dietro di lui c'è qualcosa che gli ricorda il passato.

In "La separazione" personaggio principale- un uomo abbandonato i cui ricordi non gli permettono di rompere con il passato. Munch lo mostra con capelli lunghi ragazze che sviluppano e toccano la testa dell'uomo. L'immagine di una ragazza - tenera e, per così dire, non completamente scritta - simboleggia un passato luminoso, e la figura di un uomo, la cui silhouette e i tratti del viso sono raffigurati con maggiore attenzione, appartiene al cupo presente.

Munch percepiva la vita come una separazione costante e coerente con tutto ciò che è caro a una persona, sulla via della separazione finale con la vita stessa. La sagoma della ragazza sulla tela si fonde parzialmente con il paesaggio: in questo modo sarà più facile per il protagonista sopravvivere alla perdita, lei diventerà solo una parte di tutto ciò da cui inevitabilmente si separerà durante la sua vita.

"Ragazze sul ponte" (1899)

"Girls on the Bridge" è uno dei pochi dipinti di Munch che ha guadagnato fama dopo la creazione - il riconoscimento è arrivato a Munch e alla maggior parte delle sue creazioni solo in ultimo decennio vita dell'artista. Forse è successo, perché questo è uno dei pochi dipinti di Munch, saturo di pace e tranquillità, dove le figure di ragazze e natura sono raffigurate con colori allegri. E, sebbene le donne nei dipinti di Munch, così come nelle opere di Henrik Ibsen e Johan August Strindberg, che lui adorava, simboleggiano sempre la fragilità della vita e la linea sottile tra la vita e la morte, le "Ragazze sul ponte" riflettevano un raro stato di gioia spirituale per l'artista.

Munch scrisse ben sette versioni del dipinto, la prima delle quali è datata 1899 ed è oggi conservata alla Oslo National Gallery. Un'altra versione, scritta nel 1903, può essere vista nel Museo Pushkin im. AS Pushkin. Il dipinto è stato portato in Russia dal collezionista Ivan Morozov, che ha acquistato il dipinto al Salon of Independents di Parigi.

Popolare nella categoria: