L'impressionismo come movimento artistico. Storia

Impressionismo(Impressionismo, impressione francese - impressione) è una direzione nella pittura che ebbe origine in Francia negli anni '60 dell'Ottocento. e determinò in gran parte lo sviluppo dell'arte nel XIX secolo. Le figure centrali di questa tendenza furono Cezanne, Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir e Sisley, e il contributo di ognuno di loro al suo sviluppo è unico. Gli impressionisti si opposero alle convenzioni del classicismo, del romanticismo e dell'accademismo, affermarono la bellezza della realtà quotidiana, motivi semplici e democratici, raggiunsero una vivace autenticità dell'immagine, cercarono di catturare l '"impressione" di ciò che l'occhio vede in un particolare momento.

Il tema più tipico degli impressionisti è il paesaggio, ma hanno toccato anche molti altri argomenti nel loro lavoro. Degas, ad esempio, ha raffigurato corse, ballerine e lavandaie, mentre Renoir ha raffigurato donne e bambini affascinanti. Nei paesaggi impressionistici creati all'aria aperta, un motivo semplice e quotidiano viene spesso trasformato da una luce in movimento onnipervadente, che conferisce un senso di festa all'immagine. In alcuni metodi di costruzione impressionista della composizione e dello spazio, si nota l'influenza dell'incisione giapponese e in parte della fotografia. Gli impressionisti furono i primi a creare un'immagine sfaccettata della vita quotidiana di una città moderna, catturando l'originalità del suo paesaggio e l'aspetto delle persone che la abitano, il loro modo di vivere, lavorare e divertirsi.

Gli impressionisti non hanno cercato di toccare problemi sociali acuti, filosofici o scioccanti nel loro lavoro, concentrandosi solo su vari modi di esprimere l'impressione della vita quotidiana circostante. Nel tentativo di "vedere il momento" e riflettere l'umore.

Nome " Impressionismo" sorse dopo la mostra del 1874 a Parigi, che espose il dipinto di Monet "Impression. The Rising Sun" (1872; il dipinto fu rubato dal Museo Marmottan di Parigi nel 1985 ed è ora nella lista dell'Interpol).

Tra il 1876 e il 1886 si tennero più di sette mostre impressioniste; alla fine di quest'ultimo, solo Monet continuò a seguire rigorosamente gli ideali dell'impressionismo. Gli "impressionisti" sono anche chiamati artisti fuori dalla Francia che hanno dipinto sotto l'influenza dell'impressionismo francese (ad esempio, l'inglese F. W. Steer).

Artisti impressionisti

Dipinti impressionisti famosi:

Edgar Degas

Claude Monet

Nell'ultimo terzo del XIX secolo. L'arte francese suona ancora ruolo di primo piano nella vita artistica dei paesi dell'Europa occidentale. In questo momento, nella pittura apparvero molte nuove tendenze, i cui rappresentanti cercavano i propri modi e forme di espressione creativa.

Il fenomeno più eclatante e significativo dell'arte francese di questo periodo fu l'impressionismo.

Gli impressionisti si dichiararono il 15 aprile 1874 alla mostra di Parigi, tenuta sotto cielo aperto sul Boulevard des Capucines. Qui, 30 giovani artisti il ​​cui lavoro è stato rifiutato dal Salon hanno esposto i loro dipinti. Il posto centrale dell'esposizione è stato assegnato al dipinto di Claude Monet “Impression. Alba". Questa composizione è interessante perché per la prima volta nella storia della pittura l'artista ha cercato di trasmettere la sua impressione sulla tela, e non sull'oggetto della realtà.

La mostra è stata visitata dal rappresentante dell'edizione Sharivari, il giornalista Louis Leroy. Fu lui a chiamare per primo Monet ei suoi collaboratori "impressionisti" (dall'impressione francese - impressione), esprimendo così la sua valutazione negativa della loro pittura. Ben presto questo nome ironico perse il suo originario significato negativo ed entrò per sempre nella storia dell'arte.

La mostra su Boulevard des Capucines divenne una sorta di manifesto che proclamava l'emergere di una nuova tendenza nella pittura. Vi hanno partecipato O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, C. Pissarro, P. Cezanne, B. Morisot, A. Guillaumin, nonché maestri della vecchia generazione - E. Boudin, C. Daubigny, I Jonkind.

La cosa più importante per gli impressionisti era trasmettere l'impressione di ciò che vedevano, catturare sulla tela un breve momento di vita. In questo modo, gli impressionisti assomigliavano ai fotografi. La trama non aveva molta importanza per loro. Gli artisti hanno preso i temi per i loro dipinti dalla vita quotidiana che li circonda. Hanno dipinto strade tranquille, caffè serali, paesaggi rurali, edifici cittadini, artigiani al lavoro. Un ruolo importante nei loro dipinti è stato svolto dal gioco di luci e ombre, i raggi del sole che saltano sugli oggetti e conferiscono loro un aspetto leggermente insolito e sorprendentemente vivace. Per vedere gli oggetti alla luce naturale, per trasmettere i cambiamenti che si verificano in natura in diversi momenti della giornata, gli artisti impressionisti hanno lasciato i loro laboratori e sono andati all'aria aperta (plein air).

Gli impressionisti usavano una nuova tecnica pittorica: non mescolavano i colori su un cavalletto, ma li applicavano immediatamente sulla tela con tratti separati. Questa tecnica ha permesso di trasmettere un senso di dinamica, lievi fluttuazioni nell'aria, il movimento delle foglie sugli alberi e l'acqua nel fiume.

Di solito i dipinti dei rappresentanti di questa direzione non avevano una composizione chiara. L'artista ha trasferito sulla tela un momento strappato alla vita, così il suo lavoro somigliava a una cornice fotografica presa per caso. Gli impressionisti non aderivano ai chiari confini del genere, ad esempio, il ritratto spesso sembrava una scena domestica.

Dal 1874 al 1886 gli impressionisti organizzarono 8 mostre, dopodiché il gruppo si sciolse. Quanto al pubblico, esso, come la maggior parte dei critici, percepiva la nuova arte con ostilità (ad esempio, il dipinto di C. Monet era chiamato “daub”), tanti artisti che rappresentavano questa tendenza vivevano in estrema povertà, a volte senza i mezzi per finire ciò che hanno iniziato l'immagine. E solo entro la fine del XIX - inizio del XX secolo. la situazione è cambiata radicalmente.

Nel loro lavoro, gli impressionisti hanno utilizzato l'esperienza dei loro predecessori: artisti romantici (E. Delacroix, T. Gericault), realisti (C. Corot, G. Courbet). I paesaggi di J. Constable hanno avuto una grande influenza su di loro.

E. Manet ha svolto un ruolo significativo nell'emergere di una nuova tendenza.

Edward Manet

Edouard Manet, nato nel 1832 a Parigi, è una delle figure più significative della storia della pittura mondiale, che ha posto le basi dell'impressionismo.

La formazione della sua visione artistica del mondo fu ampiamente influenzata dalla sconfitta della rivoluzione borghese francese del 1848. Questo evento eccitò così tanto il giovane parigino che decise di mossa disperata e scappò di casa, arruolandosi come marinaio su un veliero di mare. Tuttavia, in futuro, non ha viaggiato molto, dando tutto il suo spirituale e forze fisiche lavoro.

I genitori di Manet, persone colte e benestanti, sognavano per il figlio una carriera amministrativa, ma le loro speranze non erano destinate a realizzarsi. Pittura: questo è ciò che interessava il giovane, e nel 1850 entrò nella Scuola belle arti, al laboratorio di Couture, dove ha ricevuto una buona formazione professionale. Fu qui che l'artista alle prime armi provò disgusto per i timbri accademici e da salotto nell'arte, che non possono riflettere pienamente ciò che è soggetto solo a un vero maestro con il suo stile di scrittura individuale.

Così, dopo aver studiato per qualche tempo nella bottega di Couture e aver fatto esperienza, Manet la lascia nel 1856 e si rivolge alle tele dei suoi grandi predecessori esposte al Louvre, copiandole e studiandole attentamente. Le opere di maestri come Tiziano, D. Velazquez, F. Goya ed E. Delacroix hanno avuto una grande influenza sulle sue visioni creative; il giovane artista si inchinò davanti a quest'ultimo. Nel 1857 Manet visitò il grande maestro e chiese il permesso di realizzare diverse copie della sua "Barca di Dante", che sono sopravvissute fino ad oggi al Metropolitan Museum of Art di Lione.

seconda metà del 1860. l'artista si dedicò allo studio dei musei in Spagna, Inghilterra, Italia e Olanda, dove copiò dipinti di Rembrandt, Tiziano e altri.Nel 1861, le sue opere "Ritratto di genitori" e "Chitarrista" ricevettero il plauso della critica e furono premiate una “menzione d'onore”.

Lo studio dell'opera di antichi maestri (principalmente veneziani, spagnoli del XVII secolo e successivamente F. Goya) e il suo ripensamento porta al fatto che negli anni '60 dell'Ottocento. c'è una contraddizione nell'arte di Manet, manifestata nell'imposizione di un'impronta museale su alcuni dei suoi primi dipinti, tra cui: The Spanish Singer (1860), in parte The Boy with the Dog (1860), The Old Musician (1862).

Quanto agli eroi, l'artista, come i realisti della metà del XIX secolo, li trova nella folla parigina ribollente, tra coloro che passeggiano nel giardino delle Tuileries e visitatori abituali dei caffè. Fondamentalmente, questo è un mondo luminoso e colorato della Boemia: poeti, attori, artisti, modelli, partecipanti alla corrida spagnola: "Music at the Tuileries" (1860), "Street Singer" (1862), "Lola from Valencia" ( 1862), “Colazione all'erba” (1863), “Flautista” (1866), “Ritratto di E. Zsl” (1868).

Tra le prime tele, un posto speciale è occupato dal "Ritratto dei genitori" (1861), che è uno schizzo realistico molto accurato aspetto e il temperamento di una coppia di anziani. Il significato estetico dell'immagine risiede non solo in una penetrazione dettagliata nel mondo spirituale dei personaggi, ma anche nella precisione con cui viene trasmessa la combinazione di osservazione e ricchezza dello sviluppo pittorico, indicando la conoscenza delle tradizioni artistiche di E. Delacroix.

Un'altra tela, che è il programma del pittore e, va detto, è molto tipica dei suoi primi lavori, è "Colazione sull'erba" (1863). In questa foto, Manet ha preso una certa composizione della trama, completamente priva di significato.

Il quadro può ben essere considerato come l'immagine della colazione di due artisti in seno alla natura, circondati da modelle (infatti, il fratello dell'artista Eugene Manet, F. Lenkof, e una modella, Quiz Meran, hanno posato per la picture, ai cui servizi Manet ricorreva abbastanza spesso). Uno di loro è entrato nel torrente e l'altro, nudo, siede in compagnia di due uomini vestiti in modo artistico. Come sai, il motivo del confronto tra un maschio vestito e un nudo corpo femminile tradizionale e risale al dipinto di Giorgione "Concerto campestre", che si trova al Louvre.

La disposizione compositiva delle figure riproduce in parte la celebre incisione rinascimentale di Marcantonio Raimondi da un dipinto di Raffaello. Questa tela, per così dire, afferma polemicamente due posizioni correlate. Uno è la necessità di superare i cliché dell'arte da salotto, che ha perso il suo vero legame con il grande tradizione artistica, un richiamo diretto al realismo del Rinascimento e del XVII secolo, cioè le vere origini dell'arte realistica del nuovo tempo. Un'altra disposizione conferma il diritto e il dovere dell'artista di ritrarre i personaggi che lo circondano dalla vita di tutti i giorni. A quel tempo, questa combinazione portava una certa contraddizione. La maggior parte credeva che una nuova fase nello sviluppo del realismo non potesse essere raggiunta riempiendo vecchi schemi compositivi con nuovi tipi e personaggi. Ma Edouard Manet è riuscito a superare la dualità dei principi della pittura nel suo primo periodo di creatività.

Tuttavia, nonostante la natura tradizionale della trama e della composizione, così come la presenza di dipinti di maestri di salone raffiguranti bellezze mitiche nude in pose schiette e seducenti, la pittura di Manet ha suscitato un grande scandalo tra i borghesi moderni. Il pubblico è rimasto scioccato dalla giustapposizione di un corpo femminile nudo con un abbigliamento maschile moderno e prosaicamente quotidiano.

Per quanto riguarda le norme pittoriche, Luncheon on the Grass è stato scritto in un compromesso, caratteristico degli anni Sessanta dell'Ottocento. modo, caratterizzato da una tendenza a colori scuri, ombre nere, nonché da un richiamo non sempre coerente all'illuminazione plein air e al colore aperto. Se ci rivolgiamo a uno schizzo preliminare realizzato ad acquerello, allora su di esso (più che sull'immagine stessa) si nota quanto sia grande l'interesse del maestro per i nuovi problemi pittorici.

Il dipinto "Olympia" (1863), in cui è raffigurato il profilo di una donna nuda distesa, sembra riferirsi a tradizioni compositive generalmente accettate - un'immagine simile si trova in Giorgione, Tiziano, Rembrandt e D. Velasquez. Tuttavia, nella sua creazione, Manet segue un percorso diverso, seguendo F. Goya ("Naked Maha") e rifiutando la motivazione mitologica della trama, l'interpretazione dell'immagine introdotta dai veneziani e parzialmente conservata da D. Velasquez ("Venere con uno specchio”).

"Olympia" non è affatto un'immagine poeticamente ripensata bellezza femminile, ma un ritratto espressivo, magistralmente eseguito, accurato e, si potrebbe anche dire, un po' freddo che trasmette la somiglianza con Quiz Meran, modello costante di Manet. Il pittore mostra in modo affidabile il pallore naturale del corpo donna moderna paura del sole. Mentre gli antichi maestri enfatizzavano la bellezza poetica del corpo nudo, la musicalità e l'armonia dei suoi ritmi, Manet si concentra sulla trasmissione dei motivi della specificità della vita, allontanandosi completamente dall'idealizzazione poetica insita nei suoi predecessori. Così, ad esempio, il gesto della Venere di Giorgio con la mano sinistra in Olympia acquista una connotazione quasi volgare nella sua indifferenza. Estremamente caratteristico è lo sguardo indifferente, ma allo stesso tempo attento, della modella, opposto all'egocentrismo della Venere Giorgione e al sensibile sogno della Venere di Urbino di Tiziano.

In questa immagine ci sono segni di una transizione alla fase successiva nello sviluppo del modo creativo del pittore. C'è un ripensamento del consueto schema compositivo, che consiste nell'osservazione prosaica e nella visione pittorica e artistica del mondo. La giustapposizione di contrasti netti colti all'istante contribuisce alla distruzione dell'equilibrata armonia compositiva degli antichi maestri. Così, la statica di una modella in posa e la dinamica nelle immagini di una donna nera e di un gatto nero che piega la schiena si scontrano. I cambiamenti riguardano anche la tecnica pittorica, che offre una nuova comprensione dei compiti figurativi del linguaggio artistico. Edouard Manet, come molti altri impressionisti, in particolare Claude Monet e Camille Pissarro, abbandona il sistema pittorico obsoleto sviluppatosi nel XVII secolo. (pittura di fondo, scrittura, velatura). Da quel momento in poi si iniziò a dipingere le tele con una tecnica chiamata “a la prima”, che si distingueva per maggiore immediatezza, emotività, vicinanza a studi e schizzi.

Il periodo di transizione dalla creatività precoce a quella matura, che occupa per Manet quasi tutta la seconda metà degli anni Sessanta dell'Ottocento, è rappresentato da dipinti come Flautista (1866), Balcone (1868-1869 circa) e altri.

Sulla prima tela, su uno sfondo neutro grigio oliva, è raffigurato un ragazzo-musicista che porta alle labbra un flauto. L'espressività di un movimento appena percettibile, l'eco ritmica dei bottoni d'oro iridescenti sull'uniforme blu con il leggero e veloce scorrimento delle dita lungo i fori dei flauti parlano dell'innata abilità artistica e del sottile potere di osservazione del maestro. Nonostante il fatto che lo stile della pittura qui sia piuttosto denso, il colore è pesante e l'artista non si è ancora rivolto all'aria aperta, questa tela anticipa più di tutte le altre il periodo maturo dell'opera di Manet. Quanto al Balcone, è più vicino all'Olympia che alle opere degli anni Settanta dell'Ottocento.

Nel 1870-1880. Manet diventa il principale pittore del suo tempo. E sebbene gli impressionisti lo considerassero il loro leader e ispiratore ideologico, e lui stesso era sempre d'accordo con loro nell'interpretare le visioni fondamentali sull'arte, il suo lavoro è molto più ampio e non rientra nel quadro di nessuna direzione. Il cosiddetto impressionismo di Manet, infatti, è più vicino all'arte dei maestri giapponesi. Semplifica i motivi, bilanciando il decorativo e il reale, crea un'idea generalizzata di ciò che ha visto: un'impressione pura, priva di dettagli che distraggono, un'espressione della gioia della sensazione ("In riva al mare", 1873).

Inoltre, come genere dominante, cerca di preservare un quadro compositivamente completo, dove il posto principale è dato all'immagine di una persona. L'arte di Manet è la fase finale dello sviluppo di una tradizione secolare di pittura narrativa realistica, che ebbe origine nel Rinascimento.

Nelle ultime opere di Manet c'è la tendenza ad allontanarsi da un'interpretazione dettagliata dei dettagli dell'ambiente che circonda l'eroe ritratto. Così, nel ritratto di Mallarmé, denso di dinamiche nervose, l'artista si sofferma sul gesto del poeta, come sbirciato per caso, che, in modo sognante, posava sul tavolo la mano con un sigaro fumante. Con tutta la sommarietà, la cosa principale nel carattere e nel magazzino mentale di Mallarmé viene catturata in modo sorprendentemente accurato, con grande persuasività. La caratterizzazione approfondita del mondo interiore dell'individuo, caratteristica dei ritratti di J. L. David e J. O. D. Ingres, è qui sostituita da una caratterizzazione più netta e diretta. Tale è il ritratto delicatamente poetico di Berthe Morisot con un ventaglio (1872) e l'aggraziata immagine pastello di George Moore (1879).

L'opera del pittore comprende opere legate a temi storici e grandi eventi. vita pubblica. Tuttavia, va notato che queste tele hanno meno successo, perché problemi di questo tipo erano estranei al suo talento artistico, al circolo di idee e idee sulla vita.

Così, ad esempio, un appello agli eventi della Guerra Civile tra il Nord e il Sud negli Stati Uniti ha portato all'immagine dell'affondamento della nave corsara dei meridionali da parte dei settentrionali ("Battaglia del Kirsezh" con il " Alabama”, 1864), e l'episodio è più da attribuire al paesaggio, dove le navi militari fungono da personale. The Execution of Maximilian (1867), in sostanza, ha il carattere di uno sketch di genere, privo non solo di interesse per il conflitto dei messicani in lotta, ma anche del dramma stesso dell'evento.

Il tema della storia moderna fu toccato da Manet durante i giorni della Comune di Parigi (L'esecuzione dei comunardi, 1871). L'atteggiamento comprensivo nei confronti dei comunardi fa onore all'autore dell'immagine, che non si è mai interessato a tali eventi prima. Tuttavia, il suo valore artistico è inferiore rispetto ad altre tele, poiché qui si ripete infatti lo schema compositivo de "L'esecuzione di Massimiliano", e l'autore si limita a uno schizzo che non riflette affatto il significato della crudele collisione di due mondi opposti.

Nel tempo successivo Manet non si rivolge più a un genere storico a lui estraneo, preferendo rivelare l'inizio artistico ed espressivo negli episodi, trovandoli nel flusso della vita quotidiana. Allo stesso tempo, ha selezionato con cura momenti particolarmente caratteristici, ricercato il punto di vista più espressivo, e poi li ha riprodotti con grande maestria nei suoi dipinti.

Il fascino della maggior parte delle creazioni di questo periodo è dovuto non tanto al significato dell'evento rappresentato quanto al dinamismo e all'arguta osservazione dell'autore.

Un notevole esempio di composizione di gruppo all'aperto è il dipinto “In a Boat” (1874), dove la combinazione del profilo della poppa di una barca a vela, l'energia contenuta dei movimenti del timoniere, la grazia sognante di una donna seduta , la trasparenza dell'aria, la sensazione di freschezza della brezza e il movimento scorrevole della barca creano un'immagine indescrivibile, piena di gioia leggera e freschezza. .

Una nicchia speciale nell'opera di Manet è occupata dalle nature morte, caratteristiche di diversi periodi del suo lavoro. Così, la prima natura morta "Peonies" (1864-1865) raffigura boccioli rossi e bianco-rosa in fiore, così come fiori che sono già sbocciati e iniziano a sbiadire, lasciando cadere petali su una tovaglia che copre il tavolo. I lavori successivi sono notevoli per la loro abbozzatura senza sforzo. In essi il pittore cerca di trasmettere lo splendore dei fiori, avvolti in un'atmosfera permeata di luce. Tale è il dipinto "Rose in un bicchiere di cristallo" (1882-1883).

Alla fine della sua vita, Manet, a quanto pare, era insoddisfatto di ciò che aveva ottenuto e cercò di tornare a scrivere grandi composizioni di trama completate con un diverso livello di abilità. In questo momento inizia a lavorare su una delle tele più significative - "The Bar at the Folies Bergère" (1881-1882), in cui si avvicina a un nuovo livello, una nuova fase nello sviluppo della sua arte, interrotta da morte (come è noto, durante il lavoro Manet si ammalò gravemente). Al centro della composizione c'è la figura di una giovane commessa, rivolta di fronte allo spettatore. Una bionda un po' stanca e attraente, vestita con un abito scuro dal bagliore profondo, sta sullo sfondo di un enorme specchio che occupa l'intera parete, che riflette il bagliore della luce tremolante e i contorni vaghi e sfocati del pubblico seduto al tavoli del caffè. La donna è girata verso la sala, in cui, per così dire, si trova lo spettatore stesso. Questa peculiare tecnica conferisce all'immagine tradizionale, a prima vista, una certa instabilità, suggerendo una giustapposizione del mondo reale e di quello riflesso. Allo stesso tempo, l'asse centrale dell'immagine risulta essere spostato nell'angolo destro, in cui, secondo il tipico degli anni '70 dell'Ottocento. reception, la cornice dell'immagine blocca leggermente la figura di un uomo con un cappello a cilindro, riflesso nello specchio, che parla con una giovane commessa.

Così, in quest'opera, il principio classico di simmetria e stabilità si combina con uno spostamento laterale dinamico, oltre che con la frammentazione, quando un certo momento (frammento) viene strappato a un unico flusso di vita.

Sarebbe sbagliato pensare che la trama de Il bar delle Folies Bergère sia priva di contenuto essenziale e sia una sorta di monumentalizzazione dell'insignificante. La figura di una donna giovane, ma già internamente stanca e indifferente alla mascherata circostante di una donna, il suo sguardo errante rivolto verso il nulla, l'alienazione dall'illusorio splendore della vita dietro di lei, conferiscono all'opera una significativa sfumatura semantica, colpendo lo spettatore con la sua inaspettata.

Lo spettatore ammira la freschezza unica di due rose in piedi sul bancone in un bicchiere di cristallo dai bordi scintillanti; e poi involontariamente c'è un paragone di questi lussuosi fiori con una rosa mezzo appassita in prossimità della sala, appuntata alla scollatura del vestito della commessa. Guardando l'immagine, puoi vedere il contrasto unico tra la freschezza del suo petto semiaperto e lo sguardo indifferente che vaga tra la folla. Questo lavoroè considerato un programma nel lavoro dell'artista, perché contiene elementi di tutti i suoi temi e generi preferiti: ritratto, natura morta, vari effetti di luce, movimento della folla.

In generale, l'eredità lasciata da Manet è rappresentata da due aspetti, particolarmente pronunciati nella sua ultimo lavoro. In primo luogo, con il suo lavoro, completa ed esaurisce lo sviluppo delle tradizioni realistiche classiche dell'arte francese del XIX secolo, e in secondo luogo, pone nell'arte i primi germogli di quelle tendenze che saranno raccolte e sviluppate dai cercatori di nuovo realismo nel 20° secolo.

Il pittore ha ricevuto pieno e ufficiale riconoscimento in l'anno scorso vita, precisamente nel 1882, quando fu insignito dell'Ordine della Legion d'Onore (il principale riconoscimento della Francia). Manet morì nel 1883 a Parigi.

Claude Monet

Claude Monet, artista francese, uno dei fondatori dell'impressionismo, nasce nel 1840 a Parigi.

Come il figlio di un modesto droghiere trasferitosi da Parigi a Rouen, il giovane Monet all'inizio della sua modo creativo disegnò divertenti caricature, poi studiò con il paesaggista di Rouen Eugene Boudin, uno dei creatori del paesaggio realistico en plein air. Boudin non solo convinse il futuro pittore della necessità di lavorare all'aria aperta, ma riuscì anche a instillare in lui l'amore per la natura, l'attenta osservazione e la trasmissione veritiera di ciò che vedeva.

Nel 1859 Monet parte per Parigi con l'obiettivo di diventare un vero artista. I suoi genitori sognavano che sarebbe entrato alla Scuola di Belle Arti, ma il giovane non giustifica le loro speranze e si tuffa a capofitto nella vita bohémien, acquisisce numerose conoscenze nell'ambiente artistico. Completamente privato del sostegno materiale dei suoi genitori, e quindi senza mezzi di sussistenza, Monet fu costretto ad arruolarsi nell'esercito. Tuttavia, anche dopo il ritorno dall'Algeria, dove ha dovuto svolgere un servizio difficile, continua a condurre lo stesso stile di vita. Poco dopo ha incontrato I. Ionkind, che lo ha affascinato con il lavoro sugli studi naturali. E poi visita lo studio di Suisse, per qualche tempo studia nello studio dell'allora famoso pittore della direzione accademica - M. Gleyre, e si avvicina anche a un gruppo di giovani artisti (J.F. Basil, C. Pissarro, E. Degas, P. Cezanne, O Renoir, A. Sisley e altri), che, come lo stesso Monet, cercavano nuove vie di sviluppo nell'arte.

La più grande influenza sul pittore alle prime armi non fu la scuola di M. Gleyre, ma l'amicizia con persone affini, ardenti critici dell'accademismo da salotto. Fu grazie a questa amicizia, al sostegno reciproco, all'opportunità di scambiare esperienze e condividere risultati che nacque un nuovo sistema pittorico, che in seguito ricevette il nome di "impressionismo".

La base della riforma era che il lavoro si svolgeva in natura, a cielo aperto. Allo stesso tempo, gli artisti hanno dipinto all'aria aperta non solo schizzi, ma l'intero quadro. Direttamente a contatto con la natura, si convinsero sempre di più che il colore degli oggetti cambia continuamente a seconda del cambiamento dell'illuminazione, dello stato dell'atmosfera, della vicinanza di altri oggetti che proiettano riflessi di colore e molti altri fattori. Sono stati questi cambiamenti che hanno cercato di trasmettere attraverso le loro opere.

Nel 1865 Monet decise di dipingere una grande tela "nello spirito di Manet, ma all'aria aperta". Era Luncheon on the Grass (1866) - il suo primo più lavoro significativo, raffiguranti parigini elegantemente vestiti che lasciarono la città e si sedettero all'ombra di un albero attorno a una tovaglia stesa a terra. L'opera è caratterizzata dal carattere tradizionale della sua composizione chiusa ed equilibrata. Tuttavia, l'attenzione dell'artista è rivolta non tanto all'opportunità di mostrare personaggi umani o di creare una composizione espressiva della trama, ma di inserire figure umane nel paesaggio circostante e trasmettere l'atmosfera di agio e relax che prevale tra loro. Per creare questo effetto, l'artista presta grande attenzione al trasferimento del riverbero del sole che irrompe attraverso il fogliame, giocando sulla tovaglia e sul vestito della giovane donna seduta al centro. Monet cattura e trasmette con precisione il gioco dei riflessi di colore sulle tovaglie e la traslucenza di un abito da donna leggero. Con queste scoperte inizia la rottura del vecchio sistema di pittura, che enfatizza le ombre scure e un modo di esecuzione denso e materico.

Da quel momento, l'approccio di Monet al mondo è diventato paesaggio. Il carattere umano, il rapporto delle persone gli interessano meno. Eventi 1870-1871 costrinse Monet a emigrare a Londra, da dove si recò in Olanda. Al suo ritorno dipinge diversi quadri che sono diventati programmatici nel suo lavoro. Questi includono "Impression. Alba" (1872), "Lillà al sole" (1873), "Boulevard des Capucines" (1873), "Campo di papaveri ad Argenteuil" (1873), ecc.

Nel 1874 alcuni di essi furono esposti alla famosa mostra organizzata dalla "Società Anonima di Pittori, Artisti e Incisori", guidata dallo stesso Monet. Dopo la mostra, Monet e un gruppo di persone che la pensano allo stesso modo iniziarono a essere chiamati gli impressionisti (dall'impressione francese - impressione). A questo punto, i principi artistici di Monet, caratteristici della prima fase del suo lavoro, si sono finalmente formati in un certo sistema.

Nel Paesaggio all'aperto Lillà al sole (1873), raffigurante due donne sedute all'ombra di grandi cespugli di lillà in fiore, le loro figure sono trattate allo stesso modo e con la stessa attenzione degli stessi cespugli e dell'erba su cui loro si siedono. Le figure di persone sono solo una parte del paesaggio generale, mentre la sensazione del morbido tepore dell'inizio dell'estate, la freschezza del fogliame giovane, la foschia di una giornata di sole sono trasmesse con straordinaria vivacità e persuasività diretta, non caratteristica di quel tempo.

Un'altra immagine - "Boulevard des Capucines" - riflette tutte le principali contraddizioni, vantaggi e svantaggi del metodo impressionista. Qui, un momento strappato allo scorrere della vita di una grande città è reso con grande precisione: la sensazione di un rumore sordo e monotono del traffico, l'umida trasparenza dell'aria, i raggi del sole di febbraio che scivolano lungo i rami spogli degli alberi, un pellicola di nuvole grigiastre che coprono l'azzurro del cielo ... L'immagine è fugace, ma tuttavia meno vigile e nota lo sguardo dell'artista, e l'artista è sensibile, risponde a tutti i fenomeni della vita. Il fatto che lo sguardo sia davvero gettato per caso è sottolineato dal pensiero compositivo
ricezione: la cornice del quadro a destra, per così dire, taglia le figure di uomini in piedi sul balcone.

Le tele di questo periodo fanno sentire allo spettatore che lui stesso è attore questa celebrazione della vita, piena di luce solare e del frastuono incessante di una folla elegante.

Stabilitosi ad Argenteuil, Monet scrive con grande interesse alla Senna, ai ponti, alle barche a vela leggere che scivolano sulla superficie dell'acqua ...

Il paesaggio lo affascina così tanto che, cedendo a un'attrazione irresistibile, si costruisce una piccola barca e vi arriva nella sua nativa Rouen, e lì, stupito dall'immagine che vede, schizza i suoi sentimenti in schizzi, che raffigurano i dintorni della città e delle grandi acque marine che entrano nella foce del fiume navi ("Argenteuil", 1872; "Barca a vela ad Argenteuil", 1873-1874).

Il 1877 è segnato dalla creazione di una serie di dipinti raffiguranti la stazione ferroviaria di Saint-Lazare. Hanno tracciato nuovo stadio nell'opera di Monet.

Da quel momento gli schizzi, caratterizzati dalla loro completezza, hanno lasciato il posto a opere in cui l'essenziale è un approccio analitico al raffigurato (“Gare Saint-Lazare”, 1877). Il cambiamento nello stile pittorico è associato ai cambiamenti nella vita personale dell'artista: la moglie Camilla si ammala gravemente, la povertà si abbatte sulla famiglia, causata dalla nascita di un secondo figlio.

Dopo la morte della moglie, Alice Goshede ha assunto la cura dei bambini, la cui famiglia ha affittato la stessa casa a Vetheuil di Monet. Questa donna in seguito divenne la sua seconda moglie. Dopo qualche tempo, la situazione finanziaria di Monet è migliorata così tanto che è stato in grado di acquistare la sua casa a Giverny, dove ha lavorato per il resto del tempo.

Il pittore sente sottilmente le nuove tendenze, il che gli consente di anticipare molto con un'intuizione sorprendente.
da ciò che saranno realizzati dagli artisti della fine del XIX - inizio del XX secolo. Cambia l'attitudine al colore e alle trame
dipinti. Ora la sua attenzione si concentra sull'espressività dello schema cromatico della pennellata in isolamento dalla sua correlazione soggettiva, esaltando l'effetto decorativo. Alla fine, crea dipinti su tavola. Trame semplici 1860-1870 lasciare il posto a motivi complessi saturi di vari collegamenti associativi: immagini epiche rocce, ranghi elegiaci di pioppi ("Rocce a Belle-Ile", 1866; "Pioppi", 1891).

Questo periodo è segnato da numerose opere seriali: composizioni di "Hacks" ("Haystack in the snow. Gloomy day", 1891; "Hacks. End of the day. Autumn", 1891), immagini della cattedrale di Rouen (" Cattedrale di Rouen a mezzogiorno”, 1894, ecc.), vedute di Londra (“Fog in London”, 1903, ecc.). Lavorando ancora in modo impressionistico e utilizzando una varietà di tonalità della sua tavolozza, il maestro mira a trasmettere con la massima accuratezza e affidabilità come l'illuminazione degli stessi oggetti può cambiare in condizioni meteorologiche diverse durante il giorno.

Se guardi più da vicino una serie di dipinti sulla cattedrale di Rouen, diventa chiaro che la cattedrale qui non è l'incarnazione di mondo complesso pensieri, sentimenti e ideali del popolo della Francia medievale e nemmeno un monumento d'arte e architettura, ma una sorta di sfondo, a partire dal quale l'autore trasmette lo stato di vita della luce e dell'atmosfera. Lo spettatore sente la freschezza della brezza mattutina, il caldo di mezzogiorno, le ombre morbide della sera imminente, che sono i veri eroi di questa serie.

Tuttavia, oltre a ciò, tali dipinti sono composizioni decorative insolite che, grazie a connessioni associative che sorgono involontariamente, danno allo spettatore l'impressione della dinamica del tempo e dello spazio.

Trasferitosi con la sua famiglia a Giverny, Monet trascorse molto tempo in giardino, occupandosi della sua organizzazione pittorica. Questa occupazione influenzò così tanto le opinioni dell'artista che invece del mondo ordinario abitato da persone, iniziò a raffigurare sulle sue tele il misterioso mondo decorativo dell'acqua e delle piante ("Iris at Giverny", 1923; "Weeping Willows", 1923 ). Da qui le vedute di stagni in cui galleggiano ninfee, raffigurate nella serie più famosa dei suoi ultimi pannelli (“White Water Lilies. Harmony of Blue”, 1918-1921).

Giverny divenne l'ultimo rifugio dell'artista, dove morì nel 1926.

Va notato che il modo di scrivere degli impressionisti era molto diverso dal modo degli accademici. Gli impressionisti, in particolare Monet e le sue persone che la pensano allo stesso modo, erano interessati all'espressività della combinazione di colori del tratto in isolamento dalla sua correlazione del soggetto. Cioè, hanno scritto con tratti separati, usando solo colori puri che non sono stati mescolati sulla tavolozza, mentre il tono desiderato era già formato nella percezione dello spettatore. Quindi, per il fogliame di alberi ed erba, insieme al verde, sono stati usati blu e giallo, dando la giusta sfumatura di verde a distanza. Questo metodo conferiva alle opere dei maestri impressionisti una purezza e una freschezza speciali, inerenti solo a loro. I tratti posati separatamente creavano l'impressione di una superficie in rilievo e, per così dire, vibrante.

Pierre Auguste Renoir

Pierre Auguste Renoir, pittore, grafico e scultore francese, uno dei capigruppo del gruppo impressionista, nasce il 25 febbraio 1841 a Limoges, in una famiglia povera di un sarto di provincia, trasferitosi a Parigi nel 1845. Il talento del giovane Renoir fu notato abbastanza presto dai suoi genitori che nel 1854 lo assegnarono a un laboratorio di pittura su porcellana. Durante la visita al laboratorio, Renoir studiò contemporaneamente alla scuola di disegno e arte applicata e nel 1862, dopo aver risparmiato denaro (guadagnando denaro dipingendo stemmi, tende e ventagli), il giovane artista entrò alla Scuola di Belle Arti. Poco dopo iniziò a frequentare la bottega di C. Gleyre, dove strinse amicizia con A. Sisley, F. Basil e C. Monet. Visitava spesso il Louvre, studiando le opere di maestri come A. Watteau, F. Boucher, O. Fragonard.

La comunicazione con un gruppo di impressionisti porta Renoir a sviluppare il proprio stile di visione. Quindi, ad esempio, a differenza di loro, durante tutta la sua opera si è rivolto all'immagine di una persona come motivo principale dei suoi dipinti. Inoltre il suo lavoro, sebbene fosse plein air, non si è mai dissolto
peso plastico del mondo materiale nel mezzo scintillante della luce.

L'uso del chiaroscuro da parte del pittore, conferendo all'immagine una forma quasi scultorea, fa somigliare le sue prime opere alle opere di alcuni artisti realisti, in particolare G. Courbet. Tuttavia, una combinazione di colori sempre più chiara, inerente solo a Renoir, distingue questo maestro dai suoi predecessori ("Mother Anthony's Tavern", 1866). In molte opere dell'artista è evidente un tentativo di trasmettere la naturale plasticità del movimento delle figure umane all'aria aperta. In "Ritratto di Alfred Sisley con sua moglie" (1868), Renoir cerca di mostrare il sentimento che unisce la coppia che cammina a braccetto: Sisley si fermò per un momento e si chinò dolcemente verso la moglie. In questo quadro, con una composizione che ricorda una cornice fotografica, il motivo del movimento è ancora accidentale e praticamente inconscio. Tuttavia, rispetto alla "Taverna", le figure del "Ritratto di Alfred Sisley con la moglie" sembrano più a loro agio e vive. Un altro punto importante è significativo: gli sposi sono raffigurati in natura (in giardino), ma Renoir non ha ancora esperienza nella raffigurazione di figure umane all'aria aperta.

"Ritratto di Alfred Sisley con sua moglie" - il primo passo dell'artista sulla via della nuova arte. La fase successiva del lavoro dell'artista fu il dipinto Bathing in the Seine (c. 1869), dove le figure di persone che camminano lungo la riva, bagnanti, barche e gruppi di alberi sono riunite dall'atmosfera leggera di una bella giornata estiva. Il pittore utilizza già liberamente ombre colorate e riflessi di colore chiaro. La sua macchia diventa viva ed energica.

Come C. Monet, Renoir ama il problema dell'inclusione della figura umana nel mondo dell'ambiente. L'artista risolve questo problema nel dipinto "Swing" (1876), ma in modo leggermente diverso da C. Monet, in cui le figure delle persone sembrano dissolversi nel paesaggio. Renoir introduce diverse figure chiave nella sua composizione. Il modo pittoresco in cui è realizzata questa tela trasmette in modo molto naturale l'atmosfera di una calda giornata estiva addolcita dall'ombra. L'immagine è permeata da una sensazione di felicità e gioia.

A metà degli anni 1870. Renoir dipinge opere come il paesaggio soleggiato "Path in the Meadows" (1875), pieno di movimento leggero e vivace e il gioco sfuggente di riflessi luminosi "Moulin de la Galette" (1876), così come "Ombrelli" ( 1883), "Lodge" (1874) e The End of Breakfast (1879). Queste bellissime tele sono state create nonostante il fatto che l'artista abbia dovuto lavorare in un ambiente difficile, poiché dopo la scandalosa mostra degli impressionisti (1874), il lavoro di Renoir (così come il lavoro delle sue persone che la pensano allo stesso modo) è stato oggetto di aspre critiche attacchi dei cosiddetti intenditori d'arte. Tuttavia, in questo momento difficile, Renoir ha sentito il sostegno di due persone a lui vicine: il fratello Edmond (editore della rivista La Vie Moderne) e Georges Charpentier (proprietario del settimanale). Hanno aiutato l'artista a ottenere una piccola somma di denaro e ad affittare un laboratorio.

Va notato che in termini di composizione il paesaggio "Sentiero nei prati" è molto vicino a "Papaveri" (1873) di C. Monet, tuttavia la trama pittoresca delle tele di Renoir è più densa e materica. Un'altra differenza per quanto riguarda la soluzione compositiva è il cielo. In Renoir, per il quale era importante la materialità del mondo naturale, il cielo occupa solo una piccola parte del quadro, mentre in Monet, che dipingeva il cielo attraversato da nuvole grigio-argento o candide, si erge sopra un pendio punteggiato di papaveri in fiore, esaltando la sensazione di una soleggiata giornata estiva.

Nelle composizioni "Moulin de la Galette" (con esso è arrivato un vero successo per l'artista), "Umbrellas", "Lodge" e "The End of Breakfast" sono chiaramente mostrati (come in Manet e Degas) l'interesse per un apparentemente accidentale situazione di vita sbirciata; caratteristico è anche il richiamo al metodo di taglio della cornice dello spazio compositivo, caratteristico anche di E. Degas e in parte di E. Manet. Ma, a differenza delle opere di quest'ultimo, i dipinti di Renoir si distinguono per grande calma e contemplazione.

La tela “The Lodge”, in cui, come guardando con il binocolo file di sedie, l'autore si imbatte inavvertitamente in una scatola in cui si trova una bellezza dallo sguardo indifferente. Il suo compagno, al contrario, guarda il pubblico con grande interesse. Parte della sua figura è tagliata dalla cornice.

L'opera "The End of Breakfast" presenta un episodio rudimentale: due signore vestite di bianco e nero, così come il loro signore, completano la colazione in un angolo ombroso del giardino. La tavola è già apparecchiata per il caffè, che viene servito in tazzine di finissima porcellana azzurra. Le donne aspettano il seguito del racconto, che l'uomo ha interrotto per accendersi una sigaretta. Questa immagine non è uno psicologismo drammatico o profondo, attira l'attenzione dello spettatore con un sottile trasferimento delle più piccole sfumature di umore.

Un simile sentimento di calma allegria permea la "Colazione dei rematori" (1881), piena di movimento leggero e vivace. Entusiasmo e fascino emanano dalla figura di una graziosa signorina seduta con un cane in braccio. L'artista ha raffigurato il suo futura moglie. La tela "Nude" (1876) è piena dello stesso stato d'animo gioioso, solo in una rifrazione leggermente diversa. La freschezza e il calore del corpo di una giovane donna contrasta con il tessuto freddo-bluastro delle lenzuola e del lino, che formano una sorta di sfondo.

Un tratto caratteristico del lavoro di Renoir è che una persona è privata della sua complessa pienezza psicologica e morale, caratteristica della pittura di quasi tutti gli artisti realisti. Questa caratteristica è insita non solo in opere come "Nude" (dove la natura del motivo della trama consente l'assenza di tali qualità), ma anche nei ritratti di Renoir. Tuttavia, ciò non priva la sua tela del fascino, che risiede nell'allegria dei personaggi.

Nella massima misura, queste qualità si fanno sentire nel famoso ritratto di Renoir "Ragazza con ventaglio" (1881 circa). La tela è il legame che lega primi lavori Renoir con un tardo, caratterizzato da un gusto più freddo e raffinato colori. Durante questo periodo, l'artista, in misura maggiore rispetto a prima, ha un interesse per le linee chiare, per un disegno chiaro, così come per la località del colore. L'artista assegna un ruolo importante alle ripetizioni ritmiche (il semicerchio di un ventaglio - lo schienale semicircolare di una sedia rossa - spalle inclinate da ragazza).

Tuttavia, tutte queste tendenze nella pittura di Renoir si manifestarono in modo più completo nella seconda metà degli anni Ottanta dell'Ottocento, quando la delusione si diffuse nel suo lavoro e nell'impressionismo in generale. Dopo aver distrutto alcune delle sue opere, che l'artista considerava "secche", inizia a studiare l'opera di N. Poussin, si rivolge al disegno di J. O. D. Ingres. Di conseguenza, la sua tavolozza acquista una luminosità speciale. Il cosidetto. "Periodo di perla", a noi noto da opere come "Girls at the Piano" (1892), "The Sleeping Bather" (1897), nonché ritratti di figli - Pierre, Jean e Claude - "Gabriel e Jean" ( 1895), "Cocco" (1901).

Inoltre, dal 1884 al 1887, Renoir sta lavorando a una serie di varianti quadro generale"Bagnanti". In essi riesce a raggiungere una chiara completezza compositiva. Tuttavia, tutti i tentativi di far rivivere e ripensare le tradizioni dei grandi predecessori, pur rivolgendosi a una trama lontana dai grandi problemi del nostro tempo, si sono conclusi con un fallimento. "Bathers" ha solo alienato l'artista dalla sua precedente percezione diretta e fresca della vita. Tutto ciò spiega in gran parte il fatto che dal 1890. L'opera di Renoir si indebolisce: i toni rosso-arancio iniziano a predominare nel colore delle sue opere, e lo sfondo, privo di profondità ariosa, diventa decorativo e piatto.

Dal 1903, Renoir si è stabilito propria casa a Cagnes-sur-Mer, dove continua a lavorare su paesaggi, composizioni con figure umane e nature morte, in cui predominano per lo più i toni rossastri già citati sopra. Essendo gravemente malato, l'artista non può più tenere da solo i pennelli, che sono legati alle sue mani. Tuttavia, dopo qualche tempo, la pittura deve essere completamente abbandonata. Quindi il maestro si rivolge alla scultura. Insieme all'assistente di Guino, crea diverse sculture sorprendenti, contraddistinte dalla bellezza e dall'armonia delle sagome, dalla gioia e dal potere di affermazione della vita (Venere, 1913; La grande lavandaia, 1917; Maternità, 1916). Renoir morì nel 1919 nella sua tenuta nelle Alpi Marittime.

Edgar Degas

Edgar Hilaire Germain Degas, pittore, grafico e scultore francese, il più grande rappresentante dell'impressionismo, nacque nel 1834 a Parigi nella famiglia di un ricco banchiere. Essendo benestante, ricevette un'ottima educazione presso il prestigioso Liceo intitolato a Luigi Magno (1845-1852). Per qualche tempo fu studente presso la Facoltà di Giurisprudenza dell'Università di Parigi (1853), ma, spinto dalla passione per l'arte, lasciò l'università e iniziò a frequentare lo studio dell'artista L. Lamotte (allievo e seguace di Ingres) e contemporaneamente (dal 1855) la Scuola
belle arti. Tuttavia, nel 1856, inaspettatamente per tutti, Degas lasciò Parigi e si recò per due anni in Italia, dove studiò con grande interesse e, come molti pittori, copiò le opere dei grandi maestri del Rinascimento. La sua massima attenzione è rivolta alle opere di A. Mantegna e P. Veronese, la cui pittura ispirata e colorata è stata molto apprezzata dal giovane artista.

I primi lavori di Degas (soprattutto ritratti) sono caratterizzati da un disegno nitido e preciso e da un'osservazione sottile, uniti a una scrittura squisitamente sobria (schizzi del fratello, 1856-1857; disegno della testa della baronessa Belleli, 1859) o a stupefacenti veridicità dell'esecuzione (ritratto di un mendicante italiano, 1857).

Tornato in patria, Degas si rivolse al tema storico, ma ne diede un'interpretazione insolita per l'epoca. Così, nella composizione "Spartan Girls Challenge Young Men to a Competition" (1860), il maestro, ignorando l'idealizzazione condizionale dell'antica trama, cerca di incarnarla come potrebbe essere nella realtà. L'antichità qui, come nelle altre sue tele a tema storico, è come passata attraverso il prisma della modernità: le immagini di ragazze e giovani dell'Antica Sparta con forme spigolose, corpi magri e movimenti taglienti, raffigurate sullo sfondo di un quotidiano paesaggio prosaico, sono lontani dalle idee classiche e assomigliano più ai normali adolescenti delle periferie parigine che agli spartani idealizzati.

Durante gli anni Sessanta dell'Ottocento si assiste a una graduale formazione del metodo creativo del pittore alle prime armi. In questo decennio, accanto a tele storiche meno significative ("Semiramide osserva la costruzione di Babilonia", 1861), l'artista realizza diversi ritratti, in cui si affinano l'osservazione e le capacità realistiche. A questo proposito, il più indicativo è il dipinto "Testa di giovane donna", realizzato da
nel 1867

Nel 1861 Degas conobbe E. Manet e ben presto divenne un habitué del caffè Gerbois, dove si riuniscono i giovani innovatori dell'epoca: C. Monet, O. Renoir, A. Sisley e altri. all'aria aperta, poi Degas si concentra maggiormente sul tema della città, dei tipi parigini. È attratto da tutto ciò che è in movimento; statico lo lascia indifferente.

Degas era un osservatore molto attento, catturando sottilmente tutto ciò che è tipicamente espressivo nel cambiamento infinito dei fenomeni della vita. Così, trasmettendo il ritmo folle della grande città, arriva alla creazione di una delle varianti del genere quotidiano dedicato alla città capitalista.

Nell'opera di questo periodo spiccano i ritratti, tra i quali ce ne sono molti classificati come le perle della pittura mondiale. Tra questi ci sono un ritratto della famiglia Belleli (1860-1862 circa), un ritratto di donna (1867), un ritratto del padre dell'artista che ascolta il chitarrista Pagan (1872 circa).

Alcuni dipinti del periodo degli anni '70 dell'Ottocento sono caratterizzati da un'impassibilità fotografica nella raffigurazione dei personaggi. Un esempio è una tela chiamata "Lezione di ballo" (1874 circa), realizzata in freddi toni bluastri. Con sorprendente precisione, l'autore cattura i movimenti delle ballerine che prendono lezioni da un vecchio maestro di danza. Tuttavia, ci sono dipinti di natura diversa, come, ad esempio, un ritratto del visconte Lepic con le sue figlie in Place de la Concorde, risalente al 1873. Qui, la sobria fissazione prosaica è superata dalla pronunciata dinamica di la composizione e la straordinaria nitidezza del trasferimento del personaggio di Lepic; in una parola, ciò accade a causa della divulgazione artisticamente acuta e acuta dell'inizio della vita tipicamente espressivo.

Va notato che le opere di questo periodo riflettono la visione dell'artista dell'evento da lui rappresentato. I suoi dipinti distruggono i soliti canoni accademici. Il dipinto di Degas I Musici dell'Orchestra (1872) è costruito sul netto contrasto che si crea confrontando le teste dei musicisti (dipinte in primo piano) e la piccola figura di un ballerino che si inchina al pubblico. L'interesse per il movimento espressivo e la sua esatta copia sulla tela si osserva anche in numerose figurine di danzatori (non dobbiamo dimenticare che Degas era anche uno scultore), create dal maestro per catturare l'essenza del movimento, la sua logica il più accuratamente possibile possibile.

L'artista era interessato alla specificità professionale di movimenti, posture e gesti, privi di qualsiasi poeticizzazione. Ciò è particolarmente evidente nelle opere dedicate alle corse di cavalli ("Giovane fantino", 1866-1868; "Corse di cavalli in provincia. Equipaggio alle corse", ca. 1872; "Fantino davanti alle tribune", ca. 1879, eccetera.). In The Ride of Racehorses (1870), l'analisi del lato professionale della questione è data con una precisione quasi giornalistica. Se confrontiamo questa tela con il dipinto di T. Géricault "The Races at Epsom", diventa subito chiaro che, per la sua evidente analiticità, l'opera di Degas perde molto rispetto alla composizione emotiva di T. Géricault. Le stesse qualità sono insite nel pastello "Ballerina on Stage" (1876-1878) di Degas, che non appartiene al numero dei suoi capolavori.

Tuttavia, nonostante tale unilateralità, e forse anche grazie ad essa, l'arte di Degas si distingue per persuasività e contenuto. Nelle sue opere programmatiche rivela con grande precisione e grande abilità la profondità e la complessità dello stato interiore della persona raffigurata, nonché l'atmosfera di alienazione e solitudine in cui vive la società contemporanea, compreso l'autore stesso.

Per la prima volta, questi stati d'animo furono registrati in una piccola tela "Ballerina davanti a un fotografo" (1870), sulla quale l'artista dipinse una figura solitaria di una ballerina, congelata in un'atmosfera cupa e cupa in una posa appresa di fronte di un ingombrante apparato fotografico. In futuro, un sentimento di amarezza e solitudine penetra in tele come "Absinthe" (1876), "Singer from the Cafe" (1878), "Ironers" (1884) e molte altre Degas ha mostrato due figure di un uomo e una donna, sola e indifferente l'una all'altra e al mondo intero. Il debole bagliore verdastro di un bicchiere pieno di assenzio sottolinea la tristezza e la disperazione che si vedono negli occhi della donna e nella sua postura. Un uomo barbuto pallido con una faccia gonfia è cupo e pensieroso.

Creatività Degas inerente genuino interesse per i caratteri delle persone, alle caratteristiche peculiari del loro comportamento, nonché una composizione dinamica ben costruita che ha sostituito quella tradizionale. Il suo principio principale è trovare gli angoli più espressivi nella realtà stessa. Ciò distingue l'opera di Degas dall'arte di altri impressionisti (in particolare, C. Monet, A. Sisley e, in parte, O. Renoir) con il loro approccio contemplativo al mondo che li circonda. L'artista utilizzava già questo principio nei suoi primi lavori The Cotton Receiving Office a New Orleans (1873), che suscitò l'ammirazione di E. Goncourt per la sua sincerità e realismo. Tali sono le sue opere successive "Miss Lala in the Fernando Circus" (1879) e "Dancers in the Foyer" (1879), dove all'interno dello stesso motivo viene fornita un'analisi sottile del cambiamento di diversi movimenti.

A volte questa tecnica alcuni ricercatori usano per indicare la vicinanza di Degas con A. Watteau. Sebbene entrambi gli artisti siano effettivamente simili in alcuni punti (A. Watteau si concentra anche sulle varie sfumature dello stesso movimento), è sufficiente confrontare il disegno di A. Watteau con l'immagine dei movimenti del violinista dalla suddetta composizione di Degas , poiché si avverte immediatamente l'opposto delle loro tecniche artistiche.

Se A. Watteau cerca di trasmettere le sfuggenti transizioni di un movimento in un altro, per così dire, semitoni, allora per Degas, al contrario, è caratteristico un cambiamento energico e contrastante nei motivi del movimento. Si sforza di più per il loro confronto e una forte collisione, rendendo spesso la figura spigolosa. In questo modo, l'artista cerca di catturare le dinamiche dello sviluppo della vita contemporanea.

Tra la fine degli anni 1880 e l'inizio degli anni 1890. nell'opera di Degas vi è una predominanza di motivi decorativi, probabilmente dovuta a una certa ottusità della sua vigilanza percezione artistica. Se nelle tele dei primi anni Ottanta dedicate al nudo (“Donna che esce dal bagno”, 1883) si nota un maggiore interesse per la vivida espressività del movimento, alla fine del decennio l'interesse dell'artista si sposta notevolmente verso la raffigurazione della bellezza femminile. Ciò è particolarmente evidente nel dipinto "Bathing" (1886), dove il pittore trasmette con grande maestria il fascino del corpo flessibile e aggraziato di una giovane donna chinata sul bacino.

Gli artisti hanno già dipinto dipinti simili, ma Degas prende una strada leggermente diversa. Se le eroine di altri maestri hanno sempre sentito la presenza dello spettatore, allora qui il pittore raffigura una donna, come se fosse completamente indifferente a come appare dall'esterno. E sebbene tali situazioni sembrino belle e abbastanza naturali, tuttavia, le immagini in opere simili spesso si avvicinano al grottesco. Dopotutto, qualsiasi posa e gesto, anche il più intimo, qui è abbastanza appropriato, è pienamente giustificato da una necessità funzionale: durante il lavaggio, allungare la mano nel punto giusto, slacciare la fibbia sul retro, scivolare, afferrare qualcosa.

Negli ultimi anni della sua vita, Degas si dedicò più alla scultura che alla pittura. Ciò è in parte dovuto a malattie degli occhi e problemi alla vista. Crea le stesse immagini che sono presenti nei suoi quadri: scolpisce figurine di ballerine, ballerini, cavalli. Allo stesso tempo, l'artista cerca di trasmettere la dinamica dei movimenti nel modo più accurato possibile. Degas non abbandona la pittura che, pur sfumando sullo sfondo, non scompare del tutto dalla sua opera.

Per la costruzione formalmente espressiva e ritmica delle composizioni, il desiderio di un'interpretazione decorativo-planare delle immagini dei dipinti di Degas, realizzati alla fine degli anni Ottanta e durante gli anni Novanta dell'Ottocento. risultano privi di credibilità realistica e diventano come pannelli decorativi.

Degas trascorse il resto della sua vita nella sua nativa Parigi, dove morì nel 1917.

Camillo Pisarro

Camille Pissarro, pittrice e grafica francese, nasce nel 1830 circa. San Tommaso (Antille) nella famiglia di un commerciante. Fu educato a Parigi, dove studiò dal 1842 al 1847. Terminati gli studi, Pissarro tornò a St. Thomas e iniziò ad aiutare il padre nel negozio. Tuttavia, questo non era affatto ciò che il giovane sognava. Il suo interesse andava ben oltre il bancone. La pittura era molto importante per lui, ma suo padre non sosteneva l'interesse di suo figlio e si opponeva al fatto che lasciasse l'azienda di famiglia. Il completo malinteso e la riluttanza della famiglia a incontrarsi a metà strada portarono al fatto che il giovane completamente disperato fuggì in Venezuela (1853). Questo atto ha ancora influenzato il genitore irremovibile e ha permesso a suo figlio di andare a Parigi per studiare pittura.

A Parigi Pissarro entrò nello studio di Suisse, dove studiò per sei anni (dal 1855 al 1861). All'Esposizione mondiale di pittura del 1855, il futuro artista scoprì J. O. D. Ingres, G. Courbet, ma le opere di C. Corot gli fecero la massima impressione. Su consiglio di quest'ultimo, continuando a frequentare lo studio di Suisse, il giovane pittore entrò alla Scuola di Belle Arti di A. Melbi. In questo periodo conosce C. Monet, con il quale dipinge paesaggi della periferia parigina.

Nel 1859 Pissarro espone per la prima volta i suoi quadri al Salon. I suoi primi lavori sono stati scritti sotto l'influenza di C. Corot e G. Courbet, ma gradualmente Pissarro arriva a sviluppare il proprio stile. Un pittore alle prime armi dedica molto tempo al lavoro all'aria aperta. Lui, come altri impressionisti, è interessato alla vita della natura in movimento. Pissarro presta grande attenzione al colore, che può trasmettere non solo la forma, ma anche l'essenza materica dell'oggetto. Per rivelare il fascino unico e la bellezza della natura, utilizza pennellate leggere di colori puri, che, interagendo tra loro, creano una vibrante gamma tonale. Disegnati con linee a forma di croce, parallele e diagonali, conferiscono all'intera immagine un sorprendente senso di profondità e suono ritmico ("La Senna a Marly", 1871).

La pittura non porta Pissarro tanti soldi e riesce a malapena a sbarcare il lunario. Nei momenti di disperazione, l'artista tenta di rompere per sempre con l'arte, ma presto torna di nuovo alla creatività.

Negli anni Guerra franco-prussiana Pissarro vive a Londra. Insieme a C. Monet, dipinge paesaggi londinesi dal vero. La casa dell'artista a Louveciennes a quel tempo fu saccheggiata dagli invasori prussiani. La maggior parte dei dipinti rimasti nella casa furono distrutti. I soldati stendevano sotto i loro piedi le tele sotto i piedi durante la pioggia.

Tornato a Parigi, Pissarro è ancora in difficoltà finanziarie. Repubblica che venne a sostituire
impero, non ha cambiato quasi nulla in Francia. La borghesia, impoverita dopo le vicende legate alla Comune, non può acquistare quadri. In questo momento Pissarro prende sotto il suo patrocinio il giovane artista P. Cezanne. Insieme lavorano a Pontoise, dove Pissarro realizza tele raffiguranti i dintorni di Pontoise, dove l'artista visse fino al 1884 (“Oise in Pontoise”, 1873); villaggi tranquilli, strade che si estendono in lontananza ("Strada da Gisors a Pontoise sotto la neve", 1873; "Tetti rossi", 1877; "Paesaggio a Pontoise", 1877).

Pissarro prese parte attiva a tutte le otto mostre degli impressionisti, organizzate dal 1874 al 1886. Possedendo un talento pedagogico, il pittore poté trovare linguaggio reciproco con quasi tutti gli artisti alle prime armi, li ha aiutati con consigli. I contemporanei hanno detto di lui che "può persino insegnare a disegnare pietre". Il talento del maestro era così grande che poteva distinguere anche le più sottili sfumature di colori dove altri vedevano solo grigio, brunastro e verde.

Un posto speciale nell'opera di Pissarro è occupato dalle tele dedicate alla città, mostrata come un organismo vivente, in continuo mutamento a seconda della luce e della stagione. L'artista ha avuto un'incredibile capacità di vedere molto e catturare ciò che gli altri non hanno notato. Così, ad esempio, guardando fuori dalla stessa finestra, scrisse 30 opere raffiguranti Montmartre ("Montmartre Boulevard a Parigi", 1897). Il maestro amava appassionatamente Parigi, quindi gli dedicò la maggior parte dei dipinti. L'artista è riuscito a trasmettere nelle sue opere la magia unica che ha reso Parigi una delle più grandi città del mondo. Per lavoro, il pittore affittò stanze in Saint-Lazare Street, Grands Boulevards, ecc. Trasferì tutto ciò che vedeva sulle sue tele ("Viale italiano al mattino, illuminato dal sole", 1897; "Luogo del teatro francese a Parigi , primavera”, 1898; “Passaggio dell'opera a Parigi).

Tra i suoi paesaggi urbani ci sono opere che raffigurano altre città. Quindi, nel 1890. il maestro visse a lungo a Dieppe, poi a Rouen. Nei dipinti dedicati a varie parti della Francia, ha rivelato la bellezza di antiche piazze, la poesia di vicoli e antichi edifici, da cui respira lo spirito di epoche passate ("Il grande ponte a Rouen", 1896; "Il ponte Boildieu a Rouen at Sunset”, 1896; “Veduta di Rouen”, 1898; “La chiesa di Saint-Jacques a Dieppe”, 1901).

Sebbene i paesaggi di Pissarro non siano vivacemente colorati, la loro trama pittorica è insolitamente ricca di varie sfumature: ad esempio, il tono grigio di un acciottolato è formato da pennellate di rosa puro, blu, blu, ocra dorata, rosso inglese, ecc. risultato, il grigio sembra madreperla, luccica e brilla, facendo sembrare i dipinti come gemme.

Pissarro ha creato non solo paesaggi. Nel suo lavoro ci sono quadri di genere in cui si incarnava l'interesse per una persona.

Tra i più significativi si segnalano "Caffè con latte" (1881), "Ragazza con ramo" (1881), "Donna con bambino al pozzo" (1882), "Mercato: commerciante di carne" (1883 ). Lavorando su queste opere, il pittore ha cercato di snellire il tratto e introdurre elementi di monumentalità nelle composizioni.

A metà degli anni 1880, artista già maturo, Pissarro, sotto l'influenza di Seurat e Signac, si interessa al divisionismo e inizia a dipingere con piccoli punti colorati. In questo modo, un suo lavoro come “Lacroix Island, Rouen. Nebbia" (1888). Tuttavia, l'hobby non durò a lungo e presto (1890) il maestro tornò al suo stile precedente.

Oltre alla pittura, Pissarro ha lavorato con l'acquerello, ha creato incisioni, litografie e disegni.
L'artista morì a Parigi nel 1903.

L'arte europea della fine del XIX secolo si arricchì con l'emergere dell'arte modernista e in seguito la sua influenza si estese alla musica e alla letteratura. Si chiamava "impressionismo" perché si basava sulle più sottili impressioni dell'artista, immagini e stati d'animo.

Origini e storia dell'evento

Diversi giovani artisti formarono un gruppo nella seconda metà del XIX secolo. Avevano un obiettivo comune e interessi coincidenti. L'importante per questa azienda era lavorare nella natura, senza i muri dell'officina e vari fattori restrittivi. Nei loro dipinti hanno cercato di trasmettere tutta la sensualità, l'impressione del gioco di luci e ombre. Paesaggi e ritratti riflettevano l'unità dell'anima con l'universo, con il mondo circostante. I loro quadri sono vere poesie di colori.

Nel 1874 ci fu una mostra di questo gruppo di artisti. Paesaggio di Claude Monet “Impressione. Sunrise" ha attirato l'attenzione del critico, che nella sua recensione per la prima volta ha definito questi creatori impressionisti (dall'impressione francese - "impressione").

I presupposti per la nascita dello stile dell'impressionismo, i cui dipinti troveranno presto un incredibile successo, erano le opere del Rinascimento. Il lavoro degli spagnoli Velazquez, El Greco, l'inglese Turner, Constable influenzò incondizionatamente i francesi, che furono i fondatori dell'impressionismo.

Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Cézanne, Monet, Renoir e altri divennero rappresentanti di spicco dello stile in Francia.

La filosofia dell'impressionismo nella pittura

Gli artisti che hanno dipinto in questo stile non si sono posti il ​​​​compito di attirare l'attenzione del pubblico sui guai. Nelle loro opere non si trovano trame sull'argomento del giorno, non si possono ricevere moralismi o notare contraddizioni umane.

I dipinti nello stile dell'impressionismo mirano a trasmettere uno stato d'animo momentaneo, sviluppando combinazioni di colori di natura misteriosa. Nelle opere c'è solo posto per un inizio positivo, l'oscurità ha scavalcato gli impressionisti.

In effetti, gli impressionisti non si sono preoccupati di riflettere sulla trama e sui dettagli. Il fattore principale non era cosa disegnare, ma come rappresentare e trasmettere il tuo stato d'animo.

Tecnica pittorica

C'è una differenza colossale tra lo stile accademico del disegno e la tecnica degli impressionisti. Hanno semplicemente abbandonato molti metodi, alcuni sono stati modificati oltre il riconoscimento. Ecco le innovazioni che hanno apportato:

1. Contorno abbandonato. È stato sostituito con tratti: piccoli e contrastanti.
2. Abbiamo smesso di usare le tavolozze per Abbiamo selezionato colori che si completano a vicenda e non richiedono la fusione per ottenere un certo effetto. Ad esempio, il giallo è viola.
3. Smettila di dipingere di nero.
4. Lavoro completamente abbandonato nelle officine. Hanno scritto esclusivamente sulla natura, in modo che fosse più facile catturare un momento, un'immagine, un sentimento.
5. Sono state utilizzate solo vernici con una buona opacità.
6. Non aspettare che lo strato successivo si asciughi. Gli strisci freschi sono stati applicati immediatamente.
7. Hanno creato cicli di opere per seguire i cambiamenti di luce e ombra. Ad esempio, "Haystacks" di Claude Monet.

Naturalmente, non tutti gli artisti hanno eseguito esattamente le caratteristiche dello stile dell'impressionismo. I dipinti di Edouard Manet, ad esempio, non hanno mai partecipato a mostre congiunte e lui stesso si è posizionato come artista separato. Edgar Degas ha lavorato solo nelle officine, ma ciò non ha danneggiato la qualità delle sue opere.

Rappresentanti dell'impressionismo francese

La prima mostra di opere impressioniste è datata 1874. Dopo 12 anni, ebbe luogo la loro ultima esposizione. Il primo lavoro in questo stile può essere chiamato "Breakfast on the Grass" di E. Manet. Questa immagine è stata presentata nel Salon of the Rejected. È stato accolto con ostilità, perché era molto diverso dai canoni accademici. Ecco perché Manet diventa una figura attorno alla quale si raccoglie una cerchia di seguaci di questa direzione stilistica.

Sfortunatamente, i contemporanei non apprezzavano uno stile come l'impressionismo. Dipinti e artisti esistevano in disaccordo con l'arte ufficiale.

A poco a poco, Claude Monet viene alla ribalta nella squadra di pittori, che in seguito diventa il loro leader e il principale ideologo dell'impressionismo.

Claude Monet (1840-1926)

Il lavoro di questo artista può essere descritto come un inno all'impressionismo. Fu lui il primo a rifiutarsi di usare il nero nei suoi quadri, sostenendo che anche le ombre e la notte hanno altri toni.

Il mondo nei dipinti di Monet è contorni vaghi, tratti voluminosi, guardando i quali si può sentire l'intero spettro del gioco dei colori del giorno e della notte, le stagioni, l'armonia del mondo sublunare. Solo un momento strappato al flusso della vita, nella comprensione di Monet, è l'impressionismo. I suoi dipinti sembrano non avere materialità, sono tutti saturi di raggi di luce e correnti d'aria.

Claude Monet ha creato opere straordinarie: "Station Saint-Lazare", "Cattedrale di Rouen", il ciclo "Charing Cross Bridge" e molti altri.

Augusto Renoir (1841-1919)

Le creazioni di Renoir danno l'impressione di straordinaria leggerezza, ariosità, etereità. La trama è nata come per caso, ma si sa che l'artista ha pensato attentamente a tutte le fasi del suo lavoro e ha lavorato dalla mattina alla sera.

Una caratteristica distintiva del lavoro di O. Renoir è l'uso della velatura, che è possibile solo quando si scrive l'impressionismo nelle opere dell'artista si manifesta in ogni tratto. Percepisce una persona come una particella della natura stessa, motivo per cui ci sono così tanti dipinti con nudi.

Il passatempo preferito di Renoir era l'immagine di una donna in tutta la sua bellezza attraente e attraente. I ritratti occupano un posto speciale nella vita creativa dell'artista. "Umbrellas", "Girl with a Fan", "Breakfast of the Rowers" ​​sono solo una piccola parte della straordinaria collezione di dipinti di Auguste Renoir.

Giorgio Seurat (1859-1891)

Seurat ha associato il processo di creazione dei dipinti alla fondatezza scientifica della teoria del colore. L'ambiente luce-aria è stato disegnato sulla base della dipendenza dei toni principali e aggiuntivi.

Nonostante J. Seurat sia un rappresentante della fase finale dell'impressionismo e la sua tecnica sia per molti aspetti diversa dai fondatori, allo stesso modo crea una rappresentazione illusoria della forma oggettiva con l'aiuto di tratti, che possono essere visto e visto solo a distanza.

I capolavori della creatività possono essere chiamati il ​​\u200b\u200bdipinto "Domenica", "Cancan", "Modelli".

Rappresentanti dell'impressionismo russo

L'impressionismo russo è nato quasi spontaneamente, mescolando molti fenomeni e metodi. Tuttavia, la base, come i francesi, era una visione completa del processo.

Nell'impressionismo russo, sebbene le caratteristiche del francese fossero preservate, le caratteristiche della natura nazionale e dello stato d'animo apportarono cambiamenti significativi. Ad esempio, la visione della neve o dei paesaggi nordici è stata espressa con una tecnica insolita.

In Russia, pochi artisti hanno lavorato nello stile dell'impressionismo, i loro dipinti attirano l'attenzione fino ad oggi.

Il periodo impressionista può essere distinto nell'opera di Valentin Serov. La sua "Girl with Peaches" è l'esempio e lo standard più chiaro di questo stile in Russia.

I dipinti conquistano con la loro freschezza e consonanza di colori puri. Il tema principale del lavoro di questo artista è l'immagine di una persona nella natura. "Northern Idyll", "In the Boat", "Fyodor Chaliapin" sono pietre miliari luminose nell'attività di K. Korovin.

Impressionismo in tempi moderni

Allo stato attuale, questa direzione nell'arte ha ricevuto nuova vita. In questo stile, diversi artisti dipingono i loro quadri. L'impressionismo moderno esiste in Russia (André Cohn), in Francia (Laurent Parcelier), in America (Diana Leonard).

Andre Cohn è il massimo rappresentante di spicco nuovo impressionismo. I suoi dipinti ad olio colpiscono per la loro semplicità. L'artista vede la bellezza nelle cose ordinarie. Il Creatore interpreta molti oggetti attraverso il prisma del movimento.

Le opere ad acquerello di Laurent Parcelier sono conosciute in tutto il mondo. La sua serie di opere "Strange World" è stata pubblicata sotto forma di cartoline. Splendidi, vibranti e sensuali, sono mozzafiato.

Come nel XIX secolo, la pittura plein air rimane per gli artisti al momento. Grazie a lei, l'impressionismo vivrà per sempre. gli artisti continuano a ispirare, impressionare e ispirare.

L'impressionismo è un movimento artistico emerso negli anni '70. XIX secolo a pittura francese, e poi manifestato in musica, letteratura, teatro.

L'impressionismo in pittura iniziò a prendere forma molto prima della famosa mostra del 1874. Edouard Manet è tradizionalmente considerato il fondatore degli impressionisti. Era molto ispirato dalle opere classiche di Tiziano, Rembrandt, Rubens, Velazquez. Manet ha espresso la sua visione delle immagini sulle sue tele, aggiungendo tratti "vibranti" che hanno creato l'effetto di incompletezza. Nel 1863 Manet creò "Olympia", che provocò un grande scandalo nella comunità culturale.

A prima vista, l'immagine è realizzata secondo i canoni tradizionali, ma allo stesso tempo portava già tendenze innovative. Circa 87 recensioni sono state scritte su Olympia in varie pubblicazioni parigine. Molte critiche negative sono cadute su di lei: l'artista è stata accusata di volgarità. E solo pochi articoli potrebbero essere definiti benevoli.

Manet nel suo lavoro utilizzava la tecnica della sovrapposizione di un singolo strato di vernice, che creava l'effetto delle macchie. Successivamente, questo metodo di sovrapposizione dei colori è stato adottato dagli artisti impressionisti come base per le immagini sui dipinti.

Una caratteristica distintiva dell'impressionismo era la più sottile fissazione di impressioni fugaci, in un modo speciale di riprodurre l'ambiente luminoso con l'aiuto di un complesso mosaico di colori puri, tratti decorativi frettolosi.

È curioso che all'inizio della loro ricerca gli artisti abbiano utilizzato un cianometro, uno strumento per determinare l'azzurro del cielo. Il colore nero è stato escluso dalla tavolozza, è stato sostituito da altre sfumature di colore, che hanno permesso di non rovinare l'atmosfera solare dei dipinti.

Gli impressionisti si sono concentrati sull'ultimo scoperte scientifiche del suo tempo. La teoria del colore di Chevrel e Helmholtz si riduce a quanto segue: un raggio di sole viene suddiviso nei suoi colori costitutivi e, di conseguenza, due colori posti sulla tela migliorano l'effetto pittorico e, quando i colori vengono mescolati, perdono la loro intensità.

L'estetica dell'impressionismo ha preso forma, in parte, come un tentativo di liberarsi decisamente dalle convenzioni del classicismo nell'arte, così come dal simbolismo persistente e dalla premura della pittura tardo romantica, che invitava tutti a vedere idee criptate che necessitavano di un'attenta interpretazione . L'impressionismo rivendicava non solo la bellezza della realtà quotidiana, ma la fissazione di un'atmosfera colorata, senza dettagli o interpretazioni, raffigurante il mondo come un fenomeno ottico in continua evoluzione.

Gli artisti impressionisti hanno sviluppato un sistema plein air completo. I precursori di questa cifra stilistica furono i paesaggisti provenienti dalla scuola di Barbizon, i cui principali rappresentanti furono Camille Corot e John Constable.

Lavorare su spazio aperto ha permesso di catturare i minimi cambiamenti di colore tempo diverso giorni.

Claude Monet ha creato diverse serie di dipinti sullo stesso soggetto, ad esempio, Cattedrale di Rouen (una serie di 50 dipinti), Haystacks (una serie di 15 dipinti), Stagno con ninfee, ecc. L'indicatore principale di queste serie era un cambiamento di luce e colori nell'immagine dello stesso oggetto, scritto in diversi momenti della giornata.

Un altro risultato dell'impressionismo è lo sviluppo di un sistema pittorico originale, in cui i toni complessi vengono scomposti in colori puri trasmessi da tratti separati. Gli artisti non mescolavano i colori sulla tavolozza, ma preferivano applicare i tratti direttamente sulla tela. Questa tecnica ha conferito ai dipinti una speciale trepidazione, variabilità e rilievo. Le opere degli artisti erano piene di colore e luce.

La mostra del 15 aprile 1874 a Parigi fu il risultato del periodo di formazione e presentazione al grande pubblico di una nuova tendenza. L'esposizione è stata allestita nello studio del fotografo Felix Nadar in Boulevard des Capucines.

Il nome "Impressionismo" è nato dopo la mostra, che presentava il dipinto di Monet "Impression. Alba". Il critico L. Leroy, nella sua recensione su Sharivari, ha fornito una descrizione giocosa della mostra del 1874, citando come esempio l'opera di Monet. Un altro critico, Maurice Denis, ha rimproverato agli impressionisti la loro mancanza di individualità, sentimento e poesia.

Circa 30 artisti hanno mostrato le loro opere alla prima mostra. Questo è stato il numero più alto rispetto alle mostre successive fino al 1886.

Non si può dire di riscontro positivo dalla società russa. Artisti russi e critici democratici, sempre molto interessati vita artistica La Francia - I. V. Kramskoy, I. E. Repin e V. V. Stasov - ha apprezzato molto i risultati degli impressionisti sin dalla prima mostra.

La nuova tappa della storia dell'arte, iniziata con la mostra del 1874, non fu un'improvvisa esplosione di tendenze rivoluzionarie, ma il culmine di uno sviluppo lento e coerente.

Nonostante tutti i grandi maestri del passato abbiano contribuito allo sviluppo dei principi dell'impressionismo, le radici immediate della corrente sono più facilmente rintracciabili nel ventennio che precede la mostra storica.

Parallelamente alle mostre al Salon, le mostre degli impressionisti stavano guadagnando slancio. Le loro opere hanno dimostrato nuove tendenze nella pittura. Questo era un rimprovero alla cultura del salone e alle tradizioni espositive. In futuro, gli artisti impressionisti sono riusciti ad attirare dalla loro parte gli ammiratori delle nuove tendenze artistiche.

La conoscenza teorica e le formulazioni dell'impressionismo iniziarono a prendere forma abbastanza tardi. Gli artisti hanno preferito più pratica e propri esperimenti con luce e colore. L'impressionismo, principalmente pittorico, traccia l'eredità del realismo, esprime chiaramente l'orientamento anti-accademico, anti-salotto e l'installazione dell'immagine della realtà circostante di quel tempo. Alcuni ricercatori notano che l'impressionismo è diventato un ramo speciale del realismo.

Indubbiamente, nell'arte impressionista, come in ogni movimento artistico che nasce durante il periodo di svolta e crisi delle antiche tradizioni, si sono intrecciate tendenze varie e persino contraddittorie, nonostante tutta la sua integrità esteriore.

Le caratteristiche principali erano nei temi delle opere degli artisti, nei mezzi di espressione artistica. Il libro di Irina Vladimirova sugli impressionisti comprende diversi capitoli: "Paesaggio, natura, impressioni", "Città, luoghi di incontri e separazioni", "Hobby come stile di vita", "Persone e personaggi", "Ritratti e autoritratti" , "Natura morta". Descrive anche la storia della creazione e l'ubicazione di ogni opera.

Durante il periodo di massimo splendore dell'impressionismo, gli artisti hanno trovato un equilibrio armonioso tra la realtà oggettiva e la sua percezione. Gli artisti hanno cercato di catturare ogni raggio di luce, il movimento della brezza, la mutevolezza della natura. Per preservare la freschezza dei dipinti, gli impressionisti hanno creato un sistema pittorico originale, che in seguito si è rivelato molto importante per lo sviluppo dell'arte in futuro. Nonostante le tendenze generali della pittura, ogni artista ha trovato il proprio percorso creativo e i generi principali nella pittura.

L'impressionismo classico è rappresentato da artisti come Edouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frederic Basil, Berthe Morisot, Edgar Degas.

Considera il contributo di alcuni artisti alla formazione dell'impressionismo.

Édouard Manet (1832-1883)

Manet ha ricevuto le sue prime lezioni di pittura da T. Couture, grazie alle quali il futuro artista ha acquisito molte competenze professionali necessarie. A causa della mancanza di un'adeguata attenzione da parte dell'insegnante nei confronti dei suoi studenti, Manet lascia l'atelier del maestro e si dedica all'autoeducazione. Visita mostre nei musei, la sua formazione creativa è stata fortemente influenzata dagli antichi maestri, soprattutto spagnoli.

Negli anni '60 dell'Ottocento Manet scrisse due opere che mostrano i principi fondamentali del suo stile artistico. Lola da Valencia (1862) e Il flautista (1866) mostrano Manet come un artista che rivela il carattere del modello attraverso la resa del colore.

Le sue idee sulla tecnica della pennellata e l'atteggiamento nei confronti del colore furono adottate da altri pittori impressionisti. Negli anni '70 dell'Ottocento Manet si avvicinò ai suoi seguaci e lavorò en plein air senza il nero sulla tavolozza. L'avvento dell'impressionismo fu il risultato dell'evoluzione creativa dello stesso Manet. I dipinti più impressionisti di Manet sono In a Boat (1874) e Claude Monet in a Boat (1874).

Manet ha anche dipinto molti ritratti di varie donne laiche, attrici, modelle, belle donne. In ogni ritratto è stata trasmessa l'unicità e l'individualità del modello.

Poco prima della sua morte, Manet scrive uno dei suoi capolavori: "Bar Folies-Bergere" (1881-1882). Questa immagine combina diversi generi contemporaneamente: ritratto, natura morta, scena domestica.

N. N. Kalitina scrive: “La magia dell'arte di Manet è tale che la ragazza resiste all'ambiente, grazie al quale il suo stato d'animo si rivela così chiaramente, e allo stesso tempo ne fa parte, perché l'intero sfondo, vagamente indovinato, indefinito, agitato, si risolve anche nei toni blu-nero, bianco-bluastro, giallo.

Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet è stato il leader indiscusso e fondatore dell'impressionismo classico. Il genere principale della sua pittura era il paesaggio.

Nella sua giovinezza, Monet amava la caricatura e la caricatura. I primi modelli per il suo lavoro furono i suoi maestri, compagni. Per un campione, ha usato cartoni animati su giornali e riviste. Ha copiato i disegni in Golois di E. Karzh, poeta e caricaturista, amico di Gustave Coubret.

Al college, Monet è stato insegnato da Jacques-Francois Hauchard. Ma è giusto notare l'influenza su Monet di Boudin, che ha sostenuto l'artista, gli ha dato consigli, lo ha motivato a continuare il suo lavoro.

Nel novembre 1862 a Parigi, Monet continuò i suoi studi a Parigi con Gleyre. Grazie a questo, Monet ha incontrato Basil, Renoir, Sisley nel suo studio. I giovani artisti si preparavano ad entrare alla Scuola di Belle Arti, rispettando il loro maestro, che prendeva poco per le sue lezioni e dava dolci consigli.

Monet ha creato i suoi dipinti non come una storia, non come illustrazione di un'idea o di un tema. La sua pittura, come la vita, non aveva obiettivi chiari. Ha visto il mondo senza concentrarsi sui dettagli, su alcuni principi, è andato alla "visione del paesaggio" (termine dello storico dell'arte A. A. Fedorov-Davydov). Monet si è battuto per l'assenza di trama, una fusione di generi sulla tela. I mezzi per attuare le sue innovazioni erano schizzi, che avrebbero dovuto diventare dipinti finiti. Tutti gli schizzi sono stati tratti dalla natura.

Ha dipinto prati, colline, fiori, rocce, giardini, strade di villaggi, mare, spiagge e molto altro, si è rivolto all'immagine della natura in diversi momenti della giornata. Spesso ha dipinto lo stesso luogo in tempi diversi, creando così interi cicli dalle sue opere. Il principio del suo lavoro non era l'immagine degli oggetti nella foto, ma l'esatta trasmissione della luce.

Ecco alcuni esempi delle opere dell'artista: "Campo di papaveri ad Argenteuil" (1873), "Rana" (1869), "Stagno con ninfee" (1899), "Pilastri di grano" (1891).

Pierre Auguste Renoir (1841-1919)

Renoir è uno dei maestri eccezionali della ritrattistica secolare, inoltre, ha lavorato nei generi del paesaggio, della scena domestica, della natura morta.

La particolarità del suo lavoro è l'interesse per la personalità di una persona, la rivelazione del suo carattere e della sua anima. Nelle sue tele, Renoir cerca di enfatizzare la sensazione della pienezza dell'essere. L'artista è attratto dall'intrattenimento e dalle vacanze, dipinge palloni, cammina con il loro movimento e una varietà di personaggi, balli.

Le opere più famose dell'artista sono "Ritratto dell'attrice Jeanne Samary", "Ombrelli", "Baning in the Seine", ecc.

È interessante notare che Renoir si è distinto per la sua musicalità e da bambino ha cantato nel coro della chiesa sotto la guida dell'eccezionale compositore e insegnante Charles Gounod a Parigi nella Cattedrale di Saint-Eustache. C. Gounod ha fortemente raccomandato al ragazzo di studiare musica. Ma allo stesso tempo, Renoir ha scoperto il suo talento artistico: dall'età di 13 anni ha già imparato a dipingere piatti di porcellana.

Le lezioni di musica hanno influenzato la formazione della personalità dell'artista. Alcune delle sue opere sono legate a temi musicali. Riflettevano suonando il piano, la chitarra, il mandolino. Questi sono i dipinti "Lezione di chitarra", "Giovane donna spagnola con chitarra", "Giovane donna al pianoforte", "Donna che suona la chitarra", "Lezione di pianoforte", ecc.

Jean Frederic Basilio (1841-1870)

Secondo i suoi amici artisti, Basil era l'impressionista più promettente ed eccezionale.

Le sue opere si distinguono per i colori vivaci e la spiritualità delle immagini. Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley e Claude Monet hanno avuto una grande influenza sul suo percorso creativo. L'appartamento di Jean Frederic per pittori alle prime armi era una specie di studio e alloggio.

Basilio per lo più dipinto en plein air. L'idea principale del suo lavoro era l'immagine dell'uomo sullo sfondo della natura. I suoi primi eroi nei dipinti furono i suoi amici artisti; molti impressionisti amavano molto dipingersi l'un l'altro nelle loro opere.

Frédéric Bazille ha segnato il corso dell'impressionismo realistico nel suo lavoro. Il suo dipinto più famoso, Family Reunion (1867), è autobiografico. L'artista raffigura i membri della sua famiglia su di esso. Questo lavoro è stato presentato al Salon e ha ricevuto una valutazione di approvazione del pubblico.

Nel 1870, l'artista morì nella guerra franco-prussiana. Dopo la morte dell'artista, i suoi amici artisti organizzarono la terza mostra degli impressionisti, dove furono esposte anche le sue tele.

Camillo Pissarro (1830-1903)

Camille Pissarro è uno dei maggiori rappresentanti dei paesaggisti dopo C. Monet. Il suo lavoro è stato costantemente esposto nelle esposizioni degli impressionisti. Nelle sue opere Pissarro preferiva rappresentare i campi arati, la vita contadina e il lavoro. I suoi dipinti si distinguevano per la struttura delle forme e la chiarezza della composizione.

Successivamente, l'artista ha iniziato a dipingere e dipingere su temi urbani. N. N. Kalitina osserva nel suo libro: "Guarda le strade della città dalle finestre dei piani superiori o dai balconi, senza introdurle nelle composizioni".

Sotto l'influenza di Georges-Pierre Seurat, l'artista si dedicò al puntinismo. Questa tecnica prevede l'imposizione di ogni tratto separatamente, come se si mettessero dei punti. Ma le prospettive creative in quest'area non furono realizzate e Pissarro tornò all'impressionismo.

I dipinti più famosi di Pissarro sono Boulevard Montmartre. Pomeriggio, soleggiato", "Passaggio dell'opera a Parigi", "Luogo del teatro francese a Parigi", "Giardino a Pontoise", "Raccolto", "Fienagione", ecc.

Alfredo Sisley (1839-1899)

Il genere principale della pittura di Alfred Sisley era il paesaggio. Nei suoi primi lavori si può vedere principalmente l'influenza di K. Corot. A poco a poco, nel processo di lavoro congiunto con C. Monet, J. F. Basil, P. O. Renoir, i colori chiari iniziano ad apparire nelle sue opere.

L'artista è attratto dal gioco di luci, dal cambiamento dello stato dell'atmosfera. Sisley ha affrontato più volte lo stesso paesaggio, immortalandolo in diversi momenti della giornata. Nelle sue opere l'artista ha privilegiato l'immagine dell'acqua e del cielo, che cambiavano ogni secondo. L'artista è riuscito a raggiungere la perfezione con l'aiuto del colore, ogni sfumatura nelle sue opere porta una sorta di simbolismo.

La più famosa delle sue opere: "Country Alley" (1864), "Frost in Louveciennes" (1873), "View of Montmartre from the Flower Island" (1869), "Early Snow in Louveciennes" (1872), "The Bridge ad Argenteuil" (1872).

Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas è un artista che ha iniziato la sua carriera creativa studiando alla School of Fine Arts. È stato ispirato dagli artisti del Rinascimento italiano, che hanno influenzato il suo lavoro in generale. All'inizio, Degas dipinse dipinti storici, ad esempio, “Le ragazze spartane sfidano i giovani spartani a una competizione. (1860). Il genere principale della sua pittura è un ritratto. Nelle sue opere, l'artista si affida alle tradizioni classiche. Crea opere segnate da un acuto senso del suo tempo.

A differenza dei suoi colleghi, Degas non condivide la visione gioiosa e aperta della vita e delle cose insita nell'impressionismo. L'artista è più vicino alla tradizione critica dell'arte: la compassione per il destino dell'uomo comune, la capacità di vedere le anime delle persone, il loro mondo interiore, incoerenza, tragedia.

Per Degas, gli oggetti e l'interno che circonda una persona giocano un ruolo importante nella creazione di un ritratto. Ecco alcune opere come esempio: "Desiree Dio with an orchestra" (1868-1869), " Ritratto femminile"(1868)," The Morbilly Couple "(1867) e altri.

Il principio della ritrattistica nelle opere di Degas può essere rintracciato durante tutta la sua carriera. Negli anni '70 dell'Ottocento l'artista ritrae la società francese, in particolare Parigi, nelle sue opere in piena gloria. Nell'interesse dell'artista - la vita urbana in movimento. "Il movimento era per lui una delle manifestazioni più importanti della vita e la capacità dell'arte di trasmetterlo era il risultato più importante della pittura moderna", scrive N.N. Calitina.

Durante questo periodo di tempo furono creati dipinti come "Star" (1878), "Miss Lola at Fernando's Circus", "Epsom Races" e altri.

Un nuovo round della creatività di Degas è il suo interesse per il balletto. Mostra la vita dietro le quinte delle ballerine, parla del loro duro lavoro e del loro duro allenamento. Ma, nonostante ciò, l'artista riesce a trovare ariosità e leggerezza nel trasferimento delle proprie immagini.

Nella serie di dipinti del balletto di Degas sono visibili i risultati nel campo della trasmissione della luce artificiale dalla ribalta, parlano del talento coloristico dell'artista. I dipinti più famosi sono "Blue Dancers" (1897), "Dance Class" (1874), "Dancer with a Bouquet" (1877), "Dancers in Pink" (1885) e altri.

Alla fine della sua vita, a causa del deterioramento della sua vista, Degas si cimenta con la scultura. Le stesse ballerine, donne, cavalli diventano i suoi oggetti. Nella scultura Degas cerca di trasmettere il movimento e per apprezzare la scultura è necessario considerarla da diverse angolazioni.

fr. impressione - impressione) - una direzione nell'arte dell'ultimo terzo del diciannovesimo - presto. del XX secolo, i cui rappresentanti iniziarono a dipingere paesaggi e scene di genere direttamente dal vero, cercando di trasmettere con colori molto puliti e intensi il bagliore del sole, il soffio del vento, il fruscio dell'erba, il movimento della folla cittadina. Gli impressionisti si sono sforzati di catturare il mondo reale nella sua mobilità e variabilità nel modo più naturale e imparziale, per trasmettere le loro impressioni fugaci.

Ottima definizione

Definizione incompleta ↓

IMPRESSIONISMO

francese impressionnisme, da impressione - impressione), direzione nell'arte del con. 1860 - presto. 1880 Più chiaramente manifestato nella pittura. Principali rappresentanti: C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Guillaumin, B. Morisot, M. Cassatt, A. Sisley, G. Caillebotte e J. F. Basile. Insieme a loro, E. Manet ed E. Degas hanno esposto i loro dipinti, sebbene lo stile delle loro opere non possa essere definito del tutto impressionista. Il nome "Impressionisti" fu assegnato a un gruppo di giovani artisti dopo la loro prima mostra collettiva a Parigi (1874; Monet, Renoir, Pizarro, Degas, Sisley, ecc.), Che provocò una furiosa indignazione di pubblico e critica. Uno dei dipinti presentati di C. Monet (1872) si chiamava “Impressione. Sunrise "(" L'impression. Soleil levant "), e il recensore ha chiamato beffardamente gli artisti "impressionisti" - "impressionisti". I pittori si esibirono sotto questo nome alla terza mostra collettiva (1877). Contemporaneamente iniziarono a pubblicare la rivista Impressionist, ogni numero della quale era dedicato all'opera di uno dei membri del gruppo.

Gli impressionisti cercavano di catturare il mondo nella sua costante variabilità, fluidità, esprimono imparzialmente le loro impressioni immediate. L'impressionismo si basava sulle ultime scoperte dell'ottica e della teoria dei colori (scomposizione spettrale del raggio solare nei sette colori dell'arcobaleno); in questo è consonante con lo spirito analisi scientifica, caratteristica di con. 19esimo secolo Tuttavia, gli stessi impressionisti non hanno tentato di definire base teorica la sua arte, insistendo sulla spontaneità, l'intuitività della creatività dell'artista. I principi artistici degli impressionisti non erano uniformi. Monet dipinse paesaggi solo a diretto contatto con la natura, all'aria aperta (en plein air) e costruì persino un laboratorio in barca. Degas ha lavorato in bottega partendo dai ricordi o utilizzando fotografie. A differenza dei rappresentanti dei successivi movimenti radicali, gli artisti non andarono oltre il sistema spaziale illusorio rinascimentale basato sull'uso della prospettiva diretta. Hanno aderito fermamente al metodo di lavorare dalla natura, che hanno eretto principio principale creatività. Gli artisti si sono sforzati di "dipingere ciò che vedi" e "come vedi". L'applicazione coerente di questo metodo ha comportato la trasformazione di tutti i fondamenti del sistema pittorico esistente: colore, composizione, costruzione spaziale. I colori puri sono stati applicati alla tela in piccoli tratti separati: "punti" multicolori giacevano uno accanto all'altro, mescolandosi in uno spettacolo colorato non sulla tavolozza e non sulla tela, ma nell'occhio dello spettatore. Gli impressionisti hanno raggiunto una sonorità di colore senza precedenti, una ricchezza di sfumature senza precedenti. La pennellata è diventata un mezzo espressivo indipendente, riempiendo la superficie dell'immagine con una vivace vibrazione scintillante di particelle di colore. La tela è stata paragonata a un mosaico scintillante di colori preziosi. Nel dipinto precedente predominavano le tonalità del nero, del grigio, del marrone; nelle tele degli impressionisti i colori brillavano luminosi. Gli impressionisti non usavano il chiaroscuro per trasmettere i volumi, abbandonavano le ombre scure, anche le ombre nei loro dipinti si coloravano. Gli artisti usavano ampiamente toni aggiuntivi (rosso e verde, giallo e viola), il cui contrasto aumentava l'intensità del colore. Nei dipinti di Monet i colori si schiarivano e si dissolvevano nello splendore dei raggi del sole, i colori locali acquisivano molte sfumature.

Gli impressionisti raffiguravano il mondo circostante in perpetuo movimento, il passaggio da uno stato all'altro. Cominciarono a dipingere una serie di dipinti, volendo mostrare come lo stesso motivo cambia a seconda dell'ora del giorno, della luce, delle condizioni atmosferiche, ecc. (cicli Boulevard Montmartre di C. Pissarro, 1897; Cattedrale di Rouen, 1893–95, e "Parlamento di Londra", 1903-04, C. Monet). Gli artisti hanno trovato il modo di riflettere nei dipinti il ​​\u200b\u200bmovimento delle nuvole (A. Sisley. "Louan in Saint-Mamme", 1882), il gioco del bagliore della luce solare (O. Renoir. "Swing", 1876), le raffiche di vento (C. Monet. “Terrace in Sainte-Adresse", 1866), getti di pioggia (G. Caillebotte. "Jer. Effetto della pioggia", 1875), neve che cade (C. Pissarro. "Passaggio d'opera. Effetto neve", 1898), corsa veloce di cavalli (E. Manet "Corse a Longchamp", 1865).

Gli impressionisti svilupparono nuovi principi per costruire la composizione. In precedenza, lo spazio dell'immagine era paragonato a un palcoscenico, ora le scene catturate assomigliavano a un'istantanea, una cornice per foto. Inventato nel XIX secolo la fotografia ha avuto un impatto significativo sulla composizione del dipinto impressionista, soprattutto nell'opera di E. Degas, che era lui stesso un appassionato fotografo e, nelle sue stesse parole, cercava di cogliere di sorpresa le ballerine raffigurate, per vederle “come se attraverso un buco della serratura”, quando le loro pose, linee del corpo naturali, espressive e autentiche. Creando dipinti all'aperto, il desiderio di catturare l'illuminazione in rapida evoluzione ha costretto gli artisti ad accelerare il lavoro, scrivere "alla prima" (in un passaggio), senza schizzi preliminari. La frammentazione, la "casualità" della composizione e il modo pittorico dinamico hanno creato una sensazione di freschezza speciale nei dipinti degli impressionisti.

Il genere impressionista preferito era il paesaggio; il ritratto era anche una sorta di "paesaggio del viso" (O. Renoir, "Ritratto dell'attrice J. Samary", 1877). Inoltre, gli artisti hanno notevolmente ampliato la gamma di soggetti pittorici, rivolgendosi ad argomenti precedentemente considerati indegni di attenzione: feste popolari, corse di cavalli, picnic della Boemia artistica, vita dietro le quinte dei teatri, ecc. Tuttavia, i loro dipinti non hanno una trama dettagliata, una narrazione dettagliata; la vita umana si dissolve nella natura o nell'atmosfera della città. Gli impressionisti non scrivevano eventi, ma stati d'animo, sfumature di sentimenti. Artisti fondamentalmente rifiutati storici e temi letterari, evitato di rappresentare i lati drammatici e oscuri della vita (guerre, disastri, ecc.). Hanno cercato di liberare l'arte dall'adempimento di compiti sociali, politici e morali, dall'obbligo di valutare i fenomeni rappresentati. Gli artisti cantavano la bellezza del mondo, riuscendo a trasformare il motivo più quotidiano (ristrutturazione di una stanza, grigia nebbia londinese, fumo di locomotive a vapore, ecc.) in uno spettacolo incantevole (G. Caillebotte. "Parquette", 1875; C. Monet. "Stazione Saint-Lazare" , 1877).

Nel 1886 ebbe luogo l'ultima mostra degli impressionisti (O. Renoir e K. Monet non vi parteciparono). A questo punto, sono stati rivelati disaccordi significativi tra i membri del gruppo. Le possibilità del metodo impressionista erano esaurite e ciascuno degli artisti iniziò a cercare la propria strada nell'arte.

L'impressionismo come metodo creativo olistico era un fenomeno prevalentemente dell'arte francese, ma il lavoro degli impressionisti ebbe un impatto su tutta la pittura europea. Il desiderio di aggiornare il linguaggio artistico, evidenziando la tavolozza colorata, l'esposizione tecniche pittoriche ormai saldamente entrato nell'arsenale degli artisti. In altri paesi, J. Whistler (Inghilterra e Stati Uniti), M. Lieberman, L. Corinth (Germania), J. Sorolla (Spagna) erano vicini all'impressionismo. L'influenza dell'impressionismo è stata vissuta da molti artisti russi (V. A. Serov, K. A. Korovin, I. E. Grabar e altri).

Oltre alla pittura, l'impressionismo è stato incarnato nel lavoro di alcuni scultori (E. Degas e O. Rodin in Francia, M. Rosso in Italia, P. P. Trubetskoy in Russia) in una vivace modellazione libera di fluido forme morbide, che crea gioco difficile luce sulla superficie della materia e sensazione di incompletezza dell'opera; nelle pose viene catturato il momento del movimento, lo sviluppo. Nella musica, la vicinanza all'impressionismo si trova nelle opere di C. Debussy ("Vele", "Nebbie", "Riflessi nell'acqua", ecc.).

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