Artisti del Rinascimento e i loro dipinti. Grandi artisti del Rinascimento
L'Italia è un paese che è sempre stato famoso per i suoi artisti. I grandi maestri che un tempo vissero in Italia glorificarono l'arte in tutto il mondo. Possiamo dire con certezza che se non fosse per gli artisti, scultori e architetti italiani, il mondo oggi sarebbe molto diverso. Il più significativo nell'arte italiana, ovviamente, è considerato. L'Italia nel Rinascimento o nel Rinascimento raggiunse un'ascesa e una prosperità senza precedenti. Artisti di talento, scultori, inventori, veri geni apparsi in quei giorni sono ancora noti a tutti gli scolari. La loro arte, creatività, idee, sviluppi oggi sono considerati classici, il nucleo su cui sono costruiti arte mondiale e cultura.
Una delle più geni famosi il Rinascimento italiano è, ovviamente, un grande Leonardo Da Vinci(1452-1519). Da Vinci era così dotato che ottenne un grande successo in molte aree di attività, comprese le arti visive e la scienza. Un altro artista famoso che è un maestro riconosciuto è Sandro Botticelli(1445-1510). I dipinti di Botticelli sono un vero dono per l'umanità. Oggi i suoi densi sono nei musei più famosi del mondo e sono davvero impagabili. Non meno famoso di Leonardo da Vinci e Botticelli Raffaele Santi(1483-1520), che visse 38 anni, e durante questo periodo riuscì a creare un intero strato di pittura sbalorditiva, che divenne uno degli esempi più brillanti del primo Rinascimento. Un altro grande genio del Rinascimento italiano è senza dubbio Michelangelo Buonarroti(1475-1564). Oltre alla pittura, Michelangelo si dedicò alla scultura, all'architettura e alla poesia e ottenne grandi risultati in queste arti. La statua di Michelangelo detta "David" è considerata un capolavoro insuperabile, un esempio della più alta realizzazione dell'arte della scultura.
Oltre agli artisti sopra menzionati, i più grandi artisti dell'Italia del Rinascimento furono maestri come Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Tiziano, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi e altri. . Lo erano tutti un ottimo esempio delizioso scuola veneziana pittura. La scuola fiorentina della pittura italiana comprende artisti come: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Beato Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto.
Per elencare tutti gli artisti che hanno lavorato durante il Rinascimento così come durante il tardo rinascimentale, e dopo secoli, che sono diventati noti a tutto il mondo e hanno glorificato l'arte della pittura, sviluppato i principi e le leggi di base che sono alla base di tutti i tipi e generi di belle arti, probabilmente ci vorranno diversi volumi per scrivere, ma questo elenco è sufficiente per capire che i grandi artisti italiani sono proprio l'arte che conosciamo, che amiamo e che apprezzeremo per sempre!
Dipinti di grandi artisti italiani
Andrea Mantegna - Affresco nella Camera degli Sposi
Giorgione - Tre filosofi
Leonardo da Vinci - Gioconda
Nicolas Poussin - La magnanimità di Scipione
Paolo Veronese - Battaglia di Lepanto
La pittura italiana del Rinascimento è un fenomeno davvero grandioso. Un tale numero di nomi brillanti non conosceva nessuna delle epoche successive, nemmeno una di scuole nazionali. Non è un caso che nei secoli successivi gli artisti abbiano invariabilmente tratto esperienza e ispirazione dalle belle arti del Rinascimento italiano.
Nel sistema di vedute rinascimentale, un ruolo speciale apparteneva alle belle arti. Un uomo durante il Rinascimento si sentiva capace di conoscere il mondo, ma in un primo momento il mondo stesso gli sembrava, come nel Medioevo, una grandiosa opera d'arte, una creazione il più grande artista- Dio.
Masaccio "Trinità" 1426-1428 Chiesa di Santa Maria Novella Grazie al sapiente uso del chiaroscuro e alla conoscenza delle leggi della prospettiva, Masaccio diede all'immagine vita di credibilità. "Trinità" (1425-1428).
Pertanto, l'immagine del mondo era considerata una delle vie della sua conoscenza. Lo sviluppo di un sistema di prospettiva diretta ha reso la pittura il tipo di arte più "umanizzato": l'occhio dello spettatore è diventato un "punto di riferimento" nello "spazio" dell'immagine. L'emergere e la diffusione dei colori ad olio ha aperto una strada promettente per lo sviluppo di principi tonali e leggeri.
Battaglia di San Romano (1440-1450), Dipinti estremamente compositi e innovativi di Uccello spesso non trovarono comprensione tra i contemporanei.
Dipinto di Firenze, Siena e Perugia.
di grande importanza nello sviluppo dell'italiano arti visive La pittura fiorentina del primo Rinascimento ha giocato, sperimentando attivamente nel campo della prospettiva spaziale. La capacità di trasmettere il rapporto dello spazio reale su un piano ha innalzato notevolmente lo status sociale dell'artista, trasferendolo dalla posizione di modesto artigiano-decoratore alla categoria di scienziato geometra, comprendendo le leggi della struttura del mondo.
Angelico è un artista dalla fede più profonda. Le sue Madonne sono l'ideale della bellezza spirituale e della pietà.
Brunelleschi nei primi anni 1420 realizzò due dipinti con vedute di Firenze, che deliziarono i suoi contemporanei con illusoria precisione, ma potevano essere guardati solo con l'ausilio di un ingegnoso sistema di specchi e finestre. Riprodurre la profondità dello spazio per un vero spettatore su qualsiasi tavola o parete mantenendo l'unità ottica dell'immagine richiede non solo la conoscenza, ma anche l'esperienza e l'intuizione di un pittore altamente professionale. Tutte queste qualità erano possedute da Masaccio (1401-1428). Dipinto da lui nel 1427-1428. La Cappella Brancacci nella chiesa fiorentina di Santa Maria del Carmine divenne subito una sorta di scuola per artisti.
Piero della Francesca è diventato famoso per le sue incredibili abilità nel colore.
Un appassionato ammiratore di Masaccio era Uccello (1397-1475), un vero cantore di dettagli. L'artista trascorreva le sue notti abbozzare alcuni piccoli dettagli da una prospettiva complessa, come la struttura del piumaggio di un uccello in volo. Un altro seguace di Masaccio, il maestro delle severe forme lapidarie, Andrea del Castagno (1421-1457 circa), divenne famoso soprattutto per aver dipinto il salone di Villa Carducci, raffigurante, tra l'altro, il condottiero Pippo Spano, uno spagnolo che al fine della sua vita divenne il sovrano della Croazia.
Lo stile di Mantegna si distingue per la scultoreità nel trasferimento di forme tridimensionali. "Giuditta" (circa 1490).
La figura scultoreamente potente di un guerriero che può piegare senza sforzo una lama d'acciaio invade con sicurezza lo spazio della sala. Castagno ha ottenuto questa impressione spostando la mano destra e il piede sinistro del suo personaggio oltre la cornice decorativa dell'affresco.
Tuttavia, non tutti i pittori fiorentini della prima metà del XV secolo. amavano trasmettere la prospettiva. Così, il monaco artista Beato Angelico (circa 1400-1455) si ispirò principalmente alla miniatura del XIV secolo.
Nel Giorgione il paesaggio assume un significato inedito. "Temporale" (1507-1508).
La pittura fiorentina della metà del secolo, rispetto al periodo precedente, è più pacata, ma meno seria. Masaccio ha santificato l'esistenza terrena nei suoi affreschi, adesso? sono immerse le storie più sacre prosa mondana: tale è tutto il mondo della pittura di Fra Filippo Lippi, abitato da madonne e angeli graziosi, allegri, ma per nulla sublimi; tale è lo spettacolo intricato e lussuoso del corteo dei Magi, presentato nel 1459 sulle pareti della cappella di casa Medici dall'artista Benozzo Gozzoli. Il brillante e tragico finale del primo Rinascimento fiorentino fu incarnato nella pittura di Botticelli.
La pittura di Tiziano divenne l'apice della scuola veneziana. "Venere Urbano" (1538).
La pittura di Siena è rappresentata nel modo più originale dal Sasseta, l'autore del dipinto “Corteo dei Magi”. Ha una fiaba brillante linguaggio artistico non interferisce con audaci reperti pittoreschi. Il contrasto tra gli spessi colori a smalto del primo piano e i delicati toni schiarenti vicino all'orizzonte è uno dei primi tentativi di rappresentare lo spazio con mezzi puramente pittorici.
Questo compito era possibile solo per Piero della Francesca (c. 1420-1462), forse il più grande dei pittori del Quattrocento. Dopo essersi formato a Firenze, tuttavia, sviluppò il proprio maniera creativa. Se i fiorentini mettevano l'uomo al centro dell'universo raffigurato, allora Piero riteneva che l'uomo fosse solo un legame organico grande mondo natura, quest'ultima, con tutta la sua diversità, è soggetta alla legge del numero. Le proporzioni del corpo umano, le forme della natura, quest'ultima, con tutta la sua diversità, è soggetta alla legge del numero. le proporzioni del corpo umano, le forme della natura, la geometria reale del piano pittorico sono messe in relazione dall'artista: la figura di Cristo con la sua testa grata e “crescente” è consonante con la verticale del tronco d'albero; la lussureggiante chioma sferica dell'albero è naturalmente inscritta nel semicerchio di completamento della composizione.
L'apice dell'opera di Piero della Francesca furono gli affreschi dell'altare della chiesa di San Francesco ad Arezzo (1452-1466). Sono dedicati a un argomento piuttosto raro - la storia dell'Albero vivificante, portato sulla Terra dall'Eden dalle prime persone, che era poi destinato a diventare uno strumento dell'esecuzione di Cristo - e la più grande delle reliquie del mondo cristiano . L'idea della pittura come inganno visivo è estranea all'artista. Il maestro apprezza il naturale, anche la superficie del muro su cui scrive, trasformando il suo piano in un supporto per le sue composizioni maestosamente austere. Evita caratteristiche personali complesse: i suoi personaggi sono dello stesso tipo, perché sono solo attori della rappresentazione universale. In molti esempi creativi, Piero della Francesca è tornato all'esperienza di Giotto, ma nella comprensione del colore era avanti di secoli rispetto ai suoi contemporanei. I pittori sono abituati a usare il colore come una "colorazione" meccanica di linee o forme finite. In Pierrot, la forma nasce da sottili gradazioni di colore. La sua tavolozza è inesauribilmente ricca. L'occhio dell'artista nota non solo il colore naturale degli oggetti, ma anche la colorazione dell'aria da parte della luce solare; una tinta argentea leggermente distinguibile conferisce alla tavolozza di Pierrot una straordinaria fedeltà, leggerezza alle forme, profondità dello spazio.
La scuola dei pittori perugini fiorì improvvisamente e brillantemente ultimi decenni 15 ° secolo Gli artisti locali erano famosi principalmente come maestri di dipinti decorativi. Molto caratteristici sono gli affreschi dei cosiddetti appartamenti Borgia nel palazzo papale a Roma (1493). Il loro autore Pinturicchio (circa 1454-1513) crea un arredamento luminoso e intricato, dove ogni dettaglio è pensato, dalle piastrelle colorate del pavimento ai soffitti dorati blu brillante. Il Perugino (1445/1452-1523) operò in modo più severo e pacato. Nel tentativo di distrarre lo spettatore, questo maestro ha replicato volentieri motivi raffinati, ma dello stesso tipo: volti sognanti e mansueti, architetture leggere ad arco, paesaggi "pasquali" con alberi sottili.
Pittura del Nord Italia e di Venezia
La pittura dei maestri del Nord Italia ha attraversato fasi proprie, diverse dalle altre scuole. Se la pittura fiorentina, in generale, si rivolgeva alla mente, rappresentava principalmente corpi tridimensionali, ei maestri dell'Italia centrale si concentravano sui sentimenti e risolvevano principalmente problemi spaziali, allora la principale sfera di influenza estetica per gli artisti della scuola dell'Italia settentrionale è immaginazione, il suo filo conduttore è la sostanza: la trama plastica degli oggetti, l'aria e la luce. Durante il primo terzo del XV sec i centri feudali dell'Italia settentrionale (Ferrara, Verona, Mantova) furono inseriti nell'orbita del cosiddetto gotico "internazionale". I principali problemi stilistici di questa tendenza - sensibilità ai fenomeni naturali, possesso virtuoso della linea - trovarono espressione nell'opera di Pisanello (1395-1455). Nel ritratto di una principessa della casata ferrarese d'Este (1430), il maestro mette in risalto la dolce tranquillità del volto della ragazza, ponendolo su uno sfondo contrastante di fogliame scuro e duro punteggiato da macchie luminose e tremolanti di fiori e farfalle.
Bellini è uno dei ritrattisti più notevoli del suo tempo. "Ritratto del Doge Leonardo Loredan" (1501-1505).
Il ruolo del centro della cultura rinascimentale negli anni Trenta del Quattrocento. acquisì Padova, città dal ricco passato antico, nel 1406 annessa ai possedimenti veneziani. Insieme alla sua antica università, Padova divenne famosa per la bottega di Francesca Squarcione, pittrice autodidatta, profonda conoscitrice di monumenti antichi, che creò una vera e propria accademia, dove fino a 100 giovani studiavano pittura contemporaneamente, e tra loro il figlio adottivo di Squarcione Andrea Mantegna (1431-1506), il più grande maestro del Quattrocento italiano settentrionale, che nelle sue opere combina la verosimiglianza con una vivida fantasia.
Nella pittura di Venezia si verificarono cambiamenti radicali con l'arrivo qui dell'artista dell'Italia meridionale Antonello da Messina (circa 1430-1479). Giovanni Bellini (circa 1430-1516) ha svolto un ruolo importante nel plasmare lo stile originale della scuola veneziana. Ha gettato le basi del suo modo di principio coloristico. La morbida armonia dei colori pieni di luce dell'artista è simile alle sue semplici scene idilliache preferite, in cui il paesaggio serale rurale gioca un ruolo significativo.
Il periodo di massimo splendore della scuola pittorica veneziana cadde sul primo metà del XVI secolo, quando operarono i grandi Giorgione (1477-1510) e Tiziano (1488/1490-1576). Giorgione ha creato il proprio genere pittorico: la "poesia". Questi dipinti sono stati scritti da lui su ordine di privati e cancellati dal moderno Arte europea con il suo bassismo. La base di loro sistema figurativo- la fantasia stravagante dell'autore, e non qualsiasi evento raccolto da storico o fonte letteraria. Tiziano, ereditò il lirismo di Giorgione, lo unì a una sana sensualità ea una percezione attiva dell'essere. Nell'opera di questo maestro, l'Alto Rinascimento veneziano ha trovato espressione.
Pittura rinascimentale italiana - Giotto, Masaccio, Angelico, Tiziano e Giorgione aggiornato: 2 luglio 2017 da: sito web
Durante il Rinascimento avvengono molti cambiamenti e scoperte. Si esplorano nuovi continenti, si sviluppano i commerci, si inventano cose importanti come la carta, una bussola marina, la polvere da sparo e tante altre. Anche i cambiamenti nella pittura furono di grande importanza. I dipinti del Rinascimento hanno guadagnato un'immensa popolarità.
I principali stili e tendenze nelle opere dei maestri
Il periodo fu uno dei più fecondi nella storia dell'arte. I capolavori di un numero enorme di maestri eccezionali possono essere trovati oggi in vari centri d'arte. Gli innovatori apparvero a Firenze nella prima metà del XV secolo. I loro dipinti rinascimentali segnarono l'inizio di una nuova era nella storia dell'arte.
In questo momento, la scienza e l'arte diventano strettamente collegate. Gli scienziati degli artisti hanno cercato di padroneggiare il mondo fisico. I pittori hanno cercato di utilizzare idee più accurate su corpo umano. Molti artisti hanno lottato per il realismo. Lo stile inizia con L'Ultima Cena di Leonardo da Vinci, che dipinse nel corso di quasi quattro anni.
Una delle opere più famose
Fu dipinto nel 1490 per il refettorio del monastero di Santa Maria delle Grazie a Milano. La tela rappresenta l'ultimo pasto di Gesù con i suoi discepoli prima di essere catturato e ucciso. I contemporanei che osservavano il lavoro dell'artista durante questo periodo notarono come potesse dipingere dalla mattina alla sera senza nemmeno fermarsi a mangiare. E poi potrebbe abbandonare la sua pittura per diversi giorni e non avvicinarsi affatto.
L'artista era molto preoccupato per l'immagine di Cristo stesso e del traditore Giuda. Quando l'immagine è stata finalmente completata, è stata giustamente riconosciuta come un capolavoro. " L'ultima Cena"e fino ad oggi è uno dei più apprezzati. Le riproduzioni rinascimentali sono sempre state molto richieste, ma questo capolavoro è contrassegnato da innumerevoli copie.
Un capolavoro riconosciuto, o il misterioso sorriso di una donna
Tra le opere realizzate da Leonardo nel XVI secolo c'è un ritratto chiamato "Mona Lisa", o "La Gioconda". In epoca moderna, questo è forse il dipinto più famoso al mondo. È diventata popolare soprattutto per il sorriso sfuggente sul volto della donna raffigurata sulla tela. Cosa ha portato a un tale mistero? lavoro abile maestri, la capacità di ombreggiare così abilmente gli angoli degli occhi e della bocca? La natura esatta di questo sorriso non può essere determinata fino ad ora.
Fuori concorso e altri dettagli di questa immagine. Vale la pena prestare attenzione alle mani e agli occhi di una donna: con quale accuratezza l'artista ha reagito ai minimi dettagli della tela durante la sua scrittura. Non meno interessante è il drammatico paesaggio sullo sfondo dell'immagine, un mondo in cui tutto sembra essere in uno stato di flusso.
Un altro famoso rappresentante della pittura
Non meno di famoso rappresentante Rinascimento - Sandro Botticelli. Questo è un grande pittore italiano. Anche i suoi dipinti rinascimentali sono molto popolari tra un'ampia gamma spettatori. "Adorazione dei Magi", "Madonna col Bambino in trono", "Annunciazione" - queste opere di Botticelli, dedicate a temi religiosi, sono diventate le grandi conquiste dell'artista.
Un altro opera notevole maestro - "Madonna Magnificat". Divenne famosa durante gli anni della vita di Sandro, come testimoniano numerose riproduzioni. Dipinti simili a forma di cerchio erano molto richiesti nella Firenze del XV secolo.
Una nuova svolta nel lavoro del pittore
A partire dal 1490 Sandro cambiò stile. Diventa più ascetico, la combinazione di colori ora è molto più sobria, spesso prevalgono i toni scuri. Il nuovo approccio del creatore alla scrittura delle sue opere è perfettamente evidente nella "Incoronazione di Maria", nel "Compianto di Cristo" e in altre tele raffiguranti la Madonna e il Bambino.
I capolavori dipinti da Sandro Botticelli in quel periodo, ad esempio il ritratto di Dante, sono privi di sfondi paesaggistici e interni. Una delle creazioni non meno significative dell'artista è "Mystical Christmas". Il quadro è stato dipinto sotto l'influsso dei disordini avvenuti alla fine del 1500 in Italia. Molti dipinti di artisti del Rinascimento non solo hanno guadagnato popolarità, ma sono diventati un esempio per la prossima generazione di pittori.
Un artista le cui tele sono circondate da un alone di ammirazione
Rafael Santi da Urbino non fu solo ma anche architetto. I suoi dipinti rinascimentali sono ammirati per la chiarezza della forma, la semplicità della composizione e la realizzazione visiva dell'ideale della grandezza umana. Insieme a Michelangelo e Leonardo da Vinci, è una delle tradizionali trinità dei più grandi maestri di questo periodo.
Ha vissuto una vita relativamente breve, a soli 37 anni. Ma durante questo periodo ha creato un numero enorme dei suoi capolavori. Alcune sue opere si trovano nel Palazzo Vaticano a Roma. Non tutti gli spettatori possono vedere con i propri occhi i dipinti degli artisti del Rinascimento. Le foto di questi capolavori sono a disposizione di tutti (alcune sono presentate in questo articolo).
Le opere più famose di Raffaello
Dal 1504 al 1507 Raffaello creò un'intera serie di Madonne. I dipinti si distinguono per la bellezza ammaliante, la saggezza e allo stesso tempo una sorta di tristezza illuminata. Il suo dipinto più famoso è stato " Madonna Sistina". È raffigurata mentre si libra nel cielo e scende dolcemente verso le persone con il Bambino in braccio. È stato questo movimento che l'artista è stato in grado di rappresentare molto abilmente.
Questo lavoro è stato acclamato da molti critici famosi, e sono giunti tutti alla stessa conclusione che è davvero raro e insolito. Tutti i dipinti del Rinascimento hanno una lunga storia. Ma è diventato più popolare grazie ai suoi infiniti vagabondaggi sin dal suo inizio. Dopo aver attraversato numerose prove, ha finalmente preso il posto che le spettava tra le esposizioni del Museo di Dresda.
Dipinti rinascimentali. Foto di dipinti famosi
E un altro famoso pittore, scultore e anche architetto italiano che ha avuto un enorme impatto sullo sviluppo dell'arte occidentale è Michelangelo di Simoni. Nonostante sia conosciuto principalmente come scultore, ce ne sono bellissime opere la sua pittura. E il più significativo di questi è il soffitto della Cappella Sistina.
Questo lavoro è stato svolto per quattro anni. Lo spazio copre circa cinquecento metri quadrati e contiene più di trecento figure. Al centro ci sono nove episodi del libro della Genesi, divisi in diversi gruppi. La creazione della terra, la creazione dell'uomo e la sua caduta. Tra i dipinti più famosi sul soffitto ci sono "La creazione di Adamo" e "Adamo ed Eva".
La sua opera più famosa è Il giudizio universale. È stato realizzato sulla parete dell'altare della Cappella Sistina. L'affresco raffigura la seconda venuta di Gesù Cristo. Qui Michelangelo ignora lo standard convenzioni artistiche nella scrittura di Gesù. Lo ha raffigurato con una struttura corporea massiccia e muscolosa, giovane e senza barba.
Il significato della religione, o l'arte del Rinascimento
I dipinti del Rinascimento italiano divennero la base per lo sviluppo dell'arte occidentale. Molte delle opere popolari di questa generazione di creatori hanno un enorme impatto sugli artisti che continua ancora oggi. I grandi artisti di quel periodo si sono concentrati su temi religiosi, lavorava spesso su commissione di ricchi mecenati, tra cui lo stesso Papa.
La religione è letteralmente permeata vita di ogni giorno persone di quest'epoca, profondamente radicate nelle menti degli artisti. Quasi tutte le tele religiose si trovano nei musei e nei depositi d'arte, ma in molte istituzioni e persino in case ordinarie si possono trovare riproduzioni di dipinti rinascimentali legati non solo a questo argomento. Le persone ammireranno all'infinito il lavoro maestri famosi di quel periodo.
I primi precursori dell'arte rinascimentale apparvero in Italia nel XIV secolo. Artisti di questo tempo, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) e (principalmente) Giotto
(1267-1337) durante la creazione di dipinti di soggetti religiosi tradizionali, iniziarono a usarne di nuovi tecniche artistiche: costruendo una composizione tridimensionale, utilizzando il paesaggio sullo sfondo, che ha permesso loro di rendere le immagini più realistiche, vivaci. Ciò distingueva nettamente il loro lavoro dalla precedente tradizione iconografica, piena di convenzioni nell'immagine.
Il termine è usato per riferirsi al loro lavoro. Protorinascimento (1300 - "Trecento")
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Giotto di Bondone
(c. 1267-1337) - Pittore e architetto italiano dell'era proto-rinascimentale. Una delle figure chiave nella storia dell'arte occidentale. Dopo aver superato la tradizione bizantina della pittura di icone, divenne il vero fondatore della scuola di pittura italiana, sviluppò un approccio completamente nuovo alla rappresentazione dello spazio. Le opere di Giotto sono state ispirate da Leonardo da Vinci, Raffaello, Michelangelo.
Primo Rinascimento (1400 - "Quattrocento").
All'inizio del XV secolo Filippo Brunelleschi
(1377-1446), letterato e architetto fiorentino.
Brunelleschi voleva rendere più visiva la percezione dei termini e dei teatri da lui ricostruiti e ha cercato di creare immagini geometricamente prospettiche dai suoi piani per un certo punto di vista. In queste ricerche, prospettiva diretta.
Ciò ha permesso agli artisti di ottenere immagini perfette dello spazio tridimensionale su una tela piatta dell'immagine.
_________Un altro passo importante verso il Rinascimento fu l'emergere di un'arte laica e non religiosa. Ritratto e paesaggio si sono affermati come generi indipendenti. Anche i soggetti religiosi acquisirono un'interpretazione diversa: gli artisti del Rinascimento iniziarono a considerare i loro personaggi come eroi con tratti individuali pronunciati e motivazione umana per le azioni.
Gli artisti più famosi di questo periodo sono Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benizzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).
Masaccio
(1401-1428) - il famoso pittore italiano, il più grande maestro della scuola fiorentina, il riformatore della pittura del Quattrocento.
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| Affrescare. Miracolo con lo statere. |
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| Pittura. crocifissione. |
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| Affrescare. Storia della regina di Saba. Chiesa di San Francesco ad Arezzo |
Sandro Botticelli(1445-1510) - grande pittore italiano, rappresentante della scuola pittorica fiorentina.
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| Primavera. |
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| Nascita di Venere. |
Alto Rinascimento ("Cinquecento").
Venne la più alta fioritura dell'arte rinascimentale per il primo quarto del XVI secolo.
Lavori Sansovino (1486-1570), Leonardo Da Vinci (1452-1519), Raffaele Santi (1483-1520), Michelangelo Buonarroti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), Tiziano (1477-1576), Antonio Correggi (1489-1534) costituiscono il fondo aureo dell'arte europea.
Leonardo di Ser Piero da Vinci (Firenze) (1452-1519) - Artista italiano (pittore, scultore, architetto) e scienziato (anatomista, naturalista), inventore, scrittore.
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| auto ritratto |
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| Dama con l'ermellino. 1490. Museo Czartoryski, Cracovia |
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| Gioconda (1503-1505/1506) |
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| Madonna Litta. 1490-1491. Museo dell'Ermitage. |
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| Madonna Benois (Madonna con un fiore). 1478-1480 |
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| Madonna con un garofano. 1478 |
Durante la sua vita, Leonardo da Vinci fece migliaia di appunti e disegni sull'anatomia, ma non pubblicò il suo lavoro. Facendo un'autopsia dei corpi di persone e animali, ha trasmesso accuratamente la struttura dello scheletro e organi interni, Compreso piccole parti. Secondo il professore di anatomia clinica Peter Abrams, lavoro scientifico da Vinci era 300 anni avanti rispetto ai suoi tempi e per molti versi ha superato il famoso Grey's Anatomy.
Elenco delle invenzioni, sia reali che a lui attribuite:
paracadute, acastello di olescovo,bicicletta, tAnkh, lponti portatili leggeri per l'esercito, pproiettore, aatapult, robot, dtelescopio Vohlenz.
Successivamente, queste innovazioni sono state sviluppate Raffaele Santi (1483-1520) - grande pittore, grafico e architetto, rappresentante della scuola umbra.
| Auto ritratto. 1483 |
Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) - Scultore, pittore, architetto, poeta, pensatore italiano.
I dipinti e le sculture di Michelangelo Buonarotti sono pieni di pathos eroico e, allo stesso tempo, di un senso tragico della crisi dell'umanesimo. I suoi dipinti glorificano la forza e il potere dell'uomo, la bellezza del suo corpo, sottolineando la sua solitudine nel mondo.
Il genio di Michelangelo ha lasciato un'impronta non solo sull'arte del Rinascimento, ma anche su tutta l'ulteriore cultura mondiale. Le sue attività sono principalmente legate a due città italiane- Firenze e Roma.
Tuttavia, l'artista ha potuto realizzare i suoi piani più grandiosi proprio nella pittura, dove ha agito da vero innovatore del colore e della forma.
Per ordine di Papa Giulio II, dipinse il soffitto della Cappella Sistina (1508-1512), rappresentando la storia biblica dalla creazione del mondo al diluvio e includendo più di 300 figure. Nel 1534-1541, nella stessa Cappella Sistina per Papa Paolo III, eseguì il grandioso e drammatico affresco Il Giudizio Universale.
Cappella Sistina 3D.
Il lavoro di Giorgione e Tiziano si distingue per l'interesse per il paesaggio, la poeticizzazione della trama. Entrambi gli artisti hanno raggiunto una grande abilità nell'arte del ritratto, con la quale hanno trasmesso carattere e ricchezza. mondo interiore i loro personaggi.
Giorgio Barbarelli da Castelfranco Giorgione) (1476 / 147-1510) - Artista italiano, rappresentante della scuola pittorica veneziana.
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| Venere dormiente. 1510 |
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| Giuditta. 1504 |
Tiziano dipinse quadri su soggetti biblici e mitologici, divenne famoso come ritrattista. Fu commissionato da re e papi, cardinali, duchi e principi. Tiziano non aveva nemmeno trent'anni quando fu riconosciuto come il miglior pittore di Venezia.
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| Auto ritratto. 1567 |
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| Venere Urbinskaya. 1538 |
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| Ritratto di Tommaso Mosti. 1520 |
Tardo Rinascimento.
Dopo il sacco di Roma da parte delle truppe imperiali nel 1527 Rinascimento italiano entra in un periodo di crisi. Già nell'opera del compianto Raffaello si delinea una nuova linea artistica, chiamata manierismo.
Quest'epoca è caratterizzata da linee troppo tese e spezzate, figure allungate o addirittura deformate, spesso nude, tensioni e pose innaturali, effetti insoliti o bizzarri associati a dimensioni, illuminazione o prospettiva, uso di una scala cromatica caustica, composizione sovraccarica, ecc. primi maestri del manierismo Parmigianino
, Pontormo
, Bronzin-
visse e lavorò alla corte dei duchi di casa Medici a Firenze. In seguito, la moda manierista si diffuse in tutta Italia e oltre.
Girolamo Francesco Maria Mazzola
(Parmigianino
- "abitante di Parma") (1503-1540,) artista e incisore italiano, rappresentante del manierismo.
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| Auto ritratto. 1540 |
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| Ritratto di una donna. 1530. |
Pontormo (1494-1557) - Pittore italiano, rappresentante della scuola fiorentina, uno dei fondatori del manierismo.
Il manierismo fu sostituito dall'arte negli anni Novanta del Cinquecento barocco (dati transitori - Tintoretto E El Greco ).
Jacopo Robusti, meglio conosciuto come Tintoretto (1518 o 1519-1594) - pittore della scuola veneziana del tardo Rinascimento.
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| L'ultima Cena. 1592-1594. Chiesa di San Giorgio Maggiore, Venezia. |
El Greco ("Greco" Domenikos Theotokopoulos ) (1541—1614) - artista spagnolo. Di origine - un greco, originario dell'isola di Creta.
El Greco non ebbe seguaci contemporanei e il suo genio fu riscoperto quasi 300 anni dopo la sua morte.
El Greco ha studiato nella bottega di Tiziano, ma, tuttavia, la sua tecnica pittorica differisce notevolmente da quella del suo maestro. Le opere di El Greco sono caratterizzate da velocità ed espressività di esecuzione, che le avvicinano alla pittura moderna.
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| Cristo sulla croce. OK. 1577. Collezione privata. |
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| Trinità. 1579 Prato. |
Quando guardi le immagini Rinascimento, impossibile non ammirare la nitidezza delle linee, il bello palette dei colori e, soprattutto, l'incredibile realismo delle immagini trasmesse. Gli scienziati moderni sono rimasti a lungo perplessi su come i maestri di quel tempo siano riusciti a creare tali capolavori, perché non ci sono prove scritte delle complessità e dei segreti della tecnica di esecuzione. Artista inglese e il fotografo David Hockney afferma di aver svelato il mistero dei pittori del Rinascimento che sapevano dipingere quadri "viventi".
Se confrontiamo diversi periodi di tempo nella storia della pittura, diventa chiaro che durante il Rinascimento (a cavallo tra il XIV e il XV secolo), i dipinti "improvvisamente" sono diventati molto più realistici di prima. Guardandoli, sembra che i personaggi stiano per sospirare e i raggi del sole giocheranno sugli oggetti.
La domanda si pone da sola: gli artisti del Rinascimento hanno improvvisamente imparato a disegnare meglio e i dipinti hanno cominciato a risultare più voluminosi? Ho cercato di rispondere a questa domanda artista famoso artista grafico e fotografo David Hockney ( David Hockney).
In questo studio, è stato aiutato dal dipinto di Jan van Eyck "Ritratto degli Arnolfini". Sulla tela puoi trovare molti dettagli curiosi, eppure è stato scritto nel 1434. Particolare attenzione è rivolta allo specchio sul muro e al candelabro sotto il soffitto, che sembra incredibilmente realistico. David Hockney è riuscito a ottenere una candela simile e ha provato a disegnarla. Con grande sorpresa dell'artista, si è rivelato abbastanza difficile raffigurare questo oggetto in prospettiva, e anche il bagliore della luce deve essere trasmesso in modo tale che sia chiaro che questo è lo splendore del metallo. A proposito, prima del Rinascimento nessuno riprendeva l'immagine del bagliore su una superficie metallica.
Quando il modello 3D del candelabro è stato ricreato, Hockney si è assicurato che il dipinto di Van Eyck lo mostrasse in prospettiva con un unico punto di fuga. Ma il problema era che il XV secolo non aveva una camera oscura con un obiettivo (un dispositivo ottico con cui è possibile creare una proiezione).
David Hockney si chiedeva come Van Eyck fosse riuscito a raggiungere un tale realismo nelle sue tele. Ma un giorno ha attirato l'attenzione sull'immagine di uno specchio nella foto. Era convesso. Vale la pena notare che a quei tempi gli specchi erano concavi, perché i maestri non erano ancora in grado di "incollare" il rivestimento di stagno alla superficie piana del vetro. Per ottenere uno specchio nel XV secolo, lo stagno fuso veniva versato in una fiaschetta di vetro, quindi la parte superiore veniva tagliata, lasciando un fondo concavo lucido. David Hockney si rese conto che Van Eyck usava uno specchio concavo attraverso il quale guardava per disegnare i soggetti nel modo più realistico possibile.
Nel 1500, gli artigiani impararono a realizzare lenti di grande qualità. Sono stati inseriti in una camera oscura, che ha permesso di ottenere una proiezione di qualsiasi dimensione. Questa è stata una vera rivoluzione nella tecnologia. immagine realistica. È solo che la maggior parte delle persone nelle foto "è diventata" mancina. Il fatto è che la proiezione diretta dell'obiettivo quando si utilizza una camera oscura è speculare. Nel dipinto di Pieter Gerritsz van Roestraten "Declaration of Love (The Violent Cook)", scritto intorno al 1665-1670, tutti i personaggi sono mancini. Un uomo e una donna tengono un bicchiere e una bottiglia nella mano sinistra, anche il vecchio sullo sfondo agita il dito sinistro verso di loro. Anche la scimmia usa la zampa sinistra per guardare sotto il vestito di una donna.
Per ottenere un'immagine corretta e proporzionale, era necessario impostare con precisione lo specchio in cui era diretto l'obiettivo. Ma non tutti gli artisti sono riusciti a farlo perfettamente, e poi c'erano pochi specchi di alta qualità. Per questo motivo in alcuni dipinti si può notare come le proporzioni non fossero rispettate: teste piccole, spalle o gambe larghe.
L'uso di dispositivi ottici da parte degli artisti non toglie nulla al loro talento. Grazie al realismo raggiunto dei dipinti rinascimentali, gli abitanti moderni ora sanno che aspetto avevano le persone e gli oggetti domestici di quel tempo.
Gli artisti medievali hanno cercato non solo di raggiungere il realismo nei loro dipinti, ma anche di crittografare simboli speciali in essi. Quindi, un magnifico capolavoro di Tiziano
