rumah › Sistem penyejuk › Ensiklopedia Sekolah. Lukisan kebangkitan Venetian Lukisan kebangkitan Venetian

Ensiklopedia Sekolah. Lukisan kebangkitan Venetian Lukisan kebangkitan Venetian

Warisan sekolah lukisan Venice adalah salah satu halaman paling terang dalam sejarah Renaissance Itali. "Pearl of the Adriatic" sebuah bandar yang indah dengan terusan dan istana marmar, tersebar di 119 pulau di perairan Teluk Venice, adalah ibu kota republik perdagangan yang berkuasa yang mengawal semua perdagangan antara Eropah dan negara-negara Timur. . Ini menjadi asas untuk kemakmuran dan pengaruh politik Venice, yang termasuk sebahagian daripada Itali Utara, pantai Adriatik Semenanjung Balkan, wilayah seberang laut. Ia adalah salah satu pusat terkemuka budaya Itali, percetakan, dan pendidikan kemanusiaan.

Dia juga memberi dunia tuan yang hebat seperti Giovanni Bellini dan Carpaccio, Giorgione dan Titian, Veronese dan Tintoretto. Hasil kerja mereka memperkayakan seni Eropah dengan penemuan artistik yang begitu ketara yang kemudiannya artis dari Rubens dan Velazquez ke Surikov sentiasa beralih kepada lukisan Renaissance Venetian.

Orang Venetian mengalami sepenuhnya perasaan kegembiraan menjadi, menemui dunia di sekeliling mereka dalam semua kepenuhan kehidupannya, kekayaan berwarna-warni yang tidak habis-habis. Mereka dicirikan oleh rasa istimewa untuk segala-galanya yang unik secara konkrit, kekayaan persepsi emosi, kekaguman terhadap kepelbagaian fizikal dan material dunia.

Penemuan paling penting orang Venetian ialah prinsip berwarna dan bergambar yang dibangunkan oleh mereka. Antara yang lain Artis Itali terdapat banyak pewarna yang sangat baik, dikurniakan rasa keindahan warna, keharmonian warna yang harmoni. Tetapi asas bahasa bergambar adalah lukisan dan chiaroscuro, yang dengan jelas dan lengkap memodelkan bentuk. Warna lebih difahami sebagai kulit luar bentuk, bukan tanpa sebab, menggunakan sapuan berwarna-warni, para artis menggabungkannya ke dalam permukaan enamel yang licin sempurna. Gaya ini juga digemari oleh seniman Belanda, yang merupakan orang pertama yang menguasai teknik lukisan minyak.

Orang Venetian, pada tahap yang lebih besar daripada sarjana sekolah Itali lain, menghargai kemungkinan teknik ini dan mengubahnya sepenuhnya. Sebagai contoh, hubungan artis Belanda permulaan yang penuh hormat, naungan ketakwaan agama, adalah wujud di dunia; dalam setiap objek yang paling biasa, mereka mencari sekilas keindahan tertinggi. Bagi mereka, cahaya menjadi cara untuk memancarkan pencahayaan dalaman ini. Orang Venetian, yang melihat dunia secara terbuka dan dengan cara yang besar, hampir dengan joie de vivre pagan, melihat dalam teknik lukisan minyak peluang untuk menyampaikan kebadanan hidup kepada semua yang digambarkan. Mereka menemui kekayaan warna, peralihan tonalnya, yang boleh dicapai dalam teknik lukisan minyak dan dalam ekspresi tekstur lukisan itu.

Cat menjadi asas bahasa bergambar di kalangan orang Venetian. Mereka tidak begitu banyak menyusun bentuk secara grafik kerana mereka membentuknya dengan pukulan, kadangkala tanpa berat telus, kadangkala padat dan cair, menembusi dengan pergerakan dalaman figura manusia, lipatan kain, pantulan matahari terbenam pada awan petang yang gelap.

Ciri-ciri lukisan Venice telah terbentuk dalam tempoh yang panjang, hampir satu setengah abad, laluan pembangunan. Pengasas sekolah lukisan Renaissance di Venice ialah Jacopo Bellini, orang Venice yang pertama yang beralih kepada pencapaian sekolah Florentine yang paling maju pada masa itu, kajian kuno dan prinsip perspektif linear. Bahagian utama warisannya terdiri daripada dua album lukisan dengan pembangunan gubahan untuk adegan berbilang angka yang kompleks pada tema keagamaan. Dalam lukisan ini, yang ditujukan untuk studio artis, ciri-ciri ciri sekolah Venetian sudah ditunjukkan. Mereka disemai dengan semangat gosip, minat bukan sahaja peristiwa lagenda tetapi juga kepada persekitaran kehidupan sebenar.

Pengganti karya Jacopo ialah anak sulungnya Gentile Bellini, ahli lukisan sejarah terbesar di Venice pada abad ke-15. Pada kanvas monumentalnya, Venice muncul di hadapan kita dalam semua kemegahan penampilannya yang pelik, pada saat-saat perayaan dan upacara khidmat, dengan perarakan megah yang penuh sesak dan kerumunan penonton yang beraneka ragam berkerumun di tambak sempit terusan dan jambatan bungkuk.

Gubahan sejarah Gentile Bellini mempunyai pengaruh yang tidak dapat dinafikan pada karya adik lelakinya Vittore Carpaccio, yang mencipta beberapa kitaran lukisan monumental untuk Scuol persaudaraan Venetian. Yang paling luar biasa daripada mereka "Sejarah St. Ursula" dan "A Scene from the Life of Saints Jerome, George and Typhon". Seperti Jacopo dan Gentile Bellini, dia suka memindahkan aksi legenda agama dan suasana kehidupan kontemporari, membentangkan naratif terperinci yang kaya dengan banyak butiran kehidupan di hadapan penonton. Tetapi dia melihat segala-galanya dengan mata yang berbeza, mata seorang penyair yang mendedahkan pesona motif kehidupan yang sederhana seperti seorang jurutulis yang tekun menulis dari imlak, anjing yang tertidur dengan tenang, geladak kayu jeti, layar kembung yang anjal meluncur di atas air . Semua yang berlaku, seolah-olah, dipenuhi dengan muzik dalaman Carpaccio, melodi garis, gelongsor bintik berwarna-warni, cahaya dan bayang-bayang, diilhamkan oleh perasaan manusia yang tulus dan menyentuh.

Suasana puitis menjadikan Carpaccio berkaitan dengan pelukis Venetian terhebat pada abad ke-15, Giovanni Bellini, anak bongsu Jacopo. Tetapi minat seninya terletak di kawasan yang agak berbeza. Tuannya tidak terpesona dengan narasi terperinci, motif genre, walaupun dia mempunyai peluang untuk bekerja banyak dalam genre lukisan sejarah, yang dicintai oleh orang Venice. Kanvas ini, kecuali yang ditulis olehnya bersama saudaranya yang bukan Yahudi, tidak diturunkan kepada kita. Tetapi semua daya tarikan dan kedalaman puitis bakatnya didedahkan dalam gubahan jenis yang berbeza. Mereka tidak mempunyai tindakan, peristiwa yang tidak terungkap. Ini adalah altar-altar monumental yang menggambarkan Madonna bertakhta dikelilingi oleh orang-orang kudus (yang dipanggil "Wawancara Suci"), atau lukisan kecil di mana, dengan latar belakang alam yang tenang dan jelas, kita melihat Madonna dan Kanak-kanak tenggelam dalam pemikiran atau watak lain daripada legenda agama. Dalam komposisi ringkas dan ringkas ini terdapat kepenuhan hidup yang bahagia, kepekatan lirik. Bahasa bergambar artis dicirikan oleh generalisasi yang megah dan susunan harmonik. Giovanni Bellini jauh mendahului sarjana generasinya, menegaskan prinsip baharu sintesis artistik dalam seni Venice.

Setelah hidup hingga usia tua yang matang, dia menjalani kehidupan seni Venice selama bertahun-tahun, memegang jawatan pelukis rasmi. Orang hebat Venetian Giorgione dan Titian keluar dari bengkel Bellini, yang namanya dikaitkan dengan era paling cemerlang dalam sejarah sekolah Venice.

Giorgione da Castelfranco telah tinggal hidup yang singkat. Dia meninggal dunia pada usia tiga puluh tiga tahun semasa salah satu wabak yang kerap berlaku pada masa itu. Warisannya kecil dalam skop: beberapa lukisan oleh Giorgione, yang masih belum selesai, telah disiapkan oleh rakan seperjuangan dan pembantu yang lebih muda di bengkel, Titian. Walau bagaimanapun, beberapa lukisan oleh Giorgione akan menjadi pendedahan kepada orang sezaman. Ini adalah artis pertama di Itali, yang tema sekularnya secara tegas mengatasi agama, menentukan keseluruhan sistem kreativiti.

Dia mencipta imej dunia baru yang sangat puitis, luar biasa untuk seni Itali pada masa itu, dengan kecenderungannya ke arah kemegahan, monumentaliti, intonasi heroik. Dalam lukisan Giorgione, kita melihat dunia yang indah, indah dan sederhana, penuh dengan kesunyian yang bernas.

Giovanni Bellini. "Potret Doge Leonardo Loredan".
Minyak. Kira-kira 1501.

Seni Giorgione adalah revolusi sebenar dalam lukisan Venetian, mempunyai kesan yang besar pada sezamannya, termasuk Titian, yang karyanya para pembaca majalah itu sudah berpeluang berkenalan. Ingat bahawa Titian adalah tokoh utama dalam sejarah sekolah Venetian. Keluar dari bengkel Giovanni Bellini dan bekerjasama dengan Giorgione pada masa mudanya, dia mewarisi tradisi terbaik dari tuan yang lebih tua. Tetapi ini adalah seorang artis dengan skala yang berbeza dan perangai kreatif, menonjolkan kepelbagaian dan keluasan geniusnya yang komprehensif. Dari segi kehebatan pandangan dunia, aktiviti heroik imej Titian hanya boleh dibandingkan dengan Michelangelo.

Titian mendedahkan kemungkinan warna dan cat yang tidak habis-habisnya. Pada masa mudanya, dia menyukai warna yang kaya, enamel-jelas, mengekstrak kord yang kuat dari perbandingan mereka, dan pada usia tuanya dia mengembangkan "cara lewat" yang terkenal, sangat baru sehingga tidak mendapat pemahaman di kalangan kebanyakan orang sezamannya. Permukaan kanvas lewatnya dari dekat adalah huru-hara hebat pukulan yang digunakan secara rawak. Tetapi pada kejauhan, bintik-bintik warna yang bertaburan di permukaan bergabung, dan di hadapan mata kita terdapat figura manusia yang penuh, bangunan, landskap seolah-olah dalam pembangunan abadi, penuh dengan dunia drama.

Dengan tempoh terakhir yang terakhir Renaissance Venice karya Veronese dan Tintoretto disambungkan.

Paolo Veronese adalah salah satu daripada mereka yang gembira, sifat cerah yang kepada siapa kehidupan mendedahkan dirinya dalam aspek yang paling menggembirakan dan meriah. Tidak mempunyai kedalaman Giorgione dan Titian, pada masa yang sama dia dikurniakan rasa kecantikan yang tinggi, bakat hiasan terbaik dan cinta sejati untuk kehidupan. Pada kanvas yang besar, bersinar dengan warna-warna yang berharga, diselesaikan dalam tonaliti keperakan yang indah, dengan latar belakang seni bina yang megah, kita melihat orang ramai yang berwarna-warni, mencolok dengan kecerahan penting - bangsawan dan wanita mulia dalam jubah megah, askar dan rakyat jelata, pemuzik, hamba, kerdil.

Dalam keramaian ini, pahlawan legenda agama kadang-kadang hampir hilang. Veronese juga terpaksa hadir di hadapan mahkamah Inkuisisi, yang menuduhnya berani menggambarkan dalam salah satu gubahan banyak watak yang tidak ada kaitan dengan tema keagamaan.

Artis sangat menyukai tema perayaan ("Perkahwinan di Kana", "Kenduri di Rumah Lewi"), mengubah hidangan Injil yang sederhana menjadi cermin mata perayaan yang megah. Daya hidup imej Veronese adalah sedemikian rupa sehingga Surikov memanggil salah satu lukisannya "alam semula jadi ditolak di belakang bingkai." Tetapi ini adalah alam semula jadi, dibersihkan dari setiap sentuhan kehidupan seharian, dikurniakan kepentingan Renaissance, dimuliakan oleh kemegahan palet artis, keindahan hiasan irama. Tidak seperti Titian, Veronese banyak bekerja dalam bidang lukisan monumental dan hiasan dan merupakan penghias Venetian yang cemerlang pada zaman Renaissance.

Guru besar terakhir Venice pada abad ke-16, Jacopo Tintoretto, nampaknya merupakan sifat yang kompleks dan memberontak, seorang pencari laluan baru dalam seni, yang secara akut dan menyakitkan merasakan konflik dramatik realiti moden.

Tintoretto memperkenalkan peribadi, dan selalunya subjektif-arbitrari, bermula ke dalam tafsirannya, menundukkan figura manusia kepada beberapa kuasa yang tidak diketahui yang menyerakkan dan mengelilingi mereka. Dengan mempercepatkan penguncupan perspektif, dia mencipta ilusi larian angkasa yang pantas, memilih sudut pandangan yang luar biasa dan mengubah garis besar angka dengan rumit. Adegan yang ringkas dan setiap hari diubah oleh pencerobohan cahaya hebat yang nyata. Pada masa yang sama, dunia mengekalkan keagungannya, penuh dengan gema drama manusia yang hebat, pertembungan nafsu dan watak.

Pencapaian kreatif terbesar Tintoretto ialah penciptaan kitaran lukisan yang meluas di Scuola di San Rocco, yang terdiri daripada lebih daripada dua puluh panel dinding besar dan banyak komposisi plafon, di mana artis itu bekerja selama hampir suku abad, dari 1564 hingga 1587 . Menurut kekayaan fantasi artistik yang tidak habis-habisnya, menurut keluasan dunia, yang mengandungi kedua-dua tragedi universal (“Golgota”), dan keajaiban yang mengubah pondok gembala yang malang (“The Nativity of Christ”), dan misteri keagungan alam semula jadi (“Maria Magdalena di Gurun” ), dan prestasi tinggi roh manusia (“Kristus di hadapan Pilatus”), kitaran ini tiada tandingannya dalam seni Itali. Seperti simfoni yang megah dan tragis, ia melengkapkan, bersama-sama dengan karya Tintoretto yang lain, sejarah sekolah lukisan Renaissance Venetian.

SEKOLAH LUKISAN VENICE

Warisan sekolah lukisan Venice adalah salah satu halaman paling terang dalam sejarahRenaissance Itali . "Mutiara Adriatik" - sebuah bandar yang indah dengan terusan dan istana marmar, tersebar di 119 pulau di perairan Teluk Venice - adalah ibu kota sebuah republik perdagangan yang berkuasa yang mengawal semua perdagangan antara Eropah dan negara-negara timur. Ini menjadi asas untuk kemakmuran dan pengaruh politik Venice, yang termasuk sebahagian daripada Itali Utara, pantai Adriatik Semenanjung Balkan, wilayah seberang laut. Ia adalah salah satu pusat terkemuka budaya Itali, percetakan, dan pendidikan kemanusiaan.

Dia memberi dunia tuan yang hebat seperti JoeBellini dan Carpaccio, Giorgione dan Titian, Veronese dan Tintoretto. Hasil kerja mereka memperkayakan seni Eropah dengan penemuan artistik yang begitu ketara yang kemudiannya artis dari Rubens dan Velazquez ke Surikov sentiasa beralih kepada lukisan Renaissance Venetian.

Seniman tertarik dengan pemandangan indah Venice yang pelik, perayaan dan warna-warni kehidupannya, penampilan ciri penduduk bandar. Malah lukisan bertemakan keagamaan sering ditafsirkan oleh mereka sebagai sejarah.gubahan atau monumental genre adegan. Melukis di Venice, lebih kerap daripada di sekolah Itali lain, ia mempunyai watak sekular. Dewan besar kediaman raja-raja Venetian yang indah - Istana Doge dihiasipotret dan gubahan sejarah yang besar. Kitaran naratif monumental juga ditulis untuk Venetian Scuols - persaudaraan agama dan dermawan yang menyatukan orang awam. Akhirnya, di Venice, pengumpulan peribadi sangat meluas, dan pemilik koleksi - ahli keluarga kaya dan berpendidikan - sering menugaskan lukisan untukcerita diambil daripadazaman dahulu atau karya penyair Itali. Tidak menghairankan bahawa Venice dikaitkan dengan bunga tertinggi untuk Itali daripada genre sekular semata-mata seperti potret, lukisan sejarah dan mitologi,pemandangan , pemandangan luar bandar. Penemuan paling penting orang Venetian ialah prinsip berwarna dan bergambar yang dibangunkan oleh mereka. Di antara artis Itali yang lain terdapat banyak pewarna yang sangat baik yang dikurniakan rasa kecantikan.warna , harmonik Persetujuan Warna. Tetapi asas bahasa bergambar kekalmelukis Dan chiaroscuro , dimodelkan dengan jelas dan lengkapbentuk . Warna lebih difahami sebagai kulit luar bentuk; bukan tanpa sebab, menggunakan sapuan berwarna-warni, para artis menggabungkannya menjadi permukaan enamel yang licin sempurna. inicara dicintai oleh artis Belanda, yang pertama kali menguasaiteknik cat minyak .

Orang Venice lebih daripadatuan sekolah Itali lain, menghargai kemungkinan teknik ini dan mengubahnya sepenuhnya. Sebagai contoh, sikap seniman Belanda terhadap dunia dicirikan oleh permulaan yang penuh hormat, bayangan ketakwaan agama; dalam setiap objek yang paling biasa, mereka mencari pantulan keindahan tertinggi. Bagi mereka, cahaya menjadi cara untuk memancarkan pencahayaan dalaman ini. Orang Venetian, yang melihat dunia secara terbuka dan dengan cara yang besar, hampir dengan joie de vivre pagan, melihat dalam teknik lukisan minyak peluang untuk menyampaikan kebadanan hidup kepada semua yang digambarkan. Mereka menemui kekayaan warna, peralihan tonalnya, yang boleh dicapai dalam teknik lukisan minyak dan dalam ekspresifinvois surat.

Cat menjadi asas bahasa bergambar di kalangan orang Venetian. Mereka tidak begitu banyak menyusun bentuk secara grafik kerana mereka membentuknya dengan pukulan - kadangkala tidak berbobot lutsinar, kadangkala padat dan cair, menembusi dengan pergerakan dalaman figura manusia, lipatan lipatan kain, pantulan matahari terbenam pada awan petang yang gelap.

Ciri-ciri lukisan Venice telah terbentuk dalam tempoh yang panjang, hampir satu setengah abad, laluan pembangunan. Pengasas sekolah lukisan Renaissance di Venice ialah Jacopo Bellini, orang Venice yang pertama yang beralih kepada pencapaian sekolah Florentine yang paling maju pada masa itu, kajian kuno dan prinsip perspektif linear. Bahagian utama warisannya terdiri daripada dua album lukisan dengan pembangunan gubahan untuk adegan berbilang angka yang kompleks pada tema keagamaan. Dalam lukisan ini, yang ditujukan untuk studio artis, ciri-ciri ciri sekolah Venetian sudah ditunjukkan. Mereka disemai dengan semangat gosip, minat bukan sahaja dalam acara legenda, tetapi juga dalam persekitaran kehidupan sebenar.

Pengganti karya Jacopo ialah anak sulungnya Gentile Bellini, yang terbesar di VeniceSarjana lukisan sejarah abad XV. Pada kanvas monumentalnya, Venice muncul di hadapan kita dalam semua kemegahan penampilannya yang sangat indah, pada saat-saat perayaan dan upacara khidmat, denganperarakan megah yang penuh sesak dan penonton yang beraneka ragam berkerumun di sepanjang tambak terusan yang sempit dan jambatan bongkok.

Gubahan sejarahGentile Bellini mempunyai pengaruh yang tidak dapat dinafikan pada karya adik lelakinya Vittore Carpaccio, yang mencipta beberapa kitaran lukisan monumental untuk persaudaraan Venetian - Scuol. Yang paling luar biasa daripada mereka ialah "Kisah Saint Ursula" dan "Adegan dari Kehidupan Saints Hieronima, George dan Typhon. Seperti Jacopo dan Gentile Bellini, dia suka memindahkan tindakan seorang legenda agama ke persekitaran kehidupan kontemporari, membentangkan naratif terperinci yang kaya dengan banyak butiran kehidupan di hadapan penonton. Tetapi segala-galanya dilihat olehnya dengan mata yang berbeza - mata penyair yang mendedahkan pesona kehidupan yang sederhana itumotif , seperti seorang jurutulis yang tekun menulis dari imlak, anjing yang tertidur dengan tenang, lantai kayu jeti, layar yang ditiup elastik meluncur di atas air. Semua yang berlaku, seolah-olah, dipenuhi dengan muzik dalaman Carpaccio, melodigarisan , slip berwarna-warnibintik-bintik , cahaya dan bayang-bayang, diilhamkan oleh perasaan manusia yang tulus dan menyentuh.

Suasana puitis menjadikan Carpaccio berkaitan dengan pelukis Venetian terhebat pada abad ke-15 - Giovanni Bellini, anak bongsu Jacopo. Tetapi minat seninya terletak di kawasan yang agak berbeza. Tuannya tidak terpesona dengan narasi terperinci, motif genre, walaupun dia mempunyai peluang untuk bekerja banyak dalam genre lukisan sejarah, yang dicintai oleh orang Venice. Kanvas ini, kecuali yang ditulis olehnya bersama saudaranya yang bukan Yahudi, tidak diturunkan kepada kita. Tetapi semua daya tarikan dan kedalaman puitis bakatnya didedahkan dalam gubahan jenis yang berbeza. Mereka tidak mempunyai tindakan, peristiwa yang tidak terungkap. Ini adalah altar-altar monumental yang menggambarkan Madonna bertakhta dikelilingi oleh orang-orang kudus (yang dipanggil "Wawancara Suci"), atau lukisan kecil di mana, dengan latar belakang alam yang tenang dan jelas, kita melihat Madonna dan Kanak-kanak tenggelam dalam pemikiran atau watak lain daripada legenda agama. Dalam komposisi ringkas dan ringkas ini terdapat kepenuhan hidup yang bahagia, kepekatan lirik. Bahasa bergambar artis dicirikan oleh generalisasi yang megah dan susunan harmonik. Giovanni Bellini jauh mendahului sarjana generasinya, menegaskan dalam seni Venetianve prinsip baru sintesis artistik.

Setelah hidup hingga usia tua yang matang, selama bertahun-tahun dia mengetuai senikehidupan Venice, memegang jawatan pelukis rasmi. Orang hebat Venetian Giorgione dan Titian keluar dari bengkel Bellini, yang namanya dikaitkan dengan yang paling cemerlangera dalam sejarah sekolah Venice.

Giorgione da Castelfranco menjalani kehidupan yang singkat. Dia meninggal dunia pada usia tiga puluh tiga tahun semasa salah satu wabak yang kerap berlaku pada masa itu. Warisannya kecil dalam skop: beberapa lukisan oleh Giorgione, yang masih belum selesai, telah disiapkan oleh rakan seperjuangan yang lebih muda dan m pembantu bengkel Titian. Walau bagaimanapun, beberapa lukisan oleh Giorgione akan menjadi pendedahan kepada orang sezaman. Ini adalah artis pertama di Itali, yang tema sekularnya secara tegas mengatasi agama, menentukan keseluruhan sistem kreativiti.

Seni Giorgione adalah revolusi sebenar dalam lukisan Venice, mempunyai impak yang besar kepada orang sezaman, termasuk Titian. Titian adalah pusattokoh dalam sejarah Viennasekolah cyan. Bertolak daribengkel Giovanni Bellini danbekerjasama denganGiorgione, dia mewarisi pancaran itutradisi kreativiti lamatuan kita. Tetapi ia adalah seorang artisskala yang berbeza dan kreatifperangai, menakjubkan serba boleh dan keluasan komprehensif geniusnya. Dari segi kehebatan pandangan dunia, aktiviti heroik imej Titian hanya boleh dibandingkan dengan Michelangelo.
Titian mendedahkan kemungkinan warna dan cat yang tidak habis-habisnya. Pada masa mudanya, dia menyukai cat yang kaya, enamel-clear, mengekstrak daripada komposisi merekakord yang kuat, dan pada usia tuanya dia mengembangkan "cara lewat" yang terkenal, sangat baru sehingga tidak mendapat pemahaman di kalangan kebanyakan orang sezamannya. Permukaan kanvas lewatnya dari dekat adalah huru-hara hebat pukulan yang digunakan secara rawak. Tetapi pada kejauhan, bintik-bintik warna yang bertaburan di permukaan bergabung, dan figura manusia yang penuh dengan kehidupan, bangunan, landskap muncul di hadapan mata kita - seolah-olah dalam pembangunan abadi, penuh drama.

Tempoh terakhir dan terakhir Renaissance Venice dikaitkan dengan karya Veronese dan Tintoretto.

Paolo Veronese adalah salah satu daripada mereka yang gembira, sifat cerah yang kepada siapa kehidupan mendedahkan dirinya dalam aspek yang paling menggembirakan dan meriah. Tidak mempunyai kedalaman Giorgione dan Titian, pada masa yang sama dia dikurniakan rasa kecantikan yang tinggi, bakat hiasan terbaik dan cinta sejati untuk kehidupan. Pada kanvas besar, bersinar dengan warna-warna berharga, diselesaikan dalam tonaliti keperakan yang indah, dengan latar belakang seni bina yang mengagumkan, kita melihat orang ramai yang berwarna-warni mencolok dengan kecerahan yang penting - bangsawan dan wanita mulia dalam jubah megah, askar dan rakyat biasa, pemuzik, hamba, orang kerdil .

Artis sangat menyukai tema perayaan ("Perkahwinan di Cana", "Kenduri di Rumah Levin"), menukar hidangan Injil yang sederhana menjadi cermin mata perayaan yang megah. Daya hidup imej Veronese adalah sedemikian rupa sehingga Surikov memanggil salah satu lukisannya "alam semula jadi ditolak di belakang bingkai." Tetapi ini adalah alam semula jadi, dibersihkan dari setiap sentuhan kehidupan seharian, dikurniakan kepentingan Renaissance, dengan memahat palet artis, dengan keindahan hiasan irama. Tidak seperti Titian, Veronese banyak bekerja dalam bidang lukisan monumental dan hiasan dan merupakan penghias Venetian yang cemerlang pada zaman Renaissance.

Pencapaian kreatif terbesar Tintoretto ialah penciptaan kitaran lukisan yang meluas di Scuola di San Rocco, yang terdiri daripada lebih daripada dua puluh panel dinding besar dan banyak komposisi plafon, di mana artis itu bekerja selama hampir seperempat abad - dari 1564 hingga 1587 . Menurut kekayaan fantasi artistik yang tidak habis-habisnya, menurut keluasan dunia, yang mengandungi kedua-dua tragedi universal (“Golgota”), dan keajaiban yang mengubah pondok gembala yang malang (“The Nativity of Christ”), dan misteri keagungan alam semula jadi (“Maria Magdalena di Gurun” ), dan prestasi tinggi roh manusia (“Kristus di hadapan Pilatus”), kitaran ini tiada tandingannya dalam seni Itali. Seperti simfoni yang megah dan tragis, ia melengkapkan, bersama-sama dengan karya Tintoretto yang lain, sejarah sekolah lukisan Renaissance Venetian.

I. SMIRNOV

SEKOLAH VENETIAN dalam lukisan, salah satu sekolah seni utama di Itali, ditubuhkan di Venice pada abad ke-14-18. Sekolah Venetian semasa zaman kegemilangannya dicirikan oleh penguasaan sempurna kemungkinan ekspresif lukisan minyak, dan perhatian khusus kepada masalah warna. Lukisan Venice abad ke-14 dibezakan oleh hiasan dekoratif, kesohoran warna perayaan, jalinan tradisi Gothic dan Byzantine (Lorenzo dan Paolo Veneziano). Pada pertengahan abad ke-15, kecenderungan Renaissance muncul dalam lukisan sekolah Venetian, diperkukuh oleh pengaruh sekolah Florentine dan Belanda (melalui pengantaraan Antonello da Messina). Dalam karya-karya sarjana Renaissance Venice awal (pertengahan dan akhir abad ke-15; Antonio, Bartolomeo dan Alvise Vivarini, Jacopo dan Gentile Bellini, Vittore Carpaccio, Carlo Crivelli, dll.), Permulaan sekular berkembang, keinginan untuk pemindahan ruang dan kelantangan yang realistik semakin meningkat; cerita agama dan kisah keajaiban ditafsirkan sebagai imej berwarna-warni kehidupan seharian di Venice. Karya Giovanni Bellini menyediakan peralihan kepada seni Renaissance Tinggi. Zaman kegemilangan sekolah Venice pada separuh pertama abad ke-16 dikaitkan dengan nama pelajarnya - Giorgione dan Titian. Naratif naif memberi laluan kepada percubaan untuk mencipta gambaran umum tentang dunia di mana manusia wujud dalam harmoni semula jadi dengan kehidupan alam yang diilhamkan secara puitis. Dalam karya terakhir Titian, konflik dramatik yang mendalam didedahkan, gaya lukisan memperoleh ekspresi emosi yang luar biasa. Dalam karya-karya tuan pada separuh ke-2 abad ke-16 (P. Veronese dan J. Tintoretto), kehebatan pemindahan kekayaan dunia yang berwarna-warni, yang menakjubkan bersebelahan dengan rasa dramatik infiniti alam semula jadi dan dinamik jisim manusia yang besar.

Pada abad ke-17, sekolah Venetian mengalami tempoh kemerosotan. Dalam karya D. Fetti, B. Strozzi dan I. Liss, teknik lukisan barok, pemerhatian realistik dan pengaruh caravaggisme wujud bersama minat tradisional untuk pencarian berwarna untuk artis Venice. Pembungaan baru sekolah Venice pada abad ke-18 dikaitkan dengan perkembangan lukisan monumental dan hiasan, yang menggabungkan perayaan ceria dengan dinamik spatial dan cahaya warna yang indah (G. B. Tiepolo). Lukisan genre berkembang, secara halus menyampaikan suasana puitis kehidupan seharian di Venice (G. B. Piazzetta dan P. Longi), landskap seni bina (veduta), mendokumentasikan imej Venice (A. Canaletto, B. Bellotto). Landskap ruang F. Guardi dibezakan oleh keintiman lirik. Minat rapat dalam gambaran persekitaran udara ringan, ciri artis Venice, menjangkakan usaha pelukis abad ke-19 dalam bidang plein air. Pada pelbagai masa, sekolah Venetian mempengaruhi seni H. Burgkmair, A. Dürer, El Greco dan sarjana Eropah yang lain.

Lit.: Pallucchini R. La pittura veneziana del cinquecento. Novara, 1944. Jld. 1-2; idem. La pittura veneta del quattrocento. Bologna, 1956; idem. La pittura veneziana del settecento. Venice; Rom, 1960; Smirnova I. A. Titian dan potret Venice abad ke-16. M., 1964; Kolpinsky Yu. D. Seni Venice. abad ke-16 M., 1970; Levey M. Lukisan di Venice abad kelapan belas. ed ke-2. Oxf., 1980; Pignatti T. Venetian School: Album. M., 1983; Seni Venice dan Venice dalam seni. M., 1988; Fedotova E. D. Lukisan Venetian tentang Pencerahan. M., 1998.

Hantar kerja baik anda di pangkalan pengetahuan adalah mudah. Gunakan borang di bawah

Pelajar, pelajar siswazah, saintis muda yang menggunakan asas pengetahuan dalam pengajian dan kerja mereka akan sangat berterima kasih kepada anda.

Dihoskan di http://www.allbest.ru/

INSTITUSI PENDIDIKAN BAJET NEGERI PERSEKUTUAN

PENDIDIKAN PROFESIONAL TINGGI

"UNIVERSITI NEGERI RYAZAN BERNAMA S.A. YESENIN"

Fakulti Filologi Rusia dan Kebudayaan Kebangsaan

Arah penyediaan "Teologi"

KawalanKerja

Dalam disiplin "Budaya Seni Dunia"

Mengenai topik: "Venetian Renaissance"

Dilengkapkan oleh pelajar tahun 2

pendidikan sambilan:

Kostyukovich V.G.

Disemak oleh: Shakhova I.V.

Ryazan 2015

Rancang

pengenalan
Kesimpulan
Bibliografi

pengenalan

Istilah "Renaissance" (dalam bahasa Perancis "Renaissance", dalam bahasa Itali "Rinascimento") pertama kali diperkenalkan oleh pelukis, arkitek dan ahli sejarah seni abad ke-16. George Vasari, untuk keperluan untuk menentukan era sejarah, yang disebabkan oleh peringkat awal perkembangan hubungan borjuasi di Eropah Barat.

Budaya Renaissance berasal dari Itali, dan ini dikaitkan, pertama sekali, dengan kemunculan hubungan borjuasi dalam masyarakat feudal, dan akibatnya, kemunculan pandangan dunia baru. Pertumbuhan bandar dan perkembangan kraf, kebangkitan perdagangan dunia, penemuan geografi yang hebat pada akhir abad ke-15 dan awal abad ke-16 mengubah kehidupan Eropah zaman pertengahan. Budaya bandar mencipta orang baru dan membentuk sikap baru terhadap kehidupan. Kembali kepada pencapaian budaya kuno yang dilupakan bermula. Semua perubahan menunjukkan diri mereka ke tahap yang paling besar dalam seni. Pada masa ini, masyarakat Itali mula mengambil minat aktif dalam budaya Yunani Purba dan Rom, dan manuskrip penulis kuno sedang dicari. Pelbagai bidang kehidupan masyarakat - seni, falsafah, sastera, pendidikan, sains - semakin bebas.

Rangka kerja kronologi Renaissance Itali merangkumi masa dari separuh kedua abad ke-13 hingga separuh pertama abad ke-16. Dalam tempoh ini, Renaissance dibahagikan kepada beberapa peringkat: separuh kedua abad XIII-XIV. - Proto-Renaissance (pra-kebangkitan semula) dan Trecento; abad ke-15 - kebangkitan awal(Quattrocento); lewat ke-15-pertiga pertama abad ke-16 - Renaissance Tinggi (istilah Cinquecento kurang kerap digunakan dalam sains). Ilyina s. 98 Kertas kerja ini akan mengkaji ciri-ciri Renaissance di Venice.

Perkembangan budaya Renaissance Itali sangat pelbagai, yang disebabkan oleh tahap perkembangan ekonomi dan politik yang berbeza di bandar-bandar yang berbeza di Itali, tahap kuasa dan kekuatan borjuasi yang berbeza di bandar-bandar ini, tahap hubungan mereka yang berbeza-beza dengan feudal. tradisi. Sekolah seni terkemuka dalam seni Renaissance Itali pada abad ke-14. adalah Sienese dan Florentine, pada abad ke-15. - Florentine, Umbrian, Padua, Venetian, pada abad ke-16. - Rom dan Venice.

Perbezaan utama antara Renaissance dan era budaya sebelumnya ialah pandangan humanistik manusia dan dunia di sekelilingnya, pembentukan asas saintifik pengetahuan kemanusiaan, kemunculan sains semula jadi eksperimen, keanehan bahasa seni seni baru. , dan akhirnya, penegasan hak budaya sekular untuk pembangunan bebas. Semua ini menjadi asas kepada perkembangan seterusnya budaya Eropah pada abad ke-17 - ke-18. Ia adalah Renaissance yang menjalankan sintesis yang luas dan pelbagai dari dua dunia budaya - pagan dan Kristian, yang mempunyai kesan yang mendalam terhadap budaya zaman moden.

Tokoh-tokoh Renaissance mencipta, berbeza dengan pandangan dunia feudal, pandangan dunia skolastik, baru, sekular, rasionalistik. Pusat perhatian dalam Renaissance adalah seorang lelaki, jadi pandangan dunia para pembawa budaya ini dilambangkan dengan istilah "humanistik" (dari bahasa Latin humanitas - kemanusiaan). Bagi para humanis Itali, tumpuan manusia pada dirinya adalah perkara utama. Nasibnya sebahagian besar di tangannya sendiri, dia dianugerahkan oleh Tuhan dengan kehendak bebas.

Zaman Renaissance dicirikan oleh pemujaan kecantikan, terutamanya kecantikan manusia. Lukisan Itali menggambarkan orang yang cantik dan sempurna. Seniman dan pengukir berusaha dalam kerja mereka untuk keaslian, untuk rekreasi realistik dunia dan manusia. Manusia dalam Renaissance sekali lagi menjadi tema utama seni, dan tubuh manusia dianggap sebagai bentuk yang paling sempurna dalam alam semula jadi.

Tema Renaissance, dan khususnya Renaissance di Venice, adalah relevan kerana seni Renaissance berkembang berdasarkan sintesis semua yang terbaik yang dicipta dalam seni zaman pertengahan abad sebelumnya dan seni dunia purba . Seni Renaissance adalah titik perubahan dalam sejarah seni Eropah, meletakkan manusia di tempat pertama, dengan kegembiraan dan kesedihan, fikiran dan kehendaknya. Ia membangunkan bahasa seni dan seni bina baharu, yang mengekalkan kepentingannya sehingga hari ini. Oleh itu, kajian Renaissance adalah pautan penting untuk memahami keseluruhan perkembangan selanjutnya budaya seni Eropah.

Ciri-ciri Renaissance Venetian

Dengan banyaknya tukang berbakat dan skop kreativiti artistik Itali berada di hadapan pada abad ke-15. semua negara Eropah yang lain. Seni Venice mewakili varian khas perkembangan budaya seni Renaissance berhubung dengan semua pusat seni Renaissance yang lain di Itali.

Sejak abad ke-13 Venice adalah kuasa kolonial yang memiliki wilayah di pantai Itali, Greece, dan pulau-pulau di Laut Aegean. Dia berdagang dengan Byzantium, Syria, Mesir, India. Terima kasih kepada perdagangan intensif, kekayaan yang besar mengalir kepadanya. Venice ialah sebuah republik komersial dan oligarki. Selama berabad-abad, Venice hidup sebagai sebuah bandar yang sangat kaya, dan penduduknya tidak boleh terkejut dengan banyaknya emas, perak, batu permata, kain dan khazanah lain, tetapi taman di istana itu dianggap oleh mereka sebagai had muktamad kekayaan, kerana terdapat sangat sedikit kehijauan di bandar. Orang ramai terpaksa meninggalkannya demi menambah ruang hidup, mengembangkan bandar, yang sudah dihimpit air dari mana-mana. Ini mungkin sebab orang Venetian menjadi sangat menerima kecantikan, dan setiap gaya artistik mencapai tahap yang agak tinggi dalam kemungkinan hiasan mereka. Kejatuhan Constantinople di bawah serangan orang Turki telah menggoncangkan kedudukan perdagangan Venice, namun kekayaan kewangan yang sangat besar yang dikumpul oleh pedagang Venetian membolehkannya mengekalkan kemerdekaan dan cara hidup Renaissance untuk sebahagian besar abad ke-16.

Secara kronologi, seni Renaissance terbentuk di Venice agak lewat daripada di kebanyakan pusat utama Itali pada era ini, tetapi ia juga bertahan lebih lama daripada di pusat Itali yang lain. Ia mengambil bentuk, khususnya, lebih lewat daripada di Florence dan secara amnya di Tuscany. Kebangkitan di Venice, seperti yang dikatakan, mempunyai ciri-ciri sendiri, dia tidak berminat dengan penyelidikan saintifik dan penggalian barang antik purba. Renaissance Venetian mempunyai asal-usul lain. Pembentukan prinsip budaya seni Renaissance dalam seni halus Venice bermula hanya pada abad ke-15. Ini sama sekali tidak ditentukan oleh kemunduran ekonomi Venice, sebaliknya, Venice, bersama dengan Florence, Pisa, Genoa, Milan, adalah salah satu pusat yang paling maju dari segi ekonomi pada masa itu. Tepatnya transformasi awal Venice menjadi kuasa perdagangan yang hebat yang bertanggungjawab untuk kelewatan ini, kerana perdagangan yang besar, dan komunikasi yang sama lebih besar, dengan negara-negara timur mempengaruhi budayanya. Budaya Venice berkait rapat dengan kemegahan dan kemewahan agung budaya Byzantine empayar, dan sebahagiannya dengan budaya halus. budaya hiasan dunia Arab. Setakat abad ke-14, budaya seni Venice adalah sejenis jalinan bentuk seni Byzantine yang megah dan meriah, dimeriahkan oleh pengaruh hiasan berwarna-warni di Timur dan pemikiran semula yang sangat elegan terhadap unsur-unsur hiasan yang matang. Seni Gothic. Sudah tentu, ini juga akan dicerminkan dalam budaya seni Venice zaman Renaissance. Bagi artis Venice, masalah warna menjadi perhatian, materialiti imej dicapai dengan penggredan warna.

Zaman Renaissance Venetian kaya dengan pelukis dan pengukir yang hebat. Sarjana Venetian terbesar pada Zaman Renaissance Tinggi dan akhir ialah Giorgione (1477-1510), Titian (1477-1576), Veronese (1528-1588), Tintoretto (1518-1594) “Culturology p. 193 .

Wakil utama Renaissance Venetian

George Barbarelli da Castelfranco, digelar Giorgione (1477-1510). Seorang artis tipikal Zaman Renaissance Tinggi. Giorgione menjadi pelukis paling terkenal pertama Renaissance Tinggi di Venice. Dalam karyanya, prinsip sekular akhirnya menang, yang ditunjukkan dalam penguasaan plot pada tema mitologi dan sastera. Landskap, alam semula jadi dan tubuh manusia yang cantik menjadi subjek seni baginya.

Giorgione memainkan peranan yang sama untuk lukisan Venetian yang dimainkan oleh Leonardo da Vinci untuk lukisan Itali tengah. Leonardo dekat dengan Giorgione dengan rasa harmoni, kesempurnaan perkadaran, irama linear yang indah, lukisan cahaya lembut, kerohanian dan ekspresi psikologi imejnya, dan pada masa yang sama, rasionalisme Giorgione, yang sudah pasti mempunyai pengaruh langsung kepadanya apabila dia sedang berlalu dari Milan pada tahun 1500. di Venice. Ilyina s. 138 Namun begitu, berbanding dengan rasional yang jelas dalam seni Leonardo, lukisan Giorgione diserap dengan lirik dan renungan yang mendalam. Giorgione lebih emosional daripada master Milan yang hebat, dia tidak begitu berminat dalam linear seperti dalam perspektif udara. Warna memainkan peranan yang besar dalam komposisinya. Cat bunyi, diletakkan dalam lapisan telus, melembutkan garis besar. Artis mahir menggunakan sifat lukisan minyak. Kepelbagaian warna dan ton peralihan membantunya mencapai perpaduan kelantangan, cahaya, warna dan ruang. Landskap, yang menduduki tempat yang menonjol dalam karyanya, menyumbang kepada pendedahan puisi dan keharmonian imejnya yang sempurna.

Antara karya awalnya, Judith (sekitar 1502) menarik perhatian. Heroin, yang diambil dari kesusasteraan apokrif Perjanjian Lama, dari Kitab Judith, digambarkan sebagai seorang wanita muda yang cantik dengan latar belakang alam yang sunyi. Artis itu menggambarkan Judith pada saat kejayaannya dalam semua kekuatan kecantikannya dan maruah yang terkawal. Pemodelan lembut hitam-putih muka dan tangan agak mengingatkan "sfumato" Leonard. Ilyina s. 139 Seorang wanita cantik berlatarbelakangkan alam semula jadi yang cantik, bagaimanapun, memperkenalkan nota mengganggu yang aneh ke dalam komposisi pedang yang kelihatan harmoni di tangan heroin dan kepala musuh yang terputus, dipijak olehnya. Satu lagi karya Giorgione harus diperhatikan "Ribut Petir" (1506) dan "Konsert Negara" (1508-1510), di mana anda juga boleh melihat alam semula jadi yang indah, dan sudah tentu lukisan "Sleeping Venus" (sekitar 1508-1510) . Malangnya, Giorgione tidak mempunyai masa untuk menyelesaikan kerja mengenai "Sleeping Venus" dan, menurut orang sezaman, latar belakang landskap dalam gambar itu dilukis oleh Titian.

Titian Vecellio (1477? - 1576) - artis terhebat Renaissance Venetian. Walaupun tarikh kelahirannya belum ditetapkan dengan pasti, kemungkinan besar dia adalah sezaman yang lebih muda dengan Giorgione dan pelajarnya, yang mengatasi guru, menurut penyelidik. Selama bertahun-tahun dia menentukan perkembangan sekolah lukisan Venice. Kesetiaan Titian kepada prinsip kemanusiaan, kepercayaan pada minda dan keupayaan manusia, warna yang kuat memberikan karyanya yang hebat daya tarikan. Dalam karyanya, keaslian realisme sekolah lukisan Venice akhirnya terungkap. Tidak seperti Giorgione, yang meninggal dunia lebih awal, Titian menjalani kehidupan bahagia yang panjang penuh dengan karya kreatif yang diilhamkan. Titian mengekalkan persepsi puitis mengenai tubuh telanjang wanita, dibawa keluar dari bengkel Giorgione, sering dihasilkan semula secara literal di atas kanvas hampir bayang yang dikenali "Sleeping Venus", seperti dalam "Venus of Urbino" (sekitar 1538), tetapi tidak dalam pangkuan alam semula jadi, tetapi di pedalaman rumah pelukis kontemporari.

Sepanjang hidupnya, Titian terlibat dalam potret, bertindak sebagai inovator dalam bidang ini. Berusnya dimiliki oleh galeri gambar potret raja, paus, bangsawan yang luas. Dia mendalami ciri-ciri personaliti yang digambarkan olehnya, memerhatikan keaslian postur, pergerakan, mimik muka, gerak isyarat, adab memakai sut. Potretnya kadang-kadang berkembang menjadi lukisan yang mendedahkan konflik psikologi dan hubungan antara manusia. Dalam potret awalnya "Lelaki Muda dengan Sarung Tangan" (1515-1520), imej seorang lelaki muda memperoleh ciri khusus individu, dan pada masa yang sama, dia mengekspresikan imej tipikal seorang lelaki Renaissance, dengan keazaman, tenaga dan rasa merdeka.

Jika dalam potret awal dia, seperti biasa, memuliakan keindahan, kekuatan, maruah, integriti sifat modelnya, maka karya kemudiannya dibezakan oleh kerumitan dan ketidakkonsistenan imej. Dalam lukisan yang dicipta oleh Titian dalam tahun lepas kreativiti, bunyi tragedi tulen, dalam karya Titian tema konflik manusia dengan dunia luar dilahirkan. Menjelang akhir hayat Titian, kerjanya mengalami perubahan yang ketara. Dia masih banyak menulis mengenai subjek kuno, tetapi semakin kerap dia beralih kepada tema Kristian. Karya-karyanya yang kemudiannya didominasi oleh tema kesyahidan dan penderitaan, perselisihan yang tidak dapat didamaikan dengan kehidupan, dan keberanian yang tabah. Imej seseorang di dalamnya masih mempunyai daya yang kuat, tetapi kehilangan ciri keseimbangan harmonik dalaman. Komposisi dipermudahkan, berdasarkan gabungan satu atau lebih figura dengan latar belakang seni bina atau landskap, tenggelam dalam senja. Teknik penulisan juga berubah, menolak warna-warna cerah dan gembira, dia bertukar menjadi warna kompleks yang mendung, keluli, zaitun, menundukkan segala-galanya kepada nada emas yang sama.

Dalam karyanya yang terkemudian, walaupun karya yang paling tragis, Titian tidak kehilangan kepercayaan pada cita-cita kemanusiaan. Manusia baginya hingga akhir kekal sebagai nilai tertinggi, yang boleh dilihat dalam "Potret Diri" (sekitar 1560) artis, yang membawa cita-cita kemanusiaan yang terang sepanjang hidupnya.

Pada akhir abad ke-16 di Venice, ciri-ciri era baru yang akan datang dalam seni sudah jelas. Ini dapat dilihat dalam karya dua artis utama, Paolo Veronese dan Jacopo Tintoretto.

Paolo Cagliari, digelar Veronese (lahir di Verona, 1528-1588) ialah penyanyi terakhir perayaan Venice pada abad ke-16. Dia bermula dengan pelaksanaan lukisan untuk palazzo Verona dan imej untuk gereja-gereja Verona, namun begitu kemasyhuran datang kepadanya apabila, pada tahun 1553, dia mula bekerja pada mural untuk Istana Doge Venetian. Sejak saat itu dan selama-lamanya hidupnya dihubungkan dengan Venice. Dia membuat lukisan, tetapi lebih kerap dia melukis lukisan minyak besar di atas kanvas untuk patrician Venetian, altarpieces untuk gereja Venetian atas pesanan mereka sendiri atau atas perintah rasmi Republik Venetian. Apa yang dilukisnya hanyalah lukisan hiasan besar Venice yang meriah, di mana orang ramai Venice yang berpakaian segak digambarkan berlatarkan landskap seni bina Venice. Ini juga boleh dilihat dalam lukisan mengenai tema evangelikal, seperti "The Feast at Simon the Farisi" (1570) atau "The Feast in the House of Levi" (1573).

Jacopo Robusti, yang dikenali dalam seni sebagai Tintoretto (1518-1594) ("tintoretto" - seorang pencelup: bapa artis adalah seorang pencelup sutera), tidak seperti Veronese, mempunyai sikap tragis, yang menampakkan dirinya dalam karyanya. Seorang pelajar Titian, dia sangat menghargai kemahiran berwarna gurunya, tetapi berusaha untuk menggabungkannya dengan pembangunan lukisan Michelangelo. Tintoretto tinggal di bengkel Titian untuk masa yang sangat singkat, namun, menurut orang sezaman, moto itu tergantung di pintu bengkelnya: "Lukisan Michelangelo, pewarnaan Titian." Ile s. 146 Kebanyakan karya Tintoretto kebanyakannya ditulis pada plot keajaiban mistik, dalam karyanya dia sering menggambarkan adegan massa dengan aksi sengit yang dramatik, ruang dalam, angka dalam sudut yang kompleks. Gubahannya dibezakan oleh dinamisme yang luar biasa, dan pada zaman akhir juga dengan kontras cahaya dan bayang-bayang yang kuat. Dalam lukisan pertama yang membawanya kemasyhuran, The Miracle of St. Mark (1548), dia mempersembahkan sosok orang suci dalam perspektif yang kompleks, dan orang-orang dalam keadaan pergerakan ganas yang mustahil dalam seni klasik Renaissance Tinggi. Tintoretto juga merupakan pengarang karya hiasan yang besar, kitaran lukisan gergasi yang menduduki dua tingkat premis Scuolo di San Rocco, di mana dia bekerja dari 1565 hingga 1587. Dalam tempoh terakhir karyanya, Tintoretto bekerja untuk Istana Doge (komposisi "Syurga", selepas 1588), di mana sebelum itu, sebelum dia, Paolo Veronese yang terkenal berjaya bekerja.

Bercakap tentang Renaissance Venetian, seseorang tidak boleh tidak mengingati arkitek terhebat, dilahirkan dan bekerja di Vicenza berhampiran Venice - Andrea Palladio (1508-1580), menggunakan contoh bangunannya yang ringkas dan elegan, dia menunjukkan bagaimana pencapaian zaman kuno dan Renaissance Tinggi boleh diproses dan digunakan secara kreatif. Dia berjaya menjadikan bahasa klasik seni bina boleh diakses dan universal.

Dua bidang terpenting dalam aktivitinya ialah pembinaan rumah bandar (palazzo) dan kediaman desa (villa). Pada tahun 1545, Palladio memenangi pertandingan untuk hak membina semula Basilika di Vicenza. Keupayaan untuk menekankan keharmonian bangunan, dengan mahir meletakkannya di latar belakang landskap Venetian yang indah, berguna kepadanya dalam kerja masa depannya. Ini dapat dilihat dalam contoh vila yang dibinanya Malcontenta (1558), Barbaro-Volpi di Maser (1560-1570), Cornaro (1566). Villa "Rotonda" (atau Capra) di Vicenza (1551-1567) dianggap sebagai bangunan paling sempurna bagi arkitek. Ia adalah bangunan persegi dengan serambi enam lajur Ionik pada setiap muka depan. Keempat-empat serambi menuju ke dewan tengah bulat yang ditutup dengan kubah rendah di bawah bumbung berjubin. Dalam reka bentuk fasad vila dan palazzo, Palladio biasanya menggunakan susunan yang besar, seperti yang dapat dilihat dalam contoh Palazzo Chiericati di Vicenza (1550). Lajur besar naik pada stylobates biasa, seperti di Palazzo Valmarana (bermula pada 1566) dan di Loggia del Capitanio (1571) yang belum selesai, atau sangat tinggi, menyerap sepenuhnya tingkat pertama, seperti di Palazzo Thiene (1556). Pada akhir kerjayanya, Palladio beralih kepada seni bina gereja. Dia memiliki gereja San Pietro di Castello (1558), serta San Giorgio Maggiore (1565-1580) dan Il Redentore (1577-1592) di Venice.

Palladio mendapat kemasyhuran hebat bukan sahaja sebagai seorang arkitek, tetapi juga sebagai pengarang risalah "Empat Buku Seni Bina", yang diterjemahkan ke dalam banyak bahasa. Kerjanya mempunyai kesan yang besar terhadap perkembangan arah klasik dalam seni bina Eropah pada abad ke-17-18, serta pada arkitek Rusia pada abad ke-18. Pengikut tuan membentuk keseluruhan trend dalam seni bina Eropah, yang dipanggil "Palladianisme".

Kesimpulan

Renaissance ditandai dalam kehidupan manusia dengan peningkatan besar dalam seni dan sains. Kebangkitan yang timbul atas dasar humanisme, yang mengisytiharkan manusia sebagai nilai tertinggi kehidupan, mempunyai refleksi utama dalam seni. Seni Renaissance meletakkan asas budaya Eropah Zaman Baru, secara radikal mengubah semua jenis seni utama. Prinsip-prinsip sistem pesanan purba yang disemak secara kreatif telah ditubuhkan dalam seni bina, dan jenis bangunan awam baharu telah dibentuk. Lukisan diperkaya dengan perspektif linear dan udara, pengetahuan tentang anatomi dan perkadaran tubuh manusia. Kandungan duniawi menembusi tema keagamaan tradisional karya seni. Peningkatan minat dalam mitologi purba, sejarah, pemandangan harian, landskap, potret. Bersama dengan lukisan dinding monumental yang menghiasi struktur seni bina, gambar muncul, lukisan minyak timbul. Di tempat pertama dalam seni datang keperibadian kreatif artis, sebagai peraturan, orang yang berbakat secara universal. Dan semua trend ini sangat jelas dan jelas kelihatan dalam seni Renaissance Venetian. Pada masa yang sama, Venice, dalam kehidupan kreatifnya, jauh berbeza daripada seluruh Itali.

Jika di Itali Tengah semasa Renaissance seni Yunani Purba dan Rom mempunyai pengaruh yang besar, maka di Venice pengaruh seni Byzantine dan seni dunia Arab bercampur dengan ini. Artis-artis Venicelah yang membawa warna-warna terang yang merdu ke dalam karya mereka, adalah pewarna yang tiada tandingan, yang paling terkenal ialah Titian. Mereka memberi perhatian yang besar kepada alam semula jadi di sekeliling manusia, landskap. Seorang inovator di kawasan ini ialah Giorgione dengan lukisan terkenalnya "Ribut Petir". Dia menggambarkan manusia sebagai sebahagian daripada alam semula jadi, memberi perhatian besar kepada landskap. Sumbangan besar kepada seni bina telah dibuat oleh Andrea Palladio, yang menjadikan bahasa klasik seni bina umum dan universal. Kerjanya mempunyai akibat yang luas di bawah nama "Palladianisme", yang memanifestasikan dirinya dalam seni bina Eropah pada abad ke-17 - ke-18.

Selepas itu, kemerosotan Republik Venetian tercermin dalam karya artisnya, imej mereka menjadi kurang agung dan heroik, lebih duniawi dan tragis, yang jelas dilihat dalam karya Titian yang hebat. Walaupun begitu, Venice tetap setia kepada tradisi Renaissance lebih lama daripada yang lain.

Bibliografi

1. Bragin L.M.,Varyash TENTANG.DAN.,Volodarsky DALAM.M. Sejarah budaya negara-negara Eropah Barat pada Zaman Renaissance. - M.: Sekolah tinggi, 1999. - 479 p.

2. Gukovsky M.A. Renaissance Itali. - L.: Leningrad University Press, 1990. - 624 hlm.

3. Ilyin T.DALAM. Sejarah Seni. Seni Eropah Barat. - M.: Sekolah Tinggi, 2000. - 368 p.

4. Budaya: Buku Teks / Ed. editorial A.A.Radugina. - M.: Pusat, 2001. - 304 p.

Dihoskan di Allbest.ru

...

Dokumen Serupa

Penemuan keperibadian, kesedaran tentang maruahnya dan nilai keupayaannya di tengah-tengah budaya Renaissance Itali. Sebab utama kemunculan budaya Renaissance sebagai fokus klasik Renaissance. Garis masa Renaissance Itali.

kertas penggal, ditambah 10/09/2014

ciri umum Renaissance dan rangka kerja kronologinya. Mengenal ciri-ciri utama budaya kebangkitan. Kajian tentang asas gaya seni seperti mannerism, barok, rococo. Perkembangan seni bina Zaman Renaissance Eropah Barat.

ujian, ditambah 05/17/2014

Anggaran rangka kerja kronologi Renaissance Utara - abad XV-XV. Tragedi humanisme Renaissance dalam karya W. Shakespeare, F. Rabelais, M. De Cervantes. Gerakan Reformasi dan pengaruhnya terhadap perkembangan kebudayaan. Ciri-ciri etika Protestantisme.

abstrak, ditambah 04/16/2015

Rangka kerja kronologi Renaissance, ciri-ciri tersendiri. Sifat sekular budaya dan minatnya terhadap manusia dan aktivitinya. Tahap perkembangan Renaissance, ciri-ciri manifestasinya di Rusia. Kebangkitan lukisan, sains dan pandangan dunia.

pembentangan, ditambah 24/10/2015

Ciri-ciri umum Renaissance, ciri-ciri tersendiri. Tempoh utama dan manusia Renaissance. Perkembangan sistem pengetahuan, falsafah Renaissance. Ciri-ciri karya seni budaya seni zaman berbunga tertinggi seni Renaissance.

kerja kreatif, ditambah 05/17/2010

Perkembangan budaya dunia. Renaissance sebagai revolusi sosiobudaya di Eropah pada abad ke-13-16. Humanisme dan rasionalisme dalam budaya Renaissance. Periodisasi dan watak kebangsaan Renaissance. Budaya, seni, tuan terhebat Renaissance.

ujian, ditambah 08/07/2010

Orang-orang Renaissance meninggalkan era sebelumnya, menampilkan diri mereka sebagai kilatan cahaya terang di tengah-tengah kegelapan abadi. Kesusasteraan Renaissance, wakil dan karyanya. Sekolah Lukisan Venice. Pengasas lukisan Renaissance awal.

abstrak, ditambah 01/22/2010

Konsep asas istilah "Renaisans Utara" dan perbezaan penting daripada Renaissance Itali. Wakil yang paling menonjol dan contoh seni Renaissance Utara. Sekolah Danube dan arah utamanya. Penerangan lukisan Belanda.

kertas penggal, ditambah 23/11/2008

Latar belakang sosio-ekonomi, asal-usul rohani dan ciri-ciri ciri budaya Renaissance. Perkembangan budaya Itali semasa zaman Proto-Renaissance, Early, High dan Late Renaissance. Ciri-ciri zaman Renaissance di negeri-negeri Slavic.

abstrak, ditambah 05/09/2011

Masalah Renaissance dalam kajian budaya moden. Ciri-ciri utama Renaissance. Sifat budaya Renaissance. Humanisme Zaman Renaissance. Pemikiran bebas dan individualisme sekular. Sains Renaissance. Doktrin masyarakat dan negara.

Y. Kolpinsky

Seni Renaissance Venetian adalah bahagian penting dan tidak dapat dipisahkan dari seni Itali secara umum. Hubungan rapat dengan seluruh pusat budaya seni Renaissance di Itali, persamaan nasib sejarah dan budaya - semua ini menjadikan seni Venetian salah satu manifestasi seni Renaissance di Itali, sama seperti mustahil. untuk membayangkan Renaissance Tinggi di Itali dalam semua kepelbagaian manifestasi kreatifnya tanpa karya Giorgione dan Titian. Seni zaman Renaissance di Itali tidak dapat difahami sama sekali tanpa mempelajari seni mendiang Titian, karya Veronese dan Tintoretto.

Walau bagaimanapun, keaslian sumbangan sekolah Venetian kepada seni Renaissance Itali bukan sahaja agak berbeza daripada mana-mana sekolah lain di Itali. Seni Venice mewakili versi khas pembangunan prinsip Renaissance berhubung dengan semua sekolah seni di Itali.

Seni Renaissance terbentuk di Venice kemudian daripada di kebanyakan pusat lain, khususnya daripada di Florence. Pembentukan prinsip budaya seni Renaissance dalam seni halus di Venice bermula hanya pada abad ke-15. Ini tidak ditentukan oleh kemunduran ekonomi Venice. Sebaliknya, Venice, bersama dengan Florence, Pisa, Genoa, Milan, adalah salah satu pusat paling maju dari segi ekonomi di Itali. Walaupun nampaknya paradoks, ia adalah tepatnya transformasi awal Venice menjadi komersial yang hebat, dan, lebih-lebih lagi, kebanyakannya komersial, bukannya kuasa pembuatan, yang bermula pada abad ke-12. dan terutamanya dipercepatkan dalam perjalanan perang salib, adalah untuk dipersalahkan atas kelewatan ini.

Budaya Venice, tingkap Itali dan Eropah Tengah, "terpotong" ke negara-negara timur, berkait rapat dengan kemegahan dan kemewahan agung budaya Byzantine empayar dan sebahagiannya dengan budaya hiasan halus dunia Arab. Sudah pada abad ke-12, iaitu, dalam era penguasaan gaya Romanesque di Eropah, sebuah republik perdagangan yang kaya, mencipta seni yang mengesahkan kekayaan dan kuasanya, secara meluas beralih kepada pengalaman Byzantium - Kristian terkaya dan paling maju. kuasa zaman pertengahan pada masa itu. Pada dasarnya, budaya seni Venice seawal abad ke-14. Ia adalah sejenis jalinan bentuk seni Byzantine yang megah dan meriah, dimeriahkan oleh pengaruh hiasan berwarna-warni Timur dan unsur-unsur seni Gothic matang yang elegan dan difikirkan semula secara dekoratif. Malah, kecenderungan proto-Renaissance menjadikan diri mereka dirasai di bawah keadaan ini dengan sangat lemah dan secara sporadis.

Hanya pada abad ke-15 terdapat proses yang tidak dapat dielakkan dan semula jadi peralihan seni Venetian kepada kedudukan sekular budaya seni Renaissance. Keasliannya ditunjukkan terutamanya dalam keinginan untuk meningkatkan perayaan warna dan komposisi, dalam minat yang lebih besar dalam latar belakang landskap, dalam persekitaran landskap di sekeliling seseorang.

Pada separuh kedua abad ke-15 terdapat pembentukan sekolah Renaissance di Venice sebagai fenomena yang penting dan asli, yang menduduki tempat penting dalam seni Quattrocento Itali.

Venice pada pertengahan abad ke-15 mencapai tahap tertinggi kuasa dan kekayaannya. Hak milik kolonial dan pos perdagangan "Ratu Adriatik" meliputi bukan sahaja seluruh pantai timur Laut Adriatik, tetapi juga tersebar luas di seluruh Mediterranean timur. Di Cyprus, Rhodes, Crete, sepanduk Singa St. Mark berkibar. Banyak keluarga bangsawan bangsawan yang membentuk elit pemerintah oligarki Venetian bertindak sebagai pemerintah di seberang laut Bandar Bandar besar atau seluruh wilayah. Armada Venice mengawal hampir keseluruhan perdagangan transit antara Eropah Timur dan Barat.

Walau bagaimanapun, kekalahan Empayar Byzantine oleh Turki, yang berakhir dengan penawanan Constantinople, menggoncang kedudukan perdagangan Venice. Namun begitu, seseorang tidak boleh bercakap tentang kemerosotan Venice pada separuh kedua abad ke-15. Kejatuhan umum perdagangan timur Venetian berlaku lebih lama kemudian. Pedagang Venetian, yang pada masa itu telah dibebaskan sebahagian daripada perdagangan, melabur sejumlah besar wang dalam pembangunan kraf dan kilang di Venice, dan sebahagiannya dalam pembangunan pertanian rasional dalam harta mereka yang terletak di kawasan semenanjung bersebelahan dengan lagun (yang dipanggil ladang terra). Lebih-lebih lagi, republik yang kaya dan masih penuh daya hidup pada 1509-1516 berjaya mempertahankan kemerdekaannya dalam memerangi pakatan musuh beberapa kuasa Eropah, menggabungkan kekuatan senjata dengan diplomasi yang fleksibel. Kebangkitan umum, disebabkan hasil kejayaan perjuangan sukar yang mengumpulkan semua lapisan masyarakat Venice buat sementara waktu, menyebabkan pertumbuhan ciri optimisme heroik dan perayaan monumental yang menjadi ciri seni Renaissance Tinggi di Venice, bermula dengan Titian. Fakta bahawa Venice mengekalkan kemerdekaannya dan, sebahagian besarnya, kekayaannya, menentukan tempoh zaman kegemilangan seni Renaissance Tinggi di Republik Venetian. Pergantian kepada Renaissance lewat digariskan di Venice hanya sekitar 1540.

Tempoh pembentukan Renaissance Tinggi jatuh, seperti di seluruh Itali, pada akhir abad ke-15. Pada tahun-tahun inilah seni naratif Gentile Bellini dan Carpaccio mula menentang seni Giovanni Bellini, salah seorang pakar Renaissance Itali yang paling luar biasa, yang karyanya menandakan peralihan dari awal kepada Renaissance Tinggi.

Giovanni Bellini (c. 1430-1516) bukan sahaja mengembangkan dan meningkatkan pencapaian yang terkumpul oleh pendahulunya yang terdekat, tetapi juga meningkatkan seni Venice ke tahap yang lebih tinggi. Dalam lukisannya, sambungan perasaan dilahirkan, dicipta oleh landskap, dengan keadaan fikiran wira gubahan, yang merupakan salah satu pencapaian luar biasa lukisan moden secara umum. Pada masa yang sama, dalam seni Giovanni Bellini, dan ini adalah perkara yang paling penting, kepentingan dunia moral manusia didedahkan dengan kekuatan yang luar biasa. Benar, lukisan dalam karya awalnya kadang-kadang agak keras, gabungan warna hampir tajam. Tetapi perasaan kepentingan dalaman keadaan rohani seseorang, pendedahan keindahan pengalaman batinnya dalam kerja tuan ini sudah dalam tempoh kuasa yang mengagumkan ini.

Giovanni Bellini membebaskan dirinya lebih awal daripada keterlaluan naratif pendahulu dan sezamannya. Plot dalam gubahannya jarang menerima perkembangan dramatik yang terperinci, tetapi lebih-lebih lagi melalui bunyi emosi warna, melalui ekspresi berirama lukisan, dan, akhirnya, melalui mimikri kekuatan dalaman yang terkawal, tetapi penuh dengan kekuatan dalaman, kehebatan dunia rohani manusia didedahkan.

Karya awal Giovanni Bellini boleh dibawa lebih dekat dengan seni Mantegna (contohnya, The Crucifixion; Venice, Correr Museum). Walau bagaimanapun, sudah ada di altarpiece di Pesaro, perspektif linear "Mantenevian" yang jelas diperkaya dengan perspektif udara yang disampaikan secara halus berbanding master Padua. Perbezaan utama antara Venetian muda dan rakan dan saudaranya yang lebih tua (Mantegna telah berkahwin dengan kakak Bellini) dinyatakan tidak begitu banyak dalam ciri individu surat itu, tetapi dalam semangat yang lebih lirik dan puitis dalam karyanya secara keseluruhan.

Terutama memberi pengajaran dalam hal ini adalah apa yang dipanggil "Madonna dengan tulisan Yunani" (1470-an; Milan, Brera). Imej Mary yang termenung sedih ini, samar-samar mengingatkan ikon, memeluk bayi yang sedih dengan lembut, bercakap tentang tradisi lain dari mana tuannya menolak - tradisi lukisan zaman pertengahan. Walau bagaimanapun, kerohanian abstrak irama linear dan kord warna ikon diatasi dengan tegas di sini. Terkawal ketat dalam ekspresif mereka, nisbah warna adalah konkrit. Warna adalah benar, pemodelan pepejal volum bentuk model adalah sangat nyata. Kesedihan yang jelas dalam irama siluet itu berkait rapat dengan ekspresi penting yang terkawal dari pergerakan figura itu sendiri, dengan ekspresi wajah Mary yang meriah. Bukan spiritualisme abstrak, tetapi perasaan manusia yang diilhamkan secara puitis dan mendalam dinyatakan dalam gubahan yang ringkas dan sederhana ini.

Pada masa akan datang, Bellini, memperdalam dan memperkaya ekspresi rohani bahasa artistiknya, pada masa yang sama mengatasi ciri-ciri ketegaran dan kekerasan cara awal. Sejak akhir tahun 1470-an. dia, bergantung pada pengalaman Antonello da Messina (yang bekerja di Venice dari pertengahan 1470-an), memperkenalkan bayang-bayang berwarna ke dalam gubahannya, memenuhinya dengan cahaya dan udara ("Madonna with Saints", 1476), memberikan keseluruhan komposisi itu nafas berirama luas.

Pada tahun 1580-an Bellini memasuki masa kematangan kreatifnya. "Ratapan Kristus"nya (Milan, Brera) melanda dengan kombinasi kebenaran hidup yang hampir tanpa belas kasihan (biru dingin tubuh Kristus, rahangnya yang separuh tersangkut, kesan penyeksaan) dengan keagungan tragis yang tulen dari imej berkabung wira. Nada sejuk umum dari pancaran suram warna jubah Mary dan John dikipas oleh cahaya biru kelabu petang. Keputusasaan tragis dari pandangan Maria, yang berpegang teguh pada anaknya, dan kemarahan John yang menyedihkan, tidak didamaikan dengan kematian seorang guru, irama yang sangat jelas dalam ekspresi langsung mereka, kesedihan matahari terbenam di padang pasir, begitu konsonan. dengan struktur emosi umum gambar, digubah menjadi sejenis requiem yang menyedihkan. Bukan kebetulan bahawa di bahagian bawah papan di mana gambar itu ditulis, seorang kontemporari yang tidak dikenali menulis kata-kata berikut dalam bahasa Latin: "Jika renungan mata yang berkabung ini akan merobek air mata anda, maka penciptaan Giovanni Bellini mampu menangis.”

Semasa tahun 1580-an Giovanni Bellini mengambil langkah yang tegas ke hadapan, dan tuannya menjadi salah seorang pengasas seni Renaissance Tinggi. Keaslian seni Giovanni Bellini yang matang terserlah dengan jelas apabila membandingkan "Transfigurasi" (1580-an; Naples) dengan "Transfigurasi" awalnya (Museum Correr). Dalam "Transfigurasi" Muzium Correr, tokoh-tokoh Kristus dan para nabi yang dikesan tegar terletak di atas batu kecil, mengingatkan kedua-dua alas besar dan "bream" ikonik. Agak bersudut dalam pergerakan mereka (di mana kesatuan ciri penting dan kegembiraan gerak isyarat puitis belum dicapai) angka-angka adalah stereoskopik. Warna terang dan sejuk-jernih, hampir berkilauan bagi rajah model volumetrik dikelilingi oleh suasana telus-sejuk. Angka-angka itu sendiri, walaupun menggunakan bayang-bayang berwarna yang berani, masih dibezakan oleh keseragaman pencahayaan statik dan seragam tertentu.

Tokoh-tokoh "Transfigurasi" Neapolitan terletak pada ciri dataran tinggi yang beralun lembut di kaki bukit Itali utara, yang permukaannya ditutupi dengan padang rumput dan hutan kecil merebak di atas dinding berbatu-menegak tebing yang terletak di latar depan. Penonton melihat keseluruhan adegan itu seolah-olah dia berada di jalan yang berjalan di sepanjang tepi tebing, dipagari dengan pagar ringan pokok-pokok yang ditebang yang tidak diikat dengan tergesa-gesa. Realiti segera persepsi landskap adalah luar biasa, terutamanya kerana keseluruhan latar depan, dan jarak, dan pelan tengah bermandikan dalam persekitaran udara ringan yang sedikit lembap yang akan menjadi ciri lukisan Venice pada abad ke-16. Pada masa yang sama, kesungguhan terkawal pergerakan tokoh-tokoh Kristus yang agung, para nabi dan rasul yang sujud, kejelasan bebas dari juxtapositions berirama mereka, penguasaan semula jadi figura manusia ke atas alam semula jadi, hamparan jarak landskap yang tenang mencipta yang hebat. nafas, keagungan imej yang jelas, yang membuat kita meramalkan dalam karya ini ciri-ciri pertama peringkat baru dalam pembangunan Renaissance.

Kesungguhan tenang gaya Bellini yang matang terkandung dalam keseimbangan monumental gubahan "Madonna of St. Job" (1580-an; Akademi Venice). Bellini meletakkan Mary, duduk di atas takhta yang tinggi, dengan latar belakang keong apse, yang mencipta latar belakang seni bina yang sungguh-sungguh, selaras dengan kemegahan imej manusia yang tenang. Yang akan datang, walaupun kelimpahan relatif mereka (enam orang kudus dan tiga malaikat memuji Maria), jangan mengacaukan gubahan. Angka-angka itu diedarkan secara harmoni dalam kumpulan yang mudah dibaca, yang jelas didominasi oleh imej Mary yang lebih khusyuk dan kaya rohani bersama bayi itu.

Bayang-bayang berwarna, cahaya bersinar lembut, nada warna yang tenang mewujudkan perasaan mood umum, menundukkan banyak butiran kepada kesatuan berirama, warna dan komposisi-kiasan umum keseluruhannya.

Dalam "Madonna with Saints" dari Gereja San Zaccaria di Venice (1505), ditulis hampir serentak dengan "Madonna of Castelfranco" oleh Giorgione, tuan lama mencipta karya yang luar biasa untuk keseimbangan klasik komposisi, susunan yang mahir. daripada beberapa pahlawan agung yang tenggelam dalam pemikiran yang mendalam. Mungkin imej Madonna sendiri tidak mencapai kepentingan yang sama seperti dalam Madonna of St. Job. Tetapi puisi lembut pemuda yang bermain biola di kaki Mary, graviti tegas dan pada masa yang sama kelembutan ekspresi wajah lelaki tua berjanggut kelabu yang tenggelam dalam bacaan, benar-benar indah dan penuh dengan etika yang tinggi. Kedalaman terkawal pemindahan perasaan, keseimbangan sempurna antara keluhuran umum dan daya hidup konkrit imej, keharmonian warna yang mulia ditemui dalam ungkapannya di Berlin Lamentation.

Rajah ms 248-249

Ketenangan, kerohanian yang jelas adalah ciri semua karya terbaik dalam tempoh matang Bellini. Begitulah banyak Madonna beliau: contohnya, Madonna with Trees (1490-an; Venice Academy) atau Madonna in the Meadows (c. 1590; London, Galeri Nasional), yang menyerlah dengan kilauan udara plein lukisan. Landskap bukan sahaja dengan setia menyampaikan sifat ladang terra - dataran luas, bukit-bukit lembut, gunung biru yang jauh, tetapi mendedahkan dari segi elegi lembut puisi buruh dan hari-hari kehidupan luar bandar: seorang gembala yang berehat di tepi kawanannya, seekor bangau turun berhampiran paya, seorang wanita berhenti di kren perigi. Dalam landskap musim bunga yang sejuk ini, begitu selaras dengan kelembutan Maryam yang tenang, dengan penuh hormat Membungkuk ke atas bayi yang tidur berlutut itu, kesatuan istimewa itu, konsonan dalaman nafas kehidupan alam dan kehidupan rohani manusia, yang begitu ciri lukisan Venetian Zaman Renaissance Tinggi, telah pun dicapai. Adalah mustahil untuk tidak menyedari secara langsung bahawa dalam tafsiran imej Madonna itu sendiri, yang mempunyai watak yang agak genre, minat Bellini dalam pengalaman bergambar tuan-tuan Renaissance utara adalah ketara.

Tempat yang penting, walaupun tidak terkemuka dalam karya mendiang Bellini diduduki oleh gubahan yang biasanya dikaitkan dengan beberapa karya puitis atau legenda agama, yang digemari oleh orang Venice.

Ini diilhamkan oleh puisi Perancis abad ke-14. yang dipanggil "Tasik Madonna" (Uffizi). Berlatarbelakangkan pergunungan yang megah dan agak teruk yang menjulang di atas perairan tasik berwarna biru kelabu dalam yang tidak bergerak, figura orang kudus yang terletak di teres terbuka marmar bertindak dalam pencahayaan lembut berwarna perak. Di tengah-tengah teres terdapat pokok oren di dalam tab mandi, dengan beberapa bayi bogel bermain di sekelilingnya. Di sebelah kiri mereka, bersandar pada marmar langkan, berdiri lelaki tua yang dihormati, rasul Petrus, sedang merenung. Di sebelahnya, mengangkat pedangnya, berdiri seorang lelaki berjanggut hitam berpakaian mantel merah merah, nampaknya Rasul Paulus. Apa yang mereka fikirkan? Mengapa dan di manakah Jerome yang lebih tua, gangsa gelap akibat selaran matahari, dan Sebastian telanjang yang berfikir perlahan-lahan berjalan? Siapakah Venetian langsing berambut pucat ini, berbalut selendang hitam? Mengapakah wanita yang ditakhtakan ini, mungkin Maria, melipat tangannya dalam doa? Segala-galanya kelihatan kabur secara misteri, walaupun kemungkinan besar maksud plot alegori gubahan itu cukup jelas untuk kontemporari tuan, ahli puisi yang halus dan ahli bahasa simbol. Namun daya tarikan estetik utama gambar itu bukan dalam cerita simbolik yang cerdik, bukan dalam keanggunan penyahkodan rebus, tetapi dalam transformasi puitis perasaan, kerohanian halus keseluruhannya, penjajaran motif ekspresif yang elegan yang berbeza-beza. tema yang sama - keindahan mulia imej manusia. Jika Bellini's Madonna of the Lake sedikit sebanyak menjangkakan penghalusan intelektual puisi Giorgione, maka Feast of the Gods (1514; Washington, National Gallery), yang dibezakan oleh konsep pagan yang indah dan ceria tentang dunia, sebaliknya menjangkakan optimisme heroik. daripada "puisi" dan gubahan mitologi.Titian muda.

Giovanni Bellini juga bercakap tentang potret itu. Potretnya yang agak sedikit, seolah-olah, menyediakan pembungaan genre ini dalam lukisan Venice pada abad ke-16. Begitulah potretnya seorang budak lelaki, seorang pemuda termenung yang elegan. Dalam potret ini, imej seorang yang cantik, penuh dengan kemuliaan rohani dan puisi semula jadi, sudah pun dilahirkan, yang akan didedahkan sepenuhnya dalam karya Giorgione dan Titian muda. "Boy" Bellini - Ini adalah zaman kanak-kanak "Brocardo" Giorgione muda.

Kerja lewat Bellini dicirikan oleh potret Doge yang indah (sebelum 1507), yang dibezakan oleh warna yang bersinar terang, pemodelan jilid yang sangat baik, penghantaran yang tepat dan ekspresif semua keaslian individu watak lelaki tua ini, penuh dengan keberanian. tenaga dan kehidupan intelek yang sengit.

Secara amnya, seni Giovanni Bellini - salah seorang sarjana terhebat Renaissance Itali - menyangkal pendapat yang dahulunya meluas tentang sifat yang kononnya kebanyakannya hiasan dan semata-mata "pelukis" sekolah Venetian. Sesungguhnya, dalam perkembangan lanjut sekolah Venetian, naratif dan aspek dramatik dramatik tidak akan menduduki tempat utama untuk beberapa waktu. Tetapi masalah kekayaan dunia dalaman seseorang, kepentingan etika keperibadian manusia yang cantik dari segi jasmani dan rohani, disampaikan secara lebih emosi, sensual secara konkrit daripada dalam seni Tuscany, akan sentiasa menduduki tempat penting dalam aktiviti kreatif. daripada sarjana sekolah Venice.

Salah seorang ahli pergantian abad ke-15 dan ke-16, yang karyanya dibentuk di bawah pengaruh tegas Giovanni Bellini, ialah Giambattista Cima da Conegliano (c. 1459-1517/18). Di Venice dia bekerja antara 1492-1516. Cima memiliki komposisi mezbah yang besar di mana, mengikuti Bellini, dia dengan mahir menggabungkan figura dengan bingkai seni bina, sering meletakkannya dalam pembukaan melengkung ("John the Baptist with four Saints" di gereja Santa Maria del Orto di Venice, 1490s, " Ketidakpercayaan Thomas"; Venice, Akademi, "St. Peter the Martyr", 1504; Milan, Brera). Gubahan ini dibezakan oleh penempatan angka yang percuma dan luas, yang membolehkan artis menunjukkan secara meluas latar belakang landskap yang terbentang di belakangnya. Untuk motif landskap, Cima biasanya menggunakan landskap Conegliano asalnya, dengan istana di atas bukit tinggi, yang menuju ke jalan berliku curam, dengan pokok terpencil dan langit biru muda dengan awan cerah. Tidak mencapai ketinggian artistik Giovanni Bellini, Cima, bagaimanapun, seperti dia, digabungkan dalam karya terbaiknya lukisan yang jelas, kelengkapan plastik dalam tafsiran angka dengan warna yang kaya, sedikit disentuh oleh nada emas tunggal. Cima juga merupakan pengarang imej lirik Madonnas yang bercirikan orang Venetian, dan dalam Pengantar Kuilnya yang luar biasa (Dresden, Galeri Gambar) dia memberikan contoh tafsiran lirik-naratif tema dengan garis besar individu setiap hari. motif.

Peringkat seterusnya selepas seni Giovanni Bellini ialah karya Giorgione, tuan pertama sekolah Venetian, yang dimiliki sepenuhnya oleh High Renaissance. George Barbarelli dari Castelfranco (1477/78-1510), digelar Giorgione, adalah seorang kontemporari muda dan pelajar Giovanni Bellini. Giorgione, seperti Leonardo da Vinci, mendedahkan keharmonian halus seorang yang kaya rohani dan sempurna dari segi fizikal. Sama seperti Leonardo, karya Giorgione dibezakan oleh keintelektualan yang mendalam dan, nampaknya, rasionalitas kristal. Tetapi, tidak seperti Leonardo, yang lirik seninya yang mendalam sangat tersembunyi dan, seolah-olah, tunduk kepada penderitaan intelektualisme rasional, permulaan lirik, dalam persetujuan yang jelas dengan permulaan yang rasional, di Giorgione membuat dirinya dirasai dengan kekuatan yang luar biasa. Pada masa yang sama, alam semula jadi, persekitaran semula jadi dalam seni Giorgione mula memainkan peranan yang semakin penting.

Jika kita masih tidak boleh mengatakan bahawa Giorgione menggambarkan satu persekitaran udara yang menghubungkan angka dan objek landskap ke dalam satu keseluruhan plein-air, maka kita, dalam apa jua keadaan, mempunyai hak untuk menegaskan bahawa suasana emosi kiasan di mana kedua-dua watak-watak dan alam semula jadi hidup di Giorgione adalah suasana yang sudah optik biasa baik untuk latar belakang dan untuk watak-watak dalam gambar.

Beberapa karya Giorgione sendiri dan kalangannya telah bertahan hingga ke zaman kita. Sebilangan atribusi adalah kontroversi. Walau bagaimanapun, perlu diingatkan bahawa pameran lengkap karya pertama oleh Giorgione dan Giorgionescos, yang diadakan di Venice pada tahun 1958, memungkinkan bukan sahaja untuk membuat beberapa penjelasan dalam bulatan karya sarjana, tetapi juga untuk mengaitkan kepada Giorgione a bilangan karya yang sebelum ini kontroversi, membantu untuk mempersembahkan watak karyanya secara keseluruhan dengan lebih lengkap dan jelas.

Karya-karya yang agak awal oleh Giorgione, yang disiapkan sebelum 1505, termasuk Adoration of the Shepherds di Muzium Washington dan Adoration of the Magi di Galeri Nasional di London. Dalam The Adoration of the Magi (London), dengan pemecahan lukisan yang terkenal dan ketegaran warna yang tidak dapat diatasi, minat tuan untuk menyampaikan dunia rohani dalaman watak-watak sudah dirasai.

Tempoh awal kreativiti Giorgione melengkapkan komposisi indahnya "Madonna da Castelfranco" (c. 1505; Castelfranco, Katedral). Dalam karya-karya awalnya dan karya-karya pertama dalam tempoh matang, Giorgione berhubung secara langsung dengan garis kepahlawanan yang monumental itu, yang, bersama-sama dengan garis naratif genre, melalui semua seni Quattrocento dan pada pencapaian yang telah dikuasai oleh para ahli. gaya monumental umum Zaman Renaissance Tinggi bergantung pada mulanya. Jadi, dalam "Madonna of Castelfranco" angka-angka itu disusun mengikut skema komposisi tradisional yang diterima pakai untuk tema ini oleh beberapa tuan Renaissance Itali Utara. Mary duduk di atas tiang yang tinggi; di sebelah kanan dan kirinya, St. Francis dan orang suci tempatan bandar Castelfranco Liberale berdiri di hadapan penonton. Setiap angka, menduduki tempat tertentu dalam komposisi yang dibina dengan ketat dan monumental, boleh dibaca dengan jelas, namun ditutup dengan sendirinya. Komposisi secara keseluruhannya agak sungguh-sungguh tidak bergerak. II, pada masa yang sama, susunan figura yang santai dalam gubahan yang luas, kerohanian lembut pergerakan mereka yang tenang, imej puitis Maria sendiri mewujudkan dalam gambar suasana mimpi termenung yang agak misteri yang begitu ciri-ciri seni Giorgione yang matang, yang mengelakkan penjelmaan perlanggaran dramatik yang tajam.

Dari 1505, tempoh kematangan kreatif artis bermula, tidak lama kemudian terganggu oleh penyakit mautnya. Dalam tempoh lima tahun yang singkat ini, karya utamanya telah dicipta: "Judith", "Ribut Petir", "Sleeping Venus", "Konsert" dan kebanyakan daripada beberapa potret. Dalam karya-karya inilah penguasaan kemungkinan lukisan minyak bergambar dan ekspresif yang khusus, ciri-ciri tuan besar sekolah Venetian, didedahkan. Sesungguhnya, ciri ciri sekolah Venice adalah perkembangan utama lukisan minyak dan pembangunan lukisan fresco yang lemah.

Dalam peralihan dari sistem zaman pertengahan ke lukisan realistik Renaissance, orang Venice, sudah tentu, hampir sepenuhnya ditinggalkan mozek, peningkatan warna cemerlang dan hiasan yang tidak lagi dapat memenuhi sepenuhnya tugas-tugas seni baru. Benar, peningkatan sinaran cahaya lukisan mozek berkilauan berwarna-warni, walaupun berubah, secara tidak langsung, tetapi mempengaruhi lukisan Renaissance Venice, yang sentiasa tertarik ke arah kejelasan nyaring dan kekayaan warna yang berseri. Tetapi teknik mozek itu sendiri, dengan pengecualian yang jarang berlaku, sepatutnya menjadi perkara yang sudah berlalu. Perkembangan selanjutnya lukisan monumental harus dilakukan sama ada dalam bentuk lukisan dinding, lukisan dinding, atau berdasarkan perkembangan tempera dan lukisan minyak.

Lukisan dinding dalam iklim Venice yang lembap sangat awal mendedahkan ketidakstabilannya. Oleh itu, lukisan dinding Kompaun Jerman (1508), yang dilaksanakan oleh Giorgione dengan penyertaan Titian muda, hampir musnah sepenuhnya. Hanya beberapa serpihan separuh pudar, dimanjakan oleh kelembapan, telah terselamat, antaranya sosok wanita telanjang, penuh dengan daya tarikan hampir Praxitele, yang dibuat oleh Giorgione. Oleh itu, tempat lukisan dinding dalam erti kata yang betul diambil oleh panel dinding di atas kanvas, direka untuk bilik tertentu dan dilakukan menggunakan teknik lukisan minyak.

Lukisan minyak menerima perkembangan yang sangat luas dan kaya di Venice, bukan sahaja kerana ia adalah teknik lukisan yang paling mudah untuk menggantikan lukisan dinding, tetapi juga kerana keinginan untuk menyampaikan imej seseorang yang berkaitan rapat dengan persekitaran semula jadinya, minat dalam realistik penjelmaan tonal dan kekayaan warna dunia yang kelihatan boleh didedahkan dengan kepenuhan dan fleksibiliti tertentu dengan tepat dalam teknik lukisan minyak. Dalam hal ini, lukisan tempera di atas papan untuk komposisi kuda-kuda, berharga dengan kekuatan warnanya yang besar, jelas bersinar kedengaran, tetapi lebih dekoratif dalam alam semula jadi, tidak dapat dielakkan terpaksa memberi laluan kepada minyak, yang lebih fleksibel menyampaikan warna terang dan rona ruang persekitaran, lebih lembut dan nyaring mengukir bentuk tubuh manusia. . Bagi Giorgione, yang bekerja agak sedikit dalam bidang gubahan monumental yang besar, kemungkinan ini, yang wujud dalam lukisan minyak, amat berharga.

Salah satu yang paling misteri dalam pengertian plotnya tentang karya Giorgione pada zaman ini ialah The Thunderstorm (Akademi Venice).

Sukar bagi kita untuk menyatakan plot khusus "Ribut Petir" yang ditulis.

Tetapi tidak kira betapa kaburnya makna plot luaran bagi kita, yang, nampaknya, baik tuannya sendiri, mahupun para penikmat dan penikmat seni yang halus pada masa itu, tidak mementingkan kepentingan yang menentukan, kita jelas merasakan keinginan artis melalui sejenis penjajaran kontras imej untuk menghasilkan semula keadaan fikiran yang istimewa. , dengan semua kepelbagaian dan kerumitan sensasi, dicirikan oleh integriti mood umum. Mungkin ini salah satu karya pertama seorang tuan yang matang masih terlalu rumit dan mengelirukan secara luaran berbanding dengan karya-karyanya yang kemudian. Namun, semua ciri ciri gaya matang Giorgione di dalamnya agak jelas menegaskan diri mereka sendiri.

Angka-angka itu sudah pun terletak dalam persekitaran landskap itu sendiri, walaupun masih dalam latar depan. Kepelbagaian kehidupan alam semula jadi ditunjukkan secara halus: kilat memancar dari awan tebal; dinding abu-perak bangunan di bandar yang jauh; jambatan yang merentangi sungai; perairan, kadang-kadang dalam dan tidak bergerak, kadang-kadang mengalir; jalan berliku; kadang-kadang ramping rapuh, kadang-kadang rimbun pokok dan semak, dan lebih dekat dengan latar depan- serpihan lajur. Ke dalam landskap pelik ini, hebat dalam kombinasinya, dan begitu jujur dalam perincian dan suasana umum, sosok misteri wanita telanjang dengan selendang yang dilemparkan ke bahunya, memberi makan seorang kanak-kanak, dan seorang gembala muda tertulis. Semua unsur heterogen ini membentuk keseluruhan yang aneh, agak misteri. Kelembutan akord, kelembutan warna yang tidak jelas, seolah-olah diselubungi dengan ciri udara separa senja bagi pencahayaan sebelum ribut, mewujudkan perpaduan bergambar tertentu, di mana perhubungan yang kaya dan gradasi nada berkembang. Jubah oren-merah lelaki muda, kemeja putih kehijauan berkilauan, ton kebiruan lembut jubah putih wanita itu, zaitun gangsa kehijauan pepohonan, kini hijau gelap di dalam kolam yang dalam, kini air sungai berkilauan dalam jeram, nada biru plumbum berat awan - semuanya diselubungi, bersatu pada masa yang sama oleh cahaya yang sangat penting dan misteri yang hebat.

Sukar bagi kita untuk menerangkan dengan kata-kata mengapa angka-angka ini, begitu bertentangan, di sini entah bagaimana tidak dapat difahami bersatu oleh gema guruh yang jauh secara tiba-tiba dan ular petir yang berkelip, menerangi dengan sifat cahaya hantu, terdiam dengan berhati-hati dalam jangkaan. "Ribut petir" secara mendalam menyampaikan keseronokan jiwa manusia yang tertahan, terbangun dari mimpinya oleh gema guruh yang jauh.

Rajah ms 256-257

Perasaan kerumitan misteri dunia rohani dalaman seseorang, tersembunyi di sebalik keindahan telus yang jelas dari penampilan luarannya yang mulia, mendapati ekspresi dalam "Judith" yang terkenal (sebelum 1504; Leningrad, Hermitage). "Judith" secara rasmi adalah gubahan pada tema alkitabiah. Selain itu, tidak seperti lukisan kebanyakan Quattrocentists, ia adalah gubahan pada tema, dan bukan ilustrasinya. Ia adalah ciri bahawa tuan tidak menggambarkan beberapa detik kemuncak dari sudut pandangan perkembangan peristiwa itu, seperti yang biasa dilakukan oleh tuan Quattrocento (Judith menyerang Holofernes yang mabuk dengan pedang atau membawa kepalanya yang terputus dengan pembantu rumah).

Berlatarbelakangkan landskap cerah sebelum matahari terbenam yang tenang di bawah kanopi pokok oak, Judith yang langsing berdiri sambil bersandar pada langkan. Kelembutan halus susuk tubuhnya ditunjukkan berbeza dengan batang pokok besar yang besar. Pakaian kirmizi lembut diserap dengan irama lipatan yang patah, seolah-olah oleh gema angin puyuh yang berlalu. Di tangannya dia memegang pedang besar bermata dua yang diletakkan dengan hujung tajam di atas tanah, kilauan sejuk dan kelurusan yang secara kontrasnya menekankan kelenturan kaki separuh bogel yang menginjak-injak kepala Holofernes. Senyuman separuh yang tidak dapat dilihat meluncur di wajah Judith. Komposisi ini, nampaknya, menyampaikan semua pesona imej seorang wanita muda, cantik dingin dan jelas, yang bergema, seperti sejenis iringan muzik, oleh kejelasan lembut sifat damai. Pada masa yang sama, mata pedang yang sejuk, kekejaman motif yang tidak dijangka - kaki telanjang yang lembut memijak kepala yang mati - membawa perasaan semacam kebimbangan dan kebimbangan yang samar-samar ke dalam suasana yang kelihatan harmoni dan hampir indah ini. gambar.

Pada keseluruhannya, sudah tentu, kemurnian yang jelas dan tenang dari mood yang termenung kekal sebagai motif dominan. Walau bagaimanapun, kebahagiaan imej dan kekejaman misteri motif pedang dan kepala yang dipijak, kerumitan hampir rebus mood dwi ini meninggalkan penonton moden dalam beberapa kekeliruan. Tetapi orang sezaman Giorgione, nampaknya, kurang terpengaruh dengan kekejaman kontras (humanisme Renaissance tidak pernah terlalu sensitif), dan bukannya tertarik oleh transmisi halus gema ribut jauh dan konflik dramatik, yang menentang pemerolehan keharmonian yang halus, keadaan gembira jiwa manusia indah yang dilamun mimpi.

Ia adalah tipikal untuk Giorgione bahawa dalam imej seseorang dia tidak begitu berminat dengan kekuatan unik dan kecerahan watak yang dinyatakan secara individu, tetapi dalam sesuatu yang rumit secara halus dan pada masa yang sama secara harmoni yang penting bagi seseorang yang sempurna, atau , lebih tepat lagi, ideal keadaan rohani di mana seseorang tinggal. Oleh itu, dalam gubahannya, kekhususan potret watak hampir tidak ada, yang, dengan beberapa pengecualian (contohnya, Michelangelo), terdapat dalam gubahan monumental kebanyakan sarjana Renaissance Itali. Selain itu, gubahan Giorgione sendiri hanya boleh dipanggil monumental pada tahap tertentu. Sebagai peraturan, mereka bersaiz kecil. Mereka tidak ditujukan kepada orang ramai yang ramai. Muse Giorgione yang halus - Ini adalah seni yang secara langsung mengekspresikan dunia estetika dan moral golongan elit humanistik masyarakat Venice. Ini adalah lukisan yang direka untuk renungan tenang jangka panjang oleh pakar seni dengan dunia rohani dalaman yang halus dan kompleks. Ini adalah daya tarikan khusus tuan, tetapi juga batasan tertentunya.

Dalam kesusasteraan, selalunya terdapat percubaan untuk mengurangkan makna seni Giorgione kepada ungkapan cita-cita hanya elit patrician kecil Venice yang tercerahkan secara humanistik ini pada masa itu. Walau bagaimanapun, ini tidak sepenuhnya benar, atau sebaliknya, bukan sahaja. Kandungan objektif seni Giorgione adalah jauh lebih luas dan lebih universal daripada lapisan sosial sempit yang dengannya karyanya berhubung secara langsung. Perasaan kemuliaan jiwa manusia yang halus, usaha untuk kesempurnaan ideal imej indah seseorang yang hidup dalam harmoni dengan alam sekitar, dengan dunia sekeliling, juga mempunyai kepentingan progresif umum yang besar untuk pembangunan budaya.

Seperti yang dinyatakan, minat dalam ketajaman potret bukanlah ciri kerja Giorgione. Ini tidak bermakna sama sekali bahawa wataknya, seperti imej klasik seni kuno, tanpa sebarang keaslian tertentu. Ini adalah salah. Majusinya pada awal Adoration of the Magi dan ahli falsafah dalam The Three Philosophers (c. 1508) berbeza antara satu sama lain bukan sahaja dalam umur, tetapi juga dalam penampilan peribadi mereka. Walau bagaimanapun, ahli falsafah, dengan semua perbezaan individu dalam imej, dilihat terutamanya bukan sebagai individu yang unik, cerah, bercirikan potret, atau lebih-lebih lagi sebagai imej tiga peringkat umur (seorang lelaki muda, suami matang dan lelaki tua. ), tetapi sebagai penjelmaan pelbagai sisi, pelbagai aspek semangat manusia.

Sejenis sintesis ideal dan hidup orang tertentu ialah potret Giorgione. Salah satu ciri yang paling menonjol ialah potretnya yang luar biasa oleh Antonio Brocardo (c. 1508-1510; Budapest, Muzium). Di dalamnya, sudah tentu, ciri-ciri potret individu seorang lelaki muda yang mulia disampaikan dengan tepat dan jelas, tetapi ia jelas dilembutkan, tunduk kepada imej orang yang sempurna.

Pergerakan tangan pemuda itu yang bebas tanpa sekatan, tenaga yang dirasai dalam tubuh separuh tersembunyi di bawah jubah lebar yang longgar, kecantikan mulia wajah pucat pucat, kepala tunduk pada leher yang kuat dan ramping, keindahan kontur mulut yang digariskan secara elastik, pandangan yang termenung memandang jauh dan jauh dari penonton - semua ini mencipta imej yang penuh dengan kuasa mulia, ditangkap oleh pemikiran seseorang yang mendalam dan jelas. Lengkung lembut teluk dengan perairan yang tenang, pantai pergunungan yang sunyi dengan bangunan yang sungguh-sungguh tenang membentuk latar belakang landskap, yang, seperti biasa dengan Giorgione, tidak secara serentak mengulangi irama dan mood tokoh utama, tetapi, seolah-olah, secara tidak langsung sesuai dengan mood ini.

Kelembutan ukiran potongan muka dan tangan agak mengingatkan sfumato Leonardo. Leonardo dan Giorgione secara serentak menyelesaikan masalah menggabungkan seni bina bentuk tubuh manusia yang jelas plastik dengan pemodelan lembut mereka, yang memungkinkan untuk menyampaikan kekayaan warna plastik dan chiaroscuro - boleh dikatakan, "pernafasan" yang sangat badan manusia. Jika di Leonardo ia agak penggredan terang dan gelap, teduhan terbaik bentuk, maka dalam Giorgione sfumato mempunyai watak istimewa - ia, seolah-olah, pemodelan mikro volum badan manusia dengan lebar itu. aliran cahaya lembut yang membanjiri seluruh ruang lukisan. Oleh itu, sfumato Giorgione juga menyampaikan interaksi warna dan cahaya, yang merupakan ciri lukisan Venice pada abad ke-16. Jika potret Laura yang dipanggilnya (c. 1505-1506; Vienna) agak membosankan, maka imej wanitanya yang lain, pada dasarnya, penjelmaan kecantikan ideal.

Potret Giorgione memulakan barisan pembangunan Venetian yang luar biasa, khususnya Titian, potret Zaman Renaissance Tinggi. Ciri-ciri potret Giorgione akan dikembangkan lagi oleh Titian, yang, bagaimanapun, tidak seperti Giorgione, mempunyai rasa yang lebih tajam dan lebih kuat tentang keunikan individu watak manusia yang digambarkan, persepsi yang lebih dinamik tentang dunia.

Kerja Giorgione berakhir dengan dua karya - "Sleeping Venus" (c. 1508-1510; Dresden) dan "Konsert" Louvre. Lukisan-lukisan ini masih belum selesai, dan latar belakang landskap di dalamnya telah disiapkan oleh rakan muda dan pelajar Giorgione, Titian yang hebat. Selain itu, "Sleeping Venus", telah kehilangan beberapa kualiti bergambar akibat beberapa kerosakan dan pemulihan yang tidak berjaya. Tetapi walau bagaimana pun, dalam karya inilah cita-cita kesatuan keindahan jasmani dan rohani manusia didedahkan dengan kepenuhan kemanusiaan yang hebat dan kejelasan yang hampir kuno.

Tenggelam dalam tidur yang tenang, Zuhrah yang telanjang digambarkan berlatarbelakangkan landskap luar bandar, irama lembut bukit yang tenang selaras dengan imejnya. Suasana mendung melembutkan semua kontur dan pada masa yang sama mengekalkan ekspresi plastik bentuk.

Seperti ciptaan Renaissance Tinggi yang lain, George's Venus ditutup dengan keindahannya yang sempurna dan, seolah-olah, terasing dari kedua-dua penonton dan dari muzik alam sekitar, selaras dengan keindahannya. Bukan kebetulan bahawa dia tenggelam dalam mimpi yang jelas tentang tidur yang tenang. Tangan kanan yang dilemparkan ke belakang kepala mencipta satu lengkung berirama yang merangkumi badan dan menutup semua bentuk menjadi satu kontur yang licin.

Dahi cerah tenang, kening melengkung tenang, kelopak mata diturunkan perlahan-lahan dan mulut ketat cantik mencipta imej kesucian telus yang tidak dapat digambarkan dengan kata-kata. Segala-galanya penuh dengan ketelusan kristal itu, yang hanya boleh dicapai apabila roh yang jelas dan tidak berawan hidup dalam tubuh yang sempurna.

"Konsert Negara" (c. 1508 -1510; Louvre) menggambarkan sekumpulan dua lelaki muda berpakaian megah dan dua wanita telanjang berlatar belakangkan landskap yang tenang. Mahkota pokok yang membulat, pergerakan awan lembap yang perlahan dengan tenang mengharmonikan dengan irama luas bebas pakaian dan pergerakan lelaki muda, dengan kecantikan mewah wanita telanjang. Lakuer itu menjadi gelap mengikut masa memberikan gambar itu warna keemasan yang hangat dan hampir panas. Malah, lukisannya pada asalnya dicirikan oleh nada keseluruhan yang seimbang. Ia dicapai dengan penjajaran harmonik yang tepat dan halus bagi nada sejuk dan sederhana hangat yang terkawal. Tepatnya, halus dan kompleks ini, diperoleh melalui kontras yang ditangkap dengan tepat, neutraliti lembut nada umum yang bukan sahaja mencipta ciri perpaduan Giorgione antara pembezaan warna yang kompleks dan kejelasan keseluruhan berwarna, tetapi juga agak melembutkan yang gembira. lagu sensual kepada keindahan dan kenikmatan hidup yang mengagumkan, yang terkandung dalam gambar ini. .

Pada tahap yang lebih besar daripada karya lain oleh Giorgione, "Konsert Negara" nampaknya menyediakan penampilan Titian. Pada masa yang sama, kepentingan karya lewat Giorgione ini bukan sahaja dalam, boleh dikatakan, peranan persediaannya, tetapi pada hakikatnya ia sekali lagi mendedahkan daya tarikan asal karya artis ini, yang tidak pernah diulangi oleh sesiapa pun dalam masa hadapan. Kegembiraan sensual berada di Titian kedengaran seperti lagu pujian yang terang dan bersemangat untuk kebahagiaan manusia, hak semula jadi untuk menikmatinya. Di Giorgione, kegembiraan sensual motif itu dilembutkan oleh renungan yang termenung, di bawah keharmonian yang jelas dan seimbang dengan pandangan hidup yang holistik.

Oleh itu, pewarnaan keseluruhan gubahan ini secara keseluruhannya adalah neutral, justeru pergerakan wanita jelita yang termenung begitu tenang terkawal, justeru warna jubah mewah kedua-dua pemuda itu kedengaran tersekat-sekat, justeru kedua-duanya tidak begitu berpaling. untuk merenung kecantikan teman wanita mereka sebagai tenggelam dalam dunia muzik yang tenang: mereka hanya terdiam bunyi lembut serunai, yang kecantikan mengambil dari bibirnya; kord tali kecapi berbunyi perlahan di tangan seorang lelaki muda; dari jauh, dari bawah rumpun pokok, hampir tidak kedengaran bunyi bagpipe yang membosankan, di mana seorang gembala yang sedang meragut kambingnya bermain. Wanita kedua, bersandar pada perigi marmar, mendengar rungutan tenang jet yang mengalir dari bekas kaca lutsinar. Suasana muzik yang melambung tinggi ini, tenggelam dalam dunia melodinya memberikan pesona mulia yang istimewa kepada penglihatan ini tentang kegembiraan yang indah dan berahi yang jelas dan puitis.

Karya Titian, seperti Leonardo, Raphael, Michelangelo, menandakan kemuncak seni Renaissance Tinggi. Karya-karya Titian selama-lamanya memasuki tabung emas warisan seni umat manusia. Persuasif imej yang realistik, kepercayaan humanistik dalam kebahagiaan dan keindahan seseorang, luas, fleksibel dan patuh kepada rancangan induk lukisan adalah ciri ciri karyanya.

Tiziano Vecellio dari Cadore dilahirkan, menurut data tradisional, pada tahun 1477, meninggal dunia pada tahun 1576 akibat wabak. Menurut penyelidikan baru-baru ini, tarikh lahir dikaitkan oleh pelbagai penyelidik kepada 1485-1490.

Titian, seperti Michelangelo, hidup lama; dekad kebelakangan ini karya-karyanya berlaku dalam suasana Renaissance lewat, dalam keadaan persediaan di kedalaman masyarakat Eropah untuk peringkat seterusnya perkembangan sejarahnya.

Itali, yang pada zaman Renaissance lewat kekal menyendiri daripada laluan utama perkembangan lanjut hubungan kapitalis, ternyata dari segi sejarah tidak dapat mewujudkan satu negara kebangsaan, jatuh di bawah pemerintahan kuasa asing, dan menjadi kubu utama reaksi feudal Katolik. . Kekuatan kemajuan di Itali terus wujud dan menjadikan diri mereka dirasai dalam bidang kebudayaan (Campanella, Giordano Bruno), tetapi asas sosial mereka terlalu lemah. Oleh itu, kelulusan yang konsisten terhadap idea-idea progresif baru dalam seni, penciptaan sistem realisme artistik baharu menghadapi kesukaran tertentu di kebanyakan kawasan Itali, kecuali Venice, yang mengekalkan kebebasannya dan sebahagiannya kesejahteraannya. Pada masa yang sama, tradisi tinggi ketukangan realistik, keluasan cita-cita kemanusiaan dalam pembangunan satu setengah abad Renaissance menentukan kesempurnaan estetik seni ini. Di bawah keadaan ini, karya Titian zaman akhir adalah luar biasa kerana ia memberikan contoh seni realistik progresif, berdasarkan pemprosesan dan pembangunan pencapaian utama Renaissance Tinggi dan pada masa yang sama menyediakan peralihan seni kepada peringkat seterusnya perkembangan sejarahnya.

Kebebasan Venice daripada kuasa paus dan daripada penguasaan campur tangan asing memudahkan penyelesaian tugas yang dihadapi Titian. Krisis sosial di Venice datang lewat daripada di wilayah lain di Itali dan mengambil bentuk yang berbeza. II jika seseorang tidak perlu membesar-besarkan "kebebasan" republik oligarki Venetian, maka bagaimanapun pemeliharaan watak sekular budaya, pemeliharaan sebahagian tertentu kesejahteraan ekonomi pada masa ini mempunyai kesan positif ke atas pembangunan seni, walaupun pada keseluruhannya pertumbuhan umum dan intensifikasi reaksi membuatkan diri mereka terasa di Venice.

Karya Titian sehingga tahun 1540-an sepenuhnya berkaitan dengan cita-cita artistik Zaman Renaissance Tinggi. Pada tahun 1540-1570-an, apabila Venice memasuki tempoh krisis, Titian, dari sudut pandangan idea-idea maju Renaissance, memaparkan dengan keberanian dan keikhlasan yang teruk kedudukan sosial manusia yang baru, keadaan sosial baru untuk pembangunan Itali. Titian dengan tegas membantah segala sesuatu yang jelek dan memusuhi maruah manusia, terhadap segala yang dibawa oleh masa reaksi yang telah datang di Itali, menghalang dan melambatkan kemajuan sosial masyarakat Itali. Benar, Titian tidak menetapkan sendiri tugas langsung untuk refleksi terperinci dan langsung dan penilaian kritis terhadap keadaan sosial kehidupan pada zamannya. Tahap baru yang kualitatif dalam sejarah realisme ini datang lebih lama kemudian dan menerima perkembangan sebenar hanya dalam seni abad ke-19.

Kita boleh membezakan dua peringkat utama dalam karya Titian: Titian - tuan Renaissance Tinggi (dan pada peringkat pertama, awal, "tempoh Georgionev" - sehingga 1515/16 harus dibezakan) dan Titian - bermula dari kira-kira tahun 1540-an - master zaman Renaissance. Dalam ideanya tentang keindahan harmoni dan kesempurnaan manusia, Titian pada zaman pertama sebahagian besarnya meneruskan tradisi pendahulunya yang hebat dan kontemporari yang lebih tua, Giorgione.

Dalam karyanya, artis mengembangkan dan memperdalam masalah bergambar yang pelik yang dicirikan oleh kedua-dua Giorgione dan seluruh sekolah Venice. Ia dicirikan oleh peralihan beransur-ansur daripada pemodelan lembut bentuk dan pancaran lembut, terkawal, sejuk warna Giorgione kepada simfoni warna yang berkuasa dan penuh cahaya dalam tempoh kematangan kreatif, iaitu, bermula dari 1515-1516. Pada tahun-tahun ini, pada masa yang sama, Titian memperkenalkan warna baru dan sangat penting ke dalam pemahaman kecantikan manusia, ke dalam struktur emosi dan kiasan bahasa lukisan Venice.

Wira Titian mungkin kurang halus berbanding wira Giorgione, tetapi juga kurang misteri, lebih aktif, lebih penting, lebih disemai dengan permulaan yang jelas, berahi, "kafir". Benar, "Konsert"nya (Florence, Galeri Pitti), yang telah lama dikaitkan dengan Giorgione, masih sangat dekat dengan semangat tuan ini. Tetapi di sini juga, gubahannya lebih ringkas secara semula jadi dalam iramanya, perasaan kenyang sensual makhluk yang jelas dan gembira sudah mempunyai warna sesuatu yang sebenarnya Titianian.

"Cinta di Bumi dan Syurga" (1510-an; Rom, Galleria Borghese) adalah salah satu karya pertama Titian, di mana keaslian artis didedahkan dengan jelas. Plot gambar itu masih misteri. Tidak kira sama ada wanita berpakaian dan telanjang menggambarkan pertemuan Medea dan Venus (episod dari alegori sastera "The Dream of Polyphemus", yang ditulis pada tahun 1467) atau, kemungkinan besar, melambangkan cinta duniawi dan syurga - kunci untuk memahami kandungan karya ini bukan terletak pada penceritaan. Matlamat Titian adalah untuk menyampaikan keadaan fikiran tertentu. Nada landskap yang lembut dan tenang, kesegaran tubuh telanjang, kesopanan yang jelas dari warna pakaian yang cantik dan agak sejuk (kekuningan keemasan warna adalah hasil masa) mewujudkan kesan kegembiraan yang tenang. Pergerakan kedua-dua figura sangat cantik dan pada masa yang sama penuh dengan daya tarikan yang penting. Irama tenang landskap yang tersebar di belakang kami, seolah-olah, mencetuskan semula jadi dan keluhuran pergerakan tubuh manusia yang cantik.

Ketenangan dan renungan yang halus ini tiada dalam "Assunta" - "Ascension of Mary" (1518; Gereja Santa Maria Gloriosa dei Frari di Venice). Penjajaran Maryam yang penuh kegembiraan, cantik dalam kecantikan femininnya, dan para rasul, orang-orang cantik yang kuat dan berani yang memandang sekilas mengaguminya, diresapi dengan rasa tenaga optimistik dan daya hidup yang luar biasa. Selain itu, "Assunta" dibezakan oleh sifat heroik monumental keseluruhan struktur kiasannya. Keyakinan heroik yang wujud dalam karya Titian selepas 1516-1518 nampaknya dikaitkan dengan peningkatan umum dalam kehidupan rohani dan sosial Venice, yang disebabkan oleh rasa bertenaga bandar, yang ditunjukkan semasa perjuangan dengan Liga Cambrai dan seterusnya. perang Liga Suci yang dipanggil. Tidak ada "senyap Georgian" dalam "Bacchanalia", khususnya dalam "Bacchus dan Ariadne" (1532). Gambar ini dianggap sebagai lagu pujian terhadap keindahan dan kekuatan perasaan manusia yang menegaskan dirinya.

Komposisi gambar adalah holistik dan bebas daripada adegan dan butiran sekunder yang mengganggu. Bacchus bergembira menyambut Ariadne dengan isyarat yang luas dan bebas. Warna panas, keindahan pergerakan pantas, landskap yang gelisah, selaras dengan mood, adalah ciri gambar ini.

Penegasan tentang kegembiraan wujud dapat dilihat dengan jelas dalam Venus Titian (c. 1538; Uffizi). Ia mungkin kurang mulia daripada Venus Giorgione, tetapi pada harga ini daya hidup yang lebih langsung imej dicapai. Tafsiran konkrit, hampir berasaskan genre bagi motif plot, sambil meningkatkan daya hidup segera kesan, tidak mengurangkan daya tarikan puitis imej wanita cantik.

Venice di Titian adalah salah satu pusat budaya dan sains maju pada zamannya. Luasnya hubungan perdagangan, limpahan kekayaan terkumpul, pengalaman pembinaan kapal dan pelayaran, perkembangan kraf menentukan perkembangan sains teknikal, sains semula jadi, perubatan, dan matematik. Pemeliharaan kemerdekaan dan sifat pemerintahan sekular, daya hidup tradisi humanisme menyumbang kepada mekarnya falsafah dan budaya seni, seni bina, lukisan, muzik, dan percetakan buku yang tinggi. Venice telah menjadi pusat terbesar aktiviti penerbitan di Eropah. Budaya maju Venice dicirikan oleh kedudukan yang agak bebas dari tokoh budaya yang paling menonjol, prestij intelektual mereka yang tinggi.

Wakil-wakil terbaik cerdik pandai, membentuk lapisan sosial yang istimewa, membentuk bulatan yang rapat, salah satu wakil yang paling menonjol ialah Titian; rapat dengannya ialah Aretino, pengasas kewartawanan, penulis, publisiti, "ribut petir tiran", serta Jacopo Sansovino. Menurut orang sezaman, mereka membentuk sejenis triumvirate, yang merupakan penggubal kehidupan budaya bandar. Beginilah cara seorang saksi menggambarkan salah satu malam yang dihabiskan oleh Titian bersama rakan-rakan. Sebelum matahari terbenam, Titian dan tetamunya menghabiskan masa mereka "dalam merenung imej-imej hidup dan gambar-gambar yang paling indah yang mana rumah itu dipenuhi, dalam perbincangan tentang keindahan dan keindahan taman yang sebenar, untuk keseronokan dan kejutan semua orang, terletak di pinggir Venice di atas laut. Dari tempat itu anda boleh melihat Kepulauan Murano dan tempat-tempat lain yang cantik. Bahagian laut ini, sebaik sahaja matahari terbenam, dipenuhi beribu-ribu gondola, dihiasi dengan wanita-wanita yang paling cantik dan berbunyi dalam harmoni muzik dan lagu yang mempesona, yang mengiringi makan malam kami yang meriah sehingga tengah malam.

Akan menjadi salah, bagaimanapun, untuk mengurangkan karya Titian pada masa ini hanya untuk mengagungkan kenikmatan hidup yang berahi. Imej-imej Titian bebas daripada sebarang jenis fisiologi, yang pada umumnya asing kepada seni Renaissance. Penampilan Terbaik Titian cantik bukan sahaja dari segi fizikal, tetapi juga dari segi rohani. Mereka dicirikan oleh kesatuan perasaan dan pemikiran, kerohanian mulia imej manusia.

Oleh itu, Kristus dalam lukisannya yang menggambarkan Kristus dan Farisi ("Denarius of Caesar", 1515-1520; Galeri Dresden) difahami sebagai seorang insan yang sempurna secara harmoni, tetapi nyata, tidak sama sekali ilahi. Isyarat tangannya semula jadi dan mulia. Wajahnya yang ekspresif dan cantik menyerlah dengan kerohanian yang ringan.

Kerohanian yang jelas dan mendalam ini dirasai dalam figura dan komposisi altar Pesaro Madonna (1519-1526; Gereja Santa Maria Gloriosa dei Frari). Di dalamnya, tuan berjaya menganugerahkan para peserta acara yang kelihatannya hanya upacara ini dengan kehidupan rohani yang kaya, keseimbangan kekuatan rohani yang jelas. Ia adalah ciri bahawa nada utama kord warna komposisi - tudung putih bercahaya Mary, biru, ceri, merah jambu, warna emas pakaian, permaidani hijau - tidak menjadikan gambar sebagai cermin mata hiasan luaran yang menghalang persepsi imej orang. Sebaliknya, gamut bergambar muncul dalam harmoni lengkap dengan watak-watak yang terang, berwarna-warni dan ekspresif watak-watak yang digambarkan. Kepala budak lelaki itu sangat menawan. Dengan rancak yang tertahan, dia menoleh ke arah penonton, matanya, penuh dengan minat muda dan perhatian kepada kehidupan.

Tema-tema yang bersifat dramatik tidak asing bagi Titian pada zaman ini, yang semula jadi berlatarbelakangkan ketegangan kuasa itu, dalam perjuangan sukar yang dialami Venice baru-baru ini. Jelas sekali, pengalaman perjuangan heroik ini dan ujian yang berkaitan dengannya sebahagian besarnya menyumbang kepada pencapaian kekuatan penuh keberanian dan keagungan kesedihan yang menyedihkan, yang dijelmakan oleh Titian dalam Louvre Entombment (1520-an).

Tubuh Kristus yang cantik dan kuat yang telah mati membangkitkan dalam imaginasi penonton idea tentang pahlawan pejuang yang berani yang gugur dalam pertempuran, dan sama sekali bukan penderitaan sukarela yang memberikan nyawanya untuk menebus dosa manusia. Pewarnaan lukisan yang terkawal, kekuatan pergerakan dan kekuatan perasaan orang yang kuat berani membawa mayat yang terjatuh, komposisi yang sangat padat, di mana figura yang dibawa ke hadapan memenuhi seluruh satah kanvas. , berikan gambar itu bunyi heroik, jadi ciri seni Renaissance Tinggi. Dalam karya ini, untuk semua dramanya, tidak ada perasaan putus asa, tiada kerosakan dalaman. Jika ini adalah tragedi, maka, dalam istilah moden, ia adalah tragedi optimis yang mengagungkan kekuatan roh manusia, keindahan dan keluhurannya walaupun dalam penderitaan. Ini membezakannya daripada kesedihan penuh tanpa harapan yang kemudiannya, Madrid "Laying in the Coffin" (1559).

Di Louvre "The Entombment" dan terutamanya dalam "Assassination of St. Peter the Martyr" (1528-1530), tahap baru yang dicapai oleh Titian dalam menyampaikan hubungan antara suasana alam dan pengalaman wira yang digambarkan patut diberi perhatian. Begitulah nada-nada matahari terbenam yang suram dan mengancam di The Entombment, angin ribut ribut yang menggegarkan pokok-pokok dalam The Assassination of St. Peter”, begitu selaras dengan ledakan nafsu tanpa belas kasihan ini, kemarahan pembunuh, keputusasaan Peter. Dalam karya-karya ini, keadaan alam semula jadi, seolah-olah, disebabkan oleh tindakan dan nafsu manusia. Dalam hal ini, kehidupan alam adalah subordinat kepada manusia, yang masih kekal sebagai "tuan dunia." Kemudian, pada akhir Titian dan terutamanya di Tintoretto, kehidupan alam semula jadi sebagai penjelmaan kekacauan kuasa unsur alam semesta memperoleh kekuatan kewujudan yang bebas daripada manusia dan sering memusuhinya.

Komposisi "Pengenalan Kuil" (1534-1538: Akademi Venice) berdiri, seolah-olah, di ambang dua tempoh dalam karya Titian dan menekankan hubungan dalaman mereka. Berbanding dengan Madonna Pesaro, ini adalah langkah seterusnya dalam penguasaan adegan kumpulan. Watak-watak yang terang dan kuat muncul dalam semua kepastian mereka dan membentuk kumpulan penting, disatukan oleh minat bersama dalam acara yang sedang berlangsung.

Jelas pada pandangan pertama, gubahan yang koheren digabungkan dengan sempurna dengan naratif terperinci acara tersebut. Titian secara konsisten mengalihkan perhatian penonton daripada saudara-mara dan rakan-rakan keluarga Maria kepada sekumpulan orang yang ingin tahu, diberikan dengan latar belakang landskap yang megah, dan kemudian kepada sosok kecil gadis Mary yang menaiki tangga, berhenti seketika di tangga kuil. Pada masa yang sama, pelantar tangga di mana dia berdiri, seolah-olah, membuat jeda dalam anak tangga yang naik, sepadan dengan jeda dalam pergerakan Mary sendiri. Dan akhirnya, gubahan itu berakhir dengan tokoh-tokoh agung imam besar dan para sahabatnya. Keseluruhan gambar diserap dengan semangat kemeriahan dan rasa kepentingan acara itu. Imej seorang wanita tua yang menjual telur penuh dengan juiciness rakyat yang penting, yang tipikal untuk beberapa karya oleh artis tahun 1530-an, serta imej seorang hamba yang membelek-belek di dada dalam lukisan "Venus of Urbino" (Uffizi). Oleh itu, Titian memperkenalkan nota daya hidup serta-merta, melembutkan kegembiraan megah gubahannya.

Titian berjaya mewujudkan sepenuhnya cita-cita seorang yang cantik dari segi fizikal dan rohani, diberikan dalam semua kepenuhan penting dirinya, dalam potret. Begitulah potret seorang lelaki muda dengan sarung tangan yang koyak (1515-1520; Louvre). Dalam potret ini, persamaan individu disampaikan dengan sempurna, namun perhatian utama artis tidak tertarik kepada butiran peribadi dalam penampilan seseorang, tetapi kepada umum, kepada ciri imejnya yang paling banyak. Titian, seolah-olah, mendedahkan melalui keaslian individu keperibadian ciri tipikal umum seorang lelaki Renaissance.

Bahu yang luas, lengan yang kuat dan ekspresif, postur yang bebas, kemeja putih yang dibuka sembarangan di kolarnya, wajah muda yang berkulit gelap, di mana mata menonjol dengan kecemerlangannya yang meriah, mencipta imej yang penuh dengan kesegaran dan daya tarikan remaja. Watak itu disampaikan dengan semua spontan kehidupan, tetapi dalam ciri-ciri inilah kualiti utama dan semua keharmonian unik orang yang bahagia dan yang tidak mengetahui keraguan yang menyakitkan dan perselisihan dalaman terungkap.

Tempoh ini juga termasuk keanggunannya yang agak dingin "Violanta" (Vienna), serta potret Tommaso Mosti (Pitti), yang mengejutkan dengan kebebasan perwatakan yang indah dan kemuliaan imej.

Tetapi jika dalam potret Titian dengan kesempurnaan yang luar biasa menyampaikan imej seorang lelaki Renaissance yang penuh dengan tenaga berkemauan keras dan kecerdasan sedar, mampu melakukan aktiviti heroik, maka dalam potret Titian itulah keadaan baru kehidupan manusia yang menjadi ciri zaman Renaissance yang lewat menemui renungan mendalam mereka.

Potret Ippolito Riminaldi (Florence, Galeri Pitti) memberi kita peluang untuk menangkap perubahan mendalam yang digariskan pada tahun 1540-an. dalam kerja Titian. Pada wajah Riminaldi yang kurus, bersempadan dengan janggut yang lembut, perjuangan dengan percanggahan rumit realiti meninggalkan kesannya. Imej ini bergema sedikit sebanyak dengan imej Hamlet Shakespeare.

Potret Titian, yang dicipta semasa Renaissance lewat - bermula dari tahun 1540-an, memukau dengan tepat dengan kerumitan watak, keamatan keghairahan. Orang yang diwakilinya keluar dari keadaan keseimbangan tertutup atau dorongan semangat yang mudah dan integral, ciri-ciri imej Renaissance klasik. Penggambaran imej yang kompleks dan bercanggah, watak, sering kuat, tetapi sering hodoh, tipikal era baru ini, adalah sumbangan Titian kepada potret.

Kini Titian mencipta imej yang bukan tipikal Zaman Renaissance Tinggi. Begitulah Paul III (1543; Naples), secara lahiriah mengingatkan komposisi potret Julius II Raphael. Tetapi persamaan ini hanya menekankan perbezaan yang mendalam imej. Kepala Julius digambarkan dengan ketenangan objektif tertentu; ia adalah ciri dan ekspresif, tetapi dalam potret itu sendiri, pertama sekali, ciri utama wataknya yang sentiasa menjadi ciri orang ini disampaikan.

Wajah kuat-kuat pekat-berfikir sesuai dengan tenang, berwibawa berbaring di lengan tangan kerusi. Tangan Pavel sangat gementar, lipatan tanjung penuh dengan pergerakan. Sedikit membenamkan kepalanya ke bahunya, dengan rahang pemangsa yang kendur, dia memandang kami dari potret itu dengan mata licik yang berhati-hati.

Imej Titian pada tahun-tahun ini adalah bercanggah dan dramatik dengan sifatnya. Watak-watak disampaikan dengan kuasa Shakespeare. Perkaitan untuk Shakespeare ini amat ketara dalam potret kumpulan yang menggambarkan Paul dengan anak saudaranya Ottavio dan Alessandro Farnese (1545-1546; Naples, Muzium Capodimonte). Kewaspadaan gelisah lelaki tua itu, memandang Ottavio dengan marah dan tidak percaya, penampilan Alessandro yang tidak jelas, sanjungan Ottavio muda, seorang yang berani dengan caranya sendiri, tetapi seorang munafik yang dingin dan kejam, mencipta pemandangan yang menarik. dalam dramanya. Hanya orang yang dibesarkan oleh realisme Renaissance tidak boleh takut untuk menunjukkan dengan jujur dengan jujur semua kekuatan dan tenaga pelik orang-orang ini dan pada masa yang sama mendedahkan intipati watak mereka. Keegoan mereka yang kejam, individualisme yang tidak bermoral didedahkan dengan ketepatan yang teruk oleh tuan melalui perbandingan dan perlanggaran mereka. Tepatnya minat untuk mendedahkan watak melalui perbandingan mereka, dalam mencerminkan ketidakkonsistenan kompleks hubungan antara orang yang mendorong Titian - sebenarnya, buat kali pertama - untuk beralih kepada genre potret kumpulan, yang dikembangkan secara meluas dalam seni abad ke-17.

Nilai warisan potret mendiang Titian yang realistik, peranannya dalam pemeliharaan dan perkembangan lanjut prinsip realisme amat jelas apabila membandingkan potret Titian dengan potret Mannerists kontemporarinya. Sesungguhnya, potret Titian sangat menentang prinsip potret oleh artis seperti Parmigianino atau Bronzino.

Dalam master of mannerism, potret itu disemai dengan mood subjektivis, penggayaan sopan. Imej seseorang diberikan oleh mereka sama ada dalam imobilitas beku dan beberapa jenis pengasingan yang dingin daripada orang lain, atau dari segi perwatakan artistik yang tajam dan cetek. Dalam kedua-dua kes, pendedahan yang benar tentang watak seseorang, dunia rohaninya, pada dasarnya, diturunkan ke latar belakang. Potret Titian adalah luar biasa kerana ia meneruskan dan memperdalam garis realistik potret Renaissance.

Ini terutamanya jelas dilihat dalam potret Charles V duduk di kerusi berlengan (1548, Munich). Potret ini sama sekali bukan pendahulu potret Baroque rasmi istiadat. Ia menyerang dengan realisme tanpa belas kasihan yang dianalisis oleh artis dunia dalaman seseorang, hartanya sebagai seorang dan sebagai negarawan. Dalam hal ini dia menyerupai potret terbaik Velasquez. Kuasa berwarna-warni pencirian orang yang kompleks, kejam, licik dan pada masa yang sama berkemauan keras dan pintar ini dibezakan oleh integriti plastik dan kecerahan yang indah.

Dalam potret ekuestrian Charles V, yang digambarkan pada Pertempuran Mühlberg (1548; Prado), kekuatan pencirian psikologi maharaja digabungkan dengan kecemerlangan penyelesaian bergambar, kedua-dua hiasan monumental dan realistik yang jelas. Potret ini, tidak seperti potret Munich, sememangnya pelopor potret upacara besar era Baroque. Pada masa yang sama, sambungan berturut-turut dengan gubahan potret besar tuan besar realisme abad ke-17, Velasquez, tidak kurang jelas dirasai di dalamnya.

Berbeza dengan potret ini, Titian, dalam beberapa karya lain yang ditandai dengan kesederhanaan komposisi (biasanya imej separuh panjang atau generasi pada latar belakang neutral), menumpukan perhatiannya pada pendedahan yang terang dan holistik tentang watak dalam semua vitalnya. , kadang-kadang tenaga kasar, seperti, sebagai contoh, dalam potret Aretino (1545; Pitti), yang dengan sempurna menyampaikan tenaga terburu-buru, kesihatan dan fikiran sinis, ketamakan untuk kesenangan dan wang dari ciri-ciri Venice yang luar biasa ini pada era itu. seorang. Pietro Aretino, pencipta beberapa komedi, cerdik, walaupun tidak selalu cerpen dan puisi yang rapi, terkenal terutamanya dengan "penghakiman", ramalan separuh bergurau, dialog, surat, diterbitkan secara meluas dan mewakili, pada dasarnya, karya. bersifat kewartawanan, di mana ia adalah pelik digabungkan pembelaan yang cerah dan ghairah terhadap pemikiran bebas dan humanisme, mempersendakan kemunafikan dan reaksi dengan memeras ugut secara terang-terangan terhadap "yang berkuasa" di seluruh Eropah. Aktiviti kewartawanan dan penerbitan, serta peras ugut yang tersembunyi, membolehkan Aretino menjalani gaya hidup yang benar-benar raja. Tamak untuk keseronokan sensual, Aretino pada masa yang sama seorang pakar seni yang halus dan bijak, rakan artis yang ikhlas.

Masalah hubungan seseorang - pembawa cita-cita kemanusiaan Zaman Renaisans - dengan kuasa reaksioner yang bermusuhan yang menguasai kehidupan Itali, tercermin dengan jelas dalam semua karya mendiang Titian. Refleksi ini tidak langsung, tidak selalu, mungkin, disedari sepenuhnya oleh artis itu sendiri. Jadi, sudah dalam lukisan "Behold the Man" (1543; Vienna), Titian buat pertama kalinya menunjukkan konflik tragis pahlawan - Kristus dengan dunia di sekelilingnya, dengan kuasa yang bermusuhan dengannya menguasai dunia ini, dipersonifikasikan dalam sinis kasar, keji menjijikkan, Pilatus hodoh. Dalam imej yang didedikasikan, nampaknya, untuk mengesahkan kegembiraan hidup yang sensual, nota tragis baru jelas kedengaran.

"Danaë"nya (c. 1554; Madrid, Prado) sudah mempunyai ciri-ciri baru berbanding dengan tempoh sebelumnya. Sesungguhnya, "Danae", tidak seperti "Venus of Urbino", menyerang kita dengan sejenis drama yang meresap ke seluruh gambar. Sudah tentu, artis itu jatuh cinta dengan keindahan sebenar kehidupan duniawi, dan Danae cantik, lebih-lebih lagi, kecantikan sensual terus terang. Tetapi adalah ciri bahawa Titian kini memperkenalkan motif pengalaman dramatik, motif perkembangan keghairahan. Bahasa master yang sangat artistik sedang berubah. Titian dengan berani mengambil nisbah warna dan tona, menggabungkannya dengan, seolah-olah, bayang-bayang bercahaya. Terima kasih kepada ini, dia menyampaikan perpaduan bentuk dan warna mudah alih, kontur yang jelas dan pemodelan volum yang lembut, yang membantu menghasilkan semula alam semula jadi, penuh dengan pergerakan dan hubungan yang berubah-ubah yang kompleks.

Di Danae, tuan masih menegaskan keindahan kebahagiaan seseorang, tetapi imej itu sudah tidak mempunyai kestabilan dan ketenangannya dahulu. Kebahagiaan bukan lagi keadaan kekal seseorang, ia hanya diperolehi pada saat-saat ledakan perasaan yang terang. Bukan tanpa alasan bahawa keagungan jelas "Cinta di Bumi dan Syurga" dan kebahagiaan tenang "Venus of Urbino" ditentang di sini oleh perasaan cetusan perasaan teruja yang kuat.

Ekspresi yang luar biasa ialah perbandingan Danae dengan pembantu rumah tua yang kurang ajar, yang dengan rakus menangkap syiling hujan emas dalam apron yang dihulurkan, dengan rakus mengikuti alirannya. Kepentingan diri yang sinis secara kasar menceroboh gambar: yang cantik dan hodoh, yang luhur dan pangkal secara dramatik saling berkaitan dalam kerja. Keindahan dorongan manusia yang cerah dan bebas dari perasaan Danae ditentang oleh sinis dan kepentingan diri yang kasar. Pertembungan watak ini ditekankan oleh kontras tangan wanita tua yang kasar dan bersimpul dan lutut lembut Danae, hampir bersentuhan antara satu sama lain.

Pada tahap tertentu, dengan semua perbezaan dalam imej, Titian mencari penyelesaian di sini, mengingatkan komposisi lukisannya "Denarius of Caesar". Tetapi di sana, perbandingan keindahan moral penuh imej Kristus dengan wajah Farisi yang gelap dan hodoh, yang merangkumi nafsu manusia yang licik dan hina, membawa kepada penegasan keunggulan mutlak dan kemenangan prinsip kemanusiaan atas dasar. dan kejam.

Di Danae, walaupun Titian mengesahkan kemenangan kebahagiaan, kuasa keburukan dan niat jahat telah memperoleh kemerdekaan tertentu. Wanita tua itu bukan sahaja menonjolkan kecantikan Danae secara berbeza, tetapi juga menentangnya. Pada masa yang sama, pada tahun-tahun inilah Titian mencipta siri baharu lukisannya yang benar-benar cantik yang didedikasikan untuk memuliakan daya tarikan sensual kecantikan wanita. Walau bagaimanapun, mereka sangat berbeza daripada bunyi "Cinta di Bumi dan Syurga" yang jelas dan menegaskan kehidupan dan dari "Bacchanalia" (1520-an). "Diana and Actaeon" (1559; Edinburgh), "The Shepherd and the Nymph (Vienna)" yang diselubungi dengan nada hangat berkilauan dengan kilatan panas merah, keemasan, biru sejuk yang terkawal, agak mimpi puitis, dongeng yang menawan dan mengujakan lagu kisah tentang keindahan dan kebahagiaan, menjauhkan diri dari konflik tragis kehidupan sebenar - bukan untuk apa-apa artis itu sendiri memanggil lukisan "puisi" semacam ini. Perkara yang sama berlaku untuk "Venus dengan Adonis" (Prado) yang mengagumkan, yang dibezakan, bagaimanapun, dengan drama keghairahan langsung yang lebih besar daripada kebanyakan "puisi" beliau yang lain pada masa ini. Walau bagaimanapun, kebimbangan tersembunyi, kelesuan semangat terdengar dalam semua karya Titian terbaik kitaran 1559-1570-an ini. Ini dirasai dalam kerlipan cahaya dan bayang yang gelisah, dan dalam kepantasan strok yang teruja, dan dalam mimpi yang paling teruja dari bidadari, dan dalam animasi ghairah yang terkawal dari gembala muda (“The Shepherd and the Nymph”, Vienna).

Secara konsisten dan dengan kuasa bergambar yang hebat, idea estetik mendiang Titian tentang kehidupan dapat diungkapkan dalam bukunya The Penitent Magdalene (1560-an), salah satu karya agung koleksi Hermitage.

Gambar ini ditulis pada plot yang sangat bercirikan era kontra-reformasi. Malah, dalam gambar ini, Titian sekali lagi menegaskan asas kemanusiaan dan "pagan" karyanya. Realis yang hebat, dengan tegas memikirkan semula plot agama-mistik, mencipta karya yang, dalam kandungannya, secara terbuka memusuhi garis reaksi-mistik dalam perkembangan budaya Renaissance akhir Itali.

Bagi Titian, maksud gambar itu bukan dalam kesedihan pertaubatan Kristian, bukan dalam kelesuan manis ekstasi keagamaan, dan lebih-lebih lagi bukan dalam penegasan tentang kebinasaan daging, dari "kurung bawah tanah" yang mana " jiwa incorporeal” manusia dirobek kepada Tuhan. Dalam "Magdalene" tengkorak - simbol mistik kebinasaan segala-galanya di dunia - untuk Titian hanyalah aksesori yang dikenakan oleh kanun plot, itulah sebabnya dia memperlakukannya dengan agak tidak senonoh, mengubahnya menjadi pendirian untuk buku lanjutan.

Dengan teruja, hampir dengan rakus, artis itu menyampaikan kepada kami sosok Magdalena, penuh kecantikan dan Kesihatan, rambut tebalnya yang cantik, payudara lembutnya bernafas dengan kuat. Pandangan yang penuh ghairah "penuh dengan kesedihan duniawi, manusia. Titian menggunakan sapuan berus yang menyampaikan dengan teruja dan pada masa yang sama tepat dengan warna sebenar dan hubungan cahaya yang rapi. Kord warna yang gelisah, sengit, kerlipan dramatik cahaya dan bayang, tekstur dinamik, ketiadaan kontur tegar mengasingkan kelantangan dengan plastik kepastian bentuk secara keseluruhan mencipta imej yang penuh dengan pergerakan dalaman.Rambut tidak berbohong, tetapi jatuh, dada bernafas, lengan diberikan dalam gerakan, lipatan pakaian bergoyang teruja. Cahaya berkelip-kelip lembut dalam rambut yang subur, dipantulkan dalam mata yang dilitupi kelembapan, dibiaskan dalam kaca phial, bergelut dengan bayang-bayang tebal, dengan yakin dan berair mengukir bentuk badan, keseluruhan persekitaran ruang gambar.Oleh itu, gambaran yang tepat realiti digabungkan dengan penghantaran pergerakan abadinya, dengan ciri kiasan dan emosinya yang jelas.

Tetapi apakah, akhirnya, maksud imej yang dicipta dengan kuasa bergambar itu? Artis mengagumi Magdalene: orang itu cantik, perasaannya cerah dan ketara. Tetapi dia menderita. Kebahagiaan yang jernih dan tenteram dahulunya telah dipecahkan. Persekitaran manusia, dunia secara keseluruhan, bukan lagi latar belakang yang tenang, tunduk kepada manusia, seperti yang kita lihat sebelum ini. Bayang-bayang gelap merayap di atas landskap di seberang Magdalena, awan petir mengaburkan langit, dan dalam cahaya samar sinaran terakhir hari yang semakin pudar, imej seorang lelaki yang dilanda kesedihan muncul.

Jika dalam Magdalene tema penderitaan tragis seorang yang cantik tidak menerima ekspresi lengkapnya, maka dalam The Crowning with Thorns (c. 1570; Munich, Alte Pinakothek) dan di Saint Sebastian ia muncul dengan sangat telanjang.

Dalam The Crowning with Duri, para penyiksa ditunjukkan sebagai algojo yang kejam dan ganas. Kristus, yang diikat oleh tangan, sama sekali bukan makhluk surgawi, tetapi manusia duniawi, dikurniakan semua ciri-ciri kelebihan fizikal dan moral daripada penyiksa-penyiksa-Nya, namun diserahkan kepada mereka untuk dicela. Pewarnaan gambar yang suram, penuh dengan kebimbangan dan ketegangan yang suram, meningkatkan tragedi tempat kejadian.

Dalam lukisan kemudian, Titian menunjukkan konflik kejam manusia dengan alam sekitar, dengan kuasa reaksioner yang memusuhi humanisme, alasan bebas. Terutama penting ialah "Saint Sebastian" (c. 1570; Leningrad, Hermitage). Sebastian menggambarkan raksasa Renaissance yang benar-benar dalam kekuatan dan kehebatan watak, tetapi dia dibelenggu dan bersendirian. Kilauan cahaya terakhir padam, malam turun ke bumi. Awan tebal yang suram melintasi langit yang bercelaru. Seluruh alam, seluruh dunia yang luas penuh dengan pergerakan yang menggerunkan secara spontan. Landskap Titian awal, dengan patuh selaras dengan struktur mental pahlawannya, kini memperoleh kehidupan bebas dan, lebih-lebih lagi, bermusuhan dengan manusia.

Man for Titian adalah nilai tertinggi. Oleh itu, walaupun melihat azab tragis wiranya, dia tidak dapat menerima azab ini, dan, penuh dengan kesedihan yang tragis dan kesedihan yang berani, imej Sebastian membangkitkan perasaan protes marah terhadap kuasa yang memusuhinya. Dunia moral mendiang Titian, kebijaksanaannya yang sedih dan berani, kesetiaan yang tabah kepada cita-citanya terjelma dengan indah dalam potret dirinya yang mendalam dari Prado (1560-an).

Rajah ms 264-265

Salah satu pemikiran dan perasaan yang paling mendalam tentang ciptaan mendiang Titian ialah "Pieta", yang disiapkan selepas kematian artis oleh pelajarnya Palma the Younger (Akademi Venice). Berlatarbelakangkan ceruk yang sangat menghancurkan yang dibina daripada batu yang dipahat secara kasar, dibingkai oleh dua patung, sekumpulan orang, diselubungi kesedihan, muncul dalam cahaya senja yang memudar. Maria memegang mayat pahlawan yang telah meninggal dunia di lututnya. Dia terkaku dalam kesedihan yang tidak terkira, seperti patung. Kristus bukanlah seorang pertapa yang kurus kering dan bukan seorang "gembala yang baik", sebaliknya seorang yang kalah dalam perjuangan yang tidak sama rata.

Lelaki tua yang uzur itu memandang Kristus dengan kesedihan. Seperti jeritan keputusasaan yang bergema dalam keheningan dunia matahari terbenam padang pasir adalah isyarat pantas mengangkat tangan Magdalena. Kilauan rambut merah keemasannya yang mengalir, kontras warna pakaiannya yang gelisah menyerlah dengan jelas daripada kegelapan rona suram berkilauan gambar itu. Geram dan pilu adalah ekspresi wajah dan gerak-geri seluruh sosok patung batu Musa, disinari oleh kerlipan kerlipan kelabu kebiruan hari yang semakin pudar.

Dengan kuasa yang luar biasa, Titian menyampaikan dalam kanvas ini semua kedalaman kesedihan manusia yang tidak terukur dan semua keindahannya yang memilukan. Lukisan yang dicipta oleh Titian pada tahun-tahun terakhir hidupnya adalah requiem yang didedikasikan untuk kekasihnya imej heroik berundur ke era terang Renaissance yang lalu.

Evolusi kemahiran lukisan Titian adalah pengajaran.

Pada tahun 1510-1520an. dan walaupun kemudian, dia masih berpegang kepada prinsip kontur siluet angka, perbandingan jelas bintik-bintik warna besar yang secara amnya menyampaikan pewarna sebenar objek. Nisbah warna yang berani dan nyaring, keamatan berwarna-warni, pemahaman yang mendalam tentang interaksi ton sejuk dan hangat, kuasa plastik untuk memahat bentuk dengan bantuan nisbah tonal yang sangat tepat dan pemodelan cahaya dan teduh yang halus adalah ciri ciri bergambar Titian. kemahiran.

Peralihan mendiang Titian kepada penyelesaian tugas ideologi dan kiasan baharu menyebabkan evolusi lanjut dalam teknik lukisannya. Tuan memahami nisbah nada, undang-undang chiaroscuro lebih dan lebih mendalam, menguasai tekstur dan pembangunan warna bentuk dengan lebih dan lebih sempurna, secara beransur-ansur mengubah keseluruhan sistem bahasa artistiknya dalam proses kerja ini. Mendedahkan dalam melukis hubungan utama bentuk dan warna, dia dapat menunjukkan semua keseronokan, semua kehidupan alam yang kompleks yang kaya dalam perkembangan abadinya. Ini memberinya peluang untuk meningkatkan daya hidup segera dalam pemindahan subjek dan pada masa yang sama menekankan perkara utama dalam perkembangan fenomena. Perkara utama yang kini ditakluki Titian ialah penghantaran kehidupan dalam perkembangannya, dalam kekayaan terang percanggahannya.

Mendiang Titian secara meluas menimbulkan masalah keharmonian warna dalam lukisan, serta masalah mencipta teknik ekspresif sapuan berus bergambar percuma dan tepat. Jika dalam "Cinta Bumi dan Syurga" strok adalah tertakluk kepada tugas membina nisbah warna dan cahaya asas yang mencipta kesempurnaan imej yang realistik, maka pada tahun 1540-an dan terutamanya dari tahun 1555-an. smear mempunyai kepentingan yang istimewa. Pukulan bukan sahaja menyampaikan tekstur bahan, tetapi pergerakannya mengukir bentuk itu sendiri - keplastikan objek. Kelebihan besar bahasa artistik mendiang Titian ialah tekstur sapuan berus memberikan contoh perpaduan realistik momen bergambar dan ekspresif.

Itulah sebabnya mendiang Titian berjaya dengan dua atau tiga sapuan cat putih dan biru di atas cat bawah gelap untuk membangkitkan di mata penonton bukan sahaja sensasi yang sangat plastik bentuk bekas kaca (“Magdalene”), tetapi juga sensasi. daripada pergerakan pancaran cahaya yang menggelongsor dan membias dalam kaca, seolah-olah mendedahkan bentuk dan tekstur objek di hadapan penonton. Titian mencirikan teknik lewat dalam dirinya pepatah terkenal Boschini dari kata-kata Palma the Younger:

“Titian menutup kanvasnya dengan jisim berwarna-warni, seolah-olah berfungsi sebagai katil atau asas untuk apa yang ingin diungkapkan pada masa hadapan. Saya sendiri telah melihat lukisan bawah yang dibuat dengan kuat, dipenuhi dengan berus padat tepu dalam nada merah tulen, yang bertujuan untuk menggariskan halftone, atau dengan putih. Dengan berus yang sama, mencelupkannya terlebih dahulu dengan warna merah, kemudian dalam warna hitam, kemudian dalam cat kuning, dia mengusahakan pelepasan bahagian yang diterangi. Dengan kemahiran hebat yang sama, dengan bantuan hanya empat pukulan, dia membangkitkan janji sosok yang cantik dari ketiadaan. Setelah meletakkan asas yang berharga ini, dia membelokkan lukisannya menghadap ke dinding dan kadang-kadang membiarkannya dalam kedudukan ini selama berbulan-bulan tanpa melihatnya. Apabila dia mengangkat mereka semula, dia memeriksa mereka dengan penuh perhatian, seolah-olah mereka adalah musuh yang paling teruk, untuk melihat apa-apa kecacatan pada mereka. Dan apabila dia menemui ciri-ciri yang tidak sesuai dengan rancangan halusnya, dia mula bertindak seperti pakar bedah yang baik, tanpa belas kasihan menghilangkan tumor, memotong daging, menyesuaikan lengan dan kakinya ... Dia kemudian menutup rangka ini, mewakili sejenis ekstrak daripada semua badan yang paling penting dan hidup, memurnikannya melalui satu siri pukulan berulang kepada keadaan sedemikian rupa sehingga dia seolah-olah hanya kekurangan nafas.

Dalam kuasa realistik teknik Titian - alat yang fleksibel untuk pengetahuan seni dunia yang benar-benar benar - terletak impak besar yang dimilikinya terhadap perkembangan lanjut lukisan realistik pada abad ke-17. Oleh itu, lukisan Rubens dan Velazquez kukuh berdasarkan warisan Titian, membangun dan mengubah suai teknik lukisannya sudah berada di peringkat sejarah baru dalam perkembangan realisme. Pengaruh langsung Titian terhadap lukisan Venetian kontemporari adalah penting, walaupun tidak ada pelajar langsungnya yang mendapat kekuatan untuk meneruskan dan mengembangkan seninya yang luar biasa.

Pelajar yang paling berbakat dan sezaman dengan Titian termasuk Jacopo Nigreti, digelar Palma Vecchio (Si Tua), Bonifacio de Pitati, digelar Veronese, iaitu Veronian, Paris Bordone, Jacopo Palma Si Muda, anak saudara kepada Palma Si Tua. Kesemua mereka, kecuali Palma the Younger, dilahirkan di ladang terra, tetapi menghabiskan hampir seluruh kehidupan kreatif mereka di Venice.

Jacopo Palma the Elder (c. 1480-1528), seperti rakan sebayanya Giorgione dan Titian, belajar dengan Giovanni Bellini. Dengan cara tersendiri cara kreatif dia paling rapat dengan Titian, walaupun dia jauh lebih rendah daripadanya dalam semua aspek. Komposisi agama dan mitologi, serta potret artis, dibezakan oleh kekayaan warna yang merdu dengan beberapa monotoninya (sifat ini juga wujud dalam teknik gubahannya), serta keceriaan imej yang optimistik. Ciri penting karya Palma ialah penciptaan jenis artistik Venetian - kecantikan berambut perang yang mengagumkan. Jenis kecantikan wanita ini mempunyai pengaruh pada seni Titian muda. Karya terbaiknya ialah "Two Nymphs" (1510-1515; Frankfurt am Main), "Three Sisters" (c. 1520) dan "Jacob and Rachel" (c. 1520), yang terakhir berada di Dresden. The Hermitage menyimpan "Potret Seorang Lelaki".

Salah satu potret lelaki terbaik yang dicipta oleh tuannya ialah masa mudanya yang tidak dikenali di Muzium Munich. Dia hampir dengan caranya dengan Giorgione, tetapi berbeza dengan Giorgione dalam pemindahan prinsip kehendak aktif. Pusingan kepala, penuh dengan kekuatan terkawal, ciri-ciri angkuh dan bertenaga wajah yang cantik, isyarat tangan yang hampir tergesa-gesa diangkat ke bahu, memerah sarung tangan, ketegangan elastik kontur, sebahagian besarnya, melanggar semangat rendaman diri tertutup yang wujud dalam imej Giorgione.

Berkembang di bawah pengaruh langsung Titian, Bonifazio Veronese (1487-1553) pada tahun-tahun terakhir hidupnya tidak terlepas dari beberapa pengaruh sikap. Karyanya dicirikan oleh kanvas besar yang didedikasikan untuk episod dari sejarah suci, menggabungkan hiasan dengan naratif genre ("The Feast of Lazarus", "The Massacre of the Innocents", 1537-1545; kedua-duanya di Akademi Venice dan lain-lain).

Pelajar Titian, Paris Bordone (1500-1571), dibezakan oleh penguasaan warna yang luar biasa, hiasan lukisan yang cerah. Begitulah "Keluarga Suci"nya (Milan, Brera), "Menyampaikan Doge Cincin St. Mark" (1530-an; Venice, Akademi). Dalam karya Paris Bordone yang terkemudian, pengaruh ragam yang kuat dan penurunan kemahiran tertentu dirasai. Potretnya dibezakan oleh kebenaran ciri kehidupan. Sebutan khusus harus dibuat tentang "The Venetian Lovers" (Brera), penuh, mungkin, dengan daya tarikan sensual yang agak dingin.

Palma the Younger (1544-1628), pelajar Titian yang semakin tua, pada masa yang sama sangat dipengaruhi oleh karya Tintoretto. Berbakat (dia sangat berjaya mengatasi penyiapan "Pieta", karya terakhir Titian), tetapi seorang tuan kecil yang bebas, semasa tinggal di Rom dia disemai dengan pengaruh sikap lewat, selaras dengannya dia terus bekerja. sehingga akhir hayatnya, sudah dalam tempoh kelahiran seni barok. . Antara karya beliau yang dikaitkan dengan gaya Renaissance lewat di Venice, kita harus menyebut "Potret Diri" (Brera) dan "Ketua Orang Tua" (Brera), yang lebih awal dikaitkan dengan Bassano. Idea tentang gubahan besarnya, dekat dengan semangat lewat, diberikan oleh mural Oratorio dei Crociferi di Venice (1581 - 1591).

Dalam seni sekolah Venetian, karya sekumpulan artis yang dipanggil terraferma, iaitu, "tanah pepejal" - harta benda Venetian, yang terletak di bahagian Itali bersebelahan dengan lagun, biasanya menonjol.

Secara umumnya, kebanyakan sarjana sekolah Venetian dilahirkan di pekan atau kampung ladang terra (Giorgione, Titian, Paolo Veronese). Tetapi mereka menghabiskan semua atau hampir sepanjang hayat mereka di ibu negara, iaitu, di Venice sendiri, hanya dari semasa ke semasa bekerja untuk bandar atau istana ladang terra. Sesetengah artis, yang sentiasa bekerja di ladang terra, mewakili dengan karya mereka hanya varian wilayah sekolah metropolitan Venetian itu sendiri.

Pada masa yang sama, cara hidup, "iklim sosial" di pekan-pekan ladang terra berbeza dengan ketara dari yang Venetian, yang menentukan keaslian sekolah ladang terra. Venice (pelabuhan perdagangan dan pusat kewangan yang besar pada masa itu), terutamanya sehingga akhir abad ke-15, lebih berkait rapat dengan harta benda timur yang kaya dan perdagangan luar negara berbanding dengan kawasan pedalaman Itali, di mana, bagaimanapun, vila-vila mewah di golongan bangsawan Venice terletak.

Walau bagaimanapun, kehidupan di bandar-bandar kecil yang tenang, di mana terdapat lapisan pemilik tanah yang kaya yang memperoleh pendapatan daripada ekonomi yang ditetapkan secara rasional, berjalan dalam banyak cara berbeza daripada di Venice. Pada tahap tertentu, budaya kawasan ladang terra ini adalah dekat dan boleh difahami dengan kehidupan dan seni bandar Emilia, Lombardy dan kawasan Itali utara yang lain pada masa itu. Perlu diingat bahawa dari akhir abad ke-15. dan terutamanya selepas tamat perang dengan Liga Cambrai, orang Venetian, apabila perdagangan Oriental merosot, melaburkan modal percuma mereka dalam pertanian dan dalam kraf ladang terra. Terdapat tempoh kemakmuran relatif untuk bahagian Itali ini, yang, bagaimanapun, tidak melanggar cara hidupnya yang agak wilayah.

Oleh itu, penampilan keseluruhan kumpulan artis (Pordenone, Lotto dan lain-lain) tidak boleh mengejutkan, yang seninya kekal jauh dari pencarian yang sengit, skop kreatif yang luas dari sekolah Venice. Keluasan indah penglihatan monumental Titian digantikan dengan hiasan yang lebih sejuk dan lebih formal gubahan mezbah. Sebaliknya, ciri-ciri kehidupan yang diperhatikan secara langsung, yang ketara dalam seni heroik Titian yang matang dan akhir, atau dalam karya Veronese yang meriah, atau terutamanya dalam ciptaan Tintoretto yang penuh ghairah dan resah, telah dibangunkan secara meluas oleh beberapa artis terraferma sejak sepertiga pertama abad ke-16.

Benar, minat dalam kehidupan seharian yang diperhatikan ini agak berkurangan. Ia adalah minat yang tenang dalam butiran lucu tentang kehidupan seseorang yang hidup dengan aman di bandar yang tenang daripada keinginan untuk mencari penyelesaian kepada masalah etika yang hebat pada masa itu dalam analisis kehidupan itu sendiri, yang membezakan seni mereka daripada karya realis hebat era seterusnya.

Untuk sepertiga pertama abad ini, salah satu yang terbaik di kalangan artis ini ialah Lorenzo Lotto (1480-1556). Karya awalnya masih dikaitkan dengan tradisi Quattrocento. Yang paling dekat dengan cita-cita kemanusiaan yang hebat dari Renaissance Tinggi adalah potret awalnya tentang seorang lelaki muda (1505), yang juga dibezakan oleh daya hidup serta-merta persepsi model.

Altar terkenal dan gubahan mitologi Lotto matang biasanya menggabungkan kebodohan dalaman dengan keindahan komposisi yang agak luar. Pewarnaan sejuk dan tekstur umum malah "menyenangkan" juga, secara amnya, agak cetek dan dari segi gaya hampir dengan ragam. Kekurangan pemikiran dan perasaan yang mendalam kadang-kadang dipulihkan dengan perincian harian yang diperkenalkan dengan sangat bijak, pada gambaran yang artis rela memfokuskan. Oleh itu, dalam "Pengumuman"nya (akhir 1520-an; Recanati, Gereja Santa Maria sopra Mercanti), penonton membiarkan dirinya terganggu daripada tokoh utama yang ditafsirkan dengan gelisah kepada kucing ketakutan yang digambarkan dengan lucu, bergegas ke sisi malaikat yang tiba-tiba terbang. dalam.

Pada masa hadapan, terutamanya dalam potret, ciri realisme kehidupan konkrit dalam karya artis semakin berkembang (“ Potret perempuan»; Hermitage, "Tiga potret seorang lelaki"). Dengan penurunan minat dalam mendedahkan kepentingan etika individu dan kekuatan wataknya, potret Lotto ini, sedikit sebanyak, masih menentang garis Mannerisme yang anti-realis secara terbuka. Kecenderungan realistik dan demokratik yang paling ketara dalam karya Lotto telah dinyatakan dalam kitaran lukisannya dari kehidupan St. Lucia (1529/30), di mana dengan simpati yang jelas dia menggambarkan keseluruhan adegan, seolah-olah dirampas dari kehidupan zamannya (contohnya, pemandu lembu dari Miracle of St. Lucia, dll.). Di dalamnya, tuan, seolah-olah, mendapat ketenangan dan kedamaian dari perasaan penuh percanggahan yang timbul dalam dirinya dalam konteks krisis politik dan ekonomi umum yang semakin meningkat di Itali dan yang mewarnai beberapa karangannya kemudian dalam nada subjektif. kegelisahan dan ketidakpastian, membawanya jauh dari tradisi humanisme Renaissance.

Lebih bermakna ialah karya kontemporari Lotto, yang berasal dari Brescia, Girolamo Savoldo (c. 1480-1548). Dalam karya mendiang Savoldo, yang sangat mengalami kehancuran sementara negara asalnya semasa perang dengan Liga Cambrai, kebangkitan jangka pendek Venice selepas 1516, dan kemudian krisis umum yang melanda Itali, percanggahan tragis seni Renaissance telah didedahkan dengan cara yang sangat pelik dan dengan kekuatan yang besar.

Tempoh tradisi Quattrocentist, ciri kehidupan yang agak wilayah ladang terra (sehingga awal abad ke-16), pengaruh ketara lukisan Renaissance utara dengan naratifnya yang didakwa prosaik secara lahiriah, keinginan untuk genre dan minat dalam kehidupan psikologi orang biasa dalam karya Savoldo, mereka secara organik menyatu dengan prinsip humanisme Renaissance dan membantunya mencipta salah satu varian seni Renaissance yang realistik yang paling demokratik, dalam banyak aspek menjangkakan pencarian tuan pada sepertiga pertama abad ke-17.

Dalam karya Quattrocentist awal Savoldo yang masih agak kering (contohnya, The Prophet Elijah; Florence, Koleksi Kulit), minatnya terhadap orang biasa dan biasa sudah dirasai. Dalam Adoration of the Shepherds yang indah (1520-an; Turin, Pinacoteca), suasana konsentrasi tercerahkan perasaan tiga gembala, merenung bayi yang baru lahir dengan meditasi yang mendalam, disampaikan dengan penuh jiwa. Kerohanian yang jelas, keharmonian yang ringan dan sedikit menyedihkan dari irama pergerakan tenang peserta dalam acara itu dan keseluruhan sistem warna komposisi jelas menunjukkan hubungan antara seni Savoldo yang matang dan tradisi Giorgione. Tetapi ketiadaan imej bangsawan yang ideal, keikhlasan semula jadi dan kesederhanaan hidup memberikan gambaran ini keaslian yang sangat istimewa. Pada masa akan datang, minat terhadap penyairan yang benar tentang imej orang biasa masih berkembang (contohnya, imej elegiak seorang gembala dengan latar belakang landskap luar bandar - "The Shepherd"; Florence, koleksi Contini-Bonacossi). Sumbangan artis lain yang tergolong dalam sekolah yang telah membangun di Brescia pastinya kurang ketara. Walau bagaimanapun, di antara mereka harus disebutkan Alessandro Bonvicino, digelar Moretto (c. 1498-1554), yang karyanya, selaras dengan tradisi klasik, dibezakan oleh warna perak lembut, agak berat wilayah, kesungguhan serius, bukan tanpa, bagaimanapun, lirik ("Madonna with Saints "; Frankfurt). Ciri ini, yang lebih ketara dalam watak sekunder gubahannya, adalah nilai terbesar dalam gambar besar(contohnya, sosok seorang hamba dalam lukisan "Christ at Emmaus"). Karya beliau yang paling terkenal ialah St. Justina dengan penderma. Sumbangan Moretto kepada pembangunan potret Renaissance adalah penting. "Potret Lelaki" (London) beliau ialah salah satu potret penuh pertama.

Pelajar berbakatnya ialah Giovanni Moroni (c. 1523-1578), yang bekerja terutamanya di Bergamo. Dia bukan sahaja, seperti gurunya, mengekalkan komitmen terhadap kaedah realistik, tetapi potretnya mewakili sumbangan penting dan unik kepada garis realistik pembangunan seni zaman Renaissance lewat. Potret Moroni dalam tempoh matang, bermula dari tahun 1560-an, dicirikan oleh pemindahan penampilan dan watak yang benar dan tepat dari wakil-wakil hampir semua strata sosial bandar-bandar terra-farm ("Potret Seorang Saintis" , "Potret Pontero", "Potret Tukang Jahit", dll. ). Potret terakhir dibezakan oleh ketiadaan apa-apa jenis pemuliaan imej dan pemindahan yang teliti dengan teliti mengenai persamaan luaran dan watak orang yang digambarkan. Pada masa yang sama, ini adalah contoh jenis genreisasi potret, yang memberikan imej kekonkretan dan keaslian seperti kehidupan yang istimewa. Tukang jahit digambarkan berdiri di meja kerja dengan gunting dan kain di tangannya. Dia memberhentikan kerjanya seketika dan mengintai penuh perhatian ke arah penonton yang kelihatan masuk ke dalam bilik itu. Sekiranya pemindahan bentuk yang sangat jelas dan plastik, kedudukan dominan tokoh manusia dalam komposisi adalah ciri seni Renaissance, maka tafsiran genre motif komposisi melampaui sempadan realisme Renaissance, menjangkakan pencarian tuan. abad ke-17.

Dalam kedudukan istimewa berhubung dengan sekolah ladang terra ialah sekolah Ferrara. Pemerintahan Dukes of d'Este dipelihara di Ferrara, dari sinilah ciri-ciri kemegahan kesopanan itu, yang digabungkan dengan pengasingan tradisi wilayah yang terkenal, menentukan gaya seni Ferrara yang agak berat dan dingin. abad ke-16, sarat dengan perincian hiasan, yang gagal mengembangkan usaha menarik pendahulu Quattrocentist. Artis paling penting dalam tempoh ini ialah Dosso Dossi (c. 1479 - 1542), yang menghabiskan masa mudanya di Venice dan Mantua dan menetap di Ferrara dari 1516.

Dalam karyanya, Dosso Dossi bergantung pada tradisi Giorgione dan Francesco Cossa, tradisi yang sukar untuk digabungkan. Pengalaman peringkat Titian kekal asing baginya. Kebanyakan komposisi Dossi matang dibezakan oleh lukisan sejuk yang cemerlang, kuasa beberapa angka berat, kelebihan butiran hiasan ("Keadilan"; Dresden, "St. Sebastian"; Milan, Brera). Sisi yang paling menarik dalam karya Dossi ialah minatnya terhadap latar belakang landskap yang dibangunkan, yang kadangkala mendominasi gambar (Circe, kira-kira 1515; Galeri Borghese). Dosso Dossi juga memiliki beberapa komposisi landskap siap, yang sangat jarang berlaku pada masa itu, contohnya ialah "Lanskap dengan Tokoh Orang Suci" (Moscow, Muzium Seni Halus Pushkin).

Tempat yang sangat istimewa dalam seni ladang terra diduduki oleh karya tuannya yang paling penting, Jacopo del Ponte dari Bassano (1510 / 19-1592), kontemporari Tintoretto, berbanding dengan seninya, mungkin, kerjanya harus dipertimbangkan. Walaupun Bassano menjalani sebahagian besar hidupnya di bandar asalnya Bassano, yang terletak di kaki bukit Alps, dia berkait rapat dengan bulatan lukisan Venice zaman Renaissance yang tepat, menduduki tempat yang aneh dan agak penting di dalamnya.

Mungkin, semua tuan Itali pada separuh kedua abad ke-16. Bassano paling hampir menjadi protagonis lukisan orang biasa pada zamannya. Benar, dalam karya awal artis ("Christ at Emmaus") genre dan momen setiap hari diselingi dengan skema tradisional untuk menyelesaikan plot seperti ini. Pada masa hadapan, lebih tepat lagi, pada tahun 1540-an. seninya sedang mengalami semacam titik perubahan. Imej menjadi lebih resah, dramatik dalaman. Dari imej watak individu yang disusun dalam kumpulan seimbang yang stabil mengikut kanun Renaissance Tinggi, yang Bassano, dengan cara itu, tidak menguasai dengan baik, tuan bergerak ke imej kumpulan manusia dan orang ramai yang diliputi oleh kebimbangan umum.

Orang biasa - gembala, petani - menjadi watak utama dalam lukisannya. Demikianlah Istirahatnya dalam Penerbangan ke Mesir, Adoration of the Shepherds (1568; Bassano, Museum) dan lain-lain.

"Kepulangan Yakub" beliau, pada dasarnya, sejenis jalinan cerita pada tema alkitabiah dengan imej "kerja dan hari" penduduk biasa di sebuah bandar kecil Alpine. Yang terakhir, dalam kes ini, jelas berlaku dalam keseluruhan struktur kiasan gambar. Dalam beberapa karyanya pada zaman akhir, Bassano benar-benar dibebaskan daripada kaitan plot formal dengan tema keagamaan dan mitologi.

"Musim luruh"nya adalah sejenis elegi, memuliakan kegembiraan tenang pori-pori musim luruh yang matang. Landskap yang indah, motif puitis sekumpulan pemburu pergi ke kejauhan, dirangkul oleh suasana musim luruh keperakan yang lembap, membentuk daya tarikan utama gambar ini.

Dalam karya Bassano, seni Renaissance lewat di Venice datang paling hampir dengan mencipta sistem genre baharu yang secara langsung menangani kehidupan sebenar dalam bentuk pembangunan hariannya. Walau bagaimanapun, langkah penting ini tidak boleh diambil atas dasar kehebatan Venice, iaitu, negara kota Renaissance, yang menjalani hari-hari terakhirnya, tetapi berdasarkan budaya yang timbul atas dasar negara-bangsa, pada asas kepada peringkat baru yang progresif dalam sejarah masyarakat manusia.

Bersama-sama dengan Michelangelo, Titian mewakili generasi gergasi Zaman Renaissance Tinggi, terperangkap di tengah-tengah kehidupan mereka oleh krisis tragis yang mengiringi permulaan Renaissance lewat di Itali. Tetapi mereka menyelesaikan masalah baru pada masa itu dari kedudukan humanis, yang keperibadiannya, sikapnya terhadap dunia dibentuk dalam tempoh heroik Renaissance Tinggi. Seniman generasi akan datang, termasuk Venetian, berkembang sebagai individu kreatif di bawah pengaruh peringkat yang telah ditetapkan dalam sejarah Renaissance. Karya mereka adalah ekspresi artistik semula jadinya. Begitulah Jacopo Tintoretto dan Paolo Veronese, yang secara berbeza merangkumi aspek yang berbeza, sisi yang berbeza pada era yang sama.

Dalam karya Paolo Cagliari (1528-1588), yang diberi nama sempena tempat kelahiran Veronese, semua kuasa dan kecemerlangan lukisan minyak hiasan dan monumental Venetian didedahkan dengan kepenuhan dan ekspresif tertentu. Seorang pelajar kepada tuan Verona yang tidak penting Antonio Badile, Veronese pertama kali bekerja di ladang terra, mencipta beberapa lukisan dinding dan komposisi minyak (lukisan dinding di Villa Emo pada awal 1550-an dan lain-lain). Tetapi sudah pada tahun 1553 dia berpindah ke Venice, di mana bakatnya matang.

The History of Esther (1556) adalah salah satu kitaran terbaik Veronese muda, menghiasi siling Gereja San Sebastiano. Komposisi tiga plafon diisi dengan bilangan yang agak kecil skala besar, plastik yang ditakrifkan dengan jelas. Kesenian pergerakan figura manusia yang tegap dan cantik, sudut megah ternakan kuda sangat menarik perhatian. Kami gembira dengan kekuatan dan ringan kombinasi warna yang nyaring, sebagai contoh, penjajaran kuda hitam dan putih dalam komposisi "The Triumph of Mordecai".

Secara umum, kajian plastis yang jelas tentang tokoh individu membawa kitaran ini, seperti semua karya awal Veronese secara umum, lebih dekat dengan seni Renaissance Tinggi. Walau bagaimanapun, kegembiraan luar yang agak teater dari pergerakan watak-watak itu sebahagian besarnya menghalang mereka daripada ketabahan dalaman itu, kehebatan sebenar yang membezakan wira-wira gubahan monumental zaman Renaissance awal dan Tinggi dari Masaccio dan Castagno hingga ke "Sekolah Athens" Raphael dan siling Kapel Sistine Michelangelo. Ciri seni Veronese muda ini paling ketara dalam komposisi upacara rasminya seperti "Juno mengedarkan hadiah Venice" (c. 1553; Venice, Istana Doge), di mana kecemerlangan hiasan lukisan tidak menebus keanggunan luaran. daripada idea itu.

Imej Veronese lebih meriah daripada heroik. Tetapi keceriaan mereka, kuasa hiasan yang terang dan pada masa yang sama kekayaan paling halus dari bentuk yang indah benar-benar luar biasa. Gabungan kesan bergambar dekoratif-monumental umum dengan perbezaan yang kaya dalam hubungan warna ini juga ditunjukkan dalam plafon sakristi San Sebastiano dan dalam beberapa gubahan lain.

Tempat penting dalam karya Veronese yang matang diduduki oleh lukisan dinding Villa Barbaro (di Maser), yang dibina oleh Palladio di ladang terra, tidak jauh dari Treviso. Vila-istana kecil yang elegan itu terukir indah dalam landskap luar bandar di sekelilingnya dan dibingkai oleh taman berbunga. Lukisan dinding Veronese, penuh dengan pergerakan ringan dan kecemerlangan nyaring, sepadan dengan imej seni binanya. Dalam kitaran ini, gubahan yang penuh dengan "keseronokan menari" yang berbuih secara semula jadi bergilir-gilir pada tema mitologi - siling "Olympus" dan lain-lain - dengan motif yang tidak dijangka yang menarik dari kehidupan: sebagai contoh, imej pintu di mana seorang lelaki muda kacak memasuki dewan, menanggalkan topinya dalam haluan, seperti yang ditujukan kepada pemilik rumah. Walau bagaimanapun, dalam motif "setiap hari" seperti ini, tuan tidak menetapkan sendiri tugas pendedahan artistik melalui perjalanan semula jadi kehidupan orang biasa biasa dari semua ciri tipikal hubungan mereka.

Dia hanya berminat dengan sisi kehidupan yang meriah dan ekspresif. Motif harian yang ditenun ke dalam kitaran atau ke dalam gubahan berasingan seharusnya hanya menghidupkan keseluruhannya, menghilangkan perasaan kemegahan yang sungguh-sungguh dan, boleh dikatakan, penciptaan gubahan, meningkatkan rasa pujukan puisi yang berkilauan tentang perayaan kehidupan yang meriah itu. Veronese mencipta dalam lukisannya. Pemahaman "genre" ini adalah ciri Veronese bukan sahaja dalam hiasan (yang benar-benar semula jadi), tetapi dalam semua gubahan plot tuan. Sudah tentu, gubahan berwarna-warni Veronese bukan sahaja cerita puitis. Mereka benar dan tidak. hanya dalam butiran genre peribadi mereka, terutamanya dengan murah hati digunakan oleh tuan dalam tempoh matang kreativiti. Sesungguhnya, perayaan perayaan, ciri ciri kehidupan elit patrician Venice, masih kaya dan lusuh, adalah sisi sebenar kehidupan pada masa itu. Lebih-lebih lagi, cermin mata, perarakan, ekstravaganza telah diatur oleh republik dan untuk rakyat. Dan bandar itu sendiri melanda dengan kehebatan penampilan seni binanya.

Tempoh matang Veronese juga dibezakan oleh perubahan beransur-ansur dalam sistem bergambarnya. Gubahannya menjadi, sebagai peraturan, semakin ramai. Kompleks dan kaya dengan plastik dan kesan yang indah, pergerakan sebilangan besar orang - orang ramai - dianggap sebagai sejenis hidup tunggal. Simfoni warna yang kompleks, jalinan mereka yang penuh dengan pergerakan berdenyut mencipta bunyi yang berbeza daripada zaman Renaissance Tinggi, bunyi permukaan berwarna-warni gambar. Paling jelas, ciri-ciri seni matang Veronese ini didedahkan dalam "Perkahwinan di Cana" yang besar (10x6 m) (1563; Louvre). Dengan latar belakang seni bina teres dan serambi yang langsing dan megah yang dipenuhi cahaya, frisoobrazio membentangkan pemandangan pesta yang menyatukan kira-kira seratus tiga puluh angka. Hamba sekarang di Venetian, kini dalam pakaian oriental yang anggun, pemuzik, pelawak, pemuda berpesta, wanita cantik berpakaian mewah, lelaki berjanggut, orang tua yang dihormati membentuk gubahan berwarna-warni yang penuh dengan pergerakan. Sebahagian daripada kepala adalah potret. Ini adalah imej raja-raja Eropah dari Sultan Suleiman I hingga Charles V. Dalam kumpulan pemuzik, Veronese menggambarkan Titian, Bassano, Tintoretto dan dirinya sendiri.

Rajah ms 272-273

Dengan semua kepelbagaian motif, gambar membentuk satu keseluruhan gubahan bergambar. Banyak aksara disusun dalam tiga reben atau tiang seperti hiasan yang mengalir satu di atas yang lain. Pergerakan orang ramai yang riuh rendah ditutup dari tepi gambar dengan lajur, pusatnya ditekankan oleh kumpulan yang terletak secara simetri di sekeliling Kristus yang duduk. Dalam hal ini, Veronese meneruskan tradisi komposisi monumental seimbang Zaman Renaissance Tinggi.

Dan dari segi warna, komposisi Veronese menyerlahkan sosok tengah, nodal Kristus dengan pembinaan warna yang paling padat dan stabil, menggabungkan warna merah dan biru yang nyaring, sangat material pada jubah dengan pancaran cahaya keemasan. Walau bagaimanapun, Kristus adalah nod tengah gambar hanya dalam pengertian warna sempit dan komposisi-geometrik; dia tenang dan dalaman agak tidak penting. Walau apa pun, dia tidak dibezakan dari segi etika daripada watak lain dalam apa cara sekalipun.

Secara umum, daya tarikan gambar ini bukan pada kekuatan moral atau keghairahan dramatik watak-watak, tetapi dalam kombinasi tenaga segera dan penghalusan harmoni imej orang yang gembira merayakan percutian kehidupan. Penuh dengan pendidihan dan pewarnaan gambar yang menggembirakan: segar, nyaring, dengan kilatan merah terang, daripada merah jambu-ungu kepada wain, rut gelap yang berapi-api dan berair. Set warna merah muncul dalam kombinasi dengan kecemerlangan sejuk biru, biru kehijauan, serta ton zaitun dan coklat-emas yang lebih hangat dengan bunyi baldu yang membosankan. Semua ini disatukan oleh suasana kebiruan keperakan biasa yang menyelubungi keseluruhan gambar. Peranan istimewa dalam pengertian ini tergolong dalam warna putih, kadang-kadang kebiruan, kadang-kadang ungu, kadang-kadang kelabu merah jambu dalam warna. Dari ketumpatan warna amphora perak dan sutera elastik rapuh, melalui taplak meja linen, kepada abu kebiruan tiang putih, gebu awan terang yang terapung di langit lembap hijau-biru lagun, warna ini berkembang, secara beransur-ansur larut dalam mutiara perak umum pencahayaan gambar.

Keriuhan riuh rendah para tetamu yang sedang menjamu selera di tingkat bawah komposisi digantikan dengan keanggunan pergerakan figura yang jarang ditemui di tingkat atas - balkoni atas loggia - menjulang ke langit. Semuanya berakhir dengan penglihatan bangunan pelik, berjerebu dan langit yang bersinar lembut.

Dalam bidang potret, pencapaian Veronese kurang ketara. Lulus dengan cemerlang persamaan, sambil mencapai pada masa yang sama beberapa idealisasi imej, bersempadan dengan hiasannya, Veronese tidak menumpukan perhatiannya pada pendedahan mendalam tentang watak orang yang digambarkan, tanpanya, sebenarnya, tidak ada seni potret yang hebat. . Walau bagaimanapun, kecemerlangan lukisan, aksesori yang dicat dengan hebat, kemudahan pose bangsawan yang mulia menjadikan potretnya sangat menyenangkan mata dan "memasukkan" dengan sempurna ke dalam dalaman istana mewah zaman Renaissance Venice. Beberapa potretnya yang agak awal dibezakan oleh bayangan lamunan romantis yang tidak pasti - "Potret Seorang Lelaki" (Budapest, Muzium). Hanya dalam beberapa potret terawalnya, seperti Count da Porto bersama anak lelakinya, artis muda itu mencipta imej yang secara tidak dijangka memikat dengan kemesraan mereka dan sifat motif yang tidak bersahaja. Pada masa akan datang, trend ini tidak berkembang, dan keanggunan hebat karya-karya berikutnya sebaliknya meneruskan garis yang digariskan dalam potret Budapest yang telah disebutkan (contohnya, potret Bella Nani di Louvre).

Kanvas Veronese seolah-olah membawa artis jauh dari perjuangan, dari kontras realiti sejarah. Sebahagiannya, ini berlaku. Namun, dalam konteks kontra-reformasi, pencerobohan ideologi Katolik yang semakin meningkat, lukisan cerianya, sama ada tuan mahukannya atau tidak, menduduki tempat tertentu dalam perjuangan ideologi kontemporari. Ini adalah "Keluarga Darius sebelum Alexander Agung" (London, Galeri Nasional), "Perkahwinan di Kana" (Dresden), "Kenduri di Rumah Levi" (Venice). Gereja tidak dapat memaafkan Veronese yang sekular, keceriaan pagan dalam komposisi alkitabiahnya, yang sangat bertentangan dengan garis gereja dalam seni, iaitu, kebangkitan mistik, kepercayaan kepada kebinasaan daging dan keabadian roh. Oleh itu penjelasan yang tidak menyenangkan dengan Inkuisisi yang Veronese perlu ada tentang sifat terlalu "pagan" dari "Pesta di Rumah Levi" (1573). Hanya sifat pemerintahan sekular yang berterusan di republik komersial itu menyelamatkan Veronese daripada akibat yang lebih serius.

Di samping itu, krisis umum Republik Venetian juga menjejaskan kerja tuan secara lebih langsung, terutamanya dalam tempoh akhir kerjanya. Sudah berada di Madonna House of Kuchchin (Dresden), dicipta sekitar 1570, cemerlang dalam ketukangan, tidak semuanya benar-benar tenang dan gembira. Sudah tentu, komposisi itu sungguh-sungguh dan megah, motif individu pergerakan dan jenis orang dengan cemerlang dirampas dari kehidupan; terutamanya menawan ialah budak lelaki itu, dengan lembut dan sedikit letih berpaut pada tiang marmar berwarna. Tetapi dalam ekspresi wajah Kuccin sendiri, tuan, mungkin, secara tidak sengaja menyampaikan perasaan semacam kepahitan dan kebimbangan yang tersembunyi.

Drama bukanlah titik kuat Veronese dan, secara amnya, asing kepada gudang kreatif wataknya. Oleh itu, selalunya, walaupun mengambil plot dramatik, Veronese mudah terganggu dari pemindahan pertembungan watak, dari pengalaman dalaman watak kepada momen hidup yang cerah dan berwarna-warni, kepada keindahan lukisan itu sendiri. Namun catatan kesedihan dan kesedihan mula bergema dalam beberapa Keturunannya dari Salib kemudiannya. Ini amat dirasai di Budapest dan terutamanya lukisan Louvre, disemai dengan rasa sedih dan duka yang murni.

Dalam tempoh kemudian, dalam beberapa karya Veronese, perasaan pesimis menembusi dengan kekuatan yang tidak dijangka. Demikianlah Ratapan Kristus di Pertapaan (antara 1576 dan 1582), suram gelisah dan warnanya lemah. Benar, isyarat malaikat, yang membungkuk ke atas Kristus, berbeza agak tidak pada tempatnya dalam rahmatnya yang hampir sopan, tetapi ia dilihat berhubung dengan gambaran secara keseluruhan kira-kira seperti yang kita akan melihat pergerakan anggun tulen yang secara tidak sengaja tergelincir melalui - a isyarat daripada anak kecil baru-baru ini dirampas dengan kesedihan yang tulus, dikalahkan oleh nasib nasib. Pada tahun-tahun ini, Veronese pada dasarnya terus melaksanakan perintah untuk kerja-kerja upacara dan perayaan. Pada tahun 1574, akibat beberapa kebakaran besar, sebahagian besar bahagian dalam Istana Doge terbakar, di mana, khususnya, karya lukisan yang luar biasa oleh kedua-dua Bellini telah hilang. Kitaran baru telah ditempah, yang melibatkan Tintoretto dan Veronese. Yang terakhir menyelesaikan beberapa lukisan: "The Betrothal of St. Catherine", alegori "Triumph of Venice" (c. 1585; Venice, Doge's Palace), sebenarnya, tidak lagi menang dan tidak menang, dan komposisi lain ini. baik hati. Sememangnya, berada dalam percanggahan yang tajam dengan kehidupan, gubahan ini dilakukan oleh tuan yang semakin tua dan lebih bijak dengan tangan yang semakin tidak memihak, semakin tidak peduli. Berbeza dengan kerja-kerja upacara ini, "Lamentation of Christ" yang telah disebutkan, "Crucifixion" yang menyedihkan dari Louvre dan Budapest, dan beberapa karya kecil kuda-kuda lain yang dicipta "untuk diri sendiri", penuh dengan lirik dan kesedihan yang menyedihkan, adalah yang paling hebat. nilai dalam nanti kerja tuan, pernah jatuh cinta dengan kegembiraan dan keindahan hidup.

Dalam banyak aspek, seni pelukis Slavik yang berbakat, seorang Dalmatian dari asal, Andrea Meldolla (Medulich), digelar Schiavone (1503/22-1563), yang bermaksud Slav, bersentuhan dengan kalangan minat kreatif Tintoretto. Schiavone, yang meninggal dunia awal, tidak mempunyai masa untuk mendedahkan sepenuhnya bakatnya, namun sumbangannya kepada pembangunan lukisan Venetian agak ketara.

Schiavone mengalami pengaruh terkenal Parmigianino, tetapi tumpuan utama aktivitinya ditentukan dengan mengikuti seni mendiang Titian dan pengaruh langsung Tintoretto kepadanya. DALAM tempoh awal Seni Schiavone dibezakan oleh suasana idilis yang terkenal dalam pemindahan adegan mitologi yang ditafsirkan genre ("Diana dan Actaeon"; Oxford). Kemudian, dalam gubahan mitologinya, serta injil (dia jarang menangani pelbagai topik ini), mereka memperoleh watak yang lebih gelisah dan dramatik. Schiavone memberi banyak perhatian kepada pembangunan persekitaran landskap di mana dia meletakkan wira karyanya. Perasaan keseronokan penuh kehidupan unsur alam semula jadi yang hebat adalah kualiti yang luar biasa dari karya Schiavone yang matang (Jupiter dan Io; Hermitage, Penghakiman Midas; Akademi Venice, dll.). Pendedahan watak manusia, keterukan tragis konflik antara mereka, Schiavone berjaya dengan kurang mendalam dan kuasa generalisasi daripada mendiang Titian atau Tintoretto. Dengan semua minatnya dalam masalah ini, Schiavone tidak dapat membebaskan dirinya daripada beberapa kaedah luaran untuk mendramatisir imej, dan dalam beberapa kes daripada alegorisme naratif yang berlebihan (contohnya, triptych alegori "Alam, Masa dan Kematian"; Akademi Venice).

Percanggahan tragis yang paling mendalam dan meluas pada era itu dinyatakan dalam karya Jacopo Robusti, yang digelar Tintoretto (1518-1594). Tintoretto berasal dari kalangan demokrasi masyarakat Venetian, dia adalah anak kepada seorang pencelup sutera, maka nama panggilannya Tintoretto - pencelup.

Tidak seperti Titian dan Aretino, kehidupan anak seorang pencelup sutera dibezakan oleh kesopanannya. Sepanjang hidupnya, Tintoretto tinggal bersama keluarganya di sebuah kediaman sederhana, di kawasan sederhana Venice di Fondamenta dei Mori. Tidak mementingkan diri sendiri, mengabaikan kegembiraan hidup dan godaan kemewahannya - ciri tuan. Selalunya, berusaha terlebih dahulu untuk merealisasikan idea kreatifnya, dia sangat sederhana dalam keperluan yurannya sehingga dia berusaha untuk menyiapkan gubahan besar hanya untuk harga cat dan kanvas.

Pada masa yang sama, Tintoretto dibezakan oleh kepentingan kemanusiaan Renaissance semata-mata. Dia adalah sebahagian daripada bulatan rapat wakil-wakil terbaik dari golongan cerdik pandai Venetian pada zaman Renaissance lewat - saintis, pemuzik, pemikir awam yang maju: Daniele Barbaro, saudara-saudara Venier, Tsarlino dan lain-lain. Khususnya, Tsarlino, seorang komposer dan konduktor, berkait rapat dengan peralihan muzik kepada polifoni, dengan penciptaan titik balas berganda, dengan perkembangan doktrin harmoni, yang menggemakan polifoni kompleks, penuh dengan dinamik resah dan ekspresi lukisan Tintoretto, yang mempunyai bakat muzik yang luar biasa.

Walaupun Tintoretto belajar melukis dengan Bonifazio Veronese, dia lebih terhutang budi kepada perkembangan mendalam pengalaman kreatif Michelangelo dan Titian.

Seni pembangunan Tintoretto yang kompleks dan bercanggah boleh dibahagikan secara kasar kepada tiga peringkat: awal, di mana karyanya masih berkaitan secara langsung dengan tradisi Renaissance Tinggi, meliputi penghujung tahun 1530-an dan hampir keseluruhan tahun 1540-an. Pada tahun 1550-1570an. bahasa seni asal Tintoretto sebagai sarjana zaman Renaissance akhirnya terbentuk. Ini adalah tempoh kedua beliau. Lima belas tahun terakhir kerja tuan, apabila persepsinya tentang kehidupan dan bahasa artistik mencapai kuasa istimewa dan kuasa tragis, membentuk tempoh ketiga, terakhir dalam karyanya.

Seni Tintoretto, seperti seni Titian, adalah luar biasa pelbagai rupa dan kaya. Ini adalah gubahan besar mengenai tema keagamaan, dan karya yang boleh dipanggil asas untuk pembentukan genre sejarah dalam lukisan, dan "puisi" yang indah, dan gubahan pada tema mitologi, dan banyak potret.

Bagi Tintoretto, terutamanya bermula dari penghujung tahun 1550-an, ia adalah ciri, pertama sekali, untuk menyatakan pengalaman dalaman dan penilaian etikanya terhadap imej yang dia wujudkan. Oleh itu ekspresi emosi yang ghairah dalam bahasa seninya.

Keinginan untuk menyampaikan perkara utama, perkara utama dalam kandungan imej mendominasi dalam karyanya berbanding kepentingan yang bersifat teknikal dan formal bergambar semata-mata. Oleh itu, berus Tintoretto jarang mencapai fleksibiliti virtuoso dan kehalusan anggun bahasa artistik Veronese. Selalunya, tuan, yang bekerja keras dan sentiasa tergesa-gesa untuk menyatakan dirinya, mencipta lukisan yang hampir cuai, "anggaran" dalam pelaksanaannya. Dalam karya terbaiknya, kandungan rohani yang luar biasa dalam bentuk bergambarnya, animasi ghairah visinya tentang dunia membawa kepada penciptaan karya agung, di mana kepenuhan perasaan dan pemikiran adalah selaras dengan teknik lukisan yang berkuasa yang mencukupi untuk perasaan artis. dan niat. Karya-karya Tintoretto ini adalah karya agung yang sama dalam penguasaan bahasa lukisan yang sempurna, serta ciptaan Veronese. Pada masa yang sama, kedalaman dan kekuatan idea membawa karya terbaiknya lebih dekat dengan pencapaian terbesar Titian. Ketidaksamaan warisan seni Tintoretto sebahagiannya disebabkan oleh fakta bahawa tuan (walaupun pada tahap yang sama sekali berbeza daripada Sepanyol kontemporarinya yang lebih muda El Greco) merangkumi dalam karyanya salah satu aspek paling ciri budaya seni zaman Renaissance lewat. , yang merupakan sisi lemah dan kuatnya, - ini adalah pendedahan langsung dalam seni tentang hubungan peribadi subjektif artis dengan dunia, pengalamannya.

Momen penghantaran langsung pengalaman subjektif, mood emosi dalam tulisan tangan itu sendiri, dalam cara pelaksanaan, mungkin, jelas tercermin untuk pertama kalinya dalam seni mendiang Titian dan Michelangelo, iaitu, dalam tempoh ketika mereka menjadi. sarjana zaman Renaissance. Dalam tempoh Renaissance lewat, impuls jiwa artis yang keliru, kemudian dijelaskan, denyutan emosinya yang meriah tidak lagi tertakluk kepada tugas refleksi yang jelas secara harmoni dari keseluruhan, tetapi. sebaliknya, mereka secara langsung dicerminkan dalam cara prestasi yang sangat, mereka menentukan sudut pandangan fenomena kehidupan yang digambarkan atau khayalan.

Dalam sesetengah kes, ini boleh membawa kepada penyimpangan daripada pengetahuan dunia, tenggelam dalam "wawasan" subjektif jiwa, seperti yang berlaku dengan El Greco, dalam kes lain ia membawa kepada permainan artistik dan ego yang dingin dengan bentuk yang digayakan dengan sopan. , tertakluk kepada kesewenang-wenangan peribadi atau sesuka hati rawak fantasi , - dalam mazhab Parma. Tetapi di mana artis itu ditangkap oleh konflik tragis yang hebat pada masa itu, di mana artis itu dengan penuh semangat berusaha untuk mengetahui, mengalami dan menyatakan semangat era itu, di sana sisi budaya zaman Renaissance lewat menguatkan ekspresi emosi langsung artistik. imej, memberikannya keseronokan keghairahan manusia yang tulus. Bahagian seni zaman Renaissance lewat ini menemui ekspresi yang sangat lengkap dalam karya Tintoretto.

Perkara baru yang dibawa oleh Tintoretto kepada seni Itali dan dunia tidak terhad kepada menyatakan keghairahan yang tulus serta-merta untuk melihat dunia, tetapi, sudah tentu, terkandung dalam detik-detik lain yang lebih penting.

Tintoretto adalah yang pertama dalam seni pada masa itu untuk mencipta imej orang ramai, yang dirangkul oleh dorongan rohani tunggal atau sangat bercanggah. Sudah tentu, artis Renaissance sebelum ini menggambarkan bukan sahaja wira individu, tetapi keseluruhan kumpulan orang, tetapi dalam Raphael's School of Athens atau Perjamuan Terakhir Leonardo tidak ada perasaan satu jisim manusia sebagai kolektif integral yang hidup. Ia adalah koleksi personaliti sedia ada secara berasingan yang memasuki interaksi tertentu. Di Tintoretto, buat pertama kalinya, orang ramai muncul, dikurniakan keadaan psikologi yang sama, bersatu dan kompleks, bergerak, bergoyang, polifonik.

Percanggahan tragis dalam perkembangan masyarakat Itali memusnahkan tanggapan humanisme Renaissance tentang penguasaan orang yang sempurna dan cantik ke atas dunia di sekelilingnya, tentang kewujudan heroiknya yang gembira dan gembira. Konflik tragis ini dicerminkan dalam karya Tintoretto.

Karya-karya awal Tintoretto belum lagi disemai dengan semangat tragis ini, mereka masih hidup dalam optimisme yang menggembirakan Zaman Renaissance Tinggi. Namun, dalam karya-karya awal seperti The Last Supper in the Church of Santa Marquola in Venice (1547), seseorang sudah dapat merasakan minat yang meningkat dalam dinamik pergerakan, dalam kesan pencahayaan yang kontras yang tajam, yang, seolah-olah, meramalkan perkembangan lanjut seninya. Tempoh pertama karya Tintoretto berakhir dengan komposisi besarnya "The Miracle of St. Mark" (1548; Akademi Venice). Ini adalah komposisi monumental dan hiasan yang besar dan menakjubkan. Seorang pemuda yang menganut agama Kristian dibogelkan dan dilemparkan oleh orang-orang kafir di atas papak turapan. Atas perintah hakim, dia mengalami siksaan, tetapi Saint Mark, yang terbang dengan pantas dari syurga, melakukan keajaiban: tukul, kayu, pedang mematahkan tubuh martir, yang telah memperoleh kebal ajaib, dan sekumpulan algojo dan algojo. penonton bersandar di atas tubuhnya yang sujud dengan terkejut ketakutan. Komposisi, seperti Renaissance, dibina berdasarkan prinsip penutupan yang jelas: pergerakan ganas di tengah ditutup kerana pergerakan angka yang terletak di bahagian kanan dan kirinya diarahkan ke tengah gambar. Jilid mereka dimodelkan dengan sangat plastik, pergerakan mereka penuh dengan ekspresi gerak isyarat yang lengkap, yang merupakan ciri seni Renaissance. Diberikan dalam perspektif yang berani, sosok seorang wanita muda dengan seorang kanak-kanak di sudut kiri gambar meneruskan tradisi genre heroik yang istimewa, yang ditemui dalam karya Titian pada tahun 1520-an dan 1530-an. ("Membawa Maria ke Kaabah"). Walau bagaimanapun, penerbangan pantas - kejatuhan St. Mark, meletus dari atas ke dalam komposisi gambar, memperkenalkan detik dinamik yang luar biasa, mewujudkan perasaan ruang yang besar di luar bingkai gambar, dengan itu menjangkakan persepsi peristiwa itu tidak secara keseluruhannya tertutup dengan sendirinya, tetapi sebagai salah satu letusan dalam gerakan yang berterusan.aliran masa dan ruang, jadi ciri seni Renaissance lewat.

Motif yang sama dirasai dalam lukisan Tintoretto yang agak awal The Procession of St. Ursula, di mana seorang malaikat terbang dengan pantas dari luar gambar itu menyerang perarakan yang tenang dan lancar bergerak dari kedalaman. Dan dalam tafsiran Tintoretto tentang tema mitologi tradisional, nota baharu juga muncul. Begitulah penjajaran, penuh kontras dramatik, kecantikan muda Venus telanjang, bayi Cupid yang tertidur dengan tenang di dalam buaian, dan pergerakan sudut lelaki tua Vulcan yang menggairahkan (“Venus dan Vulcan”, 1545-1547; Munich) .

Pada tahun 1550-an ciri-ciri baru dalam karya Tintoretto akhirnya berjaya mengatasi skim lama yang sudah lapuk. Salah satu karya yang paling berciri pada masa ini ialah "Entrance of Mary into the Temple" (c. 1555; Venice, Church of Santa Maria del Orto), yang sangat berbeza daripada "Entrance into the Temple" yang khusyuk seperti hiasan Titian. . Tangga curam menuju dari penonton ke kedalaman gambar menuju ke ambang kuil. Di atasnya, dalam perspektif pepenjuru yang tajam, angka berasingan yang diliputi oleh keseronokan resah bertaburan. Di bahagian atas tangga, berlatar belakangkan langit yang tenang, seorang imam besar yang bersungguh-sungguh menjulang, dikelilingi oleh pembantunya. Baginya, menaiki anak tangga terakhir, sosok Maryam yang rapuh bergerak pantas. Perasaan keluasan dunia, dinamik angkasa yang pesat, resapan orang yang mengambil bahagian dalam aksi dengan beberapa jenis pergerakan yang berdenyut pantas, bergetar memberikan keseluruhan komposisi keseronokan yang luar biasa, kepentingan yang istimewa.

Dalam The Abduction of the Body of St. Mark (1562-1566; Venice Academy), satu lagi ciri karya Tintoretto dalam tempoh Matang keluar dengan jelas. Pada saat orang Venetian yang saleh mencuri mayat orang suci dari Alexandria, yang dimiliki oleh "kafir", ribut meletus, membuat orang Alexandria yang kecewa itu melarikan diri. Kuasa yang menggerunkan unsur-unsur, pencahayaan gambar yang tidak tenang dengan kilatan kilat, perjuangan cahaya dan kegelapan langit mendung yang bergelora mengubah alam menjadi rakan sejenayah yang kuat dalam acara itu, meningkatkan drama resah keseluruhan imej.

Dalam Perjamuan Terakhir di Gereja San Trovaso, Tintoretto secara tegas melanggar hierarki watak yang jelas dan mudah yang menjadi ciri, katakan, Raphael's The School of Athens atau Leonardo's The Last Supper. Angka-angka itu tidak berada di hadapan penonton, mereka, seolah-olah, diragut dari ruang persekitaran semula jadi. Meja empat segi di mana Kristus dan para rasul duduk di separa bawah tanah kedai minuman lama diberikan dalam bentuk memendekkan pepenjuru yang tajam. Persekitaran yang mengelilingi para rasul adalah persekitaran yang paling biasa di kedai biasa. Kerusi yang ditenun dengan jerami, najis kayu, tangga menuju ke tingkat seterusnya kedai, pencahayaan bilik yang malap - semua ini, seolah-olah, diragut dari kehidupan. Nampaknya Tintoretto kembali kepada naratif seni Quattrocentist yang naif, dengan penuh kasih sayang menggambarkan watak-wataknya berlatar belakangkan jalan atau pedalaman kontemporari mereka.

Tetapi terdapat juga perbezaan yang ketara di sini. Pertama, dari zaman Giorgione, orang Venetian meletakkan figura mereka secara langsung di persekitaran itu sendiri, bukan dengan latar belakang bilik, tetapi di dalam bilik. Tintoretto juga tidak mengambil berat tentang cinta kecil yang menulis objek harian yang begitu manis dan sayang kepada Quattrocentist. Dia ingin menyampaikan suasana persekitaran sebenar sebagai sfera tindakan yang bersifat ekspresif untuk watak-watak. Lebih-lebih lagi, yang merupakan tipikal sentimen demokrasi plebeian beliau, beliau menekankan kesamaan persekitaran di mana anak tukang kayu dan pelajarnya beroperasi.

Tintoretto berusaha untuk integriti komposisi, semula jadi untuk karya seni yang telah siap, tetapi berbanding dengan tuan pada peringkat sebelumnya, dia sangat merasakan polifoni kehidupan yang kompleks, di mana yang hebat, perkara utama tidak pernah muncul dalam bentuk tulennya. .

Oleh itu, menggambarkan momen tertentu yang penuh dengan kepentingan dalaman dalam aliran kehidupan, Tintoretto memenuhinya dengan pelbagai motif yang bercanggah secara lahiriah: Kristus mengucapkan kata-katanya "Salah seorang daripada kamu akan mengkhianati Aku" pada saat ketika sahabatnya sibuk dengan perkara yang luas. pelbagai tindakan. Salah seorang daripada mereka, memegang cawan di tangan kirinya, menghulurkan tangan kanannya ke botol besar wain yang berdiri di atas lantai; seorang lagi membongkok di atas hidangan makanan; hamba, yang memegang sejenis hidangan, telah pergi separuh di belakang bingkai gambar; seorang wanita yang duduk di tangga, tidak peduli dengan apa yang berlaku, sibuk berputar. Tepat pada masa orang ramai terganggu dengan aktiviti yang pelbagai itu, kata-kata guru yang mengagumkan semua orang kedengaran. Mereka semua bersatu dengan reaksi ganas segera terhadap kata-kata yang mengerikan ini. Mereka yang tidak sibuk dengan apa-apa berjaya menjawab mereka dengan cara yang berbeza. Seorang bersandar ke belakang kerana terkejut, yang kedua menggenggam tangannya dengan marah, yang ketiga, dengan sedih menekan tangannya ke jantungnya, dengan teruja tunduk kepada guru tercintanya. Murid-murid yang terganggu oleh urusan harian mereka seolah-olah membeku dalam kebingungan serta-merta. Tangan yang dihulurkan ke botol telah digantung dan tidak lagi akan naik untuk menuang wain; seseorang yang membongkok di atas pinggan tidak akan menanggalkan penutupnya lagi. Mereka juga dirampas oleh kejutan umum yang penuh kemarahan. Dengan cara ini, Tintoretto cuba menyampaikan secara serentak kedua-dua kepelbagaian kompleks perjalanan harian kehidupan seharian dan kilatan emosi serta keghairahan serta-merta yang tiba-tiba menyatukan kumpulan orang yang kelihatan heterogen ini menjadi satu keseluruhan.

Pada tahun 1550-1560an. Tintoretto mencipta bukan sahaja karya di mana kekeliruan tragis era sudah dapat ditebak, tetapi juga satu siri lukisan yang disemai dengan keinginan untuk melarikan diri dari konflik realiti ke dunia kisah dongeng puitis, ke dunia mimpi. Tetapi walaupun pada mereka, rasa kontras yang tajam dan ketidakstabilan yang tidak stabil dari makhluk yang boleh berubah, walaupun dalam transformasi bentuk yang hebat dan puitis, masih terasa.

Jadi, dalam cerita Perancis abad ke-13 yang ditulis pada motif. Dalam lukisan "The Saving of Arsinoe", artis mencipta, nampaknya dalam tradisi "puisi" bergambar Renaissance, sebuah kisah yang menarik tentang bagaimana seorang kesatria dan seorang lelaki muda, berlayar di atas gondola ke kaki menara istana yang suram berkembang. keluar dari laut, selamatkan dua orang cantik telanjang yang dirantai dengan rantai. Ini adalah puisi indah yang membawa seseorang ke dunia fiksyen puitis dari ketidakstabilan kehidupan sebenar yang gelisah dan tidak stabil. Tetapi dengan ketajaman apa tuan membandingkan cuirass logam sejuk seorang kesatria, bersentuhan dengan kelembutan lembut tubuh wanita, dan betapa goyah, sokongan yang tidak stabil adalah perahu ringan, bergoyang di atas ombak laut yang tidak stabil.

Salah satu lukisan terbaik dari siri "puisi" ialah Susanna, secara rasmi didedikasikan untuk mitos alkitabiah, dari Galeri Vienna (c. 1560). Keajaiban yang mempesonakan gubahan ini tidak dapat dinafikan. Pertama, ini adalah salah satu lukisan di mana kesan tergesa-gesa, selalunya ciri Tintoretto, tidak dirasai. Ia ditulis dengan berus virtuoso yang nipis dan tepat. Keseluruhan suasana gambar dikipas oleh kesejukan keperakan-kebiruan yang khas, memberikannya rasa kesegaran dan sedikit kesejukan. Susanna baru sahaja keluar dari bilik mandi. Kaki kirinya masih ditenggelami air sejuk. Tubuh yang berseri-seri diselubungi bayang-bayang kebiruan terang, semuanya kelihatan bercahaya dari dalam. Kilauan tubuhnya yang lembut subur dan anjal dikontraskan dengan tekstur lipatan tuala hijau kebiruan yang lebih likat dalam lipatan tuala hijau kebiruan yang likat.

Di hadapannya, dalam hijau zaitun gelap trellis, mawar terbakar dengan warna merah jambu-ungu. Di latar belakang, jalur aliran berwarna perak, dan di belakangnya, ditulis dalam nada pistachio yang terang, sedikit kelabu, timbul batang nipis poplar kecil. Bunga poplar keperakan, pancaran sejuk mawar, kilauan air kolam yang tenang dan anak sungai seolah-olah mengambil motif sinaran tubuh telanjang Susanna dan, bermula dari latar belakang bayang-bayang dan bumi berwarna coklat-zaitun. , ciptakan suasana sejuk keperakan dan bersinar lembut yang menyelubungi keseluruhan gambar.

Susanna mengintip ke dalam cermin yang diletakkan di hadapannya di atas tanah, mengagumi pantulan dirinya. Kita tak nampak dia. Dalam permukaan mutiara goyah cermin yang ditetapkan pada sudut kepada penonton, hanya pin emas dan hujung tuala berenda yang digunakannya untuk mengelap kakinya terpantul. Tetapi ini sudah cukup - penonton meneka apa yang tidak dilihatnya, mengikut arah pandangan Susanna berambut emas, sedikit terkejut dengan kecantikannya sendiri.

Hebat dalam lukisan, meriah, terang teruja, dan komposisi "The Origin of the Milky Way" (London), dicipta pada tahun 1570. Menurut mitos kuno, Musytari, ingin memberi ganjaran keabadian untuk bayinya, yang dilahirkan dari seorang wanita fana, memerintahkan untuk menekannya ke dada Juno supaya jika dia minum susu dewi, dia sendiri akan menjadi abadi. Dari percikan susu yang diambil secara mengejut dan berundur ketakutan, Juno, Bima Sakti bangkit, mengelilingi langit. Komposisi itu, penuh dengan kekaguman resah, dibina pada kontras pembantu rumah Musytari, dengan pantas menyerang dari kedalaman angkasa, dan badan mutiara lembut dewi telanjang bersandar ke belakang terkejut. Kontras penerbangan tajam dayang dan kelembutan lembut gerak-geri dewi cantik itu penuh dengan ketajaman dan daya tarikan yang luar biasa.

Tetapi impian "puisi" yang termenung ini hanyalah satu aspek dalam karya tuan. Patologi utamanya berbeza. Pergerakan ribut massa manusia, memenuhi dunia yang luas, semakin menarik perhatian artis.

Rajah ms 280-281

Konflik masa yang tragis, kesedihan dan penderitaan orang diluahkan dengan kekuatan tertentu, walaupun, seperti tipikal era itu, dalam bentuk tidak langsung, dalam The Crucifixion (1565), dicipta untuk scuola di San Rocco dan ciri-ciri tempoh kedua kerja Tintoretto. Gambar itu memenuhi seluruh dinding bilik persegi yang besar (yang dipanggil Alberto), bersebelahan dengan dewan atas yang besar. Komposisi ini, bukan sahaja meliputi adegan penyaliban Kristus dan dua pencuri, termasuk murid-murid yang berpaut pada salib, dan orang ramai yang mengelilingi mereka. Ia memberikan kesan yang hampir panorama dari sudut pandangan dari mana ia dilihat, kerana cahaya yang mencurah melalui tingkap kedua-dua dinding sisi, seolah-olah, mengembangkan seluruh bilik. Jalinan dua aliran cahaya yang bertentangan, berubah apabila matahari bergerak, menghidupkan gambar dengan warnanya, sama ada membara, atau berkelip, atau pudar. Komposisi itu sendiri tidak segera muncul di hadapan penonton dalam semua integritinya. Apabila penonton berada di dalam dewan yang besar, maka hanya kelihatan kaki salib dan kumpulan murid lelaki yang disalib itu, dipeluk oleh kesedihan, di celah pintu. Beberapa dengan prihatin dan sedih membongkok ibu mereka yang patah; yang lain dalam keputusasaan bersemangat mengalihkan pandangan mereka kepada guru yang dihukum mati. Dia, yang dinaikkan oleh salib tinggi di atas orang ramai, belum kelihatan. Kumpulan itu membentuk komposisi lengkap, serba lengkap, jelas terhad oleh bingkai pintu.

Tetapi rupa John dan batang salib yang naik menunjukkan bahawa ini hanyalah sebahagian daripada komposisi yang lebih luas dan lebih komprehensif. Penonton datang ke pintu, dan dia sudah dapat melihat Kristus keletihan oleh penderitaan, seorang lelaki yang cantik dan kuat, dengan kesedihan yang lembut menundukkan mukanya kepada keluarga dan rakan-rakannya. Satu langkah lagi - dan di hadapan penonton yang memasuki bilik itu, gambar besar terbentang di seluruh keluasannya, dihuni oleh orang ramai, keliru, ingin tahu, menang dan penuh belas kasihan. Di tengah-tengah lautan manusia yang bergelora ini, sekumpulan manusia yang bersendirian berpaut pada kaki salib.

Kristus dikelilingi oleh pancaran warna yang tidak dapat digambarkan, berpendar dengan latar belakang langit yang suram. Tangannya yang dihulur, dipaku pada palang, seolah-olah memeluk dunia yang bising yang resah ini dalam pelukan yang luas, merestui dan memaafkannya.

"Penyaliban" adalah benar-benar seluruh dunia. Ia tidak boleh habis dalam satu penerangan. Seperti dalam kehidupan, segala-galanya di dalamnya tidak dijangka dan pada masa yang sama perlu dan penting. Pemodelan plastik zaman Renaissance bagi watak-watak dan kejelasan jiwa manusia yang mendalam juga menarik perhatian. Dengan kejujuran yang kejam, artis itu juga mengukir imej ketua berjanggut di atas kuda, melihat pelaksanaan itu dengan rasa puas hati yang menyombongkan diri, dan seorang lelaki tua, dengan kelembutan yang menyedihkan, membungkuk di atas Mary yang keletihan, dan John muda, dalam kegembiraan yang menyedihkan, berpaling. pandangannya kepada guru yang sedang nazak.

Komposisi "Penyaliban" dilengkapi dengan dua panel yang diletakkan di dinding bertentangan, di sisi pintu - "Kristus di hadapan Pilatus" dan "Memikul Salib", merangkumi peringkat utama "semangat Kristus". Jika digabungkan, ketiga-tiga karya ini membentuk satu ensembel yang lengkap baik dari segi gubahan mahupun kiasan.

Minat dalam kitaran monumental yang besar adalah ciri ciri Tintoretto yang matang dan lewat, yang berusaha dengan tepat dalam perubahan imej "banyak bersuara" yang bergema dan kontras antara satu sama lain untuk menyampaikan ideanya tentang kuasa unsur dan dinamik kompleks makhluk. Mereka paling lengkap didedahkan dengan tepat dalam ensembel raksasa Scuola di San Rocco, belum pernah terjadi sebelumnya untuk lukisan minyak, yang terdiri daripada beberapa dozen kanvas dan plafon - bahagian atas (1576-1581) dan bawah (1583-1587) bahagian belakang besar. Antaranya, Perjamuan Terakhir, diserap dengan drama pantas; disemai dengan mimpi anggun dan rasa halus penggabungan jiwa manusia dengan dunia alam semula jadi, "Mary of Egypt in the Desert" (dewan bawah); penuh dengan ketegangan dan kebimbangan tersembunyi "The Temptation of Christ"; "Musa memotong air dari batu" yang sangat megah, menunjukkan perjuangan tegang raksasa dengan kuasa unsur yang bersifat permusuhan.

Dalam beberapa karya kitaran San Rocco, asas asas rakyat karya Tintoretto keluar dengan jelas. Ini adalah "Adoration of the Shepherds" beliau. Situasi plebeian kandang dua tingkat, tipikal untuk ladang petani di ladang terra, yang ditangkap dari kehidupan, adalah ciri (di lantai tingkat atas, tempat jerami disimpan untuk ternakan, Maria dan bayi itu berteduh). Pada masa yang sama, pencahayaan yang luar biasa, pergolakan pergerakan para gembala yang membawa hadiah sederhana mereka mengubah pemandangan ini, mendedahkan kepentingan dalaman peristiwa itu.

Daya tarikan terhadap imej orang ramai yang besar sebagai protagonis karya itu adalah tipikal beberapa karya lain Tintoretto pada zaman terakhir.

Jadi, dalam tempoh terakhir karyanya, dia mencipta untuk Istana Doge dan Venice salah satu yang pertama lukisan sejarah dalam erti kata yang betul - "The Battle of Dawn" (c. 1585). Pada kanvas besar yang memenuhi seluruh dinding, Tintoretto menggambarkan orang ramai yang dilanda kemarahan pertempuran. Walau bagaimanapun, dalam The Battle of Dawn, Tintoretto tidak berusaha untuk memberikan sejenis peta darat pertempuran, seperti yang kadang-kadang dilakukan oleh tuan abad ke-17 kemudian. Dia lebih mementingkan penghantaran irama pertempuran yang pelbagai. Dalam gambar, sama ada kumpulan pemanah melempar anak panah, kemudian penunggang kuda yang telah turun dalam pertempuran, kemudian kumpulan infantri perlahan-lahan bergerak dalam serangan, kemudian kumpulan artileri, mengheret meriam berat dengan ketegangan, silih berganti. Kilatan sepanduk merah dan emas, kepulan asap serbuk mesiu yang lebat, anak panah yang deras, kerlipan cahaya dan bayang yang membosankan menyampaikan kecerahan dramatik dan polifoni kompleks dari gemuruh pertempuran yang berlaku. Bukan kebetulan bahawa Tintoretto Surikov, pakar penggambaran kehidupan rakyat, kolektif manusia yang kompleks dan banyak pihak, jatuh cinta kepadanya.

"Syurga"nya (selepas 1588) juga tergolong dalam tempoh kemudian - komposisi besar yang menduduki seluruh dinding hujung dewan utama yang megah di Istana Doge. Gambar itu ditulis secara terperinci dengan agak santai dan sangat gelap dari semasa ke semasa. Idea tentang watak bergambar asal gubahan ini boleh diberikan melalui lakaran besarnya yang disimpan di Louvre.

"Syurga" dan khususnya "Battle of Dawn" oleh Tintoretto, sudah tentu, tidak secara rasmi bercanggah dengan ensembel meriah Istana Doge yang mengagumkan, memuliakan kuasa hebat patrician Venice yang sudah menjelang matahari terbenam. Namun, imej, perasaan dan idea mereka yang mereka bangkitkan adalah lebih luas daripada permintaan maaf atas kehebatan kuasa Venetian yang semakin pudar, dan, pada dasarnya, disemai dengan rasa kepentingan kehidupan dan pengalaman yang kompleks, jika bukan dari orang pada pemahaman kita, kemudian orang ramai, orang ramai.

Seperti kilatan terang terakhir dari lampu yang hampir mati, karunia tuan, yang berdiri di penghujung perjalanan panjangnya, didedahkan dalam The Gathering of Manna dan The Last Supper in the Church of San Giorgio Maggiore (1594).

Karya-karya terakhir beliau ini dibezakan oleh suasana kompleks perasaan gelisah, kesedihan yang tercerahkan, meditasi yang mendalam. Ketajaman dramatik pertembungan, pergerakan ribut orang ramai, letusan tajam keghairahan terburu-buru - semuanya muncul di sini dalam penjelmaan yang lembut dan jelas.

Pada masa yang sama, pergerakan para rasul yang secara zahirnya agak terkawal yang mengambil bahagian dalam Kristus penuh dengan kekuatan rohani dalaman yang sangat tertumpu. Dan walaupun mereka duduk di meja yang menyerong ke dalam kedalaman bilik yang panjang dan rendah, dan latar depan menunjukkan sosok hamba dan pembantu rumah yang bergerak bertenaga, perhatian penonton tertuju kepada para rasul. Cahaya itu, secara beransur-ansur berkembang, menyebarkan kegelapan, membanjiri Kristus dan murid-muridnya dengan pancaran pendar magisnya, cahaya inilah yang menonjolkan mereka, menumpukan perhatian kita kepada mereka.

Simfoni cahaya yang berkelip-kelip mencipta perasaan ajaib yang mengubah peristiwa yang kelihatan biasa menjadi keajaiban mendedahkan komunikasi rohani yang teruja sekumpulan kecil orang yang setia antara satu sama lain, kepada guru dan idea yang hebat. Aliran sinaran yang mempesonakan memancarkan lampu tembaga sederhana yang digantung dari siling; awan cahaya wap berpusar mengembun menjadi imej malaikat yang tidak berbadan, hantu, cahaya yang luar biasa pelik meluncur di atas permukaan yang berkilauan, diterangi dengan cahaya berwarna tenang objek biasa dari hiasan sederhana bilik.

Dalam The Gathering of Manna, cahaya keperakan-hijau yang bersinar lembut menyelubungi jarak yang terang, perlahan-lahan meluncur di atas badan dan pakaian tokoh-tokoh latar depan dan tengah, seolah-olah mendedahkan keindahan dan puisi orang yang terlibat dalam kerja biasa yang sederhana: pemutar di alat mesin, tukang besi, tukang cuci membilas linen, petani memandu baghal. Dan di suatu tempat di sebelah, beberapa wanita sedang memungut biji manna. Tidak, tetapi manna yang memberi makanan kepada manusia itu jatuh dari syurga. Keajaiban itu terletak di tempat lain, dalam puisi kerja yang disucikan oleh keindahan moralnya.

Dalam karya perpisahan jenius yang tercerahkan ini, Tintoretto, mungkin, paling dekat dengan semua sarjana abad ke-16. mendekati Rembrandt, rasa puisinya yang mendalam dan kepentingan dunia moral orang biasa. Tetapi di sinilah perbezaan yang menentukan antara seni Tintoretto dan realis agung abad ke-17 paling jelas didedahkan. Tintoretto dicirikan oleh keinginan untuk kanvas yang penuh sesak dan tafsiran heroik yang tinggi terhadap imej yang berasal dari tradisi Renaissance, manakala imej Rembrandt penuh dengan kepekatan yang sederhana, menyelami diri, mereka seolah-olah secara tidak sengaja mendedahkan keindahan moral dalaman mereka. dunia. Aliran cahaya yang mencurah-curah dari dunia besar membanjiri wira-wira gubahan Tintorett dengan gelombang mereka: di Rembrandt - cahaya lembut, seolah-olah dipancarkan oleh kesedihan, dengan tenang bergembira, mendengar satu sama lain, menyebarkan kegelapan pekak ruang sekeliling.

Walaupun Tintoretto bukanlah seorang pelukis potret yang dilahirkan seperti Titian, dia meninggalkan galeri potret yang besar, walaupun kualitinya tidak rata. Yang terbaik daripada potret ini, sudah tentu, secara artistik sangat signifikan dan menduduki tempat penting dalam perkembangan potret zaman moden.

Tintoretto dalam potretnya tidak berusaha untuk mendedahkan, pertama sekali, keperibadian unik seseorang, tetapi untuk menunjukkan bagaimana beberapa emosi, perasaan, masalah moral manusia sejagat pada masa itu dibiaskan melalui keaslian watak individu manusia. Oleh itu kelembutan tertentu dalam pemindahan ciri-ciri persamaan dan watak individu, dan pada masa yang sama kandungan emosi dan psikologi yang luar biasa imejnya.

Keaslian gaya potret Tintorett ditentukan tidak lebih awal daripada pertengahan 1550-an. Oleh itu, imej potret terdahulu, sebagai contoh, potret lelaki (1553; Vienna), lebih dibezakan oleh kewujudan material yang hebat, dinamik gerak isyarat yang terkawal dan mood termenung yang tidak tentu secara umum daripada oleh ketegangan keadaan psikologi mereka.

Antara potret awal ini, mungkin yang paling menarik ialah potret generasi Venetian (akhir 1540-an - awal 1550-an; Galeri Dresden). Keadaan umum mimpi mulia disampaikan di sini terutamanya secara halus dan puitis. Sentuhan kewanitaan yang penuh kasih sayang dijalin ke dalamnya.

Dalam potret kemudian, sebagai contoh, dalam potret Sebastiano Venier (Vienna) dan terutamanya dalam potret Berlin seorang lelaki tua, imej mencapai kedalaman rohani, psikologi dan kuasa ekspresi dramatik yang hebat. Watak-watak dalam potret Tintoretta sering dirampas dengan kebimbangan yang mendalam, renungan yang menyedihkan.

Begitulah potret dirinya (1588; Louvre). Dari kegelapan yang samar-samar dengan latar belakang yang tidak pasti, wajah tuan tua yang sedih dan kuyu, diterangi oleh cahaya yang gelisah, tidak pasti, seolah-olah pudar, muncul. Ia tidak mempunyai sebarang perwakilan atau kecantikan fizikal, ia adalah wajah seorang lelaki tua yang letih, letih oleh pemikiran yang berat dan penderitaan moral. Tetapi kecantikan rohani dalaman, keindahan dunia moral seseorang, mengubah wajahnya, memberikan kekuatan dan kepentingan yang luar biasa. Pada masa yang sama, potret ini tidak mempunyai perasaan hubungan intim, perbualan intim yang tenang antara penonton dan orang yang digambarkan, atau penyertaan penonton dalam kehidupan rohani wira, yang kita rasakan dalam potret mendiang Rembrandt. Pandangan mata sedih Tintoretto yang terbuka luas ditujukan kepada penonton, tetapi dia meluncur melewatinya, dia berubah menjadi jarak yang tidak terhingga atau, apa yang sama, di dalam dirinya. Pada masa yang sama, jika tiada sebarang gerak isyarat luaran (ini adalah potret payudara, di mana tangan tidak digambarkan), irama cahaya dan bayang yang gelisah, gugup yang hampir demam strok dengan kekuatan yang luar biasa menyampaikan perasaan dalaman. kegawatan, cetusan fikiran dan perasaan yang tidak tenang. Ini adalah imej tragis seorang lelaki tua yang bijak, mencari dan tidak menemui jawapan kepada soalan-soalan sedihnya bertukar kepada kehidupan, kepada nasib.

Dalam hubungan yang sangat rapat dengan seni bina, arca juga dibangunkan di Venice. Pengukir Venice lebih kerap melakukan kerja yang berkaitan secara langsung dengan hiasan monumental bangunan Venice yang megah daripada kerja pada monumen arca bebas atau arca kuda. Bukan kebetulan bahawa tuan terbesar arca Venetian adalah arkitek Jacopo Ansovino (1486-1570).

Sememangnya, dalam karya monumental dan hiasannya, pengukir Sansovino secara halus merasakan niat Sansovino arkitek. Kerja-kerja sintetik sedemikian, di mana tuannya bertindak sebagai pengukir dan sebagai arkitek, sebagai contoh, logetta yang indah di St. Mark's Square (1537), dibezakan oleh perpaduan harmoni yang menakjubkan dari bentuk seni bina perayaan mulia dan relief dan patung bulat menghiasi mereka.

Secara umumnya, seni Sansovino, terutamanya pada masa awal karyanya, berkait rapat dengan seni Renaissance Tinggi. Keanehan karya awalnya ialah perasaan halus permainan chiaroscuro yang lembut, kelancaran irama bebas, yang menghubungkan keplastikan Sansovino walaupun sebelum dia berpindah ke Venice dengan ciri-ciri kecenderungan umum seni Venice secara keseluruhan. Ini, boleh dikatakan, ciri-ciri indah keplastikan Sansovino jelas tercermin buat kali pertama dalam patungnya Bacchus muda (1518), yang terletak di Muzium Negara Florentine.

Sansovino menetap di Venice selepas 1527, di mana semuanya lebih jauh kehidupan kreatif artis. Dalam tempoh ini, dalam satu pihak, terdapat peningkatan dalam trend bergambar dalam gubahan relief berbilang angka Sansovino, sebagai contoh, dalam relief gangsanya yang didedikasikan untuk kehidupan St. Mark (Katedral San Marco di Venice). Walaupun pada hakikatnya relief ini dibina berdasarkan prinsip pelepasan perspektif, permainan chiaroscuro yang tajam, pelanggaran satah hadapan relief dengan sudut tebal, imej langit mendung pada satah belakang relief memberikan jelas keindahan dan dinamik emosi kepada karya-karya ini. Dalam pelepasan kemudian untuk pintu gangsa sakristi Katedral San Marco, Sansovino secara konsisten merujuk kepada teknik pelepasan perspektif, dan untuk menyampaikan rasa kedalaman ruang yang lebih kuat, dia membuat permukaan pintu. cekung. Pada asasnya, kelegaan terakhir dalam "lukisan" emosi mereka sedikit sebanyak menyamai karya mendiang Titian dan Tintoretto awal.

Dalam plastik patung, Sansovino yang matang, yang terus mencipta imej yang penuh dengan keindahan dan kemegahan heroik, berusaha untuk menghubungkannya seaktif mungkin dengan persekitaran spatial sekitarnya. Oleh itu kebebasan sudut "pelukis", oleh itu keinginan, apabila dia menghiasi fasad bangunan dengan beberapa patung, untuk menghubungkan patung-patung ini dengan irama yang sama, sejenis gulingan gubahan motif pergerakan yang disandingkan. Walaupun setiap daripada mereka diletakkan di dalam niche yang berasingan dan, nampaknya, terpencil antara satu sama lain, beberapa keseronokan berirama biasa, beberapa jenis gema emosi mengikat mereka menjadi sejenis keseluruhan emosi-imaginasi tunggal.

Dalam tempoh akhir karya Sansovino, perasaan patah, pergolakan berirama, yang secara amnya merupakan ciri-ciri zaman Renaissance lewat Itali, menemui ekspresi dalam karya-karyanya. Begitulah, khususnya, imej orang muda, letih oleh percanggahan dalaman, John the Baptist.

Alessandro Vittoria (1525-1608) bekerja dari usia dua puluh tahun di Venice. Dia adalah pelajar Sansovino dan mengambil bahagian bersamanya dalam pelaksanaan karya monumental dan hiasan yang besar (dia memiliki caryatids pintu gerbang Perpustakaan Sansovino, 1555, patung Mercury di Istana Doge, 1559). Patut disebut ialah batu nisan Doge Venier (1555; Venice). Di antara karya beliau pada zaman akhir, dipenuhi dengan pengaruh Mannerist, John the Baptist (1583; Treviso) menonjol. Potretnya patut diberi perhatian, dibezakan oleh ciri-ciri kemeriahan dan komposisi yang berkesan. Begitulah patung-patung Marcantonio Grimani, Tommaso Rangone dan lain-lain. Vittoria juga merupakan pencipta siri arca gangsa kecil yang luar biasa yang menghiasi bahagian dalam sekular yang kaya pada masa itu, serta gereja-gereja, seperti, sebagai contoh, candelabra uniknya yang elegan di Chapel del Rosario. Karya-karya beliau seperti ini berkait rapat dengan perkembangan umum seni gunaan Itali.

Popular dalam kategori: