Seniman luar zaman Renaissance. Seniman Renaissance Itali yang Hebat

Sandro Botticelli(1 Mac 1445 -- 17 Mei 1510) -- dalam lelaki beragama, bekerja di semua gereja utama di Florence dan di Kapel Sistine Vatican, tetapi dalam sejarah seni dia kekal terutamanya sebagai pengarang kanvas puisi berformat besar mengenai subjek yang diilhamkan oleh zaman kuno klasik - "Spring" dan "The Birth of Zuhrah". .

Untuk masa yang lama, Botticelli berada dalam bayang-bayang gergasi Renaissance yang bekerja selepasnya, sehingga dia berada di pertengahan sembilan belas abad yang ditemui semula oleh Pra-Raphaelite British, yang menghormati lineariti rapuh dan kesegaran musim bunga kanvas matangnya sebagai titik tertinggi dalam pembangunan seni dunia.

Dilahirkan dalam keluarga seorang warganegara kaya Mariano di Vanni Filipepi. Mendapat pendidikan yang baik. Dia belajar melukis dengan sami Filippo Lippi dan mengambil alih daripadanya semangat dalam menggambarkan motif menyentuh yang membezakan lukisan sejarah Lippi. Kemudian dia bekerja untuk pemahat terkenal Verrocchio. Pada tahun 1470 beliau menganjurkan bengkelnya sendiri.

Dia menggunakan kehalusan dan ketepatan garisan daripada abang keduanya, yang merupakan seorang tukang emas. Untuk beberapa lama dia belajar dengan Leonardo da Vinci di bengkel Verrocchio. Ciri asal bakat Botticelli sendiri adalah kecenderungannya ke arah yang hebat. Dia adalah salah seorang yang pertama memperkenalkan mitos dan alegori purba ke dalam seni pada zamannya, dan dia bekerja dengan cinta istimewa pada subjek mitologi. Terutama menakjubkan adalah Venusnya, yang berenang telanjang di atas laut dalam cangkerang, dan tuhan-tuhan angin menghujaninya dengan hujan mawar, dan menghalau cangkerang itu ke pantai.

Ciptaan terbaik Botticelli dianggap sebagai lukisan dinding yang dia mulakan pada tahun 1474 di Kapel Sistina Vatican. Menyiapkan banyak lukisan yang ditugaskan oleh Medici. Khususnya, dia melukis sepanduk Giuliano Medici, abang Lorenzo the Magnificent. Pada tahun 1470-an dan 1480-an, potret itu menjadi genre bebas dalam karya Botticelli ("Man with a Medal", c. 1474; "Young Man", 1480s). Botticelli menjadi terkenal dengan rasa estetiknya yang halus dan untuk karya seperti The Annunciation (1489-1490), The Abandoned Woman (1495-1500), dll. tahun lepas dalam hidupnya, Botticelli, nampaknya, meninggalkan lukisan ..

Sandro Botticelli dikebumikan di makam keluarga di gereja Ognisanti di Florence. Menurut wasiat, dia dikebumikan berhampiran kubur Simonetta Vespucci, yang paling memberi inspirasi imej yang cantik tuan.

Leonardo di Ser Piero da Vinci(15 April 1452, kampung Anchiano, berhampiran bandar Vinci, berhampiran Florence - 2 Mei 1519, - artis Itali yang hebat (pelukis, pengukir, arkitek) dan saintis (ahli anatomi, naturalis), pencipta, penulis, seorang daripada wakil utama seni Renaissance Tinggi, contoh utama "manusia sejagat". .

Leonardo terutamanya dikenali oleh sezaman kita sebagai seorang artis. Di samping itu, ada kemungkinan bahawa da Vinci boleh menjadi seorang pemahat: penyelidik dari Universiti Perugia - Giancarlo Gentilini dan Carlo Sisi - mendakwa bahawa kepala terakota yang mereka temui pada tahun 1990 adalah satu-satunya karya arca Leonardo da Vinci yang telah turun. kepada kita. Walau bagaimanapun, da Vinci sendiri pada tempoh yang berbeza dalam hidupnya menganggap dirinya sebagai seorang jurutera atau saintis. Dia tidak menumpukan banyak masa untuk seni halus dan bekerja agak perlahan. sebab tu warisan seni Jumlah Leonardo tidak besar, dan beberapa karyanya telah hilang atau rosak teruk. Namun, sumbangannya kepada dunia budaya seni adalah sangat penting walaupun dengan latar belakang kohort jenius yang diberikan oleh Renaissance Itali. Terima kasih kepada kerjanya, seni lukisan berpindah ke kualitatif peringkat baru perkembangannya. Seniman Renaissance yang mendahului Leonardo dengan tegas meninggalkan banyak konvensyen seni zaman pertengahan. Ia adalah pergerakan ke arah realisme dan banyak yang telah dicapai dalam kajian perspektif, anatomi, kebebasan yang lebih besar dalam keputusan komposisi. Tetapi dari segi keindahan, bekerja dengan cat, artis masih agak konvensional dan terkekang. Garis dalam gambar jelas menggariskan subjek, dan imej itu mempunyai rupa lukisan yang dilukis. Yang paling bersyarat ialah landskap, yang dimainkan peranan kecil. .

Leonardo menyedari dan melaksanakan yang baru teknik melukis. Line dia ada hak untuk blur, sebab macam tu kita nampak. Dia menyedari fenomena penyebaran cahaya di udara dan penampilan sfumato - jerebu antara penonton dan objek yang digambarkan, yang melembutkan kontras warna dan garis. Akibatnya, realisme dalam lukisan telah berpindah ke tahap yang baru secara kualitatif. . lukisan renaissance botticelli renaissance

Rafael Santi(28 Mac 1483 - 6 April 1520) - pelukis Itali yang hebat, artis grafik dan arkitek, wakil sekolah Umbrian ..

Anak lelaki pelukis Giovanni Santi menjalani latihan seni awal di Urbino bersama bapanya Giovanni Santi, tetapi pada usia muda dia berakhir di studio artis cemerlang Pietro Perugino. Tepat sekali bahasa seni dan kiasan lukisan Perugino, dengan graviti mereka ke arah komposisi seimbang simetri, kejelasan resolusi spatial dan kelembutan dalam penyelesaian warna dan pencahayaan, mempunyai pengaruh utama pada cara Raphael muda.

Ia juga perlu untuk menetapkan bahawa gaya kreatif Raphael termasuk sintesis teknik dan penemuan tuan lain. Pada mulanya, Raphael bergantung pada pengalaman Perugino, kemudian pada gilirannya - pada penemuan Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo, Michelangelo. .

Kerja awal(“Madonna Conestabile” 1502-1503) disemai dengan keanggunan, lirik yang lembut. Kewujudan manusia di bumi, keharmonian rohani dan kekuatan fizikal dimuliakan dalam mural bilik-bilik Vatican (1509-1517), setelah mencapai rasa perkadaran yang sempurna, irama, perkadaran, eufoni warna, kesatuan angka dan latar belakang seni bina yang megah ..

Di Florence, setelah bersentuhan dengan karya Michelangelo dan Leonardo, Raphael belajar daripada mereka imej badan manusia yang betul secara anatomi. Pada usia 25 tahun, artis pergi ke Rom, dan dari saat itu bermula tempoh berbunga tertinggi karyanya: dia melakukan mural monumental di Istana Vatican (1509--1511), di antaranya adalah karya agung yang tidak dapat dipertikaikan. tuan - lukisan dinding "The School of Athens", menulis gubahan mezbah dan lukisan kuda-kuda, yang dibezakan oleh keharmonian reka bentuk dan pelaksanaan, berfungsi sebagai arkitek (untuk beberapa waktu Raphael juga menyelia pembinaan Katedral St. Peter). Dalam pencarian tanpa jemu untuk cita-citanya, yang diwujudkan untuk artis dalam imej Madonna, dia mencipta ciptaannya yang paling sempurna - "Sistine Madonna" (1513), simbol keibuan dan penyangkalan diri. Lukisan dan mural Raphael diiktiraf oleh orang sezamannya, dan tidak lama kemudian Santi menjadi tokoh utama dalam kehidupan seni Rom. Ramai orang bangsawan Itali ingin berkahwin campur dengan artis itu, termasuk kawan rapat Raphael, Kardinal Bibbiena. Artis itu meninggal dunia pada usia tiga puluh tujuh tahun akibat kegagalan jantung. Lukisan-lukisan Villa Farnesina, Vatican Loggias dan karya-karya lain yang belum siap telah disiapkan oleh pelajar Raphael mengikut lakaran dan lukisannya.

Salah satu wakil terbesar seni Renaissance Tinggi, yang lukisannya dicirikan oleh keseimbangan dan keharmonian keseluruhan yang ditekankan, keseimbangan komposisi, keteraturan irama dan penggunaan halus kemungkinan warna. Perintah garisan yang sempurna dan keupayaan untuk menyamaratakan dan menyerlahkan perkara utama menjadikan Raphael salah seorang ahli lukisan paling cemerlang sepanjang zaman. Warisan Raphael berfungsi sebagai salah satu tonggak dalam proses pembentukan akademik Eropah. Penganut klasikisme - saudara Carracci, Poussin, Meng, David, Ingres, Bryullov dan ramai artis lain - memuji warisan Raphael sebagai fenomena paling sempurna dalam seni dunia ..

Titian Vecellio(1476/1477 atau 1480-an-1576) - Pelukis Renaissance Itali. Nama Titian adalah setanding dengan artis Renaissance seperti Michelangelo, Leonardo da Vinci dan Raphael. Titian melukis gambar pada subjek alkitabiah dan mitologi, dia menjadi terkenal sebagai pelukis potret. Dia ditugaskan oleh raja-raja dan paus, kardinal, duke dan putera raja. Titian belum berusia tiga puluh tahun apabila dia diiktiraf sebagai pelukis terbaik di Venice.

Dari tempat kelahirannya (Pieve di Cadore di wilayah Belluno), dia kadang-kadang dipanggil da Cadore; juga dikenali sebagai Titian the Divine.

Titian dilahirkan dalam keluarga Gregorio Vecellio, seorang negarawan dan tokoh tentera. Pada usia sepuluh tahun, dia dihantar bersama abangnya ke Venice untuk belajar dengan ahli mozek terkenal Sebastian Zuccato. Beberapa tahun kemudian dia memasuki studio Giovanni Bellini sebagai perantis. Dia belajar dengan Lorenzo Lotto, Giorgio da Castelfranco (Giorgione) dan beberapa artis lain yang kemudiannya menjadi terkenal.

Pada tahun 1518, Titian melukis lukisan "The Ascension of the Mother of God", pada tahun 1515 - Salome dengan kepala John the Baptist. Dari 1519 hingga 1526 dia melukis beberapa mezbah, termasuk mezbah keluarga Pesaro.

Titian hidup panjang umur. Sebelum ini hari terakhir dia tidak berhenti bekerja. saya gambar terakhir, "Ratapan Kristus", Titian menulis untuk batu nisannya sendiri. Artis itu meninggal dunia akibat wabak di Venice pada 27 Ogos 1576, setelah dijangkiti penyakit itu daripada anaknya semasa menjaganya.

Maharaja Charles V memanggil Titian kepada dirinya sendiri dan mengelilinginya dengan penghormatan dan penghormatan dan berkata lebih daripada sekali: "Saya boleh mencipta seorang duke, tetapi di mana saya boleh mendapatkan Titian kedua." Apabila suatu hari artis itu menjatuhkan berusnya, Charles V mengambilnya dan berkata: "Adalah terhormat untuk berkhidmat kepada Titian walaupun kepada maharaja." Kedua-dua raja Sepanyol dan Perancis menjemput Titian ke tempat mereka, untuk menetap di mahkamah, tetapi artis, setelah menyelesaikan pesanan, sentiasa kembali ke Venice asalnya.Sebuah kawah di Mercury dinamakan sebagai penghormatan kepada Titian. .

Itali adalah negara yang sentiasa terkenal dengan artisnya. Guru besar yang pernah tinggal di Itali memuliakan seni di seluruh dunia. Kita boleh mengatakan dengan pasti bahawa jika bukan kerana artis, pengukir dan arkitek Itali, dunia akan kelihatan sangat berbeza hari ini. Yang paling ketara dalam seni Itali, sudah tentu, dikira sebagai . Itali dalam Renaissance atau Renaissance mencapai kebangkitan dan kemakmuran yang tidak pernah berlaku sebelum ini. Artis Berbakat, pengukir, pencipta, jenius sebenar yang muncul pada zaman itu masih diketahui oleh setiap pelajar sekolah. Seni, kreativiti, idea, perkembangan mereka hari ini dianggap klasik, teras di mana seni dan budaya dunia dibina.

Salah satu yang paling genius terkenal Renaissance Itali, sudah tentu, hebat Leonardo da Vinci(1452-1519). Da Vinci sangat berbakat sehingga dia mencapai kejayaan besar dalam banyak bidang aktiviti, termasuk seni yang bagus oh dan sains. Seorang lagi artis terkenal yang bergelar sarjana yang diiktiraf ialah Sandro Botticelli(1445-1510). Lukisan Botticelli adalah hadiah sebenar kepada manusia. Hari ini ia paling padat muzium terkenal dunia dan benar-benar tidak ternilai. Tidak kurang terkenal daripada Leonardo da Vinci dan Botticelli Rafael Santi(1483-1520), yang hidup selama 38 tahun, dan pada masa ini berjaya mencipta seluruh lapisan lukisan yang menakjubkan, yang menjadi salah satu contoh paling terang Renaissance Awal. Seorang lagi genius yang hebat Renaissance Itali adalah tanpa keraguan Michelangelo Buonarroti(1475-1564). Selain melukis, Michelangelo terlibat dalam seni arca, seni bina dan puisi, dan mencapai hasil yang hebat dalam seni ini. Patung Michelangelo yang dipanggil "David" dianggap sebagai karya agung yang tiada tandingan, contoh pencapaian tertinggi seni arca.

Sebagai tambahan kepada artis-artis yang disebutkan di atas, artis-artis terhebat Itali Zaman Renaissance adalah sarjana seperti Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi dan yang lain. . Kesemua mereka adalah contoh utama menarik sekolah Venice melukis. Ke Sekolah Florentine lukisan Itali milik artis seperti: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto.

Untuk menyenaraikan semua artis yang bekerja semasa Renaissance, serta semasa Renaissance lewat, dan berabad-abad kemudian, yang menjadi terkenal di seluruh dunia dan memuliakan seni lukisan, membangunkan prinsip dan undang-undang asas yang mendasari semua jenis dan genre. seni halus, mungkin memerlukan beberapa jilid untuk menulis, tetapi senarai ini sudah cukup untuk memahami bahawa Seniman Itali Hebat adalah seni yang kami tahu, yang kami sukai dan kami akan hargai selama-lamanya!

Lukisan oleh artis Itali yang hebat

Andrea Mantegna - Fresco dalam Camera degli Sposi

Giorgione - Tiga Ahli Falsafah

Leonardo da Vinci - Mona Lisa

Nicolas Poussin - Keagungan Scipio

Paolo Veronese - Pertempuran Lepanto

Renaissance bermula di Itali. Ia memperoleh namanya kerana perkembangan intelektual dan seni yang tajam yang bermula pada abad ke-14 dan sangat mempengaruhi masyarakat dan budaya Eropah. Renaissance dinyatakan bukan sahaja dalam lukisan, tetapi juga dalam seni bina, arca dan kesusasteraan. Wakil-wakil Renaissance yang paling terkenal ialah Leonardo da Vinci, Botticelli, Titian, Michelangelo dan Raphael.

Pada masa ini, matlamat utama pelukis adalah imej realistik tubuh manusia, jadi mereka terutamanya melukis orang, menggambarkan pelbagai subjek agama. Prinsip perspektif juga dicipta, yang membuka peluang baru kepada artis.

Florence menjadi pusat Renaissance, diikuti oleh Venice, dan kemudian, lebih dekat dengan abad ke-16, Rom.

Leonardo dikenali kepada kami sebagai pelukis, pengukir, saintis, jurutera dan arkitek yang berbakat pada zaman Renaissance. Sepanjang hidupnya, Leonardo bekerja di Florence, di mana dia mencipta banyak karya yang terkenal di seluruh dunia. Antaranya: "Mona Lisa" (jika tidak - "Gioconda"), "Lady with an Ermine", "Madonna Benois", "John the Baptist" dan "St. Anna bersama Maria dan Anak Kristus.

Artis ini dikenali kerana gaya unik yang dikembangkannya selama ini. Dia juga mengecat dinding Kapel Sistine atas permintaan peribadi Pope Sixtus IV. Botticelli melukis lukisan terkenal pada tema mitologi. Lukisan sedemikian termasuk "Spring", "Pallas and the Centaur", "The Birth of Venus".

Titian adalah ketua sekolah artis Florentine. Selepas kematian gurunya Bellini, Titian menjadi artis rasmi Republik Venetian yang diiktiraf secara umum. Pelukis ini terkenal dengan potretnya tema keagamaan: "Kenaikan Maryam", "Danae", "Cinta Duniawi dan Cinta Syurgawi".

Penyair, pengukir, arkitek dan artis Itali menggambarkan banyak karya, yang mana patung terkenal "David" diperbuat daripada marmar. Patung ini telah menjadi tarikan utama di Florence. Michelangelo melukis peti besi Kapel Sistine di Vatican, iaitu pesanan besar Paus Julius II. Semasa tempoh kerjanya, dia memberi lebih perhatian kepada seni bina, tetapi memberi kami "Penyaliban St. Peter", "The Entombment", "The Creation of Adam", "The Soothsayer".

Karyanya dibentuk di bawah pengaruh besar Leonardo da Vinci dan Michelangelo, terima kasih kepada siapa dia memperoleh pengalaman dan kemahiran yang tidak ternilai. Dia melukis dewan upacara di Vatican, mewakili Aktiviti manusia dan menggambarkan pelbagai adegan daripada Alkitab. Antara lukisan terkenal Rafael-" Sistine Madonna”, “Tiga Anugerah”, “Saint Michael dan Iblis”.

Ivan Sergeevich Tseregorodtsev

Orang-orang Eropah berusaha untuk menghidupkan semula khazanah dan tradisi yang hilang akibat peperangan pemusnahan yang tidak berkesudahan. Peperangan menghilangkan manusia dari muka bumi, dan perkara-perkara besar yang dicipta oleh manusia. Idea untuk menghidupkan tamadun tinggi dunia purba menghidupkan falsafah, kesusasteraan, muzik, kebangkitan sains semula jadi dan, yang paling penting, perkembangan seni. Era menuntut orang yang kuat, berpendidikan yang tidak takut dengan apa-apa kerja. Di tengah-tengah mereka itulah kemunculan beberapa orang jenius yang dipanggil "titans of the Renaissance" menjadi mungkin. Yang kita hanya panggil dengan nama pertama.

Zaman Renaissance terutamanya bahasa Itali. Oleh itu, tidak menghairankan bahawa di Itali seni dalam tempoh ini mencapai peningkatan tertinggi dan berkembang. Di sinilah terdapat berpuluh-puluh nama raksasa, jenius, artis yang hebat dan berbakat.

MUZIK LEONARDO.

Sungguh bertuah lelaki itu! ramai yang akan berkata tentang dia. Dia dikurniakan kesihatan yang jarang, kacak, tinggi, bermata biru. Pada masa mudanya dia memakai rambut keriting berambut perang, dengan perawakan yang membanggakan mengingatkan St. George Donatella. Dia memiliki kekuatan yang tidak pernah didengar dan berani, kehebatan maskulin. Dia menyanyi dengan hebat, di hadapan penonton dia menggubah melodi dan puisi. dimainkan pada mana-mana peralatan muzik Lebih-lebih lagi, dia mencipta mereka sendiri.

Untuk seni Leonardo da Vinci, sezaman dan keturunan tidak pernah menemui definisi lain selain "cemerlang", "ketuhanan", "hebat". Perkataan yang sama berlaku untuk pendedahan saintifiknya: dia mencipta kereta kebal, jengkaut, helikopter, kapal selam, payung terjun, senjata automatik, topi keledar menyelam, lif, memutuskan masalah yang paling sukar akustik, botani, perubatan, kosmografi, mencipta projek untuk teater bulat, mencipta bandul jam seabad lebih awal daripada Galileo, melukis ski air semasa, membangunkan teori mekanik.

Sungguh bertuah lelaki itu! - ramai yang akan berkata tentang dia dan mula mengingati putera dan raja tercintanya, yang sedang mencari kenalan dengannya, cermin mata dan cuti yang dia cipta sebagai artis, penulis drama, pelakon, arkitek, dan bersenang-senang dengan mereka seperti kanak-kanak.

Walau bagaimanapun, adakah Leonardo yang tidak kenal lelah yang tidak kenal lelah, yang setiap hari memberi orang dan dunia rezeki dan wawasan? Dia meramalkan nasib dahsyat ciptaannya: pemusnahan "Perjamuan Terakhir", penembakan monumen kepada Francesca Sforza, perdagangan rendah dan kecurian keji diarinya, buku kerja. Secara keseluruhan, hanya enam belas lukisan yang terselamat sehingga hari ini. Sedikit arca. Tetapi banyak lukisan, lukisan yang dikodkan: seperti wira fiksyen sains moden, dia mengubah perincian dalam reka bentuknya, seolah-olah supaya yang lain tidak dapat menggunakannya.

Leonardo da Vinci bekerja di jenis yang berbeza dan genre seni, tetapi lukisan membawanya kemasyhuran terbesar.

Salah satu lukisan terawal Leonardo ialah Madonna with a Flower atau Benois Madonna. Sudah di sini artis muncul sebagai inovator sejati. Dia mengatasi sempadan plot tradisional dan memberikan imej makna yang lebih luas dan universal, iaitu kegembiraan dan cinta ibu. Dalam karya ini, banyak ciri seni artis jelas ditunjukkan: komposisi angka dan jumlah bentuk yang jelas, keinginan untuk ringkas dan generalisasi, dan ekspresi psikologi.

Lukisan "Madonna Litta" adalah kesinambungan topik yang dimulakan, di mana satu lagi ciri karya artis jelas ditunjukkan - permainan kontras. Tema itu telah dilengkapkan dengan lukisan "Madonna in the Grotto", yang menandakan penyelesaian komposisi yang ideal, berkat tokoh-tokoh Madonna, Kristus dan malaikat yang digambarkan bergabung dengan landskap menjadi satu keseluruhan, dikurniakan keseimbangan dan keharmonian yang tenang.

Salah satu kemuncak karya Leonardo ialah lukisan dinding " makan malam terakhir» di ruang makan biara Santa Maria Della Grazie. Kerja ini mengagumkan bukan sahaja dengan komposisi keseluruhannya, tetapi juga dengan ketepatannya. Leonardo bukan sahaja menyampaikan keadaan psikologi para rasul, tetapi melakukannya pada saat ia sampai titik kritikal, bertukar menjadi letupan dan konflik psikologi. Letupan ini disebabkan oleh kata-kata Kristus: "Salah seorang daripada kamu akan mengkhianati Aku." Dalam karya ini, Leonardo menggunakan sepenuhnya kaedah penjajaran konkrit angka, berkat setiap watak muncul sebagai keperibadian dan keperibadian yang unik.

Puncak kedua karya Leonard ialah potret terkenal Mona Lisa, atau "La Gioconda". Kerja ini menandakan permulaan genre potret psikologi V seni Eropah. Apabila ia dicipta Tuan yang hebat dengan cemerlang menggunakan seluruh senjata ekspresif artistik: kontras yang tajam dan nada lembut, imobilitas beku dan kecairan dan kebolehubahan am, nuansa dan peralihan psikologi yang paling halus. Keseluruhan genius Leonardo terletak pada rupa Mona Lisa yang meriah, misterinya dan senyuman penuh teka-teki, jerebu mistik meliputi landskap. Karya ini adalah salah satu karya seni yang paling jarang ditemui.

Setiap orang yang melihat Gioconda yang dibawa dari Louvre di Moscow mengingati minit-minit pekak mereka yang lengkap berhampiran kanvas kecil ini, ketegangan semua yang terbaik dalam diri sendiri. Gioconda seolah-olah menjadi "Martian", wakil yang tidak diketahui - ia mesti masa depan, dan bukan masa lalu suku manusia, penjelmaan keharmonian, yang dunia tidak jemu dan tidak akan pernah jemu bermimpi tentang .

Banyak lagi yang boleh diperkatakan tentang dia. Terkejut bahawa ini bukan fiksyen atau fantasi. Di sini, sebagai contoh, kita boleh ingat bagaimana dia mencadangkan untuk memindahkan Katedral San Giovanni - kerja sedemikian memukau kita, penduduk abad kedua puluh.

Leonardo berkata: artis yang baik mesti boleh menulis dua perkara utama: seseorang dan perwakilan jiwanya. Atau adakah dikatakan tentang "Columbine" dari Pertapaan St. Petersburg? Sesetengah penyelidik memanggilnya, dan bukan kanvas Louvre, "La Gioconda".

Budak lelaki Nardo, itulah namanya dalam Vinci: anak luar nikah seorang kerani notari, yang menganggap burung dan kuda sebagai makhluk terbaik di Bumi. Dicintai oleh semua dan kesepian, membengkokkan pedang keluli dan melukis lelaki yang digantung. Pencipta jambatan merentasi Bosphorus dan bandar yang sempurna, lebih cantik daripada Corbusier dan Niemeyer. Menyanyi dengan suara bariton yang lembut dan membuatkan Mona Lisa tersenyum. Dalam salah satu buku nota terakhir, lelaki bertuah ini menulis: "Sepertinya saya belajar untuk hidup, tetapi saya belajar untuk mati." Bagaimanapun, dia kemudian merumuskannya: "Kehidupan yang dilalui dengan baik adalah umur yang panjang."

Adakah mungkin untuk tidak bersetuju dengan Leonardo?

SANDRO BOTTICELLI.

Sandro Botticelli dilahirkan di Florence pada tahun 1445 dalam keluarga penyamak kulit.

Karya asal pertama oleh Botticelli dianggap sebagai The Adoration of the Magi (sekitar 1740), di mana sifat utama cara asalnya, mimpi indah dan puisi halus, telah terjejas sepenuhnya. Dia dikurniakan rasa puisi semula jadi, tetapi sentuhan jelas kesedihan kontemplatif bersinar dalam dirinya secara literal dalam segala-galanya. Malah Saint Sebastian, yang diseksa oleh anak panah penyiksanya, memandangnya dengan penuh perhatian dan terpisah.

Pada akhir 1470-an, Botticelli menjadi dekat dengan bulatan pemerintah Florence yang sebenarnya, Lorenzo Medici, yang digelar Magnificent. Di taman mewah Lorenzo, sekumpulan orang berkumpul, mungkin yang paling tercerahkan dan berbakat di Florence. Terdapat ahli falsafah, penyair, pemuzik. Suasana kekaguman terhadap kecantikan memerintah, dan bukan sahaja keindahan seni, tetapi juga keindahan hidup dihargai. Antikuiti, yang dilihat, bagaimanapun, melalui prisma lapisan falsafah kemudiannya, dianggap sebagai prototaip seni yang ideal dan kehidupan yang ideal. Tanpa ragu-ragu, di bawah pengaruh suasana ini, yang pertama gambar besar Botticelli "Primavera (Musim Bunga)". Ini adalah alegori seperti mimpi, halus, indah yang menakjubkan tentang kitaran kekal, pembaharuan alam semula jadi yang berterusan. Ia diserap oleh irama muzik yang paling kompleks dan aneh. Sosok Flora, dihiasi dengan bunga-bungaan, keanggunan menari di Taman Eden, adalah imej-imej keindahan yang belum lagi dilihat pada masa itu dan oleh itu memberi kesan yang sangat menawan. Botticelli muda segera mengambil tempat yang menonjol di kalangan tuan pada zamannya.

Reputasi tinggi pelukis muda itu yang memastikan dia mendapat tempahan lukisan dinding alkitabiah untuk Vatican Sistine Chapel, yang dia cipta pada awal 1480-an di Rom. Dia melukis "Adegan dari Kehidupan Musa", "Hukuman Korah, Datan dan Aviron", menunjukkan kemahiran gubahan yang menakjubkan. Ketenangan klasik bangunan purba, yang menentang Botticelli membentangkan aksi itu, sangat berbeza dengan irama dramatik watak dan nafsu yang digambarkan; pergerakan badan manusia adalah kompleks, rumit, tepu dengan kuasa letupan; seseorang mendapat gambaran keharmonian yang menggoncang, ketidaktahanan dunia yang kelihatan sebelum serangan pantas masa dan kehendak manusia. Lukisan dinding Kapel Sistine buat pertama kalinya menyuarakan keresahan mendalam yang hidup dalam jiwa Botticelli, yang semakin kuat dari semasa ke semasa. Bakat menakjubkan Botticelli sebagai pelukis potret tercermin dalam lukisan dinding ini: setiap wajah yang dilukis adalah asli, unik dan tidak dapat dilupakan ...

Pada tahun 1480-an, kembali ke Florence, Botticelli terus bekerja tanpa jemu, tetapi kejelasan tenang "Contoh" sudah jauh di belakang. Pada pertengahan dekad dia menulis The Birth of Venus yang terkenal. Penyelidik mencatatkan dalam karya-karya master yang terkemudian suatu moralisme, suatu pengagungan agama yang luar biasa baginya sebelum ini.

Mungkin lebih penting daripada lukisan lewat, lukisan Botticelli pada tahun 90-an adalah ilustrasi untuk " Lawak Ilahi» Dante. Dia melukis dengan kegembiraan yang jelas dan tidak terselindung; visi penyair yang hebat disampaikan dengan penuh kasih dan berhati-hati oleh kesempurnaan proporsi banyak tokoh, organisasi ruang yang bijak, kepintaran yang tidak habis-habis dalam mencari padanan visual perkataan puitis...

Walaupun terdapat sebarang badai dan krisis mental, Botticelli sehingga kesudahannya (dia meninggal dunia pada tahun 1510) kekal sebagai artis yang hebat, ahli seninya. Ini jelas terbukti dengan ukiran wajah yang mulia dalam "Potret orang muda”, ciri ekspresif model, tidak meninggalkan keraguan tentang tingginya maruah manusia, lukisan mantap tuan dan rupanya yang baik hati.

7 Ogos 2014

Pelajar universiti seni dan orang yang berminat dalam sejarah seni tahu bahawa pada permulaan abad ke-14 dan ke-15, titik perubahan yang tajam berlaku dalam lukisan - Renaissance. Sekitar tahun 1420-an, semua orang tiba-tiba menjadi lebih mahir dalam melukis. Mengapa imej tiba-tiba menjadi begitu realistik dan terperinci, dan mengapa lukisan itu mempunyai cahaya dan kelantangan? Mengenainya untuk masa yang lama tiada siapa sangka. Sehingga David Hockney mengambil kaca pembesar.

Mari kita ketahui apa yang dia dapati...

Suatu hari dia melihat lukisan oleh Jean Auguste Dominique Ingres, pemimpin sekolah akademik Perancis pada abad ke-19. Hockney mula berminat untuk melihat lukisan kecilnya pada skala yang lebih besar, dan dia membesarkannya pada mesin penyalin. Begitulah dia terjumpa sisi rahsia sejarah lukisan sejak zaman Renaissance.

Setelah membuat salinan fotokopi lukisan kecil Ingres (kira-kira 30 sentimeter), Hockney kagum melihat betapa realistiknya lukisan itu. Dan ia juga kelihatan bahawa baris Ingres bermakna sesuatu kepadanya.
ingatkan. Ternyata mereka mengingatkannya tentang kerja Warhol. Dan Warhol melakukan ini - dia menayangkan foto pada kanvas dan menggariskannya.

Kiri: perincian lukisan Ingres. Kanan: Lukisan oleh Mao Zedong Warhol

Kes yang menarik, kata Hockney. Nampaknya, Ingres menggunakan Camera Lucida - peranti yang merupakan binaan dengan prisma, yang dilampirkan, sebagai contoh, pada dirian tablet. Oleh itu, artis, melihat lukisannya dengan satu mata, melihat imej sebenar, dan dengan yang lain - lukisan sebenar dan tangannya. Ternyata ilusi optik yang membolehkan anda memindahkan perkadaran sebenar ke kertas dengan tepat. Dan ini adalah tepat "jaminan" realisme imej.

Melukis potret dengan kamera lucida, 1807

Kemudian Hockney mula berminat dengan lukisan dan lukisan jenis "optik" ini. Di studionya, dia, bersama pasukannya, menggantung ratusan reproduksi lukisan yang dicipta selama berabad-abad di dinding. Kerja yang kelihatan "sebenar" dan yang tidak. Disusun mengikut masa penciptaan, dan wilayah - utara di bahagian atas, selatan di bahagian bawah, Hockney dan pasukannya melihat titik perubahan yang tajam dalam lukisan pada permulaan abad ke-14-15. Secara umum, semua orang yang mengetahui sekurang-kurangnya sedikit tentang sejarah seni tahu - Renaissance.

Mungkin mereka menggunakan kamera-lucida yang sama? Ia telah dipatenkan pada tahun 1807 oleh William Hyde Wollaston. Walaupun, sebenarnya, peranti sedemikian diterangkan oleh Johannes Kepler pada tahun 1611 dalam karyanya Dioptrice. Kemudian mungkin mereka menggunakan peranti optik lain - kamera obscura? Lagipun, ia telah diketahui sejak zaman Aristotle dan merupakan bilik gelap di mana cahaya masuk melalui lubang kecil dan dengan itu dalam bilik gelap unjuran apa yang ada di hadapan lubang, tetapi terbalik, diperolehi. Semuanya akan baik-baik saja, tetapi imej yang diperolehi apabila menayangkan kamera obscura tanpa lensa, secara sederhana, tidak berkualiti tinggi, tidak jelas, memerlukan banyak cahaya terang, apatah lagi saiznya. unjuran. Tetapi kanta berkualiti tinggi hampir mustahil untuk dibuat sehingga abad ke-16, kerana tidak ada cara untuk membuat kaca berkualiti tinggi pada masa itu. Perkara, fikir Hockney, yang pada masa itu sudah bergelut dengan masalah dengan ahli fizik Charles Falco.

Walau bagaimanapun, terdapat lukisan oleh Jan van Eyck, seorang sarjana dari Bruges, seorang pelukis Flemish zaman Renaissance awal, di mana petunjuk tersembunyi. Lukisan itu dipanggil "Potret Cheta Arnolfini".

Jan Van Eyck "Potret Arnolfini" 1434

Gambar itu hanya bersinar dengan perincian yang besar, yang agak menarik, kerana ia hanya dicat pada tahun 1434. Dan petunjuk tentang bagaimana pengarang berjaya membuat langkah besar ke hadapan dalam realisme imej adalah cermin. Dan juga batang lilin - sangat kompleks dan realistik.

Hockney dipenuhi dengan rasa ingin tahu. Dia mendapat salinan candelier seperti itu dan cuba melukisnya. Artis itu berhadapan dengan hakikat bahawa perkara yang rumit itu sukar untuk dilukis dalam perspektif. Satu lagi perkara penting adalah kebendaan imej objek logam ini. Apabila menggambarkan objek keluli, adalah sangat penting untuk meletakkan sorotan serealistik mungkin, kerana ini memberikan realisme yang luar biasa. Tetapi masalah dengan sorotan ini ialah ia bergerak apabila mata penonton atau artis bergerak, yang bermaksud bahawa ia tidak mudah untuk menangkapnya sama sekali. Dan imej realistik logam dan silau juga ciri yang membezakan lukisan Renaissance, sebelum itu, para artis tidak cuba melakukan ini.

Dengan mencipta semula model candelier 3D yang tepat, pasukan Hockney memastikan bahawa candelier dalam The Arnolfini dilukis dalam perspektif sebenar dengan satu titik lenyap. Tetapi masalahnya ialah instrumen optik yang tepat seperti kamera obscura dengan kanta tidak wujud sehingga kira-kira satu abad selepas lukisan itu dicipta.

Serpihan lukisan oleh Jan van Eyck "Potret pasangan Arnolfini" 1434

Serpihan yang diperbesarkan menunjukkan bahawa cermin dalam lukisan "Potret Arnolfini" adalah cembung. Jadi terdapat cermin sebaliknya - cekung. Lebih-lebih lagi, pada masa itu cermin sedemikian dibuat dengan cara ini - sfera kaca diambil, dan bahagian bawahnya ditutup dengan perak, maka segala-galanya kecuali bahagian bawah dipotong. Bahagian belakang cermin tidak dimalapkan. Jadi cermin cekung Jan van Eyck boleh jadi cermin yang sama yang ditunjukkan dalam gambar, hanya dengan sisi terbalik. Dan mana-mana ahli fizik tahu apa itu cermin, apabila dipantulkan, ia menayangkan gambar yang dipantulkan. Di sinilah rakannya, ahli fizik Charles Falco, membantu David Hockney dengan pengiraan dan penyelidikan.

Cermin cekung menayangkan imej menara di luar tingkap ke atas kanvas.

Saiz bahagian unjuran yang jelas dan fokus ialah kira-kira 30 sentimeter persegi - dan ini hanyalah saiz kepala dalam banyak potret Renaissance.

Hockney melakar unjuran seseorang di atas kanvas

Ini adalah saiz, sebagai contoh, potret Doge Leonardo Loredan oleh Giovanni Bellini (1501), potret seorang lelaki oleh Robert Campin (1430), potret Jan van Eyck sendiri tentang "lelaki berserban merah" dan banyak lagi. potret awal Belanda yang lain.

Potret Renaissance

Melukis adalah pekerjaan bergaji tinggi, dan sudah tentu, semua rahsia perniagaan itu disimpan dalam keyakinan yang paling ketat. Adalah berfaedah bagi artis bahawa semua orang yang belum tahu percaya bahawa rahsia berada di tangan tuan dan tidak boleh dicuri. Perniagaan itu ditutup kepada orang luar - artis berada dalam persatuan, ia juga terdiri daripada pelbagai tukang - dari mereka yang membuat pelana kepada mereka yang membuat cermin. Dan dalam Guild of Saint Luke, yang diasaskan di Antwerp dan pertama kali disebut pada 1382 (kemudian persatuan yang serupa dibuka dalam banyak bandar-bandar utara, dan salah satu yang terbesar ialah persatuan di Bruges - bandar tempat Van Eyck tinggal) terdapat juga tuan yang membuat cermin.

Jadi Hockney mencipta semula cara anda boleh melukis candelier yang kompleks daripada lukisan oleh Van Eyck. Tidak menghairankan, saiz candelier yang diunjurkan Hockney betul-betul sepadan dengan saiz candelier dalam lukisan "Potret Arnolfini". Dan sudah tentu, sorotan pada logam - pada unjuran mereka berdiri diam dan tidak berubah apabila artis menukar kedudukan.

Tetapi masalahnya masih belum diselesaikan sepenuhnya, kerana sebelum penampilan optik berkualiti tinggi, yang diperlukan untuk menggunakan kamera obscura, terdapat 100 tahun lagi, dan saiz unjuran yang diperoleh dengan bantuan cermin adalah sangat kecil. . Bagaimana untuk melukis gambar yang lebih besar daripada 30 sentimeter persegi? Mereka dicipta sebagai kolaj - dari pelbagai sudut pandangan, ternyata seperti penglihatan sfera dengan banyak titik lenyap. Hockney menyedari ini kerana dia sendiri terlibat dalam gambar sedemikian - dia membuat banyak kolaj foto yang mencapai kesan yang sama.

Hampir satu abad kemudian, pada tahun 1500-an, akhirnya menjadi mungkin untuk mendapatkan dan memproses kaca dengan baik - kanta besar muncul. Dan mereka akhirnya boleh dimasukkan ke dalam kamera obscura, prinsip operasi yang telah diketahui sejak zaman purba. Kamera obscura dengan kanta merupakan revolusi yang luar biasa dalam seni visual, memandangkan kini unjuran boleh dalam sebarang saiz. Dan satu lagi, kini imej itu bukan "sudut lebar", tetapi mengenai aspek biasa - iaitu, lebih kurang sama seperti hari ini apabila mengambil gambar dengan kanta dengan panjang fokus 35-50mm.

Walau bagaimanapun, masalah dengan menggunakan kamera obscura dengan kanta ialah unjuran langsung dari kanta adalah spekular. Ini membawa kepada ramai orang kidal dalam melukis semasa peringkat awal penggunaan optik. Seperti dalam lukisan ini dari tahun 1600-an dari Muzium Frans Hals, di mana pasangan kidal menari, seorang lelaki tua kidal mengancam mereka dengan jari, dan seekor monyet kidal mengintai di bawah pakaian wanita itu.

Semua orang dalam gambar ini adalah kidal.

Masalahnya diselesaikan dengan memasang cermin di mana lensa diarahkan, dengan itu memperoleh unjuran yang betul. Tetapi nampaknya, cermin yang baik, sekata dan besar memerlukan banyak wang, jadi tidak semua orang memilikinya.

Isu lain ialah fokus. Hakikatnya ialah beberapa bahagian gambar pada satu kedudukan kanvas di bawah sinar unjuran tidak fokus, tidak jelas. Dalam karya Jan Vermeer, di mana penggunaan optik agak jelas kelihatan, karyanya biasanya kelihatan seperti gambar, anda juga boleh melihat tempat di luar "fokus". Anda juga boleh melihat corak yang diberikan oleh lensa - "bokeh" yang terkenal. Sebagai contoh di sini, dalam lukisan "The Milkmaid" (1658), bakul, roti di dalamnya dan pasu biru tidak fokus. Tetapi mata manusia tidak dapat melihat "tidak fokus".

Beberapa butiran gambar tidak fokus

Dan berdasarkan semua ini, tidaklah menghairankan kawan baik Jan Vermeer ialah Anthony Phillips van Leeuwenhoek, saintis dan ahli mikrobiologi, juga tuan yang unik yang mencipta mikroskop dan kantanya sendiri. Saintis itu menjadi pengurus anumerta artis itu. Dan ini menunjukkan bahawa Vermeer menggambarkan tepat rakannya pada dua kanvas - "Ahli Geografi" dan "Astronomer".

Untuk melihat mana-mana bahagian dalam fokus, anda perlu menukar kedudukan kanvas di bawah sinar unjuran. Tetapi dalam kes ini, ralat dalam perkadaran muncul. Seperti yang dilihat di sini: bahu besar Anthea oleh Parmigianino (sekitar 1537), ketua kecil "Lady Genovese" Anthony van Dyck (1626), kaki besar seorang petani dalam lukisan oleh Georges de La Tour.

Ralat dalam perkadaran

Sudah tentu, semua artis menggunakan kanta dengan cara yang berbeza. Seseorang untuk lakaran, seseorang terdiri daripada bahagian yang berbeza - lagipun, kini ia mungkin untuk membuat potret, dan menyelesaikan segala-galanya dengan model yang berbeza, atau bahkan dengan peragawati.

Hampir tiada lukisan yang ditinggalkan oleh Velasquez. Walau bagaimanapun, karya agungnya kekal - potret Pope Innocent the 10th (1650). Pada mantel Paus - jelas sutera - adalah permainan cahaya yang indah. Silau. Dan untuk menulis semua ini dari satu sudut pandangan, adalah perlu untuk mencuba dengan sangat gigih. Tetapi jika anda membuat unjuran, maka semua keindahan ini tidak akan lari ke mana-mana - silau tidak lagi bergerak, anda boleh menulis dengan betul-betul pukulan lebar dan pantas seperti Velazquez.

Hockney menghasilkan semula lukisan oleh Velasquez

Selepas itu, ramai artis mampu membeli kamera obscura, dan ia tidak lagi menjadi rahsia besar. Canaletto secara aktif menggunakan kamera untuk mencipta pandangannya tentang Venice dan tidak menyembunyikannya. Lukisan ini, berkat ketepatannya, membolehkan kami bercakap tentang Canaletto sebagai pembuat filem dokumentari. Terima kasih kepada Canaletto, anda boleh melihat bukan sahaja gambar yang cantik tetapi juga sejarah itu sendiri. Anda boleh melihat Jambatan Westminster yang pertama di London pada tahun 1746.

Canaletto "Jambatan Westminster" 1746

Artis British Sir Joshua Reynolds memiliki kamera obscura dan nampaknya tidak memberitahu sesiapa mengenainya, kerana kameranya dilipat dan kelihatan seperti buku. Hari ini ia berada di Muzium Sains London.

Camera obscura menyamar sebagai buku

Akhirnya, pada awal abad ke-19, William Henry Fox Talbot, menggunakan kamera lucida - kamera yang anda perlukan untuk melihat dengan sebelah mata dan melukis dengan tangan anda, mengutuk, memutuskan bahawa kesulitan seperti itu harus dihapuskan sekali. dan untuk semua, dan menjadi salah seorang pencipta fotografi kimia, dan kemudian menjadi pempopular yang menjadikannya massa.

Dengan penciptaan fotografi, monopoli lukisan pada realisme gambar hilang, kini foto itu menjadi monopoli. Dan di sini, akhirnya, lukisan dibebaskan dari lensa, meneruskan jalan dari mana ia berubah pada tahun 1400-an, dan Van Gogh menjadi pelopor semua seni abad ke-20.

Dibiarkan: mozek Byzantine abad ke-12. Kanan: Vincent van Gogh "Potret Encik Trabuk" 1889

Penciptaan fotografi adalah perkara terbaik yang telah berlaku kepada lukisan sepanjang sejarahnya. Ia tidak lagi perlu untuk mencipta imej sebenar secara eksklusif, artis menjadi bebas. Sudah tentu, orang ramai mengambil masa satu abad untuk mengejar artis dalam pemahaman mereka tentang muzik visual dan berhenti berfikir bahawa orang seperti Van Gogh adalah "gila". Pada masa yang sama, artis mula aktif menggunakan gambar sebagai " bahan rujukan". Kemudian ada orang seperti Wassily Kandinsky, avant-garde Rusia, Mark Rothko, Jackson Pollock. Selepas lukisan, seni bina, arca dan muzik dikeluarkan. Benar, sekolah lukisan akademik Rusia terjebak dalam masa, dan hari ini masih dianggap memalukan di akademi dan sekolah untuk menggunakan fotografi untuk membantu, dan keupayaan teknikal semata-mata untuk melukis secara realistik mungkin dengan tangan kosong dianggap sebagai pencapaian tertinggi. .

Terima kasih kepada artikel oleh wartawan Lawrence Weshler, yang hadir pada penyelidikan David Hockney dan Falco, seorang lagi fakta menarik: Potret Van Eyck tentang Arnolfinis ialah potret seorang pedagang Itali di Bruges. En. Arnolfini adalah seorang Florentine dan lebih-lebih lagi, beliau adalah wakil bank Medici (secara praktikalnya adalah sarjana Renaissance Florence, dianggap sebagai pelanggan seni pada masa itu di Itali). Apa kata ini? Hakikat bahawa dia boleh dengan mudah membawa rahsia Guild of St. Luke - cermin - bersamanya ke Florence, di mana, menurut sejarah tradisional, Renaissance bermula, dan artis dari Bruges (dan, oleh itu, tuan lain) adalah dianggap "primitif".

Terdapat banyak kontroversi mengenai teori Hockney-Falco. Tetapi pasti ada sebutir kebenaran di dalamnya. Bagi pengkritik seni, pengkritik dan ahli sejarah, adalah sukar untuk membayangkan berapa ramai kertas saintifik pada sejarah dan seni, sebenarnya, ternyata karut lengkap, tetapi ini mengubah seluruh sejarah seni, semua teori dan teks mereka.

Fakta penggunaan optik tidak sedikit pun mengurangkan bakat artis - lagipun, teknologi adalah cara untuk menyampaikan apa yang diinginkan oleh artis. Dan sebaliknya, apa yang ada dalam gambar-gambar ini adalah yang paling banyak realiti sebenar, hanya menambah berat kepada mereka - lagipun, ini betul-betul rupa orang pada masa itu, perkara, premis, bandar. Ini adalah dokumen sebenar.