Apakah gambar dalam sastera. Lukisan modular di pedalaman

Melukis- karya lukisan yang mempunyai watak lengkap (berbanding dengan lakaran dan lakaran) dan bebas nilai seni. Ia terdiri daripada asas (kanvas, papan kayu atau logam, kadbod, kertas, batu, sutera, dll.), primer dan lapisan cat. Lukisan adalah salah satu jenis seni kuda-kuda. Gambar datang dalam pelbagai genre. Mencipta gambar, artis bergantung pada alam semula jadi, tetapi imaginasi kreatif memainkan peranan penting dalam proses ini. Penghujung abad ke-19 ditandai di seluruh Eropah dengan pandangan baru yang dinamik tentang dunia. Artis pergantian abad ini harus sesuai dengan kehidupan yang sentiasa berubah: tidak begitu banyak untuk memaparkan dunia di sekelilingnya (fotografi dan pawagam kini melakukan ini), tetapi untuk dapat menyatakan keperibadiannya, keperibadiannya. dunia dalaman, penglihatan sendiri. Kemuncak seni telah dicapai dalam lukisan pelukis yang cemerlang. Dalam arus modenisme yang pelbagai, terdapat kehilangan plot dan penolakan kiasan, dengan itu konsep gambar disemak dengan ketara. Beberapa artis yang tergolong dalam sekolah lukisan yang berbeza telah beralih daripada menggambarkan dunia (manusia, haiwan, alam semula jadi) seperti yang kita lihat. Pada lukisan mereka, dunia kelihatan cacat, kadang-kadang tidak dapat dikenali sepenuhnya, kerana artis lebih dipandu oleh imaginasi mereka daripada persepsi visual tentang fenomena di sekeliling kita.

Lukisan memainkan peranan penting dalam perkembangan seni lukis.

Pengeluaran semula juga boleh dipanggil lukisan, jika dalam konteks yang berkaitan tidak kira sama ada ia adalah salinan atau karya asli.

Gambar dalam bentuk kiasan atau lebih makna umum- mana-mana karya seni yang lengkap dan penting, termasuk kehidupan dan penerangan yang jelas, lisan atau bertulis, jenis sifat.

Lukisan adalah seni pesawat dan satu sudut pandangan, di mana ruang dan kelantangan hanya wujud dalam ilusi. Melukis melalui kerumitan cara visual mampu mencipta kedalaman ruang ilusi dan kepelbagaian dimensi di atas satah realiti seni, yang tidak tertakluk kepada kaedah perwakilan lain. Setiap gambar melaksanakan dua fungsi - bergambar dan ekspresif-hiasan. Bahasa pelukis cukup difahami hanya kepada mereka yang menyedari fungsi hiasan-irama satah gambar.

Dalam persepsi estetik, semua fungsi gambar (dekoratif, planar, dan bergambar, spatial) mesti mengambil bahagian secara serentak. Untuk memahami dan memahami gambar dengan betul bermakna secara serentak, tidak dapat dipisahkan melihat permukaan, dan kedalaman, dan corak, dan irama, dan imej.

Persepsi estetik sesebuah lukisan amat dipertingkatkan apabila ia diletakkan dalam bingkai yang sesuai yang memisahkan lukisan itu daripada dunia sekeliling. Jenis lukisan oriental mengekalkan bentuk tradisional seperti skrol yang digantung bebas (mendatar atau menegak). Gambar itu, tidak seperti lukisan monumental, tidak disambungkan secara tegar dengan bahagian dalam tertentu. Ia boleh dikeluarkan dari dinding dan digantung secara berbeza.

Kedalaman ruang ilusi lukisan

Profesor Richard Gregory menyifatkan "sifat pelik lukisan": "Lukisan adalah kelas objek yang unik, kerana kedua-duanya kelihatan pada diri mereka sendiri dan sebagai sesuatu yang agak berbeza daripada hanya sehelai kertas yang dilukis. Gambar adalah paradoks. Tiada objek boleh berada di dua tempat pada masa yang sama; tiada objek boleh menjadi dua dimensi dan tiga dimensi pada masa yang sama. Dan begitulah cara kita melihat gambar. Gambar mempunyai saiz yang ditakrifkan dengan sempurna, dan pada masa yang sama ia menunjukkan saiz sebenar muka manusia, bangunan atau kapal. Gambar adalah objek yang mustahil.

Keupayaan seseorang untuk bertindak balas terhadap situasi khayalan yang tidak hadir dalam gambar adalah peristiwa penting dalam perkembangan pemikiran abstrak.

Bagaimana lukisan dibuat

Gambarnya ialah dunia rohani artis, pengalaman dan perasaannya yang diluahkan di atas kanvas atau kertas. Sukar untuk menerangkan bagaimana lukisan dicipta - lebih baik untuk melihatnya sendiri. Tidak mustahil untuk menyampaikan dengan kata-kata bagaimana artis melukis di atas kanvas, dengan berus apa dia menyentuh kanvas, cat apa yang dia pilih. Semasa kerja, semuanya menjadi satu: artis, berus dan kanvas. Dan sudah selepas pukulan pertama berus di bengkel, keajaiban lukisan khas mula berfungsi.

Gambar bukan sekadar kanvas yang dicat, ia mempengaruhi perasaan dan fikiran, meninggalkan kesan pada jiwa, membangkitkan firasat.

Bagaimanakah lukisan dicipta?

Nampaknya, cat, berus, di atas kanvas. Mungkin terdapat satu lagi jawapan universal: dengan cara yang berbeza.

Kaedah bekerja pada lukisan sentiasa berubah sepanjang sejarah seni. Artis Renaissance Itali mereka bekerja dengan cara yang sama sekali berbeza daripada Rembrandt atau "Belanda kecil" pada abad ke-17, golongan romantik - berbeza daripada golongan impresionis, abstraksionis, artis realistik kontemporari. Ya, dan dalam era yang sama dan juga satu arah, anda boleh menemui pelbagai jenis yang hebat.

Artis realis masa lalu dan sekarang (jika kita memahami realisme dalam erti kata yang luas) disatukan oleh yang berikut:

Penciptaan karya yang lengkap kes ini lukisan, potret atau landskap, adalah mustahil tanpa kajian mendalam tentang kehidupan, sikap aktif pengarang kepadanya. Cara pengetahuan artistik kehidupan adalah kerja dari alam semula jadi, kesan visual, analisis dan sintesis fenomena kehidupan.

Mencipta lukisan adalah kompleks, memakan masa proses kreatif, keputusan yang ditentukan bukan oleh masa yang dihabiskan, tetapi oleh ukuran bakat, kemahiran artis, kekuatan dan keberkesanan penyelesaian kiasan asal. Pencapaian Proses ini adalah asal usul dan pembentukkan idea, pemerhatian langsung, lakaran, lakaran dari alam semula jadi, lukisan sebenar gambar dengan pemprosesan bahan kehidupan yang kreatif dan aktif.

Dan apabila penonton mendekati lukisan di muzium atau di pameran, sebelum membuat penilaian sendiri mengenainya, dia mesti ingat bahawa di belakangnya sentiasa ada orang yang hidup, seorang artis yang telah melaburkan sekeping nyawa, hati, sarafnya. , bakat dan kemahiran dalam pekerjaan. Boleh dikatakan lukisan itu adalah impian seorang artis yang menjadi kenyataan.

G. S. OSTROVSKII

Kelengkapan gambar

Dalam kehidupan, banyak yang berlaku secara kebetulan - dalam gambar tidak boleh ada kemalangan seperti itu, segala-galanya mesti diselesaikan, secara logik. Pada titik manakah lukisan itu dianggap lengkap?

Pukulan bergambar Rembrandt yang mulia, yang sangat dihargai kemudian dan pada zaman kita, hanya menyebabkan kekeliruan di kalangan rakan seangkatan Rembrandt dan menimbulkan cemuhan dan gurauan atas perbelanjaannya. Membantah pengkritiknya, Rembrandt mempertikaikan ketepatan pemahaman mereka tentang kesempurnaan lukisan, menentang mereka dengan pemahamannya sendiri mengenainya, yang dia rumuskan dengan cara ini: gambar itu harus dianggap lengkap apabila artis itu mengatakan semua yang dia mahukan di dalamnya. . Untuk tidak mendengar soalan yang mengganggunya tentang "ketidaklengkapan" lukisannya, Rembrandt berhenti membenarkan pelawat naif ke studionya untuk mendekati mereka, yang memandang dengan penuh rasa ingin tahu pada pukulan bravura lukisannya, menakutkan mereka dengan fakta bahawa lukisan itu tidak boleh didekati terlalu dekat, kerana menghidu cat mereka adalah tidak sihat.

Matisse pada lukisannya:

"Saya hanya cuba meletakkan pada kanvas warna-warna yang menyatakan perasaan saya. Perkadaran nada yang diperlukan boleh membuat saya mengubah bentuk angka atau mengubah komposisi. Sehingga saya mencapai perkadaran ini di semua bahagian gambar, saya melihat untuknya dan terus bekerja. Kemudian tibalah saatnya, apabila semua bahagian mengambil bahagian terakhirnya, dan kemudian saya tidak boleh menyentuh gambar itu tanpa mengulanginya semula.

Bermula kira-kira dengan Impresionis, kategori lukisan, bentuk dan warna berkait rapat, berkembang bersama, seolah-olah menjadi proses yang berterusan: lukisan dan warna, pemodelan dan gubahan, ton dan garisan muncul dan berkembang seolah-olah pada masa yang sama. Proses melukis gambar boleh, boleh dikatakan, berterusan selama-lamanya, momen penyiapan kerja agak sewenang-wenangnya: di mana-mana di kanvas, artis boleh meneruskannya, menggunakan pukulan baru pada yang serupa, tetapi berbaring di bawah. Wakil yang paling menarik dan konsisten bagi sistem ini ialah Cezanne. Dalam surat dan perbualan yang dirakam, dia berulang kali merumuskan kaedah lukisan campuran ini atau, lebih tepat lagi, kaedah lukisan yang tidak dibezakan. Pada bila-bila masa, kerja pada lukisan boleh diganggu, tetapi kerja itu tidak akan kehilangan nilai estetiknya. Pada bila-bila masa gambar sudah siap.

Kaitan ruang bergambar gambar dengan ruang sebenar

Artis dan ahli teori seni V. A. Favorsky, dalam perjalanan teori komposisi, menekankan bahawa karya yang benar-benar artistik mempunyai kewujudan dua sejak lahir: sebagai objek di ruang sekeliling dan sebagai dunia yang agak tertutup dengan hubungan spatio-temporalnya sendiri. . Dalam lukisan, matlamat ini dicapai dengan menyelaraskan struktur dalaman gambar dengan bingkai, dalam arca - dengan ruang sekeliling (contoh klasik: patung dalam niche).

Untuk menyambungkan ruang bergambar dengan ruang sebenar di mana penonton berada, bingkai gambar digunakan. Artis juga bermain dengan berbilang "penghasilan semula bingkai" dalam imej itu sendiri, rima visual, pengulangan menegak dan mendatar. Salah satu teknik ciri yang membolehkan anda "menguatkan" imej secara visual dalam sempadan format segi empat tepat ialah "sudut serong". Pemisahan lukisan daripada seni bina menimbulkan sistem persepsi tertentu terhadap lukisan kuda-kuda. Kandungan utama gambar adalah ekspresi pandangan holistik ruang. Komposisi itu diubah menjadi eksposisi di mana penonton menghadapi perubahan dunia hubungan spatio-temporal dan melihat dirinya di dalamnya seperti dalam cermin. Jadi kaca lutsinar Renaissance bertukar menjadi cermin era Klasik dan Baroque. Seni era pasca-Renaissance dicirikan dengan bermain dengan pantulan di cermin, pengenalan tokoh-pengantara ke dalam komposisi gambar, orang yang, dengan kedudukan, pandangan atau isyarat tangan mereka, menunjukkan tindakan yang berlaku dalam kedalaman gambar, seolah-olah menjemput mereka untuk memasukinya. Sebagai tambahan kepada bingkai, dalam komposisi sedemikian terdapat proskenium - bahagian depan pentas, belakang pentas, kemudian jalan tengah, di mana tindakan utama berlaku, dan latar belakang - "latar belakang".

Artis biasanya meletakkan figura utama di satah tengah gambar, menetapkannya pada garis mendatar mental seperti pada alas. Daripada kedudukan rujukan ini garisan mendatar kedalaman "lapisan ruang" bergantung (dalam istilah planimetrik - di atas atau di bawah pinggir bawah bingkai gambar). Menangguhkan mendatar berkali-kali ke atas, pelukis mencipta irama pergerakan tertentu ke dalam kedalaman ruang khayalan. Terima kasih kepada ini, walaupun pada kanvas kecil, anda boleh menggambarkan ruang dengan sebarang panjang dengan sebarang angka dan objek. Dalam eksposisi sedemikian, seseorang itu perlu secara khusus menarik perhatian penonton kepada fakta bahawa sesetengah objek lebih dekat, manakala yang lain lebih jauh. Untuk melakukan ini, "penunjuk" digunakan: pengurangan perspektif, pengenalan tanda tempat berskala besar (figura kecil orang di latar belakang), pelan bertindih, kontras tonal, bayang-bayang jatuh dari sumber cahaya di dalam atau di luar gambar. Satu lagi titik rujukan untuk pergerakan mental penonton dalam ruang gambar ialah pepenjuru, yang utama ialah "pepenjuru pintu masuk" (biasanya dari kiri ke kanan).

Gambar dalam gambar

Gambar dalam gambar

Gambar dalam Gambar boleh digunakan dalam fungsi gubahan khas. Organisasi hierarki yang serupa dibentangkan dalam kes menggambarkan gambar dalam gambar (serta lukisan dinding dalam lukisan dinding, dll.).

"Gambar dalam Gambar" - teknik gubahan, ditemui dalam seni lukisan klasik abad XVI-XVII. Gambar dalam gambar boleh dikurniakan makna tersembunyi yang istimewa.

Teknik gubahan "gambar dalam gambar" boleh melakukan beberapa tugas:

• meluahkan idea
• menerangkan plot
• untuk menentang atau mewujudkan keharmonian
• menjadi perincian keadaan (dalaman)

Selalunya, imej latar belakang dalam lukisan boleh difahami sebagai sejenis gambar dalam gambar, iaitu imej bebas yang dibina mengikut undang-undang khasnya sendiri. Pada masa yang sama, imej latar belakang, pada tahap yang lebih besar daripada imej angka pada satah utama, tertakluk kepada tugas hiasan semata-mata, kita boleh mengatakan bahawa selalunya bukan dunia itu sendiri yang digambarkan di sini, tetapi pemandangan dunia ini, iaitu, bukan imej itu sendiri yang dipersembahkan, tetapi imej imej ini.

Belanda mempunyai peta, permaidani, lukisan, buka tingkap bagaimana imej yang disertakan dalam gambar meluaskan sempadan dunia atau berfungsi untuk mengembangkan makna alegoris plot utama. Vermeer, membuka tabir bengkel, menjadi panduan melalui tiga tahap realiti: ruang penonton, ruang bengkelnya, ruang karya seni (kanvas yang berdiri di atas kuda-kuda), menyamakan metamorfosis ini untuk berenang di lautan yang dilukis peta geografi atau terbang di atas tanah yang dipetakan.

Limpahan realiti - seni - mitos juga boleh diperhatikan dalam Velazquez, yang rela menggunakan teknik "gambar dalam gambar", contohnya boleh menjadi Meninas dan Spinners.

"Gambar dalam gambar" juga terdapat dalam "Venus di hadapan cermin" oleh Velasquez, tetapi cermin berkabus itu hanya mencerminkan bayang dewi cinta.

Lukisan dan bingkai

Sebarang imej yang dicipta oleh artis, kecuali imej kuno lukisan batu, mempunyai bingkai. Pembingkaian adalah perlu dan bahagian penting komposisi, ia melengkapkannya, memberikan perpaduan. Bingkai mungkin berada pada satah yang sama dengan gubahan bergambar atau grafik itu sendiri. Ia juga boleh dicipta secara khusus sebagai sejenis bentuk pelepasan dengan bantuan elemen hiasan, arca dan seni bina. Selalunya terdapat bingkai berbentuk segi empat tepat, agak kurang kerap - bulat dan bujur.

Bingkai membantu menyerlahkan lukisan daripada persekitaran sebagai sesuatu yang istimewa dan patut diberi perhatian, tetapi pada masa yang sama menghubungkannya dengan alam sekitar. Jadi, jika gaya bingkai bertepatan dengan penampilan artistik, struktur dan watak dalaman di mana gambar itu terletak, ini menyumbang kepada integriti ensemble. Bergantung pada warna, ketepuan dengan butiran hiasan dan arca, bingkai mempengaruhi kesan keseluruhan imej bergambar dengan ketara. Semua ini membolehkan kita bercakap tentang perpaduan gambar dan bingkai, di mana pembingkaian berfungsi, tentu saja, bukan fungsi utama, tetapi fungsi yang sangat diperlukan.

Perkembangan lukisan kuda-kuda adalah kompleks. Sungguh peristiwa penting dalam sejarahnya ialah peralihan daripada Zaman Pertengahan kepada Renaissance! Yang paling penting di dalamnya adalah keinginan untuk melepaskan diri dari kekakuan dan abstraksi imej ikon yang menguasai Zaman Pertengahan. Kira-kira pada abad XIV, sebuah lukisan dalam erti kata moden telah dilahirkan, dan dengan itu bingkai muncul, masih berpakaian dalam renda pemandangan Gothic.

Bingkai pertama tidak sepenuhnya bertentangan dengan keseluruhan imej dan tidak dipisahkan daripadanya; bahan kedua-duanya adalah serupa, penyepuhan bersyarat latar belakang, sebagai contoh, ikon Rusia atau Byzantine purba, dihantar ke bingkai, dan imej itu sendiri sering "terpercik" ke atasnya. Kemudian sempadan antara gambar dan bingkai itu semakin dikenali dengan jelas. Namun begitu, sebagai sejenis ingatan abad-abad sebelumnya, bingkai itu mengekalkan warna keemasannya. Apabila latar belakang emas, yang menandakan dunia ketuhanan, hilang dari lukisan, penyepuhan bingkai mula dilihat secara bersyarat, dengan kata lain, sebagai sifat bingkai yang diperlukan, yang membantu menyerlahkan gambar di dalam bilik, menarik perhatian penonton kepadanya.

Dalam Renaissance, idea melukis sebagai melihat dunia melalui tingkap dikuasai, bingkai, dengan bentuknya, sangat jelas merujuk kepada idea yang berlaku dan bertindak balas terhadapnya. Bingkai yang indah dan khidmat ini dibuat mengikut lukisan artis di bengkel khas atau oleh pembantu artis yang bekerja di bengkelnya.

Semasa Renaissance, lukisan sentiasa dibandingkan dengan cermin yang mencerminkan realiti, dan bingkai, yang dicipta seperti bingkai cermin hiasan, menekankan perbandingan ini dengan lebih kuat. Bingkai ini boleh dibuat bukan sahaja dari selat kayu dan plaster, tetapi juga dari bahan berharga, termasuk perak, gading, ibu-mutiara, dll. Keberhargaan bahan itu seolah-olah sepadan dengan nilai lukisan itu, mengukuhkannya.

Tuan-tuan lama sangat memperhatikan bingkai itu, dengan mengambil kira kesannya dalam proses kerja, kadang-kadang mereka juga melukis dalam bingkai siap, dengan mengambil kira nada tertentu dan irama hiasan bingkai. Oleh itu, komposisi tuan lama sering mendapat manfaat yang besar dalam bingkai asal.

Pemerhatian pada bingkai tuan lama membolehkan kami menubuhkan satu lagi prinsip - korespondensi antara profil dan lebar bingkai dan saiz gambar: sebagai contoh, pelukis Belanda digunakan untuk memasukkan mereka lukisan kecil ke dalam bingkai besar dengan pemprofilan yang dalam dan jelas, yang, seolah-olah, membawa mata ke tengah gambar dan mengasingkannya daripada sebarang pengaruh persekitaran

Pada awal abad ke-20, suara-suara mula kedengaran yang menyeru agar bingkai ditinggalkan sama sekali, sebagai sesuatu yang terlalu material, "membumikan" kerohanian seni. Pelbagai artis avant-garde, setelah menerima panggilan sedemikian, mula mempamerkan karya mereka tanpa bingkai. Walau bagaimanapun, hasil daripada inovasi ini, karya mereka sendiri tidak lagi menjadi lukisan dalam erti kata yang sempit. Ini adalah sejenis "objek", "bintik", selalunya tidak mempunyai makna yang jelas.

Walaupun kini tidak ada satu gaya dalam reka bentuk bingkai, seperti dahulu, tetapi terdapat lebih daripada sebelumnya, korespondensi bingkai dengan gaya individu artis.

DALAM kebelakangan ini pada pameran seni dapat dilihat bahawa inersia berhubung dengan reka bentuk bingkai (biarlah, dan apa yang tidak begitu penting), yang ditunjukkan pada masa lalu oleh artis kami, mula diatasi. Bingkai dicat dalam pelbagai warna, imej tambahan kecil dan inskripsi sering diletakkan pada mereka, pengukir membantu pelukis - bingkai dengan motif plastik yang kaya muncul.

Format gambar

Walau bagaimanapun, terdapat dua elemen khusus gambar, yang seolah-olah mencipta peralihan dari satah ke imej, pada masa yang sama tergolong dalam realiti gambar dan fiksyennya - format dan bingkai. Nampaknya format gambar hanyalah alat artis, tetapi bukan ekspresi langsung konsep kreatifnya: lagipun, artis hanya memilih format. Sementara itu, sifat format paling berkait rapat dengan keseluruhan struktur dalaman sesebuah karya seni malah sering menunjukkan cara yang betul untuk memahami niat artis. Sebagai peraturan, format dipilih sebelum permulaan kerja pelukis. Tetapi sebilangan artis terkenal yang suka menukar format gambar semasa bekerja, sama ada memotong kepingan daripadanya atau menambah yang baharu (Velasquez melakukan ini secara sukarela).

Format yang paling biasa untuk gambar ialah segi empat tepat, dengan segi empat sama tulen jauh lebih jarang daripada segi empat lebih atau kurang memanjang ke atas atau lebar. Sesetengah era menghargai format bulat (tondo) atau bujur. Pilihan format tidak rawak, format biasanya mengesan dalam, sambungan organik baik dengan kandungan karya seni, dengan nada emosinya, dan dengan komposisi gambar, ia sama-sama jelas mencerminkan perangai individu artis, dan rasa seluruh era. Kami merasakan hubungan sebab-akibat yang tersembunyi antara format dan niat artis sebelum setiap gambar, dari mana pesona karya seni yang sebenar datang. Terdapat lukisan yang kandungannya begitu bersatu dengan sifat format sehingga sedikit perubahan dalam perkadaran, nampaknya, akan mengganggu keseimbangan gaya dan ideologi gambar.

Format mendatar, memanjang, secara amnya, sudah tentu lebih sesuai untuk gubahan naratif, untuk pergerakan berurutan melepasi penonton. Oleh itu, artis yang epik dalam mood, berusaha untuk komposisi aktif, untuk tindakan, rela beralih ke format ini, sebagai contoh, pelukis Itali pada separuh ke-14 dan pertama abad ke-15 (terutamanya dalam gubahan fresco). Sebaliknya, format segi empat sama atau satu di mana ketinggian agak mendominasi lebar, seolah-olah menghentikan dinamik tindakan dengan serta-merta dan memberikan komposisi watak perwakilan yang sungguh-sungguh - format jenis ini yang disukai oleh tuan. lukisan altar mereka. Renaissance Tinggi ("Sistine Madonna"). Sebaliknya, dengan penguasaan tinggi yang ketara berbanding lebar, komposisi sekali lagi memperoleh dinamik, daya tarikan yang kuat, tetapi kali ini ke atas atau ke bawah; format yang sempit itu terutamanya disukai oleh artis bangsawan, hiasan (Crivelli) atau mistik. (sopan, Greco ), berusaha untuk menjelmakan emosi, perasaan tertentu.

Sambungan format dengan perangai individu artis juga tidak diragui: fantasi Rubens yang dinamik dan sensual memerlukan format yang lebih besar daripada fantasi Rembrandt yang terkawal dan rohani. Akhirnya, format bergantung secara langsung pada teknik melukis. Lebih luas, lebih bebas sapuan artis, lebih semula jadi keinginannya untuk format yang besar.

Imej, cat air, panel, pastel, landskap, kanvas, lakaran, kajian, kepala, morte alam semula jadi; mozek. Rabu . .. Lihat imej... Kamus sinonim Rusia dan ungkapan yang serupa. bawah. ed. N. Abramova, M .: Kamus Rusia, 1999. gambar ... kamus sinonim

GAMBAR, lukisan, perempuan. 1. Karya lukisan dalam catan. Sekeping perbualan. Lukisan cat air. 2. Filem sinematik. 3. Sebilangan imej yang berbeza dalam kejelasan dan membentuk satu keseluruhan. Gambar alam. Gambar masa lalu yang jauh. Ini… … Kamus Ushakov

Karya lukisan yang mempunyai nilai seni yang bebas dan mempunyai sifat kesempurnaan (berbanding dengan kajian dan lakaran). Gambar itu, sebagai peraturan, tidak disambungkan, seperti lukisan dinding atau miniatur buku, dengan bahagian dalam tertentu ... ... Ensiklopedia Seni

- (inosk.) rupa yang cantik. Rabu "Lihat, gambar itu, dan anda akan melihat, binatang itu." Rabu Gigi seperti badam, Mata seperti kayu manis, Suara seperti burung bulbul anda, Dan gambar. tukang roti. (com.) Rab. Bildschön … Kamus Frasaologi Penjelasan Besar Michelson (ejaan asal)

GAMBAR, s, perempuan. 1. Sebuah karya lukisan. Gambar artis Rusia. Gantungkan gambar. 2. Sama seperti filem (dalam 2 nilai) (kolokial). 3. Imej apa n. V karya seni. K. kehidupan. 4. Apa yang boleh dilihat, ditinjau atau ... ... Kamus penjelasan Ozhegov

perempuan gambar, malam · menjejaskan. gambar gambar menghina · dibawa pergi. lukisan, esp. dalam cat; | lisan atau bertulis imej yang hidup dan terang; | pemandangan alam yang indah. | di atap: dua helai besi diikat bersama. ... ... Kamus Penerangan Dahl

Repin "Pripyli". Jarg. mereka kata Ulang-alik. besi. 1. Tentang harapan, kegagalan, kegagalan yang tidak tercapai. 2. Apakah l. tidak masuk akal, tidak dapat difahami, mengelirukan. BSRG, 245; Vakhitov 2003, 74. Gambar sebak. Sib. Itu sangat mendukacitakan, sampai menitiskan air mata memang kesian pada seseorang. FSS, 91. Oleh ... ... Kamus Besar pepatah Rusia

melukis- GAMBAR, panorama, kanvas, kanvas, terbuka, cemuhan. daub, bahasa sehari-hari, mencemuh kotor... Kamus-tesaurus sinonim ucapan Rusia

- "GAMBAR", USSR, 1989, warna, 40 min. Tragicomedy, rancangan TV. Oleh permainan dengan nama yang sama V. Slavkin. Seorang jurutera yang tinggal di bilik hotel dikunjungi oleh artis tempatan, seorang yang kalah, pengarang lukisan yang telah digantung di dinding bilik ini selama bertahun-tahun. Suatu ketika…… Ensiklopedia Pawagam

melukis- GAMBAR, s, f. Muka. Beri dia gambar. Gambar dalam lopak. Pos. argotisme abad ke-19; dijumpai, sebagai contoh, dalam A.P. Chekhov ... Kamus Argo Rusia

melukis- (cth fenomena) [A.S. Goldberg. Kamus Tenaga Rusia Bahasa Inggeris. 2006] Topik tenaga secara umum EN gambar … Buku Panduan Penterjemah Teknikal

Buku

• Gambar, Granin Daniil Alexandrovich. Daniil Granin, pemenang Hadiah Negara Rusia dan dua kali pemenang Hadiah Negara USSR, dalam novel "The Picture" sekali lagi merujuk kepada masalah resonans awam yang hebat. Buku itu terletak di…

Kami terbiasa melihat lukisan di muzium yang dicat dalam pelbagai warna: tempera, minyak, cat air. Tetapi berapa kerap kita berfikir tentang bagaimana mereka muncul, dan siapa pencipta mereka? Buat pertama kalinya, cat, yang sebenarnya berfungsi sebagai tanah liat, digunakan oleh primitif. Kemudian, dia mula mencampurkan tanah liat, arang batu dan pewarna semula jadi lain dengan lemak, yang boleh dianggap sebagai cat sebenar pertama. Seluruh beribu tahun berlalu sebelum kemunculan cat, yang mula digunakan oleh artis di mana-mana.

tempera telur

Cat ini adalah tempera telur. Ia menjadi sangat popular semasa Renaissance, apabila pakar hebat seperti Raphael, Leonardo da Vinci dan Michelangelo bekerja dengannya. Tempera terdiri daripada kuning telur, air dan pigmen kering. Pada zaman itu, artis terpaksa membuat catan mereka sendiri. Mereka mengisar tanah liat, menanam mineral, beri, dan juga serangga menjadi serbuk halus, kemudian mencampurkannya dengan air dan kuning telur. Tempera memerlukan kemahiran khas daripada artis. Merah berair ini kering dengan cepat. Ini memaksa tuan untuk bekerja pada kelajuan yang sangat tinggi untuk mengekalkan perpaduan corak.

Cat minyak

Revolusi sebenar dalam lukisan telah dibuat pada abad ke-15 oleh ciptaan cat minyak oleh Jan van Eyck. Sebagai pengikat, dia menggunakan minyak biji rami, bukannya kuning telur biasa. Tegasnya, mereka dikenali sebelum zaman kita. Ini disahkan oleh sisa cat yang ditemui selepas pemusnahan patung Buddha Bamiyan. Adalah diketahui bahawa pelukis purba juga menggunakan minyak sayuran untuk komposisi berwarna-warni. Pelbagai risalah dari abad ke-8 hingga ke-12 bercakap tentang penggunaan minyak biji rami. Bagaimanapun, tiada bukti material yang terselamat. Cat minyak dalam banyak cara lebih baik daripada tempera telur. Pertama sekali, artis disogok dengan keplastikan dia. Cat minyak mudah dibancuh, membolehkan warna baharu dicipta. Cat mula digunakan dalam lapisan nipis. Teknik ini menyampaikan ruang, kelantangan dan kedalaman warna dengan terbaik.

Cat air

Walaupun fakta bahawa penampilannya dikaitkan dengan abad ke-2 Masihi, ia mendapat populariti yang meluas hanya pada pergantian abad ke-18-19. Ia terdiri daripada pigmen yang dikisar halus, dan gam asal tumbuhan yang mudah larut dalam air. Cat ini dicairkan dengan air dan digunakan pada kertas. Kekhususan teknik cat air terletak pada ketelusannya. Cat air mencipta cahaya, halus, seolah-olah lukisan yang dipenuhi udara. Tetapi ada tangkapan: buat semula lukisan atau rekod lapisan, seperti dalam lukisan minyak, sebagai contoh, adalah mustahil. Apabila mencampurkan lebih daripada dua atau tiga warna, cat kehilangan kecerahan dan ketulenannya, dan apabila lapisan cat dicuci, kertas menjadi cacat, yang membawa kepada kotoran.

Sejak zaman yang jauh itu, cat telah dicipta berdasarkan bahan semula jadi: minyak sayuran, resin kayu dan pewarna semula jadi. Tetapi pada awal abad ke-20, ahli kimia yang bekerja untuk pengeluar cat utama mula mencipta formula cat baru. Pada abad ke-20, sejarah cat yang boleh dilihat di kedai hari ini bermula. Kebanyakannya mengandungi komponen sintetik, tetapi sama sekali tidak kalah dengan yang semula jadi.

• Gambar dalam lukisan ialah karya seni yang mempunyai perwatakan lengkap (berbanding dengan lakaran dan lakaran) dan nilai seni yang bebas. Tidak seperti lukisan dinding atau miniatur buku, lukisan tidak semestinya dikaitkan dengan bahagian dalam atau sistem hiasan tertentu. Lukisan itu adalah salah satu jenis seni kuda-kuda yang paling tipikal. Mencipta kanvas, artis bergantung pada alam semula jadi, tetapi imaginasi kreatif memainkan peranan penting dalam proses ini. Lukisan memainkan peranan utama dalam pembangunan seni lukis.

  Ia terdiri daripada asas lukisan (kanvas, papan kayu atau logam, kadbod, kertas, batu, sutera, dll.), primer dan lapisan cat.

  Gambar dalam drama, opera, balet, seni pawagam adalah bahagian lengkap lakonan atau karya, dihadkan oleh ruang aksi yang tidak berubah-ubah. Apabila dipentaskan, sebagai peraturan, ia ditunjukkan tanpa mengubah pemandangan.

  Gambar dalam erti kata kiasan atau lebih umum ialah apa-apa karya seni yang lengkap dan penting, termasuk penerangan yang meriah dan jelas, lisan atau bertulis, tentang alam semula jadi.

  Pengeluaran semula atau salinan asal juga boleh dirujuk sebagai lukisan jika ia tidak penting dalam konteks yang berkaitan sama ada salinan atau karya asli. Sebagai contoh, "terdapat beberapa lukisan tergantung di koridor." Jika anda tidak menggunakan pencahayaan moden(elektrik, lilin, dsb.), sebelum memulakan kerja pada gambar (mengecat), adalah dinasihatkan untuk menandakan masa menggunakan jam matahari pada hari yang sama dalam setahun, sebagai contoh, jika anda mula melukis gambar pada pukul 13.00 dan meneruskan untuk melukisnya selama satu jam sebelum 2:00 petang pada 25 Julai 1979, maka sesi penulisan anda yang seterusnya ialah dari 1:00 petang hingga 2:00 petang pada 25 Julai 1980. Keperluan ini berkaitan dengan kedudukan astronomi planet kita berbanding matahari. Perlu juga diketahui bahawa terdapat lukisan (terutamanya tuan lama) yang tepu dengan racun, kerana terdapat tumbuhan beracun, cecair dan mineral yang digunakan untuk menulisnya.

  Profesor Richard Gregory menyifatkan "sifat pelik lukisan": "Lukisan adalah kelas objek yang unik kerana kedua-duanya boleh dilihat dalam dan pada diri mereka sendiri dan sebagai sesuatu yang sangat berbeza daripada hanya helaian kertas di mana ia dilukis. Gambar adalah paradoks. Tiada objek boleh berada di dua tempat pada masa yang sama; tiada objek boleh menjadi dua dimensi dan tiga dimensi pada masa yang sama, dan ini adalah cara kita melihat gambar. Gambar itu mempunyai saiz yang sangat pasti, dan pada masa yang sama ia menunjukkan saiz sebenar wajah, bangunan atau kapal manusia. Gambar adalah objek yang mustahil. Gambar adalah penting kerana mata melihat objek yang hilang di dalamnya. Secara biologi, ia sangat pelik."

  Keupayaan seseorang untuk bertindak balas terhadap situasi khayalan yang tidak hadir dalam gambar adalah peringkat penting dalam perkembangan pemikiran abstrak.

  Johann Wolfgang Goethe menulis: "Gambar bukan sekadar kanvas yang dicat, ia mempengaruhi perasaan dan pemikiran, meninggalkan kesan pada jiwa, membangkitkan firasat."