Hvordan tegne et stilleben med en enkel blyant i etapper. Hvordan tegne et stilleben med en blyant

Generelt, med vårens ankomst, ser det ut til at det blir mer tid til å gå og slappe av, men som vanlig er det tre ganger mer arbeid og flere studier, eksamener, eksamener ... Livets paradoks! Men jeg skal ikke klage! Jeg aksepterer denne kampen!

Vi har ikke seire, vi har bare kamper. Og det beste du kan håpe på er at vi finner noe som er verdt å kjempe for. Og er vi heldige finner vi noen som er klare til å ta denne kampen med oss.

Marina Baydakova skrev til oss:

Marina Baydakova

Hvis ikke vanskelig, kan jeg få en leksjon om å tegne et stilleben med blyant? hvis det er mulig på lettere, og så er det mulig og på vanskeligere. Takk skal du ha!

For å være ærlig har jeg selv ikke mestret så komplekse teknikker, jeg pleier å tegne, og lignende. Jeg tror det er på tide å begynne å bli seriøs! Jeg forplikter meg ikke til å undervise, men jeg skal heller fortelle deg hva fagfolk anbefaler i denne saken.

Jeg har lest noen bøker om emnet, og her er noen tips:

• Ser du på naturen og tegningen din, mys og du vil se at mye er generalisert og bare tonefargene du trenger å formidle i tegningen din er synlige.
• Når du arbeider med maling, påfør strøk i henhold til formen på objektet, gå tilbake oftere og se på arbeidet ditt på avstand.
• Prøv å lytte og analysere all slags kritikk.
• Ikke mal gjenstandene du tegner med samme farge. Se nøye og bland, legg til hovedfargen andre farger som er til stede i dette emnet, ellers vil stillebenet ikke bli tegnet, men malt.
• Ikke gi opp hvis det første forsøket ikke var helt vellykket. Gjenta det samme stilleben, bare fra et annet synspunkt. Hvordan flere arbeider du gjør det bedre. Kvantitet påvirker kvaliteten direkte.
• Verk, selv mislykkede, kast ikke, men legg dem i en mappe og etter en måned eller to spre dem ut, analyser nøye og velg de mest vellykkede, etter din mening.
• Ikke stopp der, med hvert arbeid kompliser oppgaven, alternerende tegning med maleri, arbeid fra naturen med arbeid fra hukommelsen, fra inntrykk.

Utfordringen er ikke å bryte planen som du har utviklet i prosessen med å tegne. Derfor kan du ikke tegne, begynne med et enkelt objekt, og gradvis legge til resten av bildet. I dette tilfellet vil de komparative størrelsene på gjenstander uunngåelig bli krenket, tegningen kan ikke passe inn i arket eller være mye mindre enn nødvendig. jeg begynte tegne epler med en blyant: På det første stadiet satte jeg konturene til fremtidens tegning med en blyant:
Og så har jeg farget dem med blyanter.
Dette er mitt første forsøk, i fremtiden skal jeg prøve å lage en trinn-for-steg leksjon. Prøv å tegne epler også, eller ta et annet eksempel. Vis tegningene dine og hva annet du vil se på. Jeg gjorde denne opplæringen for lenge siden. Nå tegner jeg mye bedre. Sjekk ut mine nye opplæringsprogrammer, de er generelt fantastiske:

1. Tegning ;
2. stilleben fra

Beskrivelse:

Innledningen er lang, kjedelig og uinteressant lesning, så jeg går rett på sak. 1. Verktøy. Først av alt trenger vi en referanse. I dette tilfellet er dette et bilde funnet på Internett. Du kan angi naturen selv - det er mye mer nyttig å tegne. Prøv å se etter en slik referanse, hvor du kan streife rundt og male (draperi, epler) og...

Innledningen er lang, kjedelig og uinteressant lesning, så jeg går rett på sak.

1. Verktøy.
Først og fremst trenger vi henvisning. I dette tilfellet er dette et bilde funnet på Internett. Du kan angi naturen selv - det er mye mer nyttig å tegne.
Prøv å se etter en referanse der du kan streife rundt med både maleri (draperi, epler) og smakfulle detaljer (blader). Noen detaljer, du vet, er ikke alltid gode, spesielt i de tidlige stadiene av læring - selve bildet går tapt bak tegningen deres. Vil du ha realistisk tegning? Ta med kameraet og ta bilder. Vår oppgave er å presentere naturen (eller referansen) slik vi ser den, og ikke slik kameraet ser den.

(referen har et ganske dårlig fargevalg, så jeg bestemte meg for å avbilde det nærmeste eple i gult)

Dessuten trenger vi selvfølgelig ulike kunstartikler, som for eksempel:
- akvarell (i seler, i rør - som du foretrekker);
- akvarell papir, forberedt for arbeid (det vil si strukket på et nettbrett), størrelse - mer enn A3, kvalitet - igjen, etter din smak, har vi ikke mye valg i byen, så jeg kan ikke gi noe råd her;
- maskeringsvæske (ikke absolutt nødvendig i dette tilfellet);
- et staffeli (jeg personlig hater å tegne på bordet, jeg er mer vant til å jobbe på et vertikalt plan);
- skrivesaker - børster (helst ekorn, nr. 2, nr. 3 og nr. 4 for bakgrunnen), en krukke med vann (som bør byttes så ofte som mulig), en palett (hva slags palett du skal bruke er en spørsmål om vane din), papirbiter for korrektur, rengjør en fille og en linjal, en penn (hvis du bruker en maskeringsvæske).

2. Blyantskisse. Begynnelsen av arbeidet.
Når du bygger en blyantskisse av et stilleben, kan denne leksjonen hjelpe deg: Lineær-konstruktiv tegning av et stilleben.

Først definerer vi grensene for stillebenet vårt: den nedre grensen er der det gule eplet ligger; topp, høyre og venstre - der bladene når maksimalt. Ved hjelp av en blyant (linjal, men bedre tren øyet), kan du umiddelbart bestemme fra bildet hvor mye større dette rektangelet vil være i bredden enn i høyden. Mål avstander i sammenligning med en bestemt verdi.

Marker deretter stedene (fotsporene) hvor hvert av elementene på bordet står – vurder hvor langt glasset er fra det røde eplet enn det røde eplet er fra det gule. Deretter, igjen, ved hjelp av en blyant og et øye, bestemmer du grensene for hvert objekt (fordi glasset er et symmetrisk objekt, så skisserer vi og midtlinje- nøyaktig i midten av rektangelet). Jeg anbefaler deg å ikke bruke linjalen i det hele tatt på disse stadiene.

Skisser skjematisk hovedgrenene til høstbuketten, som holder bladene. Går du litt over den tiltenkte grensen - er det ikke skummelt. Hovedsaken er litt.

Vi bygger et eple. For første gang i mitt liv bestemte jeg meg for å prøve å tegne; fasettert; frukt. Det viser seg interessant, selv om mange av vennene mine (inkludert faren min) ikke likte det. Jeg kan sannsynligvis ikke fortelle deg algoritmen for å bygge et eple på denne måten - du trenger bare å føle formen, alle bulene og bulkene. Apple passet inn i grensene som er skissert tidligere. Bestem også bredden på bunnen av glasset (selv om bunnen egentlig ikke er synlig - med øyet) og tegn symmetrisk to skrå linjer - fartøyets fremtidige vegger.

Det andre eplet er det samme:


Her skisserte jeg umiddelbart en stofffold som litt dekker bunnen av frukten.

Vurder plasseringen av alle bladene og prøv å ikke tegne dem separat, men passe dem inn stort bilde. Merk dine imaginære grenser for denne buketten. Selvfølgelig vil mange ting ikke konvergere med referansen, men det spiller ingen rolle.


På dette stadiet kan du allerede slette de generelle grensene for stilleben, som vi skisserte helt i begynnelsen.

Det mest tidkrevende trinnet er å tegne bladene. Bare ta en nærmere titt på referansen, overfloden av størrelser, former og skråninger til hvert blad. Ikke bry deg for mye med komposisjonen - den er allerede godt satt på bildet. Ikke bli hengt opp på en gren - tegn hele buketten på en gang, først skjematisk, i skisser, senere - tegn detaljene. Jeg anbefaler deg å begynne å tegne et blad fra to linjer - hovedvenen, som går langs hele bladets lengde, og, i teorien, en parallell vene av midtlinjen, som karakteriserer den bredeste delen av bladet. Men siden bladene stort sett er skråttstilt mot oss, vil disse to linjene ikke krysse hverandre i rett vinkel.


Vi skisserer også halene til epler.

OG siste trinn blyantskisse - litt stilisering. Bare et innlegg i form av et rett bånd med innslag av røde og rødlige blader.


Lys litt med en gummistrikk, slike øyeblikk som kantene på epler, for eksempel, eller den samme stiliserte innsatsen slik at de ikke skader øynene og ikke vises sterkt under lagene av akvarell.

3. La oss begynne med akvarell.

Kjøp for å komme i gang fremtidig arbeid V rent vann- bare fukt hele overflaten av papiret jevnt. Dette er ønskelig for alle akvarellverk før du begynner med maling: mens du tegner med blyant, er papiret dekket med et tynt lag fett fra fingrene, og det kan noen ganger forstyrre vannet og selve akvarellen på overflaten.


(Jeg fuktet arbeidet to ganger - om kvelden, etter skissen, og om morgenen for å male i en våt bakgrunn; du kan trygt gjøre det en gang)

For bakgrunnen bruker vi KUN en palett og KUN fortynnede akvareller for å forhindre at det oppstår skarpe flekker, som du ikke kan vaske eller slukke uten smuss. Vi forstyrrer paletten med fargene du ser / ønsker å se på bildet. For eksempel bestemte jeg meg for å gjøre bakgrunnen ikke blå, men mer blåaktig, og la fillen stå bak den stiliserte innsatsen helt hvit. Bakgrunnen fungerte ikke for meg, men jeg er sikker på at du vil gjøre det mye bedre.
Jeg tok slike farger - blåaktig-blå, grå-turkis, oransje (med tillegg av en liten mengde lilla for å redusere lysstyrken), tungt fortynnet sitron, litt lilla.
Med vertikale strøk begynner vi å male bakgrunnen. Jeg så foldene der ganske abstrakt, spesielt med tanke på at bakgrunnen skal være minimalt kontrasterende og lys (siden bladene og eplene er mørke). Vi skriver vått. Pass på at malingen ikke renner der det ikke er nødvendig - I; det bare på noen blader. Hvis du merker at en dråpe samler seg under og er i ferd med å rulle ned - bløtlegg børsten raskt med en fille/munn og samle denne dråpen uten å berøre papiret. Hvis du trenger å lysne noe – mens det er vått, kan du også få børsten våt og tørr for å samle opp fuktighet fra papiret – malingen blir lysere, men du vil ikke klare å fjerne den helt.
På det første strøket med maling vil jeg ikke anbefale deg å skille sterkt mellom toner og smøre noe. Det første laget er en slags fôr under hovedet: det gir retning til farge og form.




Til høyre forlot jeg revne kanter - vanen med å ikke male til slutten. De er laget med en halvtørr pensel med maling, sidelengs, på en tørr eller lett fuktig overflate.

Jeg minner deg om: det første laget er tegnet med veldig fortynnet maling, og det kommer veldig lyst ut til slutt.


(Jeg behandlet ikke dette bildet spesielt i Photoshop - jeg økte ikke kontrasten slik at det var tydelig hvor lys bakgrunnen egentlig var)

Vi tegner det andre laget allerede på en tørr måte (vi venter til det første tørker), og vi maler langt fra alt som ble malt over først. Her la jeg skygger og "folding" til høyre for bladene, til høyre for glasset begynte jeg å tegne en fold (vi legger forresten bringebærnyanser her og der - slik de blir på bladene - slik at bildet harmonerer i farger, og buketten ser ikke ut senere, la til skyggen fra eplene og fra bladene til venstre (det er også en rød farge på folden til venstre for eplet - så jeg " dempet" den litt - vasket den ut med vann mens den tørket). Jeg begynte også å tegne draperiet under eplene - det er hvitt, noe som betyr at reflekser er veldig tydelige på det. I dette tilfellet overdrev jeg bevisst disse refleksene ved å legge til slike pseudo-refleksjoner fra epler slik at fillen ikke skiller seg sterkt ut med sin "renhet", for å si det sånn.

Deretter, med det tredje laget, la jeg en skygge til stoffet fra bladet lengst til høyre (stort), styrket skyggen av folden over det, og dempet stedet jeg tenkte å la være umalt (der de revne kantene er). Ikke vær lat med å gå tilbake fra tid til annen, legg arbeidet ditt og evaluer det. Jeg gjør dette, sannsynligvis, etter hvert andre eller tredje slag, spesielt på bakgrunnen.

Så så jeg en episk feil i dette arbeidet og tenkte å forlate det helt. Er bakgrunnen forferdelig? Fortsatt ville. Men faktisk spiller bakgrunnen her praktisk talt ingen rolle - det er det den er bakgrunnen for. I tillegg er det nødvendig å evaluere arbeidet som allerede er fullført, men foreløpig er dette bare begynnelsen.
Jeg bestemte meg for å forlate draperiet for nå og gå videre til selve gjenstandene og bladene.

Som jeg allerede har sagt, forlater jeg bakgrunnen, siden jeg alltid vil ha tid til å fullføre den, men jeg skal ikke i noe tilfelle rote til noe. Generelt, hvis du ikke liker noe i arbeidet ditt, la det være, tegn noe annet, men ikke prøv å fikse det flere ganger på rad. Verket vil miste gjennomsiktighet og akvarell.

Litt om planlegging. Draperiet er bakgrunnen, glasset med bladene er det midterste, og selve eplene er forgrunnen. Hvordan sende inn planer? Det er mange måter.
En av dem er lag akvarellmaling. Jo færre lag, jo lenger unna er objektet. For å redusere antall lag, må du umiddelbart tegne med mer eller mindre konsentrert maling, prøv å formidle alle fargene, formene, tonene til objektet første gang. For å legge til antall lag bruker vi sterkt fortynnet maling, og oppnår lysstyrke og metning av farger ved å overlegge disse lagene.
En annen er kontrast og detaljer. Se på den ferdige versjonen av dette verket. Legg merke til hvor løst draperiet er, spesielt bak bladene og til venstre. Bokstavelig talt ett strøk med maling, og nesten ingen kontrast. Bytt nå til blader. Er det noen detaljer? Mye av. Lag? Tre eller fire på de nærmeste bladene, og på det fjerne venstre og under - to eller tre. Er det et stort minus - for lyse striper, som burde vært enda mer dempet. Epler i seg selv er veldig gjerrige med detaljer (jeg kan ikke formidle den flekkete teksturen på huden deres med akvarell, det er sikkert), men deres segmentering, klarhet og sterke kontrast (spesielt i et gult eple - en hvit refleks, en veldig mørk skygge ) flytte dem fremover.
Og en ting til er farge. Husk at rødt bringer ting nærmere og blått gjør ting lenger unna. Det er derfor jeg likte dette bildet - jeg visste at bildet ville vise seg å være omfangsrikt på grunn av det faktum at draperiet er blått og hovedobjektene er røde. Men likevel malte jeg bladene, og la ofte til blått slik at de ikke klatret i forgrunnen.

Jeg begynner med et glass. I den likte jeg også gjenskinnet til høyre i bildet, og måten bladene er synlige gjennom glasset. Det er dette vi prøver å formidle. Fyll først glasset med vann (det høres bra ut, om noe, jeg mener - vi fukter overflaten av papiret innenfor glassets grenser) og tegner et fargefor, og etterlater nesten hvite steder til høyre for maskeringsvæsken, til venstre - en blå refleks fra stoffet, og på bunnen, nærmere eple, avtar også fargemetningen og tonen - for å visuelt flytte glasset bort.
Vi bruker den blå, venstre fra draperiet, oransje-brune "Mars Brown", for mørke nyanser en uunnværlig blanding av lilla og oransje, litt bringebær og bare oransje.


Vi tar også hensyn til tegningen på glasset. Riktignok bøyde jeg den av uoppmerksomhet i den andre retningen, men ingen har lagt merke til denne lille tingen ennå

Vi påfører en maskeringsvæske - til høyre, der gjenskinnet er - rikelig, litt på bildet, bare litt til venstre og på toppen, langs kanten av glasset. MERK FØLGENDE; Vi venter til papiret er HELT tørt før vi bruker maskering på det - ellers vil filmen flasse av sammen med papiret (mange hadde dette problemet, inkludert meg).

Det er bedre å påføre med en jernpenn - så snart du dypper den, rist pennen litt på et stykke papir (trykk lett på den) for å kaste av overskuddet. Etter at væsken på pennen tørker, er det veldig, veldig enkelt å rive den av med en enkelt film, i motsetning til en børste. I tillegg kan pennen tegne veldig tynne og pene linjer.

Med mer mettede toner legger vi til kontrast og skygger inne i glasset, men ikke glem å forlate noen steder (for eksempel oransje - der bladet inne i glasset treffer lyset). Underveis har jeg også laget et lite hvitt draperi under eplene - lagt til farger til høyre, fullførte brettene.


Væskefilmen kan fjernes, der den viste seg for lett - til å dempe.

Blader.
Vi tegner dem en etter en generelt prinsipp: Fukt med vann->vått fargefôr->påfør striper med maskeringsvæske->2-3 flere lag med etterbehandling på en tørr måte.
Det viktigste å huske er at når du ferdigstiller, bør du ikke endre fargen som var på foret for mye. Her startet vi for eksempel med store blader til høyre (og noen små bak). Som du kan se, inneholder fôret både blått, og gult, og bringebær, og oransje farger bortsett fra den grønne. For det første, ikke glem det totale volumet av buketten med blader - lyset faller til høyre og ovenfra, og forfra, og ikke fra siden - det vil si at bladene (spesielt den sentrale) vil være lette og kontrasterende både i farge og tone. For det andre, når du maler det andre laget, bør du ikke gå oransje eller gul på, for eksempel, et blått fôr - det skapes smuss. Prøv å forbedre lysstyrken til farger, juster den her og der. Dette er en akvarell - i denne teknikken vil alt fra det aller første laget være synlig gjennom påfølgende lag. For det tredje - ikke skynd deg og ikke rot med bladene. Bedre, hvis det ikke fungerer, la det stå til senere - du vil alltid ha tid til å fullføre det. For det fjerde - i påfølgende lag, la mer og mer "umalt" plass med dette laget.

Vått fôr:

Årer med maske (ikke alle årer er synlige på alle blader):

Andre lag (oransje-gult på gult fôr, blått på blått):

Det tredje laget - la stedene der det andre ser gjennom:

Det fjerde laget forsterker noen skygger.


Fjern deretter filmen forsiktig (bare når malingen tørker!). Vi ser at venene kom for lyse ut. Da vil jeg dempe dem på et tidspunkt.

Et annet tips - påfør neste strøk med maling først etter at det forrige er HELT tørt for å unngå smuss og skitt.

Og så, bit for bit, jobber vi med hele buketten. Det ville vært riktigere å skrive alle bladene på en gang, men jeg er ikke på det nivået ennå - nervene mine ville ikke tåle det.
Vi legger til variasjon underveis: grønn og blå blomster, varier tonen i hver brosjyre.

Nå er det fjernere blader fra oss. For dem vil vi ikke bruke maskeringsvæske. Venene ble oppnådd fordi jeg prøvde å klare meg med fôr og ett (maks - to) lag, der jeg hoppet over steder "manuelt".










Jeg la også til en skygge fra de høyre store bladene på draperiet, til høyre for koppen. Underveis fortsatte jeg å jobbe med bakgrunnen her og der, der det ikke passet meg.

På omtrent samme måte som bladene tegner vi en stilisert innsats (uten maskering).


Ingenting igjen.

Epler.
Det blir mange lag på epler, spesielt på gult. Ikke vær redd. Bare bruk mindre mettede farger.
Jeg begynner med gult. For å begynne, som med bladene, våt eplet og tegn foret.

Og så prøver jeg - i stykker-sektorer, og du - å fullføre eplet med det andre, tredje, fjerde, femte og til og med sjette laget. Ikke overdriv. Husk at du bruker relativt fortynnede malinger.
For at frukten skal skinne, må du ta hensyn til mange reflekser og høydepunkter (jeg brukte den helt til slutt med hvit gouache).
Opplegg, hvor, fra hvor og hvilken farge skal være reflekser:

Det samme er det røde eplet. Med de siste lagene, så vel som på bladene som vi malte uten maske, prøv å ikke dekke hele eplet, men la laget "under" et sted å se gjennom.

Master - klasse om å tegne et stilleben for barn 5-8 år "August - asters"

Guseva Irina Alexandrovna, lærer grunnskole, MBOU "Gymnasium oppkalt etter. I. Selvinsky, Evpatoria, Krim

Mesterklasse for barn 5-8 år, lærere, foreldre.
Mesterklassen vil være nyttig i arbeidet til barnehagelærere, lærere og foreldre, og vil også gi litt fantasi til kreative mennesker.
Hensikt:å muntre opp, design stands, dekorasjon til interiøret.
Mål: skape et lyst mønster på en uvanlig måte
Oppgaver:
- introdusere ikke-tradisjonelle teknikker i billedkunst;
- å danne en interesse og en positiv holdning til tegning
- utvikle seg Kreative ferdigheter hos barn i konstruksjonen av komposisjonen;
- utvikle seg finmotorikk hender,
- dyrke kjærlighet til naturen, blomster;
- utdanne uavhengighet, nøyaktighet, nysgjerrighet.

... Fargerike hatter blomstrer,
Som et fyrverkeri.
Hundre nyanser og varianter
Disse gledelige fargene: Rosa, rød -
Det vakreste!(T. Lavrova)

Astra med sine rette kronblader
Siden antikken har den blitt kalt en "stjerne".
Det er det du vil kalle det selv.
I den, kronbladene spredt i stråler
Fra kjernen helt gylden.(Vsevolod Rozhdestvensky)

Legenden om asteren

Astra betyr "stjerne" på gresk.
En gammel legende sier at asteren vokste fra et støvkorn som falt fra en stjerne. Allerede inne Antikkens Hellas folk var kjent med stjernebildet Jomfruen - kjærlighetsgudinnen Afrodite. I følge gammel gresk myte asteren oppsto fra kosmisk støv da jomfruen så ned fra himmelen og gråt.
Det er en tro på at hvis du står blant asterne om natten og lytter nøye, kan du høre en liten hvisking: disse asterne har en endeløs samtale med søsterstjernene sine.
I Kina symboliserer asters skjønnhet, presisjon, eleganse, sjarm og beskjedenhet.
For ungarere er denne blomsten assosiert med høsten, og det er grunnen til at asteren i Ungarn kalles "høstrosen". I gamle tider trodde folk at hvis noen få asterblader ble kastet inn i en ild, kunne røyken fra denne brannen drive ut slanger.
Astra regnes som en gave til mennesket fra gudene - en partikkel av en fjern stjerne.

Nødvendige materialer:
- landskapsark (A4),
- gouache
- et glass med vann;
- en enkel blyant;
- børster i forskjellige størrelser;
- engangsgaffel.

Framgang.

1. Vi starter med å bygge en komposisjon. Med en enkel blyant lager vi en skisse av fremtidens stilleben. Tegn en vase (i form av en omvendt trapes)

2. Ovaler er våre fremtidige blomster.

3. Fyll de vertikale og horisontale flatene med farge med en tykk børste. Nyanser er bedre å velge lys. Vi vil prøve å ikke male over fremtidens vase og blomster. Men samtidig bør du ikke etterlate klare konturer av vasen og blomstene.

4. Vi begynner å tegne grønt. Vi prøver å føre børsten fra den øvre bunnen av vasen og oppover.

5. Legg til en ny nyanse av grønn. Den kan være lysere eller mørkere (etter eget skjønn)

6. Tegn nå tynne gresstrå

7. Vi dekorerer vasen i lyse nyanser.

8. I midten av den fremtidige blomsten legger vi en dråpe lilla gouache. Fallet må være stort.

9. Tilsett mer rubin.

10. Kanskje litt rødt.
Du kan kombinere alle andre malingsfarger.
Hundre nyanser og varianter
Disse glade blomstene:
Rosa, rød
Det vakreste!

11. Ta nå en gaffel og strekk forsiktig malingen fra midten til kantene på den fremtidige blomsten.

12. Dette er blomsten du får.

13. Vi vil fortsette å fremføre andre blomster i samme teknikk. Legg deretter til de gule sentrene til blomsten.

14. Legg til mer greener og ulike grener
Vi rammer inn arbeidet

Kreativ suksess og solfylt humør!

stilleben er en sjanger visuell kunst, der kunstneren fanger gjenstander av livløs natur. Oversatt fra fransk dette er hva det høres ut som: "død natur". Mer nøyaktig er imidlertid det engelske uttrykket stilleben, som oversettes som «stilleben».

Sjangerens skjønnhet

Stillebenkunst oppsto som sjanger på 1600-tallet i Holland. Med skildring av vanlige gjenstander forsøkte kunstnerne å uttrykke sin plastisitet, og til og med poesi. Gjennom maleriets historie eksperimenterer mestere fritt med form, farge, tekstur av ting, komposisjonsløsninger i utførelsen av tegningen.

Opptre i etapper - for nybegynnere er oppgaven ikke så vanskelig. Det viktigste er å velge riktig komposisjon og se den i et romlig perspektiv. Denne lille leksjonen vil bidra til å realisere det angitte forsøket.

Hvordan tegne et stilleben med en blyant

La oss ta en trinnvis titt på hvor du skal begynne arbeidet, hvordan du ikke gjør en feil med arrangementet av objekter i bildets rom og viser lys og skygge på riktig måte. Den aller første tingen å gjøre er å velge ut objekter for stilleben. Du bør ikke begynne å tegne for komplekse objekter, det er bedre å ta de mest vanlige tingene for å tegne med geometrisk forståelige former: kopp, frukt, boks. Du kan bruke fotografier, men det er å foretrekke å ta hensyn til naturen, fordi bare med den vil du ha større mulighet til å undersøke objekter i detalj og avklare detaljene. Når du mestrer stillebenskunsten, vil du kunne komplisere formene og komposisjonene.

La oss ta oss av belysningen

Før vi tegner et stilleben med en blyant, vil vi gradvis plassere gjenstander ved siden av hverandre, og ikke glemme lyskilden. Gjenstander kan lokaliseres i en viss avstand, men det vil være mer interessant hvis de litt overlapper hverandres kanter. Strømmen av lys fra lampen vil tillate deg å fremheve kontrasten til nyanser og høylys mer uttrykksfullt. Bedre hvis den faller sidelengs. Når du ikke stoler på kunstig, men på sollys, er det nødvendig å huske at armaturet ikke står stille, så vinklene på lys og skygge vil endre seg.

La oss begynne å tegne

Før vi tegner et stilleben, vil vi gradvis markere plasseringen av objekter med en blyant, hvordan kantene og linjene deres krysser hverandre. Spesifiser planet som objektene ligger på, horisontal linje bak komposisjonen som avgrenser bordet og veggen. La oss skissere perspektivet: for å skildre objekter i tredimensjonalt rom, vil vi huske at de ikke kan tegnes på samme linje. Størrelsene på gjenstander som er nærmere oss vil bli avbildet større enn de som er lenger unna.

Vi lager en skisse med lette glidelinjer. For ikke å ta feil av proporsjonene til gjenstander, forestill mentalt den sentrale aksen for hver av dem. Du kan skildre det på et ark som vi tegner et stilleben på med en blyant. Trinn for trinn vil vi skissere den geometriske formen som ligger til grunn for hvert objekt, og fra det vil vi lage selve objektet. Eplet og koppen vil være basert på sirkler, boksene er laget av parallellepipeder, sukkerbollen er basert på en firkant, og lokket er ovalt.

Når formene er definert, vil vi begynne å avgrense objektene med pene og sikre linjer. Ved hjelp av et viskelær, bli kvitt de første strekene.

Siste trinn

Hvordan tegne et stilleben med en blyant, gradvis skape volumet av gjenstander? Her hovedrolle spille av skygger og høylys. La oss kopiere dem fra naturen, skyggelegge de mørkere delene av objektene tettere. Det er også viktig å være oppmerksom på hvor i komposisjonen mørkningen er mer konsentrert, hvordan og hvor objekter kaster skygger på et annet objekt og på planet.

Vi vil bringe den ferdige skissen til perfeksjon, korrigere detaljene i tegningen, forsegle skyggene og teksturen til objekter med streker.

Utstyr og materialer: papir for utkast (en hvilken som helst størrelse og kvalitet); tykt papir for å male A-3, (eller A-4); en enkel blyant, vask, spisser; visuelle hjelpemidler: flere velkjente, enkle i form, grønnsaker (poteter, gulrøtter, løk, rødbeter), eller deres dummies eller bilder; gouache minst 9 farger; krukker for vann; ekornbørster (tykke - for bakgrunnen, middels - for gjenstander, tynne - for strøk og små detaljer): reproduksjoner av stilleben med grønnsaker (enkle men komposisjoner), negative eksempelskjemaer med typiske komposisjonsfeil.

Leksjonens mål: konsolidere konseptet med grønnsaker, introdusere konseptet "stilleben", konsolidere kunnskapen som er oppnådd om arrangementet av hovedemnene i bildet, ytterligere bekjentskap med komposisjonslovene - lær å harmonisk ordne objekter på arkets plan i den frontale komposisjonen, tar hensyn til ledig plass og format, lærer tegning enkel geometriske former og å føle deres forbindelse med et ekte objekt, å bli kjent med teknikkene for å jobbe med gouache, å bli kjent med arbeidssekvensen når du tegner med maling, å utvikle tenkning, observasjon, oppmerksomhet, minne, finmotorikk i hånden.

Leksjonsfremgang

1. Organisatorisk øyeblikk: vi sjekker tilgjengeligheten av materialer og deres beredskap for arbeid. (Malingene er lukket, ikke vann trekkes inn. Åpne malingene og trekk vann rett før farging!)

2. Leksjonsemnemelding. Gutter, hva tegnet vi i forrige leksjon? Er et eple en frukt eller en grønnsak? Hvilke grønnsaker kjenner du til? Hvordan er de forskjellige fra frukt? I dag skal vi tegne et stilleben med grønnsaker, som ekte kunstnere.

Læreren viser en reproduksjon av et maleri eller et fotostilleben som viser grønnsaker.

Hva er stilleben? Dette er et bilde av ikke-levende gjenstander: frukt, redskaper, blomster, grønnsaker eller alt på en gang. Vi vil tegne grønnsaker. Viser hvilke.

3. Opplæring. For at bildet skal bli vakkert, vil vi først øve - på kladdeark vil vi prøve å tegne formen til forskjellige grønnsaker. Se folkens, hvilken form er potetene? Dette er ujevne sirkler eller ovaler. La oss tegne en potet i én bevegelse (viser på arket hans). Prøv nå å tegne det gradvis, fra mange slag (viser). Mens gutta prøver å tegne på et utkast, hjelper læreren, og minner dem om at hånden er avslappet, at blyanten ikke trenger å trykkes hardt, at streken skal gå tilbake til punktet den forlot.

Bra gjort! La oss nå se hvilken form gulroten har. Det ser ut som en veldig langstrakt trekant, bare hjørnene er ikke skarpe, men avrundede. Læreren viser på arket sitt, gutta trener - de tegner flere gulrøtter i forskjellige størrelser.

Merk: for små barn, med nr høy level forberedelse, to typer enkle grønnsaker er nok. Hvis leksjonen holdes med eldre barn, med et høyere nivå av kunnskap, ferdigheter og evne til å konsentrere seg, kan du komplisere oppgaven: legg til grønnsaker og til og med introdusere enkle gjenstander i komposisjonen.

4. Arbeidsutførelse. Læreren deler ut papir til arbeidet. For å trene layoutferdigheter, en fri følelse av papirplass, er det bedre å ta A-3-papir for dette arbeidet. Læreren tegner en rett linje i midten av arket sitt, og sammenlignet med en reproduksjon spør han: Gutter, hvilken linje tegnet jeg? Hva tegnet jeg? Så forklarer han at det er slik tabellens plan er angitt når vi tegner mange gjenstander. Videre viser han hvordan man arrangerer grønnsakene på bordet i en gratis rekkefølge, og minner om loven om plasseringen av hovedpersonene i midten av bildet.

Introduserer flere nye lover: om forholdet mellom det horisontale arrangementet av objekter og det horisontale arrangementet av et papirark, om effekten av å blokkere fjerne objekter av nærliggende. Siden barns visuelle evner i denne alderen bare blir dannet, kan det hende at de ikke føler seg godt sammen med formen, størrelsen og den relative plasseringen av gjenstander med arkets ledige plass. Oppgaven med å undervise er den gradvise dannelsen av denne følelsen. For dette formål, i de første leksjonene, forklarer og viser læreren gradvis de enkleste lovene for layout og kontrollerer deretter forsiktig implementeringen deres (ved å minne og trekke barnets oppmerksomhet på feil) til barna lærer dem.

Typiske feil i stillebenmaling og hvordan du kan overvinne dem:

• Gjenstander er tegnet for små - korriger størrelsen for å harmonisere med den ledige plassen på arket.
• Gjenstander er "fast i en haug", eller sterkt forskjøvet i hvilken som helst retning slik at arket andre steder ser urimelig tomt ut - vi fordeler dem fritt og harmonisk over arket, med vekt i midten.
• Objekter blir urimelig forskjøvet til kantene på arket, "faller ut" av arket, eller til og med kuttet av kanten av arket - vi flytter dem til midten slik at den sentrale visuelle sonen er fylt, og alle gjenstander er helt synlig.
• For å unngå disse tre typiske layoutfeilene, er det lurt å ha skjematisk tegnet negative eksempler slike feilaktige komposisjoner, og vis dem når du forklarer hvordan du gjør det feil.
• Konturene til gjenstander er ikke lukket - vi fjerner hullene, bringer linjene til punktet de kom ut fra.
• Du må hele tiden minne deg selv på behovet for å viske ut ekstra linjer der den nære gjenstanden dekker den fjerneste. (Dette emnet kan dekkes i en egen leksjon.)

Leksjonsalternativer: kan utgjøre en mer kompleks komposisjonsoppgave - arrangementet av små grønnsaker langs periferien av en større gjenstand i midten - en potet rundt et kålhode.

Etter at stillebenet er stilt opp, kan du trekke vann, åpne gouache og begynne å fargelegge. På dette stadiet legger vi merke til følgende viktige punkter:

Kvaliteten på papir, børster og gouachemaling - papiret skal være tykt, egnet for maling; gouache må være frisk, plastisk, minst 9 farger; ekornbørster, myke, flere størrelser for forskjellige typer virker. Hvis kvaliteten på tegnematerialene er lav (tynt skrivepapir, syntetiske børster og 6 krukker med gammel tørket gouache arvet fra bestemoren), vil barnet oppleve gleden ved kreativitet, men det er ulogisk å forvente noe estetisk resultat fra slike aktiviteter .

Barn begynner som regel å fargelegge arbeidet ikke fra store til små detaljer, men omvendt - ikke selve eplet, for eksempel, men eplets hale, ikke landskapet bak personen, men øynene og munnen på personens ansikt osv. Denne funksjonen i barns oppfatning må bygges opp igjen. Pittoreske komposisjoner av ethvert innhold begynner å male fra bakgrunnen og beveger seg suksessivt fra. stadig større gjenstander små detaljer! I dette emnet er dette bakgrunnen bak bordet og bordets plan. Til de viktigste "heltene" i komposisjonen, i dette tilfellet - grønnsaker, går vi sist.

Umiddelbart fra de første maletimene er det viktig å lære barna å blande maling! For å gjøre dette, inviterer læreren barna til å velge favorittfargen for bakgrunnen, deretter velge relaterte farger (for eksempel alle blå og grønne, eller alle varme - gul, oransje, oker) og bland dem i en hvilken som helst sekvens, male over bakgrunnen slik at det skapes en fargerik vibrasjon. , flyten av en farge inn i en annen, nabolaget av forskjellige nyanser av en eller flere farger.

På de første timene viser læreren selv hvordan dette gjøres, og deretter overvåker og hjelper han barna med å mestre denne billedregelen. Det samme gjøres med bordet: hvis det er et trebord, velges alle farger som tilsvarer treet (alle varme, pluss nyanser av grønt), og teksturen til treet overføres med separate slag av forskjellige nyanser. Hvis du planlegger å skildre en duk eller servietter, velger vi farger basert på bakgrunnen og fargen på grønnsaker, med elementer av et enkelt mønster.

• Malingsstreker, som blyantstreker, plasseres i form av gjenstander!
• Vi trekker diskret oppmerksomheten til gutta til tilstedeværelsen av skygger, og lager dem ved å legge til kalde blåtoner, eller ved å legge til svart.
• Hvis det er vanskelig for gutta å oppnå tone og fargekontrast, og gjenstandene er "blandet" og vanskelig å skille, kan og bør du bruke teknikken med å stryke med en mørk tone med en tynn børste.

5. Oppsummering av leksjonen. Barn bør konsolidere konseptet med frukt og grønnsaker, vite hva et "stilleben" er, kjenne layoutreglene ovenfor, rekkefølgen for å utføre malearbeid, regelen for å blande farger og lære å tegne flere grønnsaker som er enkle i form. På slutten av timen arrangeres en generell utstilling, arbeidene diskuteres. Ros skal gis til alle som prøvde, uavhengig av resultatet.

6. Gjennomføring av timen: rengjøring av arbeidsplasser.