lar › Corpo › Pinturas de Edward Hopper. Iluminação de uma exposição de obras do artista americano Edward Hopper

Pinturas de Edward Hopper. Iluminação de uma exposição de obras do artista americano Edward Hopper

Há uma pintura tão cativante que captura o espectador instantaneamente. Não há perplexidade, alerta, tudo parece claro na hora, como no amor à primeira vista. Não é de surpreender que um exame minucioso, reflexão e empatia possam prejudicar esse amor. É possível encontrar algo profundo, sólido ali, por trás do brilho externo? Não é um fato.

Tomemos, por exemplo, o mais elegante para os segundos cem anos do impressionismo. Provavelmente, para o grande público de hoje, não há tendência mais popular na história da pintura. No entanto, como direção artística o impressionismo acabou sendo surpreendentemente transitório, tendo existido em sua forma pura por apenas vinte anos. Seus pais fundadores acabaram abandonando sua ideia, sentindo o esgotamento de ideias e métodos. Renoir voltou às formas clássicas de Ingres e Monet avançou para o abstracionismo.

O contrário também acontece. As pinturas são modestas e despretensiosas, os motivos são comuns e as técnicas são tradicionais. Aqui está uma casa na beira da estrada, aqui está uma garota na janela, mas em geral um posto de gasolina banal. Sem atmosfera, sem efeitos de iluminação, sem paixões românticas. Se você encolher os ombros e seguir em frente, tudo permanecerá assim. E se você parar e olhar, encontrará um abismo.

Tal é a pintura de Edward Hopper, um dos mais famosos artistas americanos do século XX.

Sem perceber a Europa

A biografia de Hopper quase não contém eventos brilhantes e reviravoltas inesperadas. Ele estudou, foi para Paris, trabalhou, casou-se, continuou trabalhando, recebeu reconhecimento ... Sem lançamentos, escândalos, divórcios, alcoolismo, travessuras ultrajantes - nada "frito" para a imprensa amarela. Nisso, a história de vida de Hopper é semelhante às suas pinturas: por fora tudo é simples, até calmo, mas no fundo há uma tensão dramática.

Já na infância descobriu a habilidade de desenhar, na qual seus pais o apoiaram de todas as formas possíveis. Depois da escola, ele estudou ilustração por correspondência por um ano e depois ingressou na prestigiosa New York Art School. Fontes americanas citam toda uma lista de seus famosos colegas, mas seus nomes não dizem quase nada para o público russo. Com exceção de Rockwell Kent, todos permaneceram artistas de importância nacional.

Em 1906, Hopper terminou seus estudos e começou a trabalhar como ilustrador em uma agência de publicidade, mas no outono foi para a Europa.

Devo dizer que uma viagem à Europa foi quase uma parte obrigatória Educação vocacional para artistas americanos. Naquela época, a estrela de Paris brilhava intensamente, e jovens e ambiciosos de todo o mundo foram atraídos para lá para se juntar às últimas conquistas e tendências da pintura mundial.

É surpreendente como diferentes são as consequências dessa fermentação em um caldeirão internacional. Alguns, como o espanhol Picasso, rapidamente se transformaram de estudantes em líderes e eles próprios se tornaram criadores de tendências na moda artística. Outros sempre permaneceram imitadores, por mais talentosos que fossem, como Mary Cassatt e James Abbot McNeil Whistler. Outros ainda, como artistas russos, voltaram para sua terra natal, infectados e carregados com o espírito nova arte, e já em casa abriram caminho dos quintais da arte mundial à sua vanguarda.

Hopper era o mais original de todos. Viajou pela Europa, esteve em Paris, Londres, Amesterdão, regressou a Nova Iorque, voltou a viajar a Paris e Espanha, passou por museus europeus e conheceu artistas europeus... revelar qualquer familiaridade com as tendências modernas. Nada, até a paleta mal iluminou!

Ele apreciou Rembrandt e Hals, mais tarde - El Greco, dos mestres próximos - Edouard Manet e Edgar Degas, que já haviam se tornado clássicos naquela época. Quanto a Picasso, Hopper afirmou seriamente que não tinha ouvido seu nome enquanto estava em Paris.

É difícil de acreditar, mas o fato permanece. Os pós-impressionistas acabavam de falecer, os fauvistas e cubistas já quebravam as lanças, o futurismo despontava no horizonte, a pintura rompeu com a imagem do visível e se concentrou nos problemas e limitações do plano pictórico, Picasso e Matisse brilharam . Mas Hopper, estando no meio das coisas, não parecia ver isso.

E depois de 1910 nunca mais atravessou o Atlântico, mesmo quando as suas pinturas foram expostas no pavilhão americano da prestigiosa Bienal de Veneza.

Artista no trabalho

Em 1913, Hopper se estabeleceu em Nova York na Washington Square, onde viveu e trabalhou por mais de cinquenta anos - até o fim de seus dias. No mesmo ano, vendeu seu primeiro quadro, exposto no famoso Armory Show, em Nova York. Parecia que a carreira começa de forma promissora e o sucesso não está longe.

Não ficou tão rosado. "Armory Show" foi concebida como a primeira exposição nos Estados Unidos arte contemporânea e, como tal, tem sido um sucesso retumbante. Ela desviou os olhos de amadores, críticos e artistas do realismo e os voltou para a vanguarda, embora acompanhada de ridículo e escândalos. No contexto de Duchamp, Picasso, Picabia, Brancusi, Braque, o realismo de Hopper parecia provinciano e desatualizado. A América decidiu que era necessário alcançar a Europa, colecionadores ricos se interessaram por arte estrangeira e vendas únicas de obras domésticas não faziam diferença.

Hopper trabalhou como ilustrador comercial por muitos anos. Abandonou mesmo a pintura e dedicou-se à gravura, técnica na época mais adequada à reprodução impressa. Ele não estava no serviço, trabalhava meio período com encomendas de revistas e passou por todas as adversidades desse cargo, às vezes até caindo em depressão.

No entanto, na então Nova York, havia uma patrona das artes que decidiu colecionar obras de artistas americanos especificamente - Gertrude Whitney, filha do milionário Vanderbilt; aliás, aquele com quem o canibal Ellochka competiu sem sucesso, trocando um coador de chá de Ostap Bender por uma das doze cadeiras.

Sombras da noite.

Posteriormente, Whitney tentou doar sua coleção de artistas americanos contemporâneos ao Metropolitan Museum of Art, mas sua administração não considerou o presente digno. A colecionadora rejeitada, em retaliação, fundou seu próprio museu nas proximidades, que ainda é considerado melhor museu arte americana.

Vento da tarde. 1921 Museu de Arte Americana, Nova York

Mas isso é no futuro. Enquanto Hopper visitava o Whitney Studio, onde em 1920 fez sua primeira exposição individual - 16 pinturas. Algumas de suas gravuras também atraíram a atenção do público, em particular "Night Shadows" e "Evening Wind". Mas ele ainda não conseguiu se tornar um artista freelancer e continuou ganhando dinheiro com ilustração.

Família e reconhecimento

Em 1923, Hopper conheceu seu futura esposa Josefina. A família deles era forte, mas a vida familiar não era fácil. Jo proibiu o marido de pintar nus e, se necessário, posou para si mesma. Edward tinha ciúmes dela até pelo gato. Tudo foi agravado por sua taciturnidade e caráter sombrio. “Às vezes, conversar com Eddie era como jogar uma pedra em um poço. Com uma exceção: não se ouvia o som da queda na água ”, ela admitiu.

Edward e Joe Hopper. 1933

No entanto, foi Jo quem lembrou Hopper das possibilidades da aquarela, e ele voltou a essa técnica. Ele logo exibiu seis obras no Brooklyn Museum, e uma delas foi comprada pelo museu por US$ 100. Os críticos reagiram com gentileza à exposição e notaram a vitalidade e expressividade das aquarelas de Hopper, mesmo com os temas mais modestos. Essa combinação de contenção externa e profundidade expressiva se tornaria a marca registrada de Hopper pelo resto dos anos.

Em 1927, Hopper vendeu a pintura "Dois no Auditório" por $ 1.500, e o casal conseguiu seu primeiro carro com esse dinheiro. O artista teve a oportunidade de fazer esboços, e a América rural e provincial por muito tempo se tornou um dos principais motivos de sua pintura.

Dois no auditório. 1927. Museu de Arte, Toledo

Em 1930, outro acontecimento importante ocorreu na vida do artista. O patrono Stephen Clark doou sua pintura “House at estrada de ferro” para o Museu de Arte Moderna de Nova York, e está pendurado lá em um lugar de destaque desde então.

Assim, pouco antes de seu quinquagésimo aniversário, Hopper entrou na época do reconhecimento. Em 1931 vendeu 30 obras, incluindo 13 aquarelas. Em 1932, ele participou da primeira exposição regular do Whitney Museum e não perdeu a próxima até sua morte. Em 1933, em homenagem ao aniversário do artista, o Museu de Arte Moderna apresentou uma retrospectiva de sua obra.

Nos trinta anos seguintes de sua vida, Hopper trabalhou de forma frutífera, apesar dos problemas de saúde que surgiram na velhice. Jo sobreviveu a ele por dez meses e legou toda a coleção da família ao Whitney Museum.

Meia-noite. 1942. instituto de artes, Chicago

Nos anos de maturidade, o artista criou muitas obras-primas reconhecidas, como "Early Sunday Morning", "Night Owls", "Office in New York", "People in the Sun". Durante esse tempo, recebeu vários prêmios, viajou para o Canadá e o México, foi apresentado em várias retrospectivas e exposições individuais.

Proteção de Vigilância

Não se pode dizer que todos esses anos sua pintura não se desenvolveu. No entanto, Hopper encontrou seus temas e imagens favoritos cedo e, se algo mudou, foi a credibilidade de sua incorporação.

Se alguém encontrasse uma fórmula curta para o trabalho de Hopper, seria "alienação e isolamento". Para onde vão seus personagens? Por que eles estão congelados no meio do dia? O que os impede de iniciar um diálogo, estender a mão, chamar e responder? Não há resposta e, para ser sincero, quase não há perguntas, pelo menos para eles. Eles são assim, essa é a vida, esse é o mundo que separa as pessoas com barreiras invisíveis.

Essa invisibilidade das barreiras preocupou seriamente Hopper, e é por isso que há tantas janelas em suas pinturas. O vidro é um elo visual, mas uma barreira física. Seus heróis e heroínas, vistos da rua, parecem abertos ao mundo, mas na verdade estão fechados, imersos em si mesmos - veja Night Owls ou The Office em Nova York. Essa dualidade dá origem a uma combinação pungente de vulnerabilidade frágil e inacessibilidade teimosa, até mesmo inexpugnável.

Se, ao contrário, nós, junto com os personagens, olhamos pelo vidro, então a janela novamente engana, apenas provocando com a possibilidade de ver alguma coisa. Melhor cenário possível mundo externo apenas indicado por um conjunto de árvores ou edifícios, e muitas vezes nada é visível na janela, como, por exemplo, em “Evening Wind” ou na pintura “Automat”.

automático. 1927. Centro de Artes, Des Moines. EUA

Em geral, as janelas e portas de Hopper são caracterizadas pela mesma combinação de abertura e fechamento dos personagens animados. Faixas ligeiramente entreabertas, cortinas ondulantes, persianas fechadas, portas entreabertas vagam de quadro em quadro.

Transparente é impenetrável, e o que deveria unir separa. Daí a sensação constante de mistério, eufemismo, contato falhado.

A solidão entre as pessoas, numa cidade grande, na frente de todos, tornou-se um tema transversal da arte do século XX, só que aqui, com Hopper, não é da solidão de onde fogem, mas de onde se salvam. A proximidade de seus personagens parece forma natural legítima defesa, e não por capricho ou propriedade de caráter. A luz que se derrama sobre eles é dolorosamente impiedosa e eles são expostos abertamente ao público, e algum tipo de ameaça indiferente espreita no mundo ao seu redor. Portanto, ao invés de barreiras externas, é necessário construir barreiras internas.

Claro, se as paredes do escritório forem destruídas, a eficiência do trabalho aumentará, porque na frente umas das outras, e ainda mais na frente do chefe, as pessoas ficam menos distraídas e conversando. Mas quando todos estão sob vigilância, a comunicação é interrompida e o silêncio se torna a única forma de defesa. Os heróis são contidos, os instintos são suprimidos, as paixões são profundamente conduzidas - pessoas civilizadas e cultas na armadura protetora da propriedade externa.

Atenção além

Muitas vezes, as pinturas de Hopper dão a impressão de um momento parado. E isso apesar do fato de que na própria imagem o movimento não é indicado de forma alguma. Mas é percebido como um quadro de filme que acabou de substituir o anterior e está pronto para dar lugar ao próximo. Não é por acaso que Hopper foi tão apreciado pelos cineastas americanos, em particular Hitchcock, e os padrões de Hollywood para enquadrar um quadro foram amplamente formados levando em consideração sua influência.

Era natural para o artista direcionar a atenção do espectador não tanto para o momento retratado, mas para os eventos imaginários que o precederam ou seguiram. Essa habilidade, rara na história da pintura, combinava paradoxalmente as conquistas do impressionismo, com sua maior atenção ao momento, e do pós-impressionismo, que queria comprimir a passagem do tempo em uma imagem artística momentânea.

Hopper realmente conseguiu fixar com firmeza um momento indescritível de ser na tela e, ao mesmo tempo, insinuar o fluxo incessante do tempo que o trouxe à superfície e imediatamente o leva às profundezas sombrias do passado. Se o futurismo tentou retratar o movimento diretamente no plano pitoresco, Hopper o retira dos limites da pintura, mas o deixa dentro dos limites de nossa percepção. Não vemos, mas sentimos.

Da mesma forma, o artista consegue redirecionar nossa atenção para além da imagem, não apenas no tempo, mas também no espaço. Os personagens olham para algum lugar do lado de fora, a rodovia que passa pelo posto de gasolina chama a atenção do espectador para lá, e na ferrovia o olho consegue captar apenas o último vagão do trem. E com mais frequência ele não está mais lá, o trem passou correndo e nós, involuntariamente e sem sucesso, escapamos com os olhos atrás dele ao longo dos trilhos.

Esta é a América como ela é - sem saudade dos perdidos, sem glorificação do progresso. Mas se fosse apenas a América, Hopper não teria caído para a fama mundial, assim como muitos de seus contemporâneos de habilidade não pior não conseguiram. Na verdade, Hopper conseguiu tocar em sentimentos universais, usando material nacional. Ele abriu o caminho para reconhecimento internacional A pintura americana, embora tenha sido levada aos papéis principais na arte mundial artistas do pós-guerra, não reconhecido pelo próprio Hopper.

Seu caminho é único. No turbulento mundo dos movimentos artísticos vibrantes, conseguiu não sucumbir à influência de ninguém e caminhar no estreito caminho entre o romantismo e a crítica social, entre a obsessão vanguardista dos conceitos e o naturalismo deliberado do precisismo e do hiper-realismo, mantendo-se fiel ao ele mesmo até o fim.

O artista americano Edward Hopper é considerado por alguns como um urbanista, por outros como um representante da realismo mágico, e alguns são precursores da pop art. Os fãs do trabalho de Hopper o chamam com entusiasmo de "um sonhador sem ilusões" e "um poeta de espaços vazios". Todas as opiniões são unidas pela tela dramática de Hopper chamada "Night Owls". É reconhecível como Mona Lisa de Leonardo Da Vinci, O Grito de Edvard Munch ou Cães Jogando Pôquer de Coolidge. A incrível popularidade deste trabalho o colocou entre os ícones da cultura pop.

(Edward Hopper, 1882-1967) foi um proeminente representante da pintura de gênero americana do século XX. E, embora tenha sido nesse período que nasceram novas tendências na arte, ele permaneceu indiferente às mudanças e experimentos vanguardistas de seus colegas. Contemporâneos que acompanhavam a moda gostavam de cubismo, surrealismo e arte abstrata, e a pintura de Hopper era considerada chata e conservadora. Eduardo sofreu, mas não mudou seus ideais: “ Como eles podem não entender: a originalidade do artista não é engenhosidade e não é um método, especialmente não é um método da moda, é a quintessência da personalidade ».

E a personalidade de Edward Hopper era muito complexa. E muito fechado. E a tal ponto que após sua morte, talvez a única fonte de informação sobre sua vida e caráter fosse o diário de sua esposa. Em uma das entrevistas, ela disse:

Um dia, um funcionário da revista New Yorker tentou escrever um ensaio sobre a vida de Edward. E eu não podia. Não havia materiais. Nada para escrever. Dele biografia real Eu só sabia escrever. E seria puro Dostoiévski« .

Assim ele foi desde a infância, embora o menino tenha crescido em uma boa família do dono de uma loja de armarinhos na cidade de Nyack (Nova York). A família não era estranha à arte: nos fins de semana, pai, mãe e filhos às vezes vinham a Nova York para visitar exposições de arte ou ir ao teatro. O menino anotou secretamente suas impressões em um caderno grosso. Muitas coisas foram escondidas lá dos adultos. Em particular, suas experiências e ressentimentos, quando aos 12 anos de idade ele cresceu repentinamente 30 cm no verão e começou a parecer terrivelmente desajeitado e esguio. Os colegas de classe a cada passo zombavam e zombavam dele sobre isso. Talvez por causa desse infeliz incidente, Edward Hopper reteve para sempre uma dolorosa timidez, isolamento e silêncio. Sua esposa escreveu em seu diário: Dizer qualquer coisa para Ed é como jogar uma pedra em um poço sem fundo. Não consigo ouvir o respingo «.

Naturalmente, isso se refletiu no estilo de suas pinturas. Hopper gostava de pintar interiores sem vida e paisagens desérticas: becos sem saída que levam a lugar nenhum, cafés desertos, onde a solidão se manifesta. As aberturas de janelas eram um leitmotiv constante de seu trabalho. O artista, por assim dizer, procurava uma saída de seu mundo fechado. Ou, talvez, ele secretamente abriu a entrada para si mesmo: a luz do sol caindo pelas janelas dos quartos aqueceu ligeiramente o frio das pinturas ascéticas de Hopper. Podemos dizer que no contexto de suas paisagens e interiores sombrios, os raios do sol em suas telas incorporam exatamente a metáfora " um raio de luz em um reino escuro «.

Mas, principalmente, Hopper retratou a solidão em suas pinturas. Até o pôr do sol, as ruas e as casas de Hopper são solitários. Os casais retratados em suas telas não parecem menos solitários, principalmente os casais. Descontentamento mútuo e alienação entre um homem e uma mulher é um tema constante de Edward Hopper.

O tema tinha uma base muito vital: no quadragésimo ano de sua vida, Hopper se casou com sua colega Josephine Nivison, que ele conhecia desde a escola de arte de Nova York. Eles giravam nos mesmos círculos, estavam ligados pelos mesmos interesses, tinham pontos de vista semelhantes sobre muitas coisas. Mas seus vida familiar cheio de todos os tipos de conflitos e escândalos, às vezes chegando a brigas. Segundo o diário da esposa, o marido rude era o culpado por tudo. Ao mesmo tempo, pelas lembranças de conhecidos, fica claro que a própria Jo estava longe do ideal de dona do lar da família. Por exemplo, quando uma vez seus amigos artistas perguntaram a ela: “ Qual é a comida favorita de Edward??” ela disse arrogantemente, “ Você não acha que em nosso círculo há muita comida deliciosa e pouca pintura boa? Nosso prato preferido é uma simpática lata de feijão cozido.«.

As pinturas de casais de Hopper retratam claramente a tragédia de seu relacionamento com sua esposa. Eles viviam sofrendo e se torturando e, ao mesmo tempo, eram inseparáveis. Eles estavam unidos pelo amor pela poesia, pintura, teatro e cinema franceses - isso foi o suficiente para ficarem juntos. Josephine foi até musa e modelo principal para as pinturas de Edward depois de 1923. Em alguns visitantes tardios da lanchonete, retratados em sua pintura "Night Owls", o autor mais uma vez retratou claramente a si mesmo e sua esposa, a alienação do homem e da mulher sentados um ao lado do outro é tão óbvia.

"Meia-Noite" (Nighthawks), 1942, Edward Hopper

Por coincidência, é a foto "Meia-Noite" tornou-se uma obra de arte cult nos Estados Unidos. (No original é chamado de " Nighthawks", que também pode ser traduzido como " corujas"). Edward Hopper pintou Night Owls em 1942, logo após o ataque a Pearl Harbor. O evento causou um sentimento de opressão e ansiedade em toda a América. Isso explicava a atmosfera sombria e difusa da tela de Hopper, onde os visitantes da lanchonete são solitários e pensativos, a rua deserta é iluminada pela luz fraca de uma vitrine e uma casa sem vida serve de pano de fundo para tudo. No entanto, o autor negou que quisesse expressar algum tipo de depressão. Em suas palavras, ele talvez inconscientemente tenha retratado a solidão em cidade grande ».

De qualquer forma, o café da meia-noite de Hopper é um afastamento crítico dos cafés da cidade retratados por seus colegas. Normalmente, esses estabelecimentos sempre e em todos os lugares carregavam um toque de romance e amor. Vincent van Gogh, retratando um café noturno em Arles, não usou tinta preta, seu povo está sentado em um terraço aberto e o céu, como um campo de flores, está repleto de estrelas.

« Terraço noturno café”, Arles, 1888, Vincent van Gogh

É possível comparar sua paleta heterogênea com a frieza e mesquinhez das cores de Hopper? E, no entanto, olhando para a pintura "Night Owls", fica claro que por trás da enfatizada concisão da escrita de Hopper existe um abismo de expressividade. Seus personagens silenciosos, imersos em seus próprios pensamentos, parecem ser participantes de um drama em um palco inundado por uma luz fluorescente mortal. O espectador é hipnoticamente influenciado pela geometria das linhas paralelas, pelo ritmo uniforme das janelas sem vida do prédio vizinho, que se repete nas poltronas ao longo do balcão do bar, pelo contraste das paredes maciças de pedra e dos vidros transparentes e frágeis, atrás dos quais as figuras de quatro pessoas se refugiaram em uma ilha de luz ... Parece que o autor os trancou deliberadamente aqui, escondendo-se da escuridão indiferente da rua - olhando de perto, você pode ver que não há uma única saída visível da sala.

A pintura "Night owls" teve um grande impacto na cultura americana. Os pós-modernistas usaram a pintura para incontáveis remakes paródicos baseados na literatura, no cinema e na pintura.

Alusões e paródias desta obra de Edward Hopper são encontradas em muitas pinturas, filmes, livros e canções. Tom Waits nomeou um de seus álbuns " Nighthawks no restaurante» — « Midnighters no jantar". Esta tela é uma das obras favoritas do diretor David Lynch. Também influenciou a aparência da cidade no filme de Ridley Scott "Blade Runner".

Inspirado por Night Owls, o artista austríaco Gottfried Helnwein fez um famoso remake chamado " Avenida de sonhos desfeitos ". Em vez de personagens sem rosto, ele colocou 4 celebridades no vazio cósmico da solidão - Marilyn Monroe, Humphrey Bogart, Elvis Presley e James Dean. Insinuando assim como suas vidas e talentos sem sentido afundaram no vazio prematuramente: Presley morreu como resultado do uso e abuso prolongado de álcool e drogas; Marilyn morreu de overdose de antidepressivos; A morte de Bogart também foi resultado do abuso de álcool, e James Dean morreu em um trágico acidente de carro.

Outros escritores de remakes falsos usaram peças icônicas dos EUA de vários campos da arte. Em primeiro lugar, o mais popular - o cinema americano com seus personagens famosos, super-heróis de quadrinhos e histórias conhecidas em todo o mundo. O estilo sombrio do filme noir em preto e branco combinava perfeitamente com o clima da pintura de Hopper ( filme noir ).

Para ter certeza, assista ao "corte" dos quadros dos filmes noir dos anos 40, que são substituídos pela música " Avenida de sonhos desfeitos ". (Em 2005, membros do grupo Punk dia Verde afirmou que seu segundo single recebeu tal nome e pôsteres correspondentes sob a influência direta da pintura de Hopper).

Também ironicamente, os remakes tocaram em muitos outros fetiches de Hollywood.

Guerra das Estrelas

Os Simpsons

Homem de familia

baseado no quadrinho cult As Aventuras de Tintim

Superman e Batman

zumbi

remake sobre o tema de m / f "Dead Bride", dirigido por Tim Burton

Não escapou do destino de se tornar remakes de paródia das pinturas de Hopper são diferentes shows populares e seriados.

cartaz de paródia sobre o tema da série de televisão de comédia "Seinfeld" (1989-1998)

cartaz de paródia sobre o tema da série de crimes "C.S.I.: Crime Scene Investigation"

Claro, nas paródias, o espaço fechado do café foi reproduzido, enfatizado pelo autor em sua foto.

E os tons frios da imagem e o ascetismo da paleta fizeram com que muitos curingas se associassem ao espaço sideral.

Todos os tipos de clichês americanos da paisagem urbana também estavam em uso.

Bem, onde há uma rua noturna e não há policiais por perto, é bastante lógico que um valentão de graffiti de rua, Banksy, possa aparecer, mas aqui ele está jogando cadeiras de plástico na janela de um café.

Você ainda pode dar centenas de exemplos de remakes irônicos das pinturas de Edward Hopper, feitas em todos os tipos de tópicos. Este é um dos memes mais comuns da internet. E tal fertilidade apenas confirma que verdadeiras obras-primas não estão sujeitas ao tempo.

Edward Hopper

Arquivo:Garota na máquina de costura por Edward Hopper.jpg

Eduardo Hopper. "Atrás da máquina de costura" (1921).

Edward Hopper(eng. Edward Hopper; 22 de julho, Nyack, Nova York - 15 de maio, Nova York) - Artista americano, um proeminente representante da pintura de gênero americana, um dos maiores urbanistas do século XX.

Biografia e criatividade

Nascido em Newascu, Nova York, filho de um dono de loja. Desde criança adorava desenhar. Em 1899 mudou-se para Nova York com a intenção de se tornar um artista. Em 1899-1900 ele estudou na escola de publicitários. Depois disso, ele entra na escola de Robert Henry, que na época defendia a ideia de criar um moderno arte nacional EUA. O princípio básico dessa escola era: "Eduque-se, não deixe que eu o eduque." Um princípio que visava o nascimento da individualidade, embora insistisse na ausência de coletivismos, tradições artísticas nacionais significativas.

Em 1906, Edward Hopper foi para Paris, onde continuou seus estudos. Além da França, visitou Inglaterra, Alemanha, Holanda e Bélgica. Era um caleidoscópio de países e diferentes centros culturais. Hopper voltou para Nova York em 1907.

Em 1908, Edward Hopper participou de uma exposição organizada pela organização G8 (Robert Henry e seus alunos), mas não teve sucesso. Ele trabalha ainda mais, melhora seu estilo. Em 1908-1910 ele estudou arte novamente em Paris. De 1915 a 1920 - este é um período de busca criativa ativa do artista. Os desenhos desse período não sobreviveram porque Hopper destruiu todos eles.

A pintura não dava lucro, então Edward trabalha em uma agência de publicidade, fazendo ilustrações para jornais.

Hopper fez sua primeira gravura em 1915. No total, ele fez cerca de 60 gravuras, as melhores das quais foram feitas entre 1915 e 1923. Aqui apareceu o tema principal da obra de Edward Hopper - a solidão de uma pessoa na sociedade americana e no mundo.

As gravuras trouxeram alguma fama ao artista. Ele os representou em exposições, recebeu prêmios. Logo houve uma exposição individual organizada pelo Whitney Art Studio Club.

Em meados da década de 1920. Hopper desenvolve seu próprio estilo artístico, que permanece fiel até o fim de sua vida. Em suas cenas fotograficamente verificadas da vida urbana moderna (muitas vezes feitas em aquarela), figuras solitárias, congeladas, sem nome e claras formas geométricas os objetos transmitem uma sensação de alienação sem esperança e uma ameaça oculta na vida cotidiana.

A principal inspiração de Hopper como artista é a cidade de Nova York, bem como as cidades do interior ("Meto", "Manhattan Bridge Constructions", "East Wind over Weehawkend", " cidade mineira na Pensilvânia). Juntamente com a cidade, Hopper criou uma imagem peculiar de uma pessoa nela. O retrato de uma pessoa específica desapareceu completamente do artista, ele o substituiu por uma visão generalizada e resumida de um solitário, um morador individual da cidade. Os heróis das pinturas de Edward Hopper são pessoas desapontadas, solitárias, devastadas e congeladas, retratadas em bares, cafés, hotéis ("Quarto - em um hotel", 1931, "Western Motel", 1957).

Já na década de 1920, o nome Hopper entrou na pintura americana. Ele tinha alunos, admiradores. Em 1924 ele se casou com a artista Josephine Verstiel. Em 1930, eles compraram uma casa em Cape Cord, para onde se mudaram. Em geral, Hopper abriu novo gênero- retrato da casa - Talbot House, 1926, Adams House, 1928, Captain Killy House, 1931, Railroad House, 1925.

(1967-05-15 ) (84 anos) Um lugar de morte: Origem: Cidadania: