Composições populares de blues. Os artistas de blues mais famosos
Lance é um dos poucos guitarristas que pode se orgulhar de ter começado seu próprio carreira profissional aos 13 (aos 18 já dividia o palco com Johnny Taylor, Lucky Peterson e Buddy Miles). Também em primeira infância Lance se apaixonou por guitarras: toda vez que passava por uma loja de discos, seu coração disparava. Tio Lance tinha uma casa inteira cheia de violões e, quando o procurava, não conseguia se desvencilhar desse instrumento. Suas principais influências sempre foram Stevie Ray Vaughn e Elvis Presley (o pai de Lance, aliás, serviu com ele no exército, e eles permaneceram amigos íntimos até a morte do rei). Agora sua música é uma mistura combustível de blues-rock Stevie Ray Vaughn, psicodélico Jimi Hendrix e melódico Carlos Santana.
Como todos os verdadeiros bluesmen, sua vida pessoal é um buraco negro e sem esperança, sem falar nos problemas com drogas. No entanto, isso apenas estimula sua criatividade: entre longas farras, ele grava álbuns inéditos que afirmam ser os mais emocionantes. Lance escreveu a maioria de suas canções na estrada, como por muito tempo tocou em grupos de bluesmen famosos. Dele educação musical permite que ele flua de um gênero para outro sem perder seu som único. Enquanto seu álbum de estreia, Wall of Soul, é blues-rock, seu álbum de 2011, Salvation From Sundown, se inclina fortemente para o blues tradicional e o R&B.
Se você acha que o blues real só pode ser escrito se seu autor for constantemente perseguido pelo infortúnio, provaremos o contrário para você. Então, em 2015, Lance se livrou do vício em drogas e álcool, casou-se e montou um dos supergrupos mais legais última década– Máquina Azul Supersônica. O álbum conta com os bateristas Kenny Aaronoff (Chickenfoot, Bon Jovi, Alice Cooper, Santana), Billy Gibbons (ZZ Top), Walter Trout, Robben Ford, Eric Gales e Chris Duarte. Muitos músicos peculiares se reuniram aqui, mas sua filosofia é simples: uma banda, como uma máquina, consiste em muitas partes e força motriz para todos eles é o blues.
Robin Trower
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Robin é considerado um dos principais músicos que moldaram a visão do blues britânico nos anos 70. Começou sua carreira profissional aos 17 anos quando criou sua banda favorita o rolamento Os Stones daquela época eram os Paramounts. No entanto, seu verdadeiro sucesso veio quando ele se juntou ao Procol Harum em 1966. O grupo influenciou muito seu trabalho e o direcionou no caminho certo.
Mas ela jogou rock clássico, então vamos avançar para 1973, quando Robin tomou a decisão de iniciar uma carreira solo. A essa altura ele escreveu muito música de guitarra, então ele foi forçado a deixar o grupo. O álbum de estreia de Twice, Removed From Yesterday, mal chegou às paradas, mas, apesar disso, seu próximo álbum, Bridge Of Sights, imediatamente decolou para o primeiro lugar e até hoje vende 15.000 cópias por ano em todo o mundo.
Os três primeiros álbuns do power trio são famosos pelo som de Hendrix. Pelo mesmo motivo - pela habilidosa combinação de blues e psicodelia - Robin é chamado de Hendrix "branco". A banda tinha dois membros fortes, Robin Trower e o baixista James Dewar, que se complementavam perfeitamente. O auge de sua criatividade veio em 1976-1978, nos álbuns Long Misty Days e In City Dreams. Já no 4º álbum, Robin começou a se reorientar para o hard rock e o rock clássico, colocando o som do blues em segundo plano. No entanto, ele não se livrou completamente dele.
Robin também ficou famoso por seu projeto com o baixista do Cream, Jack Bruce. Eles lançaram dois álbuns, mas todas as músicas foram escritas pelo mesmo Trower. Os álbuns apresentam a guitarra rouca de Robin e o som de baixo afiado e funky de Jack, mas os músicos não gostaram dessa colaboração e seu projeto logo deixou de existir.
JJ Cale
John é literalmente o músico mais humilde e exemplar do mundo. É um cara simples e de alma rural, e suas canções, calmas e sinceras, caem como um bálsamo na alma em meio a preocupações constantes. Ele era adorado por ícones do rock - Eric Clapton, Mark Knopfler e Neil Young, e o primeiro glorificou seu trabalho em todo o mundo (as canções Cocaine e After Midnight foram escritas por Cale, não Clapton). Ele levou uma vida calma e comedida, nada como a vida do astro do rock que ele é considerado.
Cale começou sua carreira nos anos 50 em Tulsa, onde dividiu o palco com seu amigo Leon Russell. Nos primeiros dez anos, ele se mudou da costa sul para o oeste, até se estabelecer em 1966 no clube Whiskey A Go Go, onde tocou como banda de abertura para Love, The Doors e Tim Buckley. Corria o boato de que foi Elmer Valentine, o dono do lendário clube, que o apelidou de JJ para distingui-lo de John Cale, um membro do Velvet Underground. No entanto, o próprio Cale chamou de pato, já que o Velvet Underground era pouco conhecido na Costa Oeste. Em 1967, John gravou o álbum A Trip Down the Sunset Strip com o Leathercoated Minds. Embora Cale odiasse o disco e “se eu pudesse destruir todos esses discos, eu o faria”, o álbum se tornou um clássico psicodélico.
Quando sua carreira começou a declinar, John voltou para Tulsa, mas quis o destino que ele voltasse para Los Angeles em 1968, mudando-se para a garagem da casa de Leon Russell, onde foi deixado sozinho e com seus cachorros. Cale sempre preferiu a companhia dos animais à do homem, e sua filosofia era simples: "a vida entre os pássaros e as árvores".
Apesar de uma carreira lentamente se desenrolando, John lançou seu primeiro álbum solo, Naturally, pelo selo Shelter de Leon Russell. O álbum foi tão fácil de gravar quanto o temperamento de Cale - ficou pronto em duas semanas. Quase todos os seus discos foram gravados nesse ritmo, e alguns dos mais músicas famosas- e demos em geral (por exemplo, Crazy Mama e Call Me the Breeze, no qual Lynyrd Skynyrd posteriormente gravou seu famoso cover). Realmente, os álbuns de Oakie e Troubadour se seguiram, fisgando Eric Clapton e Carl Radl em sua cocaína.
Depois concerto famoso 1994 no Hammersmith Odeon, ele e Eric tornaram-se bons amigos(Eric também era conhecido por sua modéstia no início de sua carreira) e manteve contato constantemente. O fruto da amizade foi o álbum Road to Escondido, de 2006. Este álbum vencedor do Grammy é uma representação idealista do blues. Os dois guitarristas se equilibram tanto que se cria uma sensação de completa paz.
JJ Cale faleceu em 2013, deixando para o mundo sua obra, que até hoje inspira músicos. Eric Clapton lançou um álbum tributo a John, onde convidou seus fãs - John Mayer, Mark Knopfler, Derek Trucks, Willie Nelson e Tom Petty.
Gary Clark Jr.
Foto - Roger Kisby →
Músico favorito de Barack Obama, Gary é o artista mais inovador da última década. Enquanto todas as garotas nos EUA são loucas por ele (bem, e John Mayer, sem ele, sem ele), Gary transforma a música em uma mistura psicodélica de blues, soul e hip-hop com seu fuzz. O músico foi criado sob a estrita orientação de Jimmy Vaughn, irmão de Stevie Ray, e ouvia tudo o que estava ao seu alcance - do country ao blues. Tudo isso pode ser ouvido em seu primeiro álbum em 2004 110, onde você pode ouvir blues clássico, soul e country, e nada se destaca do estilo do álbum, preto música folclórica Mississippi anos 50.
Após o lançamento do álbum, Gary foi para o underground e tocou com vários músicos. Ele voltou em 2012 com um álbum melódico e elétrico que surpreendeu a todos, de Kirk Hammett e Dave Grohl a Eric Clapton. Este último escreveu-lhe uma carta de agradecimento e disse que depois do concerto queria voltar a tocar guitarra.
Desde então, ele se tornou uma sensação do blues, "o escolhido" e "o futuro da guitarra de blues", participa do show beneficente de Eric Clapton Crossroads e recebe um Grammy pela música Please Come Home. Depois de uma estreia dessas, é difícil manter a fasquia alta, mas Gary nunca se importou com a opinião dos outros. Ele lançou seu próximo álbum “pelo bem da própria música”, e no seu caso essa filosofia funcionou bem. Álbum Story of Sonny Boy Slim acabou sendo menos pesado, mas seu soul blues elétrico se encaixa perfeitamente com o estilo de todo o álbum. Mesmo que algumas de suas canções soem pop, elas têm algo que está faltando. Música contemporânea- individualidade.
Este álbum pode soar mais suave, pois é muito pessoal (quando estava sendo gravado, a esposa Gary deu à luz seu primeiro filho, o que o fez repensar sua vida), mas acabou sendo igualmente blues e melódico, levando seu trabalho para um nível totalmente novo.
Joe Bonamassa
Foto - Theo Wargo →
Existe uma opinião entre as pessoas de que Joe é o guitarrista mais chato do mundo (e por algum motivo ninguém chama Gary Moore de chato), mas a cada ano ele se torna cada vez mais popular, vende seus shows no Albert Hall e monta todos pelo mundo com concertos. Em geral, não importa o que digam, Joe é um guitarrista talentoso e melódico que fez grandes progressos em seu trabalho desde o início de sua carreira.
Pode-se dizer que nasceu com um violão nas mãos: aos 8 anos já abria shows para BB King, e aos 12 já tocava em tempo integral em clubes de Nova York. Ele lançou seu álbum de estreia bem tarde - aos 22 anos (antes disso tocava na banda Bloodline junto com os filhos de Miles Davis). A New Day Yesterday foi lançado em 2000, mas só chegou às paradas em 2002 (nono lugar entre os álbuns de blues), o que não surpreende: consistia principalmente em covers. No entanto, dois anos depois, Joe lançou seu álbum mais icônico, So, It's Like That, que foi escolhido por todos que puderam.
Desde então, Joe lançou regularmente a cada ano ou dois álbuns que foram fortemente criticados, mas ficaram pelo menos no top 5 em Versões de outdoor. Seus álbuns (especialmente Blues Deluxe, Sloe Gin e Dust Bowl) soam viscosos, pesados e blues, não deixando o ouvinte de lado até o final. Na verdade, Joe é um dos poucos músicos cuja visão de mundo evolui de álbum para álbum. Suas canções se tornam mais curtas e animadas, e seus álbuns se tornam conceituais. Seu último lançamento foi gravado literalmente na primeira tentativa. Segundo Joe, o blues de hoje está muito liso, os músicos não se esforçam muito, porque tudo pode ser formatado ou tocado de novo, eles perderam toda a energia e o ímpeto. Portanto, este álbum foi gravado em uma jam de cinco dias e você ouve tudo o que aconteceu lá (sem segundas tomadas e pós-produção mínima para manter a atmosfera).
Portanto, a chave de seu trabalho não é ouvir músicas em álbuns (especialmente trabalho cedo: seu cérebro será estuprado por solos intermináveis e tensão que só se intensifica no final do álbum). Se você é fã de música técnica e solos distorcidos, Joe definitivamente vai agradar a você.
Philip diz
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Philip Says é um guitarrista de Toronto cujo estilo de tocar é tão impressionante que foi convidado para participar do Crossroads Guitar Festival de Eric Clapton. Ele cresceu com a música de Ry Cooder e Mark Knopfler, e seus pais tinham uma enorme coleção de álbuns de blues, que não podiam deixar de influenciar seu trabalho. Mas Philip deve sua descoberta na cena profissional ao lendário guitarrista Jeff Healy, que o colocou sob sua proteção e lhe deu uma excelente educação musical.
De alguma forma, Jeff foi ao show de Philip em Toronto e gostou tanto que ele tocou que, na próxima vez que se encontraram, o convidou para subir no palco para uma jam. Philip estava no clube com seu empresário e, assim que se sentaram, Jeff os abordou e convidou Philip para se juntar ao seu grupo, prometendo colocá-lo de pé e ensiná-lo a tocar em grandes palcos.
Philip passou os próximos três anos e meio em turnê com Jeff Healy. Ele se apresentou no famoso festival de jazz em Montreux, onde dividiu o palco com gigantes do blues como BB King, Robert Cray e Ronnie Earl. Jeff deu a ele uma grande oportunidade de aprender com os melhores, jogar com os melhores e melhorar a si mesmo. Abriu para o ZZ Top e roxo profundo, e sua música é um drive sem fim.
Philip lançou seu primeiro álbum solo, Peace Machine, em 2005, e este é seu a melhor criatividade até hoje. Combina a energia bruta da guitarra e do soul do blues-rock. Seus álbuns subsequentes (Inner Revolution e Steamroller devem ser destacados) ficam mais pesados, mas ainda têm aquele drive de blues estilo Stevie Ray Vaughn que faz parte de seu estilo - você só pode dizer por um de seus vibratos malucos que ele usa, tocando ao vivo.
Muitos encontrarão uma semelhança entre Philip Says e Stevie Ray - a mesma stratocaster esfarrapada, shuffle e shows malucos, e alguns acreditam que ele é muito parecido com ele. No entanto, o som de Philip é diferente de seu idealizador: soa mais moderno e pesado.
Susan Tedeschi e Derek Trucks
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Como disse o ícone da guitarra slide da Louisiana, Sonny Landreth, ele soube em cinco segundos que Derek Trucks seria o guitarrista mais promissor na cena do blues branco. Sobrinho O baterista Allman Brothers Butch Trucks, ele comprou um violão por cinco dólares aos 9 anos de idade e começou a aprender a tocar slide guitar. Ele chocou a todos com sua técnica de jogo, não importa com quem ele jogasse. No final dos anos 90, ele foi um vencedor do Grammy graças ao seu projeto solo, conseguiu tocar com The Allman Brothers Band e excursionou com Eric Clapton.
Susan, por outro lado, tornou-se famosa não apenas por sua habilidade ao tocar violão, mas também por sua voz mágica, que cativa os ouvintes desde o primeiro momento. Desde o lançamento de seu álbum de estreia, Just Won't Burn, Susan tem feito turnês incansáveis, gravando com Double Trouble, dividindo o palco com Britney Spears no Grammy Awards, se apresentando com Buddy Guy e BB King e até cantando lado a lado com Bob Dylan. .
Décadas depois de iniciar suas carreiras, Susan e Derek não apenas se casaram, mas formaram seu próprio time chamado Tedeschi Trucks Band. É realmente muito difícil encontrar as palavras para mostrar como eles são bons: Derek e Susan são como Delaney & Bonnie do presente. Os fãs de blues ainda não conseguem acreditar que duas lendas do blues criaram seu próprio grupo, e incomum nisso: Tedeschi Trucks Band consiste nos 11 melhores músicos da cena moderna de blues e soul. Eles começaram como um grupo de cinco e gradualmente adicionaram mais músicos. Seu último álbum apresenta dois bateristas e toda uma seção de metais.
Eles esgotaram instantaneamente todos os ingressos para shows nos Estados Unidos e todos estão simplesmente encantados com o show. Seu grupo mantém todas as tradições do blues e do soul americano. A guitarra slide complementa perfeitamente a voz aveludada de Tedeschi, e se em termos de técnica Derek é de alguma forma melhor que sua esposa guitarrista, então ele não a ofusca em nada. Sua música é uma fusão perfeita de blues, funk, soul e country.
John Mayer
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Mesmo que você ouça esse nome pela primeira vez, acredite, John Mayer é muito famoso. Ele é tão famoso que está em 7º lugar em número de seguidores no Twitter, e a imprensa americana discute sua vida pessoal da mesma forma que a imprensa amarela da Rússia discute Alla Pugacheva. Ele é tão famoso que todas as garotas, mulheres e avós americanas não apenas sabem quem ele é, mas também sonham que todos os guitarristas do mundo o admirem, e não Jeff Hanneman.
Ele também é o único instrumentista que está no mesmo nível dos ídolos pop de hoje. Como ele mesmo disse a uma revista britânica: “Você não pode fazer música e ser popular. Celebridades fazem músicas muito, muito ruins, então eu escrevo as minhas como um músico.”
John pegou a guitarra pela primeira vez aos 13 anos, inspirado pelo bluesman do Texas Stevie Ray Vaughn. Ele tocou em seus bares locais cidade natal Bridgeport até se formar no colegial e ir estudar na Berklee College of Music. Lá ele estudou por dois semestres até partir para Atlanta com $ 1.000 no bolso. Ele tocou em bares e silenciosamente escreveu canções para seu álbum de estreia de 2001, Room For Squares, que foi multi-platina.
John tem vários Grammys em seu currículo, e sua combinação de melodias impecáveis, letras de qualidade e arranjos bem pensados o tornaram tão bom quanto Stevie Wonder, Sting e Paul Simon, os músicos que transformaram a música pop em arte.
Mas em 2005 ele desligou a trilha de um artista pop, não teve medo de perder seus ouvintes, trocou seu Martin acústico por uma Fender Stratocaster e se juntou às fileiras das lendas do blues. Tocou com Buddy Guy e BB King, foi até convidado pelo próprio Eric Clapton para o Crossroads Guitar Festival. Os críticos ficaram céticos sobre essa mudança de cenário, mas John surpreendeu a todos: seu trio elétrico (junto com Pino Palladin e Steve Jordan) produziu um blues-rock inédito com um groove matador. No álbum de 2005 Try! John se concentrou no lado mais suave de Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughn e B.B. King tocando, e com seus solos melódicos, ele superou brilhantemente todos os clichês do blues.
John sempre foi melódico, até seu último álbum de 2017 acabou sendo surpreendentemente suave: aqui você ouve soul e até country. Com suas canções, John não só enlouquece garotas de 16 anos nos Estados Unidos, mas também continua sendo um verdadeiro músico profissional, em constante evolução e toda vez que traz algo novo para sua música. Ele equilibra perfeitamente sua reputação como artista pop e seu desenvolvimento como músico. Se você pegar até mesmo suas canções mais pop e dividi-las, ficará surpreso com o quanto está acontecendo lá.
Suas canções são sobre tudo - amor, vida, relacionamentos pessoais. Se fossem tocadas por outra pessoa, provavelmente se tornariam canções folclóricas comuns, mas graças à voz suave de John combinada com blues, soul e outros gêneros, elas se tornam o que são. E eles certamente não querem ser desligados.
Agora vamos dar uma olhada nas melhores bandas de blues rock de todo o mundo. Além disso, darei a você uma lista de bons álbuns e grupos russos para este gênero.
As melhores bandas de blues rock
A combinação de blues e rock antigo para desenvolver o gênero blues rock não ocorreu no vácuo. De muitas maneiras, isso é uma invenção de crianças britânicas brancas. Eles eram apaixonados por discos de blues de Muddy Waters, Howlin' Wolf e outros artistas que foram importados para o Reino Unido.
Os padrinhos do blues Alexis Korner e John Mayall criaram o gênero. Ele ainda encontra uma resposta no coração de muitos ouvintes hoje. Aqui estão os primeiros e melhores artistas de blues rock.
Alexis Korner (Alexis Korner)
Conhecido como " pai do blues britânico". Músico e líder de suas bandas, Alexis Korner foi parte integrante da cena do blues dos anos 1960 na Inglaterra.
Seu próprio bandas de música contribuiu para a popularização do blues. E no início desta década, Korner se apresentava com uma longa lista de músicas reais britânicas.
Em todo o seu trabalho, ele nunca desfrutou de um grande sucesso comercial. Assim, sua influência no desenvolvimento do blues rock está fora de dúvida. O que não pode ser dito sobre seus colegas e assistentes juniores.
John Mayall (John Mayall)
O músico britânico John Mayall deu uma contribuição significativa para o desenvolvimento de gêneros como jazz, blues e blues rock durante seus cinquenta anos de carreira.
Ele descobriu e desenvolveu os talentos instrumentais de Eric Clapton, Peter Green e Mike Taylor.
Mayall tem muitos discos na bagagem. Eles mostram blues, blues rock, jazz e estilos musicais africanos.
Peter Green (Peter Green) e a banda Fleetwood Mac
O Fleetwood Mac é conhecido mundialmente principalmente por sua revolucionária banda de pop rock no topo das paradas. Liderada pelo guitarrista Peter Green, a banda fez seu nome como blues psicodélico.
O grupo foi formado em 1967. Ela lançou seu primeiro em 1968. Uma combinação de composições originais e arte de capa de blues, o álbum se tornou um sucesso comercial no Reino Unido, passando um ano nas paradas.
Em 1970, devido a sua doença, Peter Green deixou a banda. Mas mesmo após sua saída, Fleetwood Mac continuou a se apresentar e trabalhar em novas composições.
Rory Gallagher (Rory Gallagher) e o grupo Taste
Na segunda metade da década de 1960, no auge da moda do blues rock britânico, Rory Gallagher exibiu apresentações de sua banda Taste.
Devido ao seu carisma dinâmico, a banda fez uma turnê com as superestrelas Yes e Blind Faith. Ela até se apresentou em 1970 na Ilha de Wight.
A banda foi formada em 1966 por Rory Gallakher, o baixista Eric Ketherin e o baterista Norman Damery.
Após um show no Reino Unido, a banda de Rory Galakher se desfez.
Depois de se mudar para Londres, o guitarrista de 20 anos montou uma nova versão de sua equipe Taste com o baixista Richard McCracken e o baterista John Wilson. Depois de assinar um contrato com a Polydor, começou a gravar e fazer turnês nos Estados Unidos e Canadá.
Por décadas, o Pedras rolantes era a banda de rock mais legal do planeta. Ela tinha os álbuns mais vendidos. Especialmente nos EUA. Portanto, os músicos são muito bem sucedidos. Sua contribuição para o desenvolvimento da música rock é muito grande.
The Yardbirds e o blues rock britânico
The Yardbirds foi uma das bandas britânicas de blues rock mais influentes e inovadoras do início dos anos 1960. Sua influência é sentida muito além de seus fugazes sucessos comerciais.
Formado no início dos anos 1960 como o quarteto Blues Metropolis, em 1963 o grupo era conhecido como Yardbirds.
Apresentando o vocalista Keith Ralph, o guitarrista Chris Drah e Andrew Topham, o baixista Paul Samwell-Smith e o baterista Jimi McCarthy, a banda rapidamente fez seu nome com uma eletrizante fusão de Blues clássico e R&B.
O primeiro álbum dos Yardbirds foi chamado de "Five Live Yardbirds". Foi gravado em 1964 no Marquee Club. Os artistas começaram a adicionar elementos de pop, rock e jazz.
Eric Clapton deixou a banda em 1965 para tocar blues puro com o Bluesbreakers John Mayall. novo guitarrista Jeff Beck trouxe uma nova dimensão ao som da banda. Em 1968, a equipe se separou.
Melhores álbuns de blues rock
Abaixo, quero apresentar os melhores álbuns de blues rock. Eu recomendo ouvi-los em seu lazer. Aqui está a lista:
Onde você jogou: Jefferson Airplaine, Jefferson Starship, Starship, A Grande Sociedade
Gêneros: rock clássico, blues rock
O que é legal: Grace Slick é a vocalista da lendária banda psicodélica Jefferson Airplane. Possuindo não apenas uma voz encantadora, mas também uma aparência atraente (um olho vale alguma coisa!), Ela se tornou um verdadeiro símbolo sexual dos anos 1960, e as canções White Rabbit e Somebody to Love compostas por ela se tornaram clássicos do rock. A voz poderosa de Grace Slick inovou no rock feminino e a levou ao 20º lugar na lista das "100 Maiores Mulheres do Rock and Roll". Infelizmente, a propensão ao ultrajante e ao vício em álcool e drogas praticamente obscureceu sua carreira. No entanto, depois de deixar o mundo da música em 1990, Grace se viu em belas-Artes. Uma parte significativa dela Criatividade artística compõem retratos de colegas da cena do rock.
Citar: Cantei então com tanta força e raiva que as mulheres da época tinham medo de mostrar. Percebi por mim mesma que uma mulher pode ignorar os estereótipos e fazer o que quiser.
Mariska Veres
Foto - Ricky Noot →
Onde você jogou:: choque azul, carreira solo
Gêneros: ritmo e blues, rock clássico
o que é legal: Mariska Veresh é dona de uma das vozes mais poderosas e bonitas do rock, uma beleza estonteante e ... uma garota insanamente tímida e vulnerável. Dados os costumes do final dos anos 60 - início dos anos 70, você pode imaginar como foi difícil para ela. No entanto, seja como for, Shocking Blue alcançou o auge da fama musical e imortalizou a si mesmos e seu trabalho, em grande parte graças a Mariska. E mesmo os animais de estimação em todas as casas conhecem sua onipresente Vênus quase de cor.
Citar: Antes eu era apenas uma boneca pintada, ninguém chegava perto de mim. Agora estou mais aberto às pessoas.
Janis Joplin
Foto - David Gahr →
Onde você jogou: Big Brother & The Holding Company, Kozmic Blues Band, Full Tilt Boogie Band
Gêneros: blues rock
O que é legal: Uma das integrantes do notório Clube 27. Em sua curta vida, Janis Joplin conseguiu lançar apenas quatro álbuns, um dos quais lançado após sua morte, mas isso não impede que críticos de todo o mundo a considerem a melhor intérprete de blues branco e um dos maiores vocalistas da história do rock. -music. Joplin recebeu vários prêmios importantes, mas, novamente, postumamente - em 1995 ela foi introduzida no Hall da Fama do Rock and Roll, em 2005 ela "recebeu" um Grammy por excelência e em 2013 uma estrela foi inaugurada em sua homenagem no Walk da Fama em Hollywood. Sua atividade criativa começou em 1961, em grande parte sob a influência dos então populares beatniks, em cuja companhia a jovem passou o verão de 1960. Joplin era considerada incomum, para não dizer estranha - ela vinha para as aulas na universidade de jeans Levi's, andava descalça e carregava uma cítara para todo lugar, caso quisesse cantar. O ponto de virada na carreira de Joplin foi uma apresentação com Big Brother & The Holding Company no Festival de Montreuil. Aí o grupo até se apresentou duas vezes, porque o diretor Pennebaker queria gravá-los em fita. Você pode falar muito sobre as conquistas de Janice: apesar de sua vida curta, ela conseguiu fazer muito. Qual é o custo de uma participação em festival de culto Woodstock em 1969 no palco com A WHO e Hendrix. Até agora, as disputas sobre a causa da morte do cantor não diminuíram. Alguém diz que é tudo sobre dependência de drogas, alguém insiste que foi suicídio. De uma forma ou de outra, muitos concordam que a morte espontânea e prematura tornou-se muito piada ruim destino, porque naquele momento a vida de Joplin começou a melhorar - ela ia se casar, não usava heroína há muito tempo. Mas ela ainda não estava feliz.
Citar: No estádio, faço amor com vinte e cinco mil pessoas e depois volto para casa sozinha.
Annie Haslam
Foto - R. G. Daniel →
Onde você jogou: Renascimento, carreira solo
Gêneros: rock progressivo, rock clássico
O que é legal: Todas as pesquisas como "Melhor Vocalista Prog" rapidamente perdem sua intriga se Annie estiver na lista. E não é surpreendente para você se você ouviu pelo menos uma música cantada para ela. Puro, levado a algumas alturas transcendentais, aparentemente frágil, mas ao mesmo tempo bastante poderoso, os vocais de cinco oitavas de Haslam trouxeram a ela e a multidões renascentistas de fãs nos anos 70. Próximo - sucesso Carreira solo cantora e artista, uma batalha felizmente vitoriosa contra o câncer e reuniões ocasionais de bandas ao vivo.
Citar: Sempre me perguntei: éramos tão únicos e ainda somos, então não deveríamos ter feito mais do que fizemos? No mínimo, deveríamos ter gravado todos os nossos shows em vídeo. Tínhamos que gravar o máximo possível. Não fizemos praticamente nada.
Os artistas de blues podem ser chamados de cantores da liberdade. Em suas canções e em sua música, eles cantam sobre a própria vida, sem enfeites, mas ao mesmo tempo com esperança de tempos melhores. Aqui estão os melhores artistas de blues de todos os tempos, segundo o portal JazzPeople.
Principais artistas de blues
Eles dizem que o blues é quando bom homem Seriamente. Reunimos os cantores de blues mais famosos, cujo trabalho reflete a estrutura deste mundo difícil.
BB King
King chamou todas as suas guitarras de "Lucille". Uma história da atividade de concerto está ligada a este nome. Certa vez, durante uma apresentação, dois homens começaram uma briga e derrubaram um fogão a querosene. Isso causou um incêndio, todos os músicos saíram às pressas da instituição, mas BB King, arriscando-se, voltou para buscar o violão.
Monumento a B.B. King em Montreux, Suíça Mais tarde, ao saber que uma mulher chamada Lucille era a causa da briga, batizou seu violão dessa forma como sinal de que nenhuma mulher vale tamanha bobagem.
Por mais de 20 anos, King lutou contra o diabetes, que causou sua morte aos 89 anos em 14 de maio de 2015.
Robert Leroy Johnson
- uma estrela brilhante, mas que voa rapidamente no mundo do blues - nasceu em 8 de maio de 1911. EM juventude ele conheceu os famosos músicos de blues Sun House e Willie Brown e decidiu começar a tocar blues profissionalmente.
Robert Leroy Johnson Alguns meses de treinamento na equipe só levaram ao fato de o cara continuar sendo um bom amador. Então Robert jurou que jogaria muito bem e desapareceu por vários meses. Quando ele reapareceu, o nível de seu jogo tornou-se significativamente mais alto. O próprio Johnson disse que contatou o diabo. A lenda do músico que vendeu a alma pela habilidade de tocar blues se espalhou pelo mundo.
Robert Leroy Johnson morreu aos 28 anos em 16 de agosto de 1938. Ele teria sido envenenado pelo marido de sua amante. Sua família não tinha dinheiro, então ele foi enterrado no cemitério municipal. O legado de Johnson é difícil de contar - embora ele tenha gravado muito pouco, suas canções foram frequentemente interpretadas por muitas estrelas mundiais (Eric Clapton, Led Zeppelin, The Rolling Stones, The Doors, Bob Dylan).
Águas turvas
- o fundador da escola de Chicago - nasceu em 4 de abril de 1913 na pequena cidade de Rolling Fork. Ainda criança, aprendeu a tocar gaita e, na adolescência, dominou o violão.
Águas turvas Simples violão não combinava bem com Muddy. Ele realmente começou a tocar apenas no momento em que mudou para a guitarra elétrica. Rugido poderoso e voz espasmódica glorificaram o cantor e intérprete novato. Na verdade, o trabalho de Muddy Waters está no limite entre o blues e o rock and roll. O músico morreu em 30 de abril de 1983.
Gary Moore
- um famoso guitarrista, cantor e compositor irlandês - nasceu em 4 de abril de 1952. Em sua carreira, experimentou muito em diferentes áreas da música, mas ainda deu preferência ao blues.
Gary Moore Em uma de suas entrevistas, Moore admitiu que gosta do diálogo que ocorre entre voz e guitarra no blues. Isso abre um amplo campo para experimentação.
Curiosamente, embora Gary Moore fosse canhoto, desde a infância ele aprendeu a tocar violão como destro e tocou assim por toda a vida até sua morte em 6 de fevereiro de 2011.
Eric Clapton
uma das figuras mais influentes rock britânico- Nasceu em 30 de março de 1945. Ele é o único músico a ter sido introduzido no Hall da Fama do Rock and Roll três vezes, duas vezes com uma banda e uma vez como artista solo. Clapton tocou em vários gêneros, mas sempre gravitou em torno do blues, o que tornou sua forma de tocar reconhecível e distinta.
Eric Clapton Sonny Boy Williamson I e II
Sonny Boy Williamson é um gaitista e cantor de blues americano nascido em 5 de dezembro de 1912.
Existem dois famosos Sonny Boy Williamsons no mundo. O fato é que Sonny Boy Williamson II assumiu o pseudônimo de mesmo nome em homenagem a seu ídolo - Sonny Boy Williamson I. A fama do segundo Sony ofuscou muito o legado do primeiro, embora tenha sido ele o inovador em seu campo.
Sonny Boy Williamson I Sonny Boy foi um dos mais famosos e originais gaitistas. Ele se distingue por um estilo especial de execução: simples, melódico, suave. Letras de suas canções: finas, líricas.
Sonny Boy Williamson II Acima de tudo, Williamson II valorizava não a fama, mas o conforto pessoal, então às vezes ele se permitia desaparecer por alguns meses para descansar e depois reaparecer no palco. Sonny Boy Williamson II faleceu em 25 de maio de 1965.
