Rokotov, Fedor Stepanovich. Retrato de A.P. Struyskaya. 1772. Galeria Tretyakov
Tela, óleo. 59,8 x 47,5

A mulher do retrato parece emergir da escuridão, ele está meio absorto na névoa. Apenas olhos expressivos são claramente definidos - brilhantes, atraentes. Particularmente bem-sucedidos no retrato de Struyskaya, os olhos são sempre interessantes nos retratos de Rokotov. Eles expressam uma gama de sentimentos, são sempre especialmente brilhantes e formam o centro do retrato. Eles até falam sobre os "olhos de Rokotov" como um "know-how" especial.
O retrato foi encomendado por Nikolai Struysky, marido de Alexandra Petrovna. Ao mesmo tempo, Rokotov também pintou um retrato do próprio Nikolai Struysky. Executado da mesma maneira, Nikolai Struysky ainda é muito menos conhecido. Este retrato também pode ser visto na Galeria Tretyakov, em outra sala.
Presumivelmente, retratos emparelhados foram encomendados para o casamento e, neste caso, Alexandra Struyskaya não tem mais de 18 anos no retrato.
Rokotov permaneceu amigo da família Struysky por muitos anos, e Nikolai Struysky era quase o único admirador do talento de Rokotov, e foi o primeiro a coletar uma coleção de suas obras.
Muitas histórias conflitantes são contadas sobre Nikolai Struysky. Tendo grande interesse pela pintura e literatura, fazendo publicação, ele ainda era um tirano em sua casa, para os servos - um pequeno tirano.
O "estranho cavalheiro", aliás, imaginava-se poeta e dedicava à sua adorada série de versos desajeitados e pesados. Ironicamente, nenhum deles entrou para a história, mas o poema dedicado não à própria beldade, mas ao retrato de Rokotov, tornou-se um livro didático.
Este é o famoso "Retrato" de Nikolai Zabolotsky, pintado no século 20, após a morte de todos os três personagens: o artista e seus dois modelos.
Amo pintar, poetas!
Só ela, a única, é dada
Almas de signos mutáveis
Transferir para tela.
Você se lembra como da escuridão do passado,
Mal embrulhado em cetim
Do retrato de Rokotov novamente
Struyskaya olhou para nós?
Seus olhos são como duas nuvens
Meio sorriso, meio choro
Seus olhos são como duas mentiras
Coberto em névoa de falhas.
Combinação de dois mistérios
Meio delícia, meio susto
Um ataque de ternura insana,
A antecipação da morte atormenta.
Quando a escuridão chegar
E a tempestade está chegando
Do fundo da minha alma pisca
Seus lindos olhos.

Borovikovsky Vladimir Lukich
Retrato de M.I. Lopukhina
1797
Tela, óleo
72 x 53,5

"Ela se foi há muito tempo, e não há mais aqueles olhos
E não há sorriso que foi silenciosamente expresso
O sofrimento é a sombra do amor, e os pensamentos são a sombra da tristeza,
Mas Borovikovsky salvou sua beleza.
Então parte de sua alma não voou para longe de nós,
E vai ter esse olhar e essa beleza do corpo
Para atrair descendentes indiferentes para ela,
Ensinando-o a amar, sofrer, perdoar, ficar em silêncio"
(Y. Polonsky)

Borovikovsky tem uma coisa misteriosa - um retrato de M. I. Lopukhina, sem dúvida, seu melhor trabalho, sua obra-prima. Em primeiro lugar, a luz com que a figura de uma mulher é inundada é impressionante, como T. Alekseeva oportunamente observou, "absorve o brilho da cor" e as manchas de cor (usaremos sua observação, que, no entanto, relata, no entanto, para outro retrato de Borovikovsky) surgem "como se das profundezas do fundo do ar". Lopukhina está imerso nesta corrente de ar.
Como sempre com Borovikovsky, ela está com um vestido branco e um lenço colorido, como sempre ela está ligeiramente deslocada para a direita para que possamos ver a paisagem. Ela é um pouco sedutora por sua vez, extremamente independente e soberana, olha com certa rebeldia. Mas essa luz deslizando sobre um rosto jovem, esses cachos esvoaçantes, esses lábios tão delicadamente delineados (eles simplesmente não tremem) - tudo nesse rosto cativante é cheio de suavidade e lirismo - a própria credulidade que inspira total confiança. Mas a sensação de leveza, lirismo e credulidade desaparece de uma vez, basta olhar em seus olhos - eles têm o verde duro de uma uva. Não, mais ainda: são alienados, quase hostis. De qualquer forma, a barreira é ainda mais distinta e nítida do que a dos modelos de Rokotov. Com que habilidade realista o rosto de Lopukhina é escrito e, no entanto, a realidade mais elevada acaba sendo uma experiência profunda desconhecida sobre a qual adivinhamos (que, mais precisamente, estamos tentando desvendar). Por mais diferentes que sejam os dois artistas, mesmo os polares, na forma de escrever, no estilo, em relação ao modelo, na visão de mundo - ainda são seus a melhor coisa Borovikovsky se aproxima de Rokotov, e o terreno comum para a reaproximação é a proximidade com o incognoscível e a sensação de um véu.
Chaikovskaya O.G. "Como um Curioso Cita...": Retrato Russo e Memórias da Segunda Metade do Século XVIII. - M.: Livro, 1990. S.267.
(

Valentin Alexandrovich Serov
Menina iluminada pelo sol (Retrato de M.Ya.Simonovich)
Tela, óleo. 89,5 x 71 cm.
Estado Galeria Tretyakov, Moscou.

Maria Yakovlevna Simonovich (1864-1955), sua prima, posou para o artista. A originalidade da composição foi expressa no fato de o modelo ser colocado sob a copa das árvores. Com golpes fracionários, Serov transmite o jogo raios de sol, cintilando sombras coloridas. Raios quentes e suaves não perturbam o estado de encantamento da jovem heroína. Sua postura relaxada aumenta a impressão de dissolução em reflexos de luz e flashes iridescentes. Apenas o rosto, a blusa branca e as mãos da menina são cobertos por reflexos impressionistas de cores, e os detalhes que emolduram sua figura são pintados em cores escuras. É impressionante a habilidade do artista em retratar os olhos da modelo, de onde parece fluir uma luz tranquila. Assim, surge uma imagem da interpenetração da luz do sol e da luz da alma humana.

Somov Konstantin Andreevich
(1869-1939)
Retrato de E.P. Nosova. 1911
Tela, óleo. 138,5 x 88 cm
Galeria Estatal Tretyakov

Em 1910, na época em que Somov chegou a Moscou e começou a trabalhar no retrato de Evfemia Pavlovna Nosova, ele escreveu em cartas: “Uma loira, magra, de rosto pálido, olhar orgulhoso e muito inteligente, bom gosto em que".
Evfimiya Pavlovna é conhecida por ter sido filha de um dos Ryabushinskys, famosos comerciantes e industriais da terceira geração, participantes diretos, liderados pelo arquiteto Shekhtel, no desenvolvimento da Art Nouveau russa. Ela nasceu em 1883 (também indicam 1881, mas o ano da morte é duvidoso). De qualquer forma, no livro “K.A. Somov. O mundo do artista. Cartas. Diários. Julgamentos de contemporâneos. Moscou, 1979, que segurei em minhas mãos no mesmo ano de 1979, foi relatado que E.P. Nosova mora em Roma.
O retrato foi encomendado a Somov, que veio a Moscou para pintar um retrato de G. L. Girshman, aparentemente em conexão com um casamento, próximo ou passado, no mesmo ano de 1910. Com a data de nascimento e morte, ainda há total desacordo. Se Evfimiya Pavlovna (nome de uma avó de uma família de Velhos Crentes) nasceu em 1883, é estranho que ela se case apenas aos 27 anos. Ela estudou música e pintura, gostava de teatro, talvez sonhasse com um palco? E segundo outras fontes, ela nasceu em 1881, morreu em 1970. Então, ela se casou apenas aos 29 anos? Esta é uma noiva linda e rica?
Há também dados sobre nascimentos e óbitos: 1886-1976. Mesmo os dias e meses são listados. Parece que estes são os mais fiéis. Ela se casa aos 24 anos e vemos uma jovem em um momento decisivo em sua vida, orgulhosa e obstinada em sua juventude. O livro que mencionei estava pronto para publicação dois ou três anos antes de sua publicação, senão antes, de acordo com o plano, os livros foram publicados naquela época e Evfemia Pavlovna ainda poderia morar em Roma.
E seu retrato de Somov acabou na Galeria Tretyakov junto com sua coleção, para onde ela o transferiu em 1917 para armazenamento. Sua coleção incluía pinturas de Rokotov, completamente esquecidas na época, Borovikovsky, Kiprensky, Venetsianov. Estranho, não me lembro se vi um retrato de E.P. Nosova nas paredes da Galeria Tretyakov? Talvez eu ainda não saiba nada sobre o artista, mas o tipo de beleza de sua modelo certamente teria me chamado a atenção.
Somov escreveu: “Ela está sentada com um vestido de cetim branco, decorado com renda preta e corais, é de Lamanova, ela tem 4 cordões de pérolas no pescoço, seu cabelo é de tirar o fôlego ... como uma espécie de enorme besouro na cabeça .” Também pode ser visto na reprodução do livro: Evfimiya Pavlovna é, de fato, um modelo extraordinário. E isso não é apenas em riqueza, mas em estilo, filho da modernidade russa, seu modelo vivo, embora não seja uma sombra de decadência, mas beleza e poder de afirmação da vida.
Somov escreveu: “Eu estava na caixa de Nosova, que estava vestida de tirar o fôlego, um vestido de cetim azul brilhante, bordado com sedas de madrepérola com ombros de tule rosa, no pescoço uma riviera com longas pontas penduradas de diamantes grandes trefl, conectados por diamantes...”
Euphemia Pavlovna, socialite e colecionadora de pinturas russas artistas do século XVIII - início do XIX séculos, 27 anos. Vamos contar 24. melhor idade beleza feminina quando a juventude ainda espreita através da feminilidade madura, mas não uma sombra de frivolidade e vaidade, mas uma seriedade pensativa e o orgulho mais natural de uma personalidade marcante.
"Ela é muito bonita. Mas que tormento é o vestido dela, não sai nada ... ”- a artista cai diretamente no desespero. Mas posar para uma beleza brilhante dia após dia não é uma tarefa fácil. Deve-se notar também que o vestido de Lamanova não foi fácil para ela. Não pelo preço. Nadezhda Pavlovna Lamanova (1861-1941) criou vestidos como obra de arte e não em geral, mas sob modelo, passando de manequim a modelo vivo, alterações e processamentos, como um pintor, muitas vezes levando-a ao desmaio. As senhoras suportaram, porque sabiam: ela iria se desgastar, mas o vestido sairia como de Paris. Do ponto de vista histórico, é claro - melhor do que em Paris.
Somov anota: “Confessei meu fracasso, ela me revigora, diz que é teimosa e paciente”.
Possuindo gosto artístico, ela sabia que tanto o vestido de Lamanova quanto o retrato de Somov seriam obras-primas, e ela teimosa e pacientemente procurou por sua parte o mesmo que esses artistas, cada um em sua própria esfera, e sua própria esfera era a própria vida em suas mais altas manifestações.
Somov, sempre insatisfeito consigo mesmo, sempre se desesperou no decorrer do trabalho, trabalhou meticulosamente onde outros não teriam encontrado o que mais poderia ser feito e criou algo único. O retrato foi concluído em 1911. Uma avaliação interessante de Mikhail Nesterov, que parecia não ter visto a conhecida beldade de Moscou, participante das reuniões da Sociedade de Estética Livre.
De uma carta de M. Nesterov datada de 3 de março de 1911 (Moscou):
“Bem, para terminar minha escrita com dignidade, vou falar sobre o novo grande retrato de Somov com um certo Nosova exibido aqui no Mundo da Arte - aqui, irmão, é uma verdadeira obra-prima! - um trabalho tão esperado, no qual você relaxa. Portanto, é penetrante, contido e nobre, com acabamento magistral. Este não é Levitsky e nem Kramskoy, mas algo próximo em beleza ao primeiro e em seriedade ao segundo. Imediatamente o homem se tornou um grande mestre.
O artista vê antes de tudo o trabalho do artista, entretanto é claro: a base do sucesso é um modelo extraordinário com seu interesse pela arte, especialmente pela pintura russa do século XVIII - início do século XIX. E ao Renascimento na Itália.
Evfimia Pavlovna, tendo se casado com V.V. Nosov, filho de um fabricante de tecidos, estabeleceu-se em uma mansão na Praça Vvedenskaya, cujos interiores foram imediatamente alterados ao seu gosto. Ela atraiu para sua ideia arquitetos e artistas famosos, até mesmo Valentin Serov, com quem, dizem, ela não se dava bem, mas provavelmente ele morreu logo, e até enviou Mstislav Dobuzhinsky para a Itália, provavelmente para visitar onde ela já havia estado, e ele Em seu retorno, ele criou um afresco no espírito daqueles vistos no palácio de Cosimo Medici: em um fundo de cobalto com douramento, um enredo mitológico é reproduzido com a inclusão de retratos dos proprietários da mansão. Fala-se de neoclassicismo quando há a mesma estética renascentista de Sandro Botticelli.
Alterações no interior da mansão, a criação de um afresco no espírito do Renascimento andaram de mãos dadas com o trabalho de Somov no retrato de E.P. De fato, uma obra-prima, uma obra-prima mundial da arte russa. Somov não tem nada disso. Um puro clássico entre suas fantasias românticas.
Petr Kile

Serebryakova Zinaida Evgenievna. Atrás do banheiro. Auto-retrato. 1909.
Galeria Estatal Tretyakov, Moscou
Tela sobre cartão, óleo.
75x65 cm

A composição é apresentada como um reflexo em um espelho, o que é tradicional no gênero autorretrato. Essa técnica traz um toque de intimidade e ao mesmo tempo cria o distanciamento necessário. A artista atrás do banheiro matinal parece estar se olhando de lado, como se estivesse posando para uma modelo. O motivo de "através do espelho" não evoca uma sensação de mistério. Até as velas, que costumam simbolizar a transitoriedade do tempo na pintura, parecem esquecer seu significado na atmosfera luminosa do quadro. O espaço da sala é preenchido com tons de branco. Dos enormes olhos castanhos brilhantes, o rosto amigável da heroína irradia calor. Mãos e cabelos criam uma moldura para o rosto. Em vez dos atributos da pintura, há atributos da beleza feminina na penteadeira. Serebryakova não demonstra de forma alguma que pertence a seus colegas artistas. Há a sensação de que o auto-retrato foi escrito para pessoas próximas do círculo familiar.

ALTMAN Natan Isaevich (1889-1970)

"... Altman ficou impressionado com sua aparência, sua magnífica capacidade de suportar o fardo de sua fama repentina, que já deu a esta jovem, de sua idade, algo régio. Quando Altman pediu a Akhmatova que posasse para ele, ela concordou, embora ela já era dona de um desenho deslumbrante de Modigliani, que, no entanto, Altman não podia ver: Anna Andreevna, a jovem esposa de Lev Gumilyov, não podia mostrá-lo a ninguém. A princípio, N. Altman fez uma caricatura amigável com um golpe , pouco conhecido hoje. O famoso retrato apareceu mais tarde, quando longas sessões começaram no estúdio do sótão na Ilha Vasilyevsky , onde Anna Akhmatova morava em um dormitório estudantil. Natan Altman morava perto, seja na "casa mobiliada de Nova York", como Akhmatova mais tarde lembrou, ou nos quartos mobiliados "Knyazhy Dvor", como ele mesmo lembrou. Altman pintou uma mulher da era futurista , que é semelhante ao ritmo urbano, ele escreveu nela autoconfiança, saúde, flexibilidade quase acrobática da figura. Qualquer retrato tem seu próprio subtexto e dramaturgia oculta. E só podemos adivinhar os motivos que forçaram Altman a repensar a imagem de Akhmatova. Quando este retrato foi pintado, Anna Andreevna morava sozinha em São Petersburgo, tendo deixado a casa de Tsarskoe Selo e Gumilev. Chegou seu rompimento final com Gumilyov, e foi como se outra vida começasse, ela experimentou a sensação de um novo nascimento e, provavelmente, ela mesma não tinha ideia de como seria. Pelo menos, tal conclusão pode ser tirada dos poemas de Akhmatov sobre este retrato de si mesmo:

Como em um espelho, olhei ansiosamente
Em uma tela cinza, e toda semana
Tanto mais amarga e estranha era a semelhança
A minha com a minha nova imagem...

Este é um dos melhores retratos Altman, um daqueles em que sua predileção por conectar o desconectado deu origem a um efeito inesperado. Se omitirmos as conotações líricas, o retrato de Akhmatova é um retrato tipicamente secular e, ao mesmo tempo, um retrato de vanguarda. Há nitidez e justificação estética em tal mistura de estilos. O retrato de Akhmatova se tornou uma sensação em uma das exposições de arte em São Petersburgo em 1915. Crítico notável L. Bruni escreveu que "isso não é uma coisa, mas um marco na arte" ... O poder do retrato de Altman não apenas fixou a imagem de Akhmatova na mente dos contemporâneos, mas acabou sendo hipnótico muitos anos depois, quando outros retratos dela já existiam, e a própria Akhmatova já era outra. O retrato foi lembrado mesmo cinco anos após sua aparição: “Eu te conheço e te amo desde o dia em que vi seu retrato de Akhmatova”, escreveu Vyach. Ivanov no álbum do artista em 1920. Lembrado vinte anos depois. MV Alpatov, que viu Akhmatova pela primeira vez na década de 1930, relembrou o mesmo retrato: "Nesse momento, a porta se abriu e ela mesma entrou na sala, inaudível e facilmente, como se tivesse saído do retrato de Altman." É interessante que a própria Akhmatova nunca gostou do retrato de Altman, repetindo continuamente que não gosta do retrato de Altman "como qualquer estilização na arte". Ela era intolerante com a imagem mitológica que tomou forma na década de 1910 e que acompanhou Akhmatova por toda a sua vida, embora seu próprio destino não estivesse de acordo com este retrato.
(

Marina Tsvetaeva "Anna Akhmatova"
Acampamento estreito e não russo -
Acima dos fólios.
Xale de países turcos
Caiu como um manto.

Você será entregue a um
Linha preta quebrada.
Frio - na diversão, calor -
Em seu desespero.

Toda a sua vida é um frio
E vai acabar - o que é isso?
Nublado - escuro - testa
Jovem Demônio.

Cada um dos terrestres
Você joga - um pouco!
E um verso desarmado
Aponta para o nosso coração.

Na hora do sono da manhã
- Acho que são cinco e quinze, -
eu te amei
Ana Akhmatova.

Publicações da seção de museus

Tatyana antes e depois de Pushkin: retratos de três séculos

Acredita-se que nome popular Tatyana se tornou após a publicação do romance "Eugene Onegin". Porém, mesmo antes disso, esse nome não era incomum entre a nobreza. Recordamos os retratos de Tatyana do século XVIII ao século XX junto com Sofia Bagdasarova.

A. Antropov. Retrato da princesa Tatyana Alekseevna Trubetskoy. 1761. Galeria Tretyakov

A. Peng. Retrato da princesa Tatyana Borisovna Kurakina. 1o andar século XVIII, GE

Artista desconhecido. Retrato de Anastasia Naryshkina com suas filhas Tatyana e Alexandra. Início da década de 1710, Galeria Estatal Tretyakov

As meninas da família Romanov foram batizadas de Tatyana no século 17: por exemplo, esse era o nome da irmã do primeiro czar Mikhail Fedorovich e de sua filha mais nova. Então este nome de dinastia real desapareceu e a próxima Tatyana apareceu na família imperial na década de 1890. No entanto, nas famílias nobres dos séculos XVII e XVIII, o nome permaneceu popular. Uma das Tatyana mais famosa é Tatyana Shuvalova. Seu filho, o favorito da imperatriz Elizabeth, Ivan Shuvalov, escolheu o dia do nome de sua mãe para assinar um decreto sobre a fundação da Universidade de Moscou. Então o dia de Tatyana se tornou o Dia do Estudante. O retrato de Tatyana Shuvalova não foi preservado.

O retrato russo mais antigo com Tatyana, aparentemente, tornou-se retrato de família Naryshkins na década de 1710. Ele retrata a filha do primeiro comandante de São Petersburgo, o governador de Moscou, Kirill Naryshkin, com sua mãe e irmã. Um artista desconhecido não elaborou os rostos com muita sutileza, mas escreveu cuidadosamente os padrões no tecido e o elegante fontange de renda (cocar) da mãe.

Para pintar um retrato da filha do príncipe Boris Kurakin - e sobrinha da imperatriz Evdokia Lopukhina - eles convidaram o pintor da corte do rei prussiano Antoine Pen. O diretor da Academia de Artes de Berlim, na tradição do classicismo, elaborou o claro-escuro, dobras de roupas e até transmitiu os mais sutis excessos de tecido caro nos ombros da princesa Tatyana Kurakina.

A princesa Tatyana Trubetskaya, irmã do poeta Fyodor Kozlovsky, parece impressionante em um retrato de 1761: o artista Alexei Antropov a retratou com uma roupa adornada com laços e flores vermelhas e verdes. A princesa com maquiagem completa: naquela época estava na moda não só passar pó, mas também aplicar blush, desenhar sobrancelhas.

D. Levitsky. Retrato de Tatyana Petrovna Raznatovskaya. 1781. Estado Museu de Arte Bielorrússia

N. Argunov. Retrato da bailarina Tatyana Vasilievna Shlykova-Granatova. 1789. Kuskovo

E. Vigée-Lebrun. Retrato de Tatyana Vasilievna Engelhardt. 1797. Museu Fuji, Tóquio

Vinte anos depois, Dmitry Levitsky escreveu Tatyana Raznatovskaya. Uma jovem com uma postura orgulhosa parece nobre e elegante. Seu vestido azul claro e capa de seda branca contrastam com o fundo escuro e profundo da tradição pictórica daqueles anos.

Uma das mulheres mais ricas da Rússia, a sobrinha do príncipe Potemkin, Tatyana Engelhardt, casou-se com um dos Yusupovs e trouxe uma fortuna gigantesca e o nome hereditário Tatyana para sua família. No retrato do retratista francês visitante Vigée-Lebrun, Tatiana Engelhardt tece uma coroa de rosas e já está vestida com uma nova moda - um vestido de cintura alta.

Os pesquisadores acreditam que entre os camponeses o nome Tatiana nos séculos XVIII-XIX era três vezes mais popular do que entre os nobres. O pintor de servos de Sheremetev, Nikolai Argunov, retratou uma camponesa, Tatyana Shlykova, atriz de um teatro de servos, em um elegante traje de palco. Mais tarde, o conde pegou sobrenomes "preciosos" para suas belas atrizes. Shlykova tornou-se Granatova e seus "colegas" - Zhemchugova e Turquesa.

A. Bryullov. Retrato de Tatyana Borisovna Potemkina. década de 1830 VMP

V. Tropinina. Retrato de Tatyana Sergeevna Karpakova. 1818. Museu de Belas Artes da República do Tartaristão

K. Reichel. Retrato de Tatyana Vasilievna Golitsyna. 1816, RM

Entre as imortalizadas nas telas de Tatyana estão outras atrizes. Em 1818, Vasily Tropinin interpretou a jovem dançarina Karpakova. Seus pais tocavam nos Teatros Imperiais e ela mesma gostava de balé desde a infância. Tatyana Karpakova dança no palco do Teatro Bolshoi desde os 12 anos, seus contemporâneos admiravam suas expressões faciais expressivas, facilidade de dança e técnica impecável.

No mesmo ano, foi criado um retrato da princesa Tatyana Golitsyna. A nora de Natalya Golitsyna, o protótipo da Rainha de Espadas de Pushkin, é retratada usando uma boina preta. No primeiro terço do século XIX, esses cocares eram tradicionalmente usados ​​por mulheres casadas. É verdade que, com mais frequência, as mulheres da moda preferiam cores vivas - framboesa, verde, escarlate.

“A largura da boina chega a doze polegadas; a parte superior deles é uma, a parte inferior é de outra cor. Os materiais de que são feitas essas boinas também são diferentes: cetim e veludo. Essas boinas são colocadas na cabeça tão tortas que uma das pontas quase toca o ombro.

Trecho de uma revista de moda do século XIX

Uma aquarela de 1830 de Alexander Bryullov retrata Tatyana Potemkina. Nela, a modelo está vestida com uma roupa que cobre não só os ombros, mas também o pescoço, as orelhas e os cabelos da princesa: Potemkina era muito religiosa. Tornando-se filha espiritual de Santo Inácio (Bryanchaninov), cuidou da difusão da Ortodoxia, construiu igrejas, doou muito dinheiro para caridade e, claro, não se permitia usar decote.

V. Vasnetsov. Retrato de Tatyana Anatolyevna Mamontova (1884, Galeria Estatal Tretyakov)

Eu. Repin. Retrato de Tatyana Lvovna Tolstaya (1893, Yasnaya Polyana)

F. Winterhalter. Retrato de Tatyana Alexandrovna Yusupova (1858, GE)

Em 1825-1837, Eugene Onegin, de Alexander Pushkin, foi publicado em partes. Tatyana Larina se tornou a "primeira Tatyana" da literatura russa - antes disso, os escritores preferiam outros nomes. Após o lançamento do romance, o nome se tornou muito mais popular - muitos batizaram suas filhas com o nome da romântica e virtuosa heroína de Pushkin.

Mas nem tantos retratos de Tatyana desses anos foram preservados. Entre eles está uma tela na qual o pintor de retratos da moda Franz Xaver Winterhalter retratou Tatyana Yusupova. A heroína do retrato o herdou de sua avó Tatyana Engelhardt, e Yusupova também nomeou uma de suas filhas.

Retratos das filhas de Leo Tolstoi e Anatoly Mamontov foram criados nas décadas de 1880 e 1890 por B. Kustodiev. Retrato de Tatyana Nikolaevna Chizhova. 1924. Museu Regional de Arte de Ivanovo

M. Vrubel. Retrato de Tatyana Spiridonovna Lyubatovich como Carmen. década de 1890 GTG

No início do século 20, em Moscou e na província de Moscou, o nome Tatiana tornou-se o quinto mais popular depois de Maria, Anna, Catherine e Alexandra.

O retrato de uma das Tatyanas também pertence ao pincel de Mikhail Vrubel. Cantor de ópera Tatyana Lubatovich é retratada como Carmen - no início do século 20 era uma imagem muito popular entre os artistas e as heroínas de suas pinturas.

Em 1908, o artista Saratov Alexander Savinov pintou a tela "Harpista". Sua heroína era a esposa do famoso filósofo Semyon Frank, Tatyana Frank (nascida Bartseva). Savinov criou um retrato ornamental com tom texturizado e cores suaves nas tradições do novo estilo que está ganhando força - o modernismo.

Neste círculo artístico de Tatyana, destaca-se o “Retrato da Artista Tatyana Chizhova”, pintado por Boris Kustodiev em 1924. O título da imagem é uma imprecisão. Após a morte de Kustodiev, o retrato foi transferido para o Museu Russo e a abreviatura na assinatura “arquiteto”. decifrado como "artista". Na verdade, Tatyana Chizhova era uma arqueóloga. No retrato, ela é retratada com seu vestido favorito e com o anel da avó no dedo.

A precisão na escrita de detalhes individuais e motivos de padrões tecidos pelas mãos de bordadeiras russas, ou ornamentos claros em taças e tigelas esculpidas, surpreende e encanta os espectadores do passado e do presente.

Roupas luxuosas bordadas com pérolas, cocares incrivelmente lindos da época, lindos espinheiros adornados com colares preciosos, boiardos em caftãs de brocado - tudo é sentido com que amor pela beleza e cultura nacional russa, pela rica herança de nossos ancestrais, essas pinturas foram pintadas . Você pode ficar muito tempo perto de cada um deles - admirar os padrões russos e sentir orgulho de si mesmo e ao mesmo tempo tristeza, tristeza que muito se perdeu, não foi preservado e não é preservado hoje. Portanto, essas pinturas, nas quais permaneceram evidências únicas da cultura da terra russa, são especialmente valiosas para nós.

Biografia do artista Konstantin Makovsky

E Konstantin Yegorovich, tendo herdado a paixão de seu pai, colecionou todas as obras-primas do antigo artesanato russo, mas era uma "bela antiguidade". Ele habilmente acrescentou algo às salas de estar e oficinas, e depois o usou em suas pinturas, e algo que simplesmente colocou em seu antigo grande armário de ébano, para que mais tarde pudesse admirar e admirar a beleza e a habilidade dos mestres russos.

Na cornija da lareira havia utensílios domésticos antigos: conchas de prata, xícaras, lavatórios, ventiladores - itens da época dos boiardos. Antigos trajes de brocado boyar, vestidos de verão coloridos, corrimãos cravejados de pérolas, kokoshniks bordados com rendas de pérolas - tudo isso pode ser visto nas pinturas do artista. E além das coisas colecionadas com amor por Konstantin Yegorovich, as pessoas que se reuniram ao seu redor também participaram de suas pinturas. Às vezes, eles encenavam cenas da vida boyar, que eram transferidas para a tela. E isso sem dúvida despertou o grande interesse do público, pois através das pinturas de Makovsky eles se apegaram ao conhecimento da história da Rus' e da cultura de seus ancestrais.

A filha da artista em suas memórias contou como foram encenadas imagens vivas "... luxuosas" "da vida dos boiardos ...". Às vezes, até 150 pessoas eram convidadas para essas noites, entre as quais representantes de famílias antigas, descendentes das retratadas pelo artista. Eles "... habilmente e lindamente vestidos com roupas de brocado e veludo ..." para reproduzir neles a cena concebida pelo artista. Assim surgiram as pinturas - "A Festa do Casamento", "A Escolha da Noiva" e muitas outras pinturas.

Pinturas de Konstantin Makovsky

Coletando objetos da antiguidade russa K.E. Makovsky continuou a estudar toda a sua vida. Colecionando obras-primas de mestres russos, o artista conheceu a história da Rússia e, admirando-os, inspirou-se em novas ideias. Agora, suas telas evocam em nós não apenas a admiração pela mais rica herança de nossos ancestrais, mas também o desejo de aprender cada vez mais sobre nossa pátria.

Sobre como K.E. Makovsky usou sua coleção em seu trabalho, o escritor E.I. Fortunato, que teve a sorte de ser seu modelo.

KE Makovsky não era apenas um artista. Comunicando-se com historiadores proeminentes, ele próprio se tornou um grande especialista no campo da antiguidade russa. K.E. Makovsky procurou preservar a herança artística da Rússia. Portanto, não é por acaso que em 1915 ele se tornou membro da Sociedade Renascentista Rus' artístico, cuja principal tarefa era a preservação, estudo e promoção da antiguidade russa.

É amargo e triste que a coleção, reunida há meio século, que ocupou um lugar tão importante na vida do artista, que se tornou o reflexo de toda uma época da cultura russa, seja apresentada para leilão apenas seis meses após sua morte. Em setembro de 1915, K.E. Makovsky foi atropelado por um táxi em uma das ruas de Petrogrado. Tendo recebido ferimento grave cabeça, o artista morreu dois dias depois. A morte súbita arruinou todos os planos...

Mais de 1.000 itens foram listados no leilão, alguns deles foram para os museus da capital: o Museu Russo, o Hermitage, o Museu da Escola de Desenho Técnico do Barão Stieglitz e os museus de Moscou. Muitos itens foram comprados por representantes de empresas de antiguidades de Moscou. Trajes autênticos, taças de prata, conchas, copos passaram para as mãos de proeminentes colecionadores de Moscou.

Mas nem todos admiravam as pinturas de K. Makovsky e sua maneira de trabalhar.

No início de seu maneira criativa K. Makovsky compartilhava as opiniões dos Wanderers, pintou crianças camponesas (“Crianças fugindo de uma tempestade”, “Encontro”), mas já na década de 1880 o artista se afastou irrevogavelmente deles e começou a organizar exposições individuais.

Em 1883 ele criou a pintura "Boyar festa de casamento em século XVII”, seguido por “A Escolha da Noiva do Czar Alexei Mikhailovich” (1886), “A Morte de Ivan, o Terrível” (1888), “Vestindo a Noiva para a Coroa” (1890), “Rito do Beijo” (1895, ). As pinturas foram um sucesso, tanto na Rússia quanto no exposições internacionais. Para alguns deles, na Exposição Mundial de 1889 em Paris, K. Makovsky recebeu uma medalha de ouro.

Os preços de suas pinturas sempre foram altos. PM. Tretyakov às vezes não conseguia pegá-los. Mas os colecionadores estrangeiros compraram telas do ciclo "boyar" de bom grado, então a maioria das obras do artista deixou a Rússia.

Graças a esse sucesso, K.E. Makovsky se tornou uma das pessoas mais ricas. Ao longo de sua vida, ele esteve cercado de luxo, com o qual nenhum artista russo sonhava. Makovsky cumpria qualquer pedido sobre qualquer assunto com o mesmo brilhantismo. Foi este último que causou muitos mal-entendidos e até condenações. Alguns, aparentemente, invejavam o sucesso, outros acreditavam que as pessoas com seus próprios vida cotidiana. Mas essas pinturas não foram vendidas com tanta boa vontade, e muitos acreditavam que Makovsky escrevia sobre os tópicos procurados, ou seja, para seu próprio enriquecimento.

No entanto, ele sempre viveu como queria e escrevia o que queria. Sua visão de beleza simplesmente coincidia com as exigências e exigências daquelas pessoas que estavam dispostas a pagar muito dinheiro por suas pinturas. Seu sucesso fácil foi o principal motivo da atitude negativa em relação a ele e ao trabalho dos Wanderers. Ele foi acusado de usar a arte e seu talento para ganhos materiais.

K.E. Makovsky começou sua jeito artístico junto com os Andarilhos, exibindo pinturas sobre o tema da vida do povo. No entanto, com o tempo, seus interesses mudaram e, a partir da década de 1880, ele se tornou um pintor de retratos de salão de sucesso. Não se pode acreditar no fato de que isso aconteceu por causa da riqueza material. Afinal, isso é evidenciado por suas inúmeras coleções e talentos multifacetados. Mas não se pode negar que Makovsky não buscou reconhecimento no exterior. Além disso, os europeus estavam interessados ​​​​na história da Rússia, então seu trabalho foi vendido rapidamente.

Em sua vida pessoal, Makovsky também foi feliz. Sua aparência agradável, sociabilidade, olhar sempre aberto e sorridente de olhos claros fizeram de Konstantin Yegorovich sempre um convidado bem-vindo. Ele foi casado três vezes. Sua primeira esposa Lenochka Burkova, atriz Alexandrinsky Theatre vivia com ele vida curta. Uma garota charmosa e gentil trouxe muita alegria e calor para sua vida. Mas a doença a afastou cedo da vida terrena.

Despreocupado e ávido pelas alegrias da vida, Konstantin Yegorovich rapidamente se consolou ao ver uma garota de extraordinária beleza no baile - Yulenka Letkova. A menina tinha apenas dezesseis anos e o encantador pintor trinta e seis. O casamento aconteceu logo depois. Tendo vivido vinte anos de uma vida familiar feliz, Konstantin Yegorovich pintou muitas pinturas, a maioria das quais contém uma imagem fofa de sua jovem esposa. Para por longos anos Yulia Pavlovna Makovskaya foi sua musa e modelo para retratos.

Em 1889, Konstantin Makovsky foi para a Exposição Mundial de Paris, onde expôs várias de suas pinturas. Lá ele se interessou pela jovem Maria Alekseevna Matavtina (1869-1919). Nascido em 1891 filho ilegitimo Konstantin. Eu tive que confessar tudo para minha esposa. Yulia Pavlovna não perdoou a traição. Alguns anos depois, o divórcio foi arquivado. E Konstantin Yegorovich continuou seu feliz vida familiar com sua terceira esposa, a quem também usou como modelo. Ele também costumava retratar seus filhos de seu segundo e terceiro casamento em suas telas.

Pessoal, colocamos nossa alma no site. Obrigado por isso
por descobrir esta beleza. Obrigado pela inspiração e arrepios.
Junte-se a nós em Facebook E Em contato com

Em primeiro lugar, sabemos duas coisas sobre a pintura: seu autor e, possivelmente, a história da tela. Mas sobre o destino daqueles que nos olham das telas, não sabemos muito.

local na rede Internet Resolvi falar de mulheres cujos rostos nos são familiares, mas suas histórias não.

Jeanne Samary
Auguste Renoir, retrato da atriz Jeanne Samary, 1877

A atriz Jeanne Samary, embora não pudesse se tornar uma estrela de palco (interpretava principalmente empregadas domésticas), teve sorte em outra coisa: por algum tempo ela morou perto da oficina de Renoir, que pintou quatro retratos dela em 1877-1878, glorificando assim muito mais do que poderia torná-la carreira de ator. Zhanna tocou em apresentações desde os 18 anos, aos 25 casou-se e teve três filhos, depois até escreveu um livro infantil. Mas esta encantadora senhora, infelizmente, não viveu muito: aos 33 anos adoeceu com febre tifóide e morreu.

Cecília Gallerani
Leonardo da Vinci, Dama com Arminho
1489-1490

Cecilia Gallerani era uma menina de uma nobre família italiana que já estava noiva aos 10 (!) anos. No entanto, quando a menina tinha 14 anos, o noivado foi cancelado por motivos desconhecidos, e Cecília foi enviada para um mosteiro, onde conheceu (ou estava tudo armado) o duque de Milão, Ludovico Sforza. Começou um caso, Cecília engravidou e o duque instalou a menina em seu castelo, mas então chegou a hora de se casar dinástica com outra mulher, que, claro, não gostou da presença de sua amante em sua casa. Então, após o nascimento de Gallerani, o duque tomou seu filho para si e a casou com um conde empobrecido.

Nesse casamento, Cecilia deu à luz quatro filhos, manteve quase o primeiro salão literário da Europa, visitou o duque e brincou com prazer com o filho de uma nova amante. Depois de um tempo, o marido de Cecília morreu, estourou a guerra, ela perdeu o bem-estar e encontrou abrigo na casa da irmã da mesma esposa do duque - em um relacionamento tão maravilhoso que ela conseguiu estar com as pessoas. Após a guerra, Gallerani voltou para sua propriedade, onde viveu até sua morte aos 63 anos.

Zinaida Yusupova
V.A. Serov, "Retrato da princesa Zinaida Yusupova", 1902

A herdeira russa mais rica, a última da família Yusupov, a princesa Zinaida era incrivelmente bonita e, apesar de pessoas augustas, entre outras, buscarem seu favor, ela queria se casar por amor. Ela realizou seu desejo: o casamento foi feliz e trouxe dois filhos. Yusupova gastou muito tempo e esforço em atividades de caridade, e depois que a revolução continuou no exílio. O amado filho mais velho morreu em um duelo quando a princesa tinha 47 anos, e ela mal suportou essa perda. Com o início da agitação, os Yusupovs deixaram São Petersburgo e se estabeleceram em Roma, e após a morte de seu marido, a princesa mudou-se para seu filho em Paris, onde passou o resto de seus dias.

Maria Lopukhina
V.L. Borovikovsky, “Retrato de M.I. Lopukhina", 1797

Borovikovsky pintou muitos retratos de nobres russas, mas este é o mais charmoso. Maria Lopukhina, membro da família do conde Tolstoi, é retratada aqui na tenra idade de 18 anos. O retrato foi encomendado por seu marido Stepan Avraamovich Lopukhin logo após o casamento. A facilidade e um olhar ligeiramente altivo parecem ser a pose usual para tal retrato da era do sentimentalismo, ou sinais de uma disposição melancólica e poética. O destino dessa misteriosa garota acabou sendo triste: apenas 6 anos após a pintura, Maria morreu de tuberculose.

Giovannina e Amacilia Pacini
Karl Bryullov, Horsewoman, 1832

"A amazona" Bryullov - brilhante retrato formal, em que tudo é luxuoso: o brilho das cores, o esplendor das cortinas e a beleza dos modelos. Retrata duas meninas que tinham o sobrenome Pacini: a mais velha Giovannina está sentada em um cavalo, a mais nova Amacilia a olha da varanda. A foto para Karl Bryullov - seu amante de longa data - foi encomendada por sua mãe adotiva, a condessa Yulia Pavlovna Samoilova, uma das mulheres bonitas Rússia e herdeira de uma fortuna colossal. A condessa garantiu um grande dote para suas filhas adultas. Mas descobriu-se que na velhice ela estava praticamente arruinada e então filhas adotivas Giovanina e Amazília, por meio da Justiça, arrecadaram da condessa o dinheiro e os bens prometidos.

Simonetta Vespucci
Sandro Botticelli, O Nascimento de Vênus
1482–1486

A famosa pintura de Botticelli retrata Simonetta Vespucci, a primeira beldade do Renascimento florentino. Simonetta nasceu em uma família rica, aos 16 anos casou-se com Marco Vespucci (parente de Amerigo Vespucci, que “descobriu” a América e deu seu nome ao continente). Após o casamento, os noivos se estabeleceram em Florença, foram recebidos na corte de Lorenzo Medici, naqueles anos famosos por festas e recepções luxuosas.

Bela, ao mesmo tempo muito modesta e benevolente, Simonetta rapidamente se apaixonou pelos homens florentinos. O governante de Florença, o próprio Lorenzo, tentou cuidar dela, mas seu irmão Giuliano foi o mais ativo em procurá-la. A beleza de Simonetta inspirou muitos artistas da época, entre os quais Sandro Botticelli. Acredita-se que, desde o momento em que se conheceram, Simonetta foi modelo para todas as Madonas e Vênus de Botticelli. Aos 23 anos, Simonetta morreu de tuberculose, apesar dos esforços dos melhores médicos da corte. Depois disso, o artista retratou sua musa apenas de memória, e na velhice legou ser enterrado ao lado dela, o que foi feito.

Vera Mamontova
V.A. Serov, "Menina com pêssegos", 1887

A maioria pintura famosa o mestre de retratos Valentin Serov foi escrito na propriedade de um rico industrial Savva Ivanovich Mamontov. Todos os dias, durante dois meses, sua filha, Vera, de 12 anos, posou para o artista. A menina cresceu e se tornou garota encantadora, casou-se por amor mútuo com Alexander Samarin, que pertence a uma conhecida família nobre. Depois viagem de lua de mel na Itália, a família se estabeleceu na cidade de Bogorodsk, onde nasceram três filhos um após o outro. Mas inesperadamente em dezembro de 1907, apenas 5 anos após o casamento, Vera Savvishna morreu de pneumonia. Ela tinha apenas 32 anos e seu marido nunca se casou novamente.

Alexandra Petrovna Struyskaya
FS Rokotov, "Retrato de Struyskaya", 1772

Este retrato de Rokotov é como uma dica arejada. Alexandra Struyskaya tinha 18 anos quando se casou com um viúvo muito rico. Reza a lenda que, para o casamento, seu marido lhe deu nada menos que uma nova igreja. E toda a sua vida ele escreveu poesia para ela. Não se sabe ao certo se esse casamento foi feliz, mas todos que estiveram em sua casa prestaram atenção em como os cônjuges são diferentes. Por 24 anos de casamento, Alexandra deu à luz ao marido 18 filhos, 10 dos quais morreram na infância. Após a morte do marido, ela viveu mais 40 anos, administrou firmemente a propriedade e deixou uma fortuna decente para os filhos.

Juntamente com o marido, Lisa criou cinco filhos e, muito provavelmente, seu casamento foi baseado no amor. Quando o marido morreu de peste e Lisa também foi atingida por esta grave doença, uma das filhas não teve medo de levar a mãe até ela e deixá-la ir. Mona Lisa se recuperou e viveu algum tempo com suas filhas, morrendo aos 63 anos.

A pintura russa é justamente destacada do mundo arte. O facto é que até ao século XVII a pintura doméstica esteve associada exclusivamente a tema religioso. A situação mudou com a chegada ao poder do reformador czar - Pedro, o Grande. Graças às suas reformas, os mestres russos começaram a se dedicar à pintura secular, e a pintura de ícones se separou como uma direção separada. O século XVII é a época de artistas como Simon Ushakov e Iosif Vladimirov. Então, no mundo da arte russa, o retrato nasceu e rapidamente se tornou popular. No século XVIII, surgiram os primeiros artistas que passaram do retrato à pintura de paisagem. A pronunciada simpatia dos mestres pelos panoramas de inverno é perceptível. O século XVIII também foi lembrado pelo nascimento da pintura cotidiana. No século XIX, três tendências ganharam popularidade na Rússia: romantismo, realismo e classicismo. Como antes, os artistas russos continuaram a recorrer a gênero retrato. Foi então que surgiram retratos e autorretratos mundialmente famosos de O. Kiprensky e V. Tropinin. Na segunda metade do século XIX, os artistas retratam cada vez mais o simples povo russo em seu estado oprimido. O realismo torna-se a tendência central da pintura deste período. Foi então que os Wanderers apareceram, retratando apenas a vida real e real. Bem, o século XX é, claro, a vanguarda. Os artistas da época influenciaram significativamente seus seguidores na Rússia e em todo o mundo. Suas pinturas se tornaram as precursoras do abstracionismo. A pintura russa é um enorme mundo maravilhoso de artistas talentosos que glorificaram a Rússia com suas criações