Hemligheten bakom storheten hos de viktigaste verken av japansk konst. Utvecklingen av japansk måleri

Med den här artikeln börjar jag en serie artiklar om japanskans historia visuella konsterna. Dessa inlägg kommer främst att fokusera på måleri från Heian-perioden, och den här artikeln är en introduktion och beskriver konstens utveckling fram till 800-talet.

Jōmon period
Japansk kultur har mycket gamla rötter - de tidigaste fynden går tillbaka till 10:e årtusendet f.Kr. e. men officiellt anses början av Jomon-perioden vara 4500 f.Kr. e. Om denna period nekokit skrev ett väldigt bra inlägg.
Det unika med Jemon-keramik är att vanligtvis utseendet på keramik, tillsammans med utvecklingen av jordbruket, indikerar början av den neolitiska eran. Men även under den mesolitiska eran, flera tusen år före jordbrukets tillkomst, skapade Jomons jägare-samlare keramik med en ganska komplex form.

Trots det mycket tidiga utseendet av keramik utvecklade människorna i Jomon-eran teknologin mycket långsamt och förblev på stenålderns nivå.

Under mellan-Jōmon-perioden (2500-1500 f.Kr.) dök keramiska figurer upp. Men i både mellan- och senperioden (1000-300 f.Kr.) förblir de abstrakta och mycket stiliserade.

Från Ebisuda, Tajiri-cho, Miyagi.H. 36,0.
Jomon-perioden, 1000-400 f.Kr.
Tokyos nationalmuseum

Förresten, ufologer tror att det här är bilder av utomjordingar. I dessa figurer ser de rymddräkter, skyddsglasögon och syrgasmasker på sina ansikten, och bilderna av spiraler på "rymddräkterna" anses vara kartor över galaxer.

Yayoi period
Yayoi är en kort period i japansk historia, som varar från 300 f.Kr. till 300 e.Kr., under vilken de mest dramatiska kulturella förändringarna ägde rum i det japanska samhället. Under denna period tog stammarna som kom från fastlandet och fördrev ursprungsbefolkningen på de japanska öarna sin kultur och nya teknologier, såsom risodling och bronsbearbetning. Återigen importerades det mesta av konsten och tekniken från Yayoi-perioden från Korea och Kina.

Kofun period
Mellan 300 och 500 år begravdes stamledare i högar kallade "Kofun". Denna period kallas för detta namn.

Saker som de döda kunde behöva placerades i gravarna. Dessa är mat, verktyg och vapen, smycken, keramik, speglar och de mest intressanta - lerfigurer som kallas "haniwa".

Från Kokai, Oizumi-machi, Gunma.H.68.5.
Kofunperiod, 600-talet.
Tokyos nationalmuseum

Det exakta syftet med figurinerna är fortfarande okänt, men de finns på alla begravningsplatser under Kofun-tiden. Från dessa små figurer kan man föreställa sig hur människor levde på den tiden, eftersom människor avbildas med verktyg och vapen, och ibland bredvid hus.

Dessa skulpturer, som är influerade av kinesiska traditioner, har självständiga element som är inneboende endast i lokal konst.

Kvinnlig dansare, västra Han-dynastin (206 f.Kr.–9 e.Kr.), 2:a århundradet f.Kr.
Kina
Metropolitan Museum of Art, NY

Under Kofun-perioden blir figurinerna mer raffinerade och allt mer annorlunda. Det här är bilder av soldater, jägare, sångare, dansare och så vidare.

Från Nohara, Konan-machi, Saitama. Nuvarande H. 64.2, 57.3.
Kofunperiod, 600-talet.
Tokyos nationalmuseum

Det finns en annan egenskap hos dessa skulpturer. Haniva representerar inte bara en social funktion, utan också figurens stämning. En krigare har till exempel ett strängt uttryck i ansiktet. och på böndernas ansikten stora leenden.

Från Iizuka-cho, Ota-shi, Gunma.H. 130,5.
Kofunperiod, 600-talet.
Tokyos nationalmuseum

Asuka period
Sedan Yayoi-perioden har japansk bildkonst varit oskiljaktig från koreanska eller kinesisk konst. Detta blir mest märkbart under 700- och 700-talen, när japansk konst snabbt började utvecklas till en mängd olika visuella genrer.

På 600-talet skedde kardinalförändringar i det japanska samhället: den första japanska staten Yamato tog äntligen form, och även 552 kom buddhismen till Japan och förde med sig buddhistisk skulptur och konceptet med ett tempel, vilket orsakade utseendet av tempel i Japan - som shinto, såväl som buddhistiska.
Shinto-helgedomar följde spannmålsmagasinens arkitektur (De tidigaste shintohelgedomarna var spannmålsmagasin där skördefirande hölls. Under rituella högtider trodde folk att gudarna festade med dem.)
Shintogudar – först och främst naturkrafter så att arkitekturen i dessa helgedomar integreras med naturen, såsom floder och skogar. Detta är viktigt att förstå. I shintoarkitekturen var konstgjorda strukturer menade att vara förlängningar av den naturliga världen.

Det första buddhistiska templet, Shitennoji, byggdes först 593 i Osaka. Dessa tidiga tempel var imitationer av koreanska buddhistiska tempel, bestående av en central pagod omgiven av tre byggnader och en täckt korridor.

Spridningen av buddhismen underlättade kontakter mellan Japan och Korea med Kina och integrationen av kinesisk kultur i japansk kultur.

Japan? Hur utvecklades det? Vi kommer att svara på dessa och andra frågor i artikeln. Japansk kultur bildades som ett resultat av en historisk rörelse som började när japanerna flyttade från fastlandet till skärgården och civilisationen under Jomon-perioden föddes.

Europa, Asien (särskilt Korea och Kina) och Nordamerika har starkt påverkat den nuvarande upplysningen av detta folk. Ett av tecknen på den japanska kulturen är dess långa utveckling i eran av fullständig isolering av staten (sakoku-politiken) från alla andra länder under Tokugawa Shogunatets regeringstid, som varade fram till mitten av 1800-talet - början av den japanska kulturen. Meiji-eran.

Inflytande

Hur gjorde konstkultur Japan? Civilisationen påverkades avsevärt av landets isolerade regionala läge, klimat och geografiska särdrag, såväl som naturfenomen (tyfoner och frekventa jordbävningar). Detta tog sig uttryck i befolkningens extraordinära inställning till naturen som en levande varelse. funktion nationalkaraktär Japanska är förmågan att beundra universums nuvarande skönhet, vilket uttrycks i många typer av konst i ett litet land.

Den konstnärliga kulturen i Japan skapades under inflytande av buddhism, shintoism och konfucianism. Samma trender påverkade dess fortsatta utveckling.

antiken

Håller med, den konstnärliga kulturen i Japan är magnifik. Shintoismen har sina rötter i antiken. Buddhismen, även om den dök upp före vår tideräkning, började spridas först från det femte århundradet. Heian-perioden (700-1100-talen) anses vara den gyllene eran av Japans statskap. Under samma period nådde den pittoreska kulturen i detta land sin högsta punkt.

Konfucianismen dök upp på 1200-talet. I detta skede skedde en separation mellan Konfucius och buddhismens filosofi.

Hieroglyfer

Bilden av den konstnärliga kulturen i Japan är förkroppsligad i en unik versifiering, som kallas I detta land är kalligrafikonsten också högt utvecklad, som enligt legenden uppstod från himmelska gudomliga bilder. Det var de som blåste liv i skrivandet, så befolkningen är snäll mot varje tecken i stavning.

Ryktet säger att det var hieroglyfer som gav japansk kultur, eftersom bilder kring de inskrivna dök upp från dem. Lite senare började en stark kombination av inslag av måleri och poesi i ett verk observeras.

Om du studerar en japansk rulle kommer du att upptäcka att verket innehåller två sorters symboler. Dessa är tecken på att skriva - sälar, dikter, kolofen, såväl som pittoreska. Samtidigt fick Kabuki-teatern stor popularitet. En annan typ av teater - Men - föredras främst av militär personal. deras svårighetsgrad och grymhet hade ett starkt inflytande på nr.

Målning

Konstnärlig kultur har studerats av många specialister. En stor roll i dess bildande spelades av kaiga-målning, som på japanska betyder ritning eller målning. Denna konst betraktas som den äldsta typen av målning av staten, som bestäms av ett stort antal lösningar och former.

I den är en speciell plats upptagen av naturen, vilket bestämmer den heliga principen. Målningens uppdelning i sumi-e och yamato-e har funnits sedan 900-talet. Den första stilen utvecklades närmare 1300-talet. Det är en sorts monokrom akvarell. Yamato-e är horisontellt vikta rullar som vanligtvis används i dekoration av litteraturverk.

Lite senare, på 1600-talet, dök tryckning på tabletter upp i landet - ukiyo-e. Mästare avbildade landskap, geishor, kända skådespelare kabuki-teatern. Denna typ av målning på 1700-talet hade ett starkt inflytande på Europas konst. Den framväxande trenden kallades "japanism". Under medeltiden gick Japans kultur utanför landets gränser - den började användas i designen av snygga och fashionabla interiörer runt om i världen.

Kalligrafi

Åh, så vacker den konstnärliga kulturen i Japan är! Förståelse av harmoni med naturen kan ses i vart och ett av dess segment. Vad är modern japansk kalligrafi? Det kallas shodo ("sätt för meddelanden"). Kalligrafi är liksom skrivande en obligatorisk disciplin. Forskare har funnit att denna konst kom dit samtidigt med kinesisk skrift.

Förresten, i antiken bedömdes en persons kultur efter hans nivå av kalligrafi. Idag finns det stort antal skrivstilar och är utvecklade av buddhistiska munkar.

Skulptur

Hur kom den japanska kulturen till? Vi kommer att studera utvecklingen och typerna av detta område av mänskligt liv så detaljerat som möjligt. Skulptur är den äldsta typen av konst i Japan. I forntida tider gjorde folket i detta land figurer av idoler och rätter från keramik. Sedan började folk installera statyer av khaniv, skapade av bakad lera, på gravarna.

Utvecklingen av skulpturhantverk i modern japansk kultur i samband med spridningen av buddhismen i staten. En av de äldsta representanterna för japanska monument anses vara statyn av Buddha Amitabha, gjord av trä, placerad i Zenko-ji-templet.

Skulpturer var mycket ofta gjorda av balkar, men de såg väldigt rika ut: hantverkarna täckte dem med lack, guld och ljusa färger.

Origami

Gillar du den konstnärliga kulturen i Japan? Förståelse av harmoni med naturen kommer att ge en oförglömlig upplevelse. karaktäristiskt drag Japansk kultur har blivit fantastiska produkter av origami ("vikt papper"). Denna färdighet har sitt ursprung till Kina, där pergamentet faktiskt uppfanns.

Till en början användes "vikt papper" vid religiösa ceremonier. Denna konst kunde endast studeras av överklassen. Men efter andra världskriget lämnade origami adelsmännens hem och hittade sina beundrare över hela jorden.

Ikebana

Alla borde veta vad den konstnärliga kulturen i länderna i öst är. Japan har lagt ner mycket arbete på sin utveckling. En annan komponent i denna kultur underbart landär ikebana ("levande blommor", "nya blommornas liv"). Japanerna är fans av estetik och enkelhet. Det är just dessa två egenskaper som satsas på. Bildernas sofistikering uppnås genom fördelaktig användning av vegetationens naturliga skönhet. Ikebana, liksom origami, fungerade också som en del av en religiös ceremoni.

Miniatyrer

Förmodligen har många redan förstått att den konstnärliga kulturen i det antika Kina och Japan är nära sammanflätad. Och vad är en bonsai? Det är en unik japansk färdighet att odla en nästan exakt miniatyrkopia av ett riktigt träd.

I Japan är det också vanligt att göra netsuke – små skulpturer som är en slags nyckelring. Ofta var sådana figurer i denna egenskap fästa på japanernas kläder, som inte hade några fickor. De dekorerade det inte bara, utan fungerade också som en original motvikt. Nyckelringar gjordes i form av en nyckel, en påse, en flätad korg.

Måleriets historia

Konstkultur forntida japan intresserad av många människor. Måleri i detta land har sitt ursprung under den japanska paleolitiska perioden och utvecklades på detta sätt:

• Yamato period. Under Asukas och Kofuns tid (4-700-talet), tillsammans med införandet av hieroglyfer, skapandet av en statsregim i kinesisk stil och populariseringen av buddhismen, fördes många konstverk till Japan från Kina. Efter det började målningar i kinesisk stil reproduceras i den uppgående solens land.
• Nara tid. Under VI och VII århundradena. Buddhismen fortsatte att utvecklas i Japan. I detta avseende började religiös målning att blomstra, som användes för att dekorera de många tempel som byggdes av aristokratin. I allmänhet, under Nara-eran, var bidraget till utvecklingen av skulptur och konst större än i måleriet. Tidiga målningar i denna cykel inkluderar väggmålningar på innerväggarna i Horyu-ji-templet i Nara Prefecture, som skildrar Shakyamuni Buddhas liv.
• Heian eran. I japansk målning, från och med 1000-talet, urskiljs trenden med yamato-e, som vi skrev om ovan. Sådana målningar är de horisontella rullarna som används för att illustrera böcker.
• Muromachis era. Under XIV-talet dök Supi-e-stilen (monokrom akvarell) upp, och under första hälften av XVII-talet. konstnärer började trycka gravyrer på brädor - ukiyo-e.
• Målningen från Azuchi-Momoyama-eran står i skarp kontrast till målningen från Muromachi-perioden. Den har en polykrom stil med omfattande användning av silver och under denna period åtnjöt Kano utbildningsinstitution stor prestige och berömmelse. Dess grundare var Kano Eitoku, som målade tak och skjutdörrar till separata rum. Sådana teckningar prydde den militära adelns slott och palats.
• Maiji-eran. Sedan andra hälften av 1800-talet har konsten delat upp sig i konkurrerande traditionella och europeiska stilar. Under Maiji-eran genomgick Japan stora sociala och politisk förändring i en moderniserings- och europeiseringsprocess organiserad av myndigheterna. Unga lovande konstnärer skickades utomlands för att studera, och utländska konstnärer kom till Japan för att skapa skolkonstprogram. Hur det än må vara, efter den första vågen av nyfikenhet om västerlandets konstnärliga stil, svängde pendeln in baksidan, och den japanska traditionella stilen återupplivades. 1880 förbjöds västerländsk konstpraktik från officiella utställningar och kritiserades hårt.

Poesi

Den konstnärliga kulturen i det antika Japan studeras fortfarande. Dess funktion är mångsidighet, vissa syntetiska material, eftersom den bildades under inflytande av olika religioner. Det är känt att japansk klassisk poesi växte fram ur vardagen, verkade inom det, och denna jordnära av den bevarades till viss del i de traditionella formerna av dagens poesi - treradig haiku och femradig tanka, som kännetecknas av en uttalad masskaraktär. Förresten, det är just denna egenskap som skiljer dem från den "fria versen" som drar sig mot elitism, som dök upp i Japan i början av 1900-talet under inflytande av europeisk poesi.

Har du märkt att utvecklingsstadierna för den konstnärliga kulturen i Japan är mångfacetterade? Poesi i samhället i detta land spelade en speciell roll. En av de mest kända genrerna är haiku, du kan bara förstå den genom att bekanta dig med dess historia.

Den dök upp först under Heian-eran, liknade rengastilen, som var ett slags utlopp för poeter som ville ta en paus från de eftertänksamma verserna i wah. Haikai har blivit oberoende genre på 1500-talet, eftersom renga blev för allvarlig och haiku förlitade sig på vardaglig och var fortfarande humoristisk.

Naturligtvis beskrivs den konstnärliga kulturen i Japan kortfattat i många verk, men vi kommer att försöka prata om det mer i detalj. Det är känt att en av de mest kända litterära japanska genrerna under medeltiden var tanka ("lakonisk sång"). I de flesta fall är detta en femradig, bestående av ett strofepar med ett fast antal stavelser: 5-7-5 stavelser på tre rader av den första strofen och 7-7 på två rader av den andra. När det gäller innehållet använder tankan följande schema: den första strofen representerar en specifik naturlig bild, och den andra återspeglar en persons känsla som ekar denna bild:

• I de avlägsna bergen
  Långsvansfasan slumrar -
  Denna långa, långa natt
  Kan jag sova ensam? ( Kakinomoto no Hitovaro, tidigt 800-tal, översatt av Sanovich.)

Japansk dramaturgi

Många hävdar att den konstnärliga kulturen i Kina och Japan är fascinerande. Gillar du scenkonst? Den traditionella dramaturgin i Land of the Rising Sun är uppdelad i joruri (dockteater), dramaturgi i Noh-teatern (kyogen och yokyoku), kabuki-teater och shingeki. Denna konsts seder inkluderar fem grundläggande teatraliska genrer: kyogen no, bugaku, kabuki och bunraku. Alla dessa fem traditioner finns kvar än idag. Trots de kolossala skillnaderna är de sammankopplade med gemensamma estetiska principer som ligger till grund för japansk konst. Förresten, Japans dramaturgi uppstod på scenen av nr.

Kabuki-teatern dök upp på 1600-talet och nådde sin höjdpunkt mot slutet av 1700-talet. Den form av föreställningar som utvecklades under den angivna perioden finns bevarad på den moderna scenen i Kabuki. Produktionerna av denna teater, i motsats till stadierna av No, fokuserade på en smal krets av beundrare av antik konst, är designade för masspubliken. Rötterna till Kabuki-färdigheter härrör från framträdanden av komiker - artister av små farser, scener som bestod av dans och sång. Den teatrala skickligheten hos Kabuki absorberade elementen i joruri och nr.

Kabuki-teaterns utseende är förknippat med namnet på arbetaren i den buddhistiska helgedomen O-Kuni i Kyoto (1603). O-Kuni uppträdde på scenen med religiösa danser, som innefattade rörelserna av folkdanserna i Nembutsu-odori. Hennes föreställningar varvades med komiska pjäser. I detta skede kallades produktionerna yujo-kabuki (kabuki av kurtisaner), o-kuni-kabuki eller onna-kabuki (damkabuki).

Gravyrer

Under förra seklet mötte européer, och sedan ryssar, fenomenet japansk konst genom gravyr. Under tiden, i Land of the Rising Sun, ansågs ritning på ett träd först inte alls vara en färdighet, även om det hade alla egenskaper hos masskultur - billighet, tillgänglighet, cirkulation. Ukiyo-e-kännare kunde uppnå högsta förståelighet och enkelhet både i förkroppsligandet av tomter och i deras val.

Ukiyo-e var en speciell konstskola, så hon kunde presentera ett antal framstående mästare. Således är namnet på Hisikawa Moronobu (1618-1694) förknippat med den inledande fasen av utvecklingen av tomtgravyr. I mitten av 1700-talet skapade Suzuki Harunobu, den första kännaren av flerfärgsgravyr. Huvudmotiven för hans arbete var lyriska scener, där uppmärksamhet inte ägnades åt handling, utan till överföring av stämningar och känslor: kärlek, ömhet, sorg. Liksom den utsökta antika konsten från Heian-eran återupplivade ukiyo-e-virtuoser den extraordinära kulten av kvinnors utsökta skönhet i en renoverad stadsmiljö.

Den enda skillnaden var att i stället för de stolta Heian-aristokraterna föreställde trycken graciösa geishor från nöjesdistrikten i Edo. Konstnären Utamaro (1753-1806) är kanske ett unikt exempel på en professionell i måleriets historia, som helt och hållet ägnade sitt skapande åt att avbilda kvinnor i olika poser och klänningar, under olika livsförhållanden. Ett av hans bästa verk är gravyren "Geisha Osama", som förvaras i Moskva, på Pushkins målerimuseum. Konstnären förmedlade ovanligt subtilt enheten av gest och stämning, ansiktsuttryck.

Manga och anime

Många konstnärer försöker studera Japans målning. Vad är anime (japansk animation)? Den skiljer sig från andra animationsgenrer genom att vara mer inställd på en vuxen tittare. Här finns en duplicerad uppdelning i stilar för en entydig målgrupp. Måttet på att krossa är könet, åldern eller det psykologiska porträttet av biobesökaren. Mycket ofta är anime en filmatisering av japanska mangaserier, som också fick stor berömmelse.

Den grundläggande delen av mangan är designad för en vuxen tittare. Enligt uppgifter från 2002 ockuperades cirka 20 % av hela den japanska bokmarknaden av mangaserier.

Japan ligger nära oss geografiskt, men trots detta förblev det under lång tid obegripligt och otillgängligt för hela världen. Idag vet vi mycket om detta land. En lång frivillig isolering har lett till att dess kultur skiljer sig helt från andra staters kulturer.

Japan är det minsta landet i Fjärran Östern - 372 tusen kvadratkilometer. Men det bidrag som Japan har gjort till världskulturens historia är inte mindre än bidraget från de stora forntida staterna.

Ursprunget till konsten i detta antika land går tillbaka till det 8:e årtusendet f.Kr. Men den viktigaste scenen på alla områden av dess konstnärligt liv det fanns en period som började på 600-700-talen från R.Kh. och fortsatte till mitten av 1800-talet. Utvecklingen av japansk konst fortskred ojämnt, men den kände inte till alltför skarpa förändringar eller kraftiga nedgångar.

Japansk konst utvecklades under speciella naturliga och historiska förhållanden. Japan ligger på fyra stora öar (Honshu, Hokkaido, Kyushu och Shioku) och många mindre. Under en lång tid hon var ointaglig och kände inte till yttre krig. Japans närhet till fastlandet påverkade etableringen av kontakter med Kina och Korea under antiken. Detta påskyndade utvecklingen av japansk konst.

Japansk medeltida konst växte under inflytande av koreanska och kinesiska kulturer. Japan anammade den kinesiska skriften och funktionerna i den kinesiska världsbilden. Buddhismen blev Japans statsreligion. Men japanerna bröts på sitt eget sätt kinesiska idéer och anpassade dem till deras sätt att leva.

Japanskt hus, japansk interiör
Det japanska huset är lika tydligt och enkelt på insidan som det är på utsidan. Det hölls ständigt rent. Golvet, polerat till en glans, var täckt med lätta halmmattor - tatami, som delade upp rummet i jämna rektanglar. Skor togs av vid tröskeln, saker förvarades i garderober, köket var skilt från bostaden. I rummen fanns som regel inga permanenta saker. De fördes in och fördes bort vid behov. Men varje sak i ett tomt rum, vare sig det är en blomma i en vas, en bild eller ett lackbord, väckte uppmärksamhet och fick en speciell uttrycksfullhet.

Alla typer av konst är förknippade med utformningen av utrymmet för ett hus, tempel, palats eller slott i det medeltida Japan. Var och en fungerade som ett komplement till den andra. Till exempel kompletterade och satte en skickligt utvald bukett igång den stämning som förmedlas i landskapsmålningen.

Samma oklanderliga precision, samma känsla för material, som i utsmyckningen av ett japanskt hus, kändes i produkterna av dekorativ konst. Inte utan anledning vid teceremonier, som den största juvelen, användes redskapen tillverkade av händer. Dess mjuka och ojämna kruka höll spåret av fingrar som skulpterade våt lera. Rosa-pärla, turkos-lila eller grå-blå glasyrer var inte catchy, men de kände utstrålningen av naturen själv, med vars liv varje föremål av japansk konst är förknippade med.

Japansk keramik
Oglaserade, handformade och brända vid låg temperatur, liknade lerkärl keramik från andra forntida folk. Men de hade redan funktioner som är unika för japansk kultur. Mönstren av kannor och fat i olika former återspeglade idéer om elementen i orkaner, hav och eldsprängda berg. Fantasin med dessa produkter verkade ha föranletts av naturen själv.

Massiva, nästan en meter höga kannor med ett påklistrat mönster av konvexa lerbuntar liknar antingen slingrande skal, eller grenade korallrev, eller tovor av alger, eller taggiga kanter av vulkaner. Dessa majestätiska och monumentala vaser och skålar tjänade inte bara hushållsändamål utan också rituella ändamål. Men i mitten av 1:a årtusendet f.Kr. bronsföremål kom till användning och keramiska redskap förlorade sitt rituella syfte.

Bredvid keramik dök nya produkter av konstnärligt hantverk upp - vapen, smycken, bronsklockor och speglar.

Japanska hushållsartiklar
På 800- till 1100-talen e.Kr. avslöjades den japanska aristokratins smaker inom den dekorativa konsten. Släta, fuktbeständiga lackartiklar, beströdda med guld- och silverpulver, lätta och eleganta, som om de lyser upp skymningen i japanska rum, och utgjorde ett stort utbud av vardagliga föremål. Lack användes för att skapa skålar och kistor, kistor och bord, musikinstrument. Varje liten sak i templet och vardagen - silverbestick för mat, vaser för blommor, mönstrat papper för bokstäver, broderade bälten - avslöjade japanernas poetiska och känslomässiga inställning till världen.

Japan målning
Med utvecklingen av monumental palatsarkitektur blev verksamheten hos målare i hovskolan mycket mer aktiv. Konstnärer var tvungna att måla stora ytor inte bara av väggar utan också av flerfaldiga pappersvikbara skärmar, som spelade rollen som både målningar och bärbara skiljeväggar i rummet. Ett inslag i det kreativa sättet hos begåvade hantverkare var valet av en stor, flerfärgad detalj av landskapet på det stora planet av en väggpanel eller skärm.

Kompositionerna av blommor, örter, träd och fåglar, utförda av Kano Eitoku på gyllene lysande bakgrunder med tjocka och saftiga fläckar, generaliserade idéer om universums kraft och prakt. Representanter för Kano-skolan, tillsammans med naturliga motiv, inkluderade i målningarna och nya ämnen som speglar livet och livet i den japanska staden på 1500-talet.

Det fanns också monokroma landskap på palatsets skärmar. Men de har en fantastisk dekorativ effekt. Sådan är skärmen målad av Sesshus anhängare, Hasegawa Tohaku (1539-1610). Dess vita matta yta tolkas av målaren som en tjock dimslöja, från vilken som visioner plötsligt silhuetter av gamla tallar bryter ut. Med bara några djärva bläckklatter skapar Tohaku en poetisk bild av en höstskog.

De monokroma landskapsrullarna, med sin mjuka skönhet, kunde inte matcha stilen i palatskammaren. Men de behöll sin betydelse som en oumbärlig del av chashitsu-tepaviljongen, designad för andlig koncentration och frid.

Konstverk av japanska mästare förblir inte bara trogna antika stilar, utan har också alltid något nytt i sig som inget annat konstverk har. I japansk konst finns det ingen plats för klichéer och mallar. I den, som i naturen, finns det inga två helt identiska skapelser. Och även nu kan konstverk av japanska mästare inte förväxlas med konstverk från andra länder. Inom japansk konst har tiden saktat ner, men den har inte stannat. Inom japansk konst har antikens traditioner överlevt till denna dag.

« En stor våg in Kanagawa" av Katsushika Hokusai (1760-1849) är en av de mest kända gravyrerna och det första arket i serien Thirty-six Views of Fuji. I början av 1830-talet började Katsushika Hokusai, på uppdrag av Eijudo-förlaget, skapa en serie på 46 ark (36 huvudblad och 10 ytterligare), och Den stora vågen utanför Kanagawa var en gravyr som öppnar hela serien.

Sådana samlingar av gravyrer fungerade som ett slags "virtuell resa" för den tidens stadsbor, ett bekvämt och billigt sätt att tillfredsställa nyfikenhet. Fuji-liknande tryck kostar cirka 20 månader - ungefär lika mycket som en dubbel portion nudlar på ett dåtida japanskt matställe. Framgången var dock så stor att 1838 hade kostnaden för Hokusais ark vuxit till nästan 50 månader, och efter mästarens död trycktes bara Wave från nya tavlor mer än 1000 gånger.

Överraskande nog, trots det uttalade temat för hela serien, verkar Fuji i The Wave spela en sekundär roll. Den huvudsakliga "karaktären" i denna gravyr är en våg, och i förgrunden utspelar sig en dramatisk scen av en mans kamp med elementen. Kanterna på skumkammen ser ut som de vridna fingrarna på en fantastisk arg demon, och ansiktslösheten och inaktiviteten hos de mänskliga figurerna i båtarna lämnar inga tvivel om vem som kommer att bli vinnaren i denna kamp. Det är dock inte denna konfrontation som är konflikten som skapar intrigen i gravyren.
Genom att stoppa ögonblicket efter vilket båtarna kraschar låter Hokusai betraktaren se Fuji ett ögonblick mot den grå himlen som mörknar mot horisonten. Även om japanska gravörer redan var bekanta med principerna för europeiskt linjärt och flygperspektiv vid den tiden, kände de inte behovet av denna teknik. Den mörka bakgrunden, såväl som ögats långa resa från förgrunden med båtar genom vågens rörelse till Fuji, övertygar ögat om att det heliga berget är skilt från oss av havets vidd.

Fuji reser sig långt från stranden som en symbol för stabilitet och beständighet, i motsats till de stormiga elementen. Motsatsernas enhet och ömsesidiga beroende ligger till grund för idén om kosmisk ordning och absolut harmoni i världsbilden i Fjärran Östern, och det var de som blev huvudtemat för gravyren "The Great Wave off Kanagawa", som inledde serien av Katsushika Hokusai.

"Beauty Nanivaya Okita" av Kitagawa Utamaro, 1795-1796

Kitagawa Utamaro (1753-1806) kan med rätta kallas sångare kvinnlig skönhet i japanskt tryck ukiyo-e: han skapade ett antal kanoniska bilder av japanska skönheter ( bijinga) - invånarna i tehus och det berömda nöjeskvarteret Yoshiwara i Japans huvudstad, Edo edo — namnet Tokyo fram till 1868..

I bijingagravyr är allt inte riktigt vad det verkar för den moderna betraktaren. Rikt klädda adliga damer sysslade i regel med ett skamligt hantverk och tillhörde underklassen, och gravyrer med skönhetsporträtt hade en öppet reklamfunktion. Samtidigt gav gravyren ingen uppfattning om flickans utseende, och även om Okita från Nanivaya-tehuset nära Asakusa-templet ansågs vara den första skönheten i Edo, är hennes ansikte i gravyren helt utan individualitet.

Sedan 900-talet har kvinnliga bilder i japansk konst varit föremål för minimalismens kanon. "Linje-öga, krok-näsa" - teknik hikime-kagihana tillät konstnären bara att indikera att en viss kvinna var avbildad: i japansk traditionell kultur utelämnades ofta frågan om fysisk skönhet. Hos kvinnor adlig börd"Hjärtats skönhet" och utbildning värderades mycket mer, och invånarna i de glada kvarteren strävade efter att imitera de högsta standarderna i allt. Enligt Utamaro var Okita verkligen vacker.

Arket "Beauty Nanivaya Okita" trycktes 1795-1796 i serien "Famous Beauties Likened to Six Immortal Poets", där en av författarna från 900-talet motsvarade varje skönhet. På arket med ett porträtt av Okita i det övre vänstra hörnet finns en bild av Arivara no Narihira (825-880), en av de mest vördade poeterna i Japan, till vilken romanen Ise Monogatari traditionellt tillskrivs. Denne ädle adelsman och lysande poet blev också känd för sina kärleksaffärer, av vilka några låg till grund för romanen.

Detta ark är en speciell användning av tekniken mitate(jämförelser) i japansk gravyr. Kvaliteterna hos en auktoritativ "prototyp" överförs till den avbildade skönheten, och den eleganta kurtisanen, med ett fridfullt ansikte som serverar gästen en kopp te, läses redan av betraktaren som en dam som är skicklig i poesi och kärleksgärningar. Jämförelsen med Arivara no Narihira var verkligen ett erkännande av hennes överlägsenhet bland Edo-skönheterna.

Samtidigt skapar Utamaro en överraskande lyrisk bild. Genom att balansera mörka och ljusa fläckar på bladet och skissera formen med melodiska, eleganta linjer, skapar han en verkligt perfekt bild av nåd och harmoni. "Reklam" avtar, och skönheten som Utamaro fångade förblir tidlös.

Skärm "Irises" av Ogata Korin, 1710-talet

Ett par irisskärmar med sex paneler - nu en nationell skatt i Japan - skapades av Ogata Korin (1658-1716) runt 1710 för Nishi Hongan-ji-templet i Kyoto.

Sedan 1500-talet har målning på väggpaneler och pappersdukar blivit en av de ledande genrerna inom dekorativ konst i Japan, och Ogata Korin, grundaren av Rinpa konstskola, var en av dess största mästare.

Skärmar i den japanska interiören spelade en viktig roll. De rymliga palatslokalerna skilde sig inte strukturellt från bostäderna hos en enkel japan: de hade nästan inga inre väggar, och utrymmet var zonerat med vikskärmar. Bara drygt en och en halv meter höga var skärmarna designade för den gemensamma japanska traditionen för alla klasser att leva på golvet. I Japan användes barnstolar och bord inte förrän på 1800-talet, och skärmens höjd, liksom kompositionen av dess målning, är utformad för att se en person som sitter på knä. Det är med denna synvinkel som en fantastisk effekt uppstår: irisarna verkar omge den sittande personen - och en person kan känna sig själv på stranden av floden, omgiven av blommor.

Iris är målade på ett icke-konturmässigt sätt - nästan impressionistiska, breda streck av mörkblått, lila och lila tempera förmedlar den frodiga storheten hos denna blomma. Den pittoreska effekten förstärks av det dova skimret av guld, mot vilket iris avbildas. Skärmarna föreställer ingenting annat än blommor, men deras kantiga växtlinje antyder att blommorna böjer sig runt flodens slingrande lopp eller sicksackarna från träbroar. Det skulle vara naturligt för japanerna att se en bro saknas på skärmen, en speciell "bro med åtta plankor" ( yatsuhashi), förknippad med iris i klassisk japansk litteratur. Romanen Ise Monogatari (800-talet) beskriver den sorgliga resan för en hjälte som fördrivits från huvudstaden. Efter att ha slagit sig ner med sitt följe för att vila på flodstranden nära Yatsuhashi-bron, minns hjälten, som ser iris, sin älskade och komponerar dikter:

min älskade i kläder
Graciöst där, i huvudstaden,
Kärlek kvar...
Och jag tänker med längtan hur mycket
Jag är långt ifrån henne... Översättning av N.I. Konrad.

"Så han vek, och alla fällde tårar på sitt torkade ris, så att det svällde av fukt," tillägger författaren och lyrisk hjälte berättande, Arivara no Narihira.

För en utbildad japaner var kopplingen mellan iris vid bron och Ise monogatari, iris och temat avskild kärlek tydlig, och Ogata Korin undviker verbositet och illustrativitet. Med hjälp av dekorativt måleri skapar han bara ett idealiskt utrymme fyllt av ljus, färg och litterära konnotationer.

Kinkakuji Golden Pavilion, Kyoto, 1397

Det gyllene templet är en av symbolerna för Japan, som ironiskt nog förhärligades mer av dess förstörelse än av dess konstruktion. 1950 satte en mentalt instabil munk i Rokuonji-klostret, som denna byggnad tillhör, eld på en damm som stod på ytan av
paviljong Under en brand 1950 förstördes templet nästan. Restaureringsarbetet i Kinkaku-ji började 1955, 1987 var återuppbyggnaden som helhet klar, men restaureringen av den helt förlorade inredningen fortsatte till 2003.. De verkliga motiven för hans handling förblev oklara, men i tolkningen av författaren Yukio Mishima var det den ouppnåeliga, nästan mystiska skönheten i detta tempel att skylla. Under flera århundraden ansågs Kinkakuji faktiskt vara symbolen för japansk skönhet.

År 1394 gick Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), som underkastade nästan hela Japan sitt testamente, formellt pension och bosatte sig i en specialbyggd villa i norra Kyoto. Den trevåningsbyggnaden vid den konstgjorda sjön Kyokoti ("sjöspegel") spelade rollen som ett slags eremitage, en avskild paviljong för avkoppling, läsning och bön. Den innehöll en samling målningar av shogunen, ett bibliotek och en samling buddhistiska reliker. Beläget på vattnet nära stranden, hade Kinkakuji endast båtkommunikation med stranden och var samma ö som de konstgjorda öarna med stenar och tallar utspridda runt Kyokoti. Idén om "de himmelska ön" lånades från kinesisk mytologi, där himmelsk boning tjänade som ön Penglai, de odödligas ö. Speglingen av paviljongen i vattnet väcker redan buddhistiska associationer till idéer om den dödliga världens illusoriska natur, vilket bara är en blek återspegling av den buddhistiska sanningens prakt.

Även om alla dessa mytologiska övertoner är spekulativa, ger platsen för paviljongen den en fantastisk harmoni och harmoni. Reflektion döljer byggnadens squatness, vilket gör den högre och smalare; samtidigt är det höjden på paviljongen som gör det möjligt att se den från vilken strand som helst av dammen, alltid mot en mörk bakgrund av grönska.

Det är dock inte helt klart hur gyllene denna paviljong var i sin ursprungliga form. Förmodligen, under Ashikaga Yoshimitsu, var det verkligen täckt med bladguld och ett skyddande lager av lack. Men om man tror på fotografierna från 1800- och början av 1900-talet och Yukio Mishima, så hade förgyllningen i mitten av 1900-talet nästan skalat av och dess rester var synliga endast på den övre delen av byggnaden. Vid den här tiden berörde han snarare själen med ödslighetens charm, tidens spår, obönhörlig till och med de vackraste sakerna. Denna melankoliska charm motsvarade den estetiska principen sabi mycket vördad i japansk kultur.

På ett eller annat sätt var prakten i denna byggnad inte alls i guld. Den utsökta strängheten i Kinkakujis former och dess oklanderliga harmoni med landskapet gör den till ett av mästerverken inom japansk arkitektur.

Skål "Iris" i stil med karatsu, XVI-XVII århundraden

Ordet meibutsu- en sak med ett namn. Denna skål har egentligen bara namnet, eftersom ingetdera exakt tid och platsen för dess skapelse eller mästarens namn har inte bevarats. Ändå är det listat bland de nationella skatterna i Japan och är ett av de ljusaste exemplen på keramik i nationell stil.

I slutet av 1500-talet, teceremonin cha-no-yuövergivet fint kinesiskt porslin och keramik med glasyrer som påminner om dyrbara material. Deras spektakulära skönhet verkade för konstlad och uppriktig för temästarna. Perfekta och dyra föremål - skålar, vattenkärl och tecaddies - motsvarade inte zenbuddhismens nästan asketiska andliga kanoner, i vilken anda teceremonin utvecklades. En verklig revolution inom te-action var vädjan till japansk keramik, mycket enklare och konstlös i en tid när verkstäderna i Japan precis hade börjat bemästra tekniken för kontinental keramik.

Formen på Iris-skålen är enkel och oregelbunden. Väggarnas lätta krökning, krukmakarens bucklor som syns över hela kroppen ger skålen en nästan naiv lätthet. Lerskärvan är täckt med ljus glasyr med ett nätverk av sprickor - craquelure. På framsidan, som tilltalar gästen under teceremonin, appliceras en bild av en iris under glasyren: teckningen är naiv, men utförd med en energisk pensel, exakt, som i en rörelse, i zens anda kalligrafi. Det verkar som att både formen och dekoren hade kunnat göras spontant och utan ansträngning av specialstyrkor.

Denna spontanitet speglar idealet wabi- enkelhet och konstlöshet, vilket ger upphov till en känsla av andlig frihet och harmoni. Varje person eller till och med ett livlöst föremål enligt japanska anhängare av zenbuddhismen har Buddhas upplysta natur, och adeptens ansträngningar syftar till att upptäcka denna natur i sig själv och världen omkring honom. De saker som användes i teceremonin borde, trots all sin klumpighet, ha framkallat en djup upplevelse av sanningen, varje ögonblicks relevans, tvingad att titta in i de mest vanliga former och se sann skönhet i dem.

Kontrasten till skålens grova konsistens och dess enkelhet är restaureringen med en liten flisad guldlack (denna teknik kallas kintsugi). Restaureringen genomfördes på 1700-talet och visar den vördnad med vilken japanska temästare behandlade redskap för teceremonin. Så teceremonin ger deltagarna ett "sätt" att upptäcka den sanna skönheten i saker, såsom Iris-skålen. Underförstått, sekretess har blivit grunden för det estetiska begreppet wabi och en viktig del av den japanska världsbilden.

Porträtt av munken Gandzin, Nara, 763

Under VIII-talet blev skulptur den huvudsakliga formen av konstnärligt uttryck för eran, Nara-eran (710-794), förknippad med bildandet av japanskt statsskap och stärkandet av buddhismen. Japanska mästare har redan passerat lärlingsstadiet och blind imitation av kontinentala tekniker och bilder och började fritt och levande uttrycka sin tidsanda i skulptur. Spridningen och tillväxten av buddhismens auktoritet orsakade uppkomsten av ett buddhistiskt skulpturporträtt.

Ett av mästerverken i denna genre är porträttet av Gandzin, skapat 763. Tillverkad i tekniken torr lack (genom att bygga upp lager av lack på en träram täckt med tyg), är skulpturen nästan naturlig storlek var realistiskt målad, och i templets halvmörker satt Ganjin i en meditationsställning "som om han levde". Denna naturtrogna karaktär var den huvudsakliga kultfunktionen för sådana porträtt: läraren var tvungen att alltid befinna sig inom väggarna i Todaiji-klostret i staden Nara och vara närvarande vid de viktigaste gudstjänsterna.

Senare, på 1000-1200-talen, nådde skulpturala porträtt en nästan skoningslös illusionism, som skildrade vördnadsvärda lärares senila svaghet, deras insjunkna munnar, slappa kinder och djupa rynkor. Dessa porträtt ser på buddhismens anhängare med levande ögon, inlagda med bergskristall och trä. Men Gandzins ansikte verkar suddigt, det finns inga tydliga konturer och tydliga former i det. Ögonlocken på halvslutna och okrossade ögon verkar svullna; den spända munnen och de djupa nasolabialvecken uttrycker vanemässig försiktighet snarare än koncentrationen av meditation.

Alla dessa funktioner avslöjar den dramatiska biografin om denna munk, historien om fantastisk askes och tragedier. Ganjin, en kinesisk buddhistmunk, bjöds in till Japan för invigningsceremonin av Naras största kloster, Todaiji. Skeppet tillfångatogs av pirater, ovärderliga rullar och buddhistiska skulpturer som var avsedda för ett avlägset japanskt tempel gick förlorade i elden, Ganjin brände hans ansikte och förlorade synen. Men han lämnade inte lusten att predika i civilisationens avlägsna utkanter – nämligen hur Japan uppfattades av kontinenten vid den tiden.

Flera försök att korsa havet slutade på samma misslyckade sätt, och först vid det femte försöket når den redan medelålders, blinde och sjuka Ganjin den japanska huvudstaden Nara.

I Japan lärde Ganjin inte ut buddhistisk lag på länge: de dramatiska händelserna i hans liv undergrävde hans hälsa. Men hans auktoritet var så hög att det antagligen redan före hans död beslutades att skapa hans skulptur. Utan tvekan sökte konstnärsmunkarna ge skulpturen så mycket likhet med modellen som möjligt. Men detta gjordes inte för att bevara en persons yttre utseende, utan för att fånga hans individuella andliga upplevelse, den svåra väg som Ganjin gick igenom och som den buddhistiska läran kallade.

Daibutsu - Stora Buddha från Todaiji-templet, Nara, mitten av 700-talet

I mitten av 800-talet drabbades Japan av naturkatastrofer och epidemier, och intrigerna från den inflytelserika familjen Fujiwara och det uppror de reste tvingade kejsar Shomu att fly från huvudstaden, staden Nara. I exil lovade han att följa buddhistiska läror och 743 beordrade byggandet av landets huvudtempel att börja och gjutningen av en kolossal bronsstaty Buddha Vairochana (Buddhas stora sol eller allt upplysande ljus). Denna gudom ansågs vara den universella inkarnationen av Buddha Shakyamuni, grundaren av buddhistiska läror, och var tänkt att bli garanten för skyddet av kejsaren och hela landet under perioden av oroligheter och uppror.

Arbetet började 745 och var modellerat efter den gigantiska Buddha-statyn i Longmen-grottans tempel nära den kinesiska huvudstaden Luoyang. Statyn i Nara, som vilken bild som helst av Buddha, var tänkt att visa "stora och små tecken på Buddha". Denna ikonografiska kanon inkluderade långsträckta örsnibbar, som påminner om det faktum att Buddha Shakyamuni kom från en furstlig familj och från barndomen bar tunga örhängen, en förhöjning på toppen av huvudet (ushnisha), en prick i pannan (urna).

Statyns höjd var 16 meter, ansiktets bredd var 5 meter, längden på den utsträckta handflatan var 3,7 meter och urnan var större än ett mänskligt huvud. Konstruktionen tog 444 ton koppar, 82 ton tenn och en enorm mängd guld, sökandet efter detta gjordes speciellt i norra delen av landet. En sal, Daibutsuden, uppfördes runt statyn för att skydda helgedomen. I sitt lilla utrymme fyller en lätt böjd sittande Buddha-figur hela utrymmet, vilket illustrerar ett av buddhismens huvudpostulat - tanken att gudomen är allestädes närvarande och allt genomträngande, den omfattar och fyller allt. Det transcendentala lugnet i ansiktet och gesten av gudomens hand (mudra, gesten att ge skydd) kompletterar känslan av Buddhas lugna storhet och kraft.

Men idag finns bara ett fåtal fragment kvar av den ursprungliga statyn: bränder och krig orsakade enorma skador på statyn på 1100- och 1500-talen, och den moderna statyn är huvudsakligen en gjutning från 1700-talet. Vid restaureringen av 1700-talet var bronsfiguren inte längre täckt med guld. Kejsar Shomus buddhistiska iver under 700-talet tömde praktiskt taget statskassan och förblödde det redan chockade landet, och de senare härskarna hade inte längre råd med sådana omåttliga utgifter.

Ändå ligger betydelsen av Daibutsu inte i guld och inte ens i tillförlitlig äkthet - själva idén med en sådan storslagen förkroppsligande av buddhistiska läror är ett monument över en era när japansk monumentalkonst upplevde en genuin blomning, frigjorde sig från blindkopiering av kontinentala prover och uppnådde integritet och uttrycksfullhet, som senare gick förlorade.

Japanerna upptäckte skönheten som gömdes i saker på 800-1100-talen, under Heian-eran (794-1185) och betecknade den till och med med det speciella konceptet "mono no aware" (物の哀れ (もののあわれ)), vilket betyder " sakers sorgliga charm. "Tingens charm" är en av de tidigaste definitionerna av skönhet i japansk litteratur, det är förknippat med shintotron att varje sak har sin egen gudom - kami - och sin egen unika charm. Avare är tingens inre väsen, det som orsakar glädje, spänning.

- Washi (wasi) eller wagami (wagami).
Manuell papperstillverkning. Medeltida japanska värderade washi inte bara för sina praktiska egenskaper utan också för sin skönhet. Hon var känd för sin subtilitet, nästan transparens, som dock inte berövade henne styrka. Washi är gjord av barken från kozo-trädet (mullbärsträdet) och några andra träd.
Washi-papper har bevarats i århundraden, bevis på detta är album och volymer av forntida japansk kalligrafi, målningar, skärmar, gravyrer som har kommit ner genom århundradena fram till idag.
Vasyas papper är fibröst, om du tittar genom ett mikroskop kommer du att se sprickor genom vilka luft och solljus tränger in. Denna kvalitet används vid tillverkning av skärmar och traditionella japanska lyktor.
Washi-souvenirer är mycket populära bland européer. Många små och användbara föremål är gjorda av detta papper: plånböcker, kuvert, fläktar. De är ganska hållbara men ändå lätta.

- Gohei.
Talisman från pappersremsor. Gohei - en rituell stav av en shintopräst, till vilken sicksackremsor av papper är fästa. Samma pappersremsor hängs vid ingången till en Shinto-helgedom. Pappers roll i Shinto har traditionellt sett varit mycket stor och pappersprodukter har alltid varit givna esoterisk betydelse. Och tron ​​på att varje sak, varje fenomen, till och med ord, innehåller en kami - en gudom - förklarar uppkomsten av en sådan typ av brukskonst som gohei. Shintoismen påminner lite om vår hedendom. För shintoister är kami särskilt villiga att bosätta sig i allt som är utöver det vanliga. Till exempel på papper. Och ännu mer i en gohei vriden till en intrikat sicksack, som idag hänger framför ingången till Shinto-helgedomarna och indikerar närvaron av en gudom i templet. Det finns 20 sätt att vika gohei, och de som är särskilt ovanligt vikta lockar kami. Gohei är övervägande vit till färgen, men guld, silver och många andra nyanser finns också. Sedan 900-talet har det funnits en sed i Japan att stärka gohei på sumobrottares bälten innan kampen börjar.

- Anesama.
Detta är tillverkning av pappersdockor. På 1800-talet tillverkade samurajfruar pappersdockor som barn lekte med och klädde dem i olika kläder. I tider när det inte fanns några leksaker var anesama den enda samtalspartnern för barn, och "utförde" rollen som mamma, äldre syster, barn och vän.
Dockan är vikt av japanskt washipapper, håret är gjort av skrynkligt papper, färgat med bläck och täckt med lim, vilket ger det en glans. Ett utmärkande drag är en fin liten näsa på ett avlångt ansikte. Idag fortsätter denna enkla leksak, som inte kräver annat än skickliga händer, traditionell i formen, att tillverkas på samma sätt som tidigare.

- Origami.
Den antika konsten att vika papper (折り紙, lit.: "vikt papper"). Konsten att origami har sina rötter i det antika Kina, där papper uppfanns. Ursprungligen användes origami i religiösa ceremonier. Under lång tid var denna typ av konst endast tillgänglig för representanter för överklassen, där ett tecken på god smak var innehavet av pappersvikningstekniker. Först efter andra världskriget gick origami bortom öst och kom till Amerika och Europa, där den omedelbart hittade sina fans. Klassisk origami viks från ett fyrkantigt pappersark.
Det finns en viss uppsättning konventionella symboler som krävs för att skissa vikningsschemat för även den mest komplexa produkten. De flesta av de konventionella tecknen sattes i praktiken i mitten av 1900-talet av den berömda japanska mästaren Akira Yoshizawa.
Klassisk origami föreskriver användningen av ett fyrkantigt jämnt färgat papper utan lim och sax. Moderna former konsterna avviker ibland från denna kanon.

- Kirigami.
Kirigami är konsten att klippa olika former från ett pappersark som är vikt flera gånger med hjälp av en sax. En typ av origami som tillåter användning av sax och pappersklippning i processen att göra modellen. Detta är huvudskillnaden mellan kirigami och andra pappersvikningstekniker, vilket betonas i namnet: 切る (kiru) - klipp, 紙 (gami) - papper. Vi älskade alla att skära snöflingor i barndomen - en variant av kirigami, du kan skära inte bara snöflingor utan också olika figurer, blommor, girlanger och andra söta papperssaker med denna teknik. Dessa produkter kan användas som schabloner för tryck, albumdekorationer, vykort, fotoramar, modedesign, inredning och andra olika dekorationer.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 eller いけばな) översatt från japanska språket- ike" - livet, "bana" - blommor eller "blommor som lever". Den japanska konsten att arrangera blommor är en av det japanska folkets vackraste traditioner. Vid sammanställning av ikebana, tillsammans med blommor, används avskurna grenar, löv och skott.Den grundläggande principen är utsökt enkelhet, för att uppnå vilket de försöker betona växternas naturliga skönhet. Ikebana är skapandet av en ny naturlig form, där skönheten i en blomma och skönheten i själen hos mästaren som skapar kompositionen kombineras harmoniskt.
Idag finns det fyra stora ikebanaskolor i Japan: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Utöver dem finns det ungefär tusen olika riktningar och trender som ansluter sig till en av dessa skolor.

- Oribana.
I mitten av 1600-talet utgick två skolor av ohara (huvudformen av ikebana - oribana) och koryu (huvudformen - sek) från ikenobo. Förresten, ohara-skolan studerar fortfarande bara oribanu. Som japanerna säger är det väldigt viktigt att origami inte förvandlas till origami. Gomi betyder skräp på japanska. När allt kommer omkring, som det händer, vek du ett papper, och vad ska du göra med det? Oribana erbjuder många idéer för buketter för att dekorera inredningen. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Misstag.
En typ av konst född ur blomsterhandel. Blomsterhandel dök upp i vårt land för åtta år sedan, även om det har funnits i Japan i mer än sexhundra år. Någon gång under medeltiden förstod samurajer vägen för en krigare. Och oshibana var en del av den vägen, precis som att skriva hieroglyfer och använda ett svärd. Innebörden av misstaget var att i tillståndet av total närvaro i ögonblicket (satori) skapade mästaren en bild av torkade blommor (pressade blommor). Då kan den här bilden fungera som en nyckel, en guide för dem som var redo att gå in i tystnaden och uppleva samma satori.
Kärnan i konsten att "oshibana" är att, genom att samla och torka blommor, örter, löv, bark under tryck och fästa dem på basen, skapar författaren med hjälp av växter ett verkligt verk av "målning". Det är med andra ord fel att måla med växter.
Blomsterhandlarnas konstnärliga kreativitet är baserad på bevarandet av formen, färgen och strukturen hos torkat växtmaterial. Japanerna har utvecklat en teknik för att skydda "oshibana"-målningar från att blekna och mörkna. Dess essens är att luft pumpas ut mellan glaset och bilden och det skapas ett vakuum som förhindrar att växterna förstörs.
Det lockar inte bara det okonventionella i denna konst, utan också möjligheten att visa fantasi, smak, kunskap om växternas egenskaper. Florister skapar ornament, landskap, stilleben, porträtt och berättelsemålningar.

- Bonsai.
Bonsai, som ett fenomen, dök upp för mer än tusen år sedan i Kina, men denna kultur nådde sin utvecklingstopp bara i Japan. (bonsai - japanska 盆栽 lit. "plantera i en kruka") - konsten att odla en exakt kopia av ett riktigt träd i miniatyr. Dessa växter odlades av buddhistiska munkar flera århundraden före vår tideräkning och blev därefter en av den lokala adelns verksamhet.
Bonsai prydde japanska hem och trädgårdar. Under Tokugawa-eran fick parkdesign en ny impuls: odlingen av azaleor och lönnar blev ett tidsfördriv för de rika. Dvärgväxtodling (hachi-no-ki - "träd i en kruka") utvecklades också, men dåtidens bonsai var mycket stora.
Nu används vanliga träd till bonsai, de blir små på grund av konstant beskärning och olika andra metoder. Samtidigt motsvarar förhållandet mellan storleken på rotsystemet, begränsat av skålens volym, och den markerade delen av bonsai proportionerna av ett vuxet träd i naturen.

- Mizuhiki.
Macrame analog. Detta är en gammal japansk brukskonst att knyta olika knutar från speciella snören och skapa mönster av dem. Sådana konstverk hade en extremt stor räckvidd - från presentkort och brev till frisyrer och handväskor. För närvarande används mizuhiki extremt flitigt i presentbranschen - för varje händelse i livet är det meningen att en gåva ska slås in och knytas på ett mycket specifikt sätt. Det finns extremt många knutar och kompositioner i konsten att mizuhiki, och inte alla japaner kan dem alla utantill. Naturligtvis finns det de vanligaste och enkla knutarna som används oftast: för gratulationer till ett barns födelse, för ett bröllop eller åminnelse, en födelsedag eller universitetsantagning.

- Kumihimo.
Kumihimo är ett japanskt flätat snöre. Vid vävning av trådar erhålls band och spetsar. Dessa snören är vävda på speciella maskiner - Marudai och Takadai. Marudai-maskinen används för att väva runda snören och Takadai för platta. Kumihimo på japanska betyder "väva rep" (kumi - väva, vika ihop, himo - rep, spets). Trots det faktum att historiker envist insisterar på att liknande vävning kan hittas bland skandinaverna och invånarna i Anderna, är den japanska konsten kumihimo verkligen en av de äldsta typerna av vävning. Det första omnämnandet av det går tillbaka till 550, då buddhismen spreds över hela Japan och speciella ceremonier krävde speciella dekorationer. Senare började kumihimo-snören användas som fixare för obi-bältet på en damkimono, som rep för att "packa" hela samurajerna av vapen (samurajerna använde kumihimo i dekorativa och funktionella syften för att knyta deras rustningar och hästrustningar) och även för att binda tunga föremål.
En mängd olika mönster av modern kumihimo vävs mycket enkelt på hemgjorda kartongvävstolar.

- Komono.
Vad finns kvar av en kimono efter att den har avtjänat sin tid? Tror du att det slängs? Inget sånt här! Japanerna kommer aldrig att göra det. Kimonos är dyra. Det är otänkbart och omöjligt att bara slänga det så... Tillsammans med andra typer av kimonoåtervinning gjorde hantverkarna små souvenirer av små strimlor. Det är små leksaker för barn, dockor, broscher, girlanger, damsmycken och andra produkter, den gamla kimonon används vid tillverkning av små söta saker, som tillsammans kallas "komono". Små saker som kommer att få sitt eget liv, som fortsätter på kimononens väg. Detta är vad ordet "komono" betyder.

- Kanzashi.
Konsten att dekorera hårspännen (oftast dekorerad med blommor (fjärilar etc.) gjorda av tyg (främst siden). Japansk kanzashi (kanzashi) är en lång hårnål för en traditionell japansk kvinnlig frisyr. De var gjorda av trä, lack, silver, sköldpaddsskal som används i traditionella kinesiska och japanska frisyrer. För cirka 400 år sedan, i Japan, förändrades stilen på kvinnors frisyrer: kvinnor slutade kamma sitt hår i den traditionella formen - taregami (långt rakt hår) och började styla det i intrikata och bisarra former - nihongami. använde olika föremål - hårnålar, pinnar, kammar.Det var då som även en enkel kushi kam-kam förvandlas till ett elegant tillbehör av extraordinär skönhet, som blir ett riktigt konstverk.Japanska kvinnors traditionella dräkt tillät inte handledssmycken och halsband, så frisyredekorationer var den främsta skönheten och fältet för självuttryck - samt demonstrerade smaken och tjockleken på ägarens plånbok. På gravyrerna kan man se - om man tittar noga - hur japanska kvinnor lätt hängde upp till tjugo dyra kanzashi i sina frisyrer.
Det finns nu ett uppsving i traditionen att använda kanzashi bland unga japanska kvinnor som vill lägga till sofistikering och elegans till sina frisyrer, moderna hårspännen kan prydas med bara en eller två läckra handgjorda blommor.

- Kinusaiga.
En fantastisk typ av handarbete från Japan. Kinusaiga (絹彩画) är en korsning mellan batik och lapptäcke. Huvudtanken är att nya målningar plockas ihop av gamla sidenkimonos - äkta konstverk.
Först gör konstnären en skiss på papper. Sedan överförs denna ritning till en träskiva. Konturen av mönstret skärs igenom med räfflor, eller räfflor, och sedan skärs små strimlor, matchande i färg och ton, från den gamla sidenkimonon, och kanterna på dessa strimlor fyller spåren. När man tittar på en sådan bild får man en känsla av att man tittar på ett fotografi, eller till och med bara tittar på landskapet utanför fönstret, de är så realistiska.

- Temari.
Dessa är traditionella japanska geometriska broderade bollar gjorda med enkla sömmar som en gång var en barnleksak och som nu har blivit en konstform med många fans, inte bara i Japan utan över hela världen. Man tror att dessa produkter för länge sedan tillverkades av samurajfruar för underhållning. I början användes de verkligen som en boll för ett bollspel, men så småningom började de förvärva konstnärliga element, förvandlades senare till dekorativa ornament. Den känsliga skönheten hos dessa bollar är känd i hela Japan. Och idag är färgglada, noggrant tillverkade produkter en av de typer av folkhantverk i Japan.

- Yubinuki.
Japanska fingerborg, när man syr eller broderar för hand, sätts de på mittfalangen på långfingret på den arbetande handen, med hjälp av fingertopparna får nålen den önskade riktningen och nålen trycks genom ringen på mitten finger i jobbet. Till en början gjordes japanska yubinuki fingerborgsringar helt enkelt - en remsa av tätt tyg eller läder ca 1 cm bred i flera lager lindades hårt runt fingret och fästes ihop med några enkla dekorativa stygn. Sedan yubinuks var nödvändigt ämne i varje hus började de dekoreras med geometriska broderier med sidentrådar. Från sammanflätningen av sömmar skapades färgglada och komplexa mönster. Yubinuki från ett enkelt hushållsföremål har också förvandlats till ett föremål för att "beundra", dekoration av vardagen.
Yubinuki används fortfarande i sömnad och broderi, men de kan också hittas helt enkelt på händerna på vilket finger som helst, som dekorativa ringar. Broderi i Yubinuki-stil används för att dekorera olika föremål i form av en ring - servettringar, armband, temari-ställ, dekorerade med yubinuki-broderier, och det finns också broderade nålsängar i samma stil. Yubinuki-mönster kan vara en bra inspiration för temari obi-broderi.

- Suibokuga eller sumie.
Japansk tuschmålning. Denna kinesiska målarstil antogs av japanska konstnärer på 1300-talet och i slutet av 1400-talet. blev huvudströmmen av måleri i Japan. Suibokuga är monokrom. Det kännetecknas av användningen av svart bläck (sumi), en fast form träkol eller gjord av sot av kinesiskt bläck, som mals i en bläckkruka, späds med vatten och appliceras med en pensel på papper eller siden. Monokrom erbjuder mästaren ett oändligt urval av tonala alternativ, som kineserna för länge sedan kände igen som bläckets "färger". Suibokuga tillåter ibland användning av riktiga färger, men begränsar det till tunna, genomskinliga streck som alltid förblir underordnade bläcklinjen. Bläckmålning delar kalligrafikonsten sådana väsentliga egenskaper som hårt kontrollerat uttryck och teknisk formbehärskning. Kvaliteten på bläckmålning beror, som i kalligrafi, på integriteten och motståndskraften mot sönderrivning av linjen som dragits med bläck, som liksom håller konstverket om sig självt, precis som ben håller vävnader om sig själva.

- Etegami.
Ritade vykort (e - bild, taggade - brev). Gör-det-själv-vykortstillverkning är i allmänhet en mycket populär aktivitet i Japan, och före semestern ökar dess popularitet ännu mer. Japanerna älskar att skicka vykort till sina vänner, och de älskar att ta emot dem också. Detta är en typ av snabbbrev på speciella ämnen, det kan skickas med post utan kuvert. Inte i etegami särskilda regler eller en tekniker, det kan vara vilken person som helst utan särskild utbildning. Etagami hjälper till att exakt uttrycka stämningen, intrycken, detta är ett handgjort vykort som består av en bild och ett kort brev, som förmedlar avsändarens känslor, såsom värme, passion, omsorg, kärlek, etc. De skickar dessa vykort för semestern och bara som det, som visar årstiderna, aktiviteterna, grönsaker och frukter, människor och djur. Ju enklare den här bilden är ritad, desto mer intressant ser den ut.

- Furoshiki.
Japansk inslagningsteknik eller konsten att vika tyg. Furoshiki kom in i japanernas liv under lång tid. Gamla rullar från Kamakura-Muromachi-perioden (1185 - 1573) har bevarats med bilder av kvinnor som bär buntar kläder insvepta i tyg på huvudet. Denna intressanta teknik har sitt ursprung så tidigt som 710 - 794 AD i Japan. Ordet "furoshiki" översätts bokstavligen till "badmatta" och är ett fyrkantigt tygstycke som användes för att slå in och bära föremål av alla former och storlekar.
Förr i tiden var det brukligt att gå i japanska bad (furo) i lätta bomullskimonos, som besökarna hade med sig hemifrån. Badaren hade också med sig en speciell matta (shiki) som han stod på när han klädde av sig. Efter att ha bytt om till en "badande" kimono, slog besökaren in sina kläder i en matta och efter badet lindade han in en våt kimono i en matta för att ta hem den. Därmed har badmattan blivit en multifunktionell väska.
Furoshiki är väldigt lätt att använda: tyget tar formen av föremålet som du slår in, och handtagen gör det lätt att bära lasten. Dessutom får en present som inte är inslagen i hårt papper, utan i ett mjukt, flerskiktigt tyg, en speciell uttrycksfullhet. Det finns många system för att vika furoshiki för alla tillfällen, vardagliga eller festliga.

- Amigurumi.
Den japanska konsten att sticka eller virka små gosedjur och humanoida varelser. Amigurumi (編み包み, lit.: "stickad-lindad") är oftast söta djur (som björnar, kaniner, katter, hundar etc.), små män, men de kan också vara livlösa föremål som har mänskliga egenskaper. Till exempel cupcakes, hattar, handväskor och annat. Amigurumi är stickad eller stickad eller virkad. På senare tid har virkade amigurumi blivit mer populära och vanligare.
stickad av garn i en enkel stickmetod - i en spiral och, till skillnad från den europeiska stickmetoden, är cirklarna vanligtvis inte sammankopplade. De är också virkade i en mindre storlek i förhållande till garntjockleken för att skapa ett mycket tätt tyg utan några mellanrum för att fyllningen ska komma ut. Amigurumi görs ofta av delar och sätts sedan ihop, med undantag för vissa amigurumi, som inte har lemmar, utan bara har ett huvud och en bål, som är en helhet. Lemmarna är ibland fyllda med plastbitar för att ge dem levande vikt, medan resten av kroppen är fylld med fiberfill.
Spridningen av amigurumi-estetik underlättas av deras söthet ("kawaii").