Зарубіжні художники доби відродження. Великі італійські художники епохи відродження

Сандро Боттічеллі(1 березня 1445 - 17 травня 1510) - глибоко релігійна людина, працював у всіх великих храмах Флоренції та в Сикстинській капелі Ватикану, проте в історії мистецтва залишився насамперед як автор великоформатних поетичних полотен на сюжети, натхненні класичною античністю, – «Весна» та «Народження Венери». .

Довгий час Боттічеллі знаходився в тіні гігантів Відродження, які працювали після нього, поки не був у середині XIXстоліття перевідкрито британськими прерафаелітами, які шанували тендітну лінеарність та весняну свіжість його зрілих полотен за найвищу точку у розвитку світового мистецтва.

Народився в сім'ї заможного городянина Маріано ді Ванні Філіпепі. Здобув гарну освіту. Навчався живопису у ченця Філіппо Ліппі і перейняв у нього ту пристрасність у зображенні зворушливих мотивів, якою відрізняються історичні картини Ліппі. Потім працював у відомого скульптора Верроккіо. У 1470 р. організує власну майстерню.

Тонкість і точність ліній він перейняв у свого брата, який був ювеліром. Деякий час навчався разом із Леонардо да Вінчі у майстерні Верроккьо. Оригінальна ж риса власного таланту Боттічеллі полягає у схильності до фантастичного. Він один із перших вніс у мистецтво свого часу античний міф та алегорію, і з особливою любов'ю працював над міфологічними сюжетами. Особливо ефектна його Венера, яка гола пливе морем у раковині, і боги вітрів обсипають її дощем із троянд, і женуть раковину до берега.

Найкращим творінням Боттічеллі вважають започатковані ним у 1474 році фрески в Сикстинській капелі Ватикану. Виконав безліч картин на замовлення Медічі. Зокрема, розписав прапор Джуліано Медічі, брата Лоренцо Чудового. У 1470-1480-х рр. портрет стає самостійним жанрому творчості Боттічеллі («Людина з медаллю», бл. 1474; «Юнак», 1480-ті рр.). Боттічеллі прославився своїм тонким естетичним смаком і такими творами, як «Благовіщення» (1489-1490), «Покинута» (1495-1500) і т.д. Останніми рокамисвого життя Боттічеллі, по всій видимості, залишив живопис.

Сандро Боттічеллі похований у фамільній гробниці в церкві Оньїсанті у Флоренції. Згідно із заповітом, його поховали поблизу могили Симонети Веспуччі, яка надихнула самі чудові образимайстри.

Леонардо ді сір П'єро да Вінчі(15 квітня 1452, селище Анкіано, біля містечка Вінчі, поблизу Флоренції - 2 травня 1519, - великий італійський художник (живописець, скульптор, архітектор) і вчений (анатом, дослідник природи), винахідник, письменник, один з найбільших представниківмистецтва Високого Відродження, яскравий приклад «універсальної людини». .

Нашим сучасникам Леонардо насамперед відомий як художник. Крім того, не виключено, що да Вінчі міг бути і скульптором: дослідники з університету Перуджі - Джанкарло Джентіліні і Карло Сісі - стверджують, що знайдена ними в 1990 році теракотова голова є єдиною скульптурною роботою Леонардо да Вінчі, що дійшла до нас. Однак сам да Вінчі в різні періоди свого життя вважав себе насамперед інженером чи вченим. Він віддавав образотворчому мистецтву небагато часу і працював досить повільно. Тому художня спадщинаЛеонардо кількісно не велике, а ряд його робіт втрачено або сильно пошкоджено. Однак його внесок у світову художню культурує виключно важливим навіть на тлі когорти геніїв, яку дало Італійське Відродження. Завдяки його роботам мистецтво живопису перейшло на якісно новий етапсвого розвитку. Попередні Леонардо художники Ренесансу рішуче відмовлялися багатьох умовностей середньовічного мистецтва. Це був рух у бік реалізму і багато вже було досягнуто у вивченні перспективи, анатомії, більшої свободи в композиційних рішеннях. Але в плані мальовничості, роботи з фарбою художники були ще досить умовні і скуті. Лінія на картині чітко окреслювала предмет і зображення мало вигляд розмальованого малюнка. Найбільш умовним був краєвид, який грав другорядну роль. .

Леонардо зрозумів і втілив нову мальовничу техніку. Він має право на розмитість, тому що так ми її бачимо. Він усвідомив явища розсіювання світла в повітрі та виникнення сфумато - серпанку між глядачем та зображеним предметом, що пом'якшує колірні контрасти та лінії. У результаті реалізм у живопису перейшов на якісно новий щабель. . відродження картина боттічеллі ренесанс

Рафаель Санті(28 березня 1483 - 6 квітня 1520) - великий італійський живописець, графік та архітектор, представник умбрійської школи.

Син живописця Джованні Санті пройшов початковий художній вишкіл в Урбіно у свого батька Джованні Санті, але вже в юному віці опинився в майстерні видатного художникаП'єтро Перуджіно. Саме художня моваі образність картин Перуджіно з їх тяжінням до симетричної врівноваженої композиції, ясністю просторового рішення та м'якістю у вирішенні колориту та освітлення зробили першочерговий вплив на манеру молодого Рафаеля.

Необхідно зазначити і те, що творчий почерк Рафаеля включав синтез прийомів та знахідок інших майстрів. Спочатку Рафаель спирався на досвід Перуджино, пізніше по черзі - на знахідки Леонардо да Вінчі, Фра Бартоломео, Мікеланджело. .

Ранні твори(«Мадонна Конестабіліз» 1502-1503) пройняті витонченістю, м'яким ліризмом. Земне буття людини, гармонію духовних та фізичних силпрославив у розписах кімнат Ватикану (1509-1517 роки), досягнувши бездоганного почуття міри, ритму, пропорцій, благозвучності колориту, єдності фігур та величних архітектурних фонів.

У Флоренції, зіткнувшись із творами Мікеланджело і Леонардо, Рафаель навчався вони анатомічно правильному зображенню людського тіла. У 25 років художник потрапляє до Риму, і з цього моменту починається період найвищого розквіту його творчості: він виконує монументальні розписи у Ватиканському палаці (1509-1511), серед яких безумовний шедевр майстра - фреска «Афінська школа», пише вівтарні композиціїі станкові картини, що відрізняються гармонійністю задуму та виконання, працює як архітектор (якийсь час Рафаель навіть керує будівництвом собору св. Петра). У невпинних пошуках свого ідеалу, що втілюється для художника в образі Мадонни, він створює найдосконаліший свій твір - «Сікстинську Мадонну» (1513), символ материнства та самозречення. Картини та розписи Рафаеля були визнані сучасниками, і незабаром Санті став центральною фігурою художнього життя Риму. Поріднитися з художником хотіли багато знатних людей Італії, у тому числі близький друг Рафаеля кардинал Біббієна. Художник помер у віці 37 років від серцевої недостатності. Незакінчені розписи вілли Фарнезини, Ватиканські лоджії та інші роботи були завершені учнями Рафаеля відповідно до його ескізів та малюнків.

Один із найбільших представників мистецтва Високого Відродження, для картин якого характерна підкреслена збалансованість та гармонійність цілого, врівноваженість композиції, розміреність ритму та делікатне використання можливостей кольору. Бездоганне володіння лінією та вміння узагальнювати та виділяти головне, зробило Рафаеля одним із найвидатніших майстрів малюнка всіх часів. Спадщина Рафаеля послужила одним із стовпів у процесі становлення європейського академізму. Прихильники класицизму - брати Карраччі, Пуссен, Менгс, Давид, Енгр, Брюллов і ще багато інших художників - звеличували спадщину Рафаеля як найдосконаліше явище у світовому мистецтві.

Тіціан Вечелліо(1476/1477 або 1480-е-1576) - італійський живописець епохи Відродження. Ім'я Тіціана стоїть в одному ряду з такими художниками Відродження, як Мікеланджело, Леонардо да Вінчі та Рафаель. Тіціан писав картини на біблійні та міфологічні сюжети, прославився він і як портретист. Йому робили замовлення королі та римські папи, кардинали, герцоги та князі. Тиціану був і тридцяти років, що його визнали найкращим живописцем Венеції.

За місцем народження (П'єве-ді-Кадоре в провінції Беллуно) його іноді називають так Кадоре; відомий також як Тиціан Божественний.

Тіціан народився в сім'ї Грегоріо Вечелліо, державного та військового діяча. У десятирічному віці був спрямований разом із братом до Венеції для навчання у відомого мозаїчиста Себастьяна Дзуккато. Через кілька років вступив учнем до майстерні Джованні Белліні. Навчався разом з Лоренцо Лотто, Джорджо да Кастельфранко (Джорджоне) та рядом інших художників, які згодом стали знаменитими.

У 1518 році Тиціан пише картину «Піднесення Богоматері», в 1515 році - Соломію з головою Іоанна Хрестителя. З 1519 по 1526 розписує ряд вівтарів, у тому числі вівтар сімейства Пезаро.

Тиціан прожив довге життя. До останніх дніввін не припиняв працювати. Свою останню картину, «Оплакування Христа», Тиціан написав для свого надгробка. Художник помер від чуми у Венеції 27 серпня 1576, заразившись від свого сина, доглядаючи за ним.

Імператор Карл V викликав Тиціана до себе і оточив пошаною та повагою і не раз говорив: «Я можу створити герцога, але де я візьму другого Тиціана». Коли одного разу художник упустив пензель, Карл V підняв її і сказав: «Послужити Тиціану почесно навіть імператору». І іспанський, і французький королі запрошували Тиціана до себе, оселитися при дворі, але художник, виконавши замовлення, завжди повертався до рідної Венеції. На честь Тиціана названо кратера на Меркурії. .

Італія – країна, яка завжди славилася художниками. Великі майстри, що колись жили в Італії, прославили мистецтво на весь світ. Можна сказати точно, що якби не італійські художники, скульптори та архітектори, світ сьогодні виглядав зовсім інакше. Найбільш значущим у італійське мистецтво, звичайно ж, вважається. Італія в епоху Відродження або Ренесансу досягла небувалого піднесення та розквіту. Талановиті художники, скульптори, винахідники, справжні генії, які з'явилися на той час, досі відомі кожному школяру. Їхнє мистецтво, творчість, ідеї, розробки сьогодні вважаються класикою, тим стрижнем, на якому побудовано світове мистецтво та культура.

Одним із самих відомих геніївіталійського відродження, звичайно ж, є великий Леонардо Да Вінчі(1452-1519). Так Вінчі був настільки обдарований, що досяг великого успіху в багатьох сферах діяльності, в тому числі, образотворчих мистецтвах та науці. Ще одним найвідомішим художником, який є визнаним майстром, є Сандро Боттічеллі(1445-1510). Картини Боттічеллі - це справжній дар людству. Сьогодні його щільна знаходяться в самих відомих музеяхсвіту і є по-справжньому безцінними. Не менш знаменитим, ніж Леонардо да Вінчі та Боттічеллі, є і Рафаель Санті(1483-1520), який прожив 38 років, і за цей час встиг створити цілий пласт приголомшливого живопису, який став одним із яскравих прикладів Раннього Відродження. Ще одним великим генієм італійського Відродження, без сумніву, є Мікеланджело Буонаротті(1475-1564). Крім живопису, Мікеланджело займався скульптурою, архітектурою та поезією, і досяг у цих видах мистецтва великих результатів. Статуя Мікеланджело під назвою Давид вважається неперевершеним шедевром, прикладом вищого досягнення мистецтва скульптури.

Крім художників, про яких йшлося вище, найбільшими художниками Італії епохи Відродження, стали такі майстри, як Антонелло да Мессіна, Джованні Белліні, Джорджоне, Тіціан, Паоло Веронезе, Якопо Тінторетто, Доменіко Фетті, Бернардо Строцці, Джованні Баттіста . Усі вони були яскравим прикладомчудовою венеціанської школиживопису. До Флорентійської школи італійського живописуналежать такі художники, як Мазаччо, Андреа дель Верроккьо, Паоло Уччелло, Андреа дель Кастаньо, Беноццо Гоццолі, Сандро Боттічеллі, Фра Анджеліко, Філіппо Ліппі, П'єро ді Козімо, Леонардо да Вінчі, Мікеланджело, Фра Баро.

Щоб перерахувати всіх художників, які працювали в епоху Відродження, а також за часів пізнього Відродження, і через століття, які стали відомі на весь світ і прославили мистецтво живопису, розробили основні принципи та закони, що лежать в основі всіх видів та жанрів образотворчих мистецтв, мабуть, знадобиться написати кілька томів, однак і цього списку достатньо, щоб зрозуміти, що Великі Італійські художники — це саме мистецтво, яке ми знаємо, яке ми любимо і яке будемо цінувати вічно!

Картини великих італійських художників

Андреа Мантенья - Фреска в Камері дельї Спозі

Джорджоне - Три філософи

Леонардо да Вінчі - Мона Ліза

Нікола Пуссен - Великодушність Сципіона.

Паоло Веронезе - Битва при Лепанто

Епоха відродження зародилася Італії. Свою назву вона набула завдяки різкому інтелектуальному та художньому розквіту, який розпочався у 14 столітті та дуже сильно вплинув на європейське суспільство та культуру. Ренесанс виражався у картинах, а й у архітектурі, скульптурі і літературі. Найвидатніші представники епохи відродження – це Леонардо да Вінчі, Боттічеллі, Тіціан, Мікеланджело та Рафаель.

У ці часи головною метою художників було реалістичне зображеннялюдського тіла, тому переважно вони малювали людей, зображували різні релігійні сюжети. Також було винайдено принцип перспективи, що відкрило перед художниками нові можливості.

Центром Ренесансу стала Флоренція, друге місце зайняла Венеція, а пізніше, ближче до 16 століття – Рим.

Леонардо відомий нам як талановитий живописець, скульптор, учений, інженер і архітектор епохи Відродження. Більшість свого життя Леонардо пропрацював у Флоренції, де створив чимало шедеврів, відомих у всьому світі. Серед них: "Мона Ліза" (інакше - "Джоконда"), "Дама з горностаєм", "Мадонна Бенуа", "Іоанн Хреститель" та "Св. Анна з Марією та немовлям Христом».

Цей митець впізнається завдяки унікальному стилю, який виробляв роками. Він також розмальовував стіни Сикстинської капели на особисте прохання папи Сикста IV. Відомі картини Боттічеллі писав на міфологічну тематику. До таких картин відноситься «Весна», «Паллада та Кентавр», «Народження Венери».

Тиціан був головою флорентійської школи художників. Після смерті свого вчителя Белліні Тіціан став офіційним, загальновизнаним художником Венеціанської республіки. Цей художник відомий своїми портретами на релігійні теми: «Піднесення Марії», «Дана», «Кохання земне та Любов небесна».

Італійський поет, скульптор, архітектор та художник зобразив чимало шедеврів, з яких – знаменита статуя Давида з мармуру. Ця статуя стала головною визначною пам'яткою у Флоренції. Мікеланджело розписав склепіння Сікстинської капели у Ватикані, що було великим замовленнямтата Юлія II. У період своєї творчості він більше уваги приділяв архітектурі, але подарував нам «Розп'яття Св. Петра», «Стан у труну», «Створення Адама», «Провісницю».

Його творчість формувалося під великим впливом Леонардо да Вінчі та Мікеланджело, завдяки яким він набув безцінного досвіду та майстерності. Розписував парадні зали у Ватикані, представляючи людську діяльністьта зображуючи різноманітні сцени з Біблії. Серед відомих картинРафаеля – « Сикстинська мадонна», «Три Грації», «Святий Михайло і диявол».

Іван Сергійович Церегородцев

Народи Європи прагнули відродження скарбів і традицій, втрачених через нескінченні винищувальні війни. Війни несли з лиця землі та людей, і те велике, що люди творили. Ідея відродити високу цивілізацію стародавнього світувикликала до життя філософію, літературу, музику, піднесення природничих наук і найбільше – розквіт мистецтва. Епоха зажадала сильних, освічених людей, які не бояться ніякої роботи. Саме в їхньому середовищі стала можливою поява тих небагатьох геніїв, яких називають «титанами Відродження». Тих самих, кого ми кличемо тільки на ім'я.

Епоха Відродження була передусім італійською. Тому не дивно, що саме в Італії мистецтво в цей період досягло найвищого піднесення та розквіту. Саме тут налічуються десятки імен титанів, геніїв, великих та просто талановитих художників.

МУЗИКА ЛЕОНАРДО.

Який щасливець! - Скажуть про нього багато хто. Був наділений рідкісним здоров'ям, прекрасний собою, високий, синьоокий. В юності носив біляві локони, гордою статтю нагадував Донателлова святого Георгія. Мав нечувану і відважну силу, чоловічу доблесть. Дивно співав, на очах слухачів складав мелодії та вірші. Грав на будь-якому музичному інструменті, навіть сам їх створював.

Для мистецтва Леонардо да Вінчі сучасники та нащадки ніколи не знаходили інших визначень, ніж «геніальне», «божественне», «велике». Ті ж слова відносять до його наукових одкровень: він вигадав танк, екскаватор, вертоліт, підводний корабель, парашут, автоматичну зброю, водолазний шолом, ліфт, вирішив найскладніші проблемиакустики, ботаніки, медицини, космографії, створив проект круглого театру, вигадав на сторіччя раніше, ніж Галілей, годинниковий маятник, намалював нинішні водні лижі, розробив теорію механіки.

Який щасливець! - скажуть про нього багато хто і будуть згадувати його улюблених князів і королів, які шукали з ним знайомства, видовища та свята, які він вигадував як художник, драматург, актор, архітектор, а веселився на них, як дитя.

Однак чи був щасливий невгамовний довгожитель Леонардо, чий щодня дарував людям і світові провидіння та осяяння? Він передчував жахливу долю своїх творінь: руйнування «Таємної вечері», розстріл пам'ятника Франческа Сфорца, низьку торгівлю та гидкі крадіжки його щоденників, робочих зошитів. Лише шістнадцять живописних робіт збереглося до наших днів. Небагато скульптур. Але безліч малюнків, закодованих креслень: як герої сучасної фантастики, він змінював деталь у своїй конструкції, ніби потім, щоб інший не міг нею скористатися.

Леонардо да Вінчі творив у різних видахта жанрах мистецтва, проте найбільшу славу йому приніс живопис.

Однією з ранніх живописних робіт Леонардо є «Мадонна з квіткою» або «Мадонна Бенуа». Вже тут художник постає як справжній новатор. Він долає рамки традиційного сюжету і надає зображенню ширший, загальнолюдський зміст, як материнська радість і любов. У цьому творі виразно проявилися багато особливостей мистецтва художника: чітка композиція фігур і об'ємність форм, прагнення лаконічності та узагальнення, психологічна виразність.

Продовженням розпочатої теми стало полотно «Мадонна Літта», де яскраво виявилася ще одна особливість творчості художника – гра на розмаїттях. Завершенням теми стала картина «Мадонна в гроті», в якій відзначено ідеальне композиційне рішення, завдяки якому зображені постаті Мадонни, Христа та ангелів зливаються з пейзажем у єдине ціле, наділене спокійною рівновагою та гармонією.

Однією з вершин творчості Леонардо є фреска. таємна вечеря» у трапезній монастиря Санта Марія Делла Граціє. Ця робота вражає як загальної композицією, а й точністю. Леонардо не просто передає психологічний стан апостолів, але робить це у момент, коли він досягає критичної точки, переходить у психологічний вибух та конфлікт. Цей вибух викликаний словами Христа: «Один із вас зрадить мене». У цьому вся творі Леонардо повною мірою використовував прийом конкретного зіставлення постатей, завдяки якому кожен персонаж постає як унікальна індивідуальність і особистість.

Другою вершиною творчості Леонарда став знаменитий портретМони Лізи, або "Джоконда". Цей твір започаткував жанр психологічного портретав європейському мистецтві. За його створення великий майстерз блиском використовував весь арсенал засобів художньої виразності: різкі контрасти та м'які півтони, застигла нерухомість та загальна плинність та мінливість, найтонші психологічні нюанси та переходи. Весь геній Леонардо укладений у дивовижно живому погляді Мони Лізи, її таємничої та загадковій посмішці, містичний серпанок покриває краєвид. Цей твір належить до рідкісних шедеврів мистецтва.

Усі, хто бачив у Москві привезену з Лувру «Джоконду», пам'ятають хвилини своєї повної глухоти біля цього невеликого полотна, напруги найкращого в собі самому. Джоконда здавалася "марсіанкою", представницею невідомого - мабуть, майбутнього, а не минулого людського племені, втіленням гармонії, про яку не втомився і ніколи не втомиться мріяти світ.

Ще багато можна розповісти про нього. Дивуючись, що це не вигадка і не фантазія. Ось, наприклад, можна згадати, як він запропонував пересунути собор Сан-Джованні, - така робота вражає і нас, жителів ХХ століття.

Леонардо говорив: « Гарний художникповинен уміти писати дві головні речі: людину та уявлення її душі. Чи це сказано про «Коломбін» з петербурзького Ермітажу? Деякі дослідники саме її, а не луврське полотно називають «Джокондою».

Хлопчик Нардо, так звали його у Вінчі: незаконнонароджений син літератури-нотаріуса, який вважав найкращими істотами на Землі птахів та коней. Коханий усіма і самотній, що згинав сталеві шпаги і малював повішених. Придумав міст через Босфор і ідеальне місто, більш прекрасний, ніж у Корбюзьє та Німейєра. Співаючи м'яким баритоном і змушував посміхатися Мону Лізу. В одному з останніх зошитів цей щасливець записав: «Мені здавалося, що я вчуся жити, але вчився я вмирати». Проте слідом підсумував: «Добре прожите життя – довге життя».

Чи можна не погодитись з Леонардо?

САНДРО БОТТИЧЕЛЛІ.

Сандро Боттічеллі народився у Флоренції в 1445 році в сім'ї дубильника шкіри.

Першою за часом оригінальною роботою Боттічеллі вважається «Поклоніння волхвів» (близько 1740), де вже цілком позначилася головна властивість його первісної манери - мрійливість і тонка поетичність. Він був обдарований природженим почуттям поетичності, але виразний наліт споглядального смутку прозирав у нього буквально у всьому. Навіть святий Себастьян, терзаний стрілами катувальників, дивиться в нього задумливо і відчужено.

Наприкінці 1470-х років Боттічеллі зблизився з колом фактичного правителя Флоренції Лоренцо Медічі, прозваного Чудовим. У розкішних садах Лоренцо збиралося суспільство людей, мабуть, найосвіченіших і найталановитіших у Флоренції. Там були філософи, поети, музиканти. Панувала атмосфера поклоніння перед красою, причому цінувалася не лише краса мистецтва, а й краса життя. Прообразом ідеального мистецтва та ідеального життя вважалася античність, сприйнята, проте, через призму пізніших філософських нашарувань. Без сумніву, під впливом цієї атмосфери було створено першу велика картинаБоттічеллі «Прімавера (Весна)». Це схожа на сновидіння, вишукана, дивовижно красива алегорія вічного круговороту, постійного оновлення природи. Її пронизує найскладніший і найвибагливіший музичний ритм. Фігура Флори, прибраної квітами, грацій, що танцювали, в райському саду являли собою ще не бачені в той час образи краси і тому справляли особливо чарівне враження. Молодий Боттічеллі відразу ж зайняв визначне місце серед майстрів свого часу.

Саме висока репутація молодого живописця забезпечила йому замовлення на біблійні фрески для Ватиканської Сикстинської капели, які він створив на початку 1480-х років у Римі. Він написав «Сцени з життя Мойсея», «Покарання Корея, Дафана та Авірона», виявивши дивовижну композиційну майстерність. Класичний спокій античних будов, на тлі яких Боттічеллі розгорнув дію, різко контрастує з драматичним ритмом зображених характерів і пристрастей; рух людських тіл складно, заплутаний, насичений вибуховою силою; складається враження струсу гармонії, беззахисності видимого світу перед стрімким натиском часу і людської волі. Фрески Сикстинської капели вперше висловили глибоку тривогу, яка жила в душі Боттічеллі, яка згодом міцніла. У цих же фресках позначився дивовижний талант Боттічеллі-портретиста: кожна з багатьох написаних осіб цілком своєрідна, неповторна і незабутня.

У 1480-х роках, повернувшись до Флоренції, Боттічеллі продовжував невтомно працювати, проте умиротворена ясність «Приклади» залишалася далеко позаду. У середині десятиліття він написав своє знамените Народження Венери. Дослідники відзначають у пізніх роботах майстра невластивий йому насамперед моралізм, релігійну екзальтацію.

Можливо, значніші, ніж пізній живопис, малюнки Боттічеллі 90-х років – ілюстрації до « Божественної комедії» Данте. Він малював з очевидним і неприхованим захопленням; бачення великого поета любовно і ретельно передані досконалістю пропорцій численних постатей, продуманою організацією простору, невичерпною винахідливістю у пошуку еквівалентів зорових поетичного слова…

Незважаючи на жодні душевні бурі та кризи Боттічеллі до самого кінця (він помер у 1510 році) залишався великим художником, володарем свого мистецтва. Про це ясно свідчить благородне ліплення обличчя у «Портреті молодого чоловіка», виразна характеристика моделі, що не залишає сумніву в її високих людських перевагах, твердий малюнок майстра та його доброзичливий погляд.

August 7th, 2014

Студенти художніх вузів та люди, які цікавляться історією мистецтв, знають, що на рубежі 14-15 століть у живописі стався різкий перелом – Ренесанс. Близько 1420-х років всі раптово стали значно краще малювати. Чому зображення раптом стали такими реалістичними та детальними, а в картинах з'явилося світло та об'єм? Про це довгий часніхто не замислювався. Поки Девід Хокні не взяв у руки лупу.

Давайте ж ми дізнаємося, що він виявив...

Одного разу він розглядав малюнки Жана Огюста Домініка Енгра (Jean Auguste Dominique Ingres) – лідера французької академічної школи 19 століття. Хокні стало цікаво подивитися його невеликі малюнки у більшому масштабі, і він їх збільшив на ксероксі. Ось так він натрапив на таємний бік історії живопису починаючи з Ренесансу.

Зробивши ксерокопії маленьких (приблизно 30 сантиметрів) малюнків Енгра, Хокні був вражений тим, наскільки вони є реалістичними. І ще йому здалося, ніби лінії Енгра йому щось
нагадують. Виявилося, що вони нагадують йому роботи Воргола. А Уорхол робив так - проектував фото на полотно та описував його.

Зліва: деталь малюнка Енгра. Праворуч: малюнок Мао Цзедуна Уорхола

Цікаві справи, каже Хокні. Судячи з усього Енгр використовував Camera Lucida - пристрій, який є конструкцією з призмою, яка кріпиться, наприклад, на стійці до планшета. Таким чином художник, дивлячись на свій малюнок одним оком, бачить реальне зображення, а іншим – власне малюнок та свою руку. Виходить оптична ілюзія, що дозволяє точно переносити реальні пропорції на папір. А це якраз і є «запорукою» реалістичності зображення.

Малювання портрета за допомогою камери-люциди, 1807

Потім Хокні не на жарт зацікавився цим «оптичним» виглядом малюнків та картин. У своїй студії він разом зі своєю командою розвішив по стінах сотні репродукцій картин, створених упродовж століть. Роботи, які виглядали «реально», та ті, які не виглядали. Розташувавши за часом створення, і регіонам – північ нагорі, південь унизу, Хокні з командою побачив різкий перелом у живописі на рубежі 14-15 століть. Це взагалі всім, хто хоч трохи знає про історію мистецтва, відомо - Ренесанс.

Може вони користувалися тією камерою-люцидою? Вона була запатентована в 1807 Вільямом Хайдом Волластоном. Хоча, насправді такий пристрій описується Йоханесом Кеплером ще 1611 року у його праці Dioptrice. Тоді, можливо, вони користувалися іншим оптичним пристроєм – камерою-обскурою? Адже вона відома ще з часів Аристотеля і є темною кімнатою, в яку крізь невеликий отвір потрапляє світло і таким чином у темній кімнаті виходить проекція того, що перед отвором, але в перевернутому вигляді. Все б нічого, але те зображення, яке виходить при проекції камерою-обскурою без лінзи, м'яко кажучи, не якісне, воно не чітке, йому потрібно дуже багато яскравого світла, не кажучи вже про розміри проекції. Але якісні лінзи було практично неможливо виготовити аж до 16 століття, оскільки не існувало на той час способів отримати таке якісне скло. Справи, подумав Хокні, який до того моменту вже бився над проблемою разом із фізиком Чарльзом Фалком.

Проте є картина Ян Ван Ейка, майстра з Брюгге, фламандського живописця доби раннього відродження, - у якій схована підказка. Картина називається "Портрет Чети Арнольфіні".

Ян Ван Ейк «Портрет Чети Арнольфіні» 1434

Картина просто блищить величезною кількістю деталей, що досить цікаво, адже вона написана лише 1434 року. І підказкою про те, яким чином автору вдалося зробити такий великий крок уперед у реалістичності зображення, є дзеркало. А також свічник – неймовірно складний та реалістичний.

Хокні розпирала цікавість. Він добув копію такої люстри і спробував намалювати її. Художник зіткнувся з тим, що таку складну штуку складно намалювати у перспективі. Ще одним важливим моментомбула матеріальність зображення цього металевого предмета. При зображенні сталевого предмета дуже важливо розмістити відблиски якомога реальніше, оскільки це надає величезну реалістичність. Але проблема з цими відблисками в тому, що вони рухаються, коли рухається погляд глядача чи художника, тобто сфотографувати їх взагалі непросто. І реалістичне зображення металу та відблисків - це теж відмінна рисакартин Ренесансу, до цього митці навіть не намагалися цього робити.

Відтворивши точну тривимірну модель люстри, команда Хокні переконалася, що люстра на картині «Портрет Чети Арнольфіні» намальована точно в перспективі з однією точкою сходу. Але проблема в тому, що таких точних оптичних інструментів, як камера-обскура з лінзою, не існувало ще приблизно століття після створення картини.

Фрагмент картини Яна Ван Ейка ​​"Портрет Чети Арнольфіні" 1434

На збільшеному фрагменті видно, що дзеркало на картині "Портрет Чети Арнольфіні" опукле. А значить були й дзеркала навпаки – увігнуті. Навіть більше того, у ті часи такі дзеркала робилися таким чином - бралася скляна сфера, і її дно покривалося сріблом, потім усе, крім дна, відсікалося. Задня сторона ж дзеркала не затемнялася. Значить увігнутим дзеркалом Яна Ван Ейка ​​могло бути те саме дзеркало, яке зображене на картині, просто з зворотного боку. І будь-який фізик знає, що таке дзеркало при відображенні проектує картинку відображуваного. Ось тут із розрахунками та дослідженнями і допоміг Девіду Хокні його знайомий фізик Чарльз Фалко.

Увігнуте дзеркало проектує на полотно зображення вежі за вікном.

Розмір чіткої, сфокусованої частини проекції приблизно 30 квадратних сантиметрів - а це розмір голів на безлічі портретів епохи Відродження.

Хокні описує проекцію людини на полотні

Це розмір наприклад портрета «Дожа Леонардо Лоредана» авторства Джованні Белліні (1501), портрета чоловіка авторства Робера Кампена (1430), власне портрета Яна Ван Ейка ​​«чоловік у червоному тюрбані» та ще безлічі ранніх голландських портретів.

Портрети епохи Відродження

Живопис був високооплачуваною роботою, і, природно, всі секрети бізнесу зберігалися в найсуворішій таємниці. Художнику було вигідно, щоб усі непосвячені люди вважали, що секрети в руках майстра та їх не вкрасти. Бізнес був закритим для сторонніх - художники перебували в гільдії, в ній же були різні майстри - від тих хто робив сідла до тих хто робив дзеркала. І в Гільдії Святого Луки (Guild of Saint Luke), заснованої в Антверпені і вперше згадуваної в 1382 (потім подібні гільдії відкрилися в багатьох північних містах, і однією з найбільших була гільдія в Брюгге - місті де жив Ван Ейк) теж були майстри, які виготовляли дзеркала.

Так Хокні відтворив те, як можна намалювати складну люстру з картини Ван Ейка. Зовсім не дивно, що розмір спроектованої Хокні люстри точно збігається з розмірами люстри на картині "Портрет Чети Арнольфіні". Ну і звичайно відблиски на металі – на проекції вони стоять на місці і не змінюються, коли митець змінює становище.

Але проблема все ще не вирішена повністю, адже до появи якісної оптики, яка потрібна для використання камери-обскури, залишалося 100 років, а розмір проекції, яка отримується за допомогою дзеркала, дуже малий. Як писати картини більше розміру 30 квадратних сантиметрів? Вони створювалися як колаж - з безлічі точок зору, виходив такий кулястий зір з безліччю точок сходу. Хокні зрозумів це, оскільки сам займався такими картинками - він робив безліч фото-колажів, в яких досягається такий самий ефект.

Майже через століття, у 1500-х нарешті стало можливим отримати і добре обробити скло - з'явилися великі лінзи. А їх можна було нарешті вставити в камеру-обскуру, принцип дії якої був відомий ще з давніх-давен. Камера-обскура з лінзою була неймовірною революцією у візуальному мистецтві, оскільки тепер проекція могла бути будь-якого розміру. І ще один момент тепер зображення було не «ширококутним», а приблизно нормального аспекту - тобто приблизно таким, яке воно сьогодні при фотографії з лінзою з фокусною відстанню 35-50мм.

Однак проблема у використанні камери-обскури з лінзою полягає в тому, що пряма проекція з дзеркальної лінзи. Це призвело до великої кількості шульг у живопису на ранніх етапах використання оптики. Як на цій картині з 1600-х з музею Франса Халса, де танцює пара шульг, їм загрожує пальцем ліворукий старий, а під сукню жінки заглядає ліворука мавпочка.

На цій картині все шульги

Проблема вирішується встановленням дзеркала, в яке спрямована лінза, таким чином виходить правильна проекція. Але судячи з усього, гарне рівне і велике дзеркало коштувало чималих грошей, тож було не в усіх.

Ще однією проблемою було фокусування. Справа в тому, що деякі частини картинки при одному положенні полотна під променями проекції були не у фокусі, не чіткими. На роботах Яна Вермеєра, де цілком очевидно видно використання оптики, його роботи взагалі виглядають як фотографії, можна також помітити місця не у «фокусі». Видно навіть малюнок, який дає лінза - горезвісне «боке». Як, наприклад, тут, на картині «Молочниця» (1658) кошик, хліб у ньому і синя вазочка не у фокусі. Адже людське око не може бачити «не у фокусі».

Деякі деталі картини не у фокусі

І у світлі всього цього зовсім не дивно, що добрим другомЯна Вермеєра був Антоній Філіпс ван Левенгук, вчений та мікробіолог, а також унікальний майстер, що створював власні мікроскопи та лінзи. Вчений став посмертним розпорядником художника. А це дозволяє припустити, що Вермеєр зобразив саме свого друга на двох полотнах – «Географ» та «Астроном».

Для того, щоб побачити якусь частину у фокусі, потрібно змінити положення полотна під променями проекції. Але в такому разі з'являлися помилки у пропорціях. Як видно тут: величезне плече «Антеї» Парміджаніно (близько 1537), маленькій голові «леді ​​Дженовезе» Антоніса Ван Дейка (1626), величезним ногам селянина на картині Жоржа де Ла Тура.

Помилки у пропорціях

Безперечно, всі художники використовували лінзи по-різному. Хтось для начерків, хтось складав із різних частин - адже тепер можна було зробити портрет, а все інше дописати з іншою моделлю або взагалі з манекеном.

Майже не залишилося малюнків і Веласкес. Однак залишився його шедевр - портрет папи Інокентія 10-го (1650). На мантії тата - очевидно шовкової, - чудова гра світла. Бліків. І щоб написати все це з одного погляду, треба було дуже постаратися. А якщо зробити проекцію, то вся ця краса нікуди не втече - відблиски більше не рухаються, можна писати саме тими широкими і швидкими мазками як у Веласкеса.

Хокні відтворює картину Веласкеса

Згодом камеру-обскуру змогли дозволити собі багато художників, і це перестало бути великим секретом. Каналетто активно використовував камеру для створення своїх видів Венеції та не приховував цього. Ці картини, завдяки своїй точності, дозволяють говорити про Каналетто як документаліста. Завдяки Каналетто можна побачити не просто Гарну картинку, А й саму історію. Можна побачити, яким був перший Вестмінстерський міст у Лондоні 1746 року.

Каналетто "Вестмінстерський міст" 1746 р.

Британський художник Сер Джошуа Рейнольдс володів камерою-обскурою і, мабуть, нікому про це не говорив, адже його камера складається і виглядає як книга. Сьогодні вона знаходиться у Лондонському науковому музеї.

Камера-обскура, замаскована під книгу

Нарешті на початку 19 століття Вільям Генрі Фокс Телбот, скориставшись камерою-люцидою - тією самою, в яку треба дивитися одним оком, а малювати руками, вилаявся, вирішивши що з такою незручністю треба покінчити раз і назавжди, і став одним із винахідників хімічної фотографії, а пізніше популяризатором, який зробив її масовою.

З винаходом фотографії монополія живопису на реалістичність картинки зникла, тепер фото стало монополістом. І ось тут нарешті живопис звільнився від лінзи, продовживши той шлях, з якого згорнув у 1400-х, і Ван Гог став предтечею всього мистецтва 20 століття.

Зліва: Візантійська мозаїка 12 ст. Справа: Вінсент Ван Гог «Портрет пана Трабука» 1889

Винахід фотографії - це найкраще, що сталося з живописом за її історію. Більше не потрібно було створювати винятково реальні зображення, художник став вільним. Звичайно, публіці знадобилося ціле століття, щоб наздогнати художників у розумінні візуальної музики та перестати вважати людей на кшталт Ван Гога «божевільними». При цьому художники стали активно користуватися фотографіями як довідкового матеріалу». Потім уже з'явилися такі люди, як Василь Кандинський, російський авангард, Марк Ротко, Джексон Поллок. Після живописом звільнилася і архітектура, скульптура і музика. Правда російська академічна школа живопису застрягла в часі, і сьогодні досі в академіях та училищах вважається ганьбою використання фотографії на допомогу, а найвищим подвигом вважається суто технічне вміння малювати якомога реалістичніше голими руками.

Завдяки статті журналіста Лоуренса Вешлера, який був присутній під час досліджень Девіда Хокні та Фалко, з'ясовується ще один цікавий факт: портрет подружжя Арнольфіні пензля Ван Ейка ​​- це портрет італійського купця у Брюгге Містер Арнольфіні - Флорентієць і навіть представник банку Медічі (практично господарі Флоренції часів Ренесансу, вважаються покровителями мистецтва на той час Італії). А це свідчить про що? Про те, що він запросто міг відвезти секрет гільдії Святого Луки – дзеркало – з собою, у Флоренцію, в якій, як вважається у традиційній історії, і розпочався Ренесанс, а художників із Брюгге (і відповідно й інших майстрів) вважають «примітивістами».

Навколо теорії Хокні-Фалко безліч суперечок. Але зерно істини у ній, безумовно, є. Що стосується мистецтвознавців, критиків та істориків - навіть уявити важко, скільки наукових працьз історії та мистецтва насправді виявилися повною нісенітницею, це ж змінює всю історію мистецтва, всі їхні теорії та тексти.

Факти використання оптики анітрохи не применшують талантів художників – адже техніка це засіб передачі того, що хоче художник. І навпаки, те, що в цих картинах є сама справжня реальність, щойно додає їм ваги - адже саме так виглядали люди того часу, речі, приміщення, міста. Це справжнісінькі документи.