Komposisi altar lukisan Belanda abad ke-15. Lukisan Flemish Bagaimana Adegan Alkitab Dipindahkan ke Kota Flemish

Budaya Belanda pada abad ke-15 bersifat religius, tetapi perasaan religius memiliki kemanusiaan dan individualitas yang lebih besar daripada di Abad Pertengahan. Mulai saat ini, gambar sakral memanggil pemuja tidak hanya untuk beribadah, tetapi juga untuk pengertian dan empati. Yang paling umum dalam seni adalah plot yang terkait dengan kehidupan duniawi Kristus, Bunda Allah dan Orang Suci, dengan kekhawatiran, kegembiraan dan penderitaan mereka, yang diketahui dan dimengerti oleh setiap orang. Agama tetap diberi tempat utama, banyak orang yang hidup menurut hukum gereja. Komposisi altar yang ditulis untuk gereja Katolik sangat umum, karena pelanggannya adalah Gereja Katolik, yang menempati posisi dominan dalam masyarakat, meskipun kemudian era Reformasi mengikuti, yang membagi Belanda menjadi dua kubu yang bertikai: Katolik dan Protestan, iman tetap ada. tempat pertama, yang berubah secara signifikan hanya di Pencerahan.

Di antara penduduk kota Belanda ada banyak orang seni. Pelukis, patung, pemahat, pembuat perhiasan, pembuat kaca patri adalah bagian dari berbagai bengkel bersama dengan pandai besi, penenun, pembuat tembikar, pencelup, peniup kaca, dan apoteker. Namun, pada masa itu, gelar "master" dianggap sebagai gelar yang sangat terhormat, dan para seniman menyandangnya dengan martabat yang tidak kalah dengan perwakilan dari yang lain, lebih biasa (menurut pendapat manusia modern) profesi. Seni baru ini berasal dari Belanda pada akhir abad ke-14. Itu adalah era seniman keliling yang mencari guru dan pelanggan di negeri asing. Para master Belanda terutama tertarik oleh Prancis, yang mempertahankan ikatan budaya dan politik yang telah berlangsung lama dengan tanah air mereka. Untuk waktu yang lama, seniman Belanda hanya menjadi murid yang rajin dari rekan Prancis mereka. Pusat utama kegiatan para empu Belanda pada abad XIV adalah istana kerajaan Paris - pada masa pemerintahan Charles V the Wise (1364-1380), tetapi sudah pada pergantian abad, istana dari dua bersaudara ini raja menjadi pusat: Jean dari Prancis, Adipati Berry, di Bourges dan Philip yang Berani, Adipati Burgundia, di Dijon, di istana siapa untuk waktu yang lama dikerjakan oleh Jan van Eyck.

Para seniman Renaisans Belanda tidak berjuang untuk pemahaman rasionalistik tentang pola umum makhluk, mereka jauh dari minat ilmiah dan teoretis serta hasrat terhadap budaya kuno. Tetapi mereka berhasil menguasai transfer kedalaman ruang, atmosfer yang dipenuhi cahaya, fitur terbaik dari struktur dan permukaan objek, mengisi setiap detail dengan spiritualitas puitis yang dalam. Berdasarkan tradisi Gotik, mereka menunjukkan minat khusus pada penampilan individu seseorang, pada struktur dunia spiritualnya. Perkembangan progresif seni Belanda pada akhir abad ke-15 dan ke-16. terkait dengan daya tarik dunia nyata dan kehidupan rakyat, pengembangan potret, elemen genre rumah tangga, lanskap, benda mati, dengan minat yang meningkat pada cerita rakyat dan gambar rakyat memfasilitasi transisi langsung dari zaman Renaisans ke prinsip-prinsip seni XVII abad.

Itu di abad XIV dan XV. menjelaskan asal dan perkembangan gambar altar.

Awalnya, kata altar digunakan oleh orang Yunani dan Romawi untuk dua papan tulis yang dilapisi lilin dan disatukan yang berfungsi sebagai buku catatan. Mereka terbuat dari kayu, tulang atau logam. Bagian dalam lipatan dimaksudkan untuk catatan, bagian luarnya dapat ditutup dengan berbagai macam dekorasi. Altar juga disebut altar, tempat suci untuk pengorbanan dan doa kepada dewa di udara terbuka. Pada abad ke-13, selama masa kejayaan seni Gotik, seluruh bagian timur kuil, yang dipisahkan oleh penghalang altar, juga disebut altar, dan di gereja Ortodoks sejak abad ke-15, ikonostasis. Altar dengan pintu yang dapat dipindahkan merupakan pusat ideologis interior kuil, yang merupakan inovasi dalam seni Gotik. Komposisi altar paling sering ditulis menurut subjek alkitabiah, sedangkan ikon dengan wajah orang suci digambarkan di ikonostasis. Ada komposisi altar seperti diptych, triptych, dan polyptych. Diptych memiliki dua, triptych memiliki tiga, dan polyptych memiliki lima bagian atau lebih yang dihubungkan oleh tema umum dan desain komposisi.

Robert Campin - seorang pelukis Belanda, juga dikenal sebagai Master of Flemal dan Merode Altarpiece, menurut dokumen yang masih ada, Campin, seorang pelukis dari Tournai, adalah guru dari Rogier van der Weyden yang terkenal. Karya Kampen yang paling terkenal adalah empat fragmen altar, yang sekarang disimpan di Institut Seni Städel di Frankfurt am Main. Tiga di antaranya diyakini berasal dari Abbey of Flemal, setelah itu penulis menerima nama Master of Flemal. Triptych, yang sebelumnya dimiliki oleh Countess Merode dan berlokasi di Tongerloo di Belgia, memunculkan julukan lain untuk artis tersebut - Master of the Altar of Merode. Saat ini altar ini berada di Metropolitan Museum of Art (New York). Kuas Campin juga milik Kelahiran Kristus dari museum di Dijon, dua sayap dari apa yang disebut Verl Altarpiece, disimpan di Prado, dan sekitar 20 lukisan lainnya, beberapa di antaranya hanya potongan-potongan karya besar atau salinan modern karya lama hilang untuk Guru.

Altar Merode adalah karya yang sangat penting untuk perkembangan realisme dalam lukisan Belanda dan, khususnya, untuk komposisi gaya potret Belanda.

Dalam triptych ini, di depan mata pemirsa, sebuah hunian perkotaan kontemporer tampak bagi seniman dalam semua keaslian yang nyata. Komposisi sentral yang berisi adegan Kabar Sukacita menggambarkan ruang tamu utama rumah. Di sayap kiri Anda bisa melihat halaman yang dipagari dengan dinding batu dengan tangga serambi dan terbuka pintu depan mengarah ke rumah. Di sayap kanan ada ruang kedua, tempat bengkel pertukangan pemilik berada. Ini dengan jelas menunjukkan jalan yang ditempuh Master dari Flemal, menerjemahkan kesan kehidupan nyata ke dalam gambar artistik; secara sadar atau intuitif, tugas ini menjadi tujuan utama dari tindakan kreatif yang dilakukannya. Master dari Flemal menganggap tujuan utamanya adalah penggambaran adegan Kabar Sukacita dan penggambaran sosok pelanggan saleh yang menyembah Madonna. Namun pada akhirnya, itu melebihi prinsip hidup konkret yang tertanam dalam gambar, yang membawa ke zaman kita dalam kesegaran primordialnya citra realitas manusia yang hidup, yang dulunya untuk orang-orang di negara tertentu, era tertentu, dan sosial tertentu. status, kehidupan sehari-hari dari keberadaan sejati mereka. Master dari Flemal melanjutkan pekerjaan ini sepenuhnya dari minat itu dan psikologi rekan senegaranya dan sesama warga negara, yang dia sendiri bagikan. Tampaknya memberikan perhatian utama pada lingkungan sehari-hari orang, menjadikan seseorang bagian dari dunia material dan menempatkannya hampir sejajar dengan barang-barang rumah tangga yang menyertai hidupnya, sang seniman berhasil mengkarakterisasi tidak hanya eksternal, tetapi juga penampilan psikologis pahlawannya.

Sarana untuk ini, bersama dengan fiksasi fenomena realitas tertentu, juga merupakan interpretasi khusus dari plot agama. Dalam komposisi tentang tema-tema religius yang umum, Master dari Flemal memperkenalkan detail-detail seperti itu dan mewujudkan konten simbolis di dalamnya yang menjauhkan imajinasi penonton dari interpretasi legenda tradisional yang disetujui oleh gereja dan mengarahkannya ke persepsi realitas yang hidup. Dalam beberapa lukisan, seniman mereproduksi legenda yang dipinjam dari literatur apokrif agama, di mana diberikan interpretasi plot yang tidak ortodoks, umum dalam strata demokrasi masyarakat Belanda. Ini paling jelas terlihat di altar Merode. Penyimpangan dari kebiasaan yang diterima secara umum adalah pengenalan sosok Yusuf ke dalam adegan Kabar Sukacita. Bukan kebetulan artis menaruh begitu banyak perhatian pada karakter ini di sini. Selama kehidupan Master of Flemal, kultus Joseph berkembang pesat, yang berfungsi untuk memuliakan moralitas keluarga. Dalam legenda pahlawan Injil ini, rumah tangga ditekankan, miliknya di dunia dicatat sebagai pengrajin dari profesi tertentu dan seorang suami, yang merupakan contoh pantang; citra seorang tukang kayu sederhana muncul, penuh kerendahan hati dan kemurnian moral, sepenuhnya selaras dengan cita-cita pencuri pada zaman itu. Di altar Merode, Joseph-lah yang dijadikan konduktor oleh seniman untuk makna tersembunyi dari gambar itu.

Baik orang itu sendiri maupun hasil kerja mereka, yang diwujudkan dalam objek lingkungan, bertindak sebagai pembawa prinsip ketuhanan. Panteisme yang diungkapkan oleh seniman memusuhi religiositas gereja resmi dan berada di jalur penyangkalannya, mengantisipasi beberapa elemen dari doktrin agama baru yang menyebar pada awal abad ke-16 - Calvinisme, dengan pengakuannya atas kesucian setiap profesi. dalam hidup. Sangat mudah untuk melihat bahwa lukisan-lukisan Guru dari Flemal dijiwai dengan semangat "kehidupan sehari-hari yang benar", dekat dengan cita-cita ajaran "devotio moderna", yang telah disebutkan di atas.

Di balik semua ini berdiri citra manusia baru - seorang pencuri, penduduk kota dengan gudang spiritual yang benar-benar asli, selera dan kebutuhan yang diekspresikan dengan jelas. Untuk mencirikan pria ini, tidak cukup bagi seniman bahwa dia, memberikan penampilan para pahlawannya, bagian yang lebih besar dari ekspresi individu daripada miniaturis pendahulunya. Untuk partisipasi aktif dalam hal ini, ia tertarik dengan lingkungan material yang menyertai seseorang. Pahlawan Master of Flemal tidak akan bisa dipahami tanpa semua meja, bangku dan bangku yang disatukan dari papan kayu ek, pintu dengan braket dan cincin logam, pot tembaga dan kendi tembikar, jendela dengan daun jendela kayu, kanopi besar di atas perapian. Hal penting dalam mencirikan karakter adalah melalui jendela kamar orang dapat melihat jalan-jalan di kota asalnya, dan di ambang rumah tumbuh tandan rumput dan bunga sederhana dan naif. Dalam semua ini, seolah-olah partikel jiwa seseorang yang tinggal di rumah yang digambarkan itu terwujud. Orang dan benda menjalani kehidupan yang sama dan tampaknya terbuat dari bahan yang sama; pemilik kamar sesederhana dan "disatukan dengan kuat" seperti barang-barang yang mereka miliki. Ini adalah pria dan wanita jelek yang mengenakan pakaian kain berkualitas baik yang jatuh dalam lipatan tebal. Mereka memiliki wajah yang tenang, serius, dan terkonsentrasi. Begitulah pelanggan, suami istri, yang berlutut di depan pintu ruang Kabar Sukacita di altar Merode. Mereka meninggalkan gudang, toko, dan bengkel mereka dan dengan sibuk datang dari jalan-jalan itu dan dari rumah-rumah yang terlihat di balik gerbang terbuka halaman untuk membayar hutang mereka kepada kesalehan. Dunia batin mereka utuh dan tidak terganggu, pikiran mereka terfokus pada urusan duniawi, doa mereka konkret dan tenang. Gambar itu memuliakan kehidupan sehari-hari manusia dan kerja manusia, yang dalam interpretasi Guru dari Flemal dikelilingi oleh aura kebaikan dan kemurnian moral.

Merupakan karakteristik bahwa seniman menganggap tanda-tanda karakter manusia yang serupa bahkan dapat dikaitkan dengan karakter legenda agama, yang penampilannya paling ditentukan oleh konvensi tradisional. Master dari Flemal adalah penulis jenis "burgher Madonna", yang bertahan lama dalam lukisan Belanda. Madonna-nya tinggal di kamar biasa di rumah seorang pencuri, dikelilingi oleh suasana yang nyaman dan bersahaja. Dia duduk di bangku kayu ek dekat perapian atau meja kayu, dia dikelilingi oleh semua jenis barang rumah tangga yang menekankan kesederhanaan dan kemanusiaan dari penampilannya. Wajahnya tenang dan jernih, matanya menunduk dan melihat ke buku atau bayi yang berbaring di pangkuannya; dalam gambar ini, hubungan dengan bidang ide spiritualistik tidak begitu ditekankan sebagai sifat kemanusiaannya; dia dipenuhi dengan kesalehan yang terkonsentrasi dan jelas, menanggapi perasaan dan psikologi orang sederhana pada masa itu (Madonna dari adegan "Kabar Sukacita" di altar Merode, "Madonna di kamar", "Madonna di dekat perapian "). Contoh-contoh ini menunjukkan bahwa Master of Flemal dengan tegas menolak untuk menyampaikan ide-ide religius dengan cara artistik, yang mengharuskan penghapusan citra orang saleh dari ranah kehidupan nyata; dalam karya-karyanya, bukan seseorang yang dipindahkan dari bumi ke alam imajiner, tetapi tokoh-tokoh religius turun ke bumi dan terjun ke dalam kentalnya kehidupan sehari-hari manusia kontemporer dengan segala orisinalitasnya yang sebenarnya. Munculnya kepribadian manusia di bawah pengaruh seniman memperoleh semacam integritas; melemahkan tanda-tanda perpecahan spiritualnya. Hal ini sebagian besar difasilitasi oleh kesesuaian keadaan psikologis karakter dalam gambar plot dari lingkungan material di sekitarnya, serta kurangnya perpecahan antara ekspresi wajah karakter individu dan sifat gerak tubuh mereka.

Dalam beberapa kasus, Master dari Flemal mengatur lipatan pakaian para pahlawannya menurut pola tradisional, namun, di bawah kuasnya, robekan pada kain mengambil karakter dekoratif murni; mereka tidak diberi muatan semantik apa pun yang terkait dengan karakteristik emosional pemilik pakaian, misalnya lipatan pakaian Mary. Letak lipatan yang menyelimuti sosok St. Jubah lebar Yakub sepenuhnya bergantung pada bentuk tubuh manusia yang tersembunyi di bawahnya dan, di atas segalanya, pada posisi tangan kiri, di mana ujung kain yang berat dilemparkan. Baik orang itu sendiri maupun pakaian yang dikenakannya, seperti biasa, memiliki bobot material yang jelas terlihat. Ini dilayani tidak hanya oleh pemodelan bentuk plastik yang dikembangkan dengan metode yang murni realistis, tetapi juga oleh hubungan yang baru diselesaikan antara sosok manusia dan ruang yang diberikan padanya dalam gambar, yang ditentukan oleh posisinya di ceruk arsitektur. Dengan menempatkan patung di relung dengan kedalaman yang terlihat jelas, meskipun dibangun secara tidak benar, sang seniman sekaligus berhasil membuat sosok manusia terlepas dari bentuk arsitektur. Itu secara visual dipisahkan dari ceruk; kedalaman yang terakhir secara aktif ditekankan oleh chiaroscuro; sisi yang diterangi dari sosok itu tampak menonjol dengan latar belakang dinding samping ceruk yang teduh, sementara bayangan jatuh di dinding yang terang. Berkat semua teknik ini, orang yang digambarkan dalam gambar itu tampak luar biasa, material dan integral, dalam penampilannya bebas dari hubungan dengan kategori spekulatif.

Pencapaian tujuan yang sama dilayani oleh pemahaman baru tentang garis yang membedakan Master dari Flemal, yang kehilangan karakter abstrak-ornamen sebelumnya dalam karya-karyanya dan mematuhi hukum alam nyata dalam membangun bentuk plastik. Wajah st. Yakub, meskipun tidak memiliki kekuatan emosional dari ekspresi yang melekat pada ciri-ciri nabi Sliterian Musa, ciri-ciri pencarian baru juga ditemukan dalam dirinya; gambaran seorang wali tua cukup individual, tetapi tidak memiliki sifat ilusi naturalistik, melainkan elemen tipifikasi generalisasi.

Melihat altar Merode untuk pertama kalinya, orang merasa bahwa kita berada di dalam dunia spasial gambar, yang memiliki semua sifat dasar realitas sehari-hari - kedalaman, stabilitas, integritas, dan kelengkapan yang tak terbatas. Para seniman gotik internasional, bahkan dalam karya mereka yang paling berani, tidak berusaha untuk mencapai konstruksi komposisi yang begitu logis, dan oleh karena itu realitas yang mereka gambarkan tidak dapat diandalkan. Dalam karya mereka ada sesuatu dari dongeng: di sini skala dan posisi relatif objek dapat berubah secara sewenang-wenang, dan realitas serta fiksi digabungkan menjadi satu kesatuan yang harmonis. Berbeda dengan para seniman ini, master Flemal berani menggambarkan kebenaran dan hanya kebenaran dalam karya-karyanya. Ini tidak mudah baginya. Tampaknya dalam karya-karyanya, objek-objek yang diperlakukan dengan perhatian berlebihan pada transmisi perspektif dijejalkan ke dalam ruang yang ditempati. Namun, sang seniman menulis detail terkecilnya dengan ketekunan yang luar biasa, berjuang untuk kekonkretan maksimum: setiap objek hanya diberkahi dengan bentuk, ukuran, warna, bahan, tekstur, tingkat elastisitas, dan kemampuan untuk memantulkan cahaya yang melekat. Sang seniman bahkan menyampaikan perbedaan antara pencahayaan, yang memberikan bayangan lembut, dan cahaya langsung yang mengalir dari dua jendela bundar, menghasilkan dua bayangan yang digariskan tajam di panel tengah atas triptych, dan dua pantulan pada bejana tembaga dan kandil.

Master Flemal berhasil memindahkan peristiwa mistik dari lingkungan simbolisnya ke lingkungan sehari-hari, sehingga tidak terkesan dangkal dan konyol, dengan menggunakan metode yang dikenal sebagai "simbolisme tersembunyi". Esensinya terletak pada kenyataan bahwa hampir semua detail gambar dapat memiliki makna simbolis. Misalnya, bunga di sayap kiri dan panel tengah triptych dikaitkan dengan Perawan Maria: mawar menunjukkan cintanya, violet menunjukkan kerendahan hatinya, dan bunga lili menunjukkan kesucian. Topi bowler yang dipoles dan handuk bukan hanya barang rumah tangga, tetapi simbol yang mengingatkan kita bahwa Perawan Maria adalah "bejana paling murni" dan "sumber air hidup".

Pelindung artis pasti memiliki pemahaman yang baik tentang makna simbol-simbol yang sudah mapan ini. Triptych mengandung semua kekayaan simbolisme abad pertengahan, tetapi ternyata terjalin begitu erat ke dalam dunia kehidupan sehari-hari sehingga terkadang sulit bagi kita untuk menentukan apakah detail ini atau itu membutuhkan interpretasi simbolis. Mungkin simbol yang paling menarik dari jenis ini adalah lilin di sebelah vas bunga lili. Itu baru saja padam, seperti yang bisa dinilai dari sumbu bercahaya dan kabut yang melengkung. Tapi mengapa itu menyala di siang bolong, dan mengapa apinya padam? Mungkinkah cahaya partikel dunia material ini tidak dapat menahan pancaran cahaya ilahi dari hadirat Yang Mahatinggi? Atau mungkin nyala lilin yang melambangkan cahaya ilahi, padam untuk menunjukkan bahwa Allah berubah menjadi manusia, bahwa di dalam Kristus “Firman telah menjadi manusia”? Yang juga misterius adalah dua objek yang terlihat seperti kotak kecil - satu di meja kerja Joseph, dan yang lainnya di langkan di luar jendela yang terbuka. Diyakini bahwa ini adalah perangkap tikus dan dimaksudkan untuk menyampaikan pesan teologis tertentu. Menurut Beato Agustinus, Tuhan harus muncul di Bumi dalam wujud manusia untuk menipu Setan: "Salib Kristus adalah perangkap tikus bagi Setan."

Lilin yang padam dan perangkap tikus adalah simbol yang tidak biasa. Mereka diperkenalkan ke dalam seni rupa oleh master Flemal. Kemungkinan besar, dia adalah orang yang memiliki pengetahuan luar biasa, atau berkomunikasi dengan para teolog dan ilmuwan lain, yang darinya dia belajar tentang simbolisme objek sehari-hari. Dia tidak hanya melanjutkan tradisi simbolik seni abad pertengahan dalam kerangka tren realistik baru, tetapi memperluas dan memperkayanya dengan karyanya.

Sangat menarik untuk mengetahui mengapa dia secara bersamaan mengejar dua tujuan yang sangat berlawanan dalam karyanya - realisme dan simbolisme? Jelas, mereka saling bergantung untuknya dan tidak bertentangan. Seniman percaya bahwa, menggambarkan realitas sehari-hari, perlu untuk "mengspiritualkan" sebanyak mungkin. Sikap yang sangat menghormati dunia material ini, yang merupakan cerminan dari kebenaran ilahi, memudahkan kita untuk memahami mengapa sang master memberikan perhatian yang sama pada detail triptych yang terkecil dan hampir tidak mencolok seperti pada karakter utama; segala sesuatu di sini, setidaknya dalam bentuk tersembunyi, bersifat simbolis, dan oleh karena itu perlu dipelajari dengan sangat cermat. Simbolisme tersembunyi dalam karya master Flemalsky dan para pengikutnya bukan hanya perangkat eksternal yang ditumpangkan di atas dasar realistis baru, tetapi merupakan bagian integral dari keseluruhan proses kreatif. Orang-orang sezaman Italia mereka merasakan hal ini dengan baik, karena mereka menghargai realisme yang menakjubkan dan "kesalehan" dari para master Flemish.

Karya-karya Campin lebih kuno daripada karya Jan van Eyck sezamannya yang lebih muda, tetapi karya-karya itu demokratis dan terkadang sederhana dalam interpretasi sehari-hari mereka tentang subjek agama. Robert Campin memiliki pengaruh kuat pada pelukis Belanda berikutnya, termasuk muridnya Rogier van der Weyden. Campin juga salah satu pelukis potret pertama dalam lukisan Eropa.

Altar Ghent.

Ghent, bekas ibu kota Flanders, menyimpan kenangan akan kejayaan dan kekuasaannya sebelumnya. Banyak monumen budaya yang luar biasa dibuat di Ghent, tetapi untuk waktu yang lama orang tertarik pada mahakarya pelukis terbesar Belanda Jan van Eyck - Ghent Altarpiece. Lebih dari lima ratus tahun yang lalu, pada tahun 1432, kandang ini dibawa ke gereja St. John (sekarang Katedral St. Bavo) dan dipasang di kapel Jos Feyd. Jos Feyd, salah satu penduduk terkaya di Ghent, dan kemudian menjadi walikota, menugaskan sebuah altar untuk kapel keluarganya.

Sejarawan seni telah menghabiskan banyak upaya untuk mencari tahu siapa di antara dua bersaudara itu - Jan atau Hubert van Eyck - yang memainkan peran utama dalam pembuatan altar. Prasasti Latin mengatakan bahwa Hubert memulai dan Jan van Eyck menyelesaikannya. Namun, perbedaan tulisan tangan bergambar saudara-saudara tersebut belum dapat dipastikan, dan beberapa ilmuwan bahkan menyangkal keberadaan Hubert van Eyck. Kesatuan artistik dan integritas altar tidak diragukan lagi adalah milik tangan satu penulis, yaitu Jan van Eyck. Namun, sebuah monumen di dekat katedral menggambarkan kedua seniman tersebut. Dua sosok perunggu yang dilapisi patina hijau diam-diam mengamati hiruk pikuk di sekitarnya.

Ghent Altarpiece adalah polyptych besar yang terdiri dari dua belas bagian. Tingginya sekitar 3,5 meter, lebar saat terbuka sekitar 5 meter. Dalam sejarah seni, Ghent Altarpiece adalah salah satu fenomena unik, fenomena luar biasa dari kejeniusan kreatif. Tidak ada satu definisi pun dalam bentuknya yang murni yang berlaku untuk altar Ghent. Jan van Eyck sempat melihat masa kejayaan sebuah era yang agak mengingatkan pada Florence pada masa Lorenzo the Magnificent. Seperti yang dipahami oleh pengarang, altar memberikan gambaran yang komprehensif tentang gagasan tentang dunia, Tuhan dan manusia. Namun, universalisme abad pertengahan kehilangan karakter simbolisnya dan dipenuhi dengan konten duniawi yang konkret. Lukisan di sisi luar sayap samping, terlihat pada hari-hari biasa, bukan hari libur, ketika altar ditutup, sangat mencolok dalam vitalitasnya. Berikut adalah sosok donatur - orang sungguhan, sezaman dengan artis. Tokoh-tokoh ini adalah contoh pertama seni potret dalam karya Jan van Eyck. Pose yang terkendali, penuh hormat, tangan terlipat dengan doa membuat sosok itu kaku. Namun hal ini tidak menghalangi sang seniman untuk mencapai kebenaran hidup yang menakjubkan dan integritas gambar.

Di baris paling bawah lukisan siklus harian, Jodocus Veidt digambarkan - orang yang kokoh dan tenang. Dompet tebal tergantung di ikat pinggangnya, yang berbicara tentang kesanggupan pemiliknya. Wajah Veidt unik. Sang seniman menyampaikan setiap kerutan, setiap urat di pipi, rambut pendek yang jarang, urat yang bengkak di pelipis, dahi yang keriput dengan kutil, dagu yang berdaging. Bahkan bentuk individu dari telinga tidak luput dari perhatian. Mata bengkak kecil Veidt terlihat ragu dan mencari. Mereka memiliki banyak pengalaman hidup. Tak kalah ekspresifnya sosok istri pelanggan. Wajah panjang dan kurus dengan bibir mengerucut menunjukkan sikap dingin dan kesalehan yang utama.

Jodocus Veidt dan istrinya adalah khas burghers Belanda, menggabungkan kesalehan dengan kepraktisan bijaksana. Di bawah topeng keparahan dan kesalehan, yang mereka kenakan, tersembunyi sikap hidup yang tenang dan karakter yang aktif dan lugas. Keikutsertaan mereka dalam kelas pencuri diekspresikan dengan sangat tajam sehingga potret-potret ini membawa cita rasa khas zaman itu ke altar. Sosok para donatur seolah-olah menghubungkan dunia nyata, di mana penonton yang berdiri di depan gambar itu berada, dengan dunia yang tergambar di altar. Hanya secara bertahap sang seniman memindahkan kita dari lingkungan duniawi ke surga, secara bertahap mengembangkan narasinya. Donor yang berlutut menghadap sosok St. John. Ini bukanlah orang suci itu sendiri, tetapi gambar mereka, yang diukir oleh orang-orang dari batu.

Adegan Kabar Sukacita adalah yang utama di bagian luar altar, dan mengumumkan kelahiran Kristus dan kedatangan agama Kristen. Semua karakter yang digambarkan di sayap luar berada di bawahnya: para nabi dan saudara kandung yang meramalkan penampakan Mesias, keduanya adalah Yohanes: yang satu membaptis Kristus, yang lain menggambarkan kehidupan duniawinya; dengan rendah hati dan penuh hormat berdoa para donatur (potret pelanggan altar). Inti dari apa yang sedang dilakukan, ada firasat rahasia dari peristiwa tersebut. Namun, adegan Kabar Sukacita terjadi di ruangan nyata di rumah seorang pencuri, di mana, berkat dinding dan jendela yang terbuka, benda-benda memiliki warna dan berat dan, seolah-olah, menyebarkan maknanya secara luas ke luar. Dunia menjadi terlibat dalam apa yang terjadi, dan dunia ini cukup konkret - di luar jendela Anda dapat melihat rumah-rumah di kota Flanders yang khas. Karakter sayap luar altar tidak memiliki warna kehidupan yang hidup. Maria dan Malaikat Jibril dilukis hampir dalam satu warna.

Seniman yang diberkahi dengan warna hanya pemandangan kehidupan nyata, sosok dan benda yang berhubungan dengan bumi yang penuh dosa. Adegan Kabar Sukacita, dibagi dengan bingkai menjadi empat bagian, bagaimanapun merupakan satu kesatuan. Kesatuan komposisi disebabkan oleh konstruksi perspektif yang benar dari interior tempat aksi berlangsung. Jan van Eyck jauh melampaui Robert Campin dalam kejelasan penggambaran ruangnya. Alih-alih tumpukan benda dan figur, yang kami amati dalam adegan serupa oleh Campin ("Merode Altarpiece"), lukisan Jan van Eyck memikat dengan keteraturan ruang yang ketat, rasa harmoni dalam distribusi detail. Seniman tidak takut dengan citra ruang kosong, yang dipenuhi dengan cahaya dan udara, dan sosok-sosok itu kehilangan kecanggungannya yang berat, memperoleh gerakan dan pose yang alami. Tampaknya jika Jan van Eyck hanya menulis pintu luar, dia pasti sudah melakukan keajaiban. Tapi ini hanya pendahuluan. Setelah keajaiban kehidupan sehari-hari, keajaiban yang meriah datang - pintu altar terbuka. Segala sesuatu setiap hari - keriuhan dan kerumunan turis - surut di hadapan keajaiban Jan van Eyck, di depan jendela yang terbuka menuju Ghent Zaman Keemasan. Altar terbuka mempesona, seperti peti mati penuh permata yang diterangi sinar matahari. Dering warna-warna cerah dalam semua keanekaragamannya mengungkapkan penegasan yang menggembirakan dari nilai keberadaan. Matahari yang tidak pernah dikenal Flanders mengalir dari altar. Van Eyck menciptakan apa yang dirampas oleh alam dari tanah airnya. Bahkan Italia belum pernah melihat warna yang begitu mendidih, setiap warna, setiap bayangan ditemukan di sini dengan intensitas maksimum.

Di tengah barisan atas naik tahta sosok besar pencipta - Yang Mahakuasa - dewa tuan rumah, mengenakan mantel merah menyala. Gambar Perawan Maria itu indah, memegang Kitab Suci di tangannya. The Reading Mother of God adalah fenomena mencolok dalam seni lukis. Sosok Yohanes Pembaptis melengkapi komposisi kelompok sentral tingkat atas. Bagian tengah altar dibingkai oleh sekelompok bidadari - di sebelah kanan, dan bidadari bernyanyi yang memainkan alat musik - di sebelah kiri. Nampaknya altar tersebut dipenuhi dengan musik, terdengar suara setiap bidadari, begitu jelas terlihat dari mata dan gerak bibir mereka.

Seperti orang asing, nenek moyang Adam dan Hawa, telanjang, jelek dan sudah paruh baya, memikul beban kutukan ilahi, masuk ke kandang, bersinar dengan perbungaan surga. Mereka tampaknya sekunder dalam hierarki nilai. Citra orang-orang yang dekat dengan karakter tertinggi dalam mitologi Kristen adalah fenomena yang berani dan tidak terduga pada saat itu.

Jantung altar adalah gambar tengah bawah, yang namanya diberikan untuk seluruh lipatan - "Adorasi Anak Domba". Tidak ada yang menyedihkan dalam adegan tradisional. Di tengah, di atas altar ungu, ada seekor anak domba putih, yang dari dadanya darah mengalir ke dalam cawan emas, personifikasi Kristus dan pengorbanannya atas nama keselamatan umat manusia. Prasasti: Ecce agnus dei qvi tollit peccata mindi (Lihatlah anak domba Allah yang menanggung dosa dunia). Di bawah ini adalah sumber air hidup, simbol iman Kristen dengan tulisan: Hic est fons aqve vite procedens de sede dei et agni (Inilah sumber air kehidupan yang berasal dari takhta Allah dan Anak Domba) (Wahyu, 22, I).

Malaikat yang berlutut mengelilingi altar, yang didekati dari semua sisi oleh orang-orang kudus, orang benar dan orang benar. Di sebelah kanan adalah para rasul, dipimpin oleh Paulus dan Barnabas. Di sebelah kanan adalah para pelayan gereja: paus, uskup, kepala biara, tujuh kardinal, dan berbagai orang suci. Di antara yang terakhir adalah St. Stefanus dengan batu yang digunakan untuk memukulinya, menurut legenda, dan St. Livin - tahta kota Ghent dengan lidah robek.

Di sebelah kiri adalah sekelompok karakter dari Perjanjian Lama dan orang kafir yang diampuni oleh gereja. Nabi dengan buku di tangan mereka, filsuf, orang bijak - semua yang, menurut ajaran gereja, meramalkan kelahiran Kristus. Inilah penyair kuno Virgil dan Dante. Di kedalaman di sebelah kiri adalah prosesi para martir suci dan istri suci (di sebelah kanan) dengan cabang palem, simbol kesyahidan. Di depan prosesi kanan adalah Saints Agnes, Barbara, Dorothea dan Ursula.

Kota di cakrawala adalah Yerusalem surgawi. Namun, banyak dari bangunannya menyerupai bangunan asli: Katedral Cologne, Gereja St. Martin di Maastricht, menara pengawas di Bruges dan lain-lain. Di panel samping yang berdekatan dengan adegan Adoration of the Lamb, di sebelah kanan adalah para pertapa dan peziarah - lelaki tua berjubah panjang dengan tongkat di tangan mereka. Para pertapa dipimpin oleh St. Antonius dan St. Paulus. Di belakang mereka, di kedalaman, Maria Magdalena dan Maria dari Mesir terlihat. Di antara para peziarah, tokoh sakti St. Christopher. Di sebelahnya, mungkin, St. Iodokus dengan cangkang di topinya.

Legenda Kitab Suci menjadi misteri rakyat, dimainkan pada hari libur di Flanders. Tapi Flanders tidak nyata di sini - negara yang rendah dan berkabut. Gambarnya terang tengah hari, hijau zamrud. Gereja dan menara kota Flanders telah dipindahkan ke tanah fiksi yang dijanjikan ini. Dunia berbondong-bondong ke tanah van Eyck, menghadirkan kemewahan pakaian eksotis, kecemerlangan perhiasan, matahari selatan, dan kecerahan warna yang belum pernah terjadi sebelumnya.

Jumlah spesies tanaman yang diwakili sangat beragam. Seniman itu memiliki pendidikan yang benar-benar ensiklopedis, pengetahuan tentang berbagai macam objek dan fenomena. Dari katedral gotik hingga bunga kecil yang hilang di lautan tumbuhan.

Kelima sayap ditempati oleh citra satu tindakan, terbentang di ruang angkasa dan dengan demikian dalam waktu. Kami melihat tidak hanya mereka yang menyembah altar, tetapi juga prosesi yang ramai - dengan menunggang kuda dan berjalan kaki, berkumpul di tempat ibadah. Seniman tersebut menggambarkan kerumunan dari waktu dan negara yang berbeda, tetapi tidak larut dalam massa, dan tidak menghilangkan individualitas manusia.

Biografi altar Ghent sangat dramatis. Selama lebih dari lima ratus tahun keberadaannya, altar telah berulang kali dipugar dan dibawa keluar dari Ghent lebih dari sekali. Jadi, pada abad ke-16 itu dipugar oleh pelukis terkenal Utrecht Jan van Scorel.

Sejak akhir tahun 1432, altar ditempatkan di gereja St. Yohanes Pembaptis, kemudian berganti nama menjadi Katedral St. Bavo di Ghent. Dia berdiri di kapel keluarga Jodocus Veidt, yang awalnya berada di ruang bawah tanah dan memiliki langit-langit yang sangat rendah. Kapel St. John the Evangelist, tempat altar sekarang dipamerkan, terletak di atas ruang bawah tanah.

Pada abad ke-16, altar Ghent tersembunyi dari fanatisme biadab para ikonoklas. Pintu luar yang menggambarkan Adam dan Hawa dilepas pada tahun 1781 atas perintah Kaisar Joseph II, yang merasa malu dengan ketelanjangan sosok tersebut. Mereka digantikan oleh salinan seniman abad ke-16 Mikhail Koksi, yang mendandani nenek moyang dengan celemek kulit. Pada 1794, Prancis yang menduduki Belgia membawa empat lukisan utama ke Paris. Bagian altar yang tersisa, tersembunyi di balai kota, tetap berada di Ghent. Setelah runtuhnya Kekaisaran Napoleon, lukisan yang diekspor dikembalikan ke tanah air mereka dan dipersatukan kembali pada tahun 1816. Tetapi hampir pada saat yang sama mereka menjual pintu samping, yang untuk waktu yang lama berpindah dari satu koleksi ke koleksi lainnya dan, akhirnya, pada tahun 1821, sampai ke Berlin. Setelah Perang Dunia Pertama, menurut Perjanjian Versailles, semua sayap Altar Ghent dikembalikan ke Ghent.

Pada malam 11 April 1934 di gereja St. Bavo ada pencurian. Para pencuri mengambil selempang yang menggambarkan hakim yang adil. Lukisan yang hilang tidak dapat ditemukan hingga hari ini, dan sekarang telah diganti dengan salinan yang bagus.

Ketika Perang Dunia Kedua dimulai, Belgia mengirim altar ke Prancis selatan untuk disimpan, dari mana Nazi memindahkannya ke Jerman. Pada tahun 1945, altar ditemukan di Austria di tambang garam dekat Salzburg dan diangkut kembali ke Ghent.

Untuk melakukan pekerjaan restorasi yang rumit, yang diwajibkan oleh negara bagian altar, pada tahun 1950-1951 sebuah komisi khusus para ahli dibentuk dari pemulih terbesar dan sejarawan seni, di bawah kepemimpinan penelitian kompleks dan pekerjaan restorasi dilakukan. : menggunakan analisis mikrokimia, komposisi cat dipelajari, ultraviolet, sinar-X inframerah perubahan penulis dan lapisan cat orang lain ditentukan. Kemudian rekaman kemudian dihapus dari banyak bagian altar, lapisan cat diperkuat, area yang tercemar dibersihkan, setelah itu altar kembali bersinar dengan segala warnanya.

Signifikansi artistik yang besar dari altar Ghent, nilai spiritualnya dipahami oleh orang-orang sezaman van Eyck dan generasi berikutnya.

Jan van Eyck, bersama dengan Robert Campin, adalah penggagas seni Renaisans, yang menandai penolakan pemikiran pertapa abad pertengahan, peralihan seniman ke realitas, penemuan mereka akan nilai-nilai sejati dan keindahan alam dan manusia.

Karya-karya Jan van Eyck dibedakan oleh kekayaan warna, kehati-hatian, detail hampir seperti perhiasan, dan pengaturan komposisi integral yang percaya diri. Tradisi dikaitkan dengan nama pelukis peningkatan teknik lukisan cat minyak - aplikasi berulang dari lapisan cat tipis dan transparan, yang memungkinkan untuk mencapai intensitas yang lebih besar dari setiap warna.

Mengatasi tradisi seni Abad Pertengahan, Jan van Eyck mengandalkan ketaatan hidup terhadap realitas, berjuang untuk reproduksi kehidupan yang objektif. Seniman sangat mementingkan citra seseorang, berusaha menyampaikan penampilan unik dari masing-masing karakter dalam lukisannya. Dia mempelajari dengan cermat struktur dunia objektif, menangkap fitur dari setiap objek, lanskap, atau lingkungan interior.

Komposisi altar oleh Hieronymus Bosch.

Itu menjelang akhir abad ke-15. Saat-saat sulit telah tiba. Penguasa baru Belanda, Charles the Bold, dan kemudian Maximilian I, memaksa rakyatnya untuk mematuhi takhta dengan api dan pedang. Desa-desa bandel dibakar habis, tiang gantungan dan roda muncul di mana-mana, tempat para pemberontak ditempatkan. Ya, dan Inkuisisi tidak tertidur - dalam nyala api unggun, bidat dibakar hidup-hidup, yang berani tidak setuju dengan gereja yang berkuasa setidaknya dalam beberapa hal. Eksekusi publik dan penyiksaan terhadap penjahat dan bidah terjadi di alun-alun pasar pusat kota-kota Belanda. Bukan kebetulan bahwa orang mulai berbicara tentang akhir dunia. Ilmuwan teolog bahkan menyebut tanggal pasti Penghakiman Terakhir - 1505. Di Florence, publik dihidupkan oleh khotbah panik Savonarola, menandakan kedekatan pembalasan atas dosa manusia, dan di utara Eropa, pengkhotbah sesat menyerukan untuk kembali ke asal-usul agama Kristen, jika tidak, mereka meyakinkan kawanan mereka, orang akan menghadapi siksaan neraka yang mengerikan.

Suasana hati ini tidak bisa tidak tercermin dalam seni. Maka Dürer yang hebat membuat serangkaian ukiran bertema Kiamat, dan Botticelli mengilustrasikan Dante, menggambar dunia neraka yang gila.

Seluruh Eropa membaca Komedi Ilahi Dante dan Wahyu St. John” (Apocalypse), serta buku “Vision of Tundgal”, yang muncul pada abad XII, diduga ditulis oleh raja Irlandia Tundgal, tentang perjalanan anumerta melalui dunia bawah. Pada tahun 1484, buku ini juga diterbitkan di 's-Hertogenbosch. Tentu saja, dia juga berakhir di rumah Bosch. Dia membaca dan membaca ulang karya abad pertengahan yang suram ini, dan lambat laun gambaran neraka, gambaran penghuni dunia bawah menggantikan karakter kehidupan sehari-hari, orang-orang sebangsanya yang bodoh dan nakal. Maka, Bosch mulai beralih ke topik neraka hanya setelah membaca buku ini.

Jadi, menurut penulis Abad Pertengahan, neraka dibagi menjadi beberapa bagian yang masing-masing dihukum karena dosa tertentu. Bagian-bagian neraka ini dipisahkan satu sama lain oleh sungai es atau dinding api, dan dihubungkan oleh jembatan tipis. Beginilah cara Dante membayangkan neraka. Adapun penghuni neraka, ide Bosch terbentuk dari gambar-gambar di lukisan dinding tua gereja kota dan dari topeng setan dan manusia serigala yang dikenakan penduduk kampung halamannya selama liburan dan prosesi karnaval.

Bosch adalah seorang filsuf sejati, dia dengan susah payah memikirkan kehidupan manusia, tentang maknanya. Apa yang bisa menjadi akhir dari keberadaan manusia di bumi, manusia yang begitu bodoh, berdosa, rendah hati, tidak mampu menahan kelemahannya? Hanya neraka! Dan jika sebelumnya di kanvasnya gambar dunia bawah dipisahkan secara ketat dari gambar keberadaan duniawi dan lebih berfungsi sebagai pengingat akan keniscayaan hukuman atas dosa, sekarang neraka bagi Bosch hanya menjadi bagian dari sejarah manusia.

Dan dia menulis "Hay Cart" - altarnya yang terkenal. Seperti kebanyakan altar abad pertengahan, Gerobak Jerami terdiri dari dua bagian. Pada hari kerja, pintu altar ditutup, dan orang hanya dapat melihat gambar di pintu luar: seorang pria, kelelahan, membungkuk karena kesulitan hidup, berkeliaran di sepanjang jalan. Perbukitan gundul, hampir tidak ada tumbuh-tumbuhan, hanya dua pohon yang digambarkan oleh senimannya, tetapi di bawah yang satu orang bodoh memainkan bagpipe, dan di bawah yang lain seorang perampok mengolok-olok korbannya. Dan seikat tulang putih di latar depan, tiang gantungan, dan roda. Ya, lanskap suram digambarkan oleh Bosch. Tapi tidak ada yang menyenangkan di dunia sekitarnya. Pada hari libur, selama kebaktian yang khusyuk, pintu altar dibuka, dan umat melihat gambaran yang sama sekali berbeda: di sisi kiri, Bosch melukis surga, Eden, sebuah taman tempat Tuhan menempatkan manusia pertama Adam dan Hawa. Seluruh sejarah musim gugur ditampilkan dalam gambar ini. Dan sekarang Hawa beralih ke kehidupan duniawi, di mana - di bagian tengah triptych - orang-orang bergegas, menderita dan berdosa. Di tengahnya ada gerobak besar berisi jerami tempat kehidupan manusia berjalan. Semua orang di Belanda abad pertengahan tahu pepatah: "Dunia adalah gerobak jerami, dan setiap orang berusaha mendapatkan sebanyak mungkin darinya." Seniman itu menggambarkan di sini seorang biksu gemuk yang menjijikkan, dan bangsawan terkenal, dan pelawak dan bajingan, dan orang bodoh yang berpikiran sempit - setiap orang terlibat dalam pengejaran gila-gilaan akan kekayaan materi, semua orang berlari, tidak curiga bahwa mereka berlari ke arah mereka. kematian yang tak terelakkan.

Gambaran tersebut merupakan cerminan dari kegilaan yang merajalela di dunia, khususnya dosa kekikiran. Semuanya dimulai dengan dosa asal (surga duniawi di sisi kiri) dan diakhiri dengan hukuman (neraka di sisi kanan).

Prosesi yang tidak biasa digambarkan di bagian tengah. Seluruh komposisi dibangun di sekitar gerobak besar jerami, yang diseret ke kanan (ke neraka) oleh sekelompok monster (simbol dosa?), diikuti oleh iring-iringan yang dipimpin oleh kekuatan yang menunggang kuda. Dan kerumunan orang mengamuk, termasuk pendeta dan biarawati, dan dengan segala cara mencoba merebut jerami. Sementara itu, sesuatu seperti konser cinta sedang berlangsung di lantai atas di hadapan bidadari, iblis dengan hidung terompet yang mengerikan, dan berbagai keturunan iblis lainnya.

Tetapi Bosch sadar bahwa dunia ini bukannya tidak ambigu, tetapi kompleks dan beraneka segi; rendah dan berdosa berdampingan dengan tinggi dan murni. Dan dalam fotonya muncul pemandangan yang indah, dengan latar belakang semua kerumunan orang kecil dan tak berjiwa ini tampaknya merupakan fenomena sementara dan sementara, sedangkan alam, indah dan sempurna, abadi. Dia juga melukis seorang ibu yang sedang memandikan seorang anak, dan api tempat makanan dimasak, dan dua wanita, salah satunya sedang hamil, dan mereka membeku, mendengarkan kehidupan baru.

Dan di sayap kanan triptych, Bosch menggambarkan neraka sebagai sebuah kota. Di sini, di bawah langit hitam dan merah, tanpa restu Tuhan, pekerjaan berjalan lancar. Neraka sedang menetap untuk mengantisipasi kumpulan baru jiwa-jiwa berdosa. Setan Bosch ceria dan aktif. Mereka menyerupai setan berkostum, karakter pertunjukan jalanan, yang menyeret orang berdosa ke "neraka", menghibur penonton dengan seringai melompat. Dalam gambar, setan adalah pekerja teladan. Benar, sementara beberapa menara didirikan oleh mereka dengan semangat seperti itu, yang lain berhasil terbakar habis.

Bosch menafsirkan kata-kata kitab suci tentang api neraka dengan caranya sendiri. Artis menggambarkannya sebagai api. Bangunan hangus, dari jendela dan pintu yang apinya keluar, dalam lukisan master menjadi simbol pikiran manusia yang berdosa, terbakar dari dalam menjadi abu.

Dalam karya ini, Bosch secara filosofis merangkum seluruh sejarah umat manusia - dari penciptaan Adam dan Hawa, dari Eden dan kebahagiaan surgawi hingga pembalasan atas dosa di kerajaan Iblis yang mengerikan. Konsep ini - filosofis dan moral - mendasari altar dan kanvasnya yang lain ("Penghakiman Terakhir", "Banjir"). Dia melukis komposisi multi-figur, dan terkadang dalam penggambaran neraka, penghuninya menjadi tidak seperti pembangun katedral yang megah, seperti dalam triptych "Hay Carriage", tetapi seperti wanita tua yang keji, penyihir, dengan antusias ibu rumah tangga mempersiapkan mereka memasak menjijikkan, sementara mereka berfungsi sebagai alat penyiksaan barang-barang rumah tangga biasa - pisau, sendok, wajan, sendok, kuali. Berkat lukisan-lukisan inilah Bosch dianggap sebagai penyanyi neraka, mimpi buruk, dan siksaan.

Bosch, sebagai orang pada masanya, yakin bahwa kejahatan dan kebaikan tidak ada satu tanpa yang lain, dan kejahatan hanya dapat dikalahkan dengan memulihkan hubungan dengan kebaikan, dan kebaikan adalah Tuhan. Itulah sebabnya Bosch yang saleh, dikelilingi oleh iblis, sering membaca Kitab Suci atau bahkan sekadar berbicara dengan Tuhan. Jadi mereka, pada akhirnya, menemukan kekuatan dalam diri mereka sendiri dan, dengan pertolongan Tuhan, mengatasi kejahatan.

Lukisan Bosch benar-benar merupakan risalah muluk tentang kebaikan dan kejahatan. Melalui lukisan, sang seniman mengungkapkan pandangannya tentang penyebab kejahatan yang merajalela di dunia, berbicara tentang cara melawan kejahatan. Tidak ada yang seperti ini dalam seni sebelum Bosch.

Abad ke-16 yang baru dimulai, tetapi akhir dunia yang dijanjikan tidak pernah datang. Kekhawatiran duniawi menggantikan siksaan tentang keselamatan jiwa. Ikatan perdagangan dan budaya antar kota tumbuh dan diperkuat. Lukisan karya seniman Italia datang ke Belanda, dan rekan Belanda mereka, yang mengetahui pencapaian rekan Italia mereka, memahami cita-cita Raphael dan Michelangelo. Segala sesuatu di sekitar berubah dengan cepat dan pasti, tetapi tidak untuk Bosch. Dia masih tinggal di 's-Hertogenbosch, di tanah kesayangannya, merenungkan kehidupan dan menulis hanya ketika dia ingin mengambil kuas. Sementara itu, namanya mulai dikenal. Pada tahun 1504, Duke of Burgundy, Philip the Handsome, memerintahkannya sebuah altar dengan gambar Penghakiman Terakhir, dan pada tahun 1516, gubernur Belanda, Margarita, memperoleh “Temptation of St. Antonius." Ukiran dari karyanya sukses besar.

Di antara karya seniman terakhir, yang paling terkenal adalah " Anak yang hilang dan Taman Kenikmatan Duniawi.

Altar besar "Garden of Earthly Delights" mungkin adalah salah satu karya seni lukis paling fantastis dan misterius di dunia, di mana sang master merefleksikan keberdosaan manusia.

Tiga lukisan menggambarkan Taman Eden, surga dan Neraka duniawi yang ilusif, dengan demikian menceritakan tentang asal mula dosa dan akibatnya. Di sayap luar, sang seniman menggambarkan sebuah bola tertentu, di dalamnya, dalam bentuk piringan datar, adalah cakrawala bumi. Sinar matahari menembus awan yang suram, menerangi pegunungan, waduk, dan tumbuh-tumbuhan di bumi. Tetapi baik hewan maupun manusia belum ada di sini - ini adalah tanah pada hari ketiga penciptaan. Dan di pintu bagian dalam, Bosch menampilkan visinya tentang kehidupan duniawi, dan, seperti biasa, pintu kiri menggambarkan taman Eden. Bosch, atas kehendak kuasnya, mendiami Taman Eden dengan semua hewan yang dikenal pada masanya: ada jerapah dan gajah, bebek dan salamander, beruang utara, dan ibis Mesir. Dan semua ini hidup dengan latar belakang taman eksotis tempat pohon palem, jeruk, dan pohon serta semak lainnya tumbuh. Tampaknya keharmonisan total tumpah di dunia ini, tetapi kejahatan tidak tidur, dan sekarang seekor kucing mencengkeram tikus yang tercekik di giginya, di latar belakang predator menyiksa rusa betina yang mati, dan burung hantu yang berbahaya telah menetap di mata air kehidupan. Bosch tidak menunjukkan adegan kejatuhan, dia sepertinya mengatakan bahwa kejahatan lahir bersamaan dengan kemunculan hidupnya. Berangkat dari tradisi, Bosch di sayap kiri triptych tidak menceritakan tentang kejatuhan, melainkan tentang penciptaan Hawa. Itulah mengapa tampaknya kejahatan datang ke dunia sejak saat itu, dan sama sekali tidak ketika iblis merayu orang pertama dengan buah dari pohon pengetahuan. Saat Hawa muncul di Firdaus, perubahan yang tidak menyenangkan terjadi. Seekor kucing mencekik tikus, singa menerkam rusa betina - untuk pertama kalinya, hewan tak berdosa menunjukkan haus darah. Seekor burung hantu muncul di jantung mata air kehidupan. Dan di cakrawala, siluet bangunan aneh bertumpuk, mengingatkan pada struktur aneh dari bagian tengah triptych.

Bagian tengah altar menunjukkan betapa kejahatan, yang baru lahir di Eden, berkembang pesat di Bumi. Di antara tumbuhan yang tak terlihat dan fantastis, setengah mekanisme, setengah hewan, ratusan orang telanjang, tak berwajah memasuki semacam hubungan nyata dengan hewan dan dengan satu sama lain, bersembunyi di cangkang buah raksasa yang berlubang, dengan asumsi beberapa pose gila. Dan di seluruh gerakan massa yang hidup dan sibuk ini - keberdosaan, nafsu dan sifat buruk. Bosch tidak mengubah pemahamannya tentang sifat manusia dan esensi keberadaan manusia, tetapi tidak seperti karya-karyanya sebelumnya, tidak ada sketsa sehari-hari di sini, tidak ada yang menyerupai adegan genre lukisan sebelumnya - hanya filosofi murni, pemahaman abstrak tentang kehidupan dan kematian. Bosch, sebagai sutradara yang brilian, membangun dunia, mengelola banyak sekali orang, hewan, bentuk mekanis dan organik yang berkerumun, mengaturnya menjadi sistem yang ketat. Semuanya di sini terhubung dan alami. Bentuk aneh bebatuan sayap kiri dan tengah berlanjut dengan bentuk bangunan terbakar di latar belakang dunia bawah; mata air kehidupan di surga dikontraskan dengan "pohon pengetahuan" yang busuk di neraka.

Triptych ini tidak diragukan lagi merupakan karya Bosch yang paling misterius dan kompleks secara simbolis, yang paling banyak memunculkannya interpretasi yang berbeda asumsi tentang orientasi agama dan seksual artis. Paling sering, gambar ini ditafsirkan sebagai alegoris - penilaian nafsu yang bermoral. Bosch melukiskan gambaran surga palsu, yang secara harfiah dipenuhi dengan simbol nafsu, diambil terutama dari simbolisme tradisional, tetapi sebagian dari alkimia - doktrin palsu yang, seperti dosa duniawi, menghalangi jalan seseorang menuju keselamatan.

Altar ini mengesankan dengan adegan dan karakter yang tak terhitung jumlahnya dan tumpukan simbol yang menakjubkan di belakangnya terdapat makna baru yang tersembunyi, seringkali tidak dapat dipahami. Mungkin, karya ini tidak ditujukan untuk masyarakat umum yang datang ke gereja, tetapi untuk orang-orang burgher terpelajar dan abdi dalem yang sangat menghargai para sarjana dan alegori rumit dari konten moralistik.

Dan Bosch sendiri? Hieronymus Bosch adalah seorang penulis fiksi ilmiah yang suram, yang diproklamirkan oleh para surealis abad ke-20 sebagai pendahulunya, ayah dan guru spiritual, pencipta lanskap halus dan liris, seorang ahli yang mendalam tentang sifat manusia, seorang satiris, penulis moral, filsuf dan psikolog , seorang pejuang kemurnian agama dan kritikus sengit terhadap birokrat gereja, yang dianggap banyak orang sesat - seniman yang benar-benar brilian ini berhasil dipahami bahkan selama hidupnya, untuk mendapatkan rasa hormat dari orang-orang sezamannya dan jauh di depan pada masanya. .

Pada akhir abad ke-14, Jan Van Aken, kakek buyut seniman, menetap di kota kecil 's-Hertogenbosch di Belanda. Dia menyukai kota itu, semuanya berjalan dengan baik, dan tidak pernah terpikir oleh keturunannya untuk pergi ke suatu tempat untuk mencari hidup yang lebih baik. Mereka menjadi pedagang, pengrajin, seniman, membangun dan mendekorasi 's-Hertogenbosch. Ada banyak seniman di keluarga Aken - kakek, ayah, dua paman, dan dua saudara laki-laki Jerome. (Kakek Jan Van Aken dikreditkan dengan kepenulisan mural yang bertahan hingga hari ini di gereja 's-Hertogenbosch St. John).

Tanggal pasti kelahiran Bosch tidak diketahui, namun diyakini bahwa ia lahir sekitar tahun 1450. Keluarga itu hidup berkelimpahan - ayah artis mendapat banyak pesanan, dan ibunya, putri seorang penjahit lokal, mungkin menerima mahar yang bagus. Selanjutnya, putra mereka Hieronymus Van Aken, seorang patriot hebat di kota asalnya, mulai menyebut dirinya Hieronymus Bosch, mengambil nama singkat 's-Hertogenbosch sebagai nama samaran. Dia menandatangani Jheronimus Bosch, meskipun nama aslinya adalah Jeroen (versi Latin yang benar adalah Hieronymus) Van Aken, yaitu dari Aachen, dari mana leluhurnya berasal.

Nama samaran "Bosch" berasal dari nama kota 's-Hertogenbosch (diterjemahkan sebagai "hutan bangsawan"), sebuah kota kecil Belanda yang terletak di dekat perbatasan Belgia, dan pada masa itu - salah satu dari empat pusat terbesar Kadipaten Brabant, milik Adipati Burgundia. Jerome tinggal di sana sepanjang hidupnya. Hieronymus Bosch memiliki kesempatan untuk hidup di era bermasalah menjelang perubahan besar. Kekuasaan Gereja Katolik yang tak terbagi di Belanda, dan dengannya serta segala hal lain dalam hidup, akan berakhir. Udara penuh dengan antisipasi kerusuhan agama dan pergolakan yang terkait dengannya. Sementara itu, secara lahiriah, semuanya tampak aman. Perdagangan dan kerajinan berkembang pesat. Para pelukis dalam karyanya memuliakan negara yang kaya dan bangga, yang setiap sudutnya diubah menjadi surga dunia dengan kerja keras.

Maka, di sebuah kota kecil di selatan Belanda, seorang seniman muncul, mengisi lukisannya dengan gambaran tentang neraka. Semua kengerian ini ditulis dengan sangat berwarna dan detail, seolah-olah penulisnya telah melihat ke dunia bawah lebih dari sekali.

's-Hertogenbosch adalah kota perdagangan yang makmur di abad ke-15, tetapi berdiri terpisah dari pusat seni yang besar. Di sebelah selatannya terdapat kota-kota terkaya di Flanders dan Brabant - Ghent, Bruges, Brussel, di mana pada awal abad ke-15 sekolah-sekolah seni lukis "zaman keemasan" Belanda dibentuk. Adipati Burgundi yang kuat, yang menyatukan provinsi-provinsi Belanda di bawah pemerintahan mereka, melindungi kehidupan ekonomi dan budaya kota-kota tempat Jan Van Eyck dan Tuan dari Flemal bekerja. Pada paruh kedua abad ke-15, di kota-kota di utara 's-Hertogenbosch, Delft, Harlem, Leiden, Utrecht, para master yang cemerlang bekerja, dan di antara mereka adalah Rogier van der Weyden dan Hugo van der Goes yang brilian, ide-ide revivalis baru tentang dunia dan tempat manusia di dalamnya mulai terbentuk. Manusia, kata para filsuf zaman modern, adalah mahkota ciptaan, pusat alam semesta. Ide-ide ini diwujudkan dengan cemerlang pada tahun-tahun itu dalam karya seniman Italia, orang-orang sezaman Bosch Botticelli, Raphael, Leonardo da Vinci. Namun, provinsi 's-Hertogenbosch sama sekali tidak mirip dengan Florence, ibu kota Tuscany yang bebas dan berkembang, dan untuk beberapa waktu kerusakan utama dari semua tradisi dan yayasan abad pertengahan yang mapan ini tidak menjadi perhatiannya. Dengan satu atau lain cara, Bosch menyerap ide-ide baru, sejarawan seni menyarankan agar dia belajar di Delft atau di Harlem.

Kehidupan Bosch tiba pada titik balik dalam perkembangan Belanda, ketika, dengan pesatnya pertumbuhan industri dan kerajinan, ilmu pengetahuan dan pendidikan menjadi semakin penting, dan pada saat yang sama, seperti yang sering terjadi, orang-orang, bahkan yang paling berpendidikan, mencari perlindungan dan dukungan dalam takhayul abad pertengahan yang gelap, dalam astrologi, alkimia, dan sihir. Dan Bosch, seorang saksi dari proses utama transisi dari Abad Pertengahan yang gelap ke Renaisans yang terang, dengan cemerlang mencerminkan ketidakkonsistenan pada masanya dalam karyanya.

Pada 1478, Bosch menikah dengan Aleid van Merwerme, sebuah keluarga yang berasal dari kalangan atas aristokrasi perkotaan. Keluarga Bosch tinggal di perkebunan kecil milik Aleyd, tidak jauh dari 's-Hertogenbosch. Tidak seperti banyak seniman, Bosch aman secara finansial (fakta bahwa dia jauh dari miskin dibuktikan dengan tingginya jumlah pajak yang dia bayarkan, catatannya disimpan dalam dokumen arsip) dan hanya dapat melakukan apa yang dia inginkan. Dia tidak bergantung pada pesanan dan lokasi pelanggan dan membebaskan dirinya sendiri dalam memilih subjek dan gaya lukisannya.

Siapakah dia, Hieronymus Bosch, ini, mungkin, seniman seni paling misterius di dunia? Seorang bidah atau orang beriman yang menderita, tetapi dengan pola pikir ironis, secara sinis mengejek kelemahan manusia? Seorang mistikus atau humanis, misantrop yang suram atau orang yang ceria, pengagum masa lalu atau peramal yang bijak? Atau mungkin hanya seorang eksentrik yang kesepian, menampilkan buah imajinasinya yang gila di atas kanvas? Ada juga sudut pandang seperti itu: Bosch menggunakan narkoba, dan lukisannya adalah hasil dari kesurupan narkoba

Begitu sedikit yang diketahui tentang hidupnya sehingga sama sekali tidak mungkin untuk mendapatkan gambaran tentang kepribadian artis tersebut. Dan hanya lukisannya yang bisa menceritakan tentang orang seperti apa pengarangnya.

Pertama-tama, luasnya minat dan kedalaman pengetahuan seniman sangat mencolok. Plot lukisannya dimainkan dengan latar belakang bangunan berarsitektur kontemporer dan kuno. Dalam bentang alamnya - semua flora dan fauna yang dikenal saat itu: hewan di hutan utara hidup di antara tumbuhan tropis, dan gajah serta jerapah merumput di ladang Belanda. Dalam lukisan satu altar, ia mereproduksi urutan pembangunan menara sesuai dengan semua aturan seni teknik saat itu, dan di tempat lain ia menggambarkan pencapaian teknologi abad ke-15: air dan kincir angin, tungku peleburan, tempa, jembatan, gerbong, kapal. Dalam lukisan yang menggambarkan neraka, seniman menunjukkan senjata, peralatan dapur, alat musik, dan yang terakhir ditulis dengan sangat akurat dan detail sehingga gambar-gambar ini dapat menjadi ilustrasi untuk buku teks tentang sejarah budaya musik.

Bosch sangat menyadari pencapaian sains kontemporer. Dokter, astrolog, alkemis, ahli matematika sering menjadi pahlawan dalam lukisannya. Gagasan seniman tentang dunia di balik kubur, tentang seperti apa dunia bawah, didasarkan pada pengetahuan mendalam tentang risalah teologis, teologis, dan kehidupan orang-orang kudus. Namun yang paling menakjubkan adalah Bosch memiliki gagasan tentang ajaran sekte sesat rahasia, tentang gagasan ilmuwan Yahudi abad pertengahan, yang bukunya pada saat itu belum diterjemahkan ke dalam bahasa mana pun. bahasa Eropa! Dan, selain itu, cerita rakyat, dunia dongeng dan legenda rakyatnya, juga tercermin dalam lukisannya. Tentunya Bosch pria sejati waktu baru, seorang pria Renaisans, dia bersemangat dan tertarik pada semua yang terjadi di dunia. Pekerjaan Bosch secara kondisional terdiri dari empat level - literal, plot; alegoris, alegoris (dinyatakan secara paralel antara peristiwa Perjanjian Lama dan Baru); simbolis (menggunakan simbolisme abad pertengahan, representasi cerita rakyat) dan rahasia, terkait, seperti yang diyakini beberapa peneliti, dengan peristiwa hidupnya atau dengan berbagai ajaran sesat. Bermain dengan simbol dan tanda, Bosch menyusun simfoni bergambarnya yang megah, di mana tema lagu rakyat, akord agung dari bola surgawi, atau raungan gila dari suara mesin neraka.

Simbolisme Bosch sangat beragam sehingga tidak mungkin mengambil satu kunci umum untuk lukisannya. Simbol mengubah tujuannya tergantung pada konteksnya, dan mereka dapat berasal dari berbagai sumber, terkadang jauh satu sama lain, - dari risalah mistik hingga sihir praktis, dari cerita rakyat hingga pertunjukan ritual.

Di antara sumber paling misterius adalah alkimia - aktivitas yang bertujuan mengubah logam dasar menjadi emas dan perak, dan, sebagai tambahan, menciptakan kehidupan di laboratorium, yang jelas berbatasan dengan ajaran sesat. Di Bosch, alkimia diberkahi dengan sifat-sifat negatif, iblis, dan atributnya sering diidentikkan dengan simbol nafsu: sanggama sering digambarkan di dalam labu kaca atau di dalam air - sedikit senyawa alkimia. Transisi warna terkadang menyerupai tahap pertama transformasi materi; menara bergerigi, pohon berlubang di dalamnya, api adalah simbol neraka dan kematian dan sedikit api alkemis; bejana kedap udara atau tungku peleburan juga merupakan lambang ilmu hitam dan iblis. Dari semua dosa, nafsu mungkin memiliki sebutan yang paling simbolis, dimulai dengan ceri dan buah "menggairahkan" lainnya: anggur, delima, stroberi, apel. Sangat mudah untuk mengenali simbol-simbol seksual: laki-laki semuanya adalah benda runcing: tanduk, panah, bagpipe, sering mengisyaratkan dosa yang tidak wajar; perempuan - segala sesuatu yang menyerap: lingkaran, gelembung, cangkang kerang, kendi (juga menunjukkan iblis yang melompat keluar pada hari Sabat), bulan sabit (juga mengisyaratkan Islam, yang berarti bid'ah).

Ada juga seluruh bestiary hewan "najis", diambil dari Alkitab dan simbol abad pertengahan: unta, kelinci, babi, kuda, bangau, dan banyak lainnya; ular tidak bisa tidak disebut, meskipun tidak begitu umum di Bosch. Burung hantu adalah pembawa pesan iblis dan sekaligus bid'ah atau simbol kebijaksanaan. Kodok, yang menunjukkan belerang dalam alkimia, adalah simbol iblis dan kematian, seperti segala sesuatu yang kering - pohon, kerangka binatang.

Simbol umum lainnya adalah: tangga, menunjukkan jalan menuju pengetahuan dalam alkimia atau melambangkan hubungan seksual; corong terbalik adalah atribut penipuan atau kebijaksanaan palsu; kunci (kognisi atau organ seksual), seringkali dibentuk untuk tidak dibuka; kaki yang terputus secara tradisional dikaitkan dengan mutilasi atau penyiksaan, dan di Bosch itu juga dikaitkan dengan ajaran sesat dan sihir. Adapun segala macam roh jahat, maka fantasi Bosch tidak mengenal batas. Dalam lukisannya, Lucifer mengambil banyak sekali penyamaran: ini adalah setan tradisional dengan tanduk, sayap dan ekor, serangga, setengah manusia - setengah hewan, makhluk dengan bagian tubuh berubah menjadi objek simbolis, mesin antropomorfik, orang aneh tanpa tubuh dengan satu kepala besar di atas kaki, berasal dari zaman antik dengan cara yang aneh. Seringkali setan digambarkan dengan alat musik, kebanyakan alat musik tiup, yang terkadang menjadi bagian dari anatominya, berubah menjadi seruling hidung atau terompet hidung. Akhirnya, cermin, secara tradisional dikaitkan dengan atribut jahat ritual sihir, Bosch menjadi alat pencobaan dalam hidup dan ejekan setelah kematian.

Pada masa Bosch, para seniman terutama melukis lukisan tentang subjek agama. Tapi sudah dalam karya-karyanya yang paling awal, Bosch memberontak melawan aturan yang ditetapkan - dia jauh lebih tertarik pada orang yang hidup, orang-orang pada masanya: pesulap pengembara, tabib, pelawak, aktor, musisi pengemis. Bepergian melalui kota-kota di Eropa, mereka tidak hanya membodohi orang-orang bodoh yang mudah tertipu, tetapi juga menghibur para burgher dan petani yang terhormat, menceritakan apa yang sedang terjadi di dunia. Tidak ada satu pameran pun, tidak ada satu pun karnaval atau hari raya gereja yang dapat dilakukan tanpa mereka, para gelandangan ini, pemberani dan licik. Dan Bosch menulis orang-orang ini, melestarikan cita rasa zamannya untuk anak cucu.

Mari kita bayangkan sebuah kota kecil Belanda dengan jalan-jalannya yang sempit, gereja-gereja runcing, atap genteng, dan balai kota yang sangat diperlukan di alun-alun pasar. Tentu saja, kedatangan seorang pesulap adalah peristiwa besar dalam kehidupan penduduk kota biasa, yang pada umumnya tidak memiliki hiburan khusus - mungkin hanya kebaktian yang meriah di gereja dan malam bersama teman-teman di bar terdekat. Adegan pertunjukan pesulap yang berkunjung menjadi hidup dalam lukisan karya Bosch. Ini dia, seniman ini, meletakkan benda-benda kerajinannya di atas meja, membodohi orang jujur ​​dengan senang hati. Kami melihat bagaimana seorang wanita terhormat, terbawa oleh manipulasi pesulap, membungkuk di atas meja untuk melihat lebih baik apa yang dia lakukan, sementara seorang pria yang berdiri di belakangnya mengeluarkan dompet dari sakunya. Tentunya pesulap dan pencuri yang pandai adalah satu kelompok, dan keduanya memiliki begitu banyak kemunafikan dan kemunafikan di wajah mereka. Tampaknya Bosch sedang menulis adegan yang benar-benar realistis, tetapi tiba-tiba kita melihat seekor katak keluar dari mulut seorang wanita yang penasaran. Diketahui bahwa dalam dongeng abad pertengahan, katak melambangkan kenaifan dan mudah tertipu, berbatasan langsung dengan kebodohan.

Sekitar tahun yang sama, Bosch menciptakan lukisan megah The Seven Deadly Sins. Di tengah gambar ditempatkan pupil - "Mata Tuhan". Di atasnya ada tulisan dalam bahasa Latin: "Waspadalah, waspadalah - Tuhan melihat." Di sekelilingnya terdapat pemandangan yang menggambarkan dosa manusia: kerakusan, kemalasan, nafsu, kesombongan, kemarahan, iri hati dan pelit. Artis mendedikasikan adegan terpisah untuk masing-masing dari tujuh dosa mematikan, dan hasilnya adalah kisah kehidupan manusia. Gambar ini, yang ditulis di papan tulis, pertama kali disajikan sebagai permukaan meja. Karenanya komposisi melingkar yang tidak biasa. Adegan dosa terlihat seperti lelucon lucu bertema moralitas seseorang, artis lebih cenderung bercanda daripada mengutuk dan marah. Bosch mengakui bahwa kebodohan dan sifat buruk tumbuh subur dalam hidup kita, tetapi ini adalah sifat manusia, dan tidak ada yang dapat dilakukan untuk mengatasinya. Orang-orang dari semua kelas, dari semua lapisan masyarakat muncul dalam gambar - bangsawan, petani, pedagang, pendeta, burghers, hakim. Di empat sisi komposisi besar ini, Bosch menggambarkan "Kematian", "Penghakiman Terakhir", "Surga", dan "Neraka" - yang, seperti yang mereka yakini pada masanya, mengakhiri hidup setiap orang.

Pada tahun 1494, puisi Sebastian Brant "The Ship of Fools" dengan ilustrasi oleh Dürer diterbitkan di Basel. “Di malam dan kegelapan dunia jatuh, ditolak oleh Tuhan - orang bodoh berkerumun di semua jalan,” tulis Brant.

Tidak diketahui secara pasti apakah Bosch membaca karya kontemporernya yang brilian, tetapi dalam lukisannya "Ship of Fools" kita melihat semua karakter puisi Brant: pemabuk, pemalas, penipu, pelawak, dan istri pemarah. Tanpa kemudi dan tanpa layar, sebuah kapal dengan orang bodoh sedang berlayar. Penumpangnya menikmati kesenangan duniawi yang menjijikkan. Tidak ada yang tahu kapan dan di mana pelayaran akan berakhir, di pantai mana mereka ditakdirkan untuk mendarat, dan mereka tidak peduli - mereka hidup di masa sekarang, melupakan masa lalu dan tidak memikirkan masa depan. Tempat terbaik ditempati oleh seorang biksu dan biksuni yang melantunkan lagu cabul; tiang telah berubah menjadi pohon dengan mahkota yang rimbun, di mana Kematian menyeringai jahat, dan di atas semua kegilaan ini sebuah bendera bergambar bintang dan bulan sabit, simbol Muslim, menandakan penyimpangan dari iman yang benar, dari agama Kristen, berkibar .

Pada tahun 1516, pada tanggal 9 Agustus, menurut arsip 's-Hertogenbosch, " artis terkenal» Hieronymus Bosch meninggal dunia. Namanya menjadi terkenal tidak hanya di Belanda, tetapi juga di negara-negara Eropa lainnya. Raja Spanyol Philip II mengumpulkan karya terbaiknya dan bahkan menempatkan Tujuh Dosa Mematikan di kamar tidurnya di Escorial, dan Gerobak Jerami di atas mejanya. Sejumlah besar "mahakarya" dari banyak pengikut, penyalin, peniru, dan penipu sederhana yang memalsukan karya master hebat muncul di pasar seni. Dan pada tahun 1549, di Antwerpen, Pieter Brueghel muda mengorganisir "Bengkel Hieronymus Bosch", di mana, bersama dengan teman-temannya, dia membuat ukiran dengan gaya Bosch, dan menjualnya dengan sukses besar. Namun, sudah di penghujung abad ke-16, kehidupan masyarakat berubah secara dramatis sehingga bahasa simbolik seniman menjadi tidak dapat dipahami. Penerbit yang mencetak ukiran dari karyanya terpaksa menemani mereka dengan komentar panjang lebar, sambil hanya berbicara tentang sisi moralisasi karya seniman. Altar Bosch menghilang dari gereja, pindah ke koleksi kolektor kelas atas yang senang mengartikannya. Pada abad ke-17, Bosch bisa dibilang dilupakan justru karena semua karyanya sarat dengan simbol.

Tahun-tahun berlalu, dan tentu saja, di abad ke-18 dan ke-19 yang gagah berani, Bosch ternyata sama sekali tidak diperlukan, terlebih lagi, asing. Pahlawan Gorky Klim Samgin, melihat gambar Bosch di Pinakothek Munich tua, tercengang: "Aneh bahwa gambar yang menjengkelkan ini mendapat tempat di salah satu museum terbaik di ibu kota Jerman. Bosch ini bertindak dengan kenyataan seperti seorang anak dengan mainan - hancurkan, lalu rekatkan potongan-potongan itu sesuai keinginannya. Omong kosong. Ini cocok untuk feuilleton surat kabar provinsi. Karya seniman itu berdebu di gudang museum, dan sejarawan seni hanya menyebutkan secara singkat dalam tulisan mereka tentang pelukis aneh abad pertengahan yang melukis semacam phantasmagoria.

Tapi kemudian abad ke-20 tiba, dengan perang mengerikan yang mengubah semua pemahaman manusia tentang manusia, abad yang membawa kengerian Holocaust, kegilaan dari karya tungku Auschwitz yang terus disesuaikan, mimpi buruk jamur atom. Dan kemudian ada kiamat Amerika pada 11 September 2001, dan Nord-Ost Moskow, bagaimana nilai-nilai lama dibantah dan dibuang atas nama sesuatu yang baru dan tidak dikenal, di zaman kita ini kembali menjadi sangat modern dan segar. Dan refleksinya yang menyakitkan dan wawasannya yang menyedihkan, hasil pemikirannya tentang masalah abadi kebaikan dan kejahatan, sifat manusia, tentang kehidupan, kematian dan iman, yang tidak meninggalkan kita apapun yang terjadi, menjadi sangat berharga dan benar-benar diperlukan. Itulah mengapa kami berulang kali melihat kanvasnya yang cemerlang dan awet muda.

Karya Bosch dalam simbolismenya mirip dengan karya Robert Campin, tetapi perbandingan realisme Campin dan phantasmagoria Hieronymus Bosch tidak sepenuhnya tepat. Dalam karya Campin ada yang disebut "simbolisme tersembunyi", simbolisme Campin sudah mapan, lebih bisa dimengerti, seolah-olah mengagungkan dunia material. Simbolisme Bosch lebih merupakan ejekan terhadap dunia sekitar, sifat buruknya, dan bukan pemuliaan dunia ini. Bosch menafsirkan cerita alkitabiah terlalu bebas.

Kesimpulan.

Banyak seniman abad ke-15 menjadi terkenal karena memuji agama dan dunia material dalam karya mereka. Kebanyakan dari mereka menggunakan simbolisme untuk ini, makna tersembunyi dalam penggambaran objek sehari-hari. Simbolisme Kampin entah bagaimana biasa saja, tetapi meskipun demikian, tidak selalu mungkin untuk memahami apakah simbolisme rahasia tersembunyi dalam gambar suatu objek atau apakah objek itu hanya bagian dari interior.

Karya Jan van Eyck mengandung simbolisme agama, namun memudar menjadi latar belakang, dalam karyanya Jan van Eyck menggambarkan adegan-adegan dasar dari Alkitab, dan makna serta plot dari adegan tersebut jelas bagi semua orang.

Bosch mengolok-olok dunia di sekitarnya, menggunakan simbolisme dengan caranya sendiri dan menafsirkan peristiwa di sekitarnya dan tindakan orang. Terlepas dari minat ekstrim karyanya, mereka segera dilupakan dan sebagian besar menjadi koleksi pribadi. Ketertarikan padanya baru dihidupkan kembali pada awal abad ke-20.

Kebudayaan Belanda mencapai puncaknya pada tahun 1960-an. Abad XVI. Tetapi pada periode yang sama, terjadi peristiwa yang menyebabkan Belanda lama lenyap: pemerintahan berdarah Alba, yang menelan biaya ribuan negara. hidup manusia, menyebabkan perang yang benar-benar menghancurkan Flanders dan Brabant - wilayah budaya utama negara itu. Penduduk provinsi utara, berbicara pada tahun 1568 melawan raja Spanyol, tidak menurunkan senjata sampai kemenangan pada tahun 1579, ketika pembentukan negara baru, Provinsi Bersatu, diproklamirkan. Itu termasuk wilayah utara negara itu, dipimpin oleh Belanda. Belanda selatan tetap berada di bawah kekuasaan Spanyol selama hampir satu abad.

Alasan terpenting matinya budaya ini adalah Reformasi, yang selamanya membagi orang Belanda menjadi Katolik dan Protestan. Pada saat nama Kristus ada di bibir kedua pihak yang bertikai, seni rupa tidak lagi menjadi Kristen.

Di wilayah Katolik, melukis pada subjek agama telah menjadi bisnis yang berbahaya: mengikuti cita-cita abad pertengahan yang penuh warna dan tradisi interpretasi bebas dari tema-tema alkitabiah yang berasal dari Bosch dapat sama-sama membuat seniman dicurigai bid'ah.

Di provinsi utara, di mana Protestantisme berjaya pada akhir abad ini, lukisan dan pahatan "diusir" dari gereja. Pengkhotbah Protestan dengan keras mencela seni gereja sebagai penyembahan berhala. Dua gelombang ikonoklasme yang merusak - 1566 dan 1581. - menghancurkan banyak karya seni yang luar biasa.

Pada awal Zaman Baru, keharmonisan abad pertengahan antara dunia duniawi dan surgawi rusak. Dalam kehidupan seseorang di penghujung abad ke-16, rasa tanggung jawab atas perbuatannya di hadapan Tuhan digantikan dengan mengikuti norma moral masyarakat. Cita-cita kekudusan digantikan oleh cita-cita integritas pencuri. Seniman menggambarkan dunia yang mengelilingi mereka, semakin melupakan Penciptanya. Realisme simbolik Renaisans Utara digantikan oleh realisme duniawi yang baru.

Saat ini, altar para master besar dapat direstorasi, justru karena mahakarya lukisan seperti itu layak untuk dilestarikan selama berabad-abad.

Meskipun sejumlah besar monumen seni Belanda yang luar biasa dari abad ke-15 dan ke-16 telah sampai kepada kita, perlu, ketika mempertimbangkan perkembangannya, untuk mempertimbangkan fakta bahwa banyak yang musnah baik selama gerakan ikonoklastik, yang memanifestasikan dirinya dalam sejumlah tempat selama revolusi abad ke-16, dan kemudian, khususnya sehubungan dengan sedikit perhatian yang diberikan kepada mereka di kemudian hari, hingga awal abad ke-19.
Ketiadaan dalam banyak kasus tanda tangan seniman dalam lukisan dan kelangkaan data dokumenter membutuhkan upaya yang signifikan dari banyak peneliti untuk memulihkan warisan seniman individu melalui analisis gaya yang menyeluruh. Sumber tertulis utama adalah Book of Artists yang diterbitkan pada 1604 (terjemahan Rusia, 1940) oleh pelukis Karel van Mander (1548-1606). Disusun dengan model "Biografi" Vasari, biografi seniman Belanda abad 15-16 oleh Mander mengandung materi yang luas dan berharga, yang makna khususnya terletak pada informasi tentang monumen yang langsung dikenal oleh penulisnya.
Pada kuartal pertama abad ke-15, revolusi radikal terjadi dalam perkembangan seni lukis Eropa Barat - lukisan kuda-kuda muncul. Tradisi sejarah menghubungkan revolusi ini dengan aktivitas saudara-saudara van Eyck, pendiri sekolah seni lukis Belanda. Karya van Eycks sebagian besar disiapkan oleh penaklukan realistis para master generasi sebelumnya - pengembangan patung Gotik akhir dan terutama aktivitas seluruh galaksi master miniatur buku Flemish yang bekerja di Prancis. Namun, dalam seni yang halus dan halus dari para master ini, khususnya saudara-saudara Limburg, realisme detail dipadukan dengan citra kondisional ruang dan sosok manusia. Karya mereka melengkapi perkembangan Gotik dan termasuk dalam tahap lain perkembangan sejarah. Kegiatan para seniman ini hampir seluruhnya berlangsung di Prancis, kecuali di Bruderlam. Seni yang dibuat di wilayah Belanda sendiri pada akhir abad ke-14 dan awal abad ke-15 bersifat sekunder, bersifat provinsial. Menyusul kekalahan Prancis di Agincourt pada tahun 1415 dan pemindahan Philip yang Baik dari Dijon ke Flanders, emigrasi seniman dihentikan. Seniman menemukan banyak pelanggan, selain pengadilan Burgundi dan gereja, di antara warga kaya. Selain membuat lukisan, mereka juga melukis patung dan relief, melukis spanduk, melakukan berbagai karya dekoratif, dan menghiasi kemeriahan. Dengan beberapa pengecualian (Jan van Eyck), seniman, seperti pengrajin, bersatu dalam serikat. Kegiatan mereka, terbatas pada batas kota, berkontribusi pada pembentukan sekolah seni lokal, yang, bagaimanapun, tidak terlalu terisolasi karena jaraknya yang kecil dibandingkan di Italia.
Altar Ghent. Karya paling terkenal dan terbesar dari van Eyck bersaudara, The Adoration of the Lamb (Ghent, St. Bavo Church) adalah salah satu mahakarya besar seni dunia. Ini adalah gambar altar lipat dua tingkat yang besar, terdiri dari 24 lukisan terpisah, 4 di antaranya ditempatkan di bagian tengah yang tetap, dan sisanya di sayap dalam dan luar). Tingkat bawah sisi dalam membentuk satu komposisi, meskipun dibagi menjadi 5 bagian oleh bingkai selempang. Di tengah, di padang rumput yang ditumbuhi bunga, sebuah singgasana dengan anak domba menjulang di atas bukit, darah dari lukanya mengalir ke dalam mangkuk, melambangkan korban penebusan Kristus; sedikit lebih rendah mengalahkan mata air dari "sumber air hidup" (yaitu iman Kristen). Kerumunan orang berkumpul untuk menyembah anak domba - di sebelah kanan adalah para rasul yang berlutut, di belakang mereka adalah perwakilan gereja, di sebelah kiri - para nabi, dan di latar belakang - para martir suci yang muncul dari kebun. Para pertapa dan peziarah yang digambarkan di sayap kanan, dipimpin oleh raksasa Christopher, juga pergi ke sini. Penunggang kuda ditempatkan di sayap kiri - pembela iman Kristen, ditandai dengan tulisan sebagai "prajurit Kristus" dan "Hakim yang Benar". Isi kompleks dari komposisi utama diambil dari Kiamat dan teks alkitabiah dan Injil lainnya dan dikaitkan dengan hari raya gereja semua orang kudus. Meskipun elemen individu berasal dari ikonografi abad pertengahan dari tema ini, elemen tersebut tidak hanya menjadi rumit dan diperluas secara signifikan dengan memasukkan gambar pada pintu yang tidak disediakan oleh tradisi, tetapi juga diterjemahkan oleh seniman menjadi gambar yang benar-benar baru, konkret, dan hidup. Perhatian khusus patut, khususnya, lanskap, di antaranya tontonan terungkap; banyak spesies pohon dan semak, bunga, bebatuan yang ditutupi retakan dan panorama jarak yang terbuka di latar belakang ditampilkan dengan akurasi yang luar biasa. Di hadapan tatapan tajam sang seniman, seolah-olah untuk pertama kalinya, kekayaan bentuk alam yang menyenangkan terungkap, yang ia sampaikan dengan perhatian penuh hormat. Ketertarikan pada keragaman aspek jelas terekspresikan dalam kekayaan keragaman wajah manusia. Dengan kehalusan yang luar biasa, mitra uskup yang dihiasi dengan batu, tali kekang kuda yang kaya, dan baju besi yang berkilauan disampaikan. Dalam "prajurit" dan "hakim", kemegahan luar biasa dari istana dan kesatria Burgundi menjadi hidup. Komposisi terpadu dari tingkat bawah ditentang oleh tokoh-tokoh besar dari tingkat atas yang ditempatkan di relung. Kekhidmatan yang ketat membedakan tiga tokoh sentral - Allah Bapa, Perawan Maria dan Yohanes Pembaptis. Kontras yang tajam dengan gambar-gambar agung ini adalah sosok telanjang Adam dan Hawa, dipisahkan dari mereka oleh gambar malaikat bernyanyi dan bermain. Untuk semua archaisme penampilan mereka, pemahaman seniman tentang struktur tubuh sangat mencolok. Tokoh-tokoh tersebut menarik perhatian para seniman abad ke-16, seperti Dürer. Bentuk sudut Adam dikontraskan dengan kebulatan tubuh perempuan. Dengan perhatian yang cermat, permukaan tubuh yang menutupi bulu-bulunya dipindahkan. Namun, pergerakan figurnya terkendala, posenya tidak stabil.
Catatan khusus adalah pemahaman yang jelas tentang perubahan yang dihasilkan dari perubahan sudut pandang (rendah untuk nenek moyang dan tinggi untuk tokoh lainnya).
Monokromatisitas pintu luar dirancang untuk menonjolkan kekayaan warna dan kemeriahan pintu terbuka. Altar dibuka hanya pada hari libur. Di tingkat bawah terdapat patung Yohanes Pembaptis (kepada siapa gereja ini awalnya didedikasikan) dan Yohanes Penginjil, meniru patung batu, dan sosok donatur Iodokus Feit dan istrinya yang sedang berlutut berdiri dengan lega di relung yang teduh. Munculnya gambar-gambar indah seperti itu disiapkan oleh pengembangan patung potret. Sosok malaikat agung dan Maria dalam adegan Kabar Sukacita yang terungkap dalam satu kesatuan, meskipun dipisahkan oleh bingkai selempang, interiornya dibedakan oleh plastisitas patung yang sama. Perhatian tertuju pada pengalihan perabotan perumahan pencuri yang penuh kasih dan pemandangan jalan kota yang terbuka melalui jendela.
Sebuah prasasti dalam ayat yang ditempatkan di altar mengatakan bahwa itu dimulai oleh Hubert van Eyck, "yang terbesar dari semuanya", diselesaikan oleh saudaranya "yang kedua dalam seni" atas nama Jodocus Feit, dan ditahbiskan pada tanggal 6 Mei 1432. Indikasi keikutsertaan dua seniman tersebut tentu saja memunculkan berbagai upaya untuk membedakan porsi keikutsertaan masing-masing. Namun, sangat sulit untuk melakukan ini, karena eksekusi bergambar altar seragam di semua bagian. Kompleksitas tugas ini diperparah oleh fakta bahwa, meskipun kami memiliki informasi biografi yang dapat dipercaya tentang Jan, dan yang paling penting, kami memiliki sejumlah karyanya yang tidak perlu dipersoalkan, kami hampir tidak tahu apa-apa tentang Hubert dan tidak memiliki satu pun karya terdokumentasinya. . Upaya untuk membuktikan kepalsuan prasasti dan menyatakan Hubert sebagai "tokoh legendaris" harus dianggap tidak terbukti. Hipotesis tersebut tampaknya paling masuk akal, menurut Jan yang menggunakan dan menyelesaikan bagian-bagian altar yang dimulai oleh Hubert, yaitu, "Pemujaan Anak Domba", dan figur-figur dari tingkat atas yang awalnya tidak membentuk satu kesatuan pun. bersamanya, kecuali Adam dan Hawa, dieksekusi seluruhnya oleh Jan; kepemilikan seluruh katup luar dengan yang terakhir tidak pernah menyebabkan diskusi.
Hubert van Eyck. Kepenulisan Hubert (?-1426) dalam kaitannya dengan karya lain yang dikaitkan dengannya oleh sejumlah peneliti masih kontroversial. Hanya satu lukisan "Tiga Maria di Makam Kristus" (Rotterdam) yang dapat ditinggalkan tanpa ragu-ragu. Lanskap dan sosok perempuan dalam lukisan ini sangat mirip dengan bagian paling kuno dari altar Ghent (separuh bawah lukisan tengah di tingkat bawah), dan pemandangan khas sarkofagus mirip dengan gambar perspektif air mancur. dalam Adorasi Anak Domba. Namun, tidak ada keraguan bahwa Jan juga mengambil bagian dalam eksekusi gambar tersebut, yang harus dikaitkan dengan tokoh-tokoh lainnya. Yang paling ekspresif di antara mereka adalah prajurit yang sedang tidur. Hubert, dibandingkan Jan, berperan sebagai seniman yang karyanya masih terkait dengan tahap perkembangan sebelumnya.
Jan van Eyck (c. 1390-1441). Jan van Eyck memulai karirnya di Den Haag, di pengadilan bangsawan Belanda, dan dari tahun 1425 dia adalah seorang seniman dan punggawa Philip yang Baik, atas namanya dia dikirim sebagai bagian dari kedutaan pada tahun 1426 ke Portugal dan pada tahun 1428 ke Spanyol; dari 1430 dia menetap di Bruges. Seniman itu menikmati perhatian khusus sang duke, yang dalam salah satu dokumen menyebutnya "tak tertandingi dalam seni dan pengetahuan". Karya-karyanya dengan gamblang berbicara tentang budaya tinggi senimannya.
Vasari, mungkin mengacu pada tradisi sebelumnya, merinci penemuan lukisan cat minyak oleh Jan van Eyck yang "canggih dalam alkimia". Akan tetapi, kita tahu bahwa biji rami dan minyak pengering lainnya sudah dikenal sebagai bahan pengikat pada awal Abad Pertengahan (risalah Heraclius dan Theophilus, abad ke-10) dan cukup banyak digunakan, menurut sumber tertulis, pada abad ke-14. Namun demikian, penggunaannya terbatas pada karya dekoratif, di mana cat tersebut digunakan untuk daya tahan yang lebih besar dibandingkan dengan tempera, dan bukan karena sifat optiknya. Jadi, M. Bruderlam, yang altar Dijonnya dicat dengan tempera, menggunakan minyak saat mengecat spanduk. Lukisan van Eycks dan seniman tetangga Belanda abad ke-15 sangat berbeda dari lukisan yang dibuat dengan teknik tempera tradisional, dengan kilauan warna dan kedalaman nada seperti enamel. Teknik van Eycks didasarkan pada penggunaan yang konsisten dari sifat optik cat minyak yang diaplikasikan dalam lapisan transparan pada underpainting yang tembus melalui mereka dan tanah kapur yang sangat reflektif, pada pengenalan resin yang dilarutkan dalam minyak esensial dan penggunaan pigmen berkualitas tinggi. Teknik baru, yang muncul sehubungan langsung dengan pengembangan metode penggambaran realistik baru, sangat memperluas kemungkinan transmisi gambar yang benar dari kesan visual.
Pada awal abad ke-20, dalam sebuah manuskrip yang dikenal sebagai Buku Jam Turin-Milan, sejumlah miniatur yang secara gaya dekat dengan altar Ghent ditemukan, 7 di antaranya menonjol karena kualitasnya yang sangat tinggi. Yang sangat luar biasa dalam miniatur ini adalah lanskapnya, yang ditampilkan dengan pemahaman yang sangat halus tentang hubungan cahaya dan warna. Dalam miniatur "Prayer on the Seashore", yang menggambarkan seorang pengendara yang dikelilingi oleh pengiring di atas kuda putih (hampir identik dengan kuda-kuda di sayap kiri Ghent Altar), bersyukur atas penyeberangan yang aman, badai laut dan langit mendung luar biasa disampaikan. Yang tidak kalah mencolok dalam kesegarannya adalah lanskap sungai dengan kastil, diterangi matahari sore ("St. Julian dan Martha"). Interior ruang burgher dalam komposisi "The Nativity of John the Baptist" dan gereja Gothic dalam "Requiem Mass" disampaikan dengan persuasif yang mengejutkan. Jika pencapaian seniman inovatif di bidang lanskap tidak menemukan kesejajaran hingga abad ke-17, maka figur-figur kurus dan ringan masih sepenuhnya terkait dengan tradisi Gotik kuno. Miniatur ini berasal dari sekitar 1416-1417 dan dengan demikian menjadi ciri tahap awal karya Jan van Eyck.
Kedekatan yang signifikan dengan miniatur terakhir yang disebutkan memberi alasan untuk mempertimbangkan salah satu lukisan paling awal karya Jan van Eyck "Madonna in the Church" (Berlin), di mana cahaya yang mengalir dari jendela atas tersampaikan dengan luar biasa. Dalam miniatur triptych yang ditulis belakangan, dengan gambar Madonna di tengah, St. Michael dengan pelanggan dan St. Catherine di sayap bagian dalam (Dresden), kesan nave gereja yang masuk jauh ke dalam ruang mencapai ilusi yang hampir sempurna. Keinginan untuk memberikan gambaran karakter nyata dari objek nyata secara khusus diucapkan pada sosok malaikat agung dan Maria di sayap luar, yang meniru patung yang terbuat dari tulang berukir. Semua detail dalam gambar ditulis dengan sangat hati-hati sehingga menyerupai perhiasan. Kesan ini semakin diperkuat dengan kilauan warna-warna yang berkilauan bak batu mulia.
Keanggunan ringan triptych Dresden ditentang oleh kemegahan berat Madonna of Canon van der Pale. (1436, Bruges), dengan sosok-sosok besar didorong ke ruang sempit apse Romawi rendah. Mata tidak bosan mengagumi jubah uskup biru dan emas yang dicat luar biasa dari St. Donatian, baju zirah berharga dan terutama surat berantai St. Michael, karpet oriental yang megah. Sama hati-hati dengan tautan terkecil dari surat berantai, sang seniman menyampaikan lipatan dan kerutan dari wajah lembek dan lelah dari pelanggan lama yang cerdas dan baik hati - Canon van der Pale.
Salah satu ciri seni van Eyck adalah detail ini tidak mengaburkan keseluruhannya.
Dalam mahakarya lain, yang dibuat sedikit lebih awal, "Madonna of Chancellor Rolen" (Paris, Louvre), perhatian khusus diberikan pada lanskap, yang dilihat dari loggia tinggi. Kota di tepi sungai terbuka bagi kita dalam segala keragaman arsitekturnya, dengan sosok orang di jalanan dan alun-alun, seolah dilihat melalui teleskop. Kejernihan ini berubah secara nyata saat bergerak menjauh, warna memudar - artis memiliki pemahaman perspektif udara. Dengan objektivitas yang khas, fitur wajah dan tatapan penuh perhatian dari Kanselir Rolen, seorang negarawan yang dingin, bijaksana, dan mementingkan diri sendiri yang memimpin kebijakan negara bagian Burgundi, tersampaikan.
Tempat khusus di antara karya Jan van Eyck adalah milik lukisan mungil “St. Barbara ”(1437, Antwerp), atau lebih tepatnya, gambar yang dibuat dengan kuas terbaik di atas papan yang telah diprioritaskan. Orang suci itu digambarkan sedang duduk di kaki menara katedral yang sedang dibangun. Menurut legenda, st. Barbara dikurung di sebuah menara, yang menjadi atributnya. Van Eyck, yang melestarikan makna simbolis menara, memberinya karakter nyata, menjadikannya elemen utama lanskap arsitektural. Contoh serupa dari jalinan yang simbolis dan yang nyata, yang menjadi ciri khas periode transisi dari pandangan dunia teologis-skolastik ke pemikiran realistis, dalam karya tidak hanya Jan van Eyck, tetapi juga seniman lain di awal abad ini, orang bisa mengutip beberapa; banyak detail-gambar pada ibu kota kolom, dekorasi furnitur, berbagai barang rumah tangga dalam banyak kasus memiliki makna simbolis (misalnya, dalam adegan Kabar Sukacita, wastafel dan handuk berfungsi sebagai simbol kemurnian perawan Maria).
Jan van Eyck adalah salah satu ahli potret yang hebat. Tidak hanya para pendahulunya, tetapi juga orang Italia pada zamannya menganut skema gambar profil yang sama. Jan van Eyck memalingkan wajahnya ¾ dan menyinari dengan kuat; dalam memodelkan wajah, dia menggunakan chiaroscuro pada tingkat yang lebih rendah daripada hubungan tonal. Salah satu potretnya yang paling luar biasa menggambarkan pemuda dengan wajah jelek, tapi menarik karena kesopanan dan kerohaniannya, dengan pakaian merah dan hiasan kepala hijau. Nama Yunani "Timotius" (mungkin mengacu pada nama musisi Yunani terkenal), ditunjukkan pada langkan batu, bersama dengan tanda tangan dan tanggal 1432, berfungsi sebagai julukan untuk nama yang digambarkan, tampaknya salah satu musisi utama. yang melayani Adipati Burgundia.
"Potret Seorang Pria Tak Dikenal dengan Sorban Merah" (1433, London) menonjol dengan penampilan gambar terbaik dan ekspresif yang tajam. Untuk pertama kalinya dalam sejarah seni dunia, tatapan yang digambarkan tertuju pada penonton, seolah-olah melakukan komunikasi langsung dengannya. Sangat masuk akal untuk mengasumsikan bahwa ini adalah potret diri sang seniman.
Untuk "Potret Kardinal Albergati" (Wina), gambar persiapan yang luar biasa dengan pensil perak (Dresden), dengan catatan warna, telah disimpan, tampaknya dibuat pada tahun 1431 selama kunjungan singkat diplomat penting ini di Bruges. Potret bergambar, yang tampaknya dilukis jauh kemudian, dengan tidak adanya model, dibedakan dengan karakterisasi yang kurang tajam, tetapi signifikansi karakter yang lebih ditekankan.
Karya potret terakhir seniman adalah satu-satunya potret wanita dalam warisannya - "Potret istrinya" (1439, Bruges).
Tempat khusus tidak hanya dalam karya Jan van Eyck, tetapi juga dalam semua seni Belanda abad 15-16 milik "Potret Giovanni Arnolfini dan istrinya" (1434, London. Arnolfini adalah perwakilan terkemuka dari koloni perdagangan Italia di Bruges). Gambar-gambar tersebut disajikan dalam suasana intim interior burger yang nyaman, tetapi simetri yang ketat dari komposisi dan gerak tubuh (tangan pria itu terangkat, seolah-olah sedang bersumpah, dan pasangan itu bergandengan tangan) memberikan adegan itu karakter yang sangat khusyuk. Seniman mendorong batas-batas gambar potret murni, mengubahnya menjadi adegan pernikahan, menjadi semacam pendewaan kesetiaan perkawinan, yang simbolnya adalah anjing yang digambarkan di kaki pasangan. Kami tidak akan menemukan potret ganda seperti itu di interior dalam seni Eropa sampai "Utusan" Holbein ditulis satu abad kemudian.
Seni Jan van Eyck meletakkan dasar di mana seni Belanda berkembang di masa depan. Di dalamnya, untuk pertama kalinya, sikap baru terhadap realitas menemukan ekspresinya yang hidup. Itu adalah fenomena paling maju dalam kehidupan artistik pada masanya.
Tuan Flemish. Namun, fondasi seni realistik baru diletakkan, tidak hanya oleh Jan van Eyck. Bersamaan dengan dia, yang disebut master Flemalsky bekerja, yang karyanya tidak hanya berkembang secara independen dari seni van Eyck, tetapi, tampaknya, memiliki pengaruh tertentu pada karya awal Jan van Eyck. Sebagian besar peneliti mengidentifikasi seniman ini (dinamai menurut tiga lukisan Museum Frankfurt, yang berasal dari desa Flemal dekat Liège, di mana sejumlah karya anonim lainnya dilampirkan sesuai dengan fitur gaya) dengan master Robert Campin (c. 1378-1444 ) disebutkan dalam beberapa dokumen dari kota Tournai.
Dalam karya awal seniman - "The Nativity" (c. 1420-1425, Dijon), hubungan dekat dengan miniatur Jacquemart dari Esden (dalam komposisi, karakter umum lanskap, cahaya, pewarnaan keperakan) jelas terungkap. Ciri-ciri kuno - pita dengan tulisan di tangan malaikat dan wanita, semacam perspektif "miring" dari kanopi, karakteristik seni abad ke-14, digabungkan di sini dengan pengamatan segar (jenis gembala rakyat yang cerdas).
Dalam triptych The Annunciation (New York), tema religius tradisional terungkap dalam interior burgher yang mendetail dan penuh kasih. Di sayap kanan - kamar sebelah, tempat tukang kayu tua Joseph membuat perangkap tikus; Melalui jendela kisi, pemandangan alun-alun kota terbuka. Di sebelah kiri, di pintu menuju kamar, sosok pelanggan berlutut - pasangan Ingelbrechts. Ruang sempit hampir seluruhnya diisi dengan figur dan objek yang digambarkan dalam reduksi perspektif yang tajam, seolah-olah dari sudut pandang yang sangat tinggi dan dekat. Ini memberi komposisi karakter dekoratif datar, terlepas dari volume figur dan objek.
Kenalan Jan van Eyck dengan karya master Flemal ini memengaruhinya ketika dia menciptakan "Kabar Sukacita" dari Ghent Altarpiece. Perbandingan kedua lukisan ini dengan jelas mencirikan ciri-ciri tahap awal dan selanjutnya dalam pembentukan seni realistik baru. Dalam karya Jan van Eyck, yang terkait erat dengan istana Burgundi, interpretasi murni pencuri dari plot agama tidak dikembangkan lebih lanjut; di master Flemalsky, kami bertemu dengannya lebih dari sekali. "Madonna by the Fireplace" (c. 1435, St. Petersburg, Hermitage) dianggap sebagai gambaran murni sehari-hari; seorang ibu yang peduli menghangatkan tangannya di dekat perapian sebelum menyentuh tubuh anak telanjang itu. Seperti Kabar Sukacita, gambar diterangi dengan cahaya yang stabil dan kuat serta dipertahankan dalam skema warna yang dingin.
Namun, gagasan kami tentang karya master ini akan jauh dari lengkap jika penggalan dari dua karya besarnya tidak sampai kepada kami. Dari triptych "Descent from the Cross" (komposisinya diketahui dari salinan lama di Liverpool), bagian atas sayap kanan dengan sosok perampok diikat ke salib, di dekatnya berdiri dua orang Romawi (Frankfurt), telah dilestarikan. Dalam gambar monumental ini, seniman mempertahankan latar belakang emas tradisional. Tubuh telanjang yang menonjol di atasnya disampaikan dengan cara yang sangat berbeda dari yang tertulis di altar Adam dari Ghent. Sosok Madonna dan St. Veronica" (Frankfurt) - pecahan dari altar besar lainnya. Transfer bentuk plastik, seolah-olah menekankan materialitasnya, digabungkan di sini dengan ekspresi wajah dan gerak tubuh yang halus.
Satu-satunya karya seniman yang bertanggal adalah selempang, dengan gambar di sebelah kiri Heinrich Werl, seorang profesor di Universitas Cologne dan Yohanes Pembaptis, dan di sebelah kanan - St. Barbar, duduk di bangku dekat perapian dan tenggelam dalam membaca (1438, Madrid), merujuk pada periode akhir karyanya. Kamar St. Varvara sangat mirip dalam beberapa detail dengan interior artis yang sudah dikenal dan pada saat yang sama berbeda dari mereka dalam transfer ruang yang jauh lebih meyakinkan. Cermin bundar dengan sosok yang terpantul di sayap kiri dipinjam dari Jan van Eyck. Namun, lebih jelas lagi, baik dalam karya ini maupun di sayap Frankfurt, terdapat ciri-ciri kedekatan dengan guru besar sekolah Belanda lainnya, Roger van der Weyden, yang merupakan murid Kampen. Kedekatan ini membuat beberapa sarjana yang keberatan dengan identifikasi master Flémalle dengan Campin berpendapat bahwa karya yang dikaitkan dengannya sebenarnya adalah karya periode awal Roger. Sudut pandang ini, bagaimanapun, tampaknya tidak meyakinkan, dan ciri-ciri keintiman yang ditekankan cukup dapat dijelaskan oleh pengaruh seorang siswa yang sangat berbakat pada gurunya.
Roger van der Weyden. Ini yang terbesar, setelah Jan van Eyck, seniman sekolah Belanda (1399-1464). Dokumen arsip berisi indikasi keberadaannya pada tahun 1427-1432 di bengkel R. Campin di Tournai. Dari tahun 1435, Roger bekerja di Brussel, di mana dia menjabat sebagai pelukis kota.
Karyanya yang paling terkenal, yang dibuat di masa mudanya, adalah Descent from the Cross (c. 1435, Madrid). Sepuluh sosok ditempatkan pada latar belakang emas, di ruang sempit di latar depan, seperti relief polikrom. Meskipun pola kompleks, komposisinya sangat jelas; semua sosok yang membentuk ketiga kelompok itu digabungkan menjadi satu kesatuan yang tak terpisahkan; kesatuan kelompok-kelompok ini dibangun di atas pengulangan ritmis dan keseimbangan bagian-bagian individu. Lekuk tubuh Maria mengulangi lekukan tubuh Kristus; paralelisme ketat yang sama membedakan sosok Nikodemus dan wanita yang menopang Maria, serta sosok Yohanes dan Maria Magdalena yang menutup komposisi di kedua sisi. Momen formal ini melayani tugas utama - pengungkapan paling jelas dari momen dramatis utama dan, di atas segalanya, konten emosionalnya.
Mander berkata tentang Roger bahwa dia memperkaya seni Belanda dengan menyampaikan gerakan dan "terutama perasaan, seperti kesedihan, kemarahan atau kegembiraan, sesuai dengan alurnya." Menjadikan peserta individu dalam peristiwa dramatis pembawa berbagai corak perasaan duka, sang seniman menahan diri untuk tidak mengindividualisasikan gambar, sama seperti ia menolak untuk memindahkan adegan ke latar yang nyata dan konkret. Pencarian untuk ekspresif berlaku dalam karyanya atas observasi objektif.
Bertindak sebagai seorang seniman, sangat berbeda dalam aspirasi kreatifnya dari Jan van Eyck, Roger mengalami, bagaimanapun, dampak langsung dari yang terakhir. Beberapa lukisan awal master berbicara dengan fasih tentang hal ini, khususnya, Kabar Sukacita (Paris, Louvre) dan Penginjil Lukas Melukis Madonna (Boston; pengulangan - St. Petersburg, Pertapaan dan Munich). Pada lukisan kedua ini, komposisinya berulang dengan sedikit perubahan komposisi Madonna of Chancellor Rolin karya Jan van Eyck. Legenda Kristen yang berkembang pada abad ke-4 menganggap Lukas sebagai pelukis ikon pertama yang menggambarkan wajah Bunda Allah (sejumlah ikon "ajaib" dikaitkan dengannya); pada abad 13-14, ia dikenal sebagai pelindung bengkel pelukis yang muncul saat itu di sejumlah negara Eropa Barat. Sesuai dengan orientasi realistik seni Belanda, Roger van der Weyden menggambarkan penginjil sebagai seniman kontemporer, membuat sketsa potret dari alam. Namun, dalam interpretasi figur, ciri khas master ini jelas menonjol - pelukis yang berlutut dipenuhi dengan rasa hormat, lipatan pakaian dibedakan dengan ornamen Gotik. Dilukis sebagai altar untuk kapel pelukis, lukisan itu sangat populer, terbukti dengan beberapa kali pengulangan.
Aliran Gothic dalam karya Roger secara khusus diucapkan dalam dua triptych kecil - yang disebut "Altar of Mary" ("Ratapan", di sebelah kiri - "Keluarga Suci", di sebelah kanan - "Penampakan Kristus Maria" ) dan kemudian - "Altar St. John" ("Baptisan", di sebelah kiri - "Kelahiran Yohanes Pembaptis", di sebelah kanan - "Eksekusi Yohanes Pembaptis", Berlin). Masing-masing dari ketiga sayap tersebut dibingkai oleh portal Gotik, yang merupakan reproduksi indah dari bingkai pahatan. Bingkai ini secara organik terkait dengan ruang arsitektur yang digambarkan di sini. Patung-patung yang ditempatkan di plot portal melengkapi adegan utama yang berlangsung dengan latar belakang lanskap dan interior. Sementara dalam transfer ruang, Roger mengembangkan penaklukan Jan van Eyck, dalam interpretasi figur dengan proporsinya yang anggun dan memanjang, belokan dan lekukan yang rumit, ia menyatu dengan tradisi patung Gotik akhir.
Karya Roger, jauh lebih besar daripada karya Jan van Eyck, dikaitkan dengan tradisi seni abad pertengahan dan dijiwai dengan semangat ajaran gereja yang ketat. Realisme Van Eyck, dengan pendewaan alam semesta yang hampir panteistik, ia menentang seni, yang mampu mewujudkan gambar kanonik dalam bentuk yang jelas, tegas, dan umum. agama Kristen. Yang paling indikatif dalam hal ini adalah Penghakiman Terakhir - sebuah polyptych (atau lebih tepatnya, triptych di mana bagian tengah tetap memiliki tiga, dan sayap, pada gilirannya, dua divisi), ditulis pada 1443-1454 atas perintah Kanselir Rolen untuk rumah sakit yang didirikannya di kota Bon (terletak di sana). Ini adalah skala terbesar (tinggi bagian tengah sekitar 3 m, lebar total 5,52 m) karya seniman. Komposisi, yang sama untuk seluruh triptych, terdiri dari dua tingkatan - bola "surgawi", di mana sosok hierarki Kristus dan barisan rasul dan orang suci ditempatkan pada latar belakang emas, dan yang "duniawi" dengan kebangkitan orang mati. Dalam konstruksi komposisi gambar, dalam kerataan interpretasi figur, masih banyak abad pertengahan. Namun, beragam gerakan sosok telanjang dari kebangkitan disampaikan dengan kejelasan dan persuasif yang berbicara tentang studi alam yang cermat.
Pada tahun 1450 Roger van der Weyden melakukan perjalanan ke Roma dan berada di Florence. Di sana, atas perintah Medici, dia membuat dua lukisan: "The Entombment" (Uffizi) dan "Madonna with St. Peter, Yohanes Pembaptis, Cosmas dan Damian" (Frankfurt). Dalam ikonografi dan komposisi, mereka memiliki jejak keakraban dengan karya-karya Fra Angelico dan Domenico Veneziano. Namun, kenalan ini sama sekali tidak mempengaruhi sifat umum dari karya seniman tersebut.
Di triptych yang dibuat segera setelah kembali dari Italia dengan gambar setengah figur, di bagian tengah - Kristus, Maria dan Yohanes, dan di sayap - Magdalena dan Yohanes Pembaptis (Paris, Louvre), tidak ada jejak pengaruh Italia. Komposisinya memiliki karakter simetris kuno; bagian tengah, dibangun menurut jenis deesis, dibedakan oleh kekakuan yang hampir ikonik. Pemandangan diperlakukan hanya sebagai latar belakang figur. Karya seniman ini berbeda dari karya sebelumnya dalam intensitas warna dan kehalusan kombinasi warna.
Ciri-ciri baru dalam karya seniman terlihat jelas di Bladelin Altarpiece (Berlin, Dahlem) - sebuah triptych dengan gambar di bagian tengah Kelahiran Yesus, atas perintah P. Bladelin, kepala keuangan negara bagian Burgundi, untuk gereja di kota Middelburg yang didirikan olehnya. Berbeda dengan konstruksi relief komposisi, ciri khas periode awal, di sini aksi terungkap dalam ruang. Kandang Natal dijiwai dengan suasana hati yang lembut dan liris.
Karya terpenting dari periode akhir adalah Adoration of the Magi triptych (Munich), dengan gambar di sayap Kabar Sukacita dan Presentasi. Di sini, tren yang muncul di altar Bladelin terus berkembang. Aksi terungkap di kedalaman gambar, tetapi komposisinya sejajar dengan bidang gambar; simetri selaras dengan asimetri. Gerakan figur memperoleh kebebasan yang lebih besar - dalam hal ini, sosok anggun dari seorang penyihir muda yang anggun dengan fitur wajah Charles the Bold di sudut kiri dan malaikat, sedikit menyentuh lantai di Kabar Sukacita, sangat menarik perhatian. Pakaiannya sama sekali tidak memiliki karakteristik materialitas Jan van Eyck - pakaian tersebut hanya menekankan bentuk dan gerakan. Namun, seperti Eick, Roger dengan hati-hati mereproduksi lingkungan tempat aksi berlangsung, dan mengisi interior dengan chiaroscuro, mengabaikan karakteristik pencahayaan yang tajam dan seragam pada periode awalnya.
Roger van der Weyden adalah seorang pelukis potret yang luar biasa. Potretnya berbeda dengan potret Eyck. Dia memilih ciri-ciri yang sangat menonjol dalam istilah fisiognomi dan psikologis, menekankan dan memperkuatnya. Untuk melakukan ini, dia menggunakan gambarnya. Dengan bantuan garis, ia menguraikan bentuk hidung, dagu, bibir, dll., Memberikan sedikit ruang untuk pemodelan. Gambar payudara dalam 3/4 menonjol dengan latar belakang berwarna - biru, kehijauan atau hampir putih. Dengan semua perbedaan karakteristik individu model, potret Roger memiliki beberapa fitur umum. Hal ini sebagian besar disebabkan oleh fakta bahwa hampir semuanya menggambarkan perwakilan bangsawan tertinggi Burgundi, yang penampilan dan sikapnya sangat dipengaruhi oleh lingkungan, tradisi, dan asuhan. Ini adalah, khususnya, "Karl the Bold" (Berlin, Dahlem), militan "Anton of Burgundy" (Brussels), "Unknown" (koleksi Lugano, Thyssen), "Francesco d" Este "(New York)," Potret seorang wanita muda "(Washington). Beberapa potret serupa, khususnya "Laurent Fruamont" (Brussels), "Philippe de Croix" (Antwerpen), di mana yang digambarkan digambarkan dengan tangan terlipat dalam doa, awalnya membentuk kanan sayap diptych yang tersebar kemudian, di sayap kiri yang biasanya patung Madonna dan Anak. Tempat khusus milik "Potret Wanita Tak Dikenal" (Berlin, Dahlem) - seorang wanita cantik yang melihat ke arah penonton, menulis di sekitar 1435, di mana ketergantungan pada karya potret Jan van Eyck tampak jelas.
Roger van der Weyden memiliki pengaruh yang sangat besar pada perkembangan seni rupa Belanda pada paruh kedua abad ke-15. Karya seniman, dengan kecenderungannya untuk menciptakan citra yang khas dan mengembangkan komposisi lengkap yang dibedakan oleh logika konstruksi yang ketat, jauh lebih besar daripada karya Jan van Eyck, dapat menjadi sumber pinjaman. Ini berkontribusi pada pengembangan kreatif lebih lanjut dan pada saat yang sama menunda sebagian, berkontribusi pada pengembangan jenis berulang dan skema komposisi.
Petrus Christus. Tidak seperti Roger, yang mengepalai bengkel besar di Brussel, Jan van Eyck hanya memiliki satu pengikut langsung yaitu Petrus Christus (c. 1410-1472/3). Meskipun artis ini tidak menjadi kota Bruges sampai tahun 1444, dia pasti bekerja dalam hubungan dekat dengan Eyck sebelum waktu itu. Karya-karyanya seperti Madonna with St. Barbara and Elisabeth and a Monk Customer” (koleksi Rothschild, Paris) dan “Jerome in a Cell” (Detroit), mungkin, menurut sejumlah peneliti, dimulai oleh Jan van Eyck dan diselesaikan oleh Christus. Karyanya yang paling menarik adalah St. Eligius” (1449, koleksi F. Leman, New York), tampaknya ditulis untuk bengkel perhiasan, yang santo pelindungnya dianggap santo ini. Gambar kecil dari pasangan muda memilih cincin di toko perhiasan (lingkaran cahaya di sekitar kepalanya hampir tidak terlihat) adalah salah satu lukisan sehari-hari pertama dalam lukisan Belanda. Arti penting dari karya ini semakin diperkuat oleh fakta bahwa tidak ada satu pun lukisan tentang subjek sehari-hari karya Jan van Eyck, yang disebutkan dalam sumber-sumber sastra, yang sampai kepada kita.
Yang cukup menarik adalah karya potretnya, di mana gambar setengah figur ditempatkan di ruang arsitektural yang nyata. Yang paling penting dalam hal ini adalah "Potret Sir Edward Grimeston" (1446, koleksi Verulam, Inggris).
Perahu Diric. Masalah pemindahan ruang, khususnya lanskap, menempati tempat yang sangat besar dalam karya seniman lain yang jauh lebih besar dari generasi yang sama - Perahu Dirik (c. 1410 / 20-1475). Berasal dari Harlem, dia menetap di Louvain pada akhir tahun empat puluhan, di mana aktivitas artistik selanjutnya berlanjut. Kami tidak tahu siapa gurunya; lukisan paling awal yang sampai kepada kita ditandai dengan pengaruh kuat Roger van der Weyden.
Karyanya yang paling terkenal adalah "The Altar of the Sacrament of Communion", yang ditulis pada tahun 1464-1467 untuk salah satu kapel Gereja St. Peter di Louvain (terletak di sana). Ini adalah polyptych, bagian tengahnya menggambarkan " perjamuan Terakhir”, di samping, di sayap samping, ada empat adegan alkitabiah, yang plotnya ditafsirkan sebagai prototipe sakramen persekutuan. Sesuai kontrak yang kami terima, tema karya ini dikembangkan oleh dua profesor dari Universitas Louvain. Ikonografi Perjamuan Terakhir berbeda dari interpretasi tema yang umum pada abad ke-15 dan ke-16 ini. Alih-alih cerita dramatis tentang prediksi Kristus tentang pengkhianatan Yudas, institusi sakramen gereja digambarkan. Komposisi, dengan kesimetrisannya yang ketat, menekankan momen sentral dan menekankan keseriusan pemandangan. Dengan penuh persuasif, kedalaman ruang aula Gotik tersampaikan; tujuan ini tidak hanya dilayani oleh perspektif, tetapi juga oleh transmisi pencahayaan yang bijaksana. Tak satu pun dari master Belanda abad ke-15 berhasil mencapai hubungan organik antara figur dan ruang, seperti yang dilakukan Boats dalam gambar yang luar biasa ini. Tiga dari empat adegan di panel samping terungkap dalam lanskap. Meski skala figurnya relatif besar, lanskap di sini bukan sekadar latar belakang, melainkan elemen utama komposisi. Dalam upaya mencapai kesatuan yang lebih besar, Boats mengabaikan kekayaan detail lanskap Eik. Dalam "Ilya in the Wilderness" dan "Gathering Manna from Heaven" melalui jalan berliku dan susunan pemandangan gundukan dan bebatuan, untuk pertama kalinya ia berhasil menghubungkan tiga denah tradisional - depan, tengah dan belakang. Namun, hal yang paling luar biasa tentang lanskap ini adalah efek pencahayaan dan pewarnaan. Di Gathering Manna, matahari terbit menyinari latar depan, meninggalkan jalan tengah dalam bayangan. Elijah in the Desert menyampaikan kejelasan dingin dari pagi musim panas yang transparan.
Yang lebih menakjubkan dalam hal ini adalah pemandangan menawan dari sayap triptych kecil, yang menggambarkan "Pemujaan Orang Majus" (Munich). Ini adalah salah satu karya terbaru sang master. Perhatian seniman dalam lukisan-lukisan kecil ini sepenuhnya diberikan pada pemindahan lanskap, dan sosok Yohanes Pembaptis dan St. Christopher adalah kepentingan sekunder. Terutama yang patut diperhatikan adalah transmisi pencahayaan malam yang lembut dengan sinar matahari yang dipantulkan dari permukaan air, sedikit beriak di lanskap dengan St. Christopher.
Perahu asing dengan objektivitas ketat Jan van Eyck; lanskapnya dijiwai dengan suasana hati yang selaras dengan plotnya. Kegemaran akan keanggunan dan lirik, kurangnya drama, pose statis dan kaku tertentu adalah ciri khas seorang seniman yang sangat berbeda dalam hal ini dari Roger van der Weyden. Mereka sangat cemerlang dalam karya-karyanya, yang plotnya penuh dengan drama. dalam "Siksaan St. Erasmus ”(Louvain, Gereja St. Peter), orang suci menanggung penderitaan yang menyakitkan dengan keberanian yang tabah. Sekelompok orang yang hadir pada saat yang sama juga penuh dengan ketenangan.
Pada tahun 1468, Boates, yang ditunjuk sebagai pelukis kota, ditugaskan untuk melukis lima lukisan untuk dekorasi gedung balai kota megah yang baru selesai dibangun. Dua komposisi besar yang menggambarkan episode legendaris dari sejarah Kaisar Otto III (Brussels) telah dilestarikan. Yang satu menunjukkan eksekusi hitungan, difitnah oleh permaisuri, yang tidak mencapai cintanya; yang kedua - ujian dengan api di depan istana kaisar dari janda bangsawan, membuktikan bahwa suaminya tidak bersalah, dan di latar belakang eksekusi permaisuri. "Adegan keadilan" seperti itu ditempatkan di aula tempat duduk pengadilan kota. Lukisan yang mirip dengan pemandangan dari kisah Trajan dilakukan oleh Roger van der Weyden untuk Balai Kota Brussel (tidak diawetkan).
Yang kedua dari "adegan keadilan" Boates (yang pertama dibuat dengan partisipasi siswa yang signifikan) adalah salah satu mahakarya dalam hal keterampilan memecahkan komposisi dan keindahan warna. Terlepas dari kekikiran ekstrim dari gerak tubuh dan imobilitas pose, intensitas perasaan disampaikan dengan sangat persuasif. Menarik perhatian luar biasa gambar potret pengiring. Salah satu potret ini telah sampai kepada kita, tidak diragukan lagi milik kuas seniman; "Potret Seorang Pria" ini (1462, London) bisa disebut sebagai potret intim pertama dalam sejarah seni lukis Eropa. Wajah yang lelah, sibuk, dan penuh kebaikan dicirikan secara halus; Melalui jendela Anda memiliki pemandangan pedesaan.
Hugo van der Goes. Pada pertengahan dan paruh kedua abad ini, sejumlah besar siswa dan pengikut Weiden dan Bouts bekerja di Belanda, yang karyanya bersifat epigone. Dengan latar belakang ini, sosok Hugo van der Goes yang perkasa (c. 1435-1482) menonjol. Nama artis ini bisa disejajarkan dengan Jan van Eyck dan Roger van der Weyden. Diakui pada tahun 1467 ke serikat pelukis di kota Ghent, dia segera mencapai ketenaran besar, langsung mengambil, dan dalam beberapa kasus memimpin bagian dalam karya dekoratif besar pada dekorasi meriah Bruges dan Ghent pada kesempatan penerimaan Charles yang Berani. Di antara lukisan kuda-kuda berukuran kecil awalnya, yang paling penting adalah diptych Kejatuhan dan Ratapan Kristus (Wina). Sosok Adam dan Hawa yang tergambar di tengah lanskap selatan yang mewah mengingatkan pada sosok nenek moyang altar Ghent dalam elaborasi bentuk plastiknya. Ratapan, mirip dengan Roger van der Weyden dalam kesedihannya, terkenal karena komposisi aslinya yang berani. Rupanya, triptych altar yang menggambarkan Pemujaan Orang Majus dilukis agak belakangan (St. Petersburg, Pertapaan).
Pada awal tahun tujuh puluhan, Tommaso Portinari, perwakilan Medici di Bruges, menugaskan Hus sebuah triptych yang menggambarkan Kelahiran Yesus. Triptych ini telah berada di salah satu kapel gereja Site Maria Novella di Florence selama hampir empat abad. Triptych Portinari Altarpiece (Florence, Uffizi) adalah mahakarya seniman dan salah satu monumen terpenting lukisan Belanda.
Seniman diberi tugas yang tidak biasa untuk lukisan Belanda - membuat karya besar dan monumental dengan figur berskala besar (ukuran bagian tengahnya 3 × 2,5 m). Mempertahankan elemen utama tradisi ikonografi, Hus menciptakan komposisi yang benar-benar baru, memperdalam ruang gambar secara signifikan dan menempatkan sosok-sosok di sepanjang garis diagonal yang melintasinya. Setelah meningkatkan skala figur menjadi ukuran kehidupan, sang seniman menganugerahi mereka dengan bentuk yang kuat dan berat. Para gembala terdiam dengan khusyuk dari kedalaman ke kanan. Wajah mereka yang sederhana dan kasar bersinar dengan kegembiraan dan keyakinan yang naif. Orang-orang dari masyarakat ini, yang digambarkan dengan realisme yang menakjubkan, sama pentingnya dengan tokoh lainnya. Maria dan Yusuf juga diberkahi dengan ciri-ciri orang biasa. Karya ini mengungkapkan ide baru tentang seseorang, pemahaman baru Harga diri manusia. Inovator yang sama adalah Gus dalam transmisi pencahayaan dan warna. Urutan penyampaian pencahayaan dan, khususnya, bayangan dari sosok-sosok itu, berbicara tentang pengamatan alam yang cermat. Gambar dipertahankan dalam warna yang dingin dan jenuh. Sayap samping, lebih gelap dari bagian tengah, berhasil melengkapi komposisi tengah. Potret anggota keluarga Portinari yang ditempatkan di atasnya, di belakangnya muncul sosok orang suci, dibedakan oleh vitalitas dan spiritualitas yang tinggi. Lanskap sayap kiri luar biasa, menyampaikan suasana dingin di awal musim dingin.
Mungkin, "Adoration of the Magi" (Berlin, Dahlem) dilakukan lebih awal. Seperti di altar Portinari, arsitekturnya dipotong oleh sebuah bingkai, yang mencapai hubungan yang lebih tepat antara itu dan sosok-sosok itu dan meningkatkan karakter monumental dari tontonan yang khusyuk dan megah. The Adoration of the Shepherds oleh Berlin, Dahlem, yang ditulis setelah altar Portinari, memiliki karakter yang sangat berbeda. Komposisi memanjang ditutup di kedua sisi dengan setengah sosok para nabi, membelah tirai, di belakangnya sebuah adegan ibadah terungkap. Lari terburu-buru dari para gembala yang bergegas masuk dari kiri, dengan wajah bersemangat mereka, dan para nabi, yang diliputi oleh kegembiraan emosional, memberikan gambar karakter yang gelisah dan tegang. Diketahui bahwa pada tahun 1475 seniman memasuki biara, di mana, bagaimanapun, dia berada dalam posisi khusus, menjaga hubungan dekat dengan dunia dan terus melukis. Penulis kronik biara menceritakan tentang keadaan pikiran yang sulit dari seniman, yang tidak puas dengan karyanya, yang mencoba bunuh diri karena melankolis. Dalam cerita ini, kita dihadapkan pada tipe artis baru, sangat berbeda dari pengrajin guild abad pertengahan. Keadaan spiritual Hus yang tertekan tercermin dalam lukisan "The Death of Mary" (Bruges), dijiwai dengan suasana hati yang cemas, di mana perasaan duka, putus asa dan bingung yang mencengkeram para rasul disampaikan dengan kekuatan yang besar.
Memling. Pada akhir abad ini, aktivitas kreatif melemah, laju perkembangan melambat, inovasi digantikan oleh epigonisme dan konservatisme. Fitur-fitur ini dengan jelas diekspresikan dalam karya salah satu yang paling seniman yang signifikan kali ini - Hans Memling (c. 1433-1494). Berasal dari kota kecil Jerman di Main, dia bekerja di akhir tahun lima puluhan di bengkel Roger van der Weyden, dan setelah kematian yang terakhir dia menetap di Bruges, di mana dia mengepalai sekolah melukis setempat. Memling banyak meminjam dari Roger van der Weyden, berulang kali menggunakan komposisinya, tetapi pinjaman ini bersifat eksternal. Dramatisasi dan kesedihan guru jauh darinya. Anda dapat menemukan fitur yang dipinjam dari Jan van Eyck (render detail ornamen karpet oriental, kain brokat). Tapi dasar realisme Eik asing baginya. Tanpa memperkaya seni dengan observasi baru, Memling tetap memperkenalkan kualitas baru ke dalam lukisan Belanda. Dalam karya-karyanya kita menemukan keanggunan postur dan gerakan yang halus, kecantikan wajah yang menarik, kelembutan perasaan, kejernihan, keteraturan, dan dekorasi komposisi yang elegan. Ciri-ciri ini secara khusus diungkapkan dengan jelas dalam triptych "Betrothal of St. Petersburg". Catherine" (1479, Bruges, Rumah Sakit St. John). Komposisi bagian tengah dibedakan dengan simetri yang ketat, dimeriahkan oleh berbagai pose. Di sisi Madonna adalah sosok St. Catherine dan Barbara dan dua rasul; tahta Madonna diapit oleh sosok Yohanes Pembaptis dan Yohanes Penginjil berdiri di latar belakang tiang. Anggun, siluet hampir inkorporeal meningkatkan ekspresi dekoratif dari triptych. Komposisi jenis ini, berulang dengan beberapa perubahan komposisi lebih banyak pekerjaan awal triptych artis dengan Madonna, orang suci dan pelanggan (1468, Inggris, koleksi Duke of Devonshire), akan berulang kali diulang dan divariasikan oleh artis. Dalam beberapa kasus, seniman memperkenalkan elemen individu yang dipinjam dari seni Italia ke dalam ansambel dekoratif, misalnya putti telanjang yang memegang karangan bunga, tetapi pengaruh seni Italia tidak meluas ke penggambaran sosok manusia.
The Adoration of the Magi (1479, Bruges, Rumah Sakit St. John), yang kembali ke komposisi serupa oleh Roger van der Weyden, tetapi mengalami penyederhanaan dan skematisasi, juga membedakan karakter frontalitas dan statis. Komposisi "Penghakiman Terakhir" Roger dikerjakan ulang ke tingkat yang lebih besar dalam triptych Memling "Penghakiman Terakhir" (1473, Gdansk), ditugaskan oleh perwakilan Medici di Bruges - Angelo Tani (potret luar biasa dari dia dan istrinya ditempatkan di sayap). Individualitas seniman memanifestasikan dirinya dalam karya ini terutama dalam penggambaran puitis surga. Dengan keahlian yang tidak diragukan lagi, sosok telanjang yang anggun dieksekusi. Ketelitian miniatur eksekusi, ciri khas Penghakiman Terakhir, bahkan lebih terlihat dalam dua lukisan, yang merupakan siklus adegan dari kehidupan Kristus (The Passion of the Christ, Turin; The Seven Joys of Mary, Munich). Bakat miniaturis juga ditemukan pada panel dan medali indah yang menghiasi “St. Ursula" (Bruges, Rumah Sakit St. John). Ini adalah salah satu karya seniman paling populer dan terkenal. Jauh lebih signifikan, bagaimanapun, triptych artistik monumental "Saints Christopher, Moor and Gilles" (Bruges, City Museum). Gambar orang-orang kudus di dalamnya dibedakan oleh konsentrasi yang diilhami dan pengekangan yang mulia.
Potretnya sangat berharga dalam warisan senimannya. "Potret Martin van Nivenhove" (1481, Bruges, Rumah Sakit St. John) adalah satu-satunya potret diptych abad ke-15 yang bertahan utuh. Madonna dan Anak yang digambarkan di sayap kiri merupakan pengembangan lebih lanjut dari jenis potret di interior. Memling memperkenalkan inovasi lain dalam komposisi potret, menempatkan gambar payudara baik dibingkai oleh kolom loggia terbuka, di mana lanskap terlihat ("Potret pasangan Burgomaster Morel dan istrinya", Brussel), lalu langsung menghadap ke latar belakang lanskap ("Potret Seorang Pria Berdoa", Den Haag; "Potret seorang peraih medali tak dikenal", Antwerpen). Potret Memling tidak diragukan lagi menunjukkan kemiripan eksternal, tetapi dengan semua perbedaan karakteristiknya, kita akan menemukan banyak kesamaan di dalamnya. Semua orang yang digambarkan olehnya dibedakan oleh pengekangan, kemuliaan, kelembutan spiritual, dan seringkali kesalehan.
G.David. Gerard David (c. 1460-1523) adalah pelukis besar terakhir dari sekolah seni lukis Belanda Selatan pada abad ke-15. Berasal dari Belanda Utara, ia menetap di Bruges pada tahun 1483, dan setelah kematian Memling menjadi tokoh sentral sekolah seni setempat. Karya G. David dalam beberapa hal sangat berbeda dengan karya Memling. Untuk keanggunan ringan yang terakhir, dia mengontraskan keangkuhan yang berat dan kesungguhan yang meriah; sosok kekarnya yang kelebihan berat badan memiliki volume yang menonjol. Dalam pencarian kreatifnya, David mengandalkan warisan artistik Jan van Eyck. Perlu dicatat bahwa saat ini minat pada seni awal abad menjadi fenomena yang cukup khas. Seni pada masa Van Eyck memperoleh makna semacam "warisan klasik", yang, khususnya, terungkap dalam penampilan sejumlah besar salinan dan tiruan.
Mahakarya senimannya adalah triptych besar "The Baptism of Christ" (c. 1500, Bruges, City Museum), yang dibedakan dengan tatanan yang megah dan khusyuk. Hal pertama yang menarik perhatian di sini adalah malaikat yang berdiri dengan lega di latar depan dalam kasula brokat yang dicat dengan indah, dibuat dalam tradisi seni Jan van Eyck. Yang paling luar biasa adalah lanskapnya, di mana transisi dari satu denah ke denah lainnya diberikan dalam nuansa halus. Transmisi pencahayaan malam yang meyakinkan dan penggambaran ahli air transparan menarik perhatian.
Yang sangat penting untuk karakterisasi artis adalah komposisi Madonna di antara Perawan Suci (1509, Rouen), yang dibedakan dengan simetri yang ketat dalam penataan gambar dan skema warna yang cermat.
Dijiwai dengan semangat gereja yang tegas, karya G. David pada umumnya, seperti karya Memling, bersifat konservatif; itu mencerminkan ideologi lingkaran ningrat Bruges yang merosot.

Kami memberi tahu bagaimana seniman Belanda abad ke-15 mengubah gagasan melukis, mengapa mata pelajaran agama yang biasa ditorehkan dalam konteks modern dan bagaimana menentukan apa yang ada dalam pikiran penulis

Ensiklopedia simbol atau buku referensi ikonografi sering memberi kesan bahwa dalam seni Abad Pertengahan dan Renaisans, simbolisme diatur dengan sangat sederhana: bunga bakung melambangkan kesucian, cabang palem melambangkan kemartiran, dan tengkorak melambangkan kelemahan segalanya. Namun, pada kenyataannya, semuanya jauh dari jelas. Di antara para empu Belanda abad ke-15, kita seringkali hanya bisa menebak benda mana yang memiliki makna simbolis dan mana yang tidak, dan perselisihan tentang apa sebenarnya artinya tidak mereda hingga sekarang.

1. Bagaimana kisah-kisah Alkitab berpindah ke kota-kota Flemish

Hubert dan Jan van Eycky. Altar Ghent (tertutup). 1432Sint-Baafskathedraal / Wikimedia Commons

Hubert dan Jan van Eycky. Altar Ghent. Pecahan. 1432Sint-Baafskathedraal /closetovaneyck.kikirpa.be

Di altar Ghent yang besar Dengan pintu terbuka penuh, tingginya 3,75 m dan lebar 5,2 m. Hubert dan Jan van Eyck, adegan Kabar Sukacita dilukis di luar. Di luar jendela aula tempat malaikat Jibril mewartakan kabar baik kepada Perawan Maria, beberapa jalan dengan rumah setengah kayu dapat dilihat Fachwerk(Fachwerk Jerman - konstruksi rangka, konstruksi setengah kayu) - teknik konstruksi yang populer di Eropa Utara di akhir Abad Pertengahan. Rumah setengah kayu didirikan dengan bantuan kerangka balok kayu kuat vertikal, horizontal dan diagonal. Ruang di antara mereka diisi dengan campuran adobe, batu bata atau kayu, dan paling sering dikapur di atasnya., atap genteng dan menara candi yang tajam. Ini Nazareth, digambarkan dengan kedok kota Flemish. Di salah satu rumah di jendela lantai tiga terlihat kemeja yang tergantung di tali. Lebarnya hanya 2 mm: umat Katedral Ghent tidak akan pernah melihatnya. Perhatian yang luar biasa terhadap detail, apakah itu pantulan pada zamrud yang menghiasi mahkota Allah Bapa, atau kutil di dahi pelanggan altar, adalah salah satu tanda utama lukisan Flemish abad ke-15.

Pada tahun 1420-an dan 30-an, revolusi visual yang nyata terjadi di Belanda, yang berdampak besar pada semua seni Eropa. Seniman Flemish dari generasi inovatif—Robert Campin (sekitar 1375-1444), Jan van Eyck (sekitar 1390-1441) dan Rogier van der Weyden (1399/1400-1464)—mencapai penguasaan yang tak tertandingi dalam menghadirkan pengalaman visual nyata dalam karyanya. keaslian yang hampir taktil. Gambar religius, dilukis untuk kuil atau untuk rumah pelanggan kaya, menciptakan perasaan bahwa pemirsa, seolah-olah melalui jendela, melihat ke Yerusalem, tempat Kristus dihakimi dan disalibkan. Perasaan kehadiran yang sama diciptakan oleh potret mereka dengan realisme yang hampir seperti fotografi, jauh dari idealisasi apa pun.

Mereka belajar bagaimana menggambarkan objek tiga dimensi di pesawat dengan persuasif yang belum pernah terjadi sebelumnya (dan sedemikian rupa sehingga Anda ingin menyentuhnya) dan tekstur (sutra, bulu, emas, kayu, faience, marmer, tumpukan karpet berharga). Efek realitas ini diperkuat oleh efek pencahayaan: bayangan pekat, nyaris tak terlihat, pantulan (di cermin, baju besi, batu, pupil), pembiasan cahaya di kaca, kabut biru di cakrawala ...

Meninggalkan latar belakang emas atau geometris yang mendominasi seni abad pertengahan untuk waktu yang lama, seniman Flemish semakin mulai mentransfer aksi plot sakral ke ruang yang ditulis secara realistis - dan, yang paling penting, dapat dikenali oleh penonton -. Ruangan tempat Malaikat Jibril menampakkan diri kepada Perawan Maria atau tempat dia merawat bayi Yesus bisa menyerupai rumah pencuri atau bangsawan. Nazareth, Bethlehem atau Yerusalem, tempat peristiwa-peristiwa Injil yang paling penting terungkap, sering kali memperoleh ciri-ciri Bruges, Ghent, atau Liege tertentu.

2. Apa itu simbol tersembunyi

Namun, kita tidak boleh lupa bahwa realisme menakjubkan dari lukisan Flemish kuno diresapi dengan simbol tradisional abad pertengahan. Banyak objek sehari-hari dan detail lanskap yang kita lihat di panel Campin atau Jan van Eyck membantu menyampaikan pesan teologis kepada pemirsa. Sejarawan seni Jerman-Amerika Erwin Panofsky menyebut teknik ini "simbolisme tersembunyi" pada tahun 1930-an.

Robert Kampin. Suci Barbara. 1438 Museo Nacional del Prado

Robert Kampin. Suci Barbara. Pecahan. 1438 Museo Nacional del Prado

Misalnya, dalam seni abad pertengahan klasik, orang suci sering digambarkan dengan miliknya. Jadi, Barbara dari Iliopolskaya biasanya memegang menara kecil di tangannya, seperti menara mainan (sebagai pengingat menara, di mana, menurut legenda, ayahnya yang kafir memenjarakannya). Ini adalah simbol yang jelas - penonton pada waktu itu hampir tidak bermaksud bahwa orang suci selama masa hidupnya atau di surga benar-benar berjalan dengan model ruang siksaannya. Di seberang, di salah satu panel Kampin, Barbara duduk di kamar Flemish berperabotan mewah, dan sebuah menara yang sedang dibangun terlihat di luar jendela. Jadi, di Campin, atribut yang sudah dikenal dibangun secara realistis ke dalam lanskap.

Robert Kampin. Madonna dan Anak di depan perapian. Sekitar tahun 1440 Galeri Nasional, London

Di panel lain, Campin, yang menggambarkan Madonna dan Anak, bukannya lingkaran cahaya emas, meletakkan di belakang kepalanya layar perapian yang terbuat dari jerami emas. Barang sehari-hari menggantikan cakram emas atau mahkota sinar yang memancar dari kepala Bunda Allah. Penonton melihat interior yang realistis, tetapi memahami bahwa layar bundar yang digambarkan di belakang Perawan Maria mengingatkan pada kesuciannya.

Perawan Maria dikelilingi oleh para martir. abad ke 15 Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique / Wikimedia Commons

Tetapi orang tidak boleh berpikir bahwa para master Flemish benar-benar meninggalkan simbolisme eksplisit: mereka mulai menggunakannya lebih jarang dan lebih inventif. Ini adalah master anonim dari Bruges, pada kuartal terakhir abad ke-15, menggambarkan Perawan Maria, dikelilingi oleh para martir perawan. Hampir semuanya memegang atribut tradisional di tangan mereka. Lucia - piring dengan mata, Agatha - penjepit dengan dada sobek, Agnes - domba, dll.. Namun, Varvara memiliki atributnya, menara, dalam semangat yang lebih modern, disulam pada mantel panjang (seperti pada pakaian di dunia nyata benar-benar menyulam lambang pemiliknya).

Istilah "simbol tersembunyi" itu sendiri agak menyesatkan. Nyatanya, mereka sama sekali tidak disembunyikan atau disamarkan. Sebaliknya, tujuannya adalah agar pemirsa mengenali mereka dan melalui mereka membaca pesan yang ingin disampaikan oleh seniman dan / atau kliennya kepadanya - tidak ada yang bermain petak umpet ikonografi.

3. Dan bagaimana cara mengenalinya

Lokakarya Robert Campin. Triptych Merode. Sekitar 1427-1432

Triptych Merode adalah salah satu gambar di mana para sejarawan lukisan Belanda telah mempraktikkan metode mereka selama beberapa generasi. Kami tidak tahu persis siapa yang menulisnya dan kemudian menulis ulang: Kampen sendiri atau salah satu muridnya (termasuk yang paling terkenal di antara mereka, Rogier van der Weyden). Lebih penting lagi, kami tidak sepenuhnya memahami arti dari banyak detail, dan para peneliti terus memperdebatkan item mana dari interior Flemish Perjanjian Baru yang membawa pesan religius, dan mana yang dipindahkan ke sana dari kehidupan nyata dan hanya dekorasi. Semakin baik simbolisme disembunyikan dalam hal-hal sehari-hari, semakin sulit untuk dipahami jika memang ada.

Kabar Sukacita ditulis di panel tengah triptych. Di sayap kanan, Joseph, suami Mary, sedang bekerja di bengkelnya. Di sebelah kiri, pelanggan gambar, berlutut, mengarahkan pandangannya melalui ambang pintu ke ruangan tempat sakramen dibuka, dan di belakangnya istrinya dengan saleh memilah rosario.

Dilihat dari lambang yang tergambar di jendela kaca patri di belakang Bunda Allah, pelanggan ini adalah Peter Engelbrecht, seorang pedagang tekstil kaya dari Mechelen. Sosok wanita di belakangnya ditambahkan kemudian - ini mungkin istri keduanya Helwig Bille Ada kemungkinan triptych dipesan pada masa istri pertama Peter - mereka tidak berhasil mengandung seorang anak. Kemungkinan besar, gambar itu tidak ditujukan untuk gereja, tetapi untuk kamar tidur, ruang tamu, atau kapel rumah pemiliknya..

Kabar Sukacita terungkap dalam pemandangan rumah Flemish yang kaya, mungkin mengingatkan pada tempat tinggal Engelbrechts. Pemindahan plot suci ke interior modern secara psikologis memperpendek jarak antara orang percaya dan orang suci yang mereka tuju, dan pada saat yang sama mensakralkan cara hidup mereka sendiri, karena kamar Perawan Maria sangat mirip dengan kamar tempat mereka berdoa. padanya.

lili

Bunga bakung. Fragmen triptych Merode. Sekitar tahun 1427–1432Museum Seni Metropolitan

Hans Memling. Isyarat. Sekitar tahun 1465–1470Museum Seni Metropolitan

Medali dengan adegan Kabar Sukacita. Belanda, 1500-1510Museum Seni Metropolitan

Untuk membedakan objek yang mengandung pesan simbolis dari objek yang hanya diperlukan untuk menciptakan "suasana", seseorang harus menemukan jeda logika dalam gambar (seperti singgasana kerajaan di hunian sederhana) atau detail yang diulang oleh seniman yang berbeda di satu tempat. merencanakan.

Contoh paling sederhana adalah , yang di Merode triptych berdiri di vas faience di atas meja poligonal. Dalam seni abad pertengahan akhir - tidak hanya di antara para master utara, tetapi juga di antara orang Italia - bunga lili muncul di gambar Kabar Sukacita yang tak terhitung jumlahnya. Bunga ini sudah lama melambangkan kesucian dan keperawanan Bunda Allah. cistercian Cistercian(lat. Ordo cisterciensis, O.Cist.), "biarawan putih" - ordo monastik Katolik yang didirikan pada akhir abad ke-11 di Prancis. mistikus Bernard dari Claire di abad ke-12 menyamakan Maria dengan "ungu kerendahan hati, bunga bakung kesucian, mawar belas kasihan, dan pancaran kemuliaan surga". Jika dalam versi yang lebih tradisional malaikat agung sendiri sering memegang bunga di tangannya, di Kampen bunga itu berdiri di atas meja seperti hiasan interior.

Kaca dan sinar

Roh Kudus. Fragmen triptych Merode. Sekitar tahun 1427–1432Museum Seni Metropolitan

Hans Memling. Isyarat. 1480–1489Museum Seni Metropolitan

Hans Memling. Isyarat. Pecahan. 1480–1489Museum Seni Metropolitan

Jan van Eyck. Lucca Madonna. Pecahan. Sekitar tahun 1437

Di sebelah kiri, di atas kepala malaikat agung, seorang bayi mungil terbang ke kamar dalam tujuh sinar keemasan melalui jendela. Ini adalah simbol Roh Kudus, dari mana Maria melahirkan seorang putra dengan rapi (penting bahwa ada tepat tujuh sinar - sebagai karunia Roh Kudus). Salib, yang dipegang bayi di tangannya, mengingatkan pada Sengsara yang disiapkan untuk Tuhan-manusia, yang datang untuk menebus dosa asal.

Bagaimana membayangkan keajaiban yang tidak dapat dipahami dari Konsepsi Tak Bernoda? Bagaimana seorang wanita bisa melahirkan dan tetap perawan? Menurut Bernard dari Clairvaux, seperti sinar matahari yang melewati jendela kaca tanpa merusaknya, Sabda Allah memasuki rahim Perawan Maria, menjaga keperawanannya.

Rupanya, oleh karena itu, pada banyak gambar Flemish dari Bunda Maria Misalnya, di Lucca Madonna oleh Jan van Eyck atau dalam Kabar Sukacita oleh Hans Memling. di kamarnya Anda dapat melihat botol transparan, di mana cahaya dari jendela diputar.

Bangku

Madonna. Fragmen triptych Merode. Sekitar   1427–1432  Museum Seni Metropolitan

Bangku kenari dan kayu ek. Belanda, abad ke-15Museum Seni Metropolitan

Jan van Eyck. Lucca Madonna. Sekitar 1437  Museum Stadel

Ada sebuah bangku di dekat perapian, tetapi Perawan Maria, tenggelam dalam bacaan saleh, tidak duduk di atasnya, tetapi di lantai, atau lebih tepatnya di bangku kaki yang sempit. Detail ini menekankan kerendahan hatinya.

Dengan bangku, semuanya tidak sesederhana itu. Di satu sisi, ini terlihat seperti bangku asli yang berdiri di rumah Flemish pada waktu itu - salah satunya sekarang disimpan di Museum Cloisters yang sama dengan triptych. Seperti bangku tempat Perawan Maria duduk, bangku itu dihiasi dengan gambar anjing dan singa. Di sisi lain, para sejarawan, dalam mencari simbolisme tersembunyi, telah lama berasumsi bahwa bangku dari Kabar Sukacita dengan singanya melambangkan tahta Bunda Allah dan mengingatkan pada tahta Raja Salomo, yang dijelaskan dalam Perjanjian Lama: “Ada enam langkah menuju singgasana; bagian atas di belakang singgasana berbentuk bundar, dan ada sandaran tangan di kedua sisi dekat tempat duduk, dan dua singa berdiri di sandaran tangan; dan dua belas singa lagi berdiri di sana dengan enam anak tangga di kedua sisinya.” 3 Raja 10:19-20..

Tentu saja, bangku yang digambarkan dalam triptych Merode tidak memiliki enam anak tangga atau dua belas singa. Namun, kita tahu bahwa para teolog abad pertengahan secara teratur menyamakan Perawan Maria dengan raja paling bijaksana Salomo, dan dalam The Mirror of Human Salvation, salah satu "buku referensi" tipologi paling populer di akhir Abad Pertengahan, dikatakan bahwa "tahta raja Salomo adalah Perawan Maria, di mana Yesus Kristus berdiam, kebijaksanaan sejati ... Dua singa yang digambarkan di singgasana ini melambangkan bahwa Maria telah menyimpan di dalam hatinya ... dua loh batu dengan sepuluh perintah hukum. Oleh karena itu, dalam Lucca Madonna karya Jan van Eyck, Ratu Surga duduk di singgasana tinggi dengan empat singa - di sandaran tangan dan di punggung.

Tapi Campin tidak menggambarkan singgasana, tapi bangku. Salah satu sejarawan menarik perhatian pada fakta bahwa, selain itu, dibuat menurut skema paling modern pada masa itu. Sandaran dirancang sedemikian rupa sehingga dapat dilempar ke satu sisi atau sisi lain, memungkinkan pemilik menghangatkan kaki atau punggungnya di dekat perapian tanpa menata ulang bangku itu sendiri. Benda fungsional seperti itu tampaknya terlalu jauh dari singgasana agung. Jadi, dalam triptych Merode, dia agak dituntut untuk menekankan kemakmuran yang nyaman yang memerintah di rumah Perawan Maria Perjanjian Baru-Flemish.

Wastafel dan handuk

Wastafel dan handuk. Fragmen triptych Merode. Sekitar tahun 1427–1432Museum Seni Metropolitan

Hubert dan Jan van Eycky. Altar Ghent. Pecahan. 1432Sint-Baafskathedraal /closetovaneyck.kikirpa.be

Sebuah bejana perunggu yang digantung pada rantai di ceruk, dan handuk dengan garis-garis biru, kemungkinan besar juga bukan hanya peralatan rumah tangga. Ceruk serupa dengan bejana tembaga, baskom kecil, dan handuk muncul di adegan Kabar Sukacita di Altar van Eyck Ghent - dan ruang tempat Malaikat Jibril memberitakan kabar baik kepada Maria sama sekali tidak menyerupai interior pencuri yang nyaman Kampen, lebih menyerupai aula di aula surgawi.

Perawan Maria dalam teologi abad pertengahan dikorelasikan dengan Mempelai Wanita dari Kidung Agung, dan oleh karena itu banyak julukan yang ditujukan kepadanya oleh penulis puisi Perjanjian Lama ini kepada kekasihnya. Secara khusus, Bunda Allah disamakan dengan "taman tertutup" dan "sumur air hidup", dan oleh karena itu para empu Belanda sering menggambarkannya di taman atau di samping taman tempat air menyembur dari air mancur. Jadi Erwin Panofsky pada suatu waktu menyarankan agar bejana yang tergantung di kamar Perawan Maria adalah air mancur versi domestik, personifikasi dari kemurnian dan keperawanannya.

Tetapi ada juga versi alternatifnya. Kritikus seni Carla Gottlieb memperhatikan bahwa dalam beberapa gambar gereja abad pertengahan akhir, bejana yang sama dengan handuk digantung di altar. Dengan bantuannya, pendeta melakukan wudhu, merayakan Misa, dan membagikan Karunia Suci kepada orang-orang beriman. Pada abad ke-13, Guillaume Durand, Uskup Mende, dalam risalah kolosalnya tentang liturgi, menulis bahwa altar melambangkan Kristus, dan bejana wudhu adalah belas kasihannya, di mana pendeta mencuci tangannya - setiap orang dapat membasuh diri kotoran dosa melalui baptisan dan pertobatan. Ini mungkin mengapa relung dengan bejana mewakili ruang Bunda Allah sebagai tempat perlindungan dan membangun kesejajaran antara inkarnasi Kristus dan sakramen Ekaristi, di mana roti dan anggur ditranssubstansikan ke dalam tubuh dan darah Kristus. .

Perangkap tikus

Sayap kanan Merode triptych. Sekitar tahun 1427–1432Museum Seni Metropolitan

Museum Seni Metropolitan

Fragmen sayap kanan triptych Merode. Sekitar tahun 1427–1432Museum Seni Metropolitan

Sayap kanan adalah bagian triptych yang paling tidak biasa. Tampaknya semuanya sederhana di sini: Joseph adalah seorang tukang kayu, dan di depan kami ada bengkelnya. Namun, sebelum Campin, Joseph adalah tamu langka dalam gambar Kabar Sukacita, dan tidak ada yang menggambarkan keahliannya secara mendetail sama sekali. Secara umum, pada saat itu, Joseph diperlakukan secara ambivalen: mereka dipuja sebagai istri Bunda Allah, pencari nafkah yang setia dari Keluarga Suci, dan pada saat yang sama mereka diejek sebagai suami yang tidak setia.. Di sini, di depan Joseph, di antara peralatan, entah kenapa ada perangkap tikus, dan satu lagi terbuka di luar jendela, seperti barang di etalase toko.

Abad pertengahan Amerika Meyer Shapiro menarik perhatian pada fakta bahwa Aurelius Augustine, yang hidup pada abad ke-4 hingga ke-5, dalam salah satu teks menyebut salib dan salib Kristus sebagai perangkap tikus yang dipasang oleh Tuhan untuk iblis. Bagaimanapun, berkat kematian sukarela Yesus, umat manusia menebus dosa asal dan kuasa iblis dihancurkan. Demikian pula, para teolog abad pertengahan berspekulasi bahwa pernikahan Maria dan Yusuf membantu menipu iblis, yang tidak mengetahui apakah Yesus benar-benar Anak Allah yang akan menghancurkan kerajaannya. Oleh karena itu, perangkap tikus yang dibuat oleh ayah angkat dari Tuhan-manusia dapat mengingatkan kematian Kristus yang akan datang dan kemenangannya atas kekuatan kegelapan.

Papan berlubang

Santo Yusuf. Fragmen sayap kanan triptych Merode. Sekitar tahun 1427–1432Museum Seni Metropolitan

Layar perapian. Fragmen sayap tengah triptych Merode. Sekitar tahun 1427–1432Museum Seni Metropolitan

Objek paling misterius di seluruh triptych adalah papan persegi panjang tempat Joseph mengebor lubang. Apa ini? Sejarawan memiliki versi yang berbeda: tutup untuk sekotak bara yang digunakan untuk menghangatkan kaki, bagian atas kotak untuk umpan memancing (gagasan yang sama tentang perangkap setan bekerja di sini), saringan adalah salah satunya bagian dari alat pemeras anggur Karena anggur diubah menjadi darah Kristus dalam Sakramen Ekaristi, pemerasan anggur berfungsi sebagai salah satu metafora utama Sengsara., kosong untuk balok dengan paku, yang, dalam banyak gambar abad pertengahan akhir, digantung oleh orang Romawi di kaki Kristus selama prosesi ke Golgota untuk meningkatkan penderitaannya (pengingat lain tentang Sengsara), dll.

Namun, yang terpenting, papan ini menyerupai layar yang dipasang di depan perapian yang sudah punah di panel tengah triptych. Tidak adanya api di perapian mungkin juga signifikan secara simbolis. Jean Gerson, salah satu teolog paling otoritatif pada pergantian abad ke-14 hingga ke-15 dan seorang propagandis yang bersemangat dari kultus St. nyala api,” yang mampu dipadamkan oleh Joseph. Oleh karena itu, baik perapian yang padam maupun layar perapian, yang dibuat oleh suami lanjut usia Mary, dapat mempersonifikasikan sifat suci pernikahan mereka, kekebalan mereka dari api nafsu duniawi.

Pelanggan

Sayap kiri triptych Merode. Sekitar tahun 1427–1432Museum Seni Metropolitan

Jan van Eyck. Madonna dari Kanselir Rolin. Sekitar tahun 1435Musée du Louvre /closetovaneyck.kikirpa.be

Jan van Eyck. Madonna dengan Canon van der Pale. 1436

Sosok pelanggan tampil berdampingan dengan karakter sakral dalam seni abad pertengahan. Di halaman manuskrip dan panel altar, kita sering melihat pemilik atau donornya (yang menyumbangkan gambar gereja ini atau itu), yang berdoa kepada Kristus atau Perawan Maria. Namun, di sana mereka paling sering dipisahkan dari orang-orang suci (misalnya, di atas lembaran jam Kelahiran atau Penyaliban ditempatkan dalam bingkai miniatur, dan sosok orang yang berdoa dibawa ke ladang) atau digambarkan sebagai sosok kecil di kaki orang suci besar.

Para master Flemish abad ke-15 mulai semakin mewakili klien mereka di ruang yang sama tempat plot suci terungkap. Dan biasanya dalam pertumbuhan bersama Kristus, Bunda Allah dan orang-orang kudus. Misalnya, Jan van Eyck dalam "Madonna of Chancellor Rolin" dan "Madonna with Canon van der Pale" menggambarkan para donor berlutut di depan Perawan Maria, yang menggendong putra ilahi di atas lututnya. Pelanggan altar muncul sebagai saksi peristiwa alkitabiah atau sebagai seorang visioner, memanggil mereka di depan mata batinnya, tenggelam dalam meditasi doa.

4. Apa arti simbol dalam potret sekuler dan bagaimana cara mencarinya

Jan van Eyck. Potret pasangan Arnolfini. 1434

Potret Arnolfini adalah gambar yang unik. Kecuali batu nisan dan sosok donatur yang berdoa di hadapan orang suci, di hadapannya dalam seni abad pertengahan Belanda dan Eropa pada umumnya, tidak ada potret keluarga (dan bahkan dalam pertumbuhan penuh), di mana pasangan itu akan ditangkap di rumah mereka sendiri.

Terlepas dari semua perdebatan tentang siapa yang digambarkan di sini, versi dasarnya, meskipun jauh dari versi yang tak terbantahkan, adalah ini: ini adalah Giovanni di Nicolao Arnolfini, seorang pedagang kaya dari Lucca yang tinggal di Bruges, dan istrinya Giovanna Cenami. Dan adegan khidmat yang dihadirkan van Eyck adalah pertunangan atau pernikahan mereka sendiri. Itu sebabnya pria itu mengambil tangan wanita itu - gerakan ini, iunctio Secara harfiah "koneksi", yaitu pria dan wanita saling bergandengan tangan., tergantung pada situasinya, berarti janji untuk menikah di masa depan (fides pactionis), atau sumpah pernikahan itu sendiri - persatuan sukarela yang dilakukan oleh kedua mempelai di sini dan saat ini (fides conjugii).

Namun, mengapa ada jeruk di dekat jendela, sapu tergantung di kejauhan, dan satu lilin menyala di kandil di tengah hari? Apa ini? Fragmen interior asli saat itu? Item yang secara khusus menekankan status yang digambarkan? Alegori terkait cinta dan pernikahan mereka? Atau simbol agama?

sepatu

Sepatu. Fragmen "Potret Arnolfinis". 1434Galeri Nasional, London / Wikimedia Commons

Sepatu Giovanna. Fragmen "Potret Arnolfinis". 1434Galeri Nasional, London / Wikimedia Commons

Di latar depan, di depan Arnolfini, terdapat bakiak kayu. Banyak interpretasi dari detail aneh ini, seperti yang sering terjadi, berkisar dari agama yang luhur hingga praktik bisnis.

Panofsky percaya bahwa ruangan tempat perkawinan berlangsung tampak hampir seperti ruang suci - oleh karena itu Arnolfini digambarkan bertelanjang kaki. Lagipula, Tuhan, yang menampakkan diri kepada Musa di Semak yang Terbakar, memerintahkannya untuk melepas sepatunya sebelum mendekat: “Dan Tuhan berkata: jangan datang ke sini; menanggalkan sepatumu dari kakimu, karena tempat di mana kamu berdiri adalah tanah suci." referensi 3:5.

Menurut versi lain, kaki telanjang dan sepatu dilepas (sepatu merah Giovanna masih terlihat di belakang ruangan) penuh dengan asosiasi erotis: bakiak mengisyaratkan bahwa pasangan sedang menunggu malam pernikahan, dan menekankan sifat intim dari pemandangan itu.

Banyak sejarawan keberatan bahwa sepatu seperti itu sama sekali tidak dipakai di dalam rumah, hanya di jalan. Oleh karena itu, tidak mengherankan jika bakiak berada di depan pintu: dalam potret pasangan suami istri, mereka mengingatkan peran suami sebagai pencari nafkah keluarga, orang yang aktif, beralih ke dunia luar. Itulah mengapa dia digambarkan lebih dekat ke jendela, dan istrinya lebih dekat ke tempat tidur - lagipula, takdirnya, seperti yang diyakini, adalah mengurus rumah, melahirkan anak, dan ketaatan yang saleh.

Di punggung kayu di belakang Giovanna, ada pahatan sosok suci yang muncul dari tubuh naga. Ini kemungkinan besar adalah Santo Margaret dari Antiokhia, yang dihormati sebagai pelindung wanita hamil dan wanita yang sedang melahirkan.

Sapu

Sapu. Fragmen "Potret Arnolfinis". 1434Galeri Nasional, London / Wikimedia Commons

Robert Kampin. Isyarat. Sekitar tahun 1420–1440Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique

Jos van Cleve. keluarga suci. Sekitar tahun 1512–1513Museum Seni Metropolitan

Sapu tergantung di bawah patung Saint Margaret. Sepertinya ini hanya detail rumah tangga atau indikasi tugas rumah tangga istri. Tapi mungkin itu juga simbol yang mengingatkan akan kesucian jiwa.

Dalam salah satu ukiran Belanda akhir abad ke-15, seorang wanita yang melambangkan pertobatan memegang sapu serupa di giginya. Sapu (atau sikat kecil) terkadang muncul di kamar Bunda Maria - pada gambar Kabar Sukacita (seperti dalam Robert Campin) atau seluruh Keluarga Kudus (misalnya, dalam Jos van Cleve). Di sana, item ini, seperti yang disarankan oleh beberapa sejarawan, tidak hanya mewakili rumah tangga dan menjaga kebersihan rumah, tetapi juga kesucian dalam pernikahan. Dalam kasus Arnolfini, ini hampir tidak tepat.

Lilin

Lilin. Fragmen "Potret Arnolfinis". 1434 Galeri Nasional, London / Wikimedia Commons

Semakin tidak biasa detailnya, semakin besar kemungkinan itu adalah sebuah simbol. Di sini, untuk beberapa alasan, lilin menyala di atas kandil di tengah hari (dan lima kandil yang tersisa kosong). Menurut Panofsky, itu melambangkan kehadiran Kristus, yang pandangannya mencakup seluruh dunia. Ia menegaskan, lilin yang menyala digunakan saat pengucapan sumpah, termasuk sumpah perkawinan. Menurut hipotesisnya yang lain, satu lilin mengingatkan pada lilin yang dibawa sebelum prosesi pernikahan, lalu dinyalakan di rumah pengantin baru. Dalam hal ini, api melambangkan dorongan seksual daripada berkat Tuhan. Secara khas, dalam triptych Merode, api tidak menyala di perapian tempat Perawan Maria duduk - dan beberapa sejarawan melihat ini sebagai pengingat bahwa pernikahannya dengan Yusuf adalah murni..

jeruk

jeruk. Fragmen "Potret Arnolfinis". 1434Galeri Nasional, London / Wikimedia Commons

Jan van Eyck. "Lucca Madonna". Pecahan. 1436Museum Stadel /closetovaneyck.kikirpa.be

Ada jeruk di ambang jendela dan di atas meja dekat jendela. Di satu sisi, buah-buahan eksotis dan mahal ini - mereka harus dibawa jauh ke utara Eropa - di akhir Abad Pertengahan dan awal zaman modern dapat melambangkan gairah cinta dan kadang-kadang disebutkan dalam deskripsi ritual pernikahan. Ini menjelaskan mengapa van Eyck menempatkan mereka di sebelah pasangan yang sudah bertunangan atau baru menikah. Namun, jeruk van Eyck juga muncul dalam konteks yang berbeda secara fundamental, yang jelas tidak penuh kasih. Di Lucca Madonna-nya, anak Kristus memegang buah jeruk yang serupa di tangannya, dan dua buah lagi tergeletak di dekat jendela. Di sini - dan oleh karena itu, mungkin, dalam potret pasangan Arnolfini - mereka mengingatkan pada buah dari Pohon pengetahuan tentang yang baik dan yang jahat, kepolosan manusia sebelum kejatuhan dan kerugian selanjutnya.

Cermin

Cermin. Fragmen "Potret Arnolfinis". 1434Galeri Nasional, London / Wikimedia Commons

Jan van Eyck. Madonna dengan Canon van der Pale. Pecahan. 1436Groeningemuseum, Bruges /closetovaneyck.kikirpa.be

Hubert dan Jan van Eycky. Altar Ghent. Pecahan. 1432Sint-Baafskathedraal /closetovaneyck.kikirpa.be

Hubert dan Jan van Eycky. Altar Ghent. Pecahan. 1432Sint-Baafskathedraal /closetovaneyck.kikirpa.be

Hubert dan Jan van Eycky. Altar Ghent. Pecahan. 1432Sint-Baafskathedraal /closetovaneyck.kikirpa.be

Tengkorak di cermin. Miniatur dari Hours of Juana the Mad. 1486–1506Perpustakaan Inggris / Tambahkan MS 18852

Di dinding seberang, tepatnya di tengah potret, tergantung sebuah cermin bundar. Bingkai tersebut menggambarkan sepuluh adegan dari kehidupan Kristus - dari penangkapan di Taman Getsemani hingga penyaliban hingga kebangkitan. Cermin memantulkan punggung Arnolfinis dan dua orang yang berdiri di ambang pintu, satu berbaju biru, yang lain berbaju merah. Menurut versi yang paling umum, ini adalah saksi yang hadir di pernikahan tersebut, salah satunya adalah van Eyck sendiri (dia juga memiliki setidaknya satu cermin potret diri - di perisai St. George, digambarkan di Madonna dengan Canon van der Pale ).

Refleksi memperluas ruang yang digambarkan, menciptakan semacam efek 3D, membuat jembatan antara dunia dalam bingkai dan dunia di belakang bingkai, dan dengan demikian menarik pemirsa ke dalam ilusi.

Di Altar Ghent batu mulia, menghiasi pakaian Allah Bapa, Yohanes Pembaptis dan salah satu malaikat bernyanyi, tercermin di jendela. Hal yang paling menarik adalah bahwa cahaya lukisannya jatuh pada sudut yang sama dengan cahaya asli yang jatuh dari jendela kapel keluarga Veidt, tempat altar itu dicat. Jadi, menggambarkan silau, van Eyck memperhitungkan topografi tempat mereka akan memasang ciptaannya. Selain itu, dalam adegan Kabar Sukacita, bingkai nyata menghasilkan bayangan yang dicat di dalam ruang yang digambarkan - cahaya ilusi ditumpangkan pada yang asli.

Cermin yang tergantung di kamar Arnolfini menimbulkan banyak tafsir. Beberapa sejarawan melihatnya sebagai simbol kemurnian Bunda Allah, karena dia, dengan menggunakan metafora dari Kitab Kebijaksanaan Salomo Perjanjian Lama, disebut "cermin murni dari tindakan Tuhan dan gambaran kebaikan-Nya." Yang lain menafsirkan cermin sebagai personifikasi seluruh dunia, ditebus oleh kematian Kristus di kayu salib (sebuah lingkaran, yaitu alam semesta, dibingkai oleh pemandangan Sengsara), dll.

Hampir tidak mungkin untuk mengkonfirmasi dugaan ini. Namun, kita tahu pasti bahwa dalam budaya abad pertengahan akhir, cermin (spekulum) adalah salah satu metafora utama pengetahuan diri. Pendeta tanpa lelah mengingatkan kaum awam bahwa mengagumi refleksi diri sendiri adalah wujud kesombongan yang paling jelas. Sebaliknya, mereka menyerukan untuk mengalihkan pandangan mereka ke dalam, ke cermin hati nurani mereka sendiri, tanpa lelah mengintip (secara mental dan benar-benar merenungkan gambaran religius) ke dalam Sengsara Kristus dan memikirkan tentang akhir mereka yang tak terelakkan. Itulah sebabnya dalam banyak gambar abad ke-15 hingga ke-16, seseorang, yang melihat ke cermin, melihat tengkorak alih-alih bayangannya sendiri - pengingat bahwa hari-harinya terbatas dan bahwa ia perlu memiliki waktu untuk bertobat selagi masih ada. mungkin. Groeningemuseum, Bruges /closetovaneyck.kikirpa.be

Di atas cermin di dinding, seperti grafiti, gotik Terkadang mereka menunjukkan bahwa notaris menggunakan gaya ini saat menyusun dokumen. prasasti Latin "Johannes de eyck fuit hic" ("John de Eyck was here") ditampilkan, dan di bawah tanggal: 1434.

Rupanya, tanda tangan ini menunjukkan bahwa salah satu dari dua karakter yang tercetak di cermin adalah van Eyck sendiri, yang hadir sebagai saksi di pernikahan Arnolfini (menurut versi lain, grafiti tersebut menunjukkan bahwa dialah, potret penulis, yang mengabadikan adegan ini. ).

Van Eyck adalah satu-satunya master Belanda abad ke-15 yang secara sistematis menandatangani karyanya sendiri. Dia biasanya meninggalkan namanya di bingkai - dan sering menata prasasti itu seolah-olah diukir dengan sungguh-sungguh di atas batu. Namun, potret Arnolfini tidak mempertahankan bingkai aslinya.

Seperti kebiasaan di kalangan pematung dan seniman abad pertengahan, tanda tangan pengarang sering kali dimasukkan ke dalam mulut karya itu sendiri. Misalnya, pada potret istrinya, van Eyck menulis "Suamiku ... menyelesaikanku pada 17 Juni 1439" dari atas. Tentu saja, kata-kata ini, seperti yang tersirat, tidak berasal dari Margarita sendiri, melainkan dari salinan lukisannya.

5. Bagaimana Arsitektur Menjadi Komentar

Untuk membangun tingkat semantik tambahan ke dalam gambar atau untuk memberikan komentar pada adegan utama, master Flemish abad ke-15 sering menggunakan dekorasi arsitektural. Menyajikan plot dan karakter Perjanjian Baru, mereka, dalam semangat tipologi abad pertengahan, yang melihat dalam Perjanjian Lama sebagai bayangan dari Perjanjian Baru, dan dalam Perjanjian Baru - realisasi nubuatan Lama, secara teratur memasukkan gambar-gambar dari adegan Perjanjian Lama - prototipe atau tipe mereka - di dalam adegan Perjanjian Baru.

Pengkhianatan Yudas. Miniatur dari Bible of the Poor. Belanda, sekitar tahun 1405 Perpustakaan Inggris

Namun, tidak seperti ikonografi abad pertengahan klasik, ruang gambar biasanya tidak dibagi menjadi kompartemen geometris (misalnya, di tengah adalah pengkhianatan Yudas, dan di samping adalah prototipe Perjanjian Lama), tetapi berusaha untuk memasukkan kesejajaran tipologis ke dalam ruang. citra agar tidak merusak kredibilitasnya.

Dalam banyak gambaran pada masa itu, Malaikat Jibril memberitakan kabar baik kepada Perawan Maria di dinding katedral Gotik, yang melambangkan seluruh Gereja. Dalam hal ini, episode Perjanjian Lama, di mana mereka melihat indikasi kelahiran yang akan datang dan penderitaan Kristus, ditempatkan di ibu kota kolom, kaca patri atau di ubin lantai, seolah-olah di kuil sungguhan.

Lantai candi ditutupi dengan ubin yang menggambarkan rangkaian adegan Perjanjian Lama. Misalnya, kemenangan Daud atas Goliat, dan kemenangan Simson atas kerumunan orang Filistin melambangkan kemenangan Kristus atas maut dan iblis.

Di pojok, di bawah bangku yang di atasnya terdapat bantal merah, kita melihat kematian Absalom, putra Raja Daud, yang memberontak melawan ayahnya. Seperti yang diceritakan dalam Second Book of Kings (18:9), Absalom dikalahkan oleh pasukan ayahnya dan, melarikan diri, digantung di pohon: dan digantung di antara langit dan bumi, dan bagal yang ada di bawahnya melarikan diri. Teolog abad pertengahan melihat kematian Absalom di udara sebagai prototipe bunuh diri Yudas Iskariot yang akan datang, yang gantung diri, dan ketika dia tergantung di antara langit dan bumi, "perutnya pecah dan semua isi perutnya jatuh" Tindakan. 1:18.

6. Simbol atau emosi

Terlepas dari kenyataan bahwa sejarawan, dipersenjatai dengan konsep simbolisme tersembunyi, terbiasa membongkar karya master Flemish menjadi beberapa elemen, penting untuk diingat bahwa gambar - dan terutama gambar religius, yang diperlukan untuk ibadah atau doa soliter - bukan teka-teki atau rebus.

Banyak objek sehari-hari dengan jelas membawa pesan simbolis, tetapi sama sekali tidak berarti bahwa beberapa makna teologis atau moralistik harus dikodekan dalam detail terkecil. Terkadang bangku hanyalah bangku.

Untuk Kampen dan van Eyck, van der Weyden dan Memling, transfer plot suci ke interior modern atau ruang kota, hiperrealisme dalam penggambaran dunia material dan perhatian besar terhadap detail diperlukan, pertama-tama, untuk melibatkan penonton. dalam aksi yang digambarkan dan membangkitkan dalam dirinya respons emosional maksimum (belas kasih kepada Kristus, kebencian terhadap algojo, dll.).

Realisme lukisan Flemish abad ke-15 secara bersamaan dijiwai dengan sekuler (minat ingin tahu pada alam dan dunia benda yang diciptakan oleh manusia, keinginan untuk menangkap individualitas yang digambarkan) dan semangat religius. Petunjuk spiritual paling populer di akhir Abad Pertengahan, seperti Pseudo-Bonaventura's Meditations on the Life of Christ (sekitar tahun 1300) atau Life of Christ karya Ludolf dari Saxony (abad ke-14), meminta pembaca untuk membayangkan dirinya sebagai saksi Sengsara dan penyaliban untuk menyelamatkan jiwanya dan, bergerak dengan mata pikiran Anda ke peristiwa Injil, bayangkan mereka sedetail mungkin, dalam detail terkecil, hitung semua pukulan yang dilakukan para penyiksa terhadap Kristus, lihat setiap tetes dari darah...

Menggambarkan ejekan Kristus oleh orang Romawi dan Yahudi, Ludolph dari Saxony menarik pembaca:

“Apa yang akan kamu lakukan jika kamu melihat ini? Tidakkah Anda akan bergegas ke Tuhanmu dengan kata-kata: "Jangan sakiti dia, diamlah, ini aku, pukul aku sebagai gantinya? .." Kasihanilah Tuhan kita, karena dia menanggung semua siksaan ini untukmu; meneteskan banyak air mata dan membasuh bersama mereka ludah yang membuat wajahnya kotor oleh para bajingan ini. Adakah yang mendengar atau memikirkan hal ini… dapat menahan tangis?”

"Joseph Will Perfect, Mary Enlighten and Jesus Save Thee": Keluarga Kudus sebagai Model Perkawinan di Merode Triptych

Buletin Seni. Vol. 68.No.1.1986.

Aula E. Pertunangan Arnolfini. Pernikahan Abad Pertengahan dan Misteri Potret Ganda Van Eyck.

Berkeley, Los Angeles, Oxford: University of California Press, 1997.

Harbison C. Jan Van Eyeck. Lakon Realisme

London: Buku Reaksi, 2012.

Harbison C. Realisme dan Simbolisme dalam Lukisan Flemish Awal

Buletin Seni. Vol. 66.No.4.1984.

Jalur B.G. Suci Versus Profane dalam Lukisan Belanda Awal

Simiolus: Netherlands Quarterly untuk Sejarah Seni. Vol. 18.No.3.1988.

Sumsum J. Simbol dan Makna dalam Seni Eropa Utara pada Abad Pertengahan Akhir dan Renaisans Awal

Simiolus: Netherlands Quarterly untuk Sejarah Seni. Vol. 16. No.2/3. 1986.

Nash S. Seni Renaisans Utara (Sejarah Seni Oxford).

Oxford, New York: Oxford University Press, 2008.

Panofsky E. Lukisan Belanda Awal. Asal dan Sifatnya.

Cambridge (Massa): Harvard University Press, 1966.

Schapiro M. Muscipula Diaboli. Simbolisme Altarpiece Merode

Buletin Seni. Vol. 27.No.3.1945.

Meskipun di banyak tempat, memang benar, secara tidak konsisten, karya beberapa pelukis Flemish yang hebat dan ukirannya telah dibahas, sekarang saya tidak akan tinggal diam tentang nama beberapa orang lain, karena sebelumnya saya belum dapat memperoleh informasi yang lengkap. tentang kreasi para seniman yang mengunjungi Italia ini, untuk mempelajari cara Italia, dan yang sebagian besar saya kenal secara pribadi, karena menurut saya aktivitas dan kerja keras mereka untuk kepentingan seni kita pantas mendapatkannya. Mengesampingkan, oleh karena itu, Martin dari Belanda, Jan Eyck dari Bruges, dan saudaranya Hubert, yang, seperti telah dikatakan, mengumumkan pada tahun 1410 penemuan lukisan cat minyak dan metode penerapannya, dan meninggalkan banyak karyanya di Ghent, Ypres, dan Bruges, di mana dia tinggal dan meninggal dengan terhormat, saya akan mengatakan bahwa mereka diikuti oleh Roger van der Weyde dari Brussel, yang menciptakan banyak hal di berbagai tempat, tetapi terutama di kampung halamannya, khususnya di balai kotanya, empat papan cat minyak paling megah dengan cerita yang berkaitan dengan keadilan. Muridnya adalah seorang Hans tertentu, yang di tangan kami di Florence ada gambar kecil Sengsara Tuhan, yang dimiliki oleh sang duke. Penerusnya adalah: Ludwig dari Louvain, Fleming dari Louvain, Petrus Christus, Justus dari Ghent, Hugh dari Antwerpen dan banyak lainnya yang tidak pernah meninggalkan negara mereka dan mengikuti cara Flemish yang sama, dan meskipun Albrecht pernah datang ke Italia Dürer, yang dibicarakan panjang lebar, bagaimanapun, dia selalu mempertahankan sikapnya yang dulu, namun menunjukkan, terutama di kepalanya, spontanitas dan keaktifan yang tidak kalah dengan ketenaran luas yang dia nikmati di seluruh Eropa.

Namun, mengesampingkan mereka semua, dan bersama mereka juga Luca dari Belanda dan lainnya, pada tahun 1532 saya bertemu di Roma dengan Michael Coxius, yang menguasai bahasa Italia dengan baik dan melukis banyak lukisan dinding di kota ini dan, khususnya, melukis dua kapel di gereja Santa Maria de Anima. Kembali setelah ini ke tanah airnya dan mendapatkan ketenaran sebagai ahli keahliannya, dia, seperti yang saya dengar, melukis di pohon untuk Raja Spanyol Philip salinan dari lukisan di pohon oleh Jan Eyck, yang terletak di Ghent. Itu dibawa ke Spanyol dan menggambarkan kemenangan Anak Domba Allah.

Belakangan Martin Geemskerk belajar di Roma, seorang ahli figur dan lanskap yang baik, yang menciptakan banyak lukisan dan banyak gambar untuk ukiran di Flanders di Flanders, yang, sebagaimana telah disebutkan di tempat lain, diukir oleh Hieronymus Cock, yang saya kenal ketika saya masih di pelayanan kardinal Ippolito dei Medici. Semua pelukis ini adalah penulis cerita yang paling hebat dan orang Italia yang fanatik.

Saya juga tahu, pada tahun 1545, di Naples, Giovanni dari Calcar, seorang pelukis Flemish, yang merupakan teman baik saya, dan yang telah menguasai gaya Italia sedemikian rupa sehingga tidak mungkin untuk mengenali tangan Flemish di tangannya. hal-hal, tetapi dia meninggal muda di Naples, sementara dia memiliki harapan yang tinggi. Dia membuat gambar untuk Anatomi Vesalius.

Namun, Diric lebih dihargai dari Louvain, master yang sangat baik dalam hal ini, dan Quintan dari daerah yang sama, yang dalam sosoknya menganut alam sedekat mungkin, seperti putranya, yang bernama Jan.

Demikian pula, Jost of Cleve adalah seorang pewarna hebat dan pelukis potret langka, di mana dia sangat melayani raja Prancis Francis, menulis banyak potret berbagai pria dan wanita. Pelukis berikut juga menjadi terkenal, beberapa di antaranya berasal dari provinsi yang sama: Jan Gemsen, Mattian Cook dari Antwerpen, Bernard dari Brussel, Jan Cornelis dari Amsterdam, Lambert dari kota yang sama, Hendrik dari Dinan, Joachim Patinir dari Bovin dan Jan Skoorl , dari Utrecht seorang kanon yang mentransfer banyak teknik gambar baru yang dibawanya dari Italia ke Flanders, serta: Giovanni Bellagamba dari Douai, Dirk dari Haarlem dari provinsi yang sama dan Franz Mostaert, yang sangat kuat dalam menggambarkan lanskap, fantasi, segala macam dari tingkah, mimpi dan visi. Hieronymus Hertgen Bosch dan Pieter Brueghel dari Breda adalah penirunya, dan Lencelot unggul dalam pembuatan api, malam, lampu, setan, dan sejenisnya.

Peter Cook menunjukkan kecerdikan yang luar biasa dalam cerita dan membuat karton paling indah untuk permadani dan karpet, memiliki sikap yang baik dan banyak pengalaman dalam arsitektur. Tidak heran dia menerjemahkan karya arsitektur Bolognese Sebastian Serlio ke dalam bahasa Jerman.

Dan Jan Mabuse hampir menjadi orang pertama yang mentransplantasikan dari Italia ke Flanders cara sebenarnya menggambarkan cerita dengan banyak figur telanjang, serta menggambarkan puisi. Dia melukis apse besar Biara Midelburg di Zeeland. Informasi tentang seniman ini saya terima dari pelukis ulung Giovanni della Strada dari Bruges dan dari pematung Giovanni Bologna dari Douai, yang merupakan Fleming dan seniman hebat, seperti yang akan dikatakan dalam risalah kami tentang akademisi.

Adapun mereka yang berasal dari provinsi yang sama, masih hidup dan dihargai, yang pertama dari segi kualitas lukisan dan jumlah lembaran yang diukirnya di atas tembaga adalah Franz Floris dari Antwerp, seorang mahasiswa dari Lambert Lombarde yang disebutkan di atas. Oleh karena itu, dihormati sebagai master yang paling hebat, dia bekerja sangat keras di semua bidang profesinya sehingga tidak ada orang lain (begitu kata mereka) yang lebih baik mengungkapkan keadaan pikirannya, kesedihan, kegembiraan, dan hasrat lainnya dengan bantuan yang paling cantik dan ide orisinal, dan sedemikian rupa sehingga , menyamakannya dengan orang Urbia, dia disebut Flemish Raphael. Benar, lembaran cetakannya tidak sepenuhnya meyakinkan kita akan hal ini, karena pemahat, baik dia ahli keahliannya, tidak akan pernah bisa sepenuhnya menyampaikan ide, gambar, atau cara pembuat gambar. untuk dia.

Rekan muridnya, dilatih di bawah bimbingan guru yang sama, adalah Wilhelm Kay dari Breda, juga bekerja di Antwerpen, seorang pria yang menahan diri, ketat, masuk akal, dalam seninya dengan rajin meniru kehidupan dan alam, dan juga memiliki imajinasi yang fleksibel dan mampu untuk melakukan lebih baik dari siapa pun, untuk mencapai warna berasap dalam lukisannya, penuh kelembutan dan pesona, dan meskipun ia kehilangan kelincahan, keringanan, dan kesan mengesankan dari teman sekelasnya Floris, bagaimanapun juga, ia dianggap sebagai master yang luar biasa .

Michael Coxlet, yang saya sebutkan di atas dan dikatakan telah membawa gaya Italia ke Flanders, sangat terkenal di kalangan seniman Flemish karena ketegasannya dalam segala hal, termasuk sosoknya, penuh dengan kesenian dan kekerasan. Bukan tanpa alasan bahwa Fleming Messer Domenico Lampsonio, yang akan disebutkan di tempatnya, ketika membahas dua artis yang disebutkan di atas dan yang terakhir, membandingkannya dengan karya musik tiga suara yang indah, di mana masing-masing menampilkannya. berpisah dengan sempurna. Di antara mereka, Antonio Moro dari Utrecht di Belanda, pelukis istana raja Katolik, sangat dikenal. Dikatakan bahwa pewarnaannya pada gambar alam apa pun yang dia pilih bersaing dengan alam itu sendiri dan menipu penonton dengan cara yang paling luar biasa. Lampsonius yang disebutkan di atas menulis kepada saya bahwa Moreau, yang dibedakan oleh watak yang paling mulia dan menikmati cinta yang besar, melukis altar terindah yang menggambarkan Kristus yang telah bangkit bersama dua malaikat dan Santo Petrus dan Paulus, dan ini adalah hal yang luar biasa.

Martin de Vos juga terkenal dengan ide-ide bagus dan pewarnaan yang bagus, dia menulis dengan sangat baik dari alam. Mengenai kemampuan melukis pemandangan terindah, Jacob Grimer, Hans Bolz, dan semua master Antwerpen lainnya dari keahlian mereka, yang informasi lengkapnya tidak dapat saya dapatkan, tidak ada bandingannya. Pieter Aartsen, dijuluki Pietro the Long, melukis di kampung halamannya Amsterdam sebuah altar dengan semua pintunya dan dengan gambar Bunda Maria dan orang-orang kudus lainnya. Semuanya secara keseluruhan berharga dua ribu mahkota.

Lambert dari Amsterdam juga dipuji sebagai pelukis yang baik, yang tinggal bertahun-tahun di Venesia dan menguasai gaya Italia dengan sangat baik. Dia adalah ayah dari Federigo, yang, sebagai akademisi kita, akan disebutkan menggantikannya. Yang juga dikenal adalah master hebat Pieter Bruegel dari Antwerpen, Lambert van Hort dari Hammerfoort di Belanda, dan sebagai arsitek yang baik Gilis Mostaert, saudara laki-laki Francis yang disebutkan di atas, dan, akhirnya, Peter Porbus yang sangat muda, yang menjanjikan untuk menjadi pelukis yang hebat .

Dan untuk mempelajari sesuatu tentang miniaturis di bagian ini, kami diberi tahu bahwa yang berikut ini menonjol di antara mereka: Marino dari Zirksee, Luca Gourembut dari Ghent, Simon Benich dari Bruges dan Gerard, serta beberapa wanita: Susanna, saudari dari Luke tersebut, diundang untuk ini oleh Henry VIII, Raja Inggris, dan hidup dengan hormat di sana sepanjang hidupnya; Clara Keyser dari Ghent, yang meninggal pada usia delapan puluh tahun, dikatakan mempertahankan keperawanannya; Anna, putri seorang dokter, Tuan Seger; Levina, putri dari tuan Simon dari Bruges yang disebutkan di atas, yang menikah dengan seorang bangsawan oleh Henry dari Inggris yang disebutkan di atas, dan dihargai oleh Ratu Mary, sama seperti Ratu Elizabeth menghargainya; demikian pula Katharina, putri Master Jan dari Gemsen, pergi ke Spanyol pada waktunya untuk layanan bergaji tinggi di bawah Ratu Hongaria, singkatnya, dan banyak lainnya di bagian ini adalah miniaturis yang sangat baik.

Sedangkan untuk kaca berwarna dan kaca patri, banyak juga master kerajinannya di provinsi ini, seperti Art van Gort dari Nimwengen, Antwerp burgher Jacobe Felart, Dirk Stae dari Kampen, Jan Eyck dari Antwerpen, yang tangannya membuat jendela kaca patri di kapel st. Hadiah di Gereja St. Gudula, dan di sini di Tuscany, untuk Duke of Florence dan menurut gambar Vasari, banyak jendela kaca patri paling megah yang terbuat dari kaca leburan dibuat oleh Flemings Gualtver dan Giorgio, ahli bisnis ini.

Dalam arsitektur dan pahatan, orang Fleming yang paling terkenal adalah Sebastian van Oye dari Utrecht, yang melakukan beberapa pekerjaan benteng untuk melayani Charles V dan kemudian Raja Philip; Wilhelm dari Antwerpen; Wilhelm Kukuur dari Belanda, seorang arsitek dan pematung yang baik; Jan dari Dale, pematung, penyair dan arsitek; Jacopo Bruna, pematung dan arsitek, yang melakukan banyak pekerjaan untuk Ratu Hongaria yang sekarang berkuasa dan merupakan guru Giovanni Bologna dari Douai, Akademisi kami, yang akan kami bicarakan lebih jauh.

Giovanni di Menneskeren dari Ghent juga dipuja sebagai arsitek yang baik, dan Matthias Mennemaken dari Antwerpen, yang berada di bawah raja Roma, dan, terakhir, Cornelius Floris, saudara laki-laki Francis yang disebutkan di atas, juga seorang pematung dan arsitek yang luar biasa, sang pertama kali memperkenalkan di Flanders metode bagaimana membuat grotesques.

Patung juga, dengan kehormatan besar untuk dirinya sendiri, Wilhelm Palidamo, saudara laki-laki Henry yang disebutkan di atas, seorang pematung yang paling terpelajar dan rajin; Jan de Sart dari Niemwegen; Simon dari Delft dan Jost Jason dari Amsterdam. Dan Lambert Souave dari Liège adalah seorang arsitek dan pemahat pahat yang paling hebat, di mana dia diikuti oleh Georg Robin dari Ypres, Divik Volokarts dan Philippe Galle, keduanya dari Harlem, serta Luke dari Leiden dan banyak lainnya. Mereka semua belajar di Italia dan melukis karya kuno di sana, hanya untuk kembali, seperti kebanyakan dari mereka, ke rumah mereka sebagai pengrajin yang hebat.

Namun, yang paling penting dari semua hal di atas adalah Lambert Lombard dari Liège, seorang ilmuwan hebat, pelukis cerdas, dan arsitek hebat, guru Francis Floris dan Wilhelm Kay. Messer Domenico Lampsonio dari Liège, seorang pria dengan pendidikan sastra paling baik dan sangat berpengalaman dalam segala bidang, yang bersama Kardinal Polo Inggris ketika dia masih hidup, dan sekarang menjadi sekretaris Monsinyur Uskup - Pangeran Kota, diinformasikan saya dalam surat-suratnya tentang jasa tinggi Lambert ini dan Liege lainnya. Dialah, saya katakan, yang mengirimi saya kehidupan Lambert tersebut, aslinya ditulis dalam bahasa Latin, dan lebih dari sekali mengirimi saya busur atas nama banyak artis kami dari provinsi ini. Salah satu surat yang saya terima darinya dan dikirim pada tanggal 30 Oktober 1564 berbunyi sebagai berikut:

“Selama empat tahun sekarang, saya telah terus-menerus berterima kasih kepada Yang Mulia atas dua berkah terbesar yang saya terima dari Anda (saya tahu bahwa bagi Anda ini akan tampak sebagai pengantar yang aneh untuk surat dari seseorang yang belum pernah melihat atau mengenal Anda. ). Ini, tentu saja, akan aneh jika saya benar-benar tidak mengenal Anda, yang terjadi sampai keberuntungan, atau lebih tepatnya Tuhan, menunjukkan belas kasihan kepada saya sehingga mereka jatuh ke tangan saya, saya tidak tahu dengan cara apa, Tulisan Anda yang paling bagus tentang arsitek, pelukis, dan pematung. Namun, saat itu saya tidak tahu sepatah kata pun bahasa Italia, sedangkan sekarang, meskipun saya belum pernah melihat Italia, saya membaca tulisan Anda yang disebutkan di atas, alhamdulillah, telah belajar dalam bahasa ini sedikit yang memberi saya keberanian untuk melakukannya. menulis surat ini untukmu. . Keinginan untuk mempelajari bahasa ini dibangkitkan dalam diri saya oleh tulisan-tulisan Anda ini, yang, mungkin, tidak dapat dilakukan oleh tulisan lain, karena keinginan untuk memahaminya disebabkan oleh cinta yang luar biasa dan bawaan yang saya miliki sejak kecil untuk seni yang paling indah ini. , tetapi yang terpenting untuk melukis, seni Anda, menyenangkan untuk setiap jenis kelamin, usia dan kondisi dan tidak menimbulkan kerugian sedikit pun bagi siapa pun. Namun, pada saat itu, saya masih belum tahu sama sekali dan tidak dapat menilainya, tetapi sekarang, berkat pembacaan tulisan Anda yang berulang-ulang, saya telah memperoleh begitu banyak pengetahuan di dalamnya sehingga, betapapun kecilnya pengetahuan ini, atau bahkan hampir tidak ada, namun demikian, itu cukup bagi saya untuk kehidupan yang menyenangkan dan menyenangkan, dan saya menghargai seni ini di atas semua kehormatan dan kekayaan yang hanya ada di dunia ini. Pengetahuan yang tidak penting ini, saya katakan, begitu hebatnya sehingga saya bisa melakukannya dengan baik cat minyak, tidak lebih buruk dari mazilka mana pun, menggambarkan alam, dan terutama tubuh telanjang dan segala jenis pakaian, namun tidak berani melangkah lebih jauh, yaitu menulis hal-hal yang kurang pasti dan membutuhkan tangan yang lebih berpengalaman dan tegas, seperti: pemandangan alam, pohon, air, awan , lampu, lampu, dll. Namun, dalam hal ini, seperti di dunia fiksi, saya dapat, sampai batas tertentu dan jika perlu, mungkin menunjukkan bahwa saya membuat beberapa kemajuan berkat bacaan ini. Namun demikian, saya telah membatasi diri saya pada batas-batas di atas dan hanya melukis potret, terutama karena banyak pekerjaan, yang harus terkait dengan posisi resmi saya, tidak mengizinkan saya lebih. Dan untuk setidaknya bersaksi kepada Anda tentang rasa terima kasih dan penghargaan saya atas perbuatan baik Anda, yaitu, terima kasih kepada Anda saya belajar bahasa yang paling indah dan belajar melukis, saya akan mengirimkan Anda, bersama dengan surat ini, sebuah surat kecil diri potret, yang saya lukis sambil memandangi wajah saya di cermin, jika saya yakin apakah surat ini akan menemukan Anda di Roma atau tidak, karena Anda saat ini mungkin berada di Florence atau di tanah air Anda di Arezzo.

Selain itu, surat tersebut berisi segala macam detail lain yang tidak relevan dengan kasus tersebut. Dalam surat lain, dia bertanya kepada saya, atas nama banyak orang baik yang tinggal di bagian ini dan yang mendengar tentang cetakan kedua dari biografi ini, agar saya menulis untuk mereka tiga risalah tentang patung, lukisan dan arsitektur dengan ilustrasi, yang sebagai model, dari kasus ke kasus, dijelaskan akan menjadi ketentuan terpisah dari seni ini, seperti yang dilakukan Albrecht Dürer, Serlio dan Leon Battista Alberti, diterjemahkan ke dalam bahasa Italia oleh bangsawan dan akademisi Florentine Messer Cosimo Bartoli. Saya akan melakukannya dengan lebih dari rela, tetapi niat saya hanya untuk mendeskripsikan kehidupan dan karya seniman kami, dan sama sekali tidak mengajar melalui gambar seni lukis, arsitektur, dan pahatan. Belum lagi fakta bahwa karya saya, yang karena berbagai alasan tumbuh di bawah tangan saya, mungkin akan menjadi terlalu panjang tanpa risalah lain. Namun, saya tidak dapat dan tidak boleh bertindak selain yang saya lakukan, tidak dapat dan tidak boleh menghilangkan pujian dan kehormatan yang semestinya dari artis mana pun dan menghilangkan kesenangan dan manfaat pembaca yang saya harap akan mereka peroleh dari kerja keras saya ini.

Jika pusat produksi seni pada abad ke-15 dan ke-16 mungkin lebih banyak berada di Flanders, di selatan Belanda, di mana Jan van Eyck dan Rogier van der Weyden, Bernart van Orley, Jos van Cleve dan Hans Bol, di mana Koninksloo, Herri bertemu de Bles dan keluarga pelukis Brueghel, Winckbons, Walkenborch dan Momper, pada abad ke-17 tidak hanya keseimbangan yang dibangun antara provinsi utara dan selatan, tetapi, sejauh menyangkut banyak pusat, ia condong ke Belanda. Namun, pada pergantian abad ke-16 dan ke-17, kami mengamati hasil paling menarik dari perkembangan seni lukis di kalangan Fleming.

Dalam seni, meskipun terjadi perubahan pesat dalam struktur dan kehidupan Belanda pada paruh kedua abad ke-16, tidak ada lompatan tajam tertentu. Dan di negeri Belanda terjadi pergantian kekuasaan yang diikuti dengan penumpasan Reformasi yang menimbulkan perlawanan dari penduduk. Pemberontakan dimulai, yang hasilnya adalah penarikan dari Spanyol pada tahun 1579 dari provinsi utara yang bersatu dalam Persatuan Utret. Kali ini kita belajar lebih banyak dari nasib seniman yang banyak di antaranya terpaksa meninggalkan tanah airnya. Pada abad ke-17, seni lukis semakin dikaitkan dengan peristiwa politik.

Keluarga Fleming memberikan kontribusi yang menentukan bagi perkembangan lanskap sebagai genre lukisan independen. Setelah permulaan pertama dalam lukisan religius abad ke-15, di mana lanskap hanya berfungsi sebagai latar belakang, Paternir, yang dipuja oleh Dürer, melakukan banyak hal untuk mengembangkan genre ini. Pada zaman Mannerisme, lanskap kembali membangkitkan minat dan mendapat pengakuan akhir, yang diperkuat hanya di era Barok. Setidaknya sejak pertengahan abad ke-16, lanskap Belanda menjadi barang ekspor yang penting.

Sejak 1528, Paul Bril tinggal di Roma, yang selama puluhan tahun dikenal sebagai spesialis di bidang ini. Terkesan oleh pemandangan Annibale Carracci, mengikuti Elsheimer, dia mengatasi fragmentasi tingkah laku dalam pembuatan lukisan dan, dengan menggunakan format kecil, mendekati cita-cita lanskap klasik. Dia melukis pemandangan ideal Perusahaan Romawi, penuh dengan puisi, dengan reruntuhan kuno dan staf yang indah.

Roeland Saverey adalah murid saudaranya Jacob, tetapi sekolah Brueghel dan Gillis van Connixloo mungkin memberikan pengaruh yang menentukan padanya. Bentang alamnya sering kali dicirikan oleh nada romantis yang liar, reruntuhan yang ditumbuhi dengan ukiran indah adalah simbol kelemahan, gambar binatangnya memiliki sesuatu yang fantastis. Severei membawa kecenderungan Mannerist jauh ke abad ke-17.

Lukisan Flemish abad ke-17

Lukisan Flemish abad ke-17 dapat dipahami sebagai perwujudan konsep barok. Contohnya adalah lukisan Rubens. Dia pada saat yang sama adalah seorang inspirator dan perwujudan yang hebat, tanpa dia Jordaens dan van Dyck, Snyders dan Wildens tidak akan terbayangkan, tidak akan ada apa yang kita pahami sekarang dengan lukisan Flemish Baroque.

Perkembangan seni lukis Belanda terbagi menjadi dua jalur, yang seiring berjalannya waktu akan memperoleh karakter sekolah nasional sesuai dengan pembagian politik negara, yang pada awalnya tampak hanya sementara. Provinsi utara, hanya disebut Belanda, berkembang pesat dan memiliki perdagangan yang berkembang pesat dan industri penting. Sekitar tahun 1600, Belanda adalah negara terkaya di Eropa. Provinsi selatan, Belgia sekarang, berada di bawah kekuasaan Spanyol dan tetap beragama Katolik. Stagnasi diamati di bidang ekonomi, dan budayanya sangat aristokrat. Seni di sini mengalami pembungaan yang megah; banyak talenta brilian, dipimpin oleh Rubens, menciptakan lukisan barok Flemish, yang pencapaiannya setara dengan kontribusi Belanda, yang kejeniusannya luar biasa adalah Rembrandt.

Pembagian negaranya sangat dialami oleh Rubens, sebagai seorang diplomat ia berusaha untuk mencapai reunifikasi negara, tetapi segera harus menyerah di bidang ini. Lukisannya dan seluruh sekolah dengan jelas menunjukkan betapa besar perbedaan antara Antwerp dan Amsterdam saat itu.

Di antara seniman Flemish abad ke-17, bersama Rubens, Jordaens dan van Dyck adalah yang paling terkenal; Jordanes mempertahankan posisi yang relatif mandiri, tetapi tanpa teladan Rubens, dia tidak dapat dibayangkan, meskipun dia bukan muridnya. Jordaens menciptakan dunia bentuk dan gambar, kasar dengan cara yang populer, lebih biasa daripada dunia Rubens, tidak begitu bersinar dengan warna-warni, tetapi tetap tematik yang tidak kalah luasnya.

Van Dyck yang 20 tahun lebih muda dari Rubens dan lima tahun lebih muda dari Jorden membawa sesuatu yang baru, terutama dalam seni potret, ke gaya Flemish Baroque yang dikembangkan oleh Rubens. Dalam karakterisasi yang digambarkan, ia tidak begitu banyak dicirikan oleh kekuatan dan kepercayaan diri, melainkan oleh kegugupan dan keanggunan yang halus. Dalam arti tertentu, dia menciptakan citra manusia modern. Van Dyck menghabiskan seluruh hidupnya di bawah bayang-bayang Rubens. Dia harus terus bersaing dengan Rubens.

Rubens, Jordaens, dan van Dyck memiliki repertoar lukisan tematik yang lengkap. Tidak mungkin untuk mengatakan apakah Rubens lebih cenderung pada tugas religius atau mitologis, lanskap atau potret, lukisan kuda-kuda atau pemandangan monumental... Selain keterampilan artistiknya, Rubens memiliki pendidikan humanistik yang menyeluruh. Banyak lukisan master yang paling menonjol muncul berkat perintah gereja.