Lukisan El Greco dengan tangan di dada. El Greco - "Potret seorang pria dengan tangan di dada"

Svetlana Obukhova

Hampir tidak ada bukti yang tersisa tentang kehidupan Domenico Theotokopouli dari Kreta, seniman yang menaklukkan Toledo Spanyol dengan nama El Greco, yaitu bahasa Yunani. "Kebodohan" karakternya dan cara bergambarnya yang aneh membuat banyak orang takjub dan memaksa mereka untuk mengambil pena - tetapi hanya beberapa surat yang bertahan. Salah satunya memuat baris berikut: “... cuacanya indah, matahari musim semi bersinar lembut. Hal ini memberikan kegembiraan bagi semua orang, dan kota tampak meriah. Bayangkan betapa terkejutnya saya ketika saya memasuki studio El Greco dan melihat jendelanya tertutup, sehingga sulit untuk melihat apa yang ada di sekitarnya. El Greco sendiri duduk di bangku, tidak melakukan apa pun, kecuali terjaga. Dia tidak mau keluar denganku, karena menurutnya sinar matahari mengganggu cahaya batinnya…”

Hampir tidak ada bukti yang tersisa tentang Domenico sang pria, hanya gaungnya: bahwa dia hidup dalam gaya yang megah, memiliki perpustakaan yang kaya, membaca banyak filsuf dan juga menggugat klien (mereka mencintainya, tetapi lebih sering tidak memahaminya), meninggal hampir di kemiskinan - seperti sinar tipis siang hari membuat jalan mereka melalui celah-celah dalam “jendela tertutup” dalam hidupnya. Namun mereka tidak mengalihkan perhatian dari hal utama - dari cahaya batin yang memenuhi lukisan seniman El Greco. Terutama potret.

Tidak ada lanskap yang terbuka di belakang orang yang digambarkan, tidak ada banyak detail yang menarik perhatian. Bahkan nama pahlawannya sering kali tidak disebutkan. Karena semua ini akan menghalangi Anda untuk melihat wajahnya. Dan matanya, dalam, gelap, menatap lurus ke arahmu. Sulit untuk melepaskan diri dari mereka, dan jika Anda memaksakan diri, itu akan melihat isyarat dan berhenti berpikir lagi.

Ini adalah “Potret Seorang Cavalier dengan Tangan di Dada” (1577-1579), yang dilukis oleh sang master tak lama setelah ia pindah ke Toledo. Potret ini diakui sebagai salah satu lukisan Spanyol terbaik abad ke-16. Outlander El Greco menciptakan "gambar yang hidup kehidupan Spanyol dan sejarah”, yang menangkap “makhluk hidup yang asli, menggabungkan dalam diri mereka segala sesuatu yang patut dikagumi dalam masyarakat kita, segala sesuatu yang heroik dan gigih, dengan sifat-sifat berlawanan yang tidak dapat tidak tercermin tanpa merusak esensinya” (A. Segovia). Bangsawan dari keluarga kuno Toledo menjadi pahlawan sejati El Greco, dia melihat mereka Cahaya Batin- kemuliaan dan martabat mereka, kesetiaan terhadap tugas, kecerdasan, kehalusan sopan santun, keberanian, pengendalian eksternal dan dorongan internal, kekuatan hati, yang mengetahui untuk apa ia hidup dan mati...

Hari demi hari, pengunjung Galeri Prado berhenti di depan hidalgo yang tidak dikenal, terkejut, dengan kata-kata: “Seperti hidup…” Siapa dia, ksatria ini? Mengapa dia membuka hatinya dengan tulus? Mengapa matanya begitu menarik? Dan sikap sumpah ini? Dan gagang pedangnya?.. Mungkin dari pertanyaan-pertanyaan ini lahirlah legenda bahwa orang yang digambarkan dalam potret itu adalah orang Spanyol hebat lainnya: Miguel de Cervantes. Seorang pejuang dan penulis yang menceritakan kepada dunia kisah tentang seorang ksatria dengan gambaran sedih, yang diberi karunia ilahi yang sama seperti El Greco - untuk melihat orang sebagaimana mestinya, untuk melihat cahaya batin mereka...

Dan lukisan lainnya dari Museum Prado di Hermitage...

El Greco "Kristus Merangkul Salib" 1600 - 1605

Digambarkan dengan latar belakang langit badai khas El Greco, Kristus memeluk salib dengan tangan anggunnya, memandang ke atas dengan azab yang tenang. Lukisan itu sukses besar, dan banyak versi dibuat di bengkel El Greco.

El Greco "Keluarga Suci dengan St. Anne dan Yohanes Pembaptis kecil" c. 1600 - 1605

Periode akhir karya El Greco ditandai dengan penggunaan warna dan kilatan yang tajam; ruang itu dipenuhi dengan sosok-sosok yang mengaburkan cakrawala. Bentuk yang dilukis dengan sapuan kuas yang bergetar kehilangan materialitasnya. Yohanes Pembaptis kecil mengajak pemirsa untuk diam agar tidak mengganggu kedamaian bayi Kristus...

Velasquez - Potret Philip IV Potret Raja Philip IV. 1653-1657

Dasar-dasar potret psikologis di seni Eropa digadaikan pelukis Spanyol Diego Rodriguez de Silva Velasquez. Ia dilahirkan dalam keluarga bangsawan miskin di Seville dan belajar dengan Herrera the Elder dan Pacheco. Pada tahun 1622 ia pertama kali datang ke Madrid. Secara praktis, perjalanan ini tidak terlalu berhasil - Velazquez tidak menemukan tempat yang layak untuk dirinya sendiri. Ia berharap bisa bertemu dengan Raja Philip IV yang masih muda, namun pertemuan itu tidak terlaksana. Namun demikian, rumor tentang seniman muda itu sampai ke pengadilan, dan pada tahun berikutnya, 1623, menteri pertama, Duke de Olivares (juga penduduk asli Seville), mengundang Velazquez ke Madrid untuk melukis potret raja. Karya ini, yang belum sampai kepada kita, memberikan kesan yang menyenangkan pada raja sehingga ia segera menawarkan Velazquez posisi seniman istana. Segala sesuatunya berkembang cukup baik antara raja dan Velazquez. hubungan persahabatan, yang tidak terlalu khas untuk tatanan yang berlaku di istana Spanyol. Raja yang memerintah kerajaan terbesar di dunia dianggap bukan manusia, tetapi dewa, dan sang seniman bahkan tidak dapat mengandalkannya. keistimewaan yang mulia karena dia mencari nafkah dengan bekerja. Sementara itu, Philip memerintahkan agar untuk selanjutnya hanya Velazquez yang melukis potretnya. Raja agung itu ternyata sangat murah hati dan mendukung Velazquez. Studio seniman terletak di apartemen kerajaan, dan sebuah kursi dipasang di sana untuk Yang Mulia. Raja, yang memiliki kunci bengkel, datang ke sini hampir setiap hari untuk mengamati karya sang seniman.Saat bertugas di kerajaan dari tahun 1623 hingga 1660, Velazquez melukis sekitar selusin potret tuannya. Dari jumlah tersebut, lebih dari 10 lukisan telah sampai kepada kami. Jadi, rata-rata, Velazquez melukis tuannya kira-kira setiap tiga tahun sekali. Melukis potret raja adalah pekerjaan Velazquez, dan dia melakukan pekerjaannya dengan sempurna. Berkat ini, kami memiliki kompleks karya yang unik dengan caranya sendiri: dalam potret Velazquez orang dapat melihat jalan hidup Raja Philip sejelas yang kemudian menjadi kebiasaan hanya di zaman fotografi. Evolusi terlihat jelas dalam lukisan sang seniman. Pertama, raja sendiri berubah, berusia 18 tahun pada potret pertama dan 50 tahun pada potret terakhir; wajahnya mengandung jejak usia dan perubahan spiritual. Kedua, persepsi sang seniman terhadap modelnya semakin dalam, berubah dari dangkal menjadi berwawasan luas. Seiring berjalannya waktu, cara penyajian model dan teknik artistik berubah. Cara Velazquez diubah di bawah pengaruh pertumbuhan kreatifnya sendiri, serta di bawah pengaruh tradisi modern dalam dan luar negeri. Potret di bawah dada ini menggambarkan Philip IV dengan latar belakang gelap, mengenakan pakaian hitam dengan kerah putih yang menonjolkan wajah sang raja dengan jelas. Velazquez menghindari kemewahan yang mencolok dalam potret raja dan menunjukkan " wajah manusia» raja tanpa sanjungan atau kelicikan sopan santun. Kami jelas merasa bahwa orang yang melihat kami dari kanvas tidak senang, tahun terakhir Pemerintahan itu tidak mudah bagi raja. Ini adalah pria yang pernah mengalami kekecewaan, namun pada saat yang sama, pria yang dagingnya dipenuhi dengan keagungan bawaan, yang tidak dapat digoyahkan oleh apa pun. Lain artis hebat, orang Spanyol pada intinya - Pablo Ruiz Picasso mengatakan ini tentang gambar raja Spanyol: "kita tidak dapat membayangkan Philip IV lain selain yang diciptakan oleh Velazquez..."

"Potret Raja Philip IV" (c. 1653 - 1657)

Satu dari potret terbaru raja. Menarik untuk dicatat bahwa tidak ada satu pun elemen di sini yang berbicara tentang status kerajaan dari orang yang digambarkan. Velazquez melayani Philip IV selama hampir empat puluh tahun - dari tahun 1623 hingga kematiannya, melukis potret raja dan keluarganya, kanvas subjek besar untuk Koleksi Kerajaan.

Diego Velazquez "Potret Jester Don Diego de Acedo" (El Primo) c. 1644

Diego Velazquez "Potret Ratu Marianna dari Austria" 1652-1653

Titian (Tiziano Vecellio) "Venus dengan Cupid dan Organis" 1555

Musisi bermain, duduk di kaki Venus dan mengagumi tubuh telanjang sang dewi, sambil bermain-main dengan Cupid. Beberapa orang melihat lukisan ini sebagai karya erotis murni, sementara yang lain menganggapnya secara simbolis - sebagai alegori perasaan, di mana penglihatan dan pendengaran berperan sebagai alat untuk mengetahui keindahan dan harmoni. Titian menulis lima versi tema ini.

Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - "Maria Magdalena yang Bertobat" 1583

Setelah pertobatannya, Maria Magdalena mengabdikan hidupnya untuk pertobatan dan doa, menarik diri dari dunia. Dalam lukisan ini dia digambarkan memandang ke langit dan mandi cahaya ilahi. Lukisan itu dilukis dengan warna-warna gelap pekat, ciri khas gaya Veronese pada periode akhir karyanya. Sebelum dimasukkan dalam Koleksi Kerajaan Spanyol, karya itu menjadi milik kepada raja Inggris Charles I (dieksekusi tahun 1649)

Anthony Van Dyck "Potret Seorang Pria dengan Kecapi" 1622-1632

Anthony Van Dyck terkenal karena genre potretnya, yang ada dalam hierarki lukisan Eropa menempati posisi yang agak rendah. Namun, saat ini tradisi seni potret sudah berkembang di Flanders. Van Dyck melukis ratusan potret, beberapa potret diri, dan menjadi salah satu pencipta gaya potret seremonial pada abad ke-17. Dalam potret orang-orang sezamannya, ia menunjukkan dunia intelektual, emosional, kehidupan spiritual, dan karakter manusia yang hidup.
Model tradisional untuk potret ini adalah Jacob Gautier, seorang lutenis di istana Inggris dari tahun 1617 hingga 1647, tetapi kehadiran pedang, dan, lebih jauh lagi, karakteristik gaya dari karya tersebut menunjukkan bahwa karya tersebut pasti dibuat jauh lebih awal daripada Van. Perjalanan Dyck ke London menimbulkan keraguan terhadap teori ini. Kehadiran alat musik tidak serta merta berarti modelnya adalah seorang musisi. Sebagai simbol, alat musik sering digambarkan dalam potret sebagai indikasi kecanggihan intelektual dan kepekaan subjeknya.

Juan Bautista Maino "Adorasi Para Gembala" 1612-1614

Salah satu mahakarya Maino. Dalam koleksi Pertapaan Negara Ada versi lain dari cerita ini yang ditulis oleh Maino. Seniman ini lahir di Pastrana (Guadalajara) dan tinggal di Roma dari tahun 1604 hingga 1610. Karya ini, yang ditulis sekembalinya ke Sepanyol, menunjukkan pengaruh Caravaggio dan Orazio Gentileschi. Pada tahun 1613, Maino menjadi anggota Ordo Dominikan, dan lukisan itu dimasukkan dalam siklus altar Biara St. Peter the Martyr di Toledo.

Georges de Latour "Musisi Buta dengan Hurdy-Hurdy" kira-kira. 1625-1630

Latour menggambarkan seorang musisi tua buta yang memainkan hurdy-gurdy dan mengulangi plot ini beberapa kali. Seniman, yang bekerja di bawah pengaruh gaya Caravaggio, dengan antusias mereproduksi detail - pola yang menghiasi alat musik, kerutan di wajah orang buta, rambutnya.

Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseus Membebaskan Andromeda" Kira-kira. 1639-1640

Francisco de Goya "Potret Ferdinand VII" 1814-1815

Setelah kekalahan Napoleon pada tahun 1814, Ferdinand VII kembali naik takhta Spanyol. Potret itu memperlihatkan dia dalam jubah kerajaan yang dilapisi cerpelai, dengan tongkat kerajaan dan perintah Carlos III dan Bulu Emas.
Ferdinand VII, yang memerintah negara itu hingga tahun 1833, mendirikan Museum Prado pada tahun 1819.

Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805

Maria von Santa Cruz, istri direktur pertama Prado, adalah salah satu wanita paling dihormati di Spanyol pada masanya.
Dalam potret tahun 1805, Goya menggambarkan Marquise sebagai inspirasi puisi lirik, Euterpe, sedang berbaring di sofa dan memegang kecapi di tangan kirinya. Pilihan gambar khusus ini karena kecintaan sang marquise terhadap puisi.

Francisco Goya - "Musim Gugur (Panen Anggur)" 1786 - 1787

Francisco GOYA - "Panen Anggur" pecahan

Pada tahun 1775 - 1792, Goya membuat tujuh rangkaian permadani karton untuk istana Escorial dan Prado di pinggiran Madrid. Lukisan ini khususnya termasuk dalam rangkaian musim dan ditujukan untuk ruang makan Pangeran Asturias di Prado. Goya menggambarkan plot klasik sebagai pemandangan sehari-hari, yang mencerminkan sifat hubungan antara kelas yang berbeda - lukisan tersebut menggambarkan pemilik kebun anggur dengan putra dan pembantunya.

Francisco Goya "Potret Jenderal José de Urrutia" (c. 1798)

José de Urrutia (1739 - 1809) - salah satu pemimpin militer Spanyol paling terkemuka dan satu-satunya perwira militer asal non-aristokrat di abad ke-18 yang mencapai pangkat kapten jenderal - digambarkan dengan Ordo St. dianugerahkan kepadanya oleh Permaisuri Rusia Catherine yang Agung atas partisipasinya dalam penangkapan Ochakov selama kampanye Krimea tahun 1789.

Peter Paul Rubens "Potret Marie de' Medici." OKE. 1622-1625.

Maria Medici (1573 - 1642) adalah putri Adipati Agung Tuscany Francesco I. Pada tahun 1600 ia menjadi istri raja Prancis Henry IV. Sejak tahun 1610 ia menjadi wali untuk putranya yang masih kecil, calon Raja Louis XIII. Dia menugaskan serangkaian karya dari Rubens yang memuliakan dirinya dan mendiang suaminya. Potret tersebut memperlihatkan Ratu mengenakan hiasan kepala seorang janda dan latar belakang yang belum selesai.

Domenico Tintoretto "Wanita Memamerkan Payudaranya" Kira-kira. 1580-1590

Vicente Lopez Portanha "Potret Felix Maximo Lopez, organis pertama Kapel Kerajaan" 1820

Pelukis neoklasik Spanyol yang mempertahankan jejak gaya Rococo. Lopez dianggap sebagai salah satu pelukis potret terbaik pada masanya, kedua setelah Francisco de Goya. Dia mulai belajar melukis di Valencia pada usia 13 tahun, dan dalam waktu empat tahun dia telah memenangkan beberapa hadiah pertama di Akademi San Carlos, memberinya beasiswa untuk belajar di Royal Academy of Fine Arts of San Fernando yang bergengsi di ibu kota. Setelah menyelesaikan studinya, Lopez bekerja selama beberapa tahun di bengkel Mariano Salvador Maella, gurunya. Pada tahun 1814, setelah pendudukan Perancis, Lopez sudah menjadi seniman terkenal, sehingga Raja Spanyol Ferdinand VII memanggilnya ke Madrid dan mengangkatnya sebagai seniman resmi istana, meskipun faktanya “artis kerajaan pertama” pada saat itu adalah Francisco. Goya sendiri. Vicente Lopez adalah seorang seniman yang produktif, dia melukis lukisan tentang subjek keagamaan, alegoris, sejarah dan mitologi, tetapi, yang terpenting, dia, tentu saja, adalah seorang pelukis potret. Selama karirnya yang panjang, dia melukis potret hampir semua orang orang terkenal di Spanyol pada paruh pertama abad ke-19.
Potret organis pertama kapel kerajaan dan musisi serta komposer terkenal ini dilukis sesaat sebelum kematian artis tersebut, dan diselesaikan oleh putra sulungnya Ambrosio Lopez.

Anton Raphael Mengs "Potret Maria Luisa dari Parma, Putri Asturias" 1766

Juan Sanchez Cotan "Masih hidup dengan hewan buruan, sayuran, dan buah-buahan" 1602

Don Diego de Acedo telah berada di pengadilan sejak 1635. Selain “pelayanan badut”, ia bertugas sebagai utusan kerajaan dan bertanggung jawab atas stempel raja. Rupanya, buku, kertas, dan alat tulis yang tergambar dalam gambar berbicara tentang kegiatan tersebut. Dipercaya bahwa potret itu dilukis di Fraga, provinsi Huesca, selama tur Philip IV di Aragon, di mana ia ditemani oleh Diego de Acedo. Di latar belakang tampak puncak Malicios di pegunungan Guadarrama.

Hieronymus Bosch "Ekstraksi Batu Kebodohan" c. 1490

Adegan satir dengan tokoh-tokoh dengan latar belakang lanskap menggambarkan operasi untuk menghilangkan “batu kebodohan”. Prasasti font gotik berbunyi: "Tuan, cepat keluarkan batu itu. Nama saya Lubbert Das." Lubbert adalah kata benda umum yang menunjukkan ketidaktahuan dan kesederhanaan. Seorang ahli bedah yang mengenakan hiasan kepala berbentuk corong terbalik, melambangkan ketidaktahuan, “mengeluarkan” sebuah batu (teratai) dari kepala pasien yang mudah tertipu dan meminta bayaran yang besar darinya. Pada saat itu, orang yang berpikiran sederhana percaya bahwa batu di kepala adalah penyebab kebodohan mereka. Hal inilah yang dimanfaatkan oleh para penipu.

Raphael (Raffaello Santi) "Keluarga Suci dengan Anak Domba" 1507

Maria membantu Kristus kecil duduk di atas anak domba - simbol kristen kedatangan Sengsara Kristus, dan St. Joseph memperhatikan mereka. Lukisan itu dilukis di Florence, tempat sang seniman mempelajari karya Leonardo da Vinci, yang dipengaruhi oleh komposisinya bersama Keluarga Suci. Di Museum Prado ini adalah satu-satunya karya Raphael yang dilukis pada periode awal.

Albrecht Durer "Potret Seorang Pria Tak Dikenal" Kira-kira. 1521

Potret itu milik periode terlambat Kreativitas Durer. Ditulis dengan cara yang mirip dengan gayanya seniman Belanda. Topi bertepi lebar menarik perhatian ke wajah orang yang digambarkan; cahaya yang jatuh dari kiri memusatkan perhatian pemirsa padanya. Fokus perhatian kedua dalam potret itu adalah tangan, dan pertama-tama tangan kiri, di mana orang tak dikenal itu memegang sebuah gulungan - tampaknya menjelaskan status sosialnya.

Rogier van der Weyden "Ratapan" Kira-kira. 1450

Modelnya adalah altar triptych untuk biara Miraflores (disimpan di Galeri kesenian Berlin), dibuat oleh Van der Weyden lebih awal dari tahun 1444 dan diulangi dengan beberapa perbedaan. Dalam versi ini, dengan bagian atas ditambahkan pada periode yang tidak diketahui, Maria, Kristus, St. John dan donor (pelanggan lukisan) - anggota keluarga Broers - digambarkan dalam ruang yang sama. Sang seniman secara ekspresif menyampaikan kesedihan Bunda Allah sambil mendekap jenazah putranya yang telah meninggal di dadanya. Kelompok tragis di sebelah kiri dikontraskan dengan sosok pendonor yang dipisahkan oleh batu. Dia berada dalam kondisi konsentrasi penuh doa. Saat itu, pelanggan kerap diminta untuk menggambarkan dirinya dalam lukisan. Namun gambaran mereka selalu berada di urutan kedua - di suatu tempat di latar belakang, di tengah keramaian, dll. Di sini donor digambarkan di latar depan, tetapi dipisahkan dari kelompok utama berdasarkan batu dan warna.

Alonso Cano "Kristus yang Mati didukung oleh malaikat" c. 1646 - 1652

Dengan latar belakang pemandangan senja, seorang malaikat menopang tubuh Kristus yang tak bernyawa. Ikonografi yang tidak biasa dari lukisan ini dijelaskan oleh fakta bahwa lukisan ini tidak dikaitkan dengan teks-teks Injili, tetapi dengan apa yang disebut Kristus dari St. Petrus. Gregorius. Menurut legenda, Paus Gregorius Agung mendapat penglihatan tentang kematian Kristus yang didukung oleh dua malaikat. Kano menafsirkan plot ini secara berbeda - hanya satu malaikat yang menopang tubuh Kristus yang tidak bergerak.

Bartolome Esteban Murillo "Bunda Rosario" Kira-kira. 1650 -1655

Karya Bartolome Esteban Murillo mengakhiri masa keemasan seni lukis Spanyol. Karya Murillo memiliki komposisi yang sangat tepat, kaya dan harmonis dalam warna, dan indah dalam arti kata yang tertinggi. Perasaannya selalu tulus dan halus, namun dalam lukisan Murillo tidak ada lagi kekuatan dan kedalaman spiritual yang begitu mengejutkan dalam karya-karya orang-orang sezamannya. Kehidupan artis terhubung dengan kampung halamannya Seville, meskipun ia harus mengunjungi Madrid dan kota-kota lain. Setelah belajar di bawah bimbingan pelukis lokal Juan del Castillo (1584-1640), Murillo bekerja secara ekstensif atas perintah dari biara dan kuil. Pada tahun 1660 dia menjadi presiden Akademi Seni Halus di Seville.
Dengan lukisannya yang bertemakan keagamaan, Murillo berusaha menghadirkan kenyamanan dan kepastian. Bukan suatu kebetulan jika ia sangat sering melukis gambar Bunda Allah. Gambaran Maria berpindah dari lukisan ke lukisan dalam wujud seorang gadis muda cantik dengan ciri wajah biasa dan tatapan tenang. Penampilan polosnya seharusnya membangkitkan perasaan kelembutan yang manis pada penontonnya. Dalam lukisan ini, Bartolome Murillo menggambarkan Madonna dan Yesus dengan rosario, rosario Katolik tradisional, yang doanya diberikan. sangat penting pada masa artis. Dalam karya ini, ciri-ciri naturalisme yang mendominasi karya-karya perwakilan aliran Seville pada paruh pertama abad ke-17 masih terlihat, namun gaya lukisan Murillo sudah lebih bebas dibandingkan karyanya. pekerjaan awal. Sikap bebas ini terutama terlihat pada penggambaran kerudung Perawan Maria. Sang seniman menggunakan cahaya terang untuk menyorot sosok-sosok itu dengan latar belakang gelap dan menciptakan kontras antara corak halus wajah Perawan Maria dan tubuh anak Kristus serta bayangan dalam pada lipatan kain.
Di Andalusia abad ke-17, gambar Perawan dan Anak sangat diminati. Murillo, yang kehidupan kreatifnya dihabiskan di Seville, melukis banyak lukisan seperti itu, yang dipenuhi dengan kelembutan. Dalam hal ini, Bunda Allah digambarkan dengan rosario. Dan di sini, seperti di tahun-tahun awal dalam karyanya, sang seniman tetap setia pada kecintaannya pada kontras cahaya dan bayangan.

Bartolome Esteban Murillo "Gembala yang Baik" 1655-1660

Gambar itu dipenuhi dengan lirik dan kebaikan yang mendalam. Judulnya diambil dari Injil Yohanes: “Akulah Gembala yang Baik.” Hal ini menunjukkan bahwa lukisan tersebut menggambarkan Kristus, meskipun pada usia yang sangat dini. Segala sesuatu dalam film Murillo indah dan sederhana. Seniman itu suka melukis anak-anak, dan dia mencurahkan semua cintanya ke dalam keindahan gambar anak laki-laki-Dewa ini. Pada tahun 1660-1670-an, pada masa kejayaan keterampilan melukisnya, Murillo berusaha membuat karakternya menjadi puitis, dan dia sering dituduh memiliki sentimentalitas dalam gambarnya dan keindahannya yang disengaja. Namun, celaan ini tidak sepenuhnya adil. Anak yang digambarkan dalam lukisan itu masih dapat dilihat hingga saat ini baik di Seville maupun di desa-desa sekitarnya. Dan justru di sinilah orientasi demokratis karya seniman diwujudkan - dalam menyamakan kecantikan Madonna dengan kecantikan wanita Spanyol biasa, dan kecantikan putranya, Kristus kecil, dengan kecantikan bulu babi jalanan.

Alonso Sanchez Coelho “Potret Bayi Isabella Clara Eugenia dan Catalina Micaela” 1575

Potret tersebut memperlihatkan sang putri, berusia delapan dan sembilan tahun, memegang karangan bunga. Sánchez Coelho melukis potret infanta - putri tercinta Raja Philip II dan istri ketiganya Isabella Valois - sejak usia sangat dini. Semua potret dibuat sesuai dengan kanon potret istana - gadis-gadis dengan pakaian megah dan ekspresi wajah tanpa ekspresi.

Anton Rafael Mengs. Potret Raja Carlos III. 1767

Charles III mungkin disebut sebagai satu-satunya raja yang benar-benar tercerahkan dalam sejarah Spanyol. Dialah yang mendirikan Museum Prado pada tahun 1785, pertama sebagai museum sejarah alam. Charles III memimpikan Museum Prado, bersama dengan tetangganya kebun raya akan menjadi pusat pendidikan ilmiah.
Setelah naik takhta, ia mulai melakukan reformasi politik dan ekonomi yang serius, yang sangat dibutuhkan negara pada saat itu. Namun, usahanya sia-sia - putranya Charles IV tidak menganut pandangan progresif ayahnya, dan setelah kematian Charles III, reformasi berakhir.
Potret ini benar-benar khas pada masanya. Dengan setiap detailnya, sang seniman menarik perhatian pada posisi yang ditempati oleh sang model: mantel yang dihias dengan cerpelai, salib Malta bertatahkan permata, baju besi berkilau - atribut yang sangat diperlukan dari keagungan kerajaan. Tirai dan pilaster yang subur (elemen arsitektur klasik) adalah latar belakang tradisional untuk potret semacam itu.
Namun dalam potret ini sudah mengejutkan bagaimana wajah sang model dihadirkan. Mengs tidak berusaha melangsingkan hidung raja yang bulat atau menghaluskan kerutan di pipinya yang keriput. Berkat individualitas yang maksimal, lukisan ini menciptakan rasa hidup yang tidak dapat dicapai oleh para pendahulu Mengs. Potret tersebut membuat Anda bersimpati pada Carlos III yang siap “menunjukkan” penampilannya yang tidak sempurna.

Antoine Watteau "Pesta di Taman" ca. 1713 - 1716

Pemandangan menawan ini adalah contoh khas dari "liburan gagah" Watteau. Kabut tipis, mengaburkan garis besarnya, patung Neptunus hampir tersembunyi di balik dedaunan di atas air mancur dan warna emas yang memudar - semua ini menyampaikan suasana kenikmatan yang akut namun sekilas.
Lukisan itu milik Isabella Farnese, istri kedua Raja Philip V.

Antonio Carnicero "Meningkatkan Balon Udara di Aranjuez" c. 1784

Lukisan itu dipesan oleh Duke dan Duchess of Haussouin dan mencerminkan semangat Zaman Pencerahan, yang membangkitkan minat terhadap pencapaian kemajuan ilmu pengetahuan. dalam foto peristiwa nyata: pada tahun 1784, di Taman Kerajaan Aranjuez, di hadapan raja, anggota keluarga dan abdi dalemnya, penerbangan balon udara dilakukan. Antonio Carnicero terkenal dengan genre adegannya yang indah, dan lukisan ini adalah salah satu karyanya yang paling bercita-cita tinggi.

Jose de Madrazo y Agudo "Cinta Surgawi dan Cinta Duniawi" 1813

Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Anak Domba Tuhan" 1635-1640

Seekor domba tergeletak di atas meja abu-abu, menonjol tajam dengan latar belakang gelap dalam cahaya terang yang terfokus tajam. Siapa pun di abad ke-17 akan langsung mengenalinya sebagai “domba Allah” dan akan memahami bahwa ini adalah singgungan pada pengorbanan diri Kristus. Wol domba dibuat dengan sangat indah dan tampak begitu lembut sehingga sulit untuk mengalihkan pandangan dari hewan tersebut dan Anda ingin menyentuhnya.

Juan Pantoja de la Cruz "Potret Ratu Isabella dari Valois" c. 1604 – 1608

Pantoja de la Cruz melukis potret ini, mengulangi karya Sofonisba Angishola - yang asli dibakar di istana pada tahun 1604. Sang seniman hanya menambahkan jubah yang terbuat dari bulu marmut pada pakaian ratu.
Sofonisba Angishola adalah seorang seniman dari Cremona yang bekerja di istana Spanyol. Ini adalah potret pertama ratu muda dalam seri karya sang seniman. Lukisan itu dilukis dengan cara yang mirip dengan bahasa Spanyol, tetapi dengan warna yang lebih hangat dan terang.

Jean Rann "Potret Carlos III Saat Kecil" 1723

Luis Melendez "Masih Hidup dengan Sekotak Permen, Pretzel, dan Barang Lainnya" 1770

Ahli bahasa Spanyol terhebat masih hidup XVIII c., Luis Melendez lahir di Italia, di keluarga seniman miniatur dari Asturias. Pada tahun 1717, keluarganya pindah ke Madrid, di mana pemuda tersebut memasuki departemen persiapan Akademi San Fernando, dan menempati posisi pertama di antara siswa paling berbakat. Namun, pada tahun 1747 ia terpaksa meninggalkan Akademi, mengikuti ayahnya, yang dikeluarkan dari Akademi akibat konflik. Selama periode ini, Melendez kembali mengunjungi Italia. Awalnya membantu ayahnya, ia menjadi seorang miniaturis, dan setelah kembali dari Italia, ia diundang oleh Ferdinand VI untuk mengilustrasikan buku di Kapel Kerajaan Madrid. Dalam genre still life, yang digunakan senimannya pada awal tahun 1760-an, segi baru kreativitasnya.
Lukisan alam benda ini dilukis masa matang kreativitas seniman. Saat ini, barang-barang mewah dan peralatan perak muncul dalam komposisinya. Namun, meski demikian, sang seniman tetap berpegang teguh pada cita-citanya dan berkarya sejalan tradisi genre. Sifat material dari setiap benda yang dilukis di atas kanvas mengingatkan kita pada contoh terbaik benda mati dalam seni dunia. Kaca transparan yang nyata tercermin pada permukaan vas perak yang mengkilap dan matte. Pretzel lembut di atas serbet putih yang sepertinya berbau seperti roti yang baru dipanggang. Leher botol yang tertutup rapat berkilau kusam. Sebuah garpu perak menonjol sedikit di luar tepi meja yang menyala. Dalam komposisi still life ini tidak terdapat susunan benda-benda yang bersifat asketis dalam satu baris, ciri khas still life Zurbaran misalnya. Mungkin ada kesamaannya dengan sampel Belanda. Namun tonenya lebih gelap, objeknya lebih sedikit, dan komposisinya lebih sederhana.

Juan de Arellano "Keranjang Bunga" 1670

Seniman Barok Spanyol, yang mengkhususkan diri dalam penggambaran rangkaian bunga, lahir di Santorcas pada tahun 1614. Awalnya dia belajar di studio seniman yang sekarang tidak dikenal, tetapi pada usia 16 tahun dia pindah ke Madrid, di mana dia belajar dengan Juan de Solis, seorang seniman yang melaksanakan tugas untuk Ratu Isabella. Juan de Arellano untuk waktu yang lama Dia hidup dari pesanan kecil-kecilan, termasuk lukisan dinding, sampai dia memutuskan untuk fokus secara eksklusif pada melukis bunga dan menjadi ahli yang tak tertandingi di bidang ini. Dipercaya bahwa sang master memulai dengan menyalin karya seniman lain, terutama seniman Italia; benda mati Flemish menambah keanggunan dan ketelitian pada gayanya. Kemudian, dia menambahkan ide komposisinya sendiri dan palet warna yang khas pada kombinasi ini.
Komposisi still life yang agak sederhana ini menjadi ciri khas Arellano. Warna tanaman yang murni dan intens tampak menonjol dengan latar belakang netral kecoklatan karena pencahayaan yang intens.

Mungkin salah satu potret El Greco paling awal yang dibuat di Spanyol adalah apa yang disebut “Potret Seorang Cavalier dengan Tangan di Dadanya” (c. 1577-1579). Hal ini dibuktikan, pertama-tama, dengan gaya lukisan gelap yang lebih tradisional yang dibangun di atas corak warna kecoklatan dengan sapuan kuas yang padat dan halus. Netralitas interpretasi psikologis adalah tipikal, yang nantinya akan memberi jalan pada karakterisasi yang jauh lebih aktif.

Ini potret terkenal El Greco seolah-olah mewakili citra seorang bangsawan pada masanya yang diangkat ke dalam kerangka kanon. Elegan, sangat tenang, dengan tangan kanan di dada sebagai tanda sumpah atau keyakinan, caballero yang tidak dikenal mewujudkan karakteristik aristokrasi Spanyol masyarakatpergi, yaitu ekspresi dalam penampilan keseimbangan batin, pengendalian diri, martabat.

Gagang pedang Toledo adalah detail yang mengesankan dari penampilannya yang ketat, setelan hitam yang dihiasi kerah tinggi dan manset yang terbuat dari renda seputih salju. Antonina Vallantin dengan tepat mencatat bahwa tipe orang Spanyol ini merambah panggung dan sudah hidup di halaman novel, namun untuk bisa digambarkan, ia harus menunggu kedatangan El Greco di Toledo.

Namun, potret itu memilikinya inkonsistensi internal, karena aspek ideal dari gambar tidak sesuai dengan kepribadian orang yang digambarkan - sifat yang digambarkan tidak terlalu bermakna. Kesan tersebut diperoleh dari struktur gambar kanvas, dimana wajah dan tangan dengan susunan simbolis jari muncul dari latar belakang gelap sebagai titik terang; Keindahan berharga dari renda tipis berkilauan dan gagang pedang, seolah menggantung di udara, memperoleh kerapuhan khusus. Keterpisahan pandangan caballero, diberkahi dengan tampilan mata aneh khas Elgrek, meningkatkan ekspresi gambar.

Manusia dalam cermin seni: genre potret

Potret(Potret Perancis) - gambar orang atau sekelompok orang tertentu. Genre potret tersebar luas di zaman kuno dalam seni pahat, dan kemudian dalam lukisan dan grafis. Tetapi kemiripan eksternal ini bukan satu-satunya hal yang harus disampaikan oleh seorang seniman. Jauh lebih penting ketika sang master mentransfer esensi batin seseorang ke kanvas dan menyampaikan suasana waktu. Membedakanpintu depan Dan ruangan potret. Ada potretganda Dan kelompok. Mereka dimaksudkan untuk mendekorasi ruang negara, dan untuk memuji orang-orang tertentu, dan untuk melestarikan kenangan orang-orang yang disatukan oleh ikatan profesional, spiritual, dan kekeluargaan. Kategori khusussebanyak Potret diri, di mana sang seniman menggambarkan dirinya sendiri.

Potret mana pun dapat dikaitkan dengan potret psikologis atau
ke karakter potret, atau ke potret-biografi.

Seni membantu mengenal seseorang. Bukan hanya melihat tampilan luarnya saja
wajah, tetapi juga untuk memahami esensi, karakter, suasana hati, dll. Potretnya hampir
selalu realistis. Bagaimanapun, tujuan utamanya adalah untuk mengenali orang yang digambarkanada orang di atasnya. Namun, biasanya tugas seniman bukanlah melakukan yang akuratpenyalinan fitur eksternal model, bukan tiruan alam, melainkan “penciptaan ulang bergambar” citra seseorang. Bukan suatu kebetulan jika keinginan itu munculkenali saja diri Anda dalam potret itu, dan mungkin bahkan temukan sesuatu yang baru dalam dirinya sendiri.
Penonton tanpa sadar menyampaikan sikap artis terhadap modelnya. Penting
adalah segala sesuatu yang mengekspresikan emosi, sikap terhadap kehidupan, terhadap orang lain: ekspresi wajah
digambarkan wajah, ekspresi mata, garis bibir, putaran kepala, postur,
sikap.
Seringkali kita menafsirkan sebuah karya dari sudut pandang seseorang saat ini
hari, kami mengaitkan dengan ciri-ciri karakter yang sama sekali tidak biasa pada masanya, yaitu, kami berusaha memahami yang tidak diketahui melalui yang diketahui.
Penting juga untuk menunjukkan kedudukan sosial orang yang digambarkan, untuk menciptakan gambaran khas dari perwakilan suatu zaman tertentu.

Sebagai sebuah genre, potret muncul beberapa ribu tahun yang lalu dalam seni kuno. Di antara lukisan dinding Istana Knossos yang terkenal, yang ditemukan oleh para arkeolog selama penggalian di pulau Kreta, terdapat seluruh baris gambar bergambar wanita yang berhubungan dengan abad ke-16 SM. Meskipun para peneliti menyebut gambar-gambar ini sebagai "wanita istana", kita tidak tahu siapa yang coba ditunjukkan oleh para penguasa Kreta - dewi, pendeta, atau wanita bangsawan yang mengenakan gaun elegan.
"Paris". Lukisan dinding dari Istana Knossos, abad ke-16 SM.

Potret paling terkenal dari seorang wanita muda, yang disebut “Wanita Paris” oleh para ilmuwan. Kita melihat di hadapan kita sebuah profil (menurut tradisi seni pada masa itu) gambar seorang wanita muda, sangat genit dan tidak mengabaikan kosmetik, terbukti dari matanya yang bergaris gelap, dan bibirnya yang dicat cerah.
Para seniman yang membuat potret lukisan dinding orang-orang sezamannya tidak mendalami ciri-ciri modelnya, dan kemiripan luar pada gambar-gambar ini sangat relatif.
Ide keagamaan di Mesir Kuno dikaitkan dengan aliran sesat
mati, menentukan keinginan untuk menyampaikan potret kemiripan dalam gambar pahatan seseorang: jiwa orang yang meninggal harus menemukan wadahnya.

Pada awal abad ke-20. para arkeolog telah menemukan potret indah Ratu Nefertiti ke seluruh dunia.

Dibuat di abad XIV SM e.,gambar ini memukau dengan kehalusan garis profil, keanggunan leher yang fleksibel, kelembutan yang lapang, dan transisi yang mengalir dari fitur wajah wanita yang tidak beraturan namun menawan.. Nefertiti bukan hanya ratu Mesir, dia juga dihormati sebagai dewi. Istri firaun Mesir yang paling terkenal dan mungkin paling cantik tinggal bersama suaminya yang dimahkotai di sebuah istana besar dan mewah di tepi timur Sungai Nil.

Dalam seni Yunani kuno tempat khusus ditempati oleh gambaran pahlawan atau dewa yang digeneralisasi dan diidealkan. Dalam penggabungan spiritual dan fisikseniman dan pematung melihat perwujudannyakeindahan dan keharmonisan manusia.