Musica rock. Enciclopedia Enciclopedia rock straniera
Prima di te vengono selezionati articoli dalla Rock-Encyclopedia, semi-mitica anche in Siberia, principalmente dai suoi volumi "Brit-Rock" e "Prog-Rock".
A Mosca e San Pietroburgo, questa enciclopedia era semplicemente chiamata siberiana. Ora possiamo nominare con orgoglio il suo autore. Questo è Nikolai Methodievich Slynko, che voleva ancora rimanere anonimo.
Dalla fine degli anni Sessanta, all'Università di Novosibirsk sono stati fatti numerosi tentativi per raccogliere e sistematizzare le disparate informazioni sulla musica moderna che con grande difficoltà raggiungono la Siberia. Con un successo molto maggiore, gli attivisti di Komsomol hanno raccolto informazioni su coloro che alla NSU amavano collezionare dischi di musica ideologicamente ostile. Qualsiasi tentativo di diffondere tale musica e informazioni su di essa è stato soppresso nel modo più decisivo. Pertanto, molti, moltissimi, che hanno iniziato a compiere un atto contrario alle autorità, sono stati costretti, prima o poi, a cedere ai problemi e alle difficoltà che venivano dal nulla nel lavoro e nella vita. Ma non il leggendario Nikolai Slynko.
E, nonostante tutti gli ostacoli creati dalle autorità, vent'anni fa, i primi volumi di questa difficile pubblicazione iniziarono ad apparire sulla carta sottile del samizdat. Al momento è impossibile fornire un numero esatto. Vari articoli su musica e musicisti hanno vagato a lungo in volumi diversi, e finora questo processo non ha fine in vista.
Nel 1984, quando Anatoly Korotin portò per la prima volta a Mosca copie dattiloscritte dei volumi Prog-Rock e Jazz-Rock, si presumeva che il loro numero totale condizionale fosse 12, quando si inseriva " Gli scarafaggi"in due volumi. Il kit includeva separatamente un volume speciale - sorprendentemente completo per l'epoca, anche per gli standard occidentali, una raccolta di composizioni e discografie di vari gruppi jazz e rock, creata da Tatyana Voronova.
La dattilografia al computer era già iniziata per una tipografia clandestina che stampava Solzhenitsyn e altra letteratura proibita, ma gli arresti di corrieri che presto seguirono costrinsero questo lavoro a essere interrotto per molti anni.
Ma sia su carta velina che in fotocopia, questa enciclopedia è stata distribuita tra gli studenti. Non solo portava le informazioni necessarie. Ha nascosto in modo affidabile la vera essenza e il significato delle attività dei club musicali studenteschi di breve durata. Gli agenti segreti del KGB, con grande difficoltà, hanno tirato fuori copie separate lette letteralmente a buchi, o anche solo volantini con articoli separati, e dopo uno studio approfondito, le autorità competenti non hanno trovato nulla di criminale nelle informazioni ottenute.
Perché il lavoro dei circoli musicali è stato svolto in due circoli. Il primo era pubblico. Lì, gli studenti stessi ascoltavano musica e tenevano conferenze sulla base di articoli di questa enciclopedia. Nel secondo round, agli studenti appositamente selezionati del primo round di formazione è stato spiegato come ascoltare e comprendere efficacemente la musica e i musicisti che la creano. Queste lezioni saranno gradualmente inserite nel nostro sito web.
E ora, quando sono già stati pubblicati molti diversi libri e CD in lingua russa con informazioni su musica e musicisti, questo lavoro titanico non è solo di interesse storico. Sebbene molti articoli siano stati parzialmente rivisti e integrati, hai una grande opportunità di guardare la musica attraverso gli occhi di un testimone oculare attraverso due decenni.
IN storia breve la musica rock traccia chiaramente due fasi: il periodo del rock and roll (1954-1962) e il periodo del rock (dal 1962 ad oggi). Il rock 'n' roll (un'espressione che si trova in molti blues rurali e probabilmente ha una connotazione sessuale, come nella frase "Rock me, rock me all night") ha guadagnato popolarità a metà degli anni '50. Ci sono tre fonti interconnesse nel cuore del rock and roll. In primo luogo, la musica degli ensemble black rhythm and blues degli stati sudoccidentali degli Stati Uniti è un analogo delle band swing jazz più morbide e raffinate degli stati orientali. Il nome rhythm and blues descrive letteralmente il tipo di musica che queste band eseguivano: la base delle melodie sono forme di 12 battute di blues rurale, basate su accordi tonici, sottodominanti e dominanti; i ritmi sono nettamente sincopati e fortemente accentati, la battuta di sottofondo più tipica è l'enfasi sulla seconda e quarta battuta del tempo in 4/4. I cantanti di tali gruppi dovevano gridare per coprire il suono forte dell'ensemble; successivamente, questo stile di blues "gridato" divenne il modo accettato dai cantanti rock and roll. In secondo luogo, è stato svolto un ruolo importante nella formazione del rock and roll musica da chiesa negro gruppi vocali che ha preso in prestito lo stile di canto e le armonie dalla tradizione dei cosiddetti. vangelo nero (inno religioso). La caratteristica principale dello stile gospel è la formula "domanda-risposta": il solista (e in chiesa - il predicatore) pronuncia un verso e il coro gli risponde. Domande e risposte è un punto fermo non solo dello stile gospel, ma anche della musica folk africana. In terzo luogo, la musica di Elvis Presley, che, insieme ad altri artisti come Buddy Holly, Carl Perkins e i fratelli Everly, combinava spontaneamente elementi degli stili musicali del country bianco e del western, del blues rurale nero e del rhythm and blues. cane da caccia (cane da caccia), Non essere crudele (Non essere crudele), (Hotel crepacuore) e una serie di altri primi pezzi di Presley sono blues o basati su strutture blues, e il suo stile vocale combinava il tipico "nasale" della musica country con l'assertività e la sensualità caratteristiche della musica negra.
È grazie all'irresistibile fascino rock and roll di Presley che sin dalla canzone Hotel dove si spezzano i cuori(1956) divenne un fenomeno nazionale. Tuttavia, altri artisti in un modo nuovo hanno guadagnato popolarità anche prima di Presley. Dal 1954, Bill Haley and the Comets pubblicarono una serie di successi che erano rimaneggiamenti del repertorio rhythm and blues degli ensemble neri. La musica di Chuck Berry è nata dalla tradizione del blues urbano, una progenie burbera e rumorosa del blues rurale che fiorì a Memphis, Chicago e Detroit dopo la seconda guerra mondiale. Sam Cooke e i Coasters, Drifters e Flamingoes hanno continuato la tradizione gospel, e questo stile musicale con piccole modifiche successivamente trasformate in quella che venne chiamata musica soul.
Il primo rock and roll era dominato da una chiara pulsazione ritmica (beat), chitarra elettrica, sassofono tenore penetrante e voci istericamente frenetiche. Il tema delle canzoni ruotava intorno Vita di ogni giorno adolescenti: la scuola, i genitori, le automobili e soprattutto l'amore giovanile. Indirettamente, e spesso direttamente, questa musica sfidava le norme sociali. La nuova musica esercitava un fascino straordinario sugli adolescenti, e la sua novità sembrava ancora più allettante rispetto alla musica popolare degli anni Quaranta e dei primi anni Cinquanta, segnata da scialbi cliché nello spirito dello stile sentimentale e artificioso di "Tin-Pan-Alli". ", che rifletteva completamente un mondo estraneo alla gioventù americana. Ecco perché i giovani hanno abbracciato il rock and roll con tanto entusiasmo. È stato proprio il fatto che gli adulti non capissero questa nuova musica ed esprimessero chiaramente il loro rifiuto ad attrarre il giovane pubblico del rock and roll. Tuttavia, nonostante la crescente popolarità di Elvis Presley, Ray Charles, Chuck Berry e altri artisti famosi, intorno al 1959 il rock and roll entrò in un periodo di declino. Il fatto è che i leader delle più grandi case discografiche, realizzando l'enorme potenziale commerciale del rock and roll e cercando di espandere il pubblico, hanno portato sul palco artisti carini, ma in generale privi di talento. A poco a poco, l'aggressività, la sensualità e, soprattutto, i ritmi incendiari del rock and roll svanirono, e furono sostituiti da "simpatici" falsi rock and roll, come angelo adolescente (Angelo adolescente) E Di' a Laura che la amo (Di' a Laura che la amo).
Influenza dei Beatles.
Così, alla fine degli anni '50 e all'inizio degli anni '60, il rock and roll sembrava essere sul letto di morte, ma nel 1962 tornò in vita grazie all'ascesa dei Beatles, che ottennero una popolarità fenomenale. Il quartetto della città inglese di Liverpool, seguito da altri gruppi britannici, e soprattutto dai Rolling Stones, ha dato nuova vita ai canoni fondamentali del rock and roll. Il successo esplosivo di queste band negli Stati Uniti ha riportato alla mente il ritmo energico: hanno reso il "rock", come ora hanno iniziato a chiamare questo stile, ancora più rumoroso e aggressivo. All'inizio, i Beatles trassero ispirazione dai primi esempi di rock and roll, mentre i Rolling Stones dovevano più a bluesmen urbani come Muddy Waters, dalla cui canzone pietra rotolante (Pietra rotolante) da cui hanno preso in prestito il nome.
È già chiaro ormai quanto siano secondarie e noiose le prime incisioni dei Beatles. L'impatto ipnotico dei Beatles sul pubblico di massa è stato spiegato, in primo luogo, dal ritmo energico della loro musica rispetto ai loro artisti popolari contemporanei, e in secondo luogo, e soprattutto, dal loro fascino personale. Erano ragazzi carini, audaci, con i capelli lunghi, modesti, anche se vestiti in modo insolito, e ogni "Beatle" aveva un aspetto teatrale molto specifico. Sullo sfondo dei Rolling Stones - ragazzi arroganti, maleducati e provocatoriamente sexy - sembravano "maschiaccio gloriosi".
Durante il declino del rock and roll, per qualche tempo, la musica folk bianca, che esisteva principalmente negli stati degli Appalachi (nell'est degli USA), è stata ripresa e subito messa in funzione. Gli stereotipi musicali dello stile folk appartenevano ad un'altra epoca e presto persero il loro fascino, ma i testi di queste canzoni, segnati soprattutto dallo spirito di impegno sociale e dalla poesia ingenua, si rivelarono più durevoli. Bob Dylan iniziò la sua carriera come cantante folk durante questo rinascimento. I testi spontanei delle prime canzoni di protesta di Dylan, tipo Solo il vento lo sa (Soffiando nel vento), Tempi: cambiano (I tempi stanno cambiando") nel suo lavoro successivo ha arricchito le caratteristiche dell'alta poesia moderna. Ha usato dispositivi poetici come la libera associazione, la sinestesia (una combinazione di sensazioni eterogenee, ad esempio visive e uditive; ad esempio, in Dylan: "ombre nei suoni"), metafora estesa e deliberata ambiguità di significato. Alcuni poeti rock hanno colto questa tendenza, ma non è stato fino a quando Dylan si è esibito al Newport Folk Festival nel 1965, accompagnato da un gruppo rock, con strumenti elettrici che hanno sostituito la sua solita chitarra acustica e armonica. I puristi del rock consideravano la trasformazione di Dylan un tradimento, ma molti artisti folk, tra cui Tim Hardin, Tim Buckley, Lovin' Spoonful, adottarono strumenti rock in tutto o in parte, e molti musicisti rock furono ispirati dalla ricchezza semantica della canzone dimostrata da Dylan. .
Tra questi ultimi c'erano i Beatles. Sebbene le prime composizioni contenessero alcune innovazioni musicali, i testi delle loro canzoni consistevano principalmente in banali chiacchiere. Io voglio tenere la tua mano (Io voglio tenere la tua mano), rendermi felice (Per favore, per favore), Voglio essere il tuo fidanzato (Voglio essere il tuo uomo) sono esempi tipici. Ancora un album epico. anima di gomma (anima di gomma, 1965) si distingueva sia per la profondità semantica dei versi che per la sorprendente varietà di reperti musicali. George Harrison nella canzone Mobili norvegesi (legno norvegese) suona il sitar indiano e l'accompagnamento d'archi nella ballata Michele (Michele) suona nello spirito della musica classica.
A questo punto, a metà degli anni '60, quando molti musicisti videro le possibilità artistiche del rock, erano sorte centinaia di gruppi rock. La loro musica era una logica continuazione del primo rock and roll, ma era anche una reazione e una risposta agli eventi attuali della vita sociale e politica. Ad esempio, "Country Joe e il I Fish, un gruppo di Berkeley, nelle loro canzoni denunciavano la guerra del Vietnam e la disuguaglianza sociale nella società americana. Più originali erano Jefferson Airplane e Grateful Dead, entrambi strettamente associati alla nascente "cultura della droga". Hanno tentato di ricreare l'esperienza sensoriale dell'ingestione di LSD, combinando lunghi assoli di chitarra fluttuanti con ululati acuti che erano spesso distorti da varie impostazioni e feedback dell'amplificatore, con il prurito straziante prodotto posizionando uno strumento elettrico vicino all'amplificatore. I testi riflettevano anche la tossicodipendenza. Nella composizione Otto miglia fuori terra (Otto miglia di altezza) del gruppo Byrds, le immagini surreali nello spirito di Dylan accennano solo a un'esperienza con la droga, ma il riferimento diretto alle droghe era abbastanza comune nell'acid rock. Nel tentativo di trasformare la musica rock in un'esperienza sensuale-emotiva totale, i musicisti hanno raggiunto un volume del suono sgradevole e spesso insopportabile per un orecchio non abituato.
I Beatles hanno continuato a sperimentare. Nel 1967 pubblicarono un album chiamato La banda del club dei cuori solitari del sergente Pepper (La banda del club del cuore solitario del sergente Pepper). Seguendo l'esempio ispiratore dell'album Beach Ensemble Suoni preferiti (Suoni per animali domestici, 1966), lo fecero i Beatles Sergente Pepe il primo album rock, che era un intero lavoro, e non una raccolta di singole canzoni. Dopo l'apparizione Sergente Pepe molti artisti rock hanno seguito l'esempio dei Beatles. Le canzoni sono andate oltre il tradizionale formato di tre minuti adottato dalle radio in onde medie, e ora interi blocchi hanno trovato un'unità interna negli album musicali. Così, l'album straordinariamente complesso e di successo artistico (anche se non commerciale) del gruppo "Jefferson Airplane" Dopo il bagno da Baxter (Dopo il bagno a Baxter's) si compone di quattro lunghe "suite", ognuna delle quali presenta diversi temi trasversali.
Dopo altri artisti ne hanno interiorizzato l'eclettica originalità Sergente Pepe, il rock è stato influenzato da molti stili musicali correlati. I gruppi Blood, Sweat and Tears, Lighthouse, Chicago cominciarono ad utilizzare gli ottoni non solo per la messa in scena e l'accompagnamento puramente ritmico, caratteristico della musica soul o del rhythm and blues, ma anche per brani orchestrali e solistici, caratterizzati da sofisticate armonie e un più schema ritmico flessibile, caratteristico di jazz contemporaneo. Alcune band, come i defunti Cream, hanno posto grande enfasi sulle improvvisazioni strumentali sostenute sulla scia degli artisti jazz contemporanei, pur mantenendo i ritmi e la voce tipici del rock. Frank Zappa, leader dei Mothers of Invention di breve durata, compositore di talento e virtuoso musica elettronica, mezzi musicali presi in prestito dall'arsenale dei classici del XX secolo. – Edgar Varese, John Cage, Karlheinz Stockhausen. Il rock ha sfruttato anche altre forme classiche: due band britanniche, The Who e The Kinks, hanno composto e registrato opere rock - Tommy (Tommy) E Artù (Artù), in ognuno dei quali la trama determina la struttura musicale, sono presenti temi trasversali e singole canzoni-arie sono eseguite da personaggi diversi.
1970-1980.
Alla fine degli anni '60 e all'inizio degli anni '70, il blues, la musica folk bianca e il jazz, i capisaldi del rock, continuarono a ispirare gli artisti rock e il rock, a sua volta, influenzò i suoi precursori musicali. Un certo numero di conduttori orchestre sinfoniche, in particolare Zubin Mehta (Los Angeles orchestra filarmonica) e Leonard Bernstein (New York Philharmonic Orchestra), hanno partecipato a concerti in cui si è tentato di sintetizzare musica rock e classica.
Mentre questi esperimenti continuavano, il rock dei primi anni '70 declinò nuovamente, come accadde nei primi anni '60. I Beatles si sciolsero ei musicisti iniziarono a lavorare da soli. Dylan ha pubblicato una serie di album che hanno inorridito i critici. Altri grandi artisti - Jimi Hendrix, che ha rivoluzionato il ruolo di chitarra solista, cantante rhythm and blues Janis Joplin e cantante dei Doors Jim Morrison - sono morti tragicamente, appena iniziando la loro carriera creativa. Il pubblico rock era diviso in fan di diverse direzioni, che si moltiplicavano. Uno di questi era il country rock, uno stile adottato strumenti tradizionali come l'ukulele e ritornando ancora al rhythm and blues di Elvis Presley, Carl Perkins e Buddy Holly.
Allo stesso tempo, i musicisti sono emersi dalla tradizione popolare dei primi anni '60. I chitarristi acustici Caroly King, Joni Mitchell e Paul Simon hanno cantato di relazioni personali e problemi romantici vecchio stile in un modo sofisticato e aggraziato di confessione lirica.
Il rock progressivo è emerso nel Regno Unito, rappresentato da band come Pink Floyd, Moody Blues, Jethro Tull, che hanno utilizzato arrangiamenti classici per arricchire il suono delle loro sofisticate composizioni. Una musica così enfaticamente melodica con una densa orchestrazione faceva molto affidamento sulle capacità del sintetizzatore elettronico appena apparso, in grado di imitare il suono di quasi tutti gli strumenti, inclusi ottoni e archi.
Il pubblico dell'heavy metal stava crescendo, un genere caratterizzato da un volume assordante e uno schema melodico ripetitivo. Un certo numero di rappresentanti di questa tendenza, tra cui "Led Zeppelin", "AC / DC", "Black Sabbath", è diventato il più popolare, sebbene rifiutato nei circoli critici musicali superstar del decennio.
Glam e glitter rock, rappresentati da artisti inglesi come David Bowie, Roxy Music e T. Rex" e il gruppo americano "New York Dolls", hanno portato una teatralità sfrenata e transgender. Bowie pubblicò un concept album nel 1972 L'ascesa e la caduta di Ziggy Stardust e dei ragni di Marte (L'aumento e Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars), dove la trama ripercorre la rapida ascesa alla fama e il crollo dell'idolo rock decadente-futuristico. Questa cosa contrastava nettamente con il comportamento morbido e piacevole degli artisti rock della fine degli anni '60. A spingere i confini del rock è stato Bowie, che, con la sua immagine volutamente androgina, ha sfidato le norme sessuali e sociali.
Verso la metà degli anni '70, dozzine di generi si erano fusi nella musica rock. Alice Cooper e Kiss, prendendo in prestito spudoratamente elementi di heavy metal e musica pop, hanno preso il lato esterno della loro immagine scenica dal glam rock, usando il trucco e il guardaroba dei personaggi dei cartoni animati nelle loro esibizioni. Gli Steely Dan, una band radicata nella tradizione e nell'anima folk, hanno offerto uno strano ibrido - rock intellettuale, che combinava piacevoli melodie con versi piuttosto cinici. Hall & Oates ha creato "blue-eyed soul" prendendo in prestito il suono R&B della musica soul di Filadelfia della fine degli anni '60. L'art rock combinava elementi di glam e rock progressivo. Gruppi come i Genesis, guidati da Peter Gabriel, offrivano musica eccentrica esaltata dalla teatralità. Bruce Springsteen, cantante e compositore del New Jersey, ha ricordato agli ascoltatori il giovane Bob Dylan con il potere e il fascino delle esibizioni teatrali e l'orientamento sociale dei testi; Disco di Springsteen Nato per correre (Nato per correre) è stato nominato miglior album del decennio.
George Clinton e i suoi Parliament-Funkadelic, un gruppo rhythm and blues di Detroit, sono un altro tipo di rock ibrido. Il tema spaziale delle composizioni e i costumi alieni dei membri dell'ensemble hanno contribuito alla divulgazione del funk rock.
Nel 1974, il CBGB, un piccolo club musicale nel South East Side di New York, divenne la culla del prossimo genere rock. I gruppi rock locali - i Ramones, i Television, i Talking Heads, la cantante Patti Smith - coltivavano musica ruvida, nuda, a tre accordi che in seguito fu soprannominata punk. Primitivo, duro, spesso dissonante, ma pieno di passione e privo di qualsiasi fronzolo musicale che contraddistingueva il rock degli anni '70, il punk era la varietà più sfrenata di musica rock. Le caratteristiche del futuro punk furono indovinate già nel 1970 nel lavoro del gruppo del Michigan MS-5 e Iggy Pop (vero nome James Osterberg) e del suo gruppo Stooges. Ma non è stato fino al 1975 quando Patti Smith ha pubblicato il suo album di debutto. Cavalli(Cavalli), il punk è andato in orbita. La piagnucolosa voce sciamanica di Patti Smith e i versi confusi, nello spirito dei testi di Arthur Rimbaud, sullo sfondo di una melodia dissonante minimalista hanno immediatamente conquistato i fan dell'avanguardia rock.
L'imprenditore inglese Malcolm McLaren, impressionato da ciò che ha sentito a New York, ha colto un nuovo stile musicale. I Sex Pistols, reclutati dalla McLaren da una folla eterogenea di giovani fannulloni, divennero il leader del punk rock. L'atmosfera politica ed economica del Regno Unito era matura per un genere apocalittico così apertamente aggressivo, e il punk fiorì nel lavoro di gruppi giovanili "arrabbiati" come i Pistols (il loro primo disco si chiamava Anarchia nel Regno Unito) e "Scontro". Un genere altrettanto popolare in questo periodo era la disco, un ibrido di funk, rhythm and blues e rock che celebrava la libertà sessuale e il godimento della vita che definivano la cultura pop negli anni '70.
Man mano che la popolarità del punk rock cresceva, cambiando gradualmente, si trasformò in una "nuova ondata". Elementi di skiffle (musica pop simile al jazz) e ska (musica da ballo giamaicana) sono stati mescolati in canzoni leggere e veloci eseguite da band etnicamente diverse come gli Specials e gli English Beat. Elvis Costello ha reso popolari hit magistralmente realizzate, sostenute da un ritmo febbrilmente frastagliato. Devo di Akron, Ohio, si è esibito sul palco con tute e maschere di plastica leggera, suggerendo la loro appartenenza a civiltà extraterrestri. E band come Husker Du, Dead Kennedys e Black Flag hanno trasformato il punk in un torrente di incontrollabile aggressione.
La rivoluzione dei videoclip.
Il 1 ° agosto 1981, nella musica rock ebbe luogo la prima rivoluzione dai tempi dei Beatles: iniziò l'era della televisione musicale (MTV), la trasmissione 24 ore su 24 di video musicali in cui le canzoni rock ricevevano un'incarnazione visibile utilizzando effetti speciali, immagini fantastiche e fotogrammi di modifica, sincronizzati con frasi musicali. Diventare una miniera d'oro per artisti creativi" nuova ondata come "Police", "Depeche Mode", "B-52s" e "Go Gos", MTV ha anche stimolato l'uscita di sempre più meraviglie di ingegneria video da una notte.
Se il movimento punk della fine degli anni '70 ha riportato la musica rock all'essenziale, gli anni '80 hanno trasformato il rock in uno spettacolo teatrale. Artisti come Madonna, Prince e soprattutto Michael Jackson, sono diventati famosi solo sotto un severo occhio video onniveggente. Offrendo agli spettatori le loro immagini e melodie squisitamente realizzate e in continua evoluzione basate su ritmi orecchiabili e senza pretese che non toglievano nulla al tema emotivo centrale del video, questi artisti riflettevano la filosofia "più è meglio" caratteristica degli anni '80.
Mentre la televisione musicale è diventata la gioia di una classe media prevalentemente bianca, l'hip-hop o il rap è stato fabbricato nelle aree urbane povere con mezzi improvvisati. I disc jockey, che hanno utilizzato più "giradischi" contemporaneamente in studio, hanno fatto girare vecchi dischi in parti, melodie sezionate e frammenti sovrapposti a nuovi ritmi. Su questo sfondo musicale, il "rapper" poteva cantare versi ritmici estemporanei i cui temi preferiti erano il sesso, la droga e la cultura afroamericana. I primi promotori del rap - Afrika Bambaataa e Curtis Blow - hanno basato le loro composizioni su vecchi dischi rhythm and blues di James Brown e altri artisti. Poi gruppi come i Run DMC hanno cercato di avvicinare il loro pubblico al rap basando le loro canzoni su melodie rock, in particolare Camminare in questo modo (Camminare in questo modo) del gruppo Aerosmith. Con il successo dei Beastie Boys e di altri rapper bianchi alla fine degli anni '80, il rap è diventato mainstream. genere musicale, costringendo i suoi rappresentanti socialmente più attivi ad adottare un modo cupo e aggressivo. Il gangsta rap eseguito da NWA, Geto Boys e Snoop Doggy Dogg ha offerto versi così aggressivi, misogini e teppisti nei contenuti che le voci sono state ascoltate nella società, se non chiedendo la repressione della censura, almeno richiedendo l'autocontrollo da parte degli artisti.
Pochi dei supergruppi rock emersi negli anni '80 si sono dimostrati fattibili. Le eccezioni erano quegli ensemble che si sono distinti sia per il talento musicale che per un'immagine memorabile: i REM, un quartetto di Athens, Georgia, e gli Irish U2, un gruppo le cui composizioni nello spirito degli inni religiosi hanno portato il pubblico in estasi.
Nuove forme negli anni '90 -2000.
Il grunge, un genere che è diventato famoso nei primi anni '90, ricordava fortemente il punk. Ha combinato le aspirazioni avant-garde di band come i Sonic Youth, con la chitarra frenetica e stridente di Neil Young, che ha iniziato la sua carriera a metà degli anni '60 come parte della prima band country rock Buffalo Springfield. Grazie a band come Nirvana e Pearl Jam, la fama del grunge si è diffusa ben oltre la sua patria americana.
Sia gli anni '70 che i primi anni '90 hanno visto una frammentazione degli stili. Molti nuovi artisti sono stati etichettati come "alternativi" anche in occasioni occasionali in cui la loro musica è stata rapidamente assimilata da un pubblico di massa. "PJ Harvey" e altri gruppi femminili doppiato militante riot girl rock in uno stile "heavy metal". Garth Brooks ha annunciato il ritorno della tradizione country rock. Seguì un'esplosione di musica rave in Inghilterra, scandita da melodie ipnotiche e tempi velocissimi. Negli Stati Uniti, l'aderente al gruppo "industrial rock" "Ministry" ha unito musica hard-aggressive e dance in un tutt'uno. Grazie alla crescente influenza del canale MTV, il performer islandese Björk e la band giapponese Pizzicato Five hanno raggiunto fama internazionale.
La musica e l'estetica del grunge nei primi anni '90 hanno determinato in gran parte lo sviluppo del rock per tutto il decennio successivo. Il concetto chiave di questo periodo era il concetto di "alternativa" (alternativa). Inizialmente, significava contrapporre la nuova musica senza compromessi al flusso infinito e senza volto del pop-hard rock che dominava il mercato musicale degli anni Ottanta. Coloro che non volevano accettare la produzione seriale e senz'anima di band come WASP o Poison avevano un'alternativa: gruppi garage e club che creavano il proprio suono "trasandato" e cantavano non sulle spiagge di Malibu, bellezze e limousine, ma su ciò che costituisce la vita della maggior parte delle persone normali: sulla complessità delle relazioni umane, l'alienazione, la depressione, i sogni e le speranze.
La città di Seattle divenne il centro della musica "alternativa", in cui giovani gruppi riuniti attorno alla piccola azienda "Sub Pop" svilupparono la direzione del grunge: "Alice In Chains" (Alice In Chains), "Melvins" (Melvins), "Alberi urlanti" (Alberi urlanti), Nirvana, Soundgarden, Pearl Jam.
Il grunge era una direzione davvero fresca e tempestiva. Tuttavia, la popolarità che questa direzione ha guadagnato in uno o due anni ha portato al fatto che industria della musica ha iniziato a sfruttare il cosiddetto. suono "alternativo". Quello che fino a poco tempo fa era considerato marginale, non commerciale ed era il repertorio di piccole case discografiche indipendenti, nel giro di pochi mesi si è trasformato in miniera d'oro grande spettacolo.
Cercando di affrontare questa situazione a modo loro, i principali gruppi della "Seattle wave" pubblicano album con un suono volutamente sporco e crudo: "Nirvana" Nel grembo materno (In utero) e "Pearl Jam" scienza di vita (Vitalogia), e Alice In Chains si è trasformato in un suono semi-acustico, ma questi album diventano immediatamente disco di platino (ovvero hanno venduto oltre un milione di copie). Da allora, il concetto di "musica alternativa", in generale, ha perso la sua unicità, perché gran parte di quella che era una vera alternativa al grande mondo dello spettacolo sta entrando a far parte di questo mondo dello spettacolo. Tuttavia, la scena indipendente (indie, da indipendente), non commerciale continua ad esistere, e gruppi come Sonic Yus (Sonic Youth), Melvins (Melvins) o Pavement sono abbastanza calmi, senza isteria di massa e contratti multimilionari giocano il loro propria musica.
Dal 1993, dopo l'uscita dell'album Sogni siamesi, richiama l'attenzione sul fenomeno del gruppo Smashing Pumpkins, che è diventato forse il gruppo americano più popolare a metà degli anni '90. Il loro lavoro è un esempio di una rara combinazione di creatività e successo commerciale. I critici hanno chiamato questa musica post-grunge, che suona molto formale, ma almeno riflette la base grunge dura e pesante della musica degli Smashing Pumpkins.
Anche dalla metà degli anni '90. I gruppi punk-core melodici (punk-core) stanno guadagnando popolarità, principalmente i Green Day ( giorno verde) e "Prole" (Prole). Eseguono musica molto dura e veloce con melodie spettacolari e testi ironici. I Green Day hanno pubblicato un album nel 1994 Scemo(Dookie) che li ha resi milionari. Tuttavia, i dischi successivi non ebbero lo stesso successo. La carriera di "Offspring" ha avuto molto più successo: dopo un disco meraviglioso Distruggere (Distruggere, 1994) trovano la forza per creare un altro bestseller internazionale americana (americana, 1998) e da allora hanno mantenuto un altissimo livello di popolarità.
Con l'uscita dell'album del 1991 BloodSugarSexMagic (BloodSugarSexMagic) il gruppo di Los Angeles "Red Hot Chili Pepperz" (Red Hot Chili Peppers) è diventato uno dei gruppi rock più famosi al mondo. La loro musica è un misto di funk, hard rock, hip hop e molti altri stili... Pubblicando un album circa una volta ogni tre anni, i Red Hot Chili Peppers non hanno perso il loro status di "superstar" per più di un decennio.
La successiva ondata internazionale nella musica rock dopo il grunge fu il cosiddetto Brit-pop. Ciò significa che gli inglesi hanno ripreso per un po 'la leadership nella musica rock. Si suggeriscono parallelismi con l '"invasione britannica" della metà degli anni '60. Inoltre, il "boom" del Britpop è stato accompagnato da una grande campagna per ravvivare l'interesse di massa per i Beatles (Beatles), la pubblicazione di antologie, l'uscita di film, ecc. Il Britpop aveva anche la sua coppia di gruppi più popolari e rivali, modellati sul tandem Beatles-Rolling Stones: Oasis e Blur. Nel 1994 furono pubblicati gli album degli Oaces. Può sicuramente essere (Senza dubbio forse) e il gruppo Blair vita da parco (vita da parco) e da quel momento inizia l'era del Britpop. Molti altri britannici hanno raggiunto la fama mondiale in questa direzione: Pulp, Radiohead, Ride e altri nella musica inglese della fine degli anni '80. c'era abbastanza direzione interessante, come la "Manchester wave" con i suoi artisti di culto: Happy Mondays (Happy Mondays), Stone Roses (Stone Roses), Charlatanes UK (Charlatanes UK), che per molti versi hanno preparato il boom del Britpop. E il primo album di Blair intitolato Leisure (Leisure, 1991) apparve durante il trionfo di questo movimento.
Sebbene il picco della popolarità del Britpop sia ormai passato, molti gruppi conducono ancora un'esistenza di successo, pubblicando regolarmente album. Tuttavia, se gli Oaces continuano ostinatamente a seguire la loro monotona linea rock and roll, il leader dei Blair Damon Albarn si mostra un musicista più flessibile e creativo, partecipando a uno dei progetti più misteriosi dell'inizio del 21° secolo. "Gorillaz" (Gorillaz). I membri di questo gruppo si nascondono sotto nomi fittizi e immagini di cartoni animati. Ai concerti suonano dietro un sipario su cui vengono proiettate le immagini delle loro controparti dei cartoni animati e altre immagini.
Negli anni '90 è diffusa la sperimentazione sulla combinazione di elettronica e live musica per chitarra, strumenti dal vivo e tecnologie digitali, come gli album di David Bowie (Davi Bowie) 1 fuori (1 Fuori, 1995), terrestre (terrestre, 1997) o qualsiasi disco di Garbage, Republica, ecc.
Uno dei musicisti sperimentali più interessanti è l'americano Beck Hansen, meglio conosciuto semplicemente come Beck. Ciascuno dei suoi album, a cominciare dal primo Oro maturo (Oro dolce, 1993), questa è una nuova tappa nello sviluppo del suo insolito talento musicale. Beck combina un'elettronica sofisticata con gli strumenti acustici più tradizionali.
Quasi contemporaneamente al Britpop, un'altra tendenza nata in Gran Bretagna chiamata trip-hop ha catturato l'attenzione del mondo. Massive Attack, Tricky, Portishead e più tardi Morcheeba sono i più famosi artisti trip-hop. Creati da premurosi DJ hip-hop e sperimentatori elettronici, i gruppi trip-hop preferiscono tempi lenti ipnotici, suoni cupi o malinconici, campioni insoliti (campioni, campioni - frammenti del suono di una composizione o strumento utilizzato per creare nuove composizioni).
Influenza significativa sulla musica negli anni '90 ha fornito una moda per la cultura dei decenni precedenti. All'inizio degli anni '90 c'era una moda per l '"era hippie" degli anni '60, e poi sono entrati di moda gli anni '70, principalmente funk, disco e glam rock. Questo è stato accompagnato dalla riunione di molte band leggendarie dei decenni passati: Jefferson Airplane (Jefferson Airplane), Fleetwood Mac (Fleetwood Mac), Deep Purple ( viola profondo), Black Sabbath (Black Sabbath), Eagles (Eagles) e altri Jimmy Page e Robert Plant, membri dei Led Zeppelin (Led Zeppelin) pubblicano un album congiunto nel 1994 Nessuna pietà (Nessun quarto), che presenta nuove canzoni congiunte e vecchi successi del gruppo in insoliti arrangiamenti orientali.
Nel 2001 la moda ha raggiunto gli anni '80: electro-pop, giacche rosa e peridrolo. Sono emersi anche quelli di cui tutti si erano dimenticati, ovvero gli istigatori del glam degli anni '80: gruppi come Poison (Poison) e Warrant (Warrant).
Fine anni '90 segnato da un rinnovato interesse per la musica "pesante". Come band americane come Limp Bizkit, Papa Roach, P.O.D. (POD), "Linkin Park" ( Parco dei Linkin) suonano musica, che da tempo si chiama nu- o nu-metal (nu-metal). Mostra chiaramente le influenze delle band della generazione precedente: Rage Against The Machine, Helmet, « Nirvana » (Nirvana), Alice In Chains, I piloti del tempio di pietra. Uno di concetti chiave nella musica all'inizio del XXI secolo. - multiculturalismo. Interesse per la musica popolare America Latina, Mediterraneo, Est Europa, Africa, Lontano est e altre regioni del mondo superano la solita moda per l'esotico. Elementi di culture diverse diventano materiale per la creatività. Un meraviglioso esempio di questo approccio è il francese di origine spagnola Manu Chao, che nella sua musica ha mescolato tradizioni latinoamericane, caraibiche, nordafricane ed europee. Pertanto, l'eclettismo e la diversità stilistica sono tratti caratteristici della musica dell'inizio del XXI secolo.
Divenuta uno dei pilastri della cultura popolare, la musica rock ha preso il suo posto nell'arte come un campo indipendente degno di uno studio speciale; e infatti, il curriculum di molte università ora include corsi sullo studio della musica rock. Nel 1986 è stata creata la Rock and Roll Hall of Fame. Fedele a lei radici storiche, la musica rock rimane il pomo della discordia: se gli oppositori sono scioccati dal fatto che gli intenditori di essa siano accettati dalla musica "seria", allora i fedeli sostenitori sono confusi proprio guadagnando "legittimità", per cui, assicurano, il rock perde la sua potere intrinseco e immediatezza.
