Breve storia dell'orchestra sinfonica. Miracolo sonoro (su un'orchestra sinfonica) Una storia su un'orchestra sinfonica per bambini

La musica è, prima di tutto, suoni. Possono essere forti e silenziosi, veloci e lenti, ritmici e non così...

Ma ognuno di loro, ogni nota che suona in un certo modo influenza la coscienza di una persona che ascolta la musica, il suo stato d'animo. E se questa è musica orchestrale, allora non può certo lasciare nessuno indifferente!

Orchestra. Tipi di orchestre

Un'orchestra è un gruppo di musicisti che suonano strumenti musicali, opere progettate appositamente per questi strumenti.

E da quella che è questa composizione, l'orchestra ha diverse possibilità musicali: in termini di timbro, dinamica, espressività.

Quali tipi di orchestre ci sono? I principali sono:

• sinfonico;
• strumentale;
• orchestra di strumenti popolari;
• vento;
• jazz;
• pop.

C'è anche una banda militare (che esegue canzoni militari), una banda scolastica (che include scolari) e così via.

Orchestra Sinfonica

Questo tipo di orchestra contiene strumenti a corda, a fiato e a percussione.

C'è una piccola orchestra sinfonica e una grande.

Maly è quella che suona la musica dei compositori tra la fine del XVIII e l'inizio del XIX secolo. Il suo repertorio può includere variazioni moderne. Una grande orchestra sinfonica differisce da una piccola aggiungendo più strumenti alla sua composizione.

La composizione del piccolo contiene necessariamente:

• violini;
• contralto;
• violoncelli;
• contrabbassi;
• fagotti;
• corna;
• tubi;
• timpani;
• flauti;
• clarinetto;
• oboe.

Quello grande include i seguenti strumenti:

• flauti;
• oboi;
• clarinetti;
• controfagotti.

A proposito, può includere fino a 5 strumenti di ogni famiglia. E anche dentro grande orchestra sono presenti:

• corna;
• trombe (basso, piccolo, contralto);
• tromboni (tenore, basso tenore);
• tubo.

E, naturalmente, strumenti a percussione:

• timpani;
• campane;
• piccolo e grande tamburo;
• triangolo;
• piatto;
• Tam-tam indiano;
• arpa;
• pianoforte;
• clavicembalo.

Una caratteristica di una piccola orchestra è che ci sono circa 20 strumenti a corda, mentre in una grande ce ne sono circa 60.

Il direttore dirige l'orchestra sinfonica. Interpreta artisticamente il lavoro eseguito dall'orchestra con l'aiuto della partitura - una notazione musicale completa di tutte le parti di ogni strumento dell'orchestra.

Orchestra strumentale

Questo tipo di orchestra differisce nella sua forma in quanto non ha un numero chiaro di strumenti musicali di determinati gruppi. E può anche eseguire qualsiasi musica (a differenza di un'orchestra sinfonica, che esegue esclusivamente musica classica).

Non esistono tipi specifici di orchestre strumentali, ma convenzionalmente includono un'orchestra di varietà, nonché un'orchestra che esegue classici nell'elaborazione moderna.

Secondo sfondo storico, musica strumentale iniziò a svilupparsi attivamente in Russia solo sotto Pietro il Grande. Lei, ovviamente, aveva un'influenza occidentale su se stessa, ma non era più soggetta a tale divieto come in passato. E prima che arrivasse a un punto tale che era proibito non solo suonare, ma anche bruciare strumenti musicali. La Chiesa credeva di non avere né anima né cuore, e quindi non potevano glorificare Dio. E quindi la musica strumentale si è sviluppata principalmente tra la gente comune.

Suonano in un'orchestra strumentale su flauto, lira, cetra, flauto, tromba, oboe, tamburello, trombone, pipa, beccuccio e altri strumenti musicali.

Più popolare orchestra strumentale XX secolo - questa è l'orchestra di Paul Mauriat.

Era il suo direttore d'orchestra, leader, arrangiatore. La sua orchestra ha suonato molte opere musicali popolari del 20 ° secolo, così come la sua stessa composizione.

Orchestra Popolare

In una tale orchestra, gli strumenti principali sono folk.

Ad esempio, per un'orchestra popolare russa, i più tipici sono: domras, balalaika, salterio, fisarmoniche a bottoni, armoniche, zhaleika, flauti, corni di Vladimir, tamburelli. Inoltre, strumenti musicali aggiuntivi per tale orchestra sono un flauto e un oboe.

Un'orchestra popolare apparve per la prima volta alla fine del XIX secolo, organizzata da V.V. Andreev. Questa orchestra ha girato molto e ha guadagnato grande popolarità in Russia e all'estero. E all'inizio del XX secolo orchestre popolari cominciò ad apparire ovunque: nei club, nei palazzi della cultura e così via.

Banda di ottoni

Questo tipo di orchestra suggerisce che includa vari strumenti a fiato e percussioni. È disponibile in piccolo, medio e grande.

orchestra jazz

Un'altra orchestra di questo tipo si chiamava jazz band.

Consiste di tali strumenti musicali: sassofono, pianoforte, banjo, chitarra, percussioni, trombe, tromboni, contrabbasso, clarinetti.

In generale, il jazz è una direzione nella musica che si è sviluppata sotto l'influenza dei ritmi e del folklore africani, nonché dell'armonia europea.

Il jazz è apparso per la prima volta negli Stati Uniti meridionali all'inizio del XX secolo. E presto si diffuse in tutti i paesi del mondo. A casa, questa direzione musicale si è sviluppata ed è stata integrata da nuove caratteristiche peculiari apparso in una regione o nell'altra.

Un tempo in America, i termini "jazz" e "musica popolare" avevano lo stesso significato semantico.

Le orchestre jazz iniziarono a formarsi attivamente negli anni '20. E rimasero tali fino agli anni '40.

Di norma, i partecipanti sono entrati in questi gruppi musicali fin dall'adolescenza, eseguendo la loro parte specifica - memorizzata o da note.

Gli anni '30 sono considerati l'apice della gloria per le orchestre jazz. I leader delle più famose orchestre jazz dell'epoca erano: Artie Shaw, Glenn Miller e altri. Le loro opere musicali suonavano ovunque in quel momento: alla radio, nelle discoteche e così via.

Al giorno d'oggi, anche le orchestre jazz e le melodie scritte in stile jazz sono molto popolari.

E sebbene ci siano più tipi di orchestre musicali, l'articolo discute le principali.

Orchestra(dall'orchestra greca) - una grande squadra di musicisti strumentali. A differenza degli ensemble da camera, nell'orchestra alcuni dei suoi musicisti formano gruppi che suonano all'unisono, cioè suonano le stesse parti.
L'idea stessa di fare musica simultanea da parte di un gruppo di artisti strumentali risale a tempi antichi: anche nell'antico Egitto, piccoli gruppi di musicisti suonavano insieme in varie feste e funerali.
La parola "orchestra" ("orchestra") deriva dal nome della piattaforma rotonda davanti al palcoscenico dell'antico teatro greco, che ospitava l'antico coro greco, partecipante a qualsiasi tragedia o commedia. Durante il Rinascimento e oltre XVII secolo, l'orchestra fu trasformata in fossa d'orchestra e, di conseguenza, diede il nome al gruppo di musicisti che vi si trova.
Esistono molti tipi diversi di orchestra: orchestre militari di ottoni e legni, orchestre di strumenti popolari, orchestre d'archi. La più grande nella composizione e la più ricca in termini di capacità è l'orchestra sinfonica.

Sinfonicochiamata orchestra, composta da diversi gruppi eterogenei di strumenti: una famiglia di archi, fiati e percussioni. Il principio di tale associazione si è sviluppato in Europa nel XVIII secolo. Inizialmente, l'orchestra sinfonica comprendeva gruppi strumenti ad arco, strumenti a fiato in legno e ottone, che si univano ad alcuni strumenti musicali a percussione. Successivamente, la composizione di ciascuno di questi gruppi si è ampliata e diversificata. Attualmente, tra una serie di varietà di orchestre sinfoniche, è consuetudine distinguere tra una piccola e una grande orchestra sinfonica. La Small Symphony Orchestra è un'orchestra di composizione prevalentemente classica (che suona musica della fine del XVIII - inizio del XIX secolo o pastiche moderna). Consiste di 2 flauti (raramente un piccolo flauto), 2 oboi, 2 clarinetti, 2 fagotti, 2 (raramente 4) corni, a volte 2 trombe e timpani, gruppo di stringhe non più di 20 strumenti (5 violini primi e 4 secondi, 4 viole, 3 violoncelli, 2 contrabbassi). La grande orchestra sinfonica (BSO) include tromboni obbligatori nel gruppo di rame e può avere qualsiasi composizione. Spesso gli strumenti lignei (flauti, oboi, clarinetti e fagotti) arrivano fino a 5 strumenti per famiglia (a volte più clarinetti) e comprendono varietà (plettro e flauti contralti, oboe cupido e oboe inglese, clarinetti piccoli, contralto e basso, controfagotto). Il gruppo di rame può includere fino a 8 corni (comprese le speciali tube Wagner), 5 trombe (incluse piccole, contralto, basso), 3-5 tromboni (tenore e tenore basso) e una tuba. I sassofoni sono spesso usati (in un'orchestra jazz, tutti e 4 i tipi). Il gruppo di archi raggiunge i 60 o più strumenti. Gli strumenti a percussione sono numerosi (sebbene timpani, campane, tamburi piccoli e grandi, triangolo, cimbali e tam-tom indiano ne costituiscano la spina dorsale), sono spesso utilizzati arpa, pianoforte, clavicembalo.
Per illustrare il suono dell'orchestra, userò la registrazione concerto finale"Orchestra Sinfonica di YouTube". Il concerto ha avuto luogo nel 2011 nella città australiana di Sydney. IN vivereè stato visto in televisione da milioni di persone in tutto il mondo. L'Orchestra sinfonica di YouTube è dedicata a promuovere l'amore per la musica e a mostrare la vasta diversità creativa dell'umanità.

Il programma del concerto comprendeva opere note e poco note di compositori noti e poco noti.

Ecco il suo programma:

Hector Berlioz - Carnevale Romano - Ouverture op. 9 (con Android Jones - artista digitale)
Incontra Maria Chiossi
Percy Grainger - Arrivo su una piattaforma Humlet da in a Nutshell - Suite
Johann Sebastian Bach
Incontra Paulo Calligopoulos - Chitarra elettrica e violino
Alberto Ginastera - Danza del trigo e Danza finale (Malambo) dal balletto Estancia (diretto da Ilyich Rivas)
Wolfgang Amadeus Mozart - "Caro" bell "idol mio" - Canone a tre voci, K562 (con il Sydney Children's Choir e il soprano Renee Fleming via video)
Incontra Xiomara Mass - Oboe
Benjamin Britten - La guida del giovane all'orchestra, Op. 34
William Barton - Kalkadunga (con William Barton - Didgeridoo)
Timothy Conestabile
Incontra Roman Riedel - Trombone
Richard Strauss - Fanfara per la Filarmonica di Vienna (con Sarah Willis, Horn, Berlin Philharmoniker e diretta da Edwin Outwater)
*PREMIERE* Mason Bates - Mothership (composta appositamente per l'Orchestra Sinfonica di YouTube 2011)
Incontra Su Chang
Felix Mendelssohn - Concerto per violino in mi minore op. 64 (Finale) (con Stefan Jackiw e diretto da Ilyich Rivas)
Incontra Ozgur Baskin - Violino
Colin Jacobsen e Siamak Aghaei - Ascending Bird - Suite per orchestra d'archi (con Colin Jacobsen, violino, e Richard Tognetti, violino, e Kseniya Simonova - artista della sabbia)
Incontra Stepan Grytsay - Violino
Igor Stravinskij - L'uccello di fuoco (Danza infernale - Berceuse - Finale)
*BIS* Franz Schubert - Rosamunde (con Eugene Izotov - oboe, e Andrew Mariner - clarinetto)

Storia dell'orchestra sinfonica

L'orchestra sinfonica si è formata nel corso dei secoli. Il suo sviluppo per molto tempo ha avuto luogo nelle profondità dell'opera e degli ensemble della chiesa. Tali squadre in XV-XVII secoli erano piccoli e vari. Includevano liuti, viole, flauti con oboi, tromboni, arpe e tamburi. A poco a poco, gli strumenti ad arco ad arco conquistarono la posizione dominante. Le viole sono state sostituite dai violini con il loro suono più ricco e melodioso. Torna in cima XVIII v. regnavano già sovrani nell'orchestra. Un gruppo separato e strumenti a fiato (flauti, oboi, fagotti) si sono uniti. Dall'orchestra della chiesa sono passati alle trombe sinfoniche e ai timpani. Il clavicembalo era un membro indispensabile degli ensemble strumentali.
Una tale composizione era tipica di J. S. Bach, G. Handel, A. Vivaldi.
Dal mezzo XVIII v. i generi sinfonici iniziano a svilupparsi e concerto strumentale. L'allontanamento dallo stile polifonico ha portato i compositori a lottare per la diversità timbrica, l'individuazione in rilievo delle voci orchestrali.
Le funzioni dei nuovi strumenti stanno cambiando. Il clavicembalo, con il suo suono debole, sta gradualmente perdendo il suo ruolo di primo piano. Ben presto i compositori lo abbandonarono completamente, affidandosi principalmente al gruppo di archi e fiati. Alla fine XVIII v. si formò la cosiddetta composizione classica dell'orchestra: circa 30 archi, 2 flauti, 2 oboi, 2 fagotti, 2 flauti, 2-3 corni e timpani. Il clarinetto si unì presto agli ottoni. J. Haydn, W. Mozart ha scritto per una tale composizione. Tale è l'orchestra nelle prime composizioni di L. Beethoven. IN XIX v.
Lo sviluppo dell'orchestra è andato principalmente in due direzioni. Da un lato, aumentando di composizione, si arricchì di strumenti di vario tipo (grande per questo è il merito dei compositori romantici, in primis Berlioz, Liszt, Wagner), dall'altro si svilupparono le capacità interne dell'orchestra: i colori del suono sono diventati più puliti, la trama più chiara, le risorse espressive sono più economiche (come l'orchestra di Glinka, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov). Arricchito in modo significativo la tavolozza orchestrale e molti compositori del compianto XIX - 1a metà del XX v. (R. Strauss, Mahler, Debussy, Ravel, Stravinsky, Bartok, Shostakovich e altri).

Composizione dell'orchestra sinfonica

Un'orchestra sinfonica moderna è composta da 4 gruppi principali. La base dell'orchestra è un gruppo d'archi (violini, viole, violoncelli, contrabbassi). Nella maggior parte dei casi, gli archi sono i principali portatori dell'inizio melodico nell'orchestra. Il numero di musicisti che suonano gli archi è circa i 2/3 dell'intera band. Il gruppo dei legni comprende flauti, oboi, clarinetti, fagotti. Ognuno di loro di solito ha una festa indipendente. Cedendo a quelli ad arco per saturazione timbrica, proprietà dinamiche e una varietà di tecniche di esecuzione, gli strumenti a fiato hanno grande potenza, suono compatto, tonalità luminose e colorate. Il terzo gruppo di strumenti dell'orchestra è l'ottone (corno, tromba, trombone, tromba). Portano nuovi colori vivaci all'orchestra, arricchendo le sue capacità dinamiche, conferendo potenza e brillantezza al suono, e fungono anche da basso e supporto ritmico.
Tutto maggior valore acquisire strumenti a percussione in un'orchestra sinfonica. La loro funzione principale è ritmica. Inoltre, creano uno speciale sottofondo sonoro e acustico, completano e decorano la tavolozza orchestrale con effetti cromatici. Secondo la natura del suono, i tamburi si dividono in 2 tipi: alcuni hanno una certa altezza (timpani, campane, xilofono, campane, ecc.), altri mancano di un'altezza esatta (triangolo, tamburello, tamburo piccolo e grande, piatti) . Tra gli strumenti che non sono inclusi nei gruppi principali, il ruolo dell'arpa è il più significativo. Occasionalmente, i compositori includono la celesta, il pianoforte, il sassofono, l'organo e altri strumenti nell'orchestra.
Maggiori informazioni sugli strumenti di un'orchestra sinfonica - gruppo di archi, legni, ottoni e percussioni sono disponibili su sito web.
Non posso ignorare un altro sito utile, "Children about Music", che ho scoperto durante la preparazione del post. Non c'è bisogno di essere intimidito dal fatto che questo è un sito per bambini. Ci sono alcune cose piuttosto serie, raccontate solo in un linguaggio più semplice e comprensibile. Qui collegamento su di lui. A proposito, contiene anche una storia su un'orchestra sinfonica.

Nel corso della sua storia, migliaia e migliaia di anni, l'umanità ha creato strumenti musicali e li ha combinati in varie combinazioni. Ma è stato solo circa quattrocento anni fa che queste combinazioni di strumenti si sono sviluppate in una forma già vicina a quella di un'orchestra moderna.

Ai vecchi tempi, quando i musicisti si riunivano per suonare, usavano qualunque strumento ci fosse. Se c'erano tre suonatori di liuto, due di arpa e due di flauto, suonavano così. All'inizio del XVI secolo, un'era nota come Rinascimento, la parola "ensemble" era usata per riferirsi a un gruppo di musicisti, a volte cantanti, che eseguivano musica insieme o "in un ensemble".

Compositori primo rinascimento di solito non specificavano per quale strumento scrivevano la parte. Ciò significava che le parti potevano essere suonate su qualsiasi strumento disponibile. Ma all'inizio del XVII secolo in Italia, il compositore Claudio Monteverdi scelse quali strumenti accompagnare la sua opera Orpheus (1607), e indicò esattamente per quali strumenti furono scritte le parti: quindici viole di varie dimensioni, due violini, quattro flauti ( due grandi e due medie), due oboi, due cornette (piccole canne di legno), quattro trombe, cinque tromboni, un'arpa, due clavicembali e tre piccoli organi.

Come visto, " orchestra rinascimentale"Monteverdi sembrava già quello che immaginavamo fosse un'orchestra: gli strumenti sono organizzati in gruppi, ci sono molti strumenti ad arco, una grande varietà.

Nel secolo successivo (fino al 1700, epoca di J.S. Bach), l'orchestra si sviluppò ancora di più. La famiglia dei violini (violino, viola, violoncello e contrabbasso) sostituì le viole, nell'orchestra barocca la famiglia dei violini era molto più rappresentativa delle viole nell'orchestra rinascimentale. La leadership musicale nell'orchestra barocca era detenuta dalle tastiere, i musicisti che suonavano il clavicembalo o talvolta l'organo fungevano da leader. Quando J.S. Bach lavorava con un'orchestra, si sedeva all'organo o al clavicembalo e dirigeva l'orchestra dal suo posto.

In epoca barocca, un direttore musicale a volte dirigeva un'orchestra stando in piedi, ma questa non era ancora la direzione che conosciamo oggi. Jean-Baptiste Lully, che era responsabile della musica alla corte del re di Francia nel 1600, era solito battere il ritmo per i suoi musicisti con un lungo palo sul pavimento, ma un giorno si ferì accidentalmente alla gamba, si sviluppò la cancrena, ed è morto!

Nel XIX secolo successivo, al tempo di Haydn e Beethoven, ci furono cambiamenti ancora più profondi nell'orchestra. Gli strumenti ad arco a corda sono diventati più importanti che mai, e strumenti a tastiera al contrario, sono andati nell'ombra. I compositori iniziarono a scrivere per uno specifico strumento musicale. Ciò significava conoscere la voce di ogni strumento, capire quale tipo di musica avrebbe suonato meglio e sarebbe stato più facile da suonare sullo strumento scelto. I compositori sono diventati più liberi e persino avventurosi nel combinare gli strumenti per produrre suoni e toni più ricchi e vari.

Il primo violinista (o accompagnatore) dirigeva l'esecuzione dell'orchestra dalla sua sedia, ma a volte doveva dare istruzioni con gesti e, per essere visto meglio, usava prima un comune foglio di carta bianca arrotolato in un tubo. Ciò ha portato all'emergere della bacchetta del direttore d'orchestra moderno. All'inizio del 1800, compositori-direttori come Carl Maria von Weber e Felix Mendelssohn furono i primi a dirigere i musicisti da un podio al centro di fronte all'orchestra.

Man mano che le orchestre diventavano sempre più grandi, non tutti i musicisti potevano vedere e seguire l'accompagnatore. Alla fine del XIX secolo, l'orchestra raggiunse le dimensioni e le proporzioni che conosciamo oggi e superò anche quelle moderne. Alcuni compositori, come Berlioz, iniziarono a comporre musica solo per orchestre così grandi.

Il design, la costruzione e la qualità degli strumenti musicali sono stati costantemente migliorati, creati nuovi strumenti musicali che trovarono il loro posto nell'orchestra, come l'ottavino e la tromba. Molti compositori, tra cui Berlioz, Verdi, Wagner, Mahler e Richard Strauss, divennero direttori. La loro sperimentazione con l'orchestrazione (l'arte di distribuire materiale musicale tra gli strumenti di un'orchestra per fare l'uso più vantaggioso di ogni strumento) ha aperto la strada al XX secolo.

Wagner è andato anche oltre, ha progettato e realizzato una tromba bassa ( Tromba wagneriana), combinando elementi di corno e tromba per introdurre un suono nuovo e speciale alla sua opera immortale Der Ring des Nibelungen. Fu anche il primo direttore a voltare le spalle al pubblico per controllare meglio l'orchestra. In una delle sue sinfonie, Strauss ha scritto parte per corno alpino, uno strumento popolare di legno lungo 12 piedi. Ora il corno alpino viene sostituito da una pipa. Arnold Schoenberg ha creato la sua opera "Songs Gurre" (Gurrelieder) per orchestra con 150 strumenti.

Il Novecento è stato un secolo di libertà e di nuove sperimentazioni con l'orchestra. I direttori sono diventati persone completamente individuali e le loro superstar sono cresciute tra loro. La responsabilità è aumentata molte volte, ma anche il riconoscimento del pubblico.

La base dell'orchestra era com'era alla fine del XIX secolo e talvolta i compositori aggiungevano o rimuovevano strumenti, a seconda dell'effetto che desideravano. A volte era un gruppo estremamente esteso di strumenti a percussione o fiati e ottoni. Ma la composizione dell'orchestra è diventata fissa e sostanzialmente rimane costante: un grande gruppo di strumenti ad arco e piccoli gruppi di fiati, percussioni, arpe e strumenti a tastiera.

Dopo tanti anni funziona ancora!

, violoncelli , contrabbassi . Raccolti insieme, nelle mani di musicisti esperti, soggetti alla volontà del direttore d'orchestra, formano uno strumento musicale capace di esprimere e trasmettere con i suoni qualsiasi contenuto musicale, qualsiasi immagine, qualsiasi pensiero. Molte combinazioni di strumenti dell'orchestra danno una serie quasi inesauribile di suoni diversi: da fragorosi, assordanti a appena udibili, da orecchie taglienti a carezzevoli. E accordi a più piani di qualsiasi complessità, e plessi modellati e sinuosi di ornamenti melodici eterogenei, e tessuti sottili come ragnatele, piccoli "frammenti" sonori quando, secondo espressione figurata S. S. Prokofiev, "come se stessero spolverando l'orchestra", e potenti unisoni di molti strumenti che suonano simultaneamente gli stessi suoni - tutto questo è soggetto all'orchestra. Ciascun gruppo orchestrale - archi, fiati, percussioni, pizzichi, tastiere - è in grado di separarsi dagli altri e condurre la propria narrazione musicale mentre gli altri tacciono; ma tutti loro completamente, parzialmente o come singoli rappresentanti, fondendosi con un altro gruppo o parte di esso, formano una complessa lega timbrica. Per più di due secoli, i pensieri più cari dei compositori, le pietre miliari più luminose nella storia dell'arte dei suoni, sono stati collegati alla musica concepita, scritta e talvolta anche arrangiata per un'orchestra sinfonica.

Arrangiamento degli strumenti musicali di un'orchestra sinfonica.

Tutti coloro che amano la musica conoscono e ricordano i nomi di J. Haydn, W. A. ​​Mozart, F. Schubert, R. Schumann, I. Brahms, G. Berlioz, F. Liszt, S. Frank, J. Bizet, J. Verdi , P. I. Ciajkovskij, N. A. Rimsky-Korsakov, A. P. Borodin. M. P. Mussorgsky, S. V. Rachmaninov, A. K. Glazunov, I. F. Stravinsky, S. S. Prokofiev, N. Ya. Myaskovsky, D. D. Shostakovich, A. I. , dipinti, fantasie, concerti strumentali accompagnati da un'orchestra e, infine, cantate, oratori, opere e balletti sono scritti per un'orchestra sinfonica o ne prevedono la partecipazione. La capacità di scrivere per lui è l'area più alta e complessa dell'arte della composizione musicale, che richiede una profonda conoscenza speciale, una vasta esperienza, pratica e, soprattutto, speciale abilità musicale, talento, talento.

La storia dell'emergere e dello sviluppo di un'orchestra sinfonica è la storia della graduale ristrutturazione del vecchio e dell'invenzione di nuovi strumenti, un aumento della sua composizione, la storia del miglioramento dei modi in cui vengono utilizzate le combinazioni di strumenti, cioè, la storia di quell'area della scienza musicale che si chiama orchestrazione o strumentazione, e, infine, la storia della musica sinfonica, operistica, oratoriale. Tutti questi quattro termini, i quattro lati del concetto di "orchestra sinfonica", sono strettamente correlati. La loro reciproca influenza era ed è ancora diversa.

La parola "orchestra" nell'antica Grecia significava un'area semicircolare davanti al palcoscenico del teatro, dove si trovava il coro, un partecipante indispensabile alle rappresentazioni drammatiche nell'era di Eschilo, Sofocle, Euripide, Aristofane. Intorno al 1702, questa parola denotò per la prima volta un piccolo spazio destinato a un ensemble di strumentisti che accompagnavano l'opera. I cosiddetti gruppi strumentali nella musica da camera. A metà del XVIII secolo. ha introdotto una distinzione decisiva per la storia dell'orchestra - una grande orchestra era contraria alla piccola musica da camera - un ensemble. Fino a quel momento non era stata tracciata una linea netta tra musica da camera e musica orchestrale.

Il concetto di "orchestra sinfonica" è apparso nell'era del classicismo, quando vivevano e lavoravano K. V. Gluck, L. Boccherini, Haydn, Mozart. È sorto già dopo che i compositori hanno iniziato a scrivere accuratamente nelle note i nomi di ogni strumento che suonava questa o quella voce, questa o quella linea musicale. Già all'inizio del XVII secolo. K. Monteverdi in "Orpheus" prima di ogni numero elencava solo gli strumenti che potevano eseguirlo. La questione di chi dovrebbe giocare su quale linea è rimasta aperta. Pertanto, in uno qualsiasi dei 40 teatri d'opera nella sua nativa Venezia, una rappresentazione di Orfeo potrebbe essere diversa da un'altra. J. B. Lully, compositore, violinista, direttore d'orchestra, fu probabilmente il primo a scrivere per uno specifico set di strumenti, per i cosiddetti "24 Violini del Re" - un ensemble d'archi formatosi alla corte di Luigi XIV e guidato dallo stesso Lully . Aveva anche la voce superiore del gruppo d'archi sostenuta da oboi e la voce inferiore da fagotti. Oboi e fagotti senza archi, in contrasto con l'intera composizione, hanno partecipato alle sezioni centrali delle sue composizioni.

Per tutto il XVII secolo e la prima metà del XVIII secolo. si forma la base iniziale dell'orchestra: il gruppo di archi. A poco a poco vengono aggiunti rappresentanti della famiglia dei fiati: flauti, oboi e fagotti, quindi corni. Il clarinetto è entrato nell'orchestra molto più tardi a causa della sua estrema imperfezione all'epoca. M. I. Glinka nelle sue "Note sulla strumentazione" chiama il suono del clarinetto "oca". Ancora gruppo di vento come parte di flauti, oboi, clarinetti e corni (due in tutto) appare nella Sinfonia di Praga di Mozart, e prima ancora con il suo contemporaneo francese F. Gossec. Nelle Sinfonie londinesi di Haydn e nelle prime sinfonie di L. Beethoven compaiono due trombe e timpani. Nel 19 ° secolo il gruppo di fiati nell'orchestra è ulteriormente valorizzato. Per la prima volta nella storia della musica orchestrale, un flauto ottavino, un controfagotto e tre tromboni, precedentemente utilizzati solo nelle opere, prendono parte al finale della 5a sinfonia di Beethoven. R. Wagner aggiunge un'altra tuba e porta a quattro il numero dei flauti. Wagner è principalmente un compositore operistico, ma allo stesso tempo è giustamente considerato un eccezionale sinfonista e riformatore dell'orchestra sinfonica.

Il desiderio dei compositori dei secoli XIX-XX. L'arricchimento della tavolozza sonora ha portato all'introduzione nell'orchestra di una serie di strumenti con particolari capacità tecniche e timbriche.

A fine XIX v. la composizione dell'orchestra è portata a proporzioni impressionanti e talvolta gigantesche. Pertanto, l'ottava sinfonia di Mahler non è accidentalmente chiamata "la sinfonia di mille partecipanti". Nelle tele sinfoniche e nelle opere di R. Strauss compaiono numerose varietà di strumenti a fiato: flauti contralto e basso, oboe baritono (haeckelphone), clarinetto piccolo, clarinetto contrabbasso, flauti contralto e basso, ecc.

Nel XX secolo. l'orchestra è rifornita principalmente di strumenti a percussione. Prima di questo, i soliti membri dell'orchestra erano 2-3 timpani, piatti, basso e rullante, un triangolo, meno spesso un tamburello e tom-tom, campane, uno xilofono. Ora i compositori usano una serie di campane orchestrali che danno una scala cromatica, la celesta. Introducono nell'orchestra strumenti come flexatone, campanelli, nacchere spagnole, una scatola di legno tintinnante, un sonaglio, uno schiocco di frusta (il suo colpo è come uno sparo), una sirena, macchine del vento e del tuono, persino il canto di un usignolo registrato su un disco speciale (è stato utilizzato V poema sinfonico Il compositore italiano O. Respighi "I Pini di Roma").

Nella seconda metà del XX sec. dal jazz all'orchestra sinfonica arrivano strumenti a percussione come vibrafono, tomtom, bonghi, combinati batteria- con "Charleston" ("charleston"), maracas.

Per quanto riguarda i gruppi di archi e fiati, la loro formazione nel 1920 era sostanzialmente completata. L'orchestra a volte include singoli rappresentanti del gruppo di sassofoni (nelle opere di Wiese, Ravel, Prokofiev), una banda di ottoni (cornette di Tchaikovsky e Stravinsky), clavicembalo, domra e balalaika, chitarra, mandolino, ecc. I compositori creano sempre più opere per composizioni parziali di un'orchestra sinfonica: per soli archi, per archi e ottoni, per un gruppo di fiati senza archi e percussioni, per archi con percussioni.

Compositori del XX secolo scrivere molta musica per orchestra da camera. Consiste di 15-20 archi, un fiato ciascuno, uno o due corni, un gruppo di percussioni con un esecutore, un'arpa (al suo posto può esserci un pianoforte o un clavicembalo). Insieme a questi, compaiono lavori per un ensemble di solisti, dove c'è un rappresentante per ogni varietà (o per alcuni di essi). Tali sono le sinfonie da camera e le commedie di A. Schoenberg, A. Webern, la suite di Stravinsky "La storia di un soldato", le opere dei compositori sovietici - i nostri contemporanei M. S. Weinberg, R. K. Gabichvadze, E. V. Denisov e altri. Sempre più spesso gli autori si rivolgono a composizioni insolite o, come si suol dire, urgenti. Hanno bisogno di suoni insoliti e rari, poiché il ruolo del timbro in musica contemporaneaè cresciuto come non mai.

Tuttavia, per avere sempre l'opportunità di eseguire musica, sia vecchia che nuova, e l'ultima, la composizione dell'orchestra sinfonica rimane stabile. L'orchestra sinfonica moderna è suddivisa in una grande orchestra sinfonica (circa 100 musicisti), media (70–75), piccola (50–60). Sulla base di una grande orchestra sinfonica, è possibile selezionare per ogni opera la composizione necessaria per la sua esecuzione: una per "Otto canzoni popolari russe" di A.K. » Stravinsky o il focoso Bolero di Ravel.

Come stanno i musicisti sul palco? Nei secoli XVIII-XIX. i primi violini sedevano a sinistra del direttore, e il secondo a destra, le viole sedevano dietro i primi violini e i violoncelli dietro il secondo. Dietro il gruppo d'archi sedevano in fila: davanti al gruppo di fiati e dietro il gruppo di ottoni. I contrabbassi si trovavano sullo sfondo a destra oa sinistra. Il resto dello spazio era dedicato ad arpe, celesta, pianoforte e percussioni. Nel nostro paese, i musicisti si siedono secondo lo schema introdotto nel 1945 dal direttore d'orchestra americano L. Stokowski. Secondo questo schema, i violoncelli sono posti in primo piano invece dei secondi violini alla destra del direttore; il loro posto precedente è ora occupato dai secondi violini.

Un'orchestra sinfonica è guidata da un direttore d'orchestra. Unisce i musicisti dell'orchestra e dirige tutti i loro sforzi verso la realizzazione del suo piano esecutivo durante le prove e al concerto. La direzione si basa su un sistema di movimento della mano appositamente progettato. Il direttore di solito tiene una bacchetta nella mano destra. Il ruolo più importante è svolto dal suo viso, dall'aspetto, dalle espressioni facciali. Il conduttore deve essere una persona altamente istruita. Ha bisogno della conoscenza della musica di varie epoche e stili, degli strumenti dell'orchestra e delle loro capacità, di un orecchio acuto, della capacità di penetrare profondamente nell'intenzione del compositore. Il talento dell'esecutore deve essere combinato con le sue capacità organizzative e pedagogiche.

• sfondo
• Generi orchestrali e forme
• Cappella di Manheim
• musicisti di corte

sfondo

Sin dai tempi antichi, le persone conoscevano l'impatto del suono degli strumenti musicali sull'umore umano: il suono morbido ma melodioso di un'arpa, lira, cetra, kemancha o flauto di canna evocava sentimenti di gioia, amore o pace, e il suono di corna di animali (ad esempio shofar ebraici ) o tubi di metallo hanno contribuito all'emergere di solenni e sentimenti religiosi. I tamburi e altre percussioni, aggiunti ai corni e alle trombe, aiutavano a far fronte alla paura e risvegliavano l'aggressività e la militanza. È stato a lungo notato che l'esecuzione congiunta di più strumenti simili migliora non solo la brillantezza del suono, ma anche l'impatto psicologico sull'ascoltatore, lo stesso effetto che si verifica quando un gran numero di persone canta insieme la stessa melodia. Pertanto, ovunque le persone si stabilissero, iniziarono gradualmente a sorgere associazioni di musicisti, che accompagnavano con le loro esecuzioni battaglie o eventi pubblici solenni: riti nel tempio, matrimoni, sepolture, incoronazioni, parate militari, divertimenti nei palazzi.

I primissimi riferimenti scritti a tali associazioni si trovano nel Pentateuco di Mosè e nei Salmi di Davide: all'inizio di alcuni salmi c'è un appello al direttore del coro con la spiegazione di quali strumenti usare per accompagnare questo o quel testo. C'erano gruppi di musicisti in Mesopotamia e presso i faraoni egizi, nell'antica Cina e in India, in Grecia ea Roma. Nell'antica tradizione greca di eseguire tragedie, c'erano speciali piattaforme su cui sedevano i musicisti, che accompagnavano le esibizioni di attori e ballerini suonando strumenti. Tali elevazioni della piattaforma "orchestra" sono state chiamate. Quindi il brevetto per l'invenzione della parola "orchestra" rimane con gli antichi greci, sebbene in realtà le orchestre esistessero molto prima.

Affresco da una villa romana di Boscoreal. 50-40 a.C e. Il Museo Metropolitano d'Arte

Nella cultura dell'Europa occidentale, l'associazione dei musicisti come orchestra non iniziò immediatamente a essere chiamata. Inizialmente, nel medioevo e nel rinascimento, fu chiamata cappella. Questo nome era associato all'appartenenza a un luogo specifico in cui veniva eseguita la musica. Tali cappelle erano dapprima chiesa e poi tribunale. E c'erano anche cappelle del villaggio, composte da musicisti dilettanti. Queste cappelle erano praticamente un fenomeno di massa. E sebbene il livello degli esecutori del villaggio e dei loro strumenti non possa essere paragonato a quello delle cappelle di corte e dei templi professionali, non bisogna sottovalutare l'influenza della tradizione del villaggio, e successivamente della musica strumentale popolare urbana, sui grandi compositori e sulla cultura musicale europea nel suo insieme. La musica di Haydn, Beethoven, Schubert, Weber, Liszt, Tchaikovsky, Bruckner, Mahler, Bartok, Stravinsky, Ravel, Ligeti è letteralmente fecondata dalle tradizioni della musica strumentale popolare.

Così come nelle culture più antiche, in Europa non esisteva una divisione iniziale in musica vocale e strumentale. A partire dall'alto medioevo, la chiesa cristiana ha dominato tutto, e la musica strumentale nella chiesa si è sviluppata come accompagnamento, sostegno della parola evangelica, che ha sempre dominato - dopotutto, "in principio era il Verbo". Pertanto, le prime cappelle sono sia persone che cantano sia persone che accompagnano i cantanti.

Ad un certo punto appare la parola "orchestra". Anche se non ovunque allo stesso tempo. In Germania, ad esempio, questa parola è stata stabilita molto più tardi che nei paesi romani. In Italia, orchestra ha sempre significato la parte strumentale piuttosto che vocale della musica. La parola orchestra è stata presa in prestito direttamente dalla tradizione greca. Le orchestre italiane sorsero a cavallo tra il XVI e il XVII secolo, insieme all'avvento del genere operistico. E a causa della straordinaria popolarità di questo genere, questa parola ha rapidamente conquistato il mondo intero. Pertanto, è sicuro affermare che la musica orchestrale contemporanea ha due fonti: il tempio e il teatro.

Messa di Natale. Miniatura dal Magnifico Libro d'Ore del Duca di Berry dei fratelli Limburg. 15 ° secolo SM. 65/1284, fol. 158r / Musee Conde / Wikimedia Commons

E in Germania per molto tempo hanno mantenuto il nome medievale-rinascimentale "cappella". Fino al XX secolo, molte orchestre di corte tedesche erano chiamate cappelle. Una delle orchestre più antiche del mondo oggi è la cappella di stato sassone (e in passato la corte sassone) a Dresda. La sua storia risale a più di 400 anni fa. È apparsa alla corte degli elettori sassoni, che hanno sempre apprezzato il bello e in questo erano davanti a tutti i loro vicini. Ci sono ancora le cappelle di stato di Berlino e Weimar, così come la famosa cappella di corte di Meiningen, in cui Richard Strauss iniziò come direttore d'orchestra (attualmente direttore). A proposito, la parola tedesca "kapellmeister" (maestro di cappella) è talvolta usata ancora oggi dai musicisti come equivalente della parola "direttore", ma più spesso in senso ironico, a volte anche negativo (nel senso di un artigiano, non un artista). E a quei tempi questa parola veniva pronunciata con rispetto, come il nome di una professione complessa: "il direttore di un coro o di un'orchestra, che compone anche musica". È vero, in alcune orchestre tedesche questa parola è stata conservata come designazione della posizione - ad esempio, nella Leipzig Gewandhaus Orchestra, il direttore principale è ancora chiamato Gewandhaus Kapellmeister.

Secoli XVII-XVIII: l'orchestra come decorazione di corte

Luigi XIV nel Royal Ballet of the Night di Jean Baptiste Lully. Schizzo di Henri de Gisset. 1653 Nella produzione, il re ha interpretato il ruolo del sole nascente. Wikimedia Commons

Le orchestre rinascimentali, e successivamente quelle barocche, erano per lo più di corte o ecclesiastiche. Il loro scopo era quello di accompagnare il culto o di placare e intrattenere coloro che detenevano il potere. Tuttavia, molti governanti feudali avevano un senso estetico abbastanza sviluppato e inoltre amavano mettersi in mostra l'un l'altro. Qualcuno si vantava dell'esercito, qualcuno - di un'architettura bizzarra, qualcuno allestiva giardini e qualcuno teneva un teatro o un'orchestra di corte.

Il re francese Luigi XIV, ad esempio, aveva due di queste orchestre: l'Ensemble of the Royal Stables, che consisteva di strumenti a fiato e percussioni, e i cosiddetti "24 violini del re", guidati da famoso compositore Jean Baptiste Lully, che collaborò anche con Molière e passò alla storia come creatore dell'opera francese e primo direttore d'orchestra professionista. Successivamente, il re inglese Carlo II (figlio del giustiziato Carlo I), di ritorno dalla Francia durante la Restaurazione della monarchia nel 1660, creò anche i suoi "24 King's Violins" nella Cappella Reale secondo il modello francese. La stessa Cappella Reale esiste dal XIV secolo e raggiunse il suo apice durante il regno di Elisabetta I: i suoi organisti di corte erano William Bird e Thomas Tallis. E alla corte di Carlo II prestò servizio il brillante compositore inglese Henry Purcell, unendo la posizione di organista nell'Abbazia di Westminster e nella Cappella Reale. Nei secoli XVI-XVII in Inghilterra c'era un altro nome specifico per un'orchestra, di solito piccola: "consorte". Nella tarda epoca barocca, la parola "consorte" cadde in disuso e comparve invece il concetto di musica da camera, cioè di musica "da camera".

Costume da guerriero del Royal Ballet of the Night. Schizzo di Henri de Gisset. 1653 Wikimedia Commons

Stavano diventando forme di intrattenimento barocche tardo XVII- l'inizio del XVIII secolo, sempre più lussuoso. E non era più possibile gestire un numero limitato di strumenti: i clienti volevano "più grandi e più costosi". Anche se, ovviamente, tutto dipendeva dalla generosità dell '"illustre mecenate". Se Bach fu costretto a scrivere lettere ai suoi maestri, convincendoli ad assegnare almeno due o tre violini per parte strumentale, allora ad Handel, contemporaneamente, 24 oboisti, 12 fagottisti, 9 suonatori di corno presero parte alla prima esecuzione di "Music for the Royal Fireworks", 9 trombettisti e 3 suonatori di timpani (ovvero 57 musicisti per 13 parti prescritte). E all'esecuzione del "Messia" di Handel a Londra nel 1784, presero parte 525 persone (sebbene questo evento appartenga a un'epoca successiva, quando l'autore della musica non era più in vita). La maggior parte degli autori barocchi ha scritto opere e l'orchestra dell'opera teatrale è sempre stata una sorta di laboratorio creativo per i compositori, un luogo per ogni sorta di esperimenti, anche con strumenti insoliti. Così, ad esempio, all'inizio del XVII secolo, Monteverdi introdusse una parte di trombone nell'orchestra della sua opera Orfeo, una delle primissime opere della storia, per rappresentare le furie infernali.

Sin dai tempi della Camerata fiorentina (a cavallo tra il XVI e il XVII secolo), in ogni orchestra c'era una parte di basso continuo, che veniva suonata da un intero gruppo di musicisti e registrata su una riga in chiave di basso. I numeri sotto la linea di basso denotavano determinate sequenze armoniche e gli esecutori dovevano improvvisare tutta la trama e le decorazioni musicali, cioè creare di nuovo ad ogni esecuzione. Sì, e la composizione variava a seconda degli strumenti a disposizione di una particolare cappella. Obbligatoria la presenza di uno strumento a tastiera, il più delle volte il clavicembalo. musica da chiesa questo strumento era molto spesso l'organo; un arco a corde - violoncello, viola da gamba o violone (il precursore del moderno contrabbasso); un liuto a corde pizzicate o tiorba. Ma è successo che nel gruppo del basso continuo suonassero sei o sette persone contemporaneamente, compresi diversi clavicembali (Purcell e Rameau ne avevano tre o quattro). Nel XIX secolo le tastiere e gli strumenti a pizzico sono scomparsi dalle orchestre, ma sono riapparsi nel XX secolo. E dagli anni '60 è diventato possibile utilizzare quasi tutti gli strumenti al mondo in un'orchestra sinfonica: una flessibilità quasi barocca nell'approccio alla strumentazione. Quindi, possiamo considerare che il barocco ha dato vita all'orchestra moderna.

Strumentazione, struttura, notazione

Miniatura dal Commento all'Apocalisse di Beat de Lieban nell'elenco del monastero di San Millan de la Cogoglia. 900-950 Biblioteca de Serafín Estébanez Calderón e de San Millán de la Cogolla

La parola "orchestra" per l'ascoltatore moderno è molto probabilmente associata a brani tratti dalla musica di Beethoven, Ciajkovskij o Shostakovich; con quel suono massicciamente monumentale e allo stesso tempo levigato, che è stato depositato nella nostra memoria dall'ascolto delle orchestre moderne - dal vivo e nelle registrazioni. Ma le orchestre non suonavano sempre così. Tra le tante differenze tra le orchestre antiche e quelle moderne, la cosa principale sono gli strumenti utilizzati dai musicisti. In particolare, tutti gli strumenti suonavano molto più silenziosi di quelli moderni, poiché le stanze in cui si suonava la musica erano (generalmente) molto più piccole di quelle moderne. sale per concerti. E non c'erano clacson di fabbrica, né turbine nucleari, né motori a combustione interna, né aerei supersonici: il suono generale della vita umana era molte volte più silenzioso di oggi. Il suo volume era ancora misurato da fenomeni naturali: il ruggito degli animali selvatici, il tuono durante i temporali, il rumore delle cascate, il crepitio degli alberi che cadono o il rombo della caduta di una montagna e il ruggito della folla nella piazza della città in una fiera giorno. Pertanto, la musica potrebbe competere in luminosità solo con la natura stessa.

Le corde che venivano infilate sugli strumenti a corda erano fatte di tendini di bue (oggi sono di metallo), gli archi erano più piccoli, più leggeri e di forma leggermente diversa. A causa di ciò, il suono delle corde era "più caldo", ma meno "levigato" di oggi. Di legno strumenti a fiato non aveva tutte le valvole moderne e altri dispositivi tecnici che ti consentono di suonare con maggiore sicurezza e precisione. I legni di quel tempo suonavano più individuali in termini di timbri, a volte un po 'stonati (tutto dipendeva dall'abilità dell'esecutore) e molte volte più silenziosi di quelli moderni. Gli ottoni erano tutti completamente naturali, cioè potevano produrre solo i suoni di una scala naturale, che il più delle volte erano sufficienti solo per suonare una breve fanfara, ma non una melodia estesa. La pelle animale veniva tesa su tamburi e timpani (questa pratica esiste ancora oggi, anche se da tempo sono comparsi strumenti a percussione con membrane di plastica).

L'ordine dell'orchestra era generalmente inferiore a quello odierno, in media di mezzo tono e talvolta di un tono intero. Ma anche qui non c'era una regola univoca: il sistema di toni per la prima ottava (secondo il quale l'orchestra è tradizionalmente accordata) alla corte di Luigi XIV era di 392 della scala Hertz. Alla corte di Carlo II accordarono il LA da 400 a 408 hertz. Allo stesso tempo, gli organi nei templi erano spesso accordati su un tono più alto rispetto ai clavicembali che si trovavano nelle stanze del palazzo (forse ciò era dovuto al riscaldamento, poiché gli strumenti a corda si alzano intonati dal caldo secco e, al contrario, diminuiscono dal freddo; gli strumenti a fiato hanno spesso andamento inverso). Pertanto, al tempo di Bach, c'erano due sistemi principali: il cosiddetto kammer-ton (moderno "diapason" - una parola derivata da esso), cioè "sistema della stanza", e orgel-ton, cioè , "sistema di organi" (alias "tono corale"). E l'accordatura della stanza per LA era di 415 hertz, mentre l'accordatura dell'organo era sempre più alta e talvolta raggiungeva i 465 hertz. E se li confrontiamo con la moderna accordatura da concerto (440 hertz), il primo risulta essere mezzo tono più basso e il secondo mezzo tono più alto di quello moderno. Pertanto, in alcune cantate di Bach, scritte pensando all'apparato organistico, l'autore ha scritto le parti dei fiati immediatamente in trasposizione, cioè mezzo tono più in alto della parte del coro e del basso continuo. Ciò era dovuto al fatto che gli strumenti a fiato, usati soprattutto nella musica da camera di corte, non erano adatti all'accordatura più alta dell'organo (flauti e oboi potevano essere anche leggermente più bassi del camertone, e quindi ne esisteva anche un terzo - camertone basso). E se, senza saperlo, oggi provi a suonare una cantata del genere letteralmente dalle note, otterrai una cacofonia che l'autore non intendeva.

Questa situazione con sistemi "fluttuanti" è persistita nel mondo fino alla seconda guerra mondiale, cioè non solo in paesi diversi, ma in diverse città dello stesso paese, i sistemi potrebbero differire notevolmente l'uno dall'altro. Nel 1859, il governo francese fece il primo tentativo di standardizzare l'accordatura emanando una legge che approvava l'accordatura di A - 435 hertz, ma in altri paesi le accordature continuarono ad essere estremamente diverse. E solo nel 1955 organizzazione internazionale Sulla standardizzazione, fino ad oggi è stata adottata la legge sull'accordatura dei concerti di 440 hertz.

Heinrich Ignaz Biber. Incisione del 1681 Wikimedia Commons

Autori barocchi e classici realizzarono anche altre operazioni nel campo dell'accordatura, relative alla musica per strumenti ad arco. Stiamo parlando di una tecnica chiamata "scordatura", cioè "accordatura delle corde". Allo stesso tempo, alcune corde, diciamo violini o viole, sono state accordate su un intervallo diverso e atipico per lo strumento. Grazie a ciò, il compositore ha avuto l'opportunità di utilizzare, a seconda della tonalità della composizione, un numero maggiore di corde a vuoto, il che ha portato a una migliore risonanza dello strumento. Ma questa scordatura è stata spesso registrata non in suono reale, ma in trasposizione. Pertanto, senza una preparazione preliminare dello strumento (e dell'esecutore), è impossibile eseguire correttamente una tale composizione. Un famoso esempio di scordatura è il ciclo di sonate per violino Rosary (Mysteries) di Heinrich Ignaz Bieber (1676).

Nel Rinascimento e nella prima fase del Barocco, la gamma dei modi, e più tardi delle chiavi, in cui i compositori potevano comporre era limitata da una barriera naturale. Il nome di questa barriera è la virgola pitagorica. Il grande scienziato greco Pitagora fu il primo a suggerire di accordare gli strumenti secondo una quinta pura, uno dei primi intervalli della scala naturale. Ma si è scoperto che se si accordano gli strumenti a corda in questo modo, dopo aver attraversato un cerchio completo di quinte (quattro ottave), la nota di C diesis suona molto più alta in C. E sin dai tempi antichi, musicisti e scienziati hanno cercato di trovare un sistema di accordatura dello strumento ideale, in cui questo difetto naturale della scala naturale - la sua irregolarità - potesse essere superato, che consentisse un uso uguale di tutte le tonalità.

Ogni epoca aveva i propri sistemi di ordine. E ognuno dei sistemi aveva le sue caratteristiche, che sembrano false alle nostre orecchie, abituate al suono dei pianoforti moderni. Dall'inizio del XIX secolo tutti gli strumenti a tastiera sono stati accordati in una scala uniforme, dividendo un'ottava in 12 semitoni perfettamente uguali. L'accordatura pari è un compromesso molto vicino allo spirito moderno, che ha permesso di risolvere una volta per tutte il problema del comma pitagorico, ma sacrificando la bellezza naturale del suono delle terze e delle quinte pure. Cioè, nessuno degli intervalli (tranne l'ottava) suonati da un pianoforte moderno corrisponde alla scala naturale. E in tutti i numerosi sistemi di accordatura esistenti dal tardo Medioevo, è stato conservato un certo numero di intervalli puri, grazie ai quali tutte le chiavi hanno ricevuto un suono nettamente individuale. Anche dopo l'invenzione del buon temperamento (vedi il Clavicembalo ben temperato di Bach), che ha permesso di utilizzare tutti i tasti del clavicembalo o dell'organo, i tasti stessi conservavano ancora la loro colorazione individuale. Da qui l'emergere della teoria degli affetti, fondamentale per la musica barocca, secondo la quale tutto il musicale mezzi di espressione- la melodia, l'armonia, il ritmo, il tempo, la struttura e la stessa scelta della tonalità sono inscindibilmente legati a specifici stati emotivi. Inoltre, la stessa tonalità potrebbe, a seconda di quella utilizzata in questo momento edificio per suonare pastorale, innocente o sensuale, solennemente triste o demoniacamente intimidatorio.

Per il compositore, la scelta di una tonalità o dell'altra era indissolubilmente legata a un certo insieme di emozioni fino alla fine del XVIII-XIX secolo. Inoltre, se per Haydn il re maggiore suonava come "maestoso ringraziamento, militanza", allora per Beethoven suonava come "dolore, angoscia o marcia". Haydn associava il mi maggiore a "pensieri di morte", e per Mozart significava "trascendenza solenne e sublime" (tutti questi epiteti sono citazioni degli stessi compositori). Pertanto, tra le virtù obbligatorie dei musicisti che eseguono musica antica c'è un sistema multidimensionale di conoscenza musicale e culturale generale, che consente di riconoscere la struttura emotiva e i "codici" diverse composizioni vari autori, e allo stesso tempo la capacità di implementarlo tecnicamente nel gioco.

Inoltre, ci sono anche problemi con la notazione: i compositori dei secoli XVII-XVIII registrarono deliberatamente solo una parte delle informazioni relative all'imminente esecuzione dell'opera; fraseggio, sfumatura, articolazione e soprattutto squisita decorazione - parte integrante dell'estetica barocca - tutto questo è stato lasciato alla libera scelta dei musicisti, che sono così diventati co-creatori del compositore, e non solo obbedienti esecutori della sua volontà. Pertanto, un'esibizione davvero magistrale di musica barocca e della prima musica classica strumenti d'epocaè un compito non meno (se non più) difficile della padronanza virtuosa della musica successiva su strumenti moderni. Quando oltre 60 anni fa apparvero i primi appassionati di suonare strumenti antichi ("autentici"), furono spesso accolti con ostilità tra i loro colleghi. Ciò era dovuto in parte all'inerzia dei musicisti della scuola tradizionale, e in parte all'insufficiente abilità degli stessi pionieri dell'autenticità musicale. Nei circoli musicali c'era una sorta di atteggiamento condiscendentemente ironico nei loro confronti come perdenti che non trovavano un uso migliore per se stessi che pubblicare lamentosi belati falsi su "legno appassito" (legni) o "rottami arrugginiti" (fiati). E questo atteggiamento (sicuramente sfortunato) è persistito fino a poco tempo fa, fino a quando non è diventato chiaro che il livello di suonare strumenti antichi è cresciuto così tanto negli ultimi decenni che, almeno nel campo del barocco e dei primi classici, gli autentici hanno da tempo raggiunto e ha superato le orchestre moderne dal suono più monotono e ponderoso.

Generi e forme orchestrali

Frammento di un ritratto di Pierre Moucheron con la sua famiglia. Autore sconosciuto. 1563 Rijksmuseum Amsterdam

Così come la parola "orchestra" non significava sempre ciò che intendiamo oggi, così le parole "sinfonia" e "concerto" avevano originariamente significati leggermente diversi e solo gradualmente, nel tempo, acquisirono i loro significati moderni.

Concerto

La parola "concerto" ha diverse possibili origini. L'etimologia moderna tende a tradurre "mettersi d'accordo" dall'italiano concertare o "cantare insieme, lodare" dal latino concinere, concino. Un'altra possibile traduzione è “disputa, competizione” dal latino concertare: singoli esecutori (solisti o un gruppo di solisti) gareggiano in musica con una squadra (orchestra). Nell'era del primo barocco, un'opera vocale-strumentale veniva spesso chiamata concerto, in seguito divenne nota come cantata - dal latino canto, cantare ("cantare"). Nel tempo, i concerti sono diventati puramente genere strumentale(sebbene tra le opere del XX secolo si possa trovare anche una rarità come il Concerto per voce e orchestra di Reinhold Gliere). epoca barocca fece una distinzione tra un concerto solista (uno strumento e un'orchestra che lo accompagna) e un "grande concerto" (concerto grosso), dove la musica veniva trasferita tra un piccolo gruppo di solisti (concertino) e un gruppo con più strumenti (ripieno, cioè , "riempimento", "riempimento"). I musicisti del gruppo ripieno erano chiamati ripienisti. Furono questi ripienisti a diventare i precursori dei moderni musicisti orchestrali. Come ripieno sono stati coinvolti solo strumenti ad arco, oltre al basso continuo. E i solisti potevano essere molto diversi: violino, violoncello, oboe, flauto dolce, fagotto, viola d'amour, liuto, mandolino, ecc.

C'erano due tipi di concerto grosso: concerto da chiesa ("concerto in chiesa") e concerto da camera ("concerto da camera"). Entrambi entrarono in uso soprattutto grazie ad Arcangelo Corelli, che compose un ciclo di 12 concerti (1714). Questo ciclo ha avuto una forte influenza su Handel, che ci ha lasciato due cicli di concerti grosso, riconosciuti come capolavori di questo genere. Anche i Concerti brandeburghesi di Bach hanno le chiare caratteristiche di un concerto grosso.

Il periodo di massimo splendore del concerto solista barocco è associato al nome di Antonio Vivaldi, che nella sua vita compose più di 500 concerti per vari strumenti accompagnati da archi e basso continuo (sebbene abbia anche scritto oltre 40 opere, un numero enorme di musica corale da chiesa e sinfonie strumentali). I recital erano, di regola, in tre parti con tempi alternati: veloce - lento - veloce; questa struttura divenne dominante negli ultimi campioni del concerto strumentale - fino all'inizio del 21° secolo. La creazione più famosa di Vivaldi fu il ciclo "Le stagioni" (1725) per violino e orchestra d'archi, in cui ogni concerto è preceduto da una poesia (forse scritta dallo stesso Vivaldi). Le poesie descrivono gli stati d'animo e gli eventi principali di una particolare stagione, che vengono poi incarnati nella musica stessa. Questi quattro concerti, che facevano parte di un ciclo più ampio di 12 concerti intitolato Contest of Harmony and Invention, sono oggi considerati uno dei primi esempi di musica a programma.

Questa tradizione è stata continuata e sviluppata da Handel e Bach. Inoltre, Handel compose, tra l'altro, 16 concerti per organo, e Bach, oltre ai concerti tradizionali dell'epoca per uno e due violini, scrisse anche concerti per il clavicembalo, che fino a quel momento era stato esclusivamente uno strumento del gruppo del basso continuo . Quindi Bach può essere considerato il capostipite del concerto per pianoforte moderno.

Sinfonia

Sinfonia in greco significa "consonanza", "suono congiunto". Nelle antiche tradizioni greche e medievali, la sinfonia era chiamata l'eufonia dell'armonia (nel linguaggio musicale odierno - consonanza), e in tempi più recenti, vari strumenti musicali iniziarono a essere chiamati sinfonia, come: salterio, ghironda, spinetta o verginale. E solo a cavallo tra il XVI e il XVII secolo la parola "sinfonia" iniziò ad essere usata come nome di una composizione per voci e strumenti. I primi esempi di tali sinfonie sono le Sinfonie musicali di Lodovico Grossi da Viadana (1610), le Sinfonie sacre di Giovanni Gabrieli (1615) e le Sinfonie sacre (op. 6, 1629 e op. 10, 1649) di Heinrich Schütz. In generale, durante l'intero periodo barocco, una varietà di composizioni, sia ecclesiastiche che secolari, furono chiamate sinfonie. Molto spesso, le sinfonie facevano parte di un ciclo più ampio. Con l'avvento del genere dell'opera seria italiana ("opera seria"), associato principalmente al nome di Scarlatti, l'introduzione strumentale all'opera, chiamata anche ouverture, fu chiamata sinfonia, solitamente in tre sezioni: veloce - piano veloce. Cioè, "sinfonia" e "ouverture" per molto tempo hanno significato più o meno la stessa cosa. A proposito, nell'opera italiana, la tradizione di chiamare l'ouverture una sinfonia è sopravvissuta fino alla metà del XIX secolo (vedi le prime opere di Verdi, ad esempio Nabucodonosor).

Dal 18 ° secolo, in tutta Europa è nata una moda per le sinfonie strumentali in più parti. Hanno svolto un ruolo importante in entrambi vita pubblica così come nelle funzioni religiose. Tuttavia, il principale luogo di origine e di esecuzione delle sinfonie erano le proprietà degli aristocratici. Entro la metà del XVIII secolo (l'epoca della comparsa delle prime sinfonie di Haydn), c'erano tre centri principali per la composizione di sinfonie in Europa: Milano, Vienna e Mannheim. Fu grazie alle attività di questi tre centri, ma soprattutto della Cappella di corte di Mannheim e dei suoi compositori, nonché all'opera di Joseph Haydn, che il genere sinfonico conobbe in quel periodo la sua prima fioritura in Europa.

Cappella di Manheim

Jan Stamitz Wikimedia Commons

La cappella, sorta sotto l'elettore Carlo III Filippo ad Heidelberg, e dopo il 1720 continuò ad esistere a Mannheim, può essere considerata il primo prototipo dell'orchestra moderna. Anche prima di trasferirsi a Mannheim, la cappella era più numerosa di qualsiasi altra nei principati circostanti. A Mannheim crebbe ancora di più e, grazie al coinvolgimento dei musicisti più talentuosi dell'epoca, anche la qualità delle prestazioni migliorò notevolmente. Dal 1741, il coro era diretto dal violinista e compositore ceco Jan Stamitz. Fu da questo momento che possiamo parlare della creazione della scuola di Mannheim. L'orchestra comprendeva 30 strumenti a corda, strumenti a fiato accoppiati: due flauti, due oboi, due clarinetti (allora ospiti ancora rari nelle orchestre), due fagotti, da due a quattro corni, due trombe e timpani - una composizione enorme per quei tempi. Ad esempio, nella cappella del principe Esterhazy, dove Haydn prestò servizio per quasi 30 anni come bandmaster, all'inizio della sua attività il numero di musicisti non superava le 13-16 persone, al conte Morzin, con il quale Haydn prestò servizio diversi anni prima di Esterhazy e scrisse le sue prime sinfonie, c'erano ancora più musicisti meno - lì, a giudicare dalle partiture di Haydn di quegli anni, non c'erano nemmeno i flauti. Alla fine del 1760, la Cappella Esterhazy crebbe fino a 16-18 musicisti e verso la metà degli anni 1780 raggiunse il numero massimo di 24 musicisti. E a Mannheim c'erano solo 30 persone di archi.

Ma la virtù principale dei virtuosi di Mannheim non era la loro quantità, ma l'incredibile qualità e coerenza della performance collettiva in quel momento. Jan Stamitz, e dopo di lui altri compositori che hanno scritto musica per questa orchestra, hanno trovato effetti sempre più sofisticati, finora inauditi, che da allora sono stati associati al nome della Cappella di Mannheim: un aumento congiunto del suono (crescendo), dissolvenza del suono (diminuendo), un'improvvisa interruzione congiunta del gioco (pausa generale), nonché varie figure musicali, come: il razzo di Mannheim (il rapido innalzamento della melodia secondo i suoni di un accordo scomposto), gli uccelli di Mannheim ( imitazioni di uccelli che cinguettano nei passaggi solistici) o il culmine di Mannheim (preparazione per un crescendo, e poi nel momento decisivo c'è la cessazione del suono di tutti gli strumenti a fiato e il suono attivo-energetico di alcuni archi). Molti di questi effetti hanno trovato la loro seconda vita nelle opere dei contemporanei più giovani di Mannheim, Mozart e Beethoven, e alcuni esistono ancora oggi.

Inoltre, Stamitz ei suoi colleghi trovarono gradualmente il tipo ideale di una sinfonia in quattro parti, derivata dai prototipi barocchi della sonata da chiesa e della sonata da camera, nonché dall'ouverture dell'opera italiana. Haydn è arrivato allo stesso ciclo in quattro parti come risultato dei suoi molti anni di esperimenti. Il giovane Mozart visitò Mannheim nel 1777 e rimase profondamente colpito dalla musica e dall'esecuzione orchestrale che ascoltò lì. Con Christian Cannabih, che diresse l'orchestra dopo la morte di Stamitz, Mozart ebbe un'amicizia personale sin dalla sua visita a Mannheim.

musicisti di corte

La posizione dei musicisti di corte, a cui veniva pagato uno stipendio, era molto vantaggiosa in quel momento, ma, ovviamente, obbligava molto. Hanno lavorato molto duramente e hanno dovuto soddisfare qualsiasi capriccio musicale dei loro maestri. Potrebbero essere prelevati alle tre o alle quattro del mattino e dire che il proprietario vuole musica di intrattenimento - per ascoltare una specie di serenata. I poveri musicisti dovevano entrare nella sala, accendere le lampade e suonare. Molto spesso i musicisti lavoravano sette giorni su sette - concetti come il ritmo di produzione o la giornata lavorativa di 8 ore, ovviamente, non esistevano per loro (secondo gli standard moderni, un musicista orchestrale non può lavorare più di 6 ore al giorno, quando si tratta di prove per un concerto o uno spettacolo teatrale). Dovevamo suonare tutto il giorno, quindi abbiamo suonato tutto il giorno. Tuttavia, i proprietari amanti della musica, molto spesso ha capito che un musicista non può suonare senza una pausa per diverse ore: ha bisogno sia di cibo che di riposo.

Particolare di un dipinto di Nicola Maria Rossi. 1732 Bridgeman Images/Fotodom

Haydn e Cappella del Principe Esterhazy

La leggenda narra che Haydn, scrivendo la famosa Sinfonia d'addio, accennò così al suo maestro Esterhazy il riposo promesso ma dimenticato. Nel suo finale, i musicisti si sono tutti alzati a turno, hanno spento le candele e se ne sono andati - il suggerimento è abbastanza comprensibile. E il proprietario li ha capiti e li ha lasciati andare in vacanza, il che parla di lui come di una persona con perspicacia e senso dell'umorismo. Anche se è finzione, trasmette in modo straordinario lo spirito di quell'epoca - in altri tempi, tali accenni agli errori delle autorità avrebbero potuto costare molto caro al compositore.

Poiché i mecenati di Haydn erano persone piuttosto istruite e sensibili alla musica, poteva contare sul fatto che qualsiasi suo esperimento - che si trattasse di una sinfonia in sei o sette movimenti o di alcune incredibili complicazioni tonali nel cosiddetto episodio evolutivo - non sarebbe stato accolto con condanna. Sembra addirittura il contrario: più la forma era complessa e insolita, più gli piaceva.
Tuttavia, Haydn è diventato il primo compositore eccezionale, liberato da questa esistenza apparentemente conveniente, ma in generale servile del cortigiano. Quando Nikolaus Esterházy morì, il suo erede sciolse l'orchestra, sebbene mantenne il titolo di Haydn e lo stipendio (ridotto) di direttore d'orchestra. Così Haydn ricevette involontariamente un congedo a tempo indeterminato e, approfittando dell'invito dell'impresario Johann Peter Salomon, si recò a Londra in età piuttosto avanzata. Lì ha effettivamente creato un nuovo stile orchestrale. La sua musica è diventata più solida e più semplice. Gli esperimenti sono stati annullati. Ciò era dovuto a necessità commerciali: ha scoperto che il pubblico inglese in generale è molto meno istruito degli ascoltatori sofisticati della tenuta Esterhazy - per lei è necessario scrivere in modo più breve, più chiaro e più succinto. Mentre ogni sinfonia scritta da Esterhazy è unica, le sinfonie londinesi sono dello stesso tipo. Tutti erano scritti esclusivamente in quattro parti (a quel tempo era la forma più comune di sinfonia, che era già in pieno uso dai compositori della scuola di Mannheim e Mozart): l'obbligatoria sonata allegra nella prima parte, la più o seconda parte meno lenta, il minuetto e il finale veloce. Il tipo di orchestra e la forma musicale, così come il tipo di sviluppo tecnico dei temi utilizzati nelle ultime sinfonie di Haydn, divennero già un modello per Beethoven.

Fine XVIII-XIX secolo: la scuola viennese e Beethoven

Interno del Theater an der Wien di Vienna. Incisione. 19esimo secolo Brigeman Immagini/Fotodom

Accadde così che Haydn sopravvisse a Mozart, che aveva 24 anni meno di lui, e trovò l'inizio della carriera di Beethoven. Haydn ha lavorato la maggior parte della sua vita nell'odierna Ungheria, e verso la fine della sua vita ha avuto un burrascoso successo a Londra, Mozart era di Salisburgo e Beethoven era un fiammingo nato a Bonn. Ma i percorsi creativi di tutti e tre i giganti della musica erano collegati alla città, che durante il regno dell'imperatrice Maria Teresa, e poi di suo figlio l'imperatore Giuseppe II, prese la posizione di capitale musicale del mondo - con Vienna. Così, l'opera di Haydn, Mozart e Beethoven è passata alla storia come lo "stile classico viennese". È vero, va notato che gli autori stessi non si consideravano affatto "classici", e Beethoven si considerava un rivoluzionario, un pioniere e persino un sovvertitore delle tradizioni. Il concetto stesso di "stile classico" è un'invenzione di un tempo molto successivo ( metà XIX secolo). Le caratteristiche principali di questo stile sono l'armoniosa unità di forma e contenuto, l'equilibrio del suono in assenza di eccessi barocchi e l'antica armonia dell'architettura musicale.

La corona dei viennesi stile classico nel campo della musica orchestrale vengono considerate le sinfonie londinesi di Haydn, le ultime sinfonie di Mozart e tutte le sinfonie di Beethoven. Nelle tarde sinfonie di Haydn e Mozart si stabilirono finalmente il lessico musicale e la sintassi dello stile classico, così come la composizione dell'orchestra, che si cristallizzò già nella scuola di Mannheim ed è ancora considerata classica: un gruppo d'archi (suddiviso in primo e secondo violino, viole, violoncelli e contrabbassi), una coppia di fiati di composizione - di solito due flauti, due oboi, due fagotti. Tuttavia, a partire dalle ultime opere di Mozart, anche i clarinetti sono entrati stabilmente nell'orchestra e si sono affermati. La passione di Mozart per il clarinetto ha contribuito in gran parte alla diffusione capillare di questo strumento come parte del gruppo di fiati dell'orchestra. Mozart ascoltò i clarinetti nel 1778 a Mannheim nelle sinfonie di Stamitz e scrisse con ammirazione in una lettera a suo padre: "Oh, se solo avessimo i clarinetti!" - intendendo con "noi" la Cappella di Corte di Salisburgo, che introdusse i clarinetti solo nel 1804. Va notato, tuttavia, che già nel 1769 i clarinetti erano regolarmente utilizzati nelle bande militari principesco-arcivescovili.

Ai legni già citati venivano solitamente aggiunti due corni, e talvolta due trombe e timpani, che arrivavano alla musica sinfonica dai militari. Ma questi strumenti erano usati solo nelle sinfonie, le cui tonalità consentivano l'uso di flauti naturali, che esistevano solo in poche accordature, solitamente in re o do maggiore; a volte le trombe venivano usate anche nelle sinfonie scritte in sol maggiore, ma mai i timpani. Un esempio di tale sinfonia con trombe ma senza timpani è la Sinfonia n. 32 di Mozart. La parte dei timpani è stata successivamente aggiunta alla partitura da una persona non identificata ed è considerata non autentica. Si può presumere che questa antipatia degli autori del XVIII secolo per il sol maggiore in relazione ai timpani sia spiegata dal fatto che per i timpani barocchi (accordati non da comodi pedali moderni, ma da viti di tensione manuali), tradizionalmente scriveva musica composta da due sole note: la tonica (1° grado di tonalità) e le dominanti (5° grado di tonalità), che erano chiamate a sostenere le canne che suonavano queste note, ma la nota principale della tonalità Sol maggiore in l'ottava superiore sui timpani suonava troppo acuta e quella inferiore troppo smorzata. Pertanto, i timpani in sol maggiore sono stati evitati a causa della loro dissonanza.

Tutti gli altri strumenti erano considerati accettabili solo nelle opere e nei balletti, e alcuni di essi suonavano anche in chiesa (ad esempio, tromboni e corni di bassetto nel Requiem, tromboni, corni di bassetto e ottavino nel Flauto magico, musica "giannizzero" a percussione nel "Il ratto dal serraglio" o il mandolino nel "Don Giovanni" di Mozart, il corno di bassetto e l'arpa nel balletto di Beethoven "Le opere di Prometeo").

Il basso continuo cadde gradualmente in disuso, prima scomparendo dalla musica orchestrale, ma rimanendo per qualche tempo nell'opera per accompagnare i recitativi (vedi Le nozze di Figaro, Tutte le donne lo fanno, e il Don Giovanni di Mozart, ma anche successivamente - V inizio XIX secolo, in alcune opere buffe di Rossini e Donizetti).

Se Haydn è passato alla storia come il più grande inventore del settore musica sinfonica, poi Mozart sperimentò molto di più con l'orchestra nelle sue opere che nelle sue sinfonie. Questi ultimi sono incomparabilmente più severi nel rispetto delle norme dell'epoca. Sebbene ci siano, ovviamente, delle eccezioni: ad esempio, nelle sinfonie di Praga o Parigi non c'è il minuetto, cioè sono composte solo da tre parti. C'è anche una sinfonia in un movimento n. 32 in sol maggiore (tuttavia, è costruita sul modello dell'ouverture italiana in tre sezioni, veloce - lenta - veloce, cioè corrisponde a norme più antiche, pre-Haydniane) . Ma d'altra parte, in questa sinfonia sono coinvolti ben quattro corni (come, tra l'altro, nella Sinfonia n. 25 in sol minore, così come nell'opera Idomeneo). I clarinetti vengono introdotti nella Sinfonia n. 39 (l'amore di Mozart per questi strumenti è già stato menzionato), ma gli oboi tradizionali sono assenti. E la Sinfonia n. 40 esiste anche in due versioni: con e senza clarinetti.

In termini di parametri formali, Mozart si muove nella maggior parte delle sue sinfonie secondo schemi mannheimiani e haydniani - ovviamente, approfondendoli e raffinandoli con la forza del suo genio, ma senza cambiare nulla di essenziale a livello di strutture o composizioni. Tuttavia, negli ultimi anni della sua vita, Mozart iniziò a studiare in dettaglio e profondamente il lavoro dei grandi polifonisti del passato: Handel e Bach. Grazie a ciò, la trama della sua musica si arricchisce sempre più di vari tipi di trucchi polifonici. Un brillante esempio della combinazione di un magazzino omofonico tipico di una sinfonia della fine del XVIII secolo con una fuga di tipo Bach è l'ultima, 41a sinfonia di Mozart "Giove". Inizia la rinascita della polifonia come metodo di sviluppo più importante in genere sinfonico. È vero, Mozart ha seguito la strada battuta prima di lui da altri: i finali di due sinfonie di Michael Haydn, n. 39 (1788) e 41 (1789), certamente noto a Mozart, sono stati scritti anche in forma di fuga.

Ritratto di Ludwig van Beethoven. Giuseppe Carlo Stiler. 1820 Wikimedia Commons

Il ruolo di Beethoven nello sviluppo dell'orchestra è speciale. La sua musica è una colossale combinazione di due epoche: classica e romantica. Se nella Prima Sinfonia (1800) Beethoven è un fedele allievo e seguace di Haydn, e nel balletto Le opere di Prometeo (1801) è il successore delle tradizioni di Gluck, allora nella Terza sinfonia eroica (1804) c'è è un ultimo e irrevocabile ripensamento della tradizione Haydn-Mozart in chiave più moderna. Segue ancora esteriormente la Seconda Sinfonia (1802). modelli classici, ma ci sono molte innovazioni, e la principale è la sostituzione del tradizionale minuetto con uno scherzo rozzo e contadino ("scherzo" in italiano). Da allora i minuetti non sono più stati trovati nelle sinfonie di Beethoven, ad eccezione dell'uso ironicamente nostalgico della parola "minuet" nel titolo del terzo movimento dell'Ottava Sinfonia - "Al ritmo del minuetto" (del all'epoca in cui fu composta l'Ottava - 1812 - i minuetti erano già caduti in disuso ovunque, e Beethoven qui usa chiaramente questo riferimento al genere come segno di "un dolce ma lontano passato"). Ma anche l'abbondanza di contrasti dinamici, e il consapevole trasferimento del tema principale del primo movimento a violoncelli e contrabbassi, mentre i violini svolgono un ruolo insolito per loro come accompagnatori, e la frequente separazione delle funzioni di violoncelli e contrabbassi (cioè l'emancipazione del contrabbasso come voce indipendente), ed esteso, sviluppando le code nelle parti estreme (trasformandosi praticamente in secondi sviluppi) sono tutte tracce del nuovo stile, che ha trovato il suo sbalorditivo sviluppo nel successivo, il Terza Sinfonia.

Allo stesso tempo, la Seconda Sinfonia porta gli inizi di quasi tutte le successive sinfonie di Beethoven, in particolare la Terza e la Sesta, così come la Nona. Nell'introduzione alla prima parte della Seconda c'è un motivo in Re minore che è due gocce simili al tema principale della prima parte della Nona, e la parte di raccordo del finale della Seconda è quasi un abbozzo di "Inno alla gioia" dal finale della stessa Nona, anche se con strumentazione identica.

La Terza Sinfonia è sia la più lunga che la più complessa di tutte le sinfonie scritte finora, e linguaggio musicale, e sullo studio più intenso del materiale. Contiene contrasti dinamici inediti per quei tempi (da tre pianoforti a tre fortes!) e un lavoro altrettanto inedito, anche rispetto a Mozart, sulla “trasformazione cellulare” dei motivi originari, che non è solo presente in ogni singolo movimento, ma, per così dire, permea l'intero ciclo in quattro parti, creando il senso di una narrazione unica e indivisibile. The Heroic Symphony non è più una sequenza armoniosa di parti contrastanti di un ciclo strumentale, ma un genere completamente nuovo, infatti, il primo romanzo-sinfonia nella storia della musica!

L'uso dell'orchestra da parte di Beethoven non è solo virtuoso, spinge gli strumentisti al limite e spesso va oltre i limiti tecnici immaginabili di ogni strumento. La famosa frase di Beethoven, rivolta a Ignaz Schuppanzig, violinista e leader del Count Lichnowsky Quartet, primo esecutore di molti quartetti di Beethoven, in risposta alla sua osservazione critica sull'"impossibilità" di un brano di Beethoven, caratterizza notevolmente l'atteggiamento del compositore nei confronti dei problemi tecnici in musica: "Che m'importa del suo disgraziato violino, quando lo Spirito mi parla?!" L'idea musicale viene sempre prima, e solo dopo dovrebbe esserci il modo di realizzarla. Ma allo stesso tempo Beethoven era ben consapevole delle possibilità dell'orchestra del suo tempo. A proposito, l'opinione diffusa sulle conseguenze negative della sordità di Beethoven, presumibilmente riflessa nelle sue ultime composizioni e che quindi giustifica le successive intrusioni nelle sue partiture sotto forma di tutti i tipi di ritocchi, è solo un mito. Abbastanza per ascoltare buona performance le sue ultime sinfonie o quartetti su strumenti autentici, per assicurarsi che non abbiano difetti, ma solo un atteggiamento altamente idealistico e intransigente nei confronti della loro arte, basato su una conoscenza dettagliata degli strumenti del loro tempo e delle loro capacità. Se Beethoven avesse avuto a disposizione un'orchestra moderna con capacità tecniche moderne, avrebbe sicuramente scritto in modo completamente diverso.

In termini di strumentazione, nelle sue prime quattro sinfonie, Beethoven rimane fedele agli standard delle successive sinfonie di Haydn e Mozart. Sebbene la Heroic Symphony utilizzi tre corni invece dei tradizionali due, o dei rari ma tradizionalmente accettabili quattro. Cioè, Beethoven mette in discussione il sacro principio di seguire qualsiasi tradizione: ha bisogno di una terza voce di corno nell'orchestra - e la introduce.

E già nella Quinta Sinfonia (1808), Beethoven introduce nel finale gli strumenti di un'orchestra militare (o teatrale): flauto ottavino, controfagotto e tromboni. A proposito, un anno prima di Beethoven, il compositore svedese Joachim Nicholas Eggert usò i tromboni nella sua Sinfonia in mi bemolle maggiore (1807), e in tutti e tre i movimenti, e non solo nel finale, come fece Beethoven. Quindi nel caso dei tromboni la palma non spetta al grande compositore, ma al suo collega molto meno famoso.

La Sesta Sinfonia (Pastorale) è il primo ciclo di programma nella storia della sinfonia, in cui non solo la sinfonia stessa, ma anche ogni parte, è preceduta da una descrizione di una sorta di programma interno - una descrizione dei sentimenti di un cittadino che si ritrova nella natura. In realtà, le descrizioni della natura nella musica non sono state nuove dai tempi del barocco. Ma, a differenza delle Stagioni di Vivaldi e di altri esempi barocchi di musica a programma, Beethoven non si occupa della scrittura sonora fine a se stessa: la Sesta Sinfonia, nelle sue stesse parole, è "piuttosto un'espressione di sentimenti che un dipinto". La sinfonia pastorale è l'unica nell'opera di Beethoven in cui il ciclo sinfonico a quattro voci è violato: lo scherzo è seguito senza interruzione dal quarto movimento, libero nella forma, intitolato Il temporale, e dopo di esso, anch'esso senza interruzione, il finale segue. Quindi, ci sono cinque movimenti in questa sinfonia.

L'approccio di Beethoven all'orchestrazione di questa sinfonia è estremamente interessante: nel primo e nel secondo movimento, usa rigorosamente solo archi, legni e due corni. Nello Scherzo sono collegate due trombe, in The Thunderstorm si uniscono i timpani, un flauto ottavino e due tromboni, e nel finale i timpani e l'ottavino tacciono di nuovo, e le trombe e i tromboni cessano di svolgere la loro tradizionale funzione di fanfara e fondersi nel coro generale dei fiati della dossologia panteistica.

Il culmine dell'esperimento di Beethoven nel campo dell'orchestrazione fu la Nona Sinfonia: nel suo finale vengono utilizzati non solo i già citati tromboni, flauto ottavino e controfagotto, ma anche un intero set di percussioni "turche": una grancassa, un piatto e un triangolo e, cosa più importante, il coro e i solisti! A proposito, i tromboni nel finale della Nona sono spesso usati come amplificazione della parte corale, e questo è già un riferimento alla tradizione della musica da chiesa e da oratorio secolare, specialmente nella sua rifrazione haydniana-mozartiana (vedi " Creazione del mondo" o "Le stagioni" di Haydn, Messa prima minore o Requiem di Mozart), il che significa che questa sinfonia è una fusione del genere della sinfonia e dell'oratorio spirituale, scritta solo su un testo poetico e secolare di Schiller. Un'altra importante innovazione formale della Nona Sinfonia fu il riarrangiamento del movimento lento e dello scherzo. Il nono scherzo, trovandosi al secondo posto, non svolge più il ruolo di allegro contrasto che dà il via al finale, ma si trasforma in un aspro e del tutto “militaristico” proseguimento della tragica prima parte. E il lento terzo movimento diventa il centro filosofico della sinfonia, cadendo proprio nella zona della sezione aurea - il primo, ma non l'ultimo caso nella storia della musica sinfonica.

Con la Nona Sinfonia (1824), Beethoven fa il salto in una nuova era. Ciò coincide con il periodo delle più gravi trasformazioni sociali - con il passaggio definitivo dall'Illuminismo a una nuova era industriale, il cui primo evento ebbe luogo 11 anni prima della fine del secolo precedente; un evento testimoniato da tutti e tre i rappresentanti della scuola classica viennese. Stiamo parlando, ovviamente, della Rivoluzione francese.