Gli stili jazz sono esempi musicali. Jazz: cos'è, quali direzioni, chi lo esegue

Essendo una delle forme d'arte musicale più venerate in America, il jazz ha gettato le basi per un'intera industria, introducendo nel mondo numerosi nomi di brillanti compositori, strumentisti e cantanti e generando una vasta gamma di generi. I 15 musicisti jazz più influenti sono responsabili di un fenomeno globale che si è verificato nell'ultimo secolo nella storia del genere.

Il jazz si è sviluppato negli ultimi anni del XIX secolo e all'inizio del XX secolo come una combinazione di suoni classici europei e americani con motivi folk africani. Le canzoni sono state eseguite con un ritmo sincopato, dando impulso allo sviluppo, e successivamente alla formazione di grandi orchestre per eseguirlo. La musica ha fatto un grande passo avanti dai tempi del ragtime a jazz contemporaneo.

L'influenza dell'Africa occidentale cultura musicale in quale musica è scritta e come viene eseguita. Poliritmo, improvvisazione e sincope sono ciò che caratterizza il jazz. Nel secolo scorso, questo stile è cambiato sotto l'influenza dei contemporanei del genere, che hanno portato la propria idea all'essenza dell'improvvisazione. Cominciarono ad apparire nuove direzioni: bebop, fusion, jazz latinoamericano, free jazz, funk, acid jazz, hard bop, smooth jazz e così via.

15 Arte Tatum

Arte Tatum - pianista jazz e un virtuoso che era praticamente cieco. È conosciuto come uno dei più grandi pianisti di tutti i tempi che ha cambiato il ruolo del pianoforte nell'ensemble jazz. Tatum si è rivolto allo stile stride per creare il suo stile unico di suonare, aggiungendo ritmi swing e fantastiche improvvisazioni al ritmo. Il suo atteggiamento nei confronti della musica jazz ha cambiato radicalmente l'importanza del pianoforte nel jazz come strumento musicale rispetto alle sue caratteristiche precedenti.

Tatum ha sperimentato le armonie della melodia, influenzando la struttura dell'accordo ed espandendola. Tutto ciò caratterizzò lo stile del bebop, che, come sapete, sarebbe diventato popolare dieci anni dopo, quando apparvero i primi dischi di questo genere. I critici hanno anche notato la sua impeccabile tecnica di esecuzione: Art Tatum è stato in grado di suonare i passaggi più difficili con tale facilità e velocità che sembrava che le sue dita toccassero a malapena i tasti bianchi e neri.

14 Telonio Monaco

Alcune delle sonorità più complesse e variegate si possono trovare nel repertorio del pianista e compositore, uno dei più importanti rappresentanti dell'era del bebop e del suo successivo sviluppo. La sua stessa personalità di musicista eccentrico ha contribuito alla divulgazione del jazz. Monk, sempre vestito con abito, cappello e occhiali da sole, ha espresso apertamente il suo atteggiamento libero nei confronti della musica improvvisata. Non ha accettato regole rigide e ha formato il proprio approccio alla creazione di composizioni. Alcuni dei suoi lavori più brillanti e famosi sono Epistrophy, Blue Monk, Straight, No Chaser, I Mean You e Well, You Needn't.

Lo stile di gioco di Monk era basato su un approccio innovativo all'improvvisazione. Le sue opere si distinguono per passaggi percussivi e pause taglienti. Molto spesso, proprio durante le sue esibizioni, saltava dal pianoforte e ballava mentre gli altri membri della band continuavano a suonare la melodia. Thelonious Monk rimane uno dei musicisti jazz più influenti nella storia del genere.

13 Carlo Mingus

Riconosciuto virtuoso del contrabbasso, compositore e band leader, è stato uno dei musicisti più straordinari della scena jazz. Ha sviluppato un nuovo stile musicale, combinando gospel, hard bop, free jazz e musica classica. I contemporanei chiamavano Mingus "l'erede di Duke Ellington" per la sua fantastica capacità di scrivere opere per piccoli ensemble jazz. Nelle sue composizioni, tutti i membri della band hanno dimostrato le loro capacità di suonare, ognuno dei quali non era solo talentuoso, ma era caratterizzato da uno stile di gioco unico.

Mingus ha selezionato con cura i musicisti che componevano la sua band. Il leggendario contrabbassista era noto per il suo temperamento, e una volta ha persino preso a pugni in faccia il trombonista Jimmy Knepper, facendogli saltare un dente. Mingus soffriva di un disturbo depressivo, ma non era pronto a sopportare il fatto che questo in qualche modo influisse sulla sua attività creativa. Nonostante questa afflizione, Charles Mingus è una delle figure più influenti nella storia del jazz.

12 Art Blakey

Art Blakey era un famoso batterista e bandleader americano che ha fatto colpo nello stile e nella tecnica di suonare la batteria. Ha combinato swing, blues, funk e hard bop, uno stile che si sente oggi in ogni moderno composizione jazzistica. Insieme a Max Roach e Kenny Clarke, ha inventato un nuovo modo di suonare il bebop alla batteria. Per oltre 30 anni, la sua band, The Jazz Messengers, ha dato jazz a molti artisti jazz: Benny Golson, Wayne Shorter, Clifford Brown, Curtis Fuller, Horace Silver, Freddie Hubbard, Keith Jarrett e altri.

I Jazz Messengers non creavano solo musica fenomenale, erano una specie di "banco di prova musicale" per giovani musicisti di talento, come la band di Miles Davis. Lo stile di Art Blakey ha cambiato il suono stesso del jazz, diventando una nuova pietra miliare musicale.

11 Dizzy Gillespie (Dizzy Gillespie)

Trombettista jazz, cantante, cantautore e direttore d'orchestra divenne una figura di spicco ai tempi del bebop e del jazz moderno. Il suo stile di tromba ha influenzato Miles Davis, Clifford Brown e Fats Navarro. Dopo la sua permanenza a Cuba, al suo ritorno negli Stati Uniti, Gillespie è stato uno di quei musicisti che hanno promosso attivamente il jazz afro-cubano. Oltre alla sua inimitabile performance sulla caratteristica tromba ricurva, Gillespie era riconoscibile dai suoi occhiali cerchiati di corno e dalle guance incredibilmente grandi mentre suonava.

Il grande improvvisatore jazz Dizzy Gillespie, così come Art Tatum, ha innovato in armonia. Le composizioni di Salt Peanuts e Goovin' High erano ritmicamente completamente diverse dai lavori precedenti. Fedele al bebop per tutta la sua carriera, Gillespie è ricordato come uno dei più influenti trombettisti jazz.

10 Max Scarafaggio

I primi 15 musicisti jazz più influenti nella storia del genere includono Max Roach, un batterista noto come uno dei pionieri del bebop. Lui, come pochi altri, ha influenzato lo stile moderno di suonare la batteria. Roach era un combattente per diritti civili e insieme a Oscar Brown Jr. e Coleman Hawkins ha persino registrato l'album We Insist! - Freedom Now ("Insistiamo! - Freedom now"), dedicato al 100° anniversario della firma del Proclama di emancipazione. Max Roach è un rappresentante di uno stile musicale impeccabile, in grado di eseguire un lungo assolo per tutto il concerto. Assolutamente qualsiasi pubblico era deliziato dalla sua abilità insuperabile.

9 Billie Vacanze

Lady Day è la preferita di milioni di persone. Billie Holiday ha scritto solo poche canzoni, ma quando ha cantato ha trasformato la sua voce dalle prime note. La sua performance è profonda, personale e persino intima. Il suo stile e la sua intonazione sono ispirati dal suono degli strumenti musicali che ha sentito. Come quasi tutti i musicisti sopra descritti, è diventata la creatrice di uno stile nuovo, ma già vocale, basato su lunghe frasi musicali e sul tempo di cantarle.

Il famoso Strange Fruit è il migliore non solo nella carriera di Billie Holiday, ma nell'intera storia del jazz a causa della performance piena di sentimento del cantante. È stata insignita postuma di prestigiosi premi e inserita nella Grammy Hall of Fame.

8 Giovanni Coltrane

Il nome di John Coltrane è associato alla tecnica di esecuzione virtuosa, all'eccellente talento per comporre musica e alla passione per l'apprendimento di nuove sfaccettature del genere. Alle soglie delle origini dell'hard bop, il sassofonista ottenne un enorme successo e divenne uno dei musicisti più influenti nella storia del genere. La musica di Coltrane aveva un suono tagliente e suonava con grande intensità e dedizione. Era in grado sia di suonare da solo che di improvvisare in un ensemble, creando parti soliste di durata impensabile. Suonando il sassofono tenore e soprano, Coltrane è stato anche in grado di creare composizioni melodiche di smooth jazz.

John Coltrane è l'autore di una sorta di "bebop reboot", incorporandovi armonie modali. Rimanendo la principale figura attiva nell'avanguardia, fu un compositore molto prolifico e non smise di pubblicare dischi, registrando circa 50 album come band leader nel corso della sua carriera.

7 Conte Basie

Il rivoluzionario pianista, organista, compositore e direttore d'orchestra Count Basie ha guidato uno dei più gruppi di successo nella storia del jazz. Nel corso di 50 anni, la Count Basie Orchestra, che comprende musicisti incredibilmente famosi come Sweets Edison, Buck Clayton e Joe Williams, si è guadagnata la reputazione di una delle big band più richieste d'America. Il nove volte vincitore del Grammy Award Count Basie ha instillato l'amore per il suono orchestrale in generazioni di ascoltatori.

Basie ha scritto molte canzoni che sono diventate standard jazz, come April in Paris e One O'Clock Jump. I colleghi hanno parlato di lui come di una persona piena di tatto, modesta ed entusiasta. Se non fosse stato per la Count Basie Orchestra nella storia del jazz, l'era delle big band sarebbe suonata diversamente e certamente non così influente come è diventata con questo eccezionale bandleader.

6 Coleman Hawkins

Il sassofono tenore è il simbolo del bebop e di tutta la musica jazz in generale. E per questo possiamo essere grati di essere Coleman Hawkins. Le innovazioni apportate da Hawkins furono vitali per lo sviluppo del bebop a metà degli anni Quaranta. Il suo contributo alla popolarità di questo strumento potrebbe aver determinato le future carriere di John Coltrane e Dexter Gordon.

La composizione Body and Soul (1939) divenne il punto di riferimento per suonare il sassofono tenore per molti sassofonisti. Anche altri strumentisti furono influenzati da Hawkins: il pianista Thelonious Monk, il trombettista Miles Davis, il batterista Max Roach. La sua capacità di improvvisazioni straordinarie ha portato alla scoperta di nuovi lati jazz del genere che non sono stati toccati dai suoi contemporanei. Questo spiega in parte perché il sassofono tenore è diventato parte integrante del moderno ensemble jazz.

5 Benny Goodman

Si apre la top five dei 15 musicisti jazz più influenti nella storia del genere. Il famoso King of Swing ha guidato quasi l'orchestra più popolare dell'inizio del XX secolo. Il suo concerto alla Carnegie Hall nel 1938 è riconosciuto come uno dei più importanti concerti dal vivo nella storia della musica americana. Questo spettacolo dimostra l'avvento dell'era del jazz, il riconoscimento di questo genere come forma d'arte indipendente.

Nonostante Benny Goodman fosse il cantante principale di una grande orchestra swing, ha anche partecipato allo sviluppo del bebop. La sua orchestra è diventata una delle prime, che ha unito musicisti di razze diverse nella sua composizione. Goodman era un oppositore vocale del Jim Crow Act. Ha persino rifiutato un tour negli stati del sud a sostegno dell'uguaglianza razziale. Benny Goodman era una figura attiva e riformatrice non solo nel jazz, ma anche nella musica popolare.

4 Miles Davis

Una delle figure centrali del jazz del XX secolo, Miles Davis, è stata all'origine di molti eventi musicali e li ha osservati svilupparsi. È accreditato come pioniere dei generi di musica bebop, hard bop, cool jazz, free jazz, fusion, funk e techno. IN ricerca costante nuovo stile di musica ha sempre raggiunto il successo ed è stato circondato da musicisti brillanti tra cui John Coltrane, Cannoball Adderley, Keith Jarrett, JJ Johnson, Wayne Shorter e Chick Corea. Durante la sua vita, Davis ha ricevuto 8 Grammy Awards ed è stato inserito nella Rock and Roll Hall of Fame. Miles Davis è stato uno dei jazzisti più attivi e influenti del secolo scorso.

3 Charlie Parker

Quando pensi al jazz, ti ricordi il nome. Conosciuto anche come Bird Parker, è stato un pioniere del sassofono contralto jazz, musicista e compositore bebop. Il suo modo di suonare veloce, il suono chiaro e il talento come improvvisatore hanno avuto un impatto significativo sui musicisti di quel tempo e sui nostri contemporanei. Come compositore, ha cambiato gli standard della scrittura di musica jazz. Charlie Parker è stato il musicista che ha coltivato l'idea che i jazzisti siano artisti e intellettuali, non solo uomini di spettacolo. Molti artisti hanno provato a copiare lo stile di Parker. Le sue famose tecniche di esecuzione possono anche essere rintracciate alla maniera di molti musicisti alle prime armi attuali, che prendono come base la composizione Uccello, in consonanza con il soprannome dell'alto-sakosofo.

2 Duca Ellington

Era un grandioso pianista, compositore e uno dei più importanti direttori d'orchestra. Sebbene sia conosciuto come un pioniere del jazz, eccelleva anche in altri generi, tra cui gospel, blues, musica classica e popolare. È a Ellington che viene attribuito il merito di aver portato il jazz a vista separata arte. Con innumerevoli premi e riconoscimenti, il primo grande compositore jazz non ha mai smesso di migliorarsi. È stato l'ispirazione per la prossima generazione di musicisti tra cui Sonny Stitt, Oscar Peterson, Earl Hines, Joe Pass. Duke Ellington rimane un riconosciuto genio del pianoforte jazz, strumentista e compositore.

1 Louis ArmstrongLouis Armstrong

Probabilmente il musicista jazz più influente nella storia del genere, alias Satchmo è un trombettista e cantante di New Orleans. È conosciuto come il creatore del jazz, che ha svolto un ruolo chiave nel suo sviluppo. Le straordinarie capacità di questo artista hanno permesso di trasformare una tromba in uno strumento jazz solista. È il primo musicista a cantare e rendere popolare lo stile scat. Era impossibile non riconoscere il suo timbro di voce basso e "tuonante".

L'impegno di Armstrong nei confronti dei propri ideali ha influenzato il lavoro di Frank Sinatra e Bing Crosby, Miles Davis e Dizzy Gillespie. Louis Armstrong ha influenzato non solo il jazz, ma l'intera cultura musicale, dando al mondo un nuovo genere, un modo unico di cantare e suonare la tromba.

Jazz- un tipo di arte musicale apparso tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo come risultato di una miscela di cultura musicale africana di schiavi neri ed europei. Dalla prima cultura, questo tipo di musica ha preso in prestito l'improvvisazione, il ritmo, la ripetizione ripetuta del motivo principale e dalla seconda l'armonia, i suoni in minore e maggiore. Vale la pena notare che tali elementi del folklore degli schiavi africani portati in America come danze rituali, canti di lavoro e di chiesa, il blues si riflettono anche nelle melodie jazz.

Le controversie sull'origine del jazz sono ancora in corso. È noto per certo che si è diffuso in tutto il mondo dagli Stati Uniti e la sua direzione classica ha avuto origine a New Orleans, dove il 26 febbraio 1917 è stato registrato il primo disco jazz dalla Original Dixieland Jazz Band.

Nel primo decennio del XX secolo, negli stati meridionali degli Stati Uniti, divennero particolarmente popolari gli ensemble musicali che eseguivano improvvisazioni originali sui temi del blues, del ragtime e delle canzoni europee. Erano chiamati "jazz band", da cui deriva la parola "jazz". La composizione di questi gruppi includeva musicisti che suonavano il vari strumenti tra cui: tromba, clarinetto, trombone, banjo, tuba, contrabbasso, percussioni e pianoforte.

Il jazz ha diversi tratti caratteristici che lo distinguono da altri generi musicali:

• ritmo;
• oscillazione;
• strumenti che imitano il linguaggio umano;
• una sorta di "dialogo" tra gli strumenti;
• vocale specifica, che ricorda intonazionalmente una conversazione.

Il jazz è diventato parte integrante dell'industria musicale, diffondendosi in tutto il mondo. La popolarità delle melodie jazz ha portato alla creazione di un numero enorme di ensemble che le eseguono, nonché all'emergere di nuove direzioni in questo genere musicale. Ad oggi sono noti più di 30 di questi stili, tra i quali i più popolari sono blues, soul, ragtime, swing, jazz-rock, symphonic-jazz.

Per chi vuole apprendere le basi di questo tipo di arte musicale, la decisione di acquistare un clarinetto, tromba, banjo, trombone o qualsiasi altro strumento jazz sarà un ottimo inizio nel percorso verso la padronanza di questo genere. Successivamente, il sassofono è stato incluso nella composizione di orchestre ed ensemble jazz, che oggi possono essere acquistati anche nel negozio online. Oltre a quelli sopra elencati, un gruppo jazz può includere anche strumenti musicali etnici.

Il jazz è varietà speciale musica, che è diventata particolarmente popolare negli Stati Uniti. Inizialmente, il jazz era la musica dei cittadini neri degli Stati Uniti, ma in seguito questa direzione ha assorbito stili musicali completamente diversi che si sono sviluppati in molti paesi. Parleremo di questo sviluppo.

La caratteristica più importante del jazz, sia originariamente che adesso, è il ritmo. Le melodie jazz combinano elementi della musica africana ed europea. Ma il jazz ha acquisito la sua armonia grazie all'influenza europea. Il secondo elemento fondamentale del jazz fino ad oggi è l'improvvisazione. Il jazz veniva spesso suonato senza una melodia pre-preparata: solo durante il gioco il musicista sceglieva una direzione o un'altra, soccombendo alla sua ispirazione. Così, proprio davanti agli occhi degli ascoltatori, durante il gioco del musicista, è nata la musica.

Negli anni il jazz è cambiato, riuscendo comunque a mantenere le sue caratteristiche fondamentali. Un contributo inestimabile a questa direzione è stato dato dal famigerato "blues" - melodie persistenti, caratteristiche anche dei neri. Al momento, la maggior parte delle melodie blues sono parte integrante della direzione jazz. In verità, il blues ha avuto un'influenza speciale non solo sul jazz: anche il rock and roll, il country e il western usano motivi blues.

Parlando di jazz, è necessario menzionare la città americana di New Orleans. Dixieland, come veniva chiamato il jazz di New Orleans, per la prima volta combinò motivi blues, canzoni di chiese nere ed elementi di musica folk europea.
Più tardi apparve lo swing (è anche chiamato jazz nello stile di "big band"), che ricevette anche un ampio sviluppo. Negli anni '40 e '50, il "jazz moderno" ha guadagnato popolarità, che era un'interazione più complessa di melodie e armonie rispetto al primo jazz. Apparso nuovo approccio al ritmo. I musicisti hanno cercato di inventare nuove opere usando altri ritmi, e quindi la tecnica della batteria è diventata più complicata.

La "new wave" del jazz ha travolto il mondo negli anni '60: è considerato il jazz di quelle stesse improvvisazioni di cui sopra. Uscendo per esibirsi, l'orchestra non poteva indovinare in quale direzione e in quale ritmo sarebbe stata la loro esibizione, nessuno dei jazzisti sapeva in anticipo quando il tempo e la velocità dell'esecuzione sarebbero cambiati. Ed è anche necessario dire che tale comportamento dei musicisti non significa che la musica fosse insopportabile: al contrario, è apparso un nuovo approccio all'esecuzione di melodie già esistenti. Seguendo lo sviluppo del jazz, possiamo vedere che è una musica in continua evoluzione, ma che non ha perso le sue fondamenta nel corso degli anni.

Riassumiamo:

• All'inizio il jazz era musica nera;
• Due postulati di tutte le melodie jazz: ritmo e improvvisazione;
• Blues - ha dato un enorme contributo allo sviluppo del jazz;
• Il jazz di New Orleans (Dixieland) combinava blues, canzoni di chiesa e musica folk europea;
• Swing: la direzione del jazz;
• Con lo sviluppo del jazz, i ritmi sono diventati più complicati e negli anni '60 le orchestre jazz si sono nuovamente abbandonate alle improvvisazioni durante le esibizioni.

Nel corso della storia del jazz, questa direzione musicale ha dovuto subire un numero significativo di cambiamenti, a volte piacevoli, a volte difficili e inaspettati. Tuttavia, ci sono numerosi musicisti leggendari, sia in Russia che all'estero, che hanno dato un contributo inestimabile al corso positivo della storia di questa musica. Sono stati loro a creare le grandi orchestre jazz.

Nel 1932, il famoso musicista e direttore d'orchestra russo Alexander Tsfasman raccolse Gruppo musicale"Moscow Guys", che in seguito divenne "Alexander Tsfasman's Jazz Orchestra". I musicisti apparvero nel famoso e prestigioso ristorante dell'epoca "Savoy", andarono in tournée in tutto il paese, 4 anni dopo la creazione parteciparono alle "serate jazz" della capitale.

Oltre a lavorare come direttore di un'orchestra di successo, Alexander Tsfasman ha tenuto concerti da solista e, come sapete, era un brillante pianista.

Musicisti famosi come Ivan Kozlovsky, Igor Gladkov, Mikhail Frumkin, Sergei Lemeshev, Valentin Berlinsky, Emil Geigner, Pavel e Mikhail Mikhailov, Vladimir Bunchikov, Claudia Shulzhenko, Nadezhda Kazantseva, Alexander Rivchun, Mark Bernes si sono esibiti con l'orchestra sullo stesso palco.

Durante il periodo bellico, l'ensemble, sostenendo Truppe sovietiche, ha tenuto concerti su molti fronti. Nello storico musicalmente Tsfasman è stato uno dei primi a portare swing in URSS.

Nell'inverno del 1956 si tenne un concerto di gala nella Sala delle colonne della Casa dei sindacati in onore del 50 ° anniversario di Tsfasman, durante il quale l'orchestra eseguì i suoi migliori successi. famoso musicista morì nel febbraio 1971 a Mosca. Il direttore ha lasciato un segno notevole nella storia dell'orchestra jazz sovietica.

Nel 1934 apparve la leggendaria orchestra jazz. I musicisti, allora a Shanghai, iniziarono a girare il paese e pochi anni dopo il maestro fu soprannominato il "Jazz King of the Far East".

Nel 1937 l'orchestra comprendeva già 11 musicisti e il repertorio dell'ensemble si espanse grazie all'esecuzione di canzoni russe in arrangiamenti jazz.

Le difficoltà nella vita politica cinese dell'epoca spinsero l'orchestra a trasferirsi in Unione Sovietica nel 1947. Il dopoguerra ha portato un grande successo ai musicisti. Nel 1955, Oleg Lundstrem e la sua orchestra registrarono dischi, si esibirono alla radio e divennero sempre più famosi. Durante la sua lunga carriera, l'orchestra ha eseguito oltre 10.000 concerti in URSS e nella Russia odierna. Nel 1989, Lundstrem ha invitato Alexander Bryksin come direttore dell'orchestra.

Nel 2005 è venuto a mancare il grande direttore d'orchestra Lundstrem. Dal 2007 è apparso nell'orchestra un nuovo direttore artistico: Boris Mikhailovich Frumkin, i programmi dei concerti sono stati aggiornati. Ora l'orchestra si esibisce ancora con successo nella capitale e in tournée nelle città della Russia.

Nel 1971, il famoso musicista Anatoly Kroll riunì una big band, che divenne uno dei più riusciti in URSS. L'orchestra ha girato l'Europa, ha lavorato con Yuri Antonov, Larisa Dolina, Evgeny Martynov, Leonid Serebrennikov. Anatoly Kroll ha sciolto l'ensemble nel 1991 e si è trasferito al teatro dell'Unione dei lavoratori del teatro della Federazione Russa.

Kroll iniziò anche a lavorare come compositore con la ISS Big Band (dal nome dell'International Commerce Union). Il team ha guadagnato numerosi elogi dalla critica e grande amore dagli ascoltatori russi. I musicisti hanno viaggiato molto con concerti all'estero, ad esempio in Francia, Svizzera.

Fino ad oggi, il grande direttore d'orchestra Anatoly Kroll rimane il capo dell'orchestra.

Una delle più grandi orchestre jazz del leggendario trombettista apparve nel 1937. Inizialmente, la big band si formò nel 1935-1936, i musicisti firmarono un contratto con uno studio di registrazione Record di Brunswick, ma la situazione finanziaria della squadra era ancora difficile. Nel 1938 era formò una nuova composizione dell'orchestra e la Glenn Miller Orchestra iniziò a svilupparsi rapidamente e guadagnare popolarità. Grazie alle crescenti richieste di professionalità e duro lavoro di Miller, ha creato il proprio stile, diverso dagli altri.

Il 4 aprile 1939, Miller e la sua orchestra registrarono Moonlight Serenade. E la composizione Tuxedo Junction, registrata il 5 febbraio 1940, vendette 115.000 copie nella prima settimana, e nello stesso anno collocò l'orchestra al numero 7 della hit parade nazionale.

Nell'ottobre 1942, a causa della situazione politica, Glenn Miller partì per l'esercito. La nomina alla carica di capitano lo ispirò a convincere le autorità dell'esercito a modernizzare la banda militare e infine a migliorare il morale dei dipendenti. L'obiettivo di Miller è stato raggiunto: l'orchestra è stata un successo! Alla fine del 1943 i musicisti andarono in tournée in Inghilterra.

Nell'autunno del 1944 l'orchestra doveva fare una tournée in Europa. Miller ha deciso di arrivare prima a Parigi per prepararsi meglio allo spettacolo, ma si è verificato un incidente: Glenn Miller è salito a bordo di un aereo da trasporto per Parigi ed è morto in un incidente. Tuttavia, l'orchestra del grande strumentista continua ancora ad esistere e ad esibirsi con successo in tutto il mondo.

La Ellington Orchestra fu assemblata dal suo leader nel 1923. Dopo 4 anni, i musicisti erano già sul palco del famoso club di Harlem.

A causa delle frequenti trasmissioni radiofoniche di concerti da questo club, Ellington ei suoi musicisti divennero popolari. Nel 1931 la Duke Ellington Orchestra iniziò il suo primo tour. Lo standard jazz Mood Indigo, che viene eseguito da decenni, ha riscosso un enorme successo.

Poco prima dell'inizio dell'era della musica swing, sembrava aver predetto il suo aspetto. Composizioni del 1933 Sophisticated Lady e Stormy Weather sono diventati i "biglietti da visita" dell'orchestra.

I frequenti tour in Europa e in America hanno portato ai musicisti un grande e meritato successo. base musica eseguita sono le composizioni di Ellington. Nel 1971, la leggendaria orchestra visitò l'URSS, ottenendo anche lì un trionfo. Gli strumentisti, guidati dal loro leader permanente, hanno continuato a preparare nuovi programmi di concerti e registrare successi popolari, recitare in film, registrare colonne sonore per film e ricevere premi musicali. Fino agli ultimi giorni della sua vita, Duke ha condotto un'attività concertistica. La musica del grande compositore è rimasta per sempre nel cuore di milioni di fan in tutto il mondo e ha ispirato molti jazzisti successivi.

clarinettista con prima infanzia era disinteressatamente devoto al jazz e non sorprende che la creazione di un'orchestra di successo fosse una delle sue principali aspirazioni. All'inizio dell'estate del 1934 ebbe luogo la prima esibizione della sua Goodman Big Band. Un mese dopo, la sua composizione Moon Glow ha vinto il primo posto nelle classifiche americane.

L'orchestra è stata spesso invitata alla radio, grazie alla quale ha notevolmente aumentato la sua popolarità e ha conquistato il primo posto nelle classifiche jazz del paese più di 10 volte. I musicisti stavano guadagnando grande popolarità e la casa discografica RCA Vittorio, dove fu realizzato nel 1917, offrì loro un lucroso contratto. Durante il difficile periodo della Grande Depressione negli Stati Uniti, l'orchestra non ha smesso di fare tournée, anche tenendo conto della difficile situazione finanziaria degli artisti.

Il concerto del 21 agosto 1935 all'istituto Palomar divenne cruciale per il lavoro di Goodman. Dopo essersi esibiti lì, la sua orchestra e il musicista stesso sono diventati delle vere star del jazz e dello swing, in particolare. Nel dicembre 1949, Benny Goodman sciolse la sua leggendaria orchestra. Le attività successive del clarinettista consistevano principalmente nel mettere insieme ensemble temporanei per tournée e registrazioni. Molto spesso, il clarinettista riuniva gruppi di 4 o 6 musicisti, ma a volte c'erano anche big band. La musica di Benny Goodman può essere descritta come raffinata, con un gusto unico e, naturalmente, la presentazione speciale dei suoi strumentisti.

Una delle figure più significative dello swing, Count Basie è anche conosciuto come il leader di un'eccezionale big band, che completa meritatamente le grandi orchestre jazz. La Count Basie Orchestra è stata assemblata da musicisti che hanno lasciato la Kansas City Orchestra di Bennie Moten nel 1935. Per 1 anno, l'ensemble di 9 persone è diventato una grande orchestra. Numerose stazioni radio iniziarono a invitarli e lo stesso Basie acquisì il soprannome di "Conte" (Conte).

La principale differenza tra la Count Basie Orchestra e altre big band era che si basava su solisti di alto livello - questo ha permesso di eseguire improvvisazioni senza precedenti. La sezione ritmica della Kant Basie Orchestra è riconosciuta come la migliore del jazz. Joe Johnson era alla batteria, Buddy Rich ha suonato nell'orchestra per qualche tempo, al sassofono -. Le prime persone del jazz si sono esibite con l'orchestra - e.

Negli anni '40 l'orchestra attraversò un periodo difficile, come molte altre big band. Per 2 anni Basie scioglie la squadra e gioca con un sestetto. Alla prima occasione, l'orchestra si riunisce e parte per un lungo tour, che assicura alla squadra il diritto di essere considerata l'orchestra n. 1 dello swing.

Dopo la morte di Count Basie, l'orchestra non ha cessato di esistere. In Russia, la big band si è esibita nel 1985.

Nel 1935, il trombonista e trombettista jazz Tommy Dorsey creò la sua big band. Il gruppo ha eseguito il cosiddetto "jazz commercializzato", o pop jazz. La popolarità della band è stata portata dal lavoro con gli eccezionali arrangiatori Poll Weston e Bill Feingan. L'orchestra ha collaborato con Bunny Berigan, Dave Tuf,

La band era inferiore alla squadra di Benny Goodman in termini di abilità, ma si è rivelata più valida. L'orchestra è sopravvissuta adeguatamente alla crisi dello swing e delle big band alla fine degli anni '40. L'orchestra aveva una forte "ragazza": Tommy fu accusato di adescamento migliori musicisti. I ricercatori sostengono che Dorsey fosse un perfezionista e un uomo di umore, e questo spiega i frequenti cambiamenti nella composizione della squadra.

Nel 1940 Tommy Dorsey portò un aspirante cantante. Per 2 anni, la band e Sinatra hanno registrato 80 canzoni, inclusi i successi In The Blue of Evening e This Love of Mine.

Tommy Dorsey è stato uno dei primi ad adattare il boogie-woogie all'orchestra, realizzando arrangiamenti swing. È anche uno dei primi bandleader jazz bianchi a rendere obbligatoria l'improvvisazione solista. ha incoraggiato i cantanti a usare scat e "canzoni senza senso" per intrattenere il pubblico. Dopo la morte di Tommy nel 1956, la band fu guidata da suo fratello e poi guidata da Lee Castle e Warren Covington.

L'eccezionale batterista Chick Webb riunì la prima band ad Harlem nel 1926. È noto che nel 1931 la band divenne residente permanente del famoso club Savoy.

La mancanza di alfabetizzazione musicale, altezza 130 cm non ha impedito a Chik di diventare brillante professionista e leader di una delle migliori orchestre del mondo.

Un evento significativo si verificò nel 1937 quando la band di Chick Webb gareggiò con l'orchestra. Il pubblico quasi all'unanimità ha assegnato il campionato al meno famoso Chick. Secondo il batterista di Goodman Gene Krupa, Cheek ha caricato il pubblico.

Naturalmente, l'orchestra deve la sua fama non solo all'eccezionale sezione ritmica. Nel 1935, la giovane donna divenne la solista dell'orchestra, che guidò la band dopo la morte imminente di Chick.

Orchestra Jazz di Mosca di Igor Butman

Una delle orchestre russe più famose del nostro tempo è stata creata da un sassofonista. Nel 1999 ha riunito una big band, che nel 2012 ha ricevuto il diritto di essere chiamata Moscow Jazz Orchestra.

Nel 2003 c'è stato un evento di alto profilo nel mondo del jazz e un punto di riferimento per la big band di Igor Butman. La Moscow Jazz Orchestra ha tenuto un concerto congiunto con la Lincoln Center Jazz Orchestra diretta dal leggendario.

Nel 2013, la rivista americana Downbeat ha soprannominato l'orchestra una "costellazione di virtuosi", e in un reportage dell'Umbria Jazz Festival, la band è stata paragonata all'orchestra di Buddy Rich, Count Basie e la band.

Nello stesso anno è stato pubblicato l'album Special Opinion della Moscow Jazz Orchestra. La registrazione comprendeva il sassofonista Bill Evans, il batterista Dave Weckl, i chitarristi Mike Stern e Mitch Stein, il trombettista Randy Brekker e il bassista Tom Kennedy.

Nel 2017, la Moscow Jazz Orchestra si è esibita al primo festival del forum jazz a San Pietroburgo, insieme a un cantante.

Successivamente, i ritmi ragtime combinati con elementi blues hanno dato origine a una nuova direzione musicale: il jazz.

Le origini del jazz sono legate al blues. Nasce alla fine del XIX secolo come fusione di ritmi africani e armonie europee, ma le sue origini vanno ricercate dal momento in cui gli schiavi furono portati dall'Africa nel territorio del Nuovo Mondo. Gli schiavi portati non provenivano dallo stesso clan e di solito non si capivano nemmeno. La necessità di consolidamento ha portato all'unificazione di molte culture e, di conseguenza, alla creazione di un'unica cultura (compresa la musica) degli afroamericani. I processi di commistione tra la cultura musicale africana e quella europea (che pure subirono gravi mutamenti nel Nuovo Mondo) ebbero luogo a partire dal Settecento, e nell'Ottocento portarono alla nascita del "proto-jazz", e poi del jazz nel genere senso accettato.

new orleans jazz

Il termine jazz di New Orleans, o tradizionale, è comunemente usato per riferirsi allo stile dei musicisti che hanno suonato jazz a New Orleans tra il 1900 e il 1917, così come i musicisti di New Orleans che hanno suonato a Chicago e registrato dischi dal 1917 circa fino agli anni '20. . Questo periodo della storia del jazz è anche conosciuto come l'età del jazz. E questo concetto è usato anche per descrivere la musica suonata in vari periodi storici rappresentanti del revival di New Orleans, che cercavano di eseguire il jazz nello stesso stile dei musicisti della scuola di New Orleans.

Lo sviluppo del jazz negli Stati Uniti nel primo quarto del XX secolo

Dopo la chiusura di Storyville, il jazz inizia a trasformarsi da genere folk regionale in genere nazionale. Direzione musicale, che si estende alle province settentrionali e nord-orientali degli Stati Uniti. Ma la sua ampia distribuzione, ovviamente, non poteva essere facilitata solo dalla chiusura di un quartiere dell'intrattenimento. Insieme a New Orleans, nello sviluppo del jazz Grande importanza St. Louis, Kansas City e Memphis hanno giocato dall'inizio. Ragtime nasce a Memphis nel XIX secolo, da dove si diffonde poi in tutto il continente nordamericano nel periodo -1903. D'altra parte, le esibizioni di menestrelli, con il loro variopinto mosaico di folklore afroamericano di ogni tipo, dal jig al ragtime, si sono rapidamente diffuse ovunque e hanno posto le basi per l'avvento del jazz. Molte future celebrità del jazz hanno iniziato il loro viaggio nello spettacolo dei menestrelli. Molto prima della chiusura di Storyville, i musicisti di New Orleans erano in tournée con le cosiddette compagnie di "vaudeville". Jelly Roll Morton fece regolarmente tournée in Alabama, Florida, Texas dal 1904. Dal 1914 aveva un contratto per esibirsi a Chicago. Nel 1915 si trasferì a Chicago e alla White Dixieland Orchestra di Tom Brown. I principali tour di vaudeville a Chicago sono stati realizzati anche dalla famosa Creole Band, guidata dal cornettista di New Orleans Freddie Keppard. Dopo essersi separati un tempo dall'Olympia Band, gli artisti di Freddie Keppard già nel 1914 si esibirono con successo nel miglior teatro di Chicago e ricevettero un'offerta per registrare il suono delle loro esibizioni anche prima della Original Dixieland Jazz Band, che, tuttavia, Freddie Keppard rifiutato miope.

Ampliò notevolmente il territorio coperto dall'influenza del jazz, le orchestre che suonavano sui piroscafi da diporto che risalivano il Mississippi. Dalla fine del XIX secolo, i viaggi fluviali da New Orleans a St. Paul sono diventati popolari, prima per il fine settimana e poi per l'intera settimana. Dal 1900, le orchestre di New Orleans si esibiscono su questi battelli fluviali, la cui musica è diventata l'intrattenimento più attraente per i passeggeri durante i tour fluviali. In una di queste orchestre iniziò Suger Johnny, la futura moglie di Louis Armstrong, il primo pianista jazz Lil Hardin.

Molte future star del jazz di New Orleans si sono esibite nell'orchestra fluviale di un altro pianista, Faiths Marable. I battelli a vapore che viaggiavano lungo il fiume si fermavano spesso nelle stazioni di passaggio, dove le orchestre organizzavano concerti per il pubblico locale. Sono stati questi concerti a diventare debutti creativi per Bix Beiderbeck, Jess Stacy e molti altri. Un altro famoso percorso correva lungo il Missouri fino a Kansas City. In questa città, dove, grazie alle forti radici del folklore afroamericano, il blues si sviluppò e finalmente prese forma, il virtuosismo dei jazzisti di New Orleans trovò un ambiente eccezionalmente fertile. Chicago divenne il centro principale per lo sviluppo della musica jazz all'inizio degli anni '90, in cui, grazie agli sforzi di molti musicisti riuniti da diverse parti degli Stati Uniti, fu creato uno stile che ricevette il soprannome di Chicago jazz.

Oscillazione

Il termine ha due significati. Primo, questo mezzi di espressione nel jazz. Un tipo caratteristico di pulsazione basato su deviazioni costanti del ritmo dalle quote di riferimento. Questo crea l'impressione di una grande energia interna in uno stato di equilibrio instabile. In secondo luogo, lo stile del jazz orchestrale che ha preso forma a cavallo tra gli anni '20 e '30 come risultato della sintesi delle forme stilistiche negre ed europee della musica jazz.

Artisti: Joe Pass, Frank Sinatra, Benny Goodman, Norah Jones, Michel Legrand, Oscar Peterson, Ike Quebec, Paulinho Da Costa, Wynton Marsalis Septet, Mills Brothers, Stephane Grappelli.

Bop

Stile jazz che si sviluppò nella prima metà degli anni '40 del XX secolo e aprì l'era del jazz moderno. È caratterizzato da un tempo veloce e complesse improvvisazioni basate su cambiamenti di armonia piuttosto che di melodia. Il ritmo super veloce della performance è stato introdotto da Parker e Gillespie per tenere i non professionisti fuori dalle loro nuove improvvisazioni. Tra le altre cose, il segno distintivo di tutti i beboper è diventato un comportamento e un aspetto scioccanti: la pipa ricurva "Dizzy" Gillespie, il comportamento di Parker e Gillespie, i ridicoli cappelli di Monk, ecc. Nati come reazione all'ubiquità dello swing , il bebop ha continuato a sviluppare i suoi principi nell'uso dei mezzi espressivi, ma allo stesso tempo ha trovato una serie di tendenze opposte.

A differenza dello swing, che è principalmente la musica di grandi band da ballo commerciali, il bebop è una direzione creativa sperimentale nel jazz, principalmente associata alla pratica di piccoli ensemble (combo) e anti-commerciale nella sua direzione. La fase bebop è stata un significativo spostamento dell'attenzione nel jazz dalla musica da ballo popolare alla "musica per musicisti" più altamente artistica, intellettuale, ma meno mainstream. I musicisti bop preferivano improvvisazioni complesse basate su accordi strimpellati invece che su melodie.

I principali istigatori della nascita furono: il sassofonista Charlie Parker, il trombettista Dizzy Gillespie, i pianisti Bud Powell e Thelonious Monk, il batterista Max Roach. Ascolta anche Chick Corea, Michel Legrand, Joshua Redman Elastic Band, Jan Garbarek, Charles Mingus, Modern Jazz Quartet.

Grandi band

La forma classica e consolidata delle big band è nota nel jazz dall'inizio degli anni '90. Questa forma ha mantenuto la sua rilevanza fino alla fine degli anni '90. I musicisti che entravano nella maggior parte delle big band, di regola, quasi adolescenti, suonavano certe parti, apprese durante le prove o dagli appunti. Attente orchestrazioni, insieme a massicce sezioni di ottoni e fiati, hanno prodotto ricche armonie jazz e prodotto il suono sensazionalmente forte che divenne noto come "il suono della big band".

La big band divenne la musica popolare del suo tempo, raggiungendo il suo apice di fama a metà degli anni '90. Questa musica è diventata la fonte della mania della danza swing. I leader delle famose orchestre jazz Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnet hanno composto o arrangiato e registrato su dischi una vera hit parade di brani che suonavano non solo alla radio ma anche ovunque nelle sale da ballo. Molte big band hanno mostrato i loro improvvisatori solisti, che hanno portato il pubblico in uno stato vicino all'isteria durante le ben pubblicizzate "battaglie delle orchestre".

Sebbene le big band abbiano perso popolarità dopo la seconda guerra mondiale, le orchestre guidate da Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James e molti altri hanno fatto tournée e registrato frequentemente nei decenni successivi. La loro musica è stata gradualmente trasformata sotto l'influenza delle nuove tendenze. Gruppi come ensemble guidati da Boyd Ryburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus, Thad Jones-Mal Lewis hanno esplorato nuovi concetti di armonia, strumentazione e libertà di improvvisazione. Oggi, le big band sono lo standard nell'educazione jazz. Orchestre di repertorio come la Lincoln Center Jazz Orchestra, la Carnegie Hall Jazz Orchestra, la Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra e il Chicago Jazz Ensemble suonano regolarmente arrangiamenti originali di composizioni di big band.

Nel 2008 è stato pubblicato in russo il libro canonico di George Simon Big Orchestras of the Swing Age, che nella sua essenza è quasi enciclopedia completa tutte le big band dell'età dell'oro dai primi anni '20 agli anni '60 del XX secolo.

Corrente principale

Il pianista Duke Ellington

Dopo la fine della moda mainstream delle big band nell'era delle big band, quando la musica delle big band iniziò ad essere affollata sul palco da piccoli ensemble jazz, la musica swing continuò a suonare. Molti famosi solisti swing, dopo aver suonato nelle sale da ballo, amavano suonare per divertimento in jam spontanee in piccoli club della 52nd Street a New York. Inoltre, questi non erano solo quelli che lavoravano come "sidemen". grandi orchestre, come Ben Webster, Coleman Hawkins, Lester Young, Roy Eldridge, Johnny Hodges, Buck Clayton e altri. Gli stessi leader delle big band - Duke Ellington, Count Basie, Benny Goodman, Jack Teagarden, Harry James, Gene Krupa, essendo inizialmente solisti, e non solo direttori, cercavano anche opportunità per suonare separatamente dalla loro grande squadra, in un piccolo composizione. Non accettando le tecniche innovative del prossimo bebop, questi musicisti hanno aderito al tradizionale stile swing, dimostrando un'immaginazione inesauribile durante l'esecuzione di parti improvvisate. Le principali star dello swing si esibivano e registravano costantemente in piccole composizioni, chiamate "combo", all'interno delle quali c'era molto più spazio per l'improvvisazione. Lo stile di questa direzione del club jazz della fine degli anni '20 ricevette il nome di mainstream, o corrente principale, con l'inizio dell'ascesa del bebop. Alcuni dei migliori interpreti di quest'epoca potevano essere ascoltati in ottima forma durante le jam, quando l'improvvisazione con gli accordi stava già avendo la precedenza sulla colorazione melodica dell'era dello swing. Riemergendo come stile freestyle alla fine degli anni '90 e '80, il mainstream ha assorbito elementi di cool jazz, bebop e hard bop. Il termine "mainstream contemporaneo" o post-bop è usato oggi per quasi tutti gli stili che non hanno uno stretto legame con gli stili storici della musica jazz.

Jazz del nord-est. Passo

Louis Armstrong, trombettista e cantante

Sebbene la storia del jazz sia iniziata a New Orleans con l'avvento del XX secolo, questa musica ha conosciuto un vero e proprio decollo nei primi anni '90, quando il trombettista Louis Armstrong ha lasciato New Orleans per creare nuova musica rivoluzionaria a Chicago. La migrazione dei maestri del jazz di New Orleans a New York, iniziata poco dopo, ha segnato una tendenza al continuo spostamento di musicisti jazz dal sud al nord. Chicago ha abbracciato la musica di New Orleans e l'ha resa calda, aumentando il suo calore non solo grazie agli sforzi dei famosi ensemble Hot Five e Hot Seven di Armstrong, ma anche di altri, tra cui artisti del calibro di Eddie Condon e Jimmy McPartland, la cui squadra della Austin High School ha contribuito a rivitalizzare Scuola di New Orleans. Tra gli altri famosi abitanti di Chicago che hanno spinto gli orizzonti del classico stile jazzistico New Orleans, includono il pianista Art Hodes, il batterista Barrett Deems e il clarinettista Benny Goodman. Armstrong e Goodman, che alla fine si trasferirono a New York, crearono lì una sorta di massa critica che aiutò questa città a trasformarsi in una vera capitale mondiale del jazz. E mentre Chicago è rimasta principalmente il centro della registrazione del suono nel primo quarto del 20° secolo, anche New York è emersa come la principale sede del jazz, ospitando club leggendari come Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy e Village Vengeward, e così come arene come la Carnegie Hall.

Stile Kansas City

Durante l'era della Grande Depressione e del Proibizionismo, la scena jazz di Kansas City divenne una sorta di mecca per i nuovi suoni degli anni '90 e '80. Lo stile che fiorì a Kansas City è caratterizzato da pezzi pieni di sentimento con sfumature blues, eseguiti sia da big band che da piccoli ensemble swing, dimostrando assoli molto energici, eseguiti per gli avventori delle taverne con liquori venduti illegalmente. Fu in questi pub che si cristallizzò lo stile del grande Count Basie, a partire da Kansas City con l'orchestra di Walter Page e successivamente con Benny Moten. Entrambe queste orchestre lo erano rappresentanti tipici Lo stile di Kansas City, basato su una particolare forma di blues, chiamato "urban blues" e formatosi nel gioco delle orchestre di cui sopra. La scena jazz di Kansas City si distingueva anche per un'intera galassia di eccezionali maestri del blues vocale, riconosciuto come il "re" tra cui il solista di lunga data della Count Basie Orchestra, il famoso cantante blues Jimmy Rushing. Il famoso sassofonista contralto Charlie Parker, nato a Kansas City, al suo arrivo a New York, utilizzò ampiamente le caratteristiche tecniche blues che aveva appreso nelle orchestre di Kansas City e in seguito costituì uno dei punti di partenza negli esperimenti dei bopper in - e.

Jazz della costa occidentale

Gli artisti catturati dal movimento cool jazz negli anni '50 hanno lavorato a lungo negli studi di registrazione di Los Angeles. In gran parte influenzati dal nonetto Miles Davis, questi artisti con sede a Los Angeles hanno sviluppato quello che oggi è noto come "West Coast Jazz", o jazz della costa occidentale. Come studi di registrazione, club come The Lighthouse on Hermosa Beach e The Haig a Los Angeles presentavano spesso i suoi migliori artisti, tra cui il trombettista Shorty Rogers, i sassofonisti Art Pepper e Bud Shenk, il batterista Shelley Mann e il clarinettista Jimmy Giuffrey. .

Cool (cool jazz)

L'alto calore e la pressione del bebop iniziarono a diminuire con lo sviluppo del cool jazz. A partire dalla fine del 1900 e all'inizio del 1900, i musicisti iniziarono a sviluppare un approccio all'improvvisazione meno violento e più fluido, modellato sul modo di suonare leggero e secco del sassofonista tenore Lester Young nel suo periodo swing. Il risultato è un suono distaccato e uniformemente piatto basato sulla "freddezza" emotiva. Il trombettista Miles Davis, uno dei primi suonatori di bebop a raffreddarlo, divenne il più grande innovatore del genere. Il suo nonetto, che ha registrato l'album "Birth of the Cool" negli anni '50, era l'epitome del lirismo e della moderazione del cool jazz. Altri musicisti degni di nota della scuola cool jazz sono il trombettista Chet Baker, i pianisti George Shearing, John Lewis, Dave Brubeck e Lenny Tristano, il vibrafonista Milt Jackson e i sassofonisti Stan Getz, Lee Konitz, Zoot Sims e Paul Desmond. Anche gli arrangiatori hanno dato un contributo significativo al movimento cool jazz, in particolare Thad Dameron, Claude Thornhill, Bill Evans e il sassofonista baritono Gerry Mulligan. Le loro composizioni si concentravano sulla colorazione strumentale e sulla lentezza del movimento, su un'armonia congelata che creava l'illusione dello spazio. Anche la dissonanza ha avuto un ruolo nella loro musica, ma con un carattere più morbido e tenue. Il formato cool jazz ha lasciato spazio a ensemble un po 'più grandi come nonets e tentets, che sono diventati più comuni durante questo periodo che durante il primo periodo bebop. Alcuni arrangiatori hanno sperimentato strumentazione modificata, inclusi ottoni a forma di cono come corno e tuba.

jazz progressivo

Parallelamente all'emergere del bebop, nell'ambiente jazz si sta sviluppando un nuovo genere: il jazz progressivo o semplicemente progressivo. La principale differenza di questo genere è il desiderio di allontanarsi dal cliché congelato delle big band e dalle tecniche obsolete e logore delle cosiddette. symphojazz, introdotto in -e da Paul Whiteman. A differenza dei bopper, i creatori del progressive non cercarono di abbandonare radicalmente le tradizioni jazz che si erano sviluppate in quel momento. Piuttosto, hanno cercato di aggiornare e migliorare i modelli di frasi swing, introducendo nella pratica della composizione gli ultimi risultati del sinfonismo europeo nel campo della tonalità e dell'armonia.

Il più grande contributo allo sviluppo dei concetti di "progressivo" è stato dato dal pianista e direttore d'orchestra Stan Kenton. Il jazz progressivo dei primi anni '90 in realtà ha origine dai suoi primi lavori. In termini di suono, la musica eseguita dalla sua prima orchestra era vicina a Rachmaninov e le composizioni portavano i tratti del tardo romanticismo. Tuttavia, in termini di genere, era il più vicino al symphojazz. Successivamente, durante gli anni della creazione della famosa serie dei suoi album "Artistry", gli elementi del jazz non giocavano più il ruolo di creare colore, ma erano già organicamente intessuti nel materiale musicale. Insieme a Kenton, il merito di questo è andato al suo miglior arrangiatore, Pete Rugolo, uno studente di Darius Milhaud. Suono sinfonico moderno (per quegli anni), specifica tecnica di staccato nel suonare i sassofoni, armonie audaci, secondi e blocchi frequenti, insieme a politonalità e pulsazioni ritmiche jazz - questo è caratteristiche distintive questa musica, con la quale Stan Kenton è entrato per molti anni nella storia del jazz, come uno dei suoi innovatori, che ha trovato una piattaforma comune per la cultura sinfonica europea e gli elementi bebop, particolarmente evidenti nei brani in cui gli strumentisti solisti sembravano opporsi ai suoni del resto del orchestra. Va anche notato che Kenton ha prestato grande attenzione alle parti improvvisate dei solisti nelle sue composizioni, tra cui il batterista di fama mondiale Shelley Maine, il contrabbassista Ed Safransky, il trombonista Kay Winding, June Christie, uno dei migliori cantanti jazz di quegli anni . Stan Kenton ha mantenuto la sua fedeltà al genere scelto per tutta la sua carriera.

Oltre a Stan Kenton, anche interessanti arrangiatori e strumentisti Boyd Ryburn e Gil Evans hanno contribuito allo sviluppo del genere. Una sorta di apoteosi dello sviluppo progressivo, insieme alla già citata serie "Artistry", si può anche considerare una serie di album registrati dalla big band di Gil Evans insieme all'ensemble Miles Davis negli anni - s, ad esempio "Miles Ahead ", "Porgy and Bess" e "Disegni spagnoli". Poco prima della sua morte, Miles Davis si dedicò nuovamente al genere, registrando vecchi arrangiamenti di Gil Evans con la Quincy Jones Big Band.

colpo duro

Hard bop (inglese - hard, hard bop) è un tipo di jazz nato negli anni '50. 20 ° secolo da bop. Differisce in ritmi espressivi e crudeli, dipendenza dal blues. Si riferisce agli stili del jazz moderno. Più o meno nello stesso periodo in cui il cool jazz stava mettendo radici sulla costa occidentale, i musicisti jazz di Detroit, Filadelfia e New York iniziarono a sviluppare variazioni più dure e pesanti sulla vecchia formula bebop, soprannominata Hard bop o hard bebop. Assomigliando molto al bebop tradizionale nella sua aggressività e richieste tecniche, l'hard bop degli anni '50 e '60 si basava meno sulle forme standard delle canzoni e iniziò a porre maggiore enfasi sugli elementi blues e sulla spinta ritmica. Assolo incendiario o padronanza dell'improvvisazione insieme a forte sentimento le armonie erano proprietà di fondamentale importanza per i suonatori di ottoni, nella sezione ritmica la partecipazione di batteria e pianoforte divenne più evidente e il basso acquisì un aspetto più fluido e funky (tratto dalla fonte "Letteratura musicale" Kolomiets Maria)

Jazz modale (modale).

jazz dell'anima

Scanalatura

Una propaggine del soul jazz, lo stile groove disegna melodie con note blues e si distingue per un'eccezionale focalizzazione ritmica. A volte chiamato anche "funk", il groove si concentra sul mantenimento di un caratteristico schema ritmico continuo, insaporendolo con leggeri abbellimenti strumentali e talvolta lirici.

I brani eseguiti in stile groove sono carichi di gioiose emozioni, invitando gli ascoltatori a ballare, sia in versione lenta, blues, sia a ritmo sostenuto. Le improvvisazioni soliste mantengono una stretta subordinazione al ritmo e al suono collettivo. Gli esponenti più famosi di questo stile sono gli organisti Richard "Groove" Holmes e Shirley Scott, il tenorsassofonista Jean Emmons e il flautista/altosassofonista Leo Wright.

jazz libero

Il sassofonista Ornette Coleman

Forse il movimento più controverso nella storia del jazz è emerso con l'avvento del free jazz, o "New Thing" come è stato successivamente chiamato. Sebbene elementi di free jazz esistessero all'interno della struttura musicale del jazz molto prima che il termine stesso fosse coniato, i più originali negli "esperimenti" di innovatori come Coleman Hawkins, Pee Wee Russell e Lenny Tristano, ma solo verso la fine degli anni '90 fino Grazie agli sforzi di pionieri come il sassofonista Ornette Coleman e il pianista Cecil Taylor, questa direzione ha preso forma come uno stile indipendente.

Ciò che questi due musicisti, insieme ad altri tra cui John Coltrane, Albert Ayler e comunità come la Sun Ra Arkestra e il gruppo chiamato The Revolutionary Ensemble, hanno fatto è stata una varietà di cambiamenti strutturali e sentimenti per la musica. Tra le novità introdotte con fantasia e grande musicalità c'era l'abbandono della progressione di accordi, che permetteva alla musica di muoversi in qualsiasi direzione. Un altro cambiamento fondamentale è stato riscontrato nell'area del ritmo, dove lo "swing" è stato ridefinito o ignorato del tutto. In altre parole, pulsazione, metro e groove non erano più un elemento essenziale in questa lettura del jazz. Un altro componente chiave è stato associato all'atonalità. Ora il detto musicale non era più costruito sul consueto sistema tonale. Note stridule, latranti e convulse riempivano completamente questo nuovo mondo sonoro.

Il free jazz continua ad esistere oggi come forma praticabile di espressione, e infatti non è più uno stile controverso come lo era all'alba del suo inizio.

creativo

L'apparizione della direzione "Creativa" è stata segnata dalla penetrazione nel jazz di elementi di sperimentalismo e avanguardia. L'inizio di questo processo coincise in parte con l'ascesa del free jazz. Gli elementi del jazz d'avanguardia, intesi come cambiamenti e innovazioni introdotte nella musica, sono sempre stati "sperimentali". Così le nuove forme di sperimentalismo offerte dal jazz negli anni '50, '60 e '70 furono l'allontanamento più radicale dalla tradizione, introducendo nella pratica nuovi elementi di ritmo, tonalità e struttura.La musica d'avanguardia divenne infatti sinonimo di forme aperte, che erano più difficili da caratterizzare persino del free jazz. La struttura del detto pre-pianificata è stata mescolata con frasi soliste più libere, che in parte ricordano il free jazz. Gli elementi compositivi si fondevano così tanto con l'improvvisazione che era già difficile determinare dove finiva il primo e iniziava il secondo. Infatti, la struttura musicale dei brani è stata progettata in modo tale che l'assolo fosse il prodotto dell'arrangiamento, conducendo logicamente il processo musicale in quella che normalmente sarebbe vista come una forma di astrazione o addirittura di caos. Ritmi swing e persino melodie potevano essere inclusi nel tema musicale, ma questo non era affatto necessario. I primi pionieri di questo movimento includono il pianista Lenny Tristano, il sassofonista Jimmy Joffrey e il compositore/arrangiatore/direttore d'orchestra Günter Schuller. Maestri più recenti includono i pianisti Paul Blay e Andrew Hill, i sassofonisti Anthony Braxton e Sam Rivers, i batteristi Sunny Murray e Andrew Cyrill e membri della comunità AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians) come l'Art Ensemble of Chicago.

Fusione

A partire non solo dalla fusione del jazz con la musica pop e rock, ma anche da musiche provenienti da ambiti come il soul, il funk e il rhythm and blues, la fusion (o letteralmente fusion), come genere musicale, apparso alla fine degli anni '90, inizialmente sotto il nome di jazz-rock. Individui e gruppi come Eleventh House del chitarrista Larry Coryell, Lifetime del batterista Tony Williams e Miles Davis hanno seguito in prima linea questa tendenza, introducendo elementi come elettronica, ritmi rock e brani estesi, annullando gran parte di ciò che il jazz ha rappresentato da allora. il suo inizio, vale a dire il ritmo swing, e basato principalmente sulla musica blues, il cui repertorio includeva sia materiale blues che standard popolari. Il termine fusion è entrato in uso poco dopo che sono emerse varie orchestre, come la Mahavishnu Orchestra, Weather Report e Return To Forever Ensemble di Chick Corea. In tutta la musica di questi ensemble c'era un'enfasi costante sull'improvvisazione e sulla melodia, che legava saldamente la loro pratica alla storia del jazz, nonostante i detrattori affermassero che "si esaurivano" ai mercanti di musica. Infatti, quando oggi si ascoltano questi primi esperimenti, difficilmente sembrano commerciali, offrendo all'ascoltatore di partecipare a quella che era musica con una natura colloquiale altamente sviluppata. Durante la metà degli anni '90, la fusion si è evoluta in una variante della musica easy listening e/o rhythm and blues. Compositivamente o dal punto di vista dell'esecuzione, ha perso una parte significativa della sua nitidezza, se non del tutto persa. In -e, i musicisti jazz hanno trasformato la forma musicale della fusione in un mezzo veramente espressivo. Artisti come il batterista Ronald Shannon Jackson, i chitarristi Pat Metheny, John Scofield, John Abercrombie e James "Blood" Ulmer, come anche il veterano sassofonista/trombettista Ornette Coleman, hanno dominato creativamente questa musica in diverse dimensioni.

Postbop

Il batterista Art Blakey

Il periodo post-bop comprende la musica suonata da musicisti jazz che hanno continuato a lavorare nel campo del bebop, rifuggendo dagli esperimenti di free jazz che si sono sviluppati nello stesso periodo degli anni '60. Anche questa forma, come il suddetto hard bop, era basata sui ritmi, la struttura d'insieme e l'energia del bebop, sulle stesse combinazioni di ottoni e sullo stesso repertorio musicale, compreso l'uso di elementi latini. Ciò che distingueva la musica post-bop era l'uso di elementi di funk, groove o soul, rimodellati nello spirito della nuova era, segnata dal predominio della musica pop.Spesso questa sottospecie sperimenta con il rock blues. Maestri come il sassofonista Hank Mobley, il pianista Horace Silver, il batterista Art Blakey e il trombettista Lee Morgan iniziarono effettivamente questa musica a metà del 1900 e presagirono quella che ora è diventata la forma predominante di jazz. Insieme a melodie più semplici e ritmi più sentiti, l'ascoltatore poteva sentire anche tracce di gospel e rhythm and blues mescolati insieme. Questo stile, che ha conosciuto alcune modifiche durante gli anni '90, è stato utilizzato in una certa misura per creare nuove strutture come elemento compositivo. Il sassofonista Joe Henderson, il pianista McCoy Tyner e persino un bopper di spicco come Dizzy Gillespie, hanno creato musica in questo genere che era sia umana che armonicamente interessante. Uno dei compositori più significativi emersi durante questo periodo fu il sassofonista Wayne Shorter. Shorter, dopo aver frequentato la scuola nell'Art Blakey Ensemble, ha registrato una serie di album importanti a suo nome. Insieme al tastierista Herbie Hancock, Shorter aiutò Miles Davis a formare un quintetto (il gruppo post-bop più sperimentale e influente fu il Davis Quintet con John Coltrane) che divenne uno dei gruppi più significativi nella storia del jazz.

jazz acido

Manus jazz

La diffusione del jazz

Il jazz ha sempre suscitato interesse tra musicisti e ascoltatori di tutto il mondo, indipendentemente dalla loro nazionalità. Abbastanza da rintracciare primi lavori trombettista Dizzy Gillespie e la sua sintesi delle tradizioni jazz con la musica dei cubani neri in -e o successiva combinazione di jazz con musica giapponese, eurasiatica e mediorientale, nota nell'opera del pianista Dave Brubeck, così come nel brillante compositore e leader del gruppo jazz Duke Ellington, che unisce il patrimonio musicale di Africa, America Latina ed Estremo Oriente. Jazz costantemente assorbito e non solo tradizioni musicali occidentali. Ad esempio, quando diversi artisti hanno iniziato a provare a lavorare con gli elementi musicali dell'India. Un esempio di questo sforzo può essere ascoltato nelle registrazioni del flautista Paul Horn al Taj Mahal, o nel flusso di "world music" rappresentato, ad esempio, dalla band dell'Oregon o dal progetto Shakti di John McLaughlin. La musica di McLaughlin, precedentemente in gran parte basata sul jazz, iniziò a utilizzare nuovi strumenti di origine indiana, come il khatam o il tabla, durante il suo lavoro con Shakti, suonavano ritmi intricati e la forma del raga indiano era ampiamente utilizzata. L'Art Ensemble of Chicago è stato uno dei primi pionieri nella fusione di forme africane e jazz. Il mondo in seguito ha conosciuto il sassofonista/compositore John Zorn e la sua esplorazione della cultura musicale ebraica, sia all'interno che all'esterno della Masada Orchestra. Questi lavori hanno ispirato interi gruppi di altri musicisti jazz, come il tastierista John Medeski, che ha inciso con il musicista africano Salif Keita, il chitarrista Marc Ribot e il bassista Anthony Coleman. Il trombettista Dave Douglas trae ispirazione dai Balcani per la sua musica, mentre l'Asian-American Jazz Orchestra è emersa come uno dei principali sostenitori della convergenza del jazz e delle forme musicali asiatiche. Mentre la globalizzazione del mondo continua, il jazz è costantemente influenzato da altre tradizioni musicali, fornendo cibo maturo per la ricerca futura e dimostrando che il jazz è veramente world music.

Jazz in URSS e Russia

Primo nella RSFSR
orchestra eccentrica
gruppo jazz Valentina Parnakh

Nella coscienza di massa, il jazz iniziò a guadagnare ampia popolarità negli anni '30, in gran parte grazie all'ensemble di Leningrado guidato dall'attore e cantante Leonid Utyosov e dal trombettista Ya B. Skomorovsky. La popolare commedia cinematografica con la sua partecipazione "Merry Fellows" (1934, originariamente intitolata "Jazz Comedy") era dedicata alla storia di un musicista jazz e aveva una colonna sonora appropriata (scritta da Isaak Dunaevsky). Utyosov e Skomorovsky hanno formato lo stile originale del "tea-jazz" (jazz teatrale), basato su una miscela di musica con teatro, operetta, numeri vocali e un elemento di performance ha giocato un ruolo importante in esso.

Un notevole contributo allo sviluppo del jazz sovietico è stato dato da Eddie Rosner, compositore, musicista e direttore d'orchestra. Dopo aver iniziato la sua carriera in Germania, Polonia e altri paesi europei, Rozner si è trasferito in URSS ed è diventato uno dei pionieri dello swing nell'URSS e l'iniziatore del jazz bielorusso. Un ruolo importante nella divulgazione e nello sviluppo dello stile swing è stato svolto anche dalle band di Mosca degli anni '30 e '40, guidate da Alexander Tsfasman e Alexander Varlamov. L'Orchestra Jazz della All-Union Radio diretta da A. Varlamov ha preso parte al primo programma televisivo sovietico. L'unica composizione sopravvissuta da quel momento si è rivelata essere l'orchestra di Oleg Lundstrem. Questa big band ormai ampiamente conosciuta apparteneva ai pochi e migliori ensemble jazz della diaspora russa, esibendosi nel 1935-1947. in Cina.

L'atteggiamento delle autorità sovietiche nei confronti del jazz era ambiguo: gli artisti jazz domestici, di regola, non erano banditi, ma le aspre critiche al jazz in quanto tale erano diffuse nel contesto dell'opposizione a cultura occidentale generalmente . Alla fine degli anni Quaranta, durante la lotta contro il cosmopolitismo, il jazz in URSS conobbe un periodo particolarmente difficile, quando i gruppi che eseguivano musica "occidentale" furono perseguitati. Con l'inizio del "disgelo" la persecuzione dei musicisti è stata interrotta, ma le critiche sono continuate.

Secondo una ricerca del professore di storia e cultura americana Penny Van Eschen, il Dipartimento di Stato americano ha cercato di usare il jazz come arma ideologica contro l'URSS e contro l'espansione dell'influenza sovietica nel Terzo Mondo.

Il primo libro sul jazz in URSS fu pubblicato dalla casa editrice di Leningrado Academia nel 1926. È stato compilato dal musicologo Semyon Ginzburg da traduzioni di articoli di compositori e critici musicali occidentali, nonché dai suoi stessi materiali, ed è stato chiamato " Jazz band e musica contemporanea» .
Il prossimo libro sul jazz fu pubblicato in URSS solo all'inizio degli anni '60. È stato scritto da Valery Mysovsky e Vladimir Feyertag, chiamato " Jazz" ed era essenzialmente una raccolta di informazioni che potevano essere ottenute da varie fonti in quel momento. Da quel momento sono iniziati i lavori sulla prima enciclopedia del jazz in russo, pubblicata solo nel 2001 dalla casa editrice di San Pietroburgo "Skifia". Enciclopedia " Jazz. XX secolo. Riferimento enciclopedico” è stato preparato da uno dei più autorevoli critici jazz Vladimir Feiertag, contava più di mille nomi di personalità del jazz ed è stato riconosciuto all'unanimità come il principale libro in lingua russa sul jazz. Nel 2008 la seconda edizione dell'enciclopedia " Jazz. Riferimento enciclopedico”, dove la storia del jazz si è tenuta fino al 21 ° secolo, sono state aggiunte centinaia delle fotografie più rare e l'elenco dei nomi del jazz è stato aumentato di quasi un quarto.

Jazz latinoamericano

La combinazione di elementi ritmici latini è presente nel jazz quasi dall'inizio della fusione culturale che ha avuto origine a New Orleans. Jelly Roll Morton ha parlato di "sfumature spagnole" nelle sue registrazioni dalla metà alla fine degli anni '90. Anche Duke Ellington e altri leader di band jazz usavano forme latine. Il principale (sebbene non ampiamente riconosciuto) progenitore del jazz latino, il trombettista/arrangiatore Mario Bausa ha portato una tendenza cubana dalla sua nativa Havana all'orchestra di Chick Webb negli anni '90, e un decennio dopo l'ha portata nel suono di Don Redman, Fletcher Orchestre Henderson e Cab Calloway. Lavorando con il trombettista Dizzy Gillespie nella Calloway Orchestra dalla fine del 1900, Bausa ha introdotto una direzione dalla quale c'era già un collegamento diretto con le big band di Gillespie della metà del 1900. Questa "storia d'amore" di Gillespie con le forme musicali latine continuò per il resto della sua lunga carriera. In Bausa, ha continuato la sua carriera, diventando direttore musicale Machito Afro-Cuban Orchestra, guidata da suo cognato, il percussionista Frank Grillo, soprannominato Machito. Gli anni '50 e '60 furono segnati da un lungo flirt del jazz con ritmi latini, principalmente nella direzione della bossa nova, arricchendo questa sintesi con elementi brasiliani di samba. Combinando lo stile del cool jazz sviluppato dai musicisti della West Coast, proporzioni classiche europee e seducenti ritmi brasiliani, la bossa nova, o più correttamente "jazz brasiliano", ha guadagnato ampia popolarità negli Stati Uniti intorno al . Ritmi di chitarra acustica sottili ma ipnotici punteggiavano le semplici melodie cantate sia in portoghese che in lingua inglese. Introdotto dai brasiliani Joao Gilberto e Antonio Carlos Jobin, lo stile divenne un'alternativa dance all'hard bop e al free jazz negli anni '50, espandendo notevolmente la sua popolarità attraverso registrazioni ed esibizioni di musicisti della costa occidentale, in particolare il chitarrista Charlie Byrd e il sassofonista Stan Getz . La miscela musicale di influenze latine si è diffusa nel jazz e oltre, negli anni '60 e '80, includendo non solo orchestre e gruppi con improvvisatori latinoamericani di prim'ordine, ma anche unendo artisti locali e latini, creando esempi della musica da palcoscenico più eccitante . Questa nuova rinascita del jazz latino è stata alimentata da un costante afflusso di artisti stranieri tra i disertori cubani, come il trombettista Arturo Sandoval, il sassofonista e clarinettista Paquito D'Rivera e altri che sono fuggiti dal regime di Fidel Castro in cerca di maggiori opportunità che si aspettavano da trovare a New York, York e in Florida. C'è anche un'opinione secondo cui le qualità più intense e più ballabili della musica poliritmica del jazz latino hanno notevolmente ampliato il pubblico del jazz. Vero, pur conservando solo un minimo di intuitività, per la percezione intellettuale.

Jazz nel mondo moderno

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