L'evoluzione della tecnologia nell'industria musicale. Marketing dell'industria musicale: metodi, strategia, piano Destinatari del marketing musicale

Prima dell'avvento delle moderne sorgenti sonore portatili, del segnale digitale e della musica, il processo di registrazione e riproduzione del suono ha fatto molta strada. A cavallo tra il XIX e il XX secolo. l'industria musicale aveva un certo sistema, che comprendeva: attività concertistiche e itineranti, vendita di note e strumenti. Nel XIX secolo, la musica stampata era la principale forma di beni musicali. IN fine XIX secolo, l'emergere di dispositivi per la registrazione e la riproduzione del suono e, di conseguenza, l'emergere di case discografiche, ha portato a un cambiamento significativo nella struttura dell'industria musicale e all'emergere di un fenomeno come il business della musica all'inizio del il 20° secolo.

La natura umana è tale che non può immaginare la vita senza suoni, armonia e strumenti musicali. Per diversi millenni, i musicisti hanno affinato le loro abilità nel suonare la lira, l'arpa ebraica, il liuto o la cistre. Ma per accontentare le orecchie dei clienti di alto rango era sempre necessaria la presenza di una troupe di musicisti professionisti. Quindi c'era la necessità di registrare la musica con la possibilità della sua ulteriore riproduzione senza intervento umano. Inoltre, l'emergere del business della musica è dovuto principalmente all'emergere della registrazione del suono.

Si ritiene che il primo dispositivo di riproduzione del suono sia stato l'invenzione dell'antico inventore greco Ctesibio - "idravlos" . Le prime descrizioni di questo disegno si trovano nei manoscritti di scrittori tardoantichi: Erone d'Alessandria, Vitruvio e Ateneo. Nell'875, i fratelli Banu Musa, prendendo in prestito l'idea dai manoscritti dell'antico inventore greco, presentarono al mondo il loro analogo di un dispositivo per riprodurre i suoni: "organo ad acqua" (Fig. 1.2.1.). Il suo principio di funzionamento era estremamente semplice: un rullo meccanico a rotazione uniforme con sporgenze sapientemente posizionate colpiva i vasi con diverse quantità d'acqua, che influivano sull'altezza dei suoni, facendo suonare così i tubi pieni. Pochi anni dopo, i fratelli introdussero anche il primo "flauto automatico", anch'esso basato sul principio dell'"organo ad acqua". Fino al XIX secolo, erano le invenzioni dei fratelli Banu Musa l'unico modo disponibile per la registrazione del suono programmabile.

Riso. 1.2.1. L'invenzione dei fratelli Banu Musa - "organo ad acqua"

A partire dal XV sec. L'era rinascimentale è stata coperta da una moda per gli strumenti musicali meccanici. Apre la parata degli strumenti musicali con il principio di funzionamento dei fratelli Banu Musa - organetto. Nel 1598 apparve il primo orologio musicale, a metà del XVI secolo. - carillon. Inoltre, i primi tentativi di distribuzione di massa della musica furono i cosiddetti "volantini di ballate" - poesie stampate su carta con note in cima al foglio, apparse per la prima volta in Europa nei secoli XVI-XVII. Questo metodo di distribuzione quindi non era controllato da nessuno. Il primo processo coscientemente controllato di distribuzione di massa della musica fu la replica delle note.

Nella prima metà dell'Ottocento continuò la tendenza allo sviluppo di strumenti musicali meccanici - scatole, tabacchiere - tutti questi dispositivi avevano un insieme molto limitato di melodie e potevano riprodurre il motivo precedentemente "salvato" dal maestro. Non è stato possibile registrare una voce umana o il suono di uno strumento acustico con la possibilità della sua ulteriore riproduzione fino al 1857.

Il primo dispositivo di registrazione del suono al mondo è - fonautografo (Fig. 1.2.2.), inventato nel 1857 da Edward Leon Scott de Martinville. Il principio di funzionamento del fonoautografo era quello di registrare un'onda sonora catturando le vibrazioni attraverso uno speciale corno acustico, all'estremità del quale c'era un ago. Sotto l'influenza del suono, l'ago iniziò a vibrare, disegnando un'onda intermittente su un rullo di vetro rotante, la cui superficie era ricoperta di carta o fuliggine.

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Sfortunatamente, l'invenzione di Edward Scott non è stata in grado di riprodurre il frammento registrato. Alcuni anni fa, un estratto di 10 secondi della registrazione è stato trovato in un archivio di Parigi canzone folk"Moonlight", eseguito dallo stesso inventore il 9 aprile 1860. In futuro, il design del fonoautografo è stato preso come base per la creazione di altri dispositivi per la registrazione e la riproduzione del suono.

Nel 1877, il creatore della lampada a incandescenza, Thomas Edison, completò il lavoro su un dispositivo di registrazione del suono completamente nuovo: fonografo (Fig. 1.2.3.), che un anno dopo ha brevettato presso l'ente statunitense competente. Il principio di funzionamento del fonografo ricordava il fonoautografo di Scott: un rullo cerato fungeva da supporto sonoro, la cui registrazione veniva effettuata utilizzando un ago collegato alla membrana, il progenitore del microfono. Riprendendo il suono attraverso uno speciale corno, la membrana azionava un ago che lasciava dei solchi sul rullo di cera.

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Per la prima volta, il suono registrato poteva essere riprodotto utilizzando lo stesso dispositivo su cui era stata effettuata la registrazione stessa. Tuttavia, l'energia meccanica non era sufficiente per ottenere il livello di volume nominale. A quel tempo, il fonografo di Thomas Edison sconvolse il mondo intero: centinaia di inventori iniziarono a sperimentare utilizzando vari materiali per rivestire il cilindro portante, e nel 1906 ebbe luogo il primo concerto di ascolto pubblico. Il fonografo di Edison è stato applaudito da una sala gremita. Nel 1912 il mondo vide disco fonografico , in cui, al posto del solito rullo di cera, veniva utilizzato un disco, che semplificava notevolmente il design. L'aspetto del disco fonografo, sebbene fosse di interesse pubblico, allo stesso tempo, dal punto di vista dell'evoluzione della registrazione del suono applicazione pratica non l'ho trovato.

Successivamente, a partire dal 1887, l'inventore Emil Berliner sviluppò attivamente la propria visione della registrazione del suono utilizzando il proprio dispositivo: grammofono (Fig. 1.2.4.). In alternativa al tamburo di cera, Emil Berliner preferiva la celluloide più resistente. Il principio della registrazione è rimasto lo stesso: clacson, suono, vibrazioni della puntina e rotazione uniforme del disco-disco.

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Gli esperimenti condotti con le velocità di rotazione di una lastra a disco registrabile hanno permesso di aumentare il tempo di registrazione di un lato della lastra a 2-2,5 minuti a una velocità di rotazione di 78 giri al minuto. Le lastre dei dischi registrate venivano collocate in speciali custodie di cartone (meno spesso custodie in pelle), motivo per cui in seguito ricevettero il nome di "album" - esteriormente assomigliavano molto agli album fotografici con le viste delle città vendute ovunque in Europa.

Il sostituto dell'ingombrante grammofono fu l'apparato migliorato e modificato nel 1907 da Guillon Kemmler - grammofono (Fig. 1.2.5.).

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Questo dispositivo aveva un piccolo clacson integrato nella custodia, con la possibilità di riporre l'intero dispositivo in una valigia compatta, che portò alla rapida diffusione del grammofono. Negli anni '40 apparve una versione più compatta del dispositivo: un mini-grammofono, che ottenne particolare popolarità tra i soldati.

La comparsa dei dischi ha notevolmente ampliato il mercato musicale, poiché, a differenza delle note, potevano essere acquistati da qualsiasi ascoltatore. Lunghi anni I dischi grammofonici erano i principali supporti di registrazione e il principale prodotto musicale. Il disco di grammofono ha lasciato il posto ad altri supporti di materiale musicale solo negli anni '80. Dall'inizio degli anni '90 e fino ad oggi, le vendite di dischi rappresentano poche o addirittura frazioni di percentuale del fatturato totale dei prodotti audio. Ma, anche dopo un tale calo delle vendite, i dischi non sono scomparsi e hanno conservato fino ad oggi il loro piccolo e insignificante pubblico tra gli amanti della musica e i collezionisti.

L'avvento dell'elettricità ha segnato l'inizio di una nuova fase nell'evoluzione della registrazione del suono. A partire dal 1925 - "era della registrazione elettrica" utilizzando un microfono e un motore elettrico (invece di un meccanismo a molla) per ruotare il disco. L'arsenale di dispositivi che consentono sia la registrazione del suono che la sua ulteriore riproduzione è stato reintegrato con una versione modificata del grammofono - elettrofono (Fig. 1.2.6.).

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L'avvento dell'amplificatore ha permesso di portare la registrazione del suono a un nuovo livello: i sistemi elettroacustici hanno ricevuto altoparlanti e la necessità di forzare il suono attraverso un clacson è un ricordo del passato. Tutti gli sforzi fisici di una persona iniziarono a essere eseguiti dall'energia elettrica. Tutti questi e altri cambiamenti hanno migliorato le possibilità acustiche, oltre ad aumentare il ruolo del produttore nel processo di registrazione, che ha cambiato radicalmente la situazione nel mercato musicale.

Parallelamente all'industria discografica, iniziò a svilupparsi anche la radio. Le trasmissioni radiofoniche regolari iniziarono negli anni '20. All'inizio attori, cantanti, orchestre furono invitati a diffondere nuove tecnologie alla radio, e questo contribuì all'emergere di un'enorme domanda di radio. La radio divenne una necessità per un vasto pubblico e un concorrente dell'industria fonografica. Tuttavia, fu presto scoperta una dipendenza diretta dal suono dei dischi in onda e un aumento delle vendite di questi dischi nei negozi. C'era un crescente bisogno di commentatori musicali, i cosiddetti "disk jockey", che non solo mettevano dischi sul lettore, ma contribuivano anche alla promozione di nuovi dischi nel mercato musicale.

Nella prima metà del XX secolo, il modello di base dell'industria musicale ha subito cambiamenti significativi. La registrazione del suono, la radio e altri progressi della scienza e della tecnologia hanno moltiplicato il pubblico originale del mondo della musica e hanno contribuito all'emergere e alla diffusione di nuovi stili e tendenze musicali, come la musica elettronica. Hanno offerto al pubblico un prodotto più attraente e si sono adattati organicamente a quelle forme comuni nel XIX secolo.

Uno dei principali problemi dei dispositivi di registrazione del suono di quel tempo era la durata della registrazione del suono, che fu risolta per la prima volta dall'inventore sovietico Alexander Shorin. Nel 1930 propose di utilizzare come registrazione operativa una pellicola cinematografica che passa attraverso un'unità di scrittura elettrica a velocità costante. Il dispositivo è stato nominato shorinofono , ma la qualità della registrazione è rimasta adatta solo per un'ulteriore riproduzione della voce, era già possibile posizionare circa 1 ora di registrazione su un nastro di pellicola di 20 metri.

L'ultima eco della registrazione elettromeccanica fu la cosiddetta "carta parlante", proposta nel 1931 dall'ingegnere sovietico B.P. Skvortsov. Le vibrazioni sonore sono state registrate su carta comune con una penna a inchiostro nero. Tale carta potrebbe essere facilmente copiata e trasmessa. Per riprodurre la registrazione sono state utilizzate una potente lampada e una fotocellula. Negli anni '40 del secolo scorso sono già stati conquistati da un nuovo metodo di registrazione del suono: il magnetico.

La storia dello sviluppo della registrazione del suono magnetico è quasi sempre parallela ai metodi di registrazione meccanica, ma è rimasta nell'ombra fino al 1932. Alla fine del XIX secolo, l'ingegnere americano Oberlin Smith, ispirato dall'invenzione di Thomas Edison, stava studiando il problema della registrazione del suono. Nel 1888 fu pubblicato un articolo sull'uso del fenomeno del magnetismo nella registrazione del suono. L'ingegnere danese Valdemar Poulsen, dopo dieci anni di sperimentazione, ottenne un brevetto nel 1898 per l'utilizzo del filo d'acciaio come supporto sonoro. Così apparve il primo dispositivo di registrazione del suono, basato sul principio del magnetismo: telegrafo . Nel 1924, l'inventore Kurt Stille migliorò l'idea di Valdemar Poulsen e creò il primo registratore vocale basato su nastro magnetico. AEG è intervenuta nell'ulteriore evoluzione della registrazione del suono magnetico, rilasciando un dispositivo a metà del 1932. Registratore a nastro-K 1 (Fig. 1.2.7.) .

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Utilizzando l'ossido di ferro come rivestimento della pellicola, BASF ha rivoluzionato il mondo della registrazione. Utilizzando il bias AC, gli ingegneri hanno ottenuto una qualità del suono completamente nuova. Dal 1930 al 1970, il mercato mondiale era rappresentato da registratori a bobina con un'ampia varietà di fattori di forma e con un'ampia varietà di capacità. Il nastro magnetico ha aperto le porte creative a migliaia di produttori, ingegneri e compositori a cui è stata data l'opportunità di sperimentare la registrazione del suono non su scala industriale, ma direttamente nel proprio appartamento.

Tali esperimenti furono ancora più facilitati dall'apparizione a metà degli anni '50. registratori multitraccia. È diventato possibile registrare più sorgenti sonore contemporaneamente su un nastro magnetico. Nel 1963 fu rilasciato un registratore a 16 tracce, nel 1974 uno a 24 tracce, e dopo 8 anni Sony offrì uno schema di registrazione digitale in formato DASH migliorato su un registratore a 24 tracce.

Nel 1963, Philips ha introdotto il primo cassetta compatta (Fig. 1.2.8.), che in seguito divenne il principale formato di riproduzione del suono di massa. Nel 1964 fu lanciata ad Hannover la produzione in serie di cassette compatte. Nel 1965, Philips iniziò la produzione di cassette musicali e nel settembre 1966 i primi prodotti degli esperimenti industriali biennali dell'azienda furono messi in vendita negli Stati Uniti. L'inaffidabilità del design e le difficoltà sorte con la registrazione della musica hanno spinto i produttori a cercare ulteriormente un supporto di memorizzazione di riferimento. Questa ricerca è stata fruttuosa per la Advent Corporation, che ha introdotto una cassetta a nastro magnetico nel 1971 che utilizzava ossido di cromo nella sua produzione.

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Inoltre, l'emergere del nastro magnetico come supporto di registrazione audio ha offerto agli utenti l'opportunità precedentemente non disponibile di replicare in modo indipendente le registrazioni. Il contenuto della cassetta potrebbe essere riscritto su un'altra bobina o cassetta, ottenendo così una copia, sebbene non accurata al 100%, ma abbastanza adatta all'ascolto. Per la prima volta nella storia, il medium ei suoi contenuti non sono più un prodotto unico e inscindibile. La capacità di replicare i dischi a casa ha cambiato la percezione e la distribuzione della musica agli utenti finali, ma i cambiamenti non sono stati radicali. La gente comprava ancora le cassette perché era molto più conveniente e non molto più costoso che fare delle copie. Negli anni '80 il numero di dischi venduti 3-4 volte di più delle cassette, ma già nel 1983 si dividevano equamente il mercato. Le vendite di cassette compatte hanno raggiunto il picco a metà degli anni '80 e un notevole calo delle vendite è iniziato solo all'inizio degli anni '90. .

Successivamente, le idee di registrazione del suono, stabilite alla fine del XIX secolo da Thomas Edison, nella seconda metà del XX secolo hanno portato all'uso di un raggio laser. Pertanto, il nastro magnetico è stato sostituito da "l'era della registrazione del suono ottica laser" . La registrazione ottica del suono si basa sul principio della formazione di tracce a spirale su un CD, costituite da sezioni lisce e fosse. L'era del laser ha permesso di rappresentare l'onda sonora come una complessa combinazione di zeri (aree lisce) e uno (fosse).

Nel marzo 1979, Philips dimostrò il primo prototipo di CD e una settimana dopo la società olandese stipulò un accordo con la società giapponese Sony, approvando un nuovo standard per i CD audio, che furono messi in produzione nel 1981. Il CD era un supporto di memorizzazione ottico sotto forma di un disco di plastica con un foro al centro, il prototipo di questo supporto era un disco grammofonico. Il CD conteneva 72 minuti di audio di alta qualità ed era anche significativamente più piccolo dei dischi in vinile, misurando solo 12 cm di diametro contro 30 cm di vinile, con quasi il doppio della capacità. Indubbiamente, questo lo ha reso più comodo da usare.

Nel 1982, Philips ha introdotto il primo lettore CD che ha superato tutti i media presentati in precedenza in termini di qualità di riproduzione. Il primo album commerciale registrato su un nuovo supporto digitale fu il leggendario "The Visitors" degli ABBA, annunciato il 20 giugno 1982. E nel 1984, la Sony pubblicò primo lettore CD portatile - Sony Discman D-50 (Fig. 1.2.9.), il cui costo a quel tempo era di $ 350.

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Già nel 1987 le vendite di CD superavano le vendite di dischi fonografici e nel 1991 i CD hanno già eliminato in modo significativo le cassette compatte dal mercato. SU stato iniziale Il CD ha mantenuto la tendenza principale nello sviluppo del mercato musicale: tra la registrazione audio e il supporto, potresti mettere un segno di uguale. Era possibile ascoltare la musica solo da un disco registrato in fabbrica. Ma questo monopolio non era destinato a durare a lungo.

L'ulteriore sviluppo dell'era dei CD laser-ottici ha portato alla nascita dello standard DVD-Audio nel 1998, l'ingresso nel mercato audio con numero diverso canali audio (da mono a cinque canali). A partire dal 1998, Philips e Sony hanno promosso un formato CD alternativo, il Super Audio CD. Il disco a due canali ha consentito di memorizzare fino a 74 minuti di audio sia in formato stereo che multicanale. È stata determinata una capacità di 74 minuti Cantante di opera, direttore d'orchestra e compositore Noria Oga, che a quel tempo ricopriva anche la carica di vicepresidente della Sony Corporation. Parallelamente allo sviluppo dei CD, anche la produzione artigianale - i supporti per la copia - si è sviluppata costantemente. Le case discografiche hanno pensato per prime alla necessità di proteggere i dati digitali utilizzando la crittografia e il watermarking.

Nonostante la versatilità e la facilità d'uso dei CD, avevano un impressionante elenco di carenze. Uno dei principali era l'eccessiva fragilità e la necessità di un'attenta manipolazione. Anche il tempo di registrazione su supporto CD era fortemente limitato e l'industria discografica era alla ricerca di un'alternativa. L'apparizione sul mercato di un minidisco magneto-ottico è rimasta inosservata ai normali amanti della musica. minidisco(Fig. 1.2.10.)- sviluppato da Sony nel 1992, ed è rimasto di proprietà di ingegneri del suono, artisti e persone direttamente legate alle attività sul palco.

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Durante la registrazione di un mini-disco, sono state utilizzate una testina magneto-ottica e un raggio laser, tagliando aree con uno strato magneto-ottico ad alta temperatura. Il vantaggio principale del MiniDisc rispetto ai CD tradizionali era la sua maggiore sicurezza e una maggiore durata. Nel 1992, Sony ha anche introdotto il primo lettore multimediale mini-disco. Il modello del lettore ha guadagnato particolare popolarità in Giappone, ma al di fuori del paese, sia il primo giocatore Sony MZ1 che i suoi discendenti migliorati non sono stati accettati. In un modo o nell'altro, l'ascolto di un CD o di un mini-disco era più adatto esclusivamente per uso fisso.

Alla fine del 20 ° secolo è arrivato "era alta tecnologia" . L'avvento dei personal computer e di Internet globale ha aperto opportunità completamente nuove e ha cambiato in modo significativo la situazione del mercato musicale. Nel 1995, il Fraunhofer Institute ha sviluppato un rivoluzionario formato di compressione dei dati audio: Livello audio MPEG 1 3 , che ha ricevuto il nome abbreviato MP3. Il problema principale dei primi anni '90 nel campo dei media digitali c'era l'inaccessibilità di spazio su disco sufficiente per ospitare una composizione digitale. La dimensione media dell'hard disk del personal computer più sofisticato dell'epoca difficilmente superava le diverse decine di megabyte.

Nel 1997, il primo software player è entrato nel mercato - Winamp , sviluppato da Nullsoft. L'avvento del codec mp3 e il suo continuo supporto da parte dei produttori di lettori CD hanno portato a un graduale calo delle vendite di CD. Scegliendo tra la qualità del suono (che solo una piccola percentuale di consumatori sentiva davvero) e il numero massimo possibile di brani che potevano essere registrati su un CD (in media, la differenza era di circa 6-7 volte), l'ascoltatore ha scelto quest'ultimo.

In pochi anni la situazione è cambiata radicalmente. Nel 1999, il diciottenne Sean Fanning ha creato un servizio specializzato chiamato... "Napster" , che ha scioccato l'intera era del mondo della musica. Con l'aiuto di questo servizio è diventato possibile scambiare musica, dischi e altri contenuti digitali direttamente via Internet. Due anni dopo, per violazione del copyright da parte dell'industria musicale, questo servizio è stato chiuso, ma il meccanismo è stato lanciato e l'era della musica digitale ha continuato a svilupparsi in modo incontrollabile: centinaia di reti peer-to-peer, molto difficili da regolamentare rapidamente.

Una svolta radicale nel modo in cui la musica viene ricevuta e ascoltata è avvenuta quando tre cose si sono unite: il personal computer, Internet e i lettori flash portatili (dispositivi portatili in grado di riprodurre brani musicali registrati su un disco rigido integrato o una memoria flash) . Nell'ottobre 2001, Apple è apparsa sul mercato musicale, introducendo nel mondo la prima generazione di un tipo completamente nuovo di lettore multimediale portatile: iPod (Fig. 1.2.11.), che era dotato di una memoria flash di 5 GB e supportava anche la riproduzione di formati audio come MP3, WAV, AAC e AIFF. Aveva all'incirca le dimensioni di due cassette compatte impilate insieme. Insieme al rilascio del concept di un nuovo Flash player, Amministratore delegato la compagnia Steve Jobs ha sviluppato uno slogan intrigante: "1000 canzoni in tasca" (tradotto dall'inglese - 1000 canzoni in tasca). A quel tempo, questo dispositivo era davvero rivoluzionario.

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Inoltre, nel 2003, Apple ha proposto la propria visione di distribuire copie digitali legali di composizioni via Internet attraverso il proprio negozio di musica online - Itunes store . A quel tempo, il database totale delle composizioni in questo negozio online era di oltre 200.000 tracce. Attualmente, questa cifra supera i 20 milioni di canzoni. Firmando accordi con leader nel settore discografico come Sony BMG Music Entertainment, Universal Music Group International, EMI e Warner Music Group, Apple ha aperto un mercato completamente nuova pagina nella storia della registrazione del suono.

Pertanto, i personal computer sono diventati un mezzo per elaborare e replicare registrazioni audio, lettori flash - rimedio universale ascolto, e Internet ha agito come un mezzo unico per distribuire la musica. Di conseguenza, gli utenti hanno completa libertà di azione. I produttori di apparecchiature hanno soddisfatto le esigenze del consumatore fornendo supporto per la riproduzione del formato audio MP3 compresso non solo nei lettori flash, ma in tutti i dispositivi AV, dai centri musicali, agli home theater e finendo con la trasformazione dei lettori CD in CD / MP3 Giocatori. Per questo motivo, il consumo di musica iniziò a crescere a un ritmo incredibile e i profitti dei detentori del copyright iniziarono a diminuire altrettanto costantemente. La situazione non poteva essere cambiata dai nuovi e più avanzati formati di dischi SACD, progettati per sostituire i compact disc. La maggior parte delle persone preferiva l'audio compresso e altre innovazioni rivoluzionarie, come il lettore musicale iPod e i suoi numerosi analoghi, a queste innovazioni.

Con l'aiuto di sistemi della più semplice generazione di segnali sonori su personal computer, la musica per computer iniziò a essere creata in enormi quantità. Internet, insieme alla tecnologia digitale, ha permesso ai produttori di creare e distribuire la propria musica. Gli artisti hanno utilizzato la rete per la promozione e la vendita di album. Gli utenti hanno avuto l'opportunità di ricevere una registrazione di quasi tutti pezzo di musica e crea le tue raccolte musicali senza uscire di casa. Internet ha ampliato il mercato, aumentato la diversità del materiale musicale e guidato la digitalizzazione del business musicale.

L'era dell'alta tecnologia ha avuto un enorme impatto sulla cultura musicale, ha contribuito all'emergere e ulteriori sviluppi industria musicale e, di conseguenza, lo sviluppo del business musicale. Da quel momento, ci sono state opzioni alternative per gli artisti per entrare nel mercato musicale senza la partecipazione delle principali case discografiche. I vecchi schemi di distribuzione sono minacciati. Negli ultimi anni, il 95% della musica su Internet è stata piratata. La musica non viene più venduta, ma scambiata gratuitamente su Internet. La lotta alla pirateria è in aumento mentre le case discografiche perdono profitti. L'industria dei computer è più redditizia di quella musicale, e questo ha permesso l'uso della musica come prodotto per promuovere le vendite digitali. L'impersonalità e l'omogeneità del materiale musicale e degli esecutori hanno portato a un eccesso di mercato e alla predominanza delle funzioni di sottofondo nella musica.

La situazione prevalente in inizio XXI secolo, che ricorda per molti versi ciò che accadde nell'industria musicale a cavallo tra il XIX e il XX secolo, quando le nuove tecnologie ruppero le tradizioni consolidate e i dischi e la radio furono introdotti attivamente nel mondo della musica. Ciò ha portato al fatto che entro la metà del secolo l'industria musicale aveva formato una struttura di base quasi nuova, sulla quale è iniziata "l'era delle alte tecnologie" a cavallo tra il XX e il XXI secolo. avuto un effetto dannoso.

Pertanto, si dovrebbe concludere che l'intera storia dello sviluppo dei supporti dati audio si basa sull'eredità dei risultati delle fasi precedenti. Per 150 anni, l'evoluzione della tecnologia nell'industria musicale ha percorso una lunga strada di sviluppo e trasformazione. Durante questo periodo sono comparsi ripetutamente dispositivi nuovi e più avanzati per la registrazione e la riproduzione del suono, dai fonoautografi ai compact disc. I primi germogli di registrazioni su CD ottici e il rapido sviluppo delle unità HDD alla fine degli anni '80. in appena un decennio, hanno sbaragliato la concorrenza di molti formati di registrazione analogici. Nonostante il fatto che i primi dischi ottici musicali non differissero qualitativamente dai dischi in vinile, la loro compattezza, versatilità e l'ulteriore sviluppo della direzione digitale avrebbero dovuto porre fine all'era dei formati analogici per l'uso di massa. nuova era l'alta tecnologia sta cambiando in modo significativo e rapido il mondo del business musicale.

Conferenza - Sergey Tynku

È incredibile, ma così tante persone ancora non sanno come funziona il meccanismo dell'industria musicale oggi. Pertanto, cercherò di spiegare tutto in poche parole. E a proposito, se non capisci cos'è l'industria, allora all'estero la capiscono come affari. Cioè, si tratta di come funziona il business della musica, o l'industria della musica. Mettitelo in testa, una volta per tutte, l'industria è un business.

Come qualsiasi altra industria, l'industria musicale produce e vende un prodotto. E questo prodotto è un concerto. In precedenza, il prodotto era record, ma ai nostri tempi non è più rilevante. Ora il prodotto è solo un concerto. Perché un concerto? Perché i musicisti fanno soldi ai concerti e gli ascoltatori pagano soldi per i concerti.

Di conseguenza, l'obiettivo principale dell'industria è comprendere la domanda del pubblico (in un determinato territorio) per concerti di un particolare formato, stile e prezzo. All'industria stessa non interessa che tipo di musica e quali musicisti vendere. Solo per vendere meglio. Sembra di essere in un bar. A un proprietario di bar adeguato non importa che tipo di birra commerciare, e versa quella per la quale c'è più domanda e sulla quale puoi guadagnare di più: compra a un prezzo più basso e vendi a un prezzo più alto.

Affinché un artista entri nell'industria musicale, rimanga lì e abbia successo... tutto ciò di cui hai bisogno è essere richiesto. È come con qualsiasi prodotto in qualsiasi mercato. Se c'è una richiesta per il tuo concerto, allora sarai nel settore. Se non c'è richiesta, allora non ci sarai. L'industria è interessata agli artisti che portano denaro a cui le persone arriveranno.

Questa legge funziona sia per i grandi stadi nelle Americhe che per le piccole taverne nella regione di Samara. L'industria musicale è la stessa ovunque.

Si prega di notare che non è necessario essere bravi, ma è necessario essere richiesti. E nel nostro Paese spesso la gente pensa che se un prodotto (musicista) è buono, allora deve essere richiesto. E queste sono cose diverse. E "buono" è molto soggettivo. Ma il concetto di "richiesto" si sente con le mani e si misura nel numero di spettatori e nei soldi che portano.

L'industria è composta da tre partecipanti principali: sala concerti, artista, spettatore. E la cosa principale è lo spettatore. Perché il tutto esiste grazie ai soldi dello spettatore. Lui paga per tutto. I luoghi dei concerti e gli artisti vivono dei suoi soldi. Ordina la musica in tutti i sensi e paga il banchetto.

All'industria non importa come un artista raggiunge la popolarità e la domanda (questa è una questione personale e il costo dell'artista e del suo manager). Buona musica, scandali, pubbliche relazioni competenti, moda, ecc. All'industria non interessa quale prodotto vendere. Il suo compito è vendere ciò che è richiesto. Se le persone non vengono nel tuo club (o bar), allora vai in rovina. Pertanto, il compito del settore è capire di cosa hanno bisogno le persone: questa è forse la cosa più importante del settore.

Immagina solo per un secondo di avere il tuo rock club. Hai speso i soldi per comprarlo, spendi i soldi per mantenerlo, paghi il personale e sostieni un sacco di altre spese. E ora immagina di dover scegliere uno degli artisti per un concerto nel tuo locale. E pagagli un compenso. Chi vuoi vedere nel tuo club se hai bisogno di guadagnare e non subire perdite?

Rendere qualsiasi artista richiesto e popolare è compito dell'artista stesso (e del suo management). All'industria non interessa chi vendere. Si concentra semplicemente sui gusti attuali del pubblico. Naturalmente, questi gusti in qualche modo cambiano costantemente. Poiché i gusti del pubblico sono eterogenei, l'industria lavora con artisti di generi e stili diversi.

In accordo con la popolarità (domanda) dell'artista, l'industria offre al pubblico concerti in luoghi con una capacità maggiore o minore, oltre a fissare prezzi dei biglietti diversi. Ma l'industria è sempre guidata dalla domanda. Si può dire che si tratta di una macchina senz'anima, che riflette stupidamente lo stato attuale del mercato e della domanda. In parole povere, l'industria è costituita da migliaia di sale da concerto, il cui numero, dimensione e formato è determinato esclusivamente dal mercato, ovvero dalla domanda di determinati artisti e generi in determinati territori.

Ricorda, in momenti diversi in territori diversi, anche la domanda è diversa!

Non ha senso che l'artista o lo spettatore siano insoddisfatti dell'industria. Mostra semplicemente lo stato del mercato, reagendo ad esso, non modellandolo. Se qualcosa non è nel settore o è scarsamente rappresentato, è solo perché è dentro questo momento in un determinato territorio esiste una tale domanda per questo prodotto (zero o piccola).

Se un artista non entra nel settore (o lo fa, ma non nella scala che vorremmo), non è colpa del settore. Reagisce solo ai gusti della folla. E non le importa dei nomi specifici degli artisti.

Ecco come funziona tutto in poche parole.

Di conseguenza, il concetto di musica richiesta è diverso. Se stai facendo musica secondo i tuoi gusti, non sorprenderti se l'industria musicale non ne ha bisogno. Il tuo gusto non è necessariamente lo stesso del gusto del pubblico che sta pagando. E se lo fa, non è un dato di fatto che la qualità del tuo prodotto musicale possa competere con altri artisti. Sii sempre consapevole della concorrenza. Al giorno d'oggi, ci sono molti più musicisti nel mondo di quanti ne abbia bisogno il pubblico. Pertanto, non tutti entrano nell'industria musicale.

Se la domanda di musica in un villaggio è di un armonista per una festa di Capodanno, dieci armonisti non si adatteranno all'industria di questo villaggio.

Ci sono manager di musicisti nel mondo. Sono intermediari tra artisti e pubblico, artisti e industria. Qualcuno (come altrove) può fare a meno di intermediari, ma qualcuno non ci riesce. Come tutti gli intermediari, i manager si sforzano di guadagnare. Pertanto, è importante per loro vedere e capire se un particolare artista sarà in grado di diventare popolare o "non nel foraggio per cavalli". Questa visione di comprensione distingue un buon manager da uno cattivo. Questo è il suo reddito. Ancora una volta, all'industria non interessa come un artista cerchi di diventare popolare, con o senza manager. La parola "manager" in questo testo può essere intesa non solo come una persona, ma come un intero ufficio di promozione.

Molti artisti nutrono grandi speranze per i manager che, a loro avviso, risolveranno tutti i problemi. Ma non è tutto così semplice. Se il manager è bravo e comprende il mercato, lavorerà solo con un artista che, a suo avviso, ha del potenziale. E l'artista deve in qualche modo riuscire ad ammaliare il manager, fargli credere in se stesso. E si scopre che il manager non è un mago che vende un cattivo prodotto, e l'artista deve prima di tutto distribuire un prodotto con proprietà appropriate (che può essere venduto).

Se il manager è cattivo, può facilmente assumere un artista con prospettive poco chiare. E qui può darsi che un cattivo manager non aiuti in alcun modo, oppure può darsi che un buon artista dal punto di vista delle prospettive di mercato abbia successo anche con un cattivo manager. Ma in ogni caso, se un artista decide di promuoversi con l'aiuto di un manager, allora deve far credere al manager in questo artista.

E dobbiamo ricordare che il manager non è gratuito. Se un manager (ufficio) investe denaro (o tempo/impegno) nella promozione, significa che vede il potenziale nel prodotto (artista) e pianifica di recuperare i costi e guadagnare di più. E se nessuno dei manager intelligenti vuole fare affari con te, allora non vedono in te potenziale di mercato. Loro, come tutti gli altri, possono commettere errori: prova a dimostrarlo a loro e al mercato.

Comprendi che se il tuo potenziale è evidente, intorno a te si formerà immediatamente un mare di persone che vogliono fare soldi con te. Ma se non è ovvio, allora devi trascinare fuori i miserabili. È come con le donne. Se sei una super ragazza, allora c'è un mare di uomini intorno a te. E se non sei molto bravo, la domanda per te nel mercato maschile è molto inferiore. Tutto è molto semplice in questo mondo.

Le stesse leggi si applicano nell'industria musicale come nel mercato generale. Immagina un negozio di alimentari. Ci sono 10 confezioni di latte di diverse marche. Quindi, diciamo che decidi di fare il latte. Buon latte. Vieni al negozio e dici: ho del buon latte, prendilo sullo scaffale. E ti rispondono, il latte può essere buono, ma nessuno lo sa e non lo comprerà: la domanda della gente si è già sviluppata per alcuni marchi. Perché dovremmo acquistare alcuni potenziali titoli illiquidi sugli scaffali? Quindi inizi a pubblicizzare il tuo prodotto: giri video per una scatola, appendi annunci sui cartelloni pubblicitari in giro per la città, distribuisci pacchetti gratuiti alla popolazione vicino alla metropolitana, assumi una star per la promozione. Tutto! È apparsa la domanda: ti hanno portato al negozio. Prima in uno, poi in un altro, poi in tutto il paese! Sei in affari, amico!

Certo, in realtà la situazione con la domanda e il negozio potrebbe essere più complicata. Possono dire che non gli interessa cosa scambiare: le persone nella zona acquisteranno qualsiasi latte a questo prezzo e quindi non cambieranno nulla nell'assortimento. Quindi sarà necessario motivare il negozio: offrire loro prezzi di acquisto inferiori alla concorrenza o spingere stupidamente una tangente. Nel caso delle sale da concerto, a cui non importa chi suona nella loro taverna condizionale, tutto viene deciso con gli stessi metodi: riduzione delle richieste di compenso all'artista e, ancora, una buona vecchia tangente. Questo è il mercato.

Schema semplice e chiaro. Ma un dettaglio è importante qui. Devi produrre latte di una qualità che piaccia alla gente. E ai prezzi a cui la gente vuole comprarlo. Cioè, il pacchetto non dovrebbe costare 200 dollari. E non deve essere latte per cani. Almeno in Russia. A te stesso potrebbe piacere il latte di cane (o di topo), ma se entri nel mercato, provi a strisciare nell'industria del latte, cioè negli affari, allora devi tenere conto della domanda di prodotti in una determinata area.

Cioè, se parliamo dell'industria lattiero-casearia, qui è tutto uguale: un prodotto (artista), un negozio (luogo di concerti), un acquirente (spettatore). E ci sono dipartimenti e agenzie pubblicitarie (etichette, gestori intermediari) che promuovono merci per soldi.

Naturalmente, molti musicisti in tutto il pianeta non vogliono affatto pensare al mercato, al prodotto, ai clienti e ad altre cose poco romantiche. E molti artisti di successo sono riusciti a vivere nel loro mondo eccezionalmente sublime, facendo solo lavoro creativo (ma allo stesso tempo pagando manager immersi nella routine e nella vita di tutti i giorni).

Ma se non hai raggiunto un tale livello di illuminazione, allora devi affrontare il mercato e la tua popolarità da solo, oppure cercare di incantare un manager (ufficio) che crederà in te. E tali manager, ovviamente, esistono. Dal momento che ci sono artisti di successo in qualsiasi paese e qualcuno è coinvolto negli affari di questi artisti. Ma se non credono in te, allora, amico mio, tutti i problemi sono solo in te. In nessun altro. È difficile ammetterlo: guardati allo specchio e dì a te stesso "sembra che io non sia ciò di cui le persone hanno bisogno".

Certo, puoi assumere stupidamente un manager (come qualsiasi agenzia pubblicitaria) per i tuoi soldi (e non per una quota di concerti) ... ma è come il sesso a pagamento. I ragazzi giusti vengono dati gratuitamente. E se non ti viene dato un omaggio per amore, ovviamente hai dei problemi con l'essere richiesto.

Molto spesso, gli artisti non reclamati incolpano l'industria, i manager intermediari e gli spettatori per la loro mancanza di domanda. È così stupido. L'industria ei gestori rispondono alle esigenze dello spettatore, alla domanda. E gli spettatori sono persone libere che decidono dove spendere i propri soldi. Se non ti vogliono, è un loro diritto. Non ti devono niente. Non ti hanno costretto a fare musica.

E il modo più affidabile per entrare nel settore, e questo è noto a tutti i musicisti e manager professionisti di tutti i tempi e popoli... è molto semplice. Devi essere stupido per scrivere successi. E questo è tutto! Canzoni che piacciono alla gente. Scrivi successi, amico, e avrai sicuramente tutto! Fai attenzione - tutti gli artisti che non sono riusciti a inserirsi nel settore - non hanno un solo successo.

Ma diciamo che non puoi o non vuoi scrivere hit? Ma dopotutto, puoi interpretare estranei - anche questo è richiesto (nelle taverne e alle feste aziendali), e con questo entrano anche nel settore - forse non al livello che qualcuno vorrebbe. E se non suoni affatto successi, non ci sono garanzie di entrare nel settore. Potrebbe funzionare nel settore, ma potrebbe non funzionare.

OK è tutto finito ora. Spero che ora tu capisca perché alcuni artisti hanno molti concerti e soldi, mentre altri hanno un gatto che piange.

L'industria musicale moderna è un fenomeno piuttosto strano che non si ferma ed è in continua evoluzione. Chi lavora nella "cucina" musicale da più di un anno sa che a volte è molto difficile prevedere cosa ci aspetta in futuro in musicalmente. Tuttavia, il sistema di profitto è sempre lo stesso, e chiunque sia seriamente intenzionato a trasformare la propria musica in denaro farebbe bene ad avere almeno una conoscenza di base di come funziona il business della musica.

Pertanto, abbiamo deciso di scrivere una piccola guida per i temerari che vogliono e intendono promuovere la propria musica e guadagnare da essa. Queste sono solo informazioni sufficienti per darti una comprensione di base di come vive e respira il mondo della musica e per farti pensare a come potresti farne parte.

Le società discografiche

Il percorso "tradizionale" verso il successo nell'industria musicale è quando il tuo disco viene ascoltato da un'etichetta ben nota, che ti firmerà un contratto per promuovere il tuo lavoro. È ancora meglio se hai già registrato alcuni brani che possono essere inclusi nel tuo mini-album, o in un album completo o in diversi album sulla rete.

In effetti, l'etichetta agisce come un investitore che investe i propri soldi in te e nel tuo progetto. Questo denaro viene utilizzato per pagare l'affitto dello studio, il missaggio e il mastering, nonché per pagare il tuo anticipo, che viene pagato in anticipo in modo che tu possa vivere fino al punto in cui inizi a ricevere la tua quota delle vendite, indicata nel settore come royalties.

L'etichetta gestisce anche tutte le pratiche burocratiche necessarie per pubblicare un brano/album, che include un diagramma di come vengono condivise le royalties: quale percentuale di ogni moneta guadagnata va a te, ai collaboratori, e quale percentuale va all'etichetta per coprire i loro costi iniziali. investimento e ricevere ulteriori profitti che l'etichetta potrebbe investire nuovamente nella tua promozione.

Contraccolpi musicali

La Copyright Protection Society (MCPS) paga una royalty per ogni copia della tua traccia. Ciò significa che più dischi vendi, più ottieni. Inoltre, se la tua canzone finisce su CD o DVD, o viene utilizzata in qualsiasi altro modo, allora ricevi anche una certa somma per questo.
Ad esempio: ci sono 20 brani nella raccolta e uno di questi è tuo. Ciò significa che la Copyright Society ti pagherà il 5% di tutte le vendite.

L'uscita tanto attesa della tua musica

L'uscita della tua musica implica l'uso della tua traccia in qualsiasi forma, e tutti i proventi ricevuti dopo l'uscita della tua musica possono provenire da numerosi e varie fonti. In realtà, i soldi arrivano ogni volta che una canzone viene riprodotta in TV, alla radio o utilizzata come colonna sonora di un film, anche quando la traccia viene riprodotta nei camerini di Topshop. L'elenco è infinito.

Teoricamente, si scopre che ottieni soldi per qualsiasi utilizzo della tua traccia. Questo sistema funziona attraverso agenzie di riscossione come PRS nel Regno Unito o ASCAP (Composers, Writers and Publishers of America) negli Stati Uniti. Queste organizzazioni tengono traccia di tutti i modi in cui viene utilizzata la tua musica, quindi raccolgono e distribuiscono il denaro di conseguenza.

TV, film e altro ancora

I principali canali di distribuzione e fonti di guadagno nell'industria musicale sono TV, film e videogiochi, ovvero la distribuzione della colonna sonora della tua musica attraverso questi canali. I vantaggi di un fonogramma sono evidenti: vieni pagato per usare la tua composizione; di conseguenza, ottieni nuove entrate dal fatto che la tua canzone viene utilizzata in progetti cinematografici o programmi TV, ad esempio come colonna sonora. Questo utilizzo della tua musica ti permette di aumentare la visibilità di te e del tuo lavoro, in quanto verrà ascoltato da un pubblico potenzialmente vasto che prima non conosceva la tua musica.

Non è facile ottenere tracce su progetti televisivi e cinematografici, ma ci sono società di produzione specializzate che agiranno per tuo conto per spingere la tua musica in una direzione o nell'altra. Quindi puoi occuparti dei tuoi affari mentre agenzie come questa promuovono i tuoi brani a persone coinvolte nel cinema e in televisione.

La necessità di compilare un catalogo di musica che sarà presente nella discoteca delle case discografiche (in Ultimamente denominate società di produzione musicale) è comprensibile. Dopotutto, è un tale catalogo che è potenzialmente il più redditizio di tutto ciò che farai. Di norma, una società del genere prenderà una percentuale per la promozione della tua musica. Ma non devi pagarli in anticipo per rappresentarti. Il pagamento viene effettuato in loco. E la cosa ancora migliore è che non vengono pagati fino a quando la tua musica non viene pubblicata, il che significa che lavoreranno il più duramente possibile per assicurarsi che tutti sappiano di te.

Pensa alla composizione di Rembrandt "I'll Be There For You" - la colonna sonora della serie "Friends" - e quante persone lo conoscono in tutto il mondo ...

Altre fonti di reddito

E se non avessi scritto o prodotto niente? Non preoccuparti, puoi ancora guadagnare con la musica. Lo streaming PPL non è un tipico canale di distribuzione a causa dei cantautori. Questa è un'ulteriore fonte di royalties pagate dalle emittenti agli artisti per l'utilizzo della loro musica. Anche tutti coloro che sono coinvolti nella creazione della canzone (bassisti, coristi, ecc.) ricevono una piccola somma di denaro per il loro lavoro.

Distribuzione

Il distributore è responsabile di portare la tua musica dal magazzino al negozio. Per fare ciò, se crei contenuti fisici, devi stipulare un accordo di distribuzione.
Come sappiamo, la musica "fisica" è in ritardo rispetto alla musica digitale in termini di popolarità, il che è una buona notizia se stai avviando la tua etichetta, poiché la distribuzione non deve richiedere molti sforzi o spese. Distribuzione digitale significa che le tue registrazioni saranno disponibili per la vendita digitale in tutti i luoghi che i tuoi fan stanno aspettando. Ad esempio, Amazon, Beatport, iTunes. In altre parole, la distribuzione digitale ti salva da inutili storie in tutti i sensi.

E infine

Tutto quanto sopra è abbastanza difficile da accettare, ma se vuoi collegare la tua vita con la musica, allora devi capire i meccanismi di base di una macchina musicale così grande, e devi essere pronto, se vuoi davvero esprimerti e lasciare un segno sul campo musicale, prendilo è una questione e vai fino in fondo, qualunque cosa accada.
E ti auguriamo buona fortuna!

Quante volte ascoltiamo musica da ogni parte. La musica diventa il sottofondo sonoro della nostra vita. Conosci la sensazione quando ti sei semplicemente dimenticato di portare le cuffie con te? Silenzio, no - anche il vuoto. Insolitamente, e le mani tendono ad accendere qualcosa. La musica smette di suonare - la voce interiore si accende, ma in qualche modo non voglio ascoltarla affatto. Ci ricorda affari incompiuti, ci rimprovera qualcosa, porta pensieri seri. No, una nuova pista sarebbe iniziata il prima possibile. Ci siamo appena abituati alla musica, ci siamo abituati a non essere sempre soli, ma con questi ritmi musicali allegri (o meno).

Probabilmente, ognuno ha melodie preferite, al suono delle quali versi di canzoni familiari spuntano da qualche parte nel profondo. Allo stesso tempo, capita spesso che una persona conosca a memoria i testi, ma non abbia mai pensato al significato delle parole impresse nella sua memoria e nemmeno delle parole pronunciate di frequente. Questo accade perché la maggior parte delle persone è abituata ad ascoltare musica in sottofondo o in formato riposo, cioè rilassarsi e non pensare a niente, godersi le emozioni o semplicemente immergersi in pensieri di terzi.

Come risultato di tale ascolto, la visione del mondo di una persona è piena di testi e significati che non sono stati filtrati a livello di coscienza. E poiché l'informazione viene presentata accompagnata da vari ritmi e melodie, viene assorbita molto bene e successivamente, dal livello del subconscio, inizia a influenzare il comportamento umano. Quali programmi di comportamento vengono trasmessi al pubblico di massa dalla musica popolare moderna, quella che viene trasmessa in TV e alla radio, e può essere trattata inconsciamente, cioè senza pensare alla sua influenza? Guardiamo alcuni video:

Dopo aver visto questi video, è opportuno ricordare la citazione dell'antico filosofo cinese Confucio: “La distruzione di qualsiasi stato inizia proprio con la distruzione della sua musica. Un popolo senza musica pura e luminosa è destinato alla degenerazione”.

Tieni presente che nell'ultima recensione non si trattava solo del contenuto di canzoni specifiche, ma anche della direzione generale del tema della musica popolare. Questa è una sfumatura importante che deve essere presa in considerazione. Dopotutto, la musica dovrebbe riflettere diversi aspetti della nostra vita, e non elevarli a dimensioni e importanza inadeguate.

La creatività di una persona, quando viene dal cuore, riflette sempre il suo mondo interiore, tocca i temi dello sviluppo personale, la ricerca di risposte a domande entusiasmanti. Se la creatività viene sostituita dal business e il guadagno viene prima di tutto, il suo contenuto viene automaticamente riempito con significati e forme appropriati: primitivo, stereotipato, insipido, stupido.

Ascoltare i contenuti che vengono riprodotti oggi in onda dalla maggior parte delle stazioni radio è un vero e proprio processo di programmazione delle persone affinché attuino inconsapevolmente nella loro vita tutti i comportamenti elencati nei video.

Allo stesso tempo, nelle recensioni video presentate, è stato analizzato solo il contenuto dei testi e la sequenza video delle clip, ma il ritmo, la tonalità, la melodia e il volume della musica hanno un enorme impatto su una persona. Dopotutto, qualsiasi musica è, alla fine, vibrazioni con cui può essere in armonia stato interno persona, o letteralmente agire in modo distruttivo.

L'impatto della musica sulla società

Dissonanza nella musica, improvvisi cambiamenti di ritmo, suono forte: tutto questo è percepito dal corpo come stress, come un fattore inquinante che colpisce non solo il sistema nervoso, ma anche quello cardiovascolare ed endocrino. Su Internet si possono trovare i risultati di molti esperimenti che dimostrano che se la musica classica o folk migliora le capacità mentali, allora la musica pop moderna, costruita sugli stessi ritmi, o la musica pesante e irregolare, al contrario, deprime la psiche umana, peggiorando memoria, pensiero astratto, attenzione.

Puoi vedere chiaramente l'influenza della musica in queste immagini:

Queste fotografie sono state scattate dal ricercatore giapponese Masaru Emoto. Ha esposto l'acqua a varie melodie e discorsi umani, dopodiché l'ha congelata e ha fotografato i risultanti cristalli d'acqua ghiacciata con un alto ingrandimento. Come puoi vedere sulla diapositiva, sotto l'influenza dei suoni della musica classica, i cristalli di acqua distillata acquisiscono graziose forme simmetriche, sotto l'influenza della musica pesante o delle parole negative, le emozioni, l'acqua ghiacciata forma strutture caotiche e frammentate.

Considerando che siamo tutti principalmente acqua, puoi immaginare quale influenza significativa abbia la musica su di noi. Per questo motivo, la scelta di quelle composizioni che ti ascolti spesso o includi per i bambini dovrebbe essere consapevole, valutando l'impatto della musica e l'effetto che vorresti ottenere.

La musica colpisce una persona in 3 aspetti:

1. Messaggio significativo di testi e videoclip
2. Vibrazioni musicali (ritmo, tonalità, melodia, timbro vocale, ecc.)
3. Le qualità personali di artisti famosi le cui vite sono in mostra

Come terzo punto di questa diapositiva, abbiamo evidenziato l'aspetto personale associato alla moralità di quegli artisti che ricevono fama e gloria. Poiché lo spettacolo moderno si basa sul fatto che porta alla discussione pubblica l'intera vita personale delle cosiddette star, imponendole alle giovani generazioni come idoli che incarnano il "successo", quando si valutano le canzoni moderne, bisogna anche tener conto lo stile di vita che trasmettono con il loro esempio i loro artisti.

Probabilmente tutti hanno sentito parlare di un cantante occidentale così popolare come. Vediamo quale ideologia promuove con il suo lavoro e con l'esempio personale.

Nell'ambito del progetto Teach Good, sono state fatte recensioni simili su altri artisti occidentali più famosi: - e ovunque la stessa cosa. La loro carriera si sviluppa come secondo uno schema: da ragazze relativamente semplici e modeste, entrate nell'industria dello spettacolo, si trasformano gradualmente in quelle le cui fotografie e frutti della creatività sono persino imbarazzanti da dimostrare durante una conferenza a causa della volgarità e della volgarità ossessive.

Allo stesso tempo, sono queste stelle che vengono costantemente premiate come principali Premi per la musica, le loro clip vengono riprodotte su canali TV e stazioni radio, anche qui in Russia le loro canzoni vengono ascoltate regolarmente. Cioè, lo stesso sistema è costruito nell'industria musicale, basato su 3 strumenti principali: istituzioni premianti, flussi finanziari e controllo sui media centrali.

Dove trovare buone canzoni?

Attraverso questa barriera buoni esecutori- è quasi impossibile per chi canta canzoni davvero significative e cerca di indirizzare la propria creatività a beneficio delle persone. La situazione sta iniziando a cambiare solo oggi, quando con l'avvento di Internet, ogni persona ha avuto l'opportunità attraverso i propri account nei social network, attraverso i blog e la creazione di siti Web di agire come mass media indipendente.

L'emergere del progetto Teach Good e di molte altre associazioni di persone premurose è un processo naturale di distruzione del vecchio sistema costruito su uno stretto controllo delle persone ammesse ai media. Ed è su Internet che puoi trovare canzoni di quegli artisti che non ascolterai in TV, ma la cui musica è davvero piacevole e utile da ascoltare.

Fanno anche tournée in città, si esibiscono sui palchi, raccolgono il tutto esaurito, ma le loro foto non vengono stampate su riviste patinate e le loro canzoni non vengono trasmesse su stazioni radio popolari o canali televisivi musicali. Perché per l'industria musicale moderna, il loro lavoro non si adatta al "format" definito e imposto a un vasto pubblico attraverso tutti gli stessi media, o meglio, i mezzi per formare e controllare la coscienza pubblica.

Come esempio di creatività significativa, portiamo alla tua attenzione una delle canzoni che è stata inventata e registrata dai lettori del progetto Teach Good.

Tabella numero 9

PRINCIPALI CARATTERISTICHE DEL MERCATO MUSICALE RUSSO

Il business della musica russa dipende direttamente dalle tendenze generali nello sviluppo dell'economia domestica. Un esempio di ciò è la crisi dell'agosto 1998, quando l'intera industria musicale era praticamente

fisicamente paralizzato. Di conseguenza, il numero di case discografiche è diminuito di tre volte, le vendite sono diminuite di 3-5 volte (in alcuni gruppi di repertorio - 10 volte), i prezzi sono diminuiti di 2-3 volte in termini di valuta equivalente.

Un numero enorme di problemi che si sono accumulati l'anno scorso ostacola l'ulteriore sviluppo dell'industria musicale. Prima di tutto, queste sono domande: diritti, debiti reciproci e fiducia tra le aziende. Ora molte aziende non dispongono ancora di una serie completa di documenti che confermino i loro diritti su determinati fonogrammi ( noi stiamo parlando sia il diritto d'autore che i diritti connessi). I contratti sono stati conclusi senza osservare le necessarie formalità, quindi, allo stato attuale, c'è una grave ridistribuzione della proprietà dei progetti che sono stati pubblicati negli ultimi dieci anni. Molti imprenditori si sono resi conto che avevano bisogno di acquistare diritti, non fonogrammi.

Un altro problema dell'epoca era la nuova politica dei prezzi. I più grandi venditori sono guidati dal minimo, paragonabile ai prezzi dei pirati. Un tale approccio è diventato l'unica condizione possibile per la sopravvivenza dell'industria musicale nazionale e delle società straniere che fanno affari in Russia. Tuttavia, la decisione di lavorare a prezzi bassi non è stata facile. Le major, ad esempio, avevano paura di riesportare CD economici in Occidente. E la riesportazione era davvero ed è anche adesso. La promozione di massa di dischi economici dalla Russia era fuori discussione, poiché nessun distributore che si rispetti o proprietario di una catena di negozi venderebbe dischi di "origine oscura", senza codici IFPI e altri

simbolismo che conferma la loro natura giuridica. Le importazioni parallele rimangono un grosso problema.

Nel 1999, il mercato delle cassette del paese ha mostrato che il suo potenziale è piuttosto significativo, sebbene stia iniziando a perdere terreno, obbedendo alle tendenze globali.

Oltre alle vendite di supporti tradizionali come MC e CD, nel 1999 il mercato dei CD-R si stava sviluppando piuttosto attivamente. I dischi CD-RW e DVD-RAM sono stati aggiunti ai già tradizionali CD-R. Nel 2000, la prima linea di produzione di CD-R è stata messa in funzione in Russia presso l'Ural Electronic Plant.

Uno dei problemi principali dello sviluppo del business è l'alto livello di pirateria nel paese - 65-70%. In alcuni gruppi di repertorio raggiunge il 90%

Così, mercato russo in generale, si presenta così (separazione per tipo di supporto):

Tavolo № 10

DATI TOTALI DELLE VENDITE LEGALI E PIRATA IN MILIONI. $

* Conseguenze della crisi del 17 agosto 1998 Come si evince dalla tabella e dai dati, la musicassetta rimane il principale vettore della produzione musicale.

Tabella n. 11

VENDITE PER REPERTORIO IN MILIONI. EKZ. (MC+CD3).

Tabella n. 12

STRUTTURA DEL MERCATO PER REPERTORIO (% SUL TOTALE VENDITE LEGALI).

CHE COS'È L'APKA? CHE COS'È LA NAPA?

Per comprendere meglio lo stato del mercato video statunitense, si consideri l'attività della Motion Picture Producers Association of America (APCA). Questa è un'associazione professionale delle principali società cinematografiche, fotografiche e televisive negli Stati Uniti. I suoi membri includono aziende come Buena Vista Pictures Distribution (Walt Disney Company, Hollywood Pictures Corporation, Sony Pictures Entertainment, Columbia, Trista), Twentys Century Fox Film Corporation, Universal City Studios e Warner Bros.

APKA risolve molti problemi: protezione dei diritti d'autore e degli interessi delle società cinematografiche, video e televisive, prevenzione della pirateria video inasprendo le sanzioni per questo tipo di attività illegali. I legali dell'Associazione aiutano al meglio la Procura nella formulazione dell'addebito; raccogliere prove, garantire la partecipazione di testimoni ed esperti, condurre analisi legali e legali, calcolare l'importo del risarcimento.

Circa 100 investigatori dell'APKA operano in tutti gli Stati Uniti, assistendo la polizia nelle indagini sulle attività di "pirateria" e punendo i responsabili. Nel 1998, 2022 sono state condotte tali indagini. Secondo i risultati di 262 di essi, sono stati avviati procedimenti penali e sono state emesse decisioni giudiziarie. 52 autori sono stati condannati a pene detentive.

I membri dell'Associazione contribuiscono alle operazioni antipirateria in più di 70 paesi del mondo, inclusa la Russia. Affittano il loro

film in Russia attraverso organizzazioni che detengono le licenze russe appropriate come Cascade, East-West, Jemmy e Premier.

Dall'ottobre 1998, 32 film prodotti dagli studi membri dell'APKA sono stati legalmente distribuiti nei cinema russi per la proiezione. Tra questi: "Shakespeare in Love", "Armageddon", "Mummy", "Mask of Zorro", "The Adventures of Flick" e "Healer Adame". Inoltre, una serie di film viene presentata in video. I film nelle sale generalmente non sono soggetti a distribuzione simultanea su videocassette. Di solito questi ultimi vengono messi in vendita dopo la fine della distribuzione del film. Questo viene fatto per proteggere gli interessi dei distributori di film.

APKA supporta l'Organizzazione antipirateria russa - RAPO. L'amministrazione di RAPO si trova a Mosca e l'organizzazione stessa opera nelle grandi città di tutta la Russia. I membri di RAPO includono non solo gli studi cinematografici statunitensi e i loro titolari di licenza in Russia, ma anche organizzazioni indipendenti di distribuzione cinematografica russa, due società televisive russe, l'Unione russa dei cineasti, la Società russa dei collezionisti e l'Associazione video russa.

I dipendenti di RAPO assistono le forze dell'ordine e la polizia fiscale nell'indagare sulle fonti di prodotti piratati, nel condurre raid per identificare i suoi produttori e venditori. RAPO rappresenta esperti che possono identificare articoli di prodotti "piratati" e testimoniare in tribunale.

NAPA - Associazione Nazionale dei Produttori

distributori di prodotti audio in Russia. La decisione di creare l'Associazione nazionale dei produttori di prodotti audio della Russia è stata presa durante la prima riunione della Commissione dell'Europa orientale IFPI dopo la crisi di agosto (settembre 1998). Di conseguenza, NAPA è stata registrata nel giugno 1999.

Gli obiettivi principali di NAPA sono: preparazione in Russia sulla base di NAPA del gruppo nazionale IFPI, che alla fine si unirà al personale dell'ufficio di rappresentanza IFPI a Mosca; proteggere i diritti e gli interessi legittimi dei produttori di produzione audio - società musicali russe, combattere la riproduzione e la distribuzione di prodotti audio illegali e coordinare le attività dei titolari dei diritti sui prodotti audio al fine di rispettare la legislazione esistente sul territorio della Federazione Russa.

Attualmente, NAPA comprende le più grandi società russe e le principali società che hanno le proprie filiali e affiliate in Russia, come Universal, BMG, EMI (S.B.A.), Gala Records, Real Records Art-stars, Studio Soyuz, Producer Igor Matvienko Center, FeeLee Records Company, NOX-MUSIC e altri.

Ad oggi, NAPA ha sette organizzazioni che operano come affiliate in Russia. Sono in corso trattative con altre regioni. NAPA si sta espandendo attivamente "nell'entroterra", concentrandosi allo stesso tempo sulle regioni commerciali del paese, città con oltre un milione di persone.

La NAPA comprende molte aziende associate alla NAPA che sono anche membri dell'IFPI. Per comprendere questa costruzione, consideriamo prima la struttura dell'IFPI in altri paesi e nel mondo nel suo insieme.

La Federazione internazionale dell'industria fonografica (IFPI) riunisce le case discografiche, che a loro volta sono unite su base territoriale in gruppi nazionali. Cioè, la federazione è composta da gruppi nazionali di vari paesi, ad esempio gruppi nazionali di Germania, Stati Uniti, ecc. Fino ad ora, in Russia non esisteva un'associazione del genere. Nelle aree di business a rischio, IFPI inizia la sua attività aprendo uffici di rappresentanza. Dopo qualche tempo, a seconda delle dinamiche di sviluppo di ogni singolo paese, viene creato un gruppo nazionale IFPI di questo paese nel luogo di rappresentanza o con il suo aiuto. Le funzioni della rappresentanza della federazione in vari paesi (e anche in Russia) si riducono a spiegare al locale compagnie musicali il ruolo dell'IFPI nel business musicale internazionale, invitarli a diventare membri della federazione ed eventualmente creare un gruppo nazionale. Sfortunatamente, questo processo ha preso una "via russa speciale" nel nostro paese.

Il completamento della creazione del gruppo nazionale IFPI in Russia non è lontano. La NAPA è pienamente preparata per questo: l'Associazione è stata creata come nucleo del gruppo nazionale IFPI. Hanno scopi e obiettivi comuni: la legalizzazione del business musicale, l'assistenza legale e legale alle aziende associate all'IFPI, una lotta attiva contro la pirateria in Russia in generale, ma soprattutto nelle regioni con un milione di abitanti. Certo, un posto speciale è occupato dal lavoro a Mosca e nella regione di Mosca.

NAPA assiste le strutture statali nel miglioramento della legislazione nel campo del diritto d'autore e dei diritti connessi, partecipa come indipendente

esperti indipendenti nello sviluppo delle decisioni delle autorità statali e nella gestione in materia di business musicale.

Abbiamo anche istituito e gestito l'Associazione fonografica russa. È stato creato come un'organizzazione che unisce le società di registrazione del suono. Gli obiettivi principali erano la riscossione del compenso per la riproduzione pubblica e la distribuzione di denaro sicuro tra le società detentrici dei diritti d'autore.

Qualsiasi società nazionale operante legalmente sul mercato, riconoscendo i documenti statutari e operando nel campo della registrazione e della riproduzione del suono, può diventare membro della NAPA. Per aderire, è necessario presentare domanda alla NAPA con una domanda, allegando una serie di documenti statutari e di registrazione. La procedura è semplice, ma impone un'elevata responsabilità ai membri.

Tra luglio 1999 e luglio 200, NAPA in Russia ha esaminato 62.076 copie di supporti audio per contraffazione. Sono stati depositati ventidue ricorsi per assicurare alla giustizia persone colpevoli di uso illecito del diritto d'autore e dei diritti connessi, otto atti di citazione, cinque petizioni sono state inviate ai tribunali, cinque campagne antipirateria sono state condotte congiuntamente con le forze dell'ordine e l'IFPI, e si sono svolte quindici campagne in collaborazione con il Ministero degli affari interni.

L'Associazione è impegnata nello studio del mercato dei prodotti audio nella Federazione Russa, nella creazione di una banca dati di prodotti audio, produttori di audio e una rete commerciale di rivenditori e distributori - fino alle informazioni su ogni commercio

punto. Fornisce consulenza a enti statali, imprese, associazioni pubbliche e cittadini nel business della musica, promuove modi civili di sviluppo del mercato musicale, organizza seminari, simposi e stage in Russia e all'estero. Nel prossimo futuro - l'organizzazione di concorsi nazionali nel campo dell'industria musicale.

NAPA rappresenta i produttori audio russi nella Federazione internazionale dell'industria fonografica (IFPI) e partecipa alle sue attività (interagisce con altri gruppi nazionali).

Partner permanenti NAPA sono, in primo luogo, i detentori del copyright e, in secondo luogo, varie organizzazioni di esperti, tra cui il sistema di centri forensi del Ministero degli affari interni della Federazione Russa, il Centro per l'esame completo indipendente di sistemi e tecnologie, che conducono l'intera gamma possibile di studi ed esami dei prodotti sequestrati. In terzo luogo, le imprese impegnate nel trasporto e nello stoccaggio responsabile di prodotti contraffatti.

Attraverso una serie di perizie, è possibile dimostrare il fatto della produzione di prodotti contraffatti in una determinata impresa o, come dicono gli esperti, "legare" cassette audio a una macchina specifica, uno specifico dispositivo di registrazione del suono. In particolare, un nastro magnetico che si muove nel processo di registrazione di informazioni sonore su di esso presenta cambiamenti nello strato superficiale caratteristici di questo dispositivo di registrazione del suono, che

ed è rivelato in modo del tutto inequivocabile dall'esame investigativo.

La ricerca dei detentori del copyright viene effettuata in database che contengono informazioni sugli album nazionali (e l'Annuario musicale russo pubblicato dall'agenzia Inter Media aiuta molto in questo NAPA) e in pubblicazioni straniere. Qui NAPA si basa su database ricevuti da partner stranieri. È importante determinare la data della prima pubblicazione dell'opera e del fonogramma per ogni titolo. Una delle componenti essenziali dell'atto di esame o di ricerca è la determinazione dell'ammontare del danno arrecato agli aventi diritto a seguito dell'uso illecito di opere e fonogrammi. Un punto importante è il riconoscimento del detentore del copyright come attore civile.

Contanti, ottenuti dopo la lavorazione di prodotti contraffatti e la fabbricazione di prodotti legali dai materiali componenti rilasciati, sono distribuiti in una quantità concordata tra i titolari dei diritti, le imprese responsabili dello stoccaggio di prodotti contraffatti, il sistema delle imprese per la lavorazione di prodotti contraffatti prodotti e la fabbricazione di prodotti legali e il bilancio.

CHE COS'È "NOX"?

"NOX" è l'Associazione Nazionale comunità culturali. Le idee principali di "Knox" sono:

Conservazione e sviluppo delle culture nazionali ed etniche;

Propaganda del patrimonio culturale;

Unire le persone attraverso lo scambio culturale, rafforzando i legami amichevoli e fraterni tra i popoli;

Affermazione dell'orgoglio di ogni persona per la sua nazione;

Assistenza nel rafforzare la Russia come stato multinazionale in cui tutti i popoli sono uguali nei loro diritti.

Da molti anni diffondo l'idea che tutte le persone dovrebbero vivere in amicizia e pace, avere contatti negli affari ed essere reciprocamente arricchite attraverso legami culturali. Non dovrebbero esserci guerre sulla nostra terra. Dopotutto, le madri danno alla luce bambini per vita felice, sviluppare diligentemente i loro talenti, coltivare in loro i migliori sentimenti e, senza fallo, orgoglio per la loro nazione, perché in ogni nazione ci sono persone insolitamente talentuose.

Per risolvere i problemi della nostra società attraverso la cultura, ho creato NOX.

Ora è importante trovare persone di cui ci si possa fidare completamente nell'attuazione di queste idee. "NOX" dovrebbe diventare una vera fucina di tale personale. Trasmetto costantemente le mie idee ai manager, educo una nuova generazione di produttori, affido loro i miei progetti e li aiuto a realizzarli.