seni Jepun. seni Jepun

Himeji adalah salah satu istana tertua di Jepun.

Seni Jepun Zaman Purba
Budaya Jepun terbentuk dan berkembang dalam keadaan semula jadi dan sejarah yang istimewa. Jepun terletak di empat pulau besar dan banyak pulau kecil yang dihanyutkan oleh laut. Berada di pinggir timur, dia mengalami peningkatan dari semasa ke semasa, dan sekali lagi pengaruh budaya tanah besar seperti China dan Korea semakin pudar. Tempoh interaksi dengan dunia luar telah digantikan dalam sejarah Jepun dengan pengasingan budaya berabad-abad lamanya (tempoh dari ke-10 hingga ke-14 dan dari ke-17 hingga pertengahan abad ke-19). Keadaan yang terakhir menyumbang kepada pembangunan dan penyatuan banyak ciri unik budaya Jepun secara amnya dan seni khususnya. Pengenalan dengan budaya Barat berlaku pada abad ke-16, apabila ciri-ciri utama tamadun Jepun asal telah pun terbentuk. Sehingga tahun 1854, Jepun berdagang dengan China dan Belanda melalui hanya satu pelabuhan.

Dari penduduk purba kepulauan Jepun - pemburu dan nelayan - datang kapak batu, tempuling, mata anak panah dan kapal seramik ukiran tangan yang ditemui sebagai hasil penggalian arkeologi, yang menerima nama itu kerana corak "Jomon" yang dicetak pada mereka, yang bermaksud "jejak tali". Oleh itu, budaya Neolitik di Jepun juga dipanggil Jomon. Peneroka yang tiba dari Siberia, Polinesia, dan kemudian dari Korea dan China berdiri pada tahap yang berbeza perkembangan budaya. Ini menjelaskan fakta bahawa monumen kedua-dua era Neolitik dan Zaman Gangsa ditemui dalam beberapa lapisan budaya. Bahasa Jepun hampir dengan bahasa kumpulan Altaic. Apabila, akibat hubungan dengan budaya Cina, orang Jepun mengenali tulisan hieroglif Cina, ternyata sangat sukar untuk menyesuaikan hieroglif Cina untuk menyampaikan ucapan Jepun lisan.

Tempoh awal budaya Jepun, yang mana data yang boleh dipercayai telah dipelihara, dipanggil era kofuns (gundukan) - pengebumian, bahagian tanahnya adalah gundukan tanah dengan bentuk ciri - gabungan bulatan dan trapezoid, menyerupai lubang kunci, yang melambangkan penyatuan bumi dan air. Mereka bersaiz besar, mereka dikelilingi oleh parit berganda dengan air, rumput tumbuh di atas timbunan, dan di sepanjang perimeter dalam gundukan terdapat sosok tanah liat berongga manusia, haiwan, model bot dan rumah dari 30 cm hingga satu. dan setinggi setengah meter. Mereka dipanggil "haniwa". Di dalam ruang pengebumian terdapat keranda dengan wakil bangsawan yang mati, di mana objek ritual diletakkan: cermin, loceng dotaku, yang bunyinya sepatutnya menakutkan roh jahat dan menarik para dewa - penaung petani. Pengebumian raja-raja Yamato sentiasa mengandungi simbol ritual kuasa seperti loket jed dan pedang. Untuk meninggikan raja-raja klan Yamato, permulaan sejarah telah ditubuhkan, hierarki para dewa ditentukan, dewa Amaterasu ("Bersinar dari syurga") telah dipilih, yang memindahkan kuasa ke atas pulau-pulau Jepun kepada raja-raja Puak Yamato. Nama "Nippon" atau "Nihon", yang bermaksud "tanah matahari terbit", muncul pada abad ke-7. Pada tahun 608, perjalanan untuk belajar di China bermula, yang berterusan selama lebih daripada dua abad.

Dotaku - loceng gangsa ritual - silinder menyempit ke bahagian atas, dihiasi dengan gelung lebar dengan tebing kerinting, dindingnya dibahagikan kepada segi empat sama yang dipenuhi dengan imej grafik

Kepercayaan heterogen orang Jepun, yang mempunyai banyak ciri animisme dan fetisisme primitif, dicerminkan dalam Shinto. Shinto ("jalan para dewa") pada dasarnya mencerminkan idea Jepun tentang kerohanian alam semula jadi sejagat. Tidak terhitung apa yang dipanggil "kami" (semangat) wujud dalam objek landskap yang ajaib, seperti Tasik Biwa dan Gunung Fuji, dan dalam objek yang dicipta oleh orang - pedang, cermin, dikurniakan sifat ajaib kerana ini. Kuil Shinto dibezakan oleh kesederhanaan struktur kayunya: bilik satu dewan diletakkan di atas tiang, dikelilingi di semua sisi oleh beranda. Bahagian dalam kuil Shinto redup dan kosong. Orang percaya tidak masuk ke bait suci.

Tempoh para (645-794 AD)

Nara adalah nama ibu kota pertama dan satu-satunya bandar Jepun pada masa itu. Ini adalah masa penubuhan negara Jepun, pengenalan agama Buddha dan penciptaan monumen seni Buddha - kuil, pagoda, pelbagai patung dewa Buddha. Agama Buddha dalam tempoh ini bukanlah kepercayaan rakyat sebagai kesinambungan dasar mahkamah. Pelbagai aliran agama Buddha memainkan peranan yang sangat penting di mahkamah, pegangan tanah biara Buddha berkembang, para sami mempunyai pengaruh yang besar di mahkamah. Biara Buddha muncul, yang merupakan kumpulan bangunan kayu yang terletak di kawasan berdinding segi empat tepat. Yang paling penting ialah lorong lebar yang menuju ke pintu pagar hadapan, dataran di hadapan kuil, dan pagoda bertingkat yang boleh dilihat dari jauh. Kuil kayu dicat dengan lakuer merah, dinaikkan di atas asas batu, dan mempunyai bumbung berkembar melengkung lebar - irimoya.

Antara kuil Buddha awal ialah Asukadera, Horyuji, pembinaan kuil yang terakhir ini dimulakan pada 607 atas arahan Putera Mahkota Shotoku Taishi yang memerintah ketika itu. Biara ini terdiri daripada 53 bangunan yang terletak di kawasan seluas 90 ribu meter persegi. Fasad kuil menghadap ke selatan, bangunan utama terletak di paksi utara-selatan, zon suci di utara, terdapat dewan untuk khutbah - kodo, kondo dan pagoda lima peringkat. Di Horyuji terdapat 265 arca, imej arca utama adalah triniti Shakyamuni, yang diwakili oleh arca pengasas syahadat, diiringi oleh dua bodhisattva. Pada abad ke-8 di biara besar sudah ada bengkel pengukir. Pemujaan bodhisattva Kannon tersebar, yang namanya adalah terjemahan nama Sanskrit Avalokiteshvara (Perhatian kepada bunyi dunia). Dipenuhi dengan belas kasihan terhadap makhluk hidup, seorang bodhisattva dapat mendengar suara mereka yang menderita, di mana pun mereka berada. Kultus Avalokiteshvara berasal dari barat laut India dan merebak ke China. Dalam Sutra Teratai, dikatakan bahawa bodhisattva mengambil rupa makhluk yang memanggilnya. Di Jepun, penyebaran pemujaan Kannon membawa kepada kemunculan sejumlah besar imejnya - orang suci Kannon membantu di neraka, Kannon dengan kepala kuda menyebarkan belas kasihan kepada lembu, roh jahat - asura diselamatkan oleh seribu -bersenjata Kannon, Kannon dengan hutan nelayan menyelamatkan orang.

Zaman Heian (794-1185)

Pada tahun 794 ibu kota negeri itu dipindahkan ke bandar Heian (kini Kyoto). Semasa zaman Heian, budaya mahkamah yang canggih berkembang. Suku kata Jepun telah dicipta - kana (jap. - hieroglif yang dipinjam). Pada mulanya, hanya wanita yang menggunakan skrip ini, manakala skrip rasmi terus berbahasa Cina. Semasa abad X. tulisan wanita mula digunakan dalam amalan persendirian. Pada abad XI. zaman kegemilangan sastera klasik Jepun bermula, contoh cemerlangnya ialah novel "Genji Monogatari", yang dicipta oleh wanita istana Murasaki Shikibu.

Dalam seni Heian, tempat utama diduduki oleh imej Buddha dari mazhab esoterik Tendai dan Shingon yang berasal dari China pada masa itu, yang mengajar bahawa semua makhluk hidup mempunyai intipati Buddha. Dengan melatih roh dan badan, dengan memenuhi nazar, sesiapa sahaja boleh memperoleh intipati Buddha dalam proses beberapa kelahiran semula. Kuil-kuil mazhab ini dibina di atas puncak gunung dan tebing berbatu, kapel di dalamnya dibahagikan kepada dua bahagian. Di dalam, di mana imej suci terletak, orang percaya biasa tidak dibenarkan.

Era Heian adalah zaman kemewahan bagi kalangan pemerintah. Pada masa ini, jenis kediaman shinden telah terbentuk. Dinding dan keadaan iklim yang hangat bukanlah modal dan tidak mempunyai nilai rujukan. Mereka boleh dengan mudah dialihkan, digantikan dengan yang lebih tahan lama untuk cuaca sejuk, atau dikeluarkan sama sekali dalam cuaca panas. Terdapat juga tiada tingkap. Daripada kaca, ia diregangkan pada bingkai kekisi kertas putih yang membolehkan cahaya meresap masuk ke dalam bilik. Bumbung yang luas melindungi dinding dari kelembapan dan cahaya matahari. Bahagian dalamannya, tanpa perabot kekal, mempunyai dinding sekatan gelongsor, berkat yang memungkinkan, sesuka hati, untuk membuat sama ada dewan atau beberapa bilik terpencil kecil, lantai ditutup dengan tikar jerami - tatami, dengan saiz yang sama (180 sebanyak 90 cm).

Teks Confucian dan Buddha dibawa dari China semasa zaman Heian. Selalunya mereka dihiasi dengan imej. Pada mulanya, artis Jepun meniru "tempat terkenal" Cina, tetapi bermula dari abad ke-10. beralih kepada imej landskap dan adat resam negara asal. Lukisan “Yamato-e” direka, yang berbeza daripada lukisan Cina dengan menggunakan tema daripada puisi Jepun, cerpen, novel atau daripada legenda rakyat. Lukisan itu mendapat namanya dari nama wilayah Yamato - bahagian barat daya pulau Honshu, di mana kenegaraan Jepun dibentuk.
Imej itu sering mewakili skrol ilustrasi dengan teks yang sepadan, yang diambil dengan tangan dan dipusing dari kanan ke kiri, sambil membaca bahagian yang sepadan, ilustrasi yang mengikutinya dipertimbangkan.

Lukisan Yamato-e memuncak pada zaman Heian lewat. Pada masa ini, muncul artis profesional yang melukis gambar pada subjek sekular pada skrin, partition gelongsor (shoji) dan skrol - emakimono. Skrol tertua ialah Genji Monogatari. Skrol Emakimano adalah cerita bergambar. Skrol "Genji-monogatari-emaki", novel terkenal oleh Murasaki Shikibu, telah bertahan hingga ke hari ini, menggambarkan kehidupan terbiar golongan bangsawan dalam warna terang, ia adalah sintesis kaligrafi, kesusasteraan dan lukisan. Dalam 19 daripada 54 bab novel yang masih hidup, ilustrasi tidak mempunyai satu plot dan melalui tindakan. Kebanyakan adegan yang digambarkan berlaku di bahagian dalam, semua yang kelihatan ditunjukkan dari atas, tidak ada titik garis yang hilang, korespondensi angka dan seni bina berskala besar, wajah semua watak adalah sama, hanya gaya rambut dan pakaian yang berbeza . Subjek utama perhatian artis adalah pemindahan kandungan emosi peristiwa yang berlaku dalam novel, yang diketahui semua orang. Teknik utama adalah pembinaan ruang dan penggunaan kemungkinan warna. Untuk penghantaran keadaan dalaman watak dan suasana setiap adegan, adalah penting bagi artis pada sudut mana yang berkaitan dengan tepi bawah skrol garis pepenjuru diarahkan, menunjukkan sama ada rasuk struktur, atau cucur tirai, atau tepi daripada beranda. Bergantung pada tahap ketegangan emosi, sudut ini berbeza dari 30 hingga 54 darjah.

Bodhisattva - Kannon muncul di China, Korea dan Jepun terutamanya dalam bentuk wanita, di tangan dengan jag, dahan willow dan laso

Tiada partition di rumah bangsawan; artis terbaik melukis gambar yamato-e pada skrin dan langsir. Lukisan Yamato-e disatukan dengan karya sastera, yang juga diletakkan pada skrin dan tirai. Dalam antologi puisi abad X-XIII. ayat-ayat yang ditulis pada skrin abad ke-9-10 adalah perkara biasa. Bilangan terbesar puisi tersebut terkandung dalam antologi "Sui-shu". Sama seperti puisi tentang empat musim, begitu juga lukisan untuk skrin. Selaras dengan lagu-lagu rakyat, sistem formula puisi tertentu berkembang, dan kemudian menjadi asas puisi klasik Jepun. Jadi, tanda musim bunga ialah jerebu berkabus, pokok willow, tanda musim panas - burung kukuk, jangkrik, musim luruh - daun maple merah, rusa, bulan, musim sejuk - salji dan bunga plum.

Kyoto adalah permata purba Jepun.

Banyaknya homonim dalam bahasa itu memungkinkan untuk memberikan banyak makna kepada ayat-ayat tersebut. Tema dan plot memungkinkan, melalui perincian atau pembayang, dalam bentuk puisi yang sangat padat (31 suku kata setiap tanka), untuk menyatakan kepelbagaian semua warna keadaan emosi. Terdapat peralihan beransur-ansur daripada skrin dengan teks kepada skrin tanpa teks. Beginilah bagaimana pecahan genre bergambar sebenar dibentuk - shiki-e (“gambar empat musim”) dan mei-se-e (“gambar tempat terkenal”).
Komposisi lukisan tersebut tidak sesuai dengan mana-mana kategori lukisan Cina. Gabungan terbesar alam dan manusia akan menjadi ciri pelbagai genre seni Jepun.

Zaman Kamakura (1185-1333) dan zaman Muromachi (1333-1568)

Pada penghujung abad ke-12, ibu kota dipindahkan lagi, kuasa dalam negara akibat pergaduhan sivil berdarah telah dirampas oleh puak Minamoto, yang kepalanya memindahkan ibu kota ke penempatannya di Kamakura, yang namanya menjadi nama peringkat seterusnya dalam sejarah Jepun. Kelas tentera samurai berkuasa di negara itu, dari antaranya muncul shogun - penguasa tentera Jepun yang sebenarnya, maharaja, yang kekal di Nara, hanya mengekalkan sifat kuasa nominal. Kecanggihan budaya istana samurai lebih mengutamakan kesederhanaan. Biara-biara mazhab Zen tidak lagi termasuk pagoda, kuil-kuil itu menyerupai pondok luar bandar. Dari akhir abad XIII. di bawah pengaruh idea panteistik mazhab Zen, landskap mula merangkumi idea kehadiran dewa Buddha dalam mana-mana objek landskap. Di biara Kamakura, ikonografi potret Patriark Minsk telah berkembang: pose duduk dan tenang dengan ciri wajah yang ditekankan, kuasa hipnosis pandangan. Di bawah pengaruh mazhab Zen, arca diturunkan ke latar belakang, lukisan, terutamanya lukisan landskap, menyatakan sikap masyarakat zaman ini.

Zaman Muromachi bermula dengan peristiwa 1333, apabila raja-raja feudal di wilayah tenggara pulau Honshu menawan dan membakar Kamakura, mengembalikan ibu kota kepada Heian. Ia adalah masa perselisihan dalaman dan peperangan puak feudal. Memimpin untuk masa kesusahan adalah ajaran penganut mazhab Zen bahawa, setelah mencapai perpaduan dengan alam, seseorang dapat menerima kesusahan hidup dan mencapai perpaduan dengan dunia. Di tempat pertama dalam seni Jepun, di bawah pengaruh ajaran Zen bahawa "tubuh" Buddha adalah alam semula jadi, maju. lukisan landskap. Pada separuh kedua abad XII. lukisan dengan dakwat hitam meresap masuk ke Jepun dari China. Orang Jepun yang kebanyakannya mengamalkan lukisan sedemikian adalah ahli mazhab Zen. Mereka mencipta gaya baru yang menjelaskan akidah baru (shigaku - gabungan lukisan dan puisi). abad ke-15 dan ke-16 - masa lukisan dakwat berkembang maksimum, tuan terkemuka yang adalah Sesshu Toyo (1420-1506). Selari dengan gaya ini, gaya yamato-e juga wujud.

Perubahan dalam hubungan sosio-politik, yang membawa kelas tentera ke hadapan, juga membawa kepada kemunculan pada abad ke-16. Gaya seni bina Sein. Isipadu rumah yang dahulunya tunggal kini dibahagikan dengan bantuan pintu gelangsar (shoji), sekatan gelongsor (fusuma). Tempat khas untuk kelas muncul di dalam bilik - rak untuk buku dan tingkap dengan ambang tingkap yang luas dan ceruk (tokonoma) di mana sejambak atau batu berbentuk aneh diletakkan dan skrol menegak digantung.

Pada abad XVI. Dalam sejarah seni bina Jepun, astaka teh muncul berkaitan dengan keperluan untuk menjalankan upacara minum teh yang betul. Teh dibawa ke Jepun semasa zaman Kamakura oleh sami Buddha sebagai ramuan. Upacara minum teh (cha-no-yu) telah diperkenalkan atas inisiatif sami Zen Murata Shuko dan memerlukan kaedah khas untuk pelaksanaannya. Oleh itu, jenis struktur seni bina baru telah dibentuk - chashitsu (pavilion untuk upacara minum teh), dalam asas konstruktifnya ia berhampiran dengan bangunan kediaman, dan dalam fungsinya - ke kuil Buddha. Penyokong astaka teh adalah kayu, silingnya disiapkan dengan buluh atau buluh. Di dalam pondok yang dibarisi tikar, 1.5 atau 2 tatami dengan dinding adobe, tingkap kecil yang berbeza aras, ceruk tokonoma dengan landskap monokrom yang tergantung dan bunga dalam pasu, terdapat perapian, rak untuk perkakas.

Semasa zaman Muromachi, seni berkebun berkembang pesat. Taman Jepun adalah berbeza. Taman-taman kecil paling kerap terletak di kuil atau dikaitkan dengan rumah tradisional, ia direka untuk dilihat. besar taman berlandskap direka untuk dilihat dari dalam.

Kondo - (jap. dewan emas) - kuil utama kompleks Buddha, mengandungi ikon, patung, lukisan dinding

Taman kuil Zen dibina mengikut prinsip skrol landskap monokrom. Daripada sehelai kertas, artis menggunakan hamparan tasik atau platform yang ditutupi dengan batu kerikil, bukannya noda dan kotoran tebal - batu, lumut, dedaunan pokok dan pokok renek. Secara beransur-ansur, bunga hilang dari taman, mereka digantikan oleh lumut dan pokok renek, batu mula digunakan sebagai ganti jambatan. Beberapa taman adalah landskap, berbukit (tsukiyama). Taman Tsukiyama adalah gabungan unsur semula jadi seperti batu, lumut, pokok, kolam, dengan pavilion wajib di pantai. Taman landskap tertua terletak di Kyoto dan kepunyaan Biara Sohoji. Taman kering dipanggil "hiraniva", i.e. rata. Hiraniva adalah taman "falsafah", kerana dia menuntut imaginasi yang dikembangkan daripada penonton. Taman hiraniwa “tertinggal dari batu, pasir, kerikil. Ditutup pada tiga sisi oleh dinding yang mengelilinginya, taman itu hanya bertujuan untuk renungan. Pada akhir abad XV. mencipta salah satu taman kering yang paling terkenal di biara Ryoanji. Ia termasuk 15 batu yang terletak di kawasan kerikil segi empat tepat. Di taman hiraniwa Biara Daitokuji, yang dicipta pada tahun 1509, alam semula jadi diwakili oleh komposisi batu dan kerikil. Salah satu bahagian taman itu dipanggil "lautan kekosongan" dan terdiri daripada dua bukit kerikil rendah di tengah-tengah kawasan segi empat tepat. Taman boleh saling melengkapi.

Pada akhir abad XV. sekolah mahkamah lukisan hiasan Kano telah dibentuk. Pengasas sekolah Kano Masanobu (1434-1530) berasal dari kelas tentera, menjadi artis profesional mahkamah yang diiktiraf. Landskapnya hanya ada latar depan, segala-galanya diselubungi jerebu berkabus. Penekanan pada satu subjek imej tertentu akan menjadi ciri sekolah Kano. Tempat utama dalam karya artis sekolah Kano diduduki oleh lukisan dinding hiasan dan skrin dengan lukisan genre. Lukisan dinding telah menjadi komponen utama sintesis dengan bentuk seni bina dan satu cara untuk mempengaruhi makna kiasan ruang seni bina. Sebaliknya, ciri-ciri bentuk seni bina memerlukan kualiti gaya tertentu lukisan, itulah sebabnya kanun gaya baru dibentuk secara beransur-ansur, yang dipelihara dalam lukisan Jepun sehingga abad ke-19.

Shinden ialah sejenis bangunan kediaman. Pelan segi empat tepat, bangunan utama satu dewan, menghadap dataran dengan muka depan selatannya, dan dibingkai oleh galeri dari timur dan barat

Tempoh Momoyama (1X73-1614)

Dan kali ini era perang feudal berakhir, kuasa di negara itu diserahkan kepada diktator tentera berturut-turut - Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi dan Iyaesu Tokugawa. Ia adalah masa pertumbuhan bandar, sekularisasi dan pendemokrasian budaya, penembusan orientasi nilai baru. Seni bina kultus telah kehilangan kepentingannya dahulu. Pemerintah baru Jepun mengisytiharkan kuasa mereka dengan membina istana yang megah, pembinaannya disebabkan oleh kemunculan senjata api di Jepun dan perubahan yang sepadan dalam taktik pertempuran dan pertahanan. Istana ini telah menjadi jenis seni bina Jepun yang pada asasnya baru. Wilayah istana yang terletak tidak simetri, dikelilingi oleh parit dan menara pengawal dan sudut, termasuk dataran tengah dan banyak halaman dan bilik, tempat perlindungan dan laluan bawah tanah. Tempat tinggal terletak di dalam bangunan kayu yang terletak di wilayah istana dengan hierarki ruang dalaman yang ketat, mencerminkan hierarki sosial. Bahagian dalam istana, tenggelam dalam senja, paling sesuai untuk lukisan dinding hiasan, bersaiz besar, dipenuhi dengan warna-warna terang pada latar belakang emas.

Kano Eitoku (1543-1590). Pencipta gaya baru mural, direka untuk memuliakan diktator tentera. Dia adalah orang pertama yang mengembangkan prinsip komposisi tunggal pada permukaan mendatar yang besar, membesarkan bentuk, meninggalkan butiran kecil untuk menyampaikan bukan sahaja siluet, tetapi juga dinamik bentuk mereka. Eitoku dicirikan oleh keinginan untuk meningkatkan kerataan gambar, untuk meningkatkan kualiti hiasannya. Jadi, di tempat-tempat yang melambangkan ruang kosong, terdapat bintik-bintik dengan campuran serbuk emas. Ruang komposisi terbentang bukan secara mendalam, tetapi sepanjang pandangan.
Pada tahun 1576, di tepi Tasik Biwa, sebuah istana yang tidak diketahui sehingga kini telah didirikan dengan menara tujuh tingkat yang sangat besar, yang sepatutnya menunjukkan kuasa diktator Oda Nobunaga. Ciri istana adalah kehadiran bukan sahaja bilik rasmi, tetapi juga bilik persendirian. Hiasan utama bilik adalah lukisan dinding, yang telah ditugaskan untuk dijalankan oleh Kano Eitoku, yang mengerjakannya selama tiga tahun dari kumpulan besar pembantu. Kano Eitoku, yang tergesa-gesa oleh diktator dengan pelaksanaan perintah itu, mula membesarkan borang, menggunakan berus tebal yang diperbuat daripada jerami padi, menggunakan laconic bahasa seni. Tempat utama diduduki oleh imej pokok, bunga, burung dan haiwan. Skema warna itu terang, tidak ada nuansa warna.

Perubahan keadaan sosial di negara itu selepas shogun Tokugawa berkuasa membawa kepada pengharaman pembinaan istana.
Dalam karya artis sepertiga pertama abad XVII. sifat baru mula mengambil alih. Dalam lukisan, keinginan untuk komposisi yang seimbang dan tenang, pertumbuhan bentuk hiasan, minat terhadap budaya era Heian dan karya yamato-e menjadi lebih ketara. Ciri tersendiri sekolah Kano pada masa ini ialah hiasan dan peningkatan hiasan. Apabila pada suku kedua abad XVII. pembinaan istana dilarang, skrin menjadi bentuk utama lukisan hiasan. Monumentaliti Kano Eitoku meninggalkan lukisan hiasan. Seni memperoleh pewarna peribadi yang mempengaruhi kualiti gayanya. lukisan hiasan kurun ke 17 paling sering diilhamkan oleh wira dan tema kesusasteraan klasik, mencerminkan pelbagai minat golongan bangsawan puak, dan dachshund golongan elit borjuasi yang baru muncul. Lukisan hiasan dibangunkan di ibu kota lama - Kyoto.

Ogata Korin menjadi jurucakap untuk cita rasa pengguna baru seni - penduduk kota, pedagang dan tukang. wakil baru sekolah Kano.

Emakimano ialah skrol mendatar yang diperbuat daripada kertas atau sutera yang ditampal pada tapak yang dibingkai dengan sempadan brokat dengan penggelek kayu di hujungnya.

Ogata Korin (1658-1716) hidup seperti pengaut kaya, sentiasa melawat "daerah yang menyeronokkan". Hanya selepas kehancuran, berhadapan dengan keperluan yang teruk untuk mencari nafkah, dia mula melukis kain dan melukis. Ogata Korin berurusan dengan kedua-dua seramik dan barangan lakuer, kimono dicat dan kipas. Bagaimana
tuan, dia bermula dengan berkenalan dengan lukisan tradisional dan tekniknya. Korin sentiasa berusaha untuk kekompakan, keseimbangan bentuk, ciri ciri cara kreatifnya - fokus pada pembangunan beberapa motif plot, pengulangan dan variasi berulang mereka. Dalam karya Ogata Korin, buat pertama kalinya, kerja dari kehidupan muncul. Dalam lukisan skrin "Pokok Plum Merah dan Putih", motif plot yang diambil oleh Korin kembali kepada puisi klasik dengan imej awal musim bunga dan alam semula jadi kebangkitan. Di kedua-dua belah sungai, pada latar belakang emas, pokok-pokok berbunga ditulis: kekar, dengan batang melengkung tebal dan cawangan hampir menegak, pokok plum merah dan satu lagi, hanya ditunjukkan oleh kaki batang dan melengkung tajam, seolah-olah jatuh ke air, dan oleh itu tiba-tiba menembak dahan, bertaburan dengan bunga putih.

Elang Kano Eitoku di atas pokok pain. Skrin. Perincian dari akhir abad ke-16.

Ogata Kenzan (1663-1743), berbeza dengan abangnya Ogata Korin, tertarik dengan nilai-nilai rohani sejak mudanya, adalah pengikut Zen Buddhisme, tahu kesusasteraan klasik Cina dan Jepun, Tiada teater, upacara minum teh. Di wilayah milik kuil Ninnaji, Kenzan mendapat kebenaran untuk membina tanur seramiknya sendiri, yang menghasilkan produk selama 13 tahun sehingga 1712. Dia tidak berusaha untuk mendapatkan keuntungan, dia dipandu oleh idea untuk mencipta produk yang sangat artistik. . Buat pertama kalinya, beliau menggunakan teknik lukisan dakwat tradisional dalam lukisan volumetrik. Kenzan mula menggunakan warna, dia menulis pada serpihan lembap, tanah liat berliang menyerap cat, seperti kertas dalam lukisan dakwat. Seperti penyair kontemporarinya yang hebat Basho, yang menjadikan genre haiku rendah popular menjadi wahyu, Ogata Kenzan menunjukkan bahawa pinggan seramik biasa, cawan, pasu boleh menjadi objek utilitarian dan pada masa yang sama karya seni puitis.

Zaman Edo (1614-1868)

Pada tahun 1615, samurai telah ditempatkan semula dari Kyoto ke Edo. Kepentingan golongan pedagang, pedagang dan pemakan riba, yang tertumpu di Mara, Kyoto dan Osaka, meningkat. Wakil-wakil kumpulan sosial ini dicirikan oleh persepsi kehidupan duniawi, keinginan untuk membebaskan diri mereka daripada pengaruh moral feudal. Buat pertama kalinya, seni menangani tema kehidupan seharian, termasuk kehidupan yang dipanggil. kawasan kejiranan yang menyeronokkan - dunia rumah teh, teater Kabuki, ahli gusti sumo. Penampilan potongan kayu dikaitkan dengan pendemokrasian budaya, kerana ukiran dicirikan oleh peredaran, murah dan mudah diakses. Mengikuti lukisan setiap hari, ukiran mula dipanggil ukiyo-e (secara harfiah - dunia yang boleh berubah-ubah).

Penghasilan ukiran telah mendapat skop yang luas. Tempoh awal dalam pembangunan grafik ukiyo-e dikaitkan dengan nama Hasikawa Moronobu (1618-1694), yang menggambarkan adegan yang tidak rumit dari kehidupan penduduk rumah teh, tukang, menggabungkan acara pada masa yang berbeza, tidak berkaitan dengan setiap lain, pada satu ukiran. Latar belakang ukiran kekal putih, garisan jelas. Secara beransur-ansur, pelbagai topik ukiran berkembang, minat bukan sahaja pada luaran, tetapi juga dalam dunia dalaman watak menjadi lebih mendalam. Ukiran Jepun pada 1780-1790. memasuki zaman kegemilangannya. Suzuki Haranobu (1725-1770) mula didedahkan dunia dalaman wira dalam ukiran seperti "Cantik memetik dahan plum", "Kekasih di taman yang dilitupi salji". Dia adalah orang pertama yang menggunakan teknik rolling, yang mencipta peralihan daripada gelap kepada nada terang, mempelbagaikan ketebalan dan tekstur garisan. Dia tidak pernah peduli tentang warna sebenar, laut dalam ukirannya berwarna merah jambu, langit berpasir, rumput berwarna biru, semuanya bergantung pada mood emosi umum tempat kejadian. Salah satu karya terbaiknya, "Lovers Playing the Same Shamisen," telah diilhamkan oleh peribahasa Jepun "Jika muzik menggalakkan cinta, bermain."

Tokonoma - niche di pedalaman rumah teh

Kitagawa Utamaro (1753-1806) - seorang tuan ukiyo-e yang cemerlang. Kerjanya bermula dengan album "The Book of Insects", "Songs of Shells". Dalam potret wanita separuh panjang dan dada, Utamaro buat kali pertama menggunakan serbuk mika, yang menghasilkan latar belakang yang berkilauan. Utamaro yang cantik sempurna dengan bentuk yang anggun dan kepala yang sesuai,
leher nipis, mulut kecil, kening hitam pendek. Dalam siri "Sepuluh Watak Wanita" dan "Hari dan Jam Wanita" dia berusaha untuk mengenal pasti pelbagai jenis penampilan dan watak wanita. Pada akhir 90-an. di Utamaro, dia membahas tema keibuan dalam ukiran seperti "Ibu dengan Anak" dan "Permainan Bola", pada masa yang sama dia mencipta triptychs dan polyptychs pada tema sejarah, menggunakan sebutan tidak langsung (wira negara digambarkan sebagai jelita). Teshusai Shyaraku mencipta satu siri potret pelakon teater kabuki dan ahli gusti sumo. Dia meninggalkan tradisi yang diterima umum, menjadikan yang aneh sebagai teknik utamanya. Tempoh ketiga dalam pembangunan cetakan ukiyo-e jatuh pada 1800-1868. Pada masa ini, pengaruh goresan Belanda dan Jerman terhadap seni Jepun meningkat. Untuk kreativiti dinasti artistik Utagawa, penolakan pencarian keperibadian, keinginan untuk keanggunan formal menjadi watak. Zaman kegemilangan genre landskap dalam ukiran dikaitkan dengan nama Katsushika Hokusai (1760-1849). Hokusai mempelajari seni Jepun kuno dan moden, mengetahui seni China dan berkenalan dengan ukiran Eropah. Sehingga hampir 50 tahun, Hokusai bekerja dengan cara tradisional artis ukiyo-e. Hanya dalam album Manga (buku sketsa), jilid pertama yang diterbitkan pada tahun 1812, Hokusai menemui bidang seninya. Sekarang dia melukis pemandangan setiap hari, landskap, orang ramai.

taman landskap jepun

Pada usia 70 tahun, Hokusai mencipta sirinya "36 Pemandangan Gunung Fuji", pada setiap ukiran artis menggambarkan Gunung Fuji. Gabungan tema genre dengan landskap adalah ciri Hokusai. Tidak seperti pelukis landskap purba, Hokusai menunjukkan bumi dari bawah. Pada masa yang sama, dia mencipta siri "Perjalanan melalui air terjun negara", "Jambatan", "Bunga Besar", "100 Pemandangan Fuji". Hokusai boleh memindahkan sesuatu daripada sisi yang tidak dijangka. Dalam ukiran 100 Pemandangan Fuji, gunung sama ada muncul dari kegelapan malam, seperti penglihatan, atau kelihatan di sebalik tangkai buluh, atau dipantulkan di tasik. Pengikut Hokusai Ando Hiroshige (1797-1858) melukis alam dengan lebih realistik. Seorang ejen sungai mengikut profesionnya, dia banyak mengembara ke seluruh negara, mencipta sirinya "53 Stesen Tokaido", "8 Pemandangan Tasik Omi", "69 Pemandangan Kishikaido". Seni Hiroshige mendekati lukisan Eropah, melengkapkan zaman kegemilangan dua ratus tahun ukiran ukiyo-e.

Dia mencipta lukisannya semasa zaman Taise (1912-26) dan Showa awal. Beliau dilahirkan pada tahun 1891
tahun di Tokyo, adalah anak kepada wartawan Kishida Ginko. Pada tahun 1908 beliau lulus dari sekolah, pada usia
Pada usia 15 tahun dia menjadi seorang Kristian dan menumpukan dirinya kepada aktiviti gereja, kemudian Kishida
Ryūsei mempelajari gaya seni Barat di studio Hakubakai di bawah
Seiki Kuroda (1866-1924), yang merupakan salah seorang pengasas Akademi Seni di Jepun.
Sudah pada tahun 1910, artis muda mula mempamerkan karyanya di tahunan itu
Pameran Negeri Banten. Karya awalnya, terutamanya landskap, telah dilukis
sangat dipengaruhi dan bergema gaya gurunya Kuroda Seiki.

Potret Reiko

Kemudian, artis itu bertemu dan berkawan dengan Musanoka Saneatsu (Mushanokoji Saneatsu),
yang memperkenalkan artis kepada masyarakat Shirakaba ( Birch putih) dan memperkenalkan Eropah
Fauvisme dan Kubisme. Pembentukan Kishida Ryūsei sebagai artis berlaku pada yang pertama
dekad abad kedua puluh, apabila ramai artis muda Jepun pergi belajar
melukis di luar negara, terutamanya ke Paris. Kishida Ryūsei tidak pernah ke Eropah dan
tidak belajar dengan sarjana Eropah, tetapi pengaruh pasca-impresionisme Eropah ke atasnya
sangat besar, terutamanya karya Van Gogh dan Cezanne. Dari akhir tahun 1911 hingga awal
1912 beliau telah diilhamkan oleh karya-karya kontemporari artis Perancis, dengan kerja-kerja yang
Dia bertemu dalam majalah Shirakaba dan melalui buku bergambar. Kerja awalnya jelas
dicipta di bawah pengaruh Henri Matisse dan Fauvis.

Potret diri dengan topi, 1912
gaya: fauvisme

Pada tahun 1912, pada usia dua puluh satu, Kishida Ryūsei memulakan kerjaya sebagai
artis profesional, pameran solo pertamanya berlangsung di
Galeri Seni Rokando. Pada tahun yang sama, artis itu menganjurkannya
Fyizankai Art Circle untuk mengkaji dan mempromosikan
pasca-impresionisme.

Taman Presiden Syarikat Kereta Api Manchurian Selatan 1929

Tidak lama kemudian bulatan itu pecah kerana konflik dalaman selepas mengadakan dua pameran.
Dari kira-kira 1914, artis itu meninggalkan Fauvisme, gaya awalnya. Pada tahun 1915
tahun, Kishida Reisai mencipta kumpulan Shodosa, di mana rakan utamanya, pelajar
dan artis Michisai Kono adalah pengikut.

Laluan pada Awal Musim Panas 1917
gaya: yoga-ka

Sejak masa itu, dia telah mengembangkan gaya uniknya sendiri sebagai tuan yang hebat, dalam bahasa Jepun
dalam bahasa ia dipanggil "shajitsu" atau "shasei", biasanya diterjemahkan ke dalam bahasa Rusia sebagai realisme.
Artis menyederhanakan bentuk, mencari warna yang unik, semua ini berasal dari seni
Cezanne. Walaupun Kishida Reisai sangat menghargai seni Perancis, tetapi dalam tempoh kemudian dia
dianggap seni timur jauh lebih unggul daripada seni barat.

Jalan Dipotong Melalui Bukit, 1915
gaya: yoga-ka

Potret Bernard Leach, 1913
gaya: fauvisme

Potret diri, 1915,
gaya: yoga-ka

Potret diri, 1913,
gaya: yoga-ka

Potret diri, 1917,
gaya: yoga-ka

Potret seorang lelaki
gaya: yoga-ka

Bermula sekitar 1917, artis itu berpindah ke Kugenuma Fujisawa di kawasan Kanagawa. Dia mulakan
mengkaji gaya dan teknik artis renaissance Eropah utara seperti
Dürer dan Van Dyck. Dalam tempoh ini dia melukis siri lukisan terkenal anak perempuan Reiko,
yang menggabungkan hampir realisme fotografi dengan surreal
unsur hiasan. Pada awal 1920-an, Kishida Ryūsei mengambil minat
unsur seni oriental khususnya kepada lukisan cina"Lagu" dan
"Dinasti Yuan".

"Potret Sanada Hisakichi"

Semasa Gempa Besar Kanto pada tahun 1923, rumah artis di Kugenum adalah
musnah, Kishida Ryūsei berpindah ke Kyoto untuk tempoh yang singkat, selepas itu pada bulan Februari
1926 kembali menetap di Kamakura. Pada tahun 1920-an, artis melukis banyak
artikel tentang estetika dan sejarah lukisan Jepun.

Cawan Teh Mangkuk Teh dan Tiga Epal Hijau, 1917
gaya: sezannisme

Masih hidup, 1918,
gaya: sezannisme

Dua Epal Merah, Cawan Teh, Mangkuk Teh dan Sebotol, 1918
gaya: sezannisme

Pada tahun 1929, dengan bantuan Kereta Api Manchuria Selatan, Kishida Ryūsei membuat
satu-satunya perjalanan asing dalam hidup saya, melawat Dalian, Harbin dan Fengtian
di Manchuria. Dalam perjalanan pulang, dia singgah di bandar Tokuyama, sebuah daerah
Yamaguchi, di mana dia tiba-tiba mati akibat keracunan diri akut pada badan. Kishida Ryusei
mencipta potret, landskap dan masih hidup sehingga kematian awalnya pada usia
38 tahun. Kubur artis itu terletak di Tanah Perkuburan Tama Reien di Tokyo. Selepas kematian
Kishida Ryūsei kepada dua lukisannya Agensi Kerajaan Jepun untuk Hal Ehwal Kebudayaan
dianugerahkan gelaran "Harta Budaya Negara". Pada Disember 2000, salah satu daripada
potretnya anak perempuannya Reiko dengan sapu tangan di bahunya dijual pada harga 360 juta yen, yang
menjadi harga tertinggi di lelongan lukisan Jepun.

Kandungan artikel

SENI JEPUN. Sejak zaman purba, seni Jepun telah dicirikan oleh kreativiti aktif. Walaupun bergantung kepada China, di mana trend artistik dan estetik baharu sentiasa muncul, artis Jepun sentiasa memperkenalkan ciri baharu dan mengubah seni guru mereka, memberikan rupa Jepun.

Sejarah Jepun seperti itu mula mengambil bentuk yang pasti hanya pada akhir abad ke-5. Sebilangan kecil item sejak abad sebelumnya (zaman kuno) telah ditemui, walaupun beberapa penemuan yang dibuat semasa penggalian atau semasa kerja pembinaan bercakap tentang bakat seni yang luar biasa.

zaman kuno.

Karya seni Jepun yang tertua ialah periuk tanah liat jenis Jomon (terasan tali). Nama itu berasal dari hiasan permukaan dengan kesan lingkaran tali yang dililit pada kayu yang digunakan oleh tuan untuk membuat kapal. Mungkin, pada mulanya, tuan secara tidak sengaja menemui cetakan rotan, tetapi kemudian mereka mula menggunakannya secara sedar. Kadangkala keriting tanah liat seperti tali tersangkut di permukaan, mencipta kesan hiasan yang lebih kompleks, hampir melegakan. Arca Jepun pertama berasal dari budaya Jomon. Dogu (lit. "imej tanah liat") seseorang atau haiwan mungkin mempunyai beberapa jenis kepentingan keagamaan. Imej orang, kebanyakannya wanita, sangat mirip dengan dewi tanah liat budaya primitif lain.

Analisis radiokarbon menunjukkan bahawa beberapa penemuan dari budaya Jomon mungkin bermula sejak 6000–5000 SM, tetapi tarikh awal sedemikian tidak diterima umum. Sudah tentu, hidangan sedemikian telah dibuat untuk masa yang lama, dan walaupun tarikh yang tepat belum dapat ditentukan, tiga tempoh dibezakan. Sampel tertua mempunyai tapak yang runcing dan hampir tidak berhias, kecuali kesan alat tukang periuk. Kapal zaman pertengahan dihiasi dengan lebih mewah, kadangkala dengan unsur-unsur acuan yang mencipta kesan kelantangan. Bentuk kapal tempoh ketiga sangat pelbagai, tetapi hiasannya kembali rata dan menjadi lebih terkawal.

Kira-kira pada abad ke-2. BC. Seramik Jōmon memberi laluan kepada seramik Yayoi, dicirikan oleh keanggunan bentuk, kesederhanaan reka bentuk dan kualiti teknikal yang tinggi. Serpihan kapal menjadi lebih nipis, perhiasannya kurang aneh. Jenis ini berlaku sehingga ke-3 c. AD

Dari sudut seni, mungkin karya terbaik tempoh awal ialah khaniva, silinder tanah liat sejak abad ke-3–5. AD Monumen ciri zaman ini ialah bukit besar, atau kuburan, struktur perkuburan maharaja dan bangsawan yang berkuasa. Selalunya saiznya sangat besar, ia adalah bukti kuasa dan kekayaan keluarga diraja dan pembesar istana. Pembinaan struktur sedemikian untuk Maharaja Nintoku-tenno (c. 395–427 AD) mengambil masa 40 tahun. Ciri yang paling luar biasa dari barrows ini ialah silinder tanah liat yang mengelilingi mereka seperti pagar, khaniva. Biasanya silinder ini agak mudah, tetapi kadangkala ia dihiasi dengan figura manusia, kurang kerap dengan figura kuda, rumah atau ayam jantan. Tujuan mereka adalah dua: untuk mencegah hakisan jisim besar bumi dan untuk membekalkan si mati dengan segala yang diperlukan yang digunakannya dalam kehidupan duniawi. Sememangnya, silinder dibuat serta-merta dalam kuantiti yang banyak. Kepelbagaian tema, mimik muka dan gerak isyarat figura yang menghiasi sebahagian besarnya adalah hasil improvisasi tuan. Walaupun fakta bahawa ini adalah lebih banyak karya artisan, bukannya artis dan pengukir, mereka adalah sangat penting sebagai orang Jepun yang betul. bentuk seni. Bangunan-bangunan, kuda-kuda yang dibalut selimut, wanita-wanita prima dan pahlawan-pahlawan mempersembahkan gambaran yang menarik tentang kehidupan tentera Jepun feudal awal. Ada kemungkinan bahawa prototaip silinder ini muncul di China, di mana pelbagai objek diletakkan terus ke dalam pengebumian, tetapi pelaksanaan dan penggunaan haniwa tergolong dalam tradisi tempatan.

Zaman kuno sering dilihat sebagai masa yang tidak mempunyai karya pada tahap seni yang tinggi, masa penguasaan perkara yang mempunyai nilai arkeologi dan etnologi. Walau bagaimanapun, harus diingat bahawa karya-karya budaya awal ini mempunyai daya hidup yang besar secara keseluruhan, kerana bentuk mereka bertahan dan terus wujud sebagai ciri nasional khusus seni Jepun pada zaman kemudian.

tempoh Asuka

(552–710 M). Pengenalan agama Buddha pada pertengahan abad ke-6 c. membuat perubahan ketara dalam cara hidup dan pemikiran orang Jepun dan menjadi pendorong kepada perkembangan seni pada zaman ini dan seterusnya. Kedatangan agama Buddha dari China melalui Korea secara tradisinya bertarikh 552 Masihi, tetapi ia mungkin diketahui lebih awal. Pada tahun-tahun awal, agama Buddha menghadapi tentangan politik, penentangan terhadap agama kebangsaan Shinto, tetapi selepas hanya beberapa dekad, kepercayaan baru itu mendapat kelulusan rasmi dan akhirnya ditubuhkan. Pada tahun-tahun awal penembusannya ke Jepun, Buddhisme adalah agama yang agak mudah dengan sejumlah kecil dewa yang memerlukan imej, tetapi selepas kira-kira seratus tahun ia mendapat kekuatan dan pantheon itu berkembang dengan pesat.

Dalam tempoh ini, kuil-kuil telah diasaskan, yang bukan sahaja bertujuan untuk mempromosikan iman, tetapi juga merupakan pusat seni dan pendidikan. Kuil biara di Horyu-ji adalah salah satu yang paling penting untuk kajian seni Buddha awal. Antara khazanah lain, terdapat patung triad agung Syaka-Nerai (623 M). Karya Tori Busshi, pengukir Jepun pertama yang terkenal, adalah imej gangsa bergaya, serupa dengan kumpulan serupa di kuil gua besar China. Kedepanan yang ketat diperhatikan dalam pose Shaki yang duduk (transkripsi Jepun perkataan "shakyamuni", Buddha sejarah) dan dua figura berdiri di sisinya. Bentuk figura manusia disembunyikan oleh lipatan simetri berat pakaian yang dibuat secara skematik, dan dalam wajah memanjang yang licin seseorang dapat merasakan penyerapan dan renungan diri yang termenung. Arca zaman Buddha pertama ini adalah berdasarkan gaya dan prototaip dari tanah besar lima puluh tahun yang lalu; ia setia mengikuti tradisi Cina yang datang ke Jepun melalui Korea.

Beberapa arca yang paling penting pada masa ini diperbuat daripada gangsa, tetapi kayu juga digunakan. Dua arca kayu yang paling terkenal ialah patung dewi Kannon: Yumedono Kannon dan Kudara Kannon, kedua-duanya di Horyuji. Mereka adalah objek pemujaan yang lebih menarik daripada triad Shaki, dengan senyuman kuno dan ekspresi termenung mereka. Walaupun susunan lipatan jubah dalam figura Kannon juga skema dan simetri, ia lebih ringan dan penuh dengan pergerakan. Sosok yang tinggi dan langsing menekankan kerohanian wajah, kebaikan abstrak mereka, jauh dari semua kebimbangan duniawi, tetapi sensitif terhadap rayuan orang yang menderita. Pemahat memberi sedikit perhatian kepada garis besar figura Kudara Kannon, tersembunyi oleh lipatan pakaian, dan berbeza dengan siluet bergerigi Yumedono, pergerakan kedua-dua figura dan kain diarahkan secara mendalam. Dalam profil Kudar, Kannon mempunyai bentuk S yang anggun.

Satu-satunya contoh lukisan yang masih hidup yang memberikan idea tentang gaya awal abad ke-7 ialah Tamamushi Zushi, "kuil bersayap". Tempat perlindungan kecil ini mengambil namanya daripada sayap kumbang berwarna-warni yang dipasang ke dalam bingkai logam berlubang; kemudiannya dihiasi dengan gubahan keagamaan dan tokoh-tokoh watak individu, dibuat dengan lakuer berwarna. Seperti arca zaman ini, beberapa imej menunjukkan kebebasan reka bentuk yang hebat.

tempoh Nara

(710–784). Pada tahun 710 ibu kota telah dipindahkan ke Nara, sebuah bandar baru yang dimodelkan mengikut ibu kota China Chang'an. Terdapat jalan-jalan yang luas, istana besar, banyak kuil Buddha. Bukan sahaja agama Buddha dalam semua aspeknya, malah seluruh kehidupan budaya dan politik Cina dilihat sebagai contoh teladan. Tidak ada negara lain, mungkin, telah merasakan ketidakcukupan budayanya sendiri sebegitu rupa dan tidak begitu terdedah kepada pengaruh luar. Ulama dan jemaah haji bergerak bebas antara Jepun dan tanah besar, dan pentadbiran dan kehidupan istana dicontohi mengikut China semasa Dinasti Tang. Walau bagaimanapun, harus diingat bahawa, walaupun meniru model Tang China, terutamanya dalam seni, melihat pengaruh dan gayanya, orang Jepun hampir selalu menyesuaikan bentuk asing dengan mereka sendiri.

Dalam arca, frontaliti dan simetri yang ketat pada zaman Asuka sebelumnya memberi laluan kepada bentuk yang lebih bebas. Perkembangan idea tentang tuhan, peningkatan kemahiran teknikal dan kebebasan pemilikan bahan membolehkan artis mencipta imej ikonik yang lebih dekat dan mudah diakses. Pengasas mazhab-mazhab Buddha baru meluaskan pantheon untuk memasukkan orang-orang kudus dan pengasas agama Buddha. Sebagai tambahan kepada arca gangsa, sejumlah besar karya yang diperbuat daripada kayu, tanah liat dan lakuer diketahui. Batu itu jarang berlaku dan hampir tidak pernah digunakan untuk arca. Lakuer kering sangat popular, mungkin kerana, walaupun proses penyediaan komposisi itu rumit, karya yang dibuat daripadanya kelihatan lebih hebat daripada kayu dan lebih kuat daripada produk tanah liat yang lebih mudah untuk dihasilkan. Angka lakuer dibentuk pada asas kayu atau tanah liat, yang kemudiannya dikeluarkan, atau pada kelengkapan kayu atau wayar; mereka ringan dan kuat. Walaupun teknik ini menentukan beberapa ketegaran dalam pose, banyak kebebasan dibenarkan dalam penggambaran wajah, yang sebahagiannya menyumbang kepada pembangunan apa yang boleh dipanggil arca potret yang betul. Imej wajah dewa itu dilakukan mengikut preskripsi ketat kanun Buddha, tetapi populariti dan bahkan pendewaan beberapa pengasas dan pendakwah agama memberikan peluang yang sangat baik untuk menyampaikan persamaan potret. Persamaan seperti itu dapat dikesan dalam arca lakuer kering patriark Cina Genjin, yang dihormati di Jepun, yang terletak di kuil Toshodaiji. Genjin buta ketika dia tiba di Jepun pada tahun 753, dan matanya yang tidak dapat melihat dan keadaan renungan batinnya yang tercerahkan dilukis dengan indah oleh seorang pengukir yang tidak dikenali. Trend realistik ini paling jelas dinyatakan dalam arca kayu pendakwah Kui, yang dicipta oleh pengukir Kosho pada abad ke-13-14. Pengkhotbah itu berpakaian seperti pengemis yang mengembara dengan tongkat, gong dan palu, dan figura-figura kecil Buddha keluar dari mulutnya yang separuh terbuka. Tidak berpuas hati dengan imej sami yang menyanyi, pengukir itu cuba untuk menyatakan maksud paling dalam dari kata-katanya.

Imej Buddha zaman Nara juga dibezakan oleh realisme yang hebat. Dicipta untuk bilangan kuil yang semakin bertambah, mereka tidak sedingin dan terpelihara seperti pendahulunya, mempunyai keindahan dan kemuliaan yang lebih anggun, dan berpaling kepada orang yang menyembahnya dengan lebih banyak nikmat.

Sangat sedikit lukisan dari tempoh ini telah terselamat. Lukisan pelbagai warna di atas kertas menggambarkan kehidupan Buddha masa lalu dan masa kini. Ini adalah salah satu daripada beberapa contoh kuno emakimono, atau lukisan skrol. Skrol dibuka perlahan-lahan dari kanan ke kiri, dan penonton hanya dapat menikmati bahagian gambar yang berada di antara tangan membuka gulungan. Ilustrasi berada tepat di atas teks, berbeza dengan skrol kemudian, di mana bahagian teks berselang seli dengan imej penjelasan. Dalam contoh lukisan skrol tertua yang masih hidup ini, figura yang digariskan ditetapkan dengan latar belakang landskap yang hampir tidak digariskan, dan watak utama, dalam kes ini Syaka, muncul dalam pelbagai episod.

Heian awal

(784–897). Pada tahun 784 ibu kota dipindahkan sementara ke Nagaoka, sebahagiannya untuk mengelakkan dominasi pendeta Buddha Nara. Pada 794 dia berpindah ke Heian (kini Kyoto) untuk tempoh yang lebih lama. Akhir abad ke-8 dan ke-9 adalah tempoh apabila Jepun berjaya mengasimilasikan, menyesuaikan diri dengan ciri-cirinya sendiri, banyak inovasi asing. Agama Buddha juga mengalami masa perubahan, kemunculan mazhab baru Buddhisme esoterik, dengan ritual dan etika yang berkembang. Daripada jumlah ini, yang paling berpengaruh ialah mazhab Tendai dan Shingon, yang berasal dari India, sampai ke China, dan dari sana dibawa ke Jepun oleh dua orang ulama yang pulang ke tanah air mereka setelah lama belajar. Mazhab Shingon ("Kata-Kata Benar") amat disukai di mahkamah dan dengan cepat menduduki kedudukan dominan. Biara utamanya terletak di Gunung Koya berhampiran Kyoto; seperti pusat Buddha penting yang lain, mereka menjadi repositori koleksi besar monumen seni.

Arca ke-9 c. kebanyakannya kayu. Imej dewa dibezakan oleh keparahan dan keagungan yang tidak dapat diakses, yang ditekankan oleh kesungguhan penampilan dan kebesaran mereka. Langsir dipotong dengan mahir mengikut corak standard, selendang bergelombang. Sosok Shaki berdiri dari kuil di Muroji adalah contoh gaya ini. Untuk ini dan imej yang serupa pada abad ke-9. dicirikan oleh ukiran tegar dengan lipatan yang lebih dalam, jelas dan butiran lain.

Peningkatan bilangan tuhan menimbulkan kesukaran yang besar bagi artis. Dalam mandala yang kompleks, seperti peta (reka bentuk geometri dengan makna ajaib), dewa-dewa itu disusun secara hierarki mengelilingi Buddha yang diletakkan di tengah-tengah, yang dirinya hanyalah satu manifestasi dari yang mutlak. Pada masa ini, cara baru menggambarkan sosok dewa penjaga yang dikelilingi oleh api, rupa yang mengerikan, tetapi sifatnya yang baik, muncul. Dewa-dewa ini disusun secara tidak simetri dan digambarkan dalam pose bergerak, dengan ciri-ciri wajah yang menggerunkan, melindungi iman daripada kemungkinan bahaya.

Heian Tengah dan Akhir, atau zaman Fujiwara

(898–1185). Pemindahan ibu kota kepada Heian, yang bertujuan untuk mengelak tuntutan sukar paderi, menyebabkan perubahan dalam sistem politik. Golongan bangsawan adalah kuasa yang dominan, dan keluarga Fujiwara menjadi wakilnya yang paling berciri. Tempoh abad ke-10–12 sering dikaitkan dengan nama ini. Tempoh kuasa istimewa bermula, apabila maharaja sebenar "sangat dinasihatkan" untuk mengetepikan urusan negara demi mengejar puisi dan lukisan yang lebih menyenangkan. Sehingga dia dewasa, maharaja dipimpin oleh seorang bupati yang tegas, biasanya dari keluarga Fujiwara. Ia adalah zaman kemewahan dan pencapaian luar biasa dalam sastera, kaligrafi dan seni; semuanya terasa lesu dan emosi, yang jarang mencapai kedalaman, tetapi secara keseluruhannya menawan. Kecanggihan dan pelarian yang elegan dicerminkan dalam seni masa ini. Malah penganut agama Buddha mencari cara yang lebih mudah, dan penyembahan kepada Buddha syurga, Amida, menjadi sangat popular. Pengertian belas kasihan dan rahmat menyelamatkan Buddha Amida tercermin dengan mendalam dalam lukisan dan arca pada zaman ini. Kebesaran dan kekangan patung-patung abad ke-9. pada abad ke-10-11. memberi laluan kepada kebahagiaan dan daya tarikan. Dewa-dewa digambarkan sebagai termenung, tenang dengan teliti, ukiran menjadi kurang dalam, permukaannya menjadi lebih berwarna-warni, dengan tekstur yang kaya. Monumen yang paling penting dalam tempoh ini adalah milik pemahat Jocho.

Karya-karya artis juga memperoleh ciri-ciri yang lebih lembut, mengingatkan lukisan pada kain, dan bahkan dewa-dewa yang dahsyat - pembela iman - menjadi kurang menakutkan. Sutra (teks Buddha) ditulis dalam emas dan perak di atas kertas berwarna biru tua, kaligrafi halus teks itu sering didahului dengan ilustrasi kecil. Cabang-cabang agama Buddha yang paling popular dan dewa-dewa yang dikaitkan dengannya mencerminkan keutamaan golongan bangsawan dan penyingkiran secara beransur-ansur dari cita-cita keras agama Buddha awal.

Suasana masa ini dan karya-karyanya sebahagiannya berkaitan dengan penamatan hubungan rasmi dengan China pada tahun 894. Agama Buddha di China pada masa itu telah dianiaya, dan mahkamah Tang yang korup berada dalam keadaan merosot. Kewujudan pulau terpencil yang menyusuli pemutusan hubungan ini mendorong orang Jepun beralih kepada budaya mereka sendiri dan mengembangkan gaya Jepun baru yang lebih tulen. Sesungguhnya, lukisan sekular abad ke-10-12. hampir sepenuhnya Jepun - baik dalam teknik dan dalam komposisi dan plot. Satu ciri tersendiri skrol Jepun ini, dipanggil yamato-e, adalah dominasi plot engi (asal usul, sejarah). Walaupun skrol Cina paling kerap menggambarkan alam semula jadi yang menakjubkan, panorama gunung, sungai, batu dan pokok, dan orang kelihatan agak tidak penting, pada skrol naratif Jepun dalam lukisan dan teks, orang itu adalah perkara utama. Landskap hanya memainkan peranan sebagai latar belakang untuk cerita yang diceritakan, di bawah watak utama atau orang. Banyak skrol telah dilukis sejarah kehidupan pendakwah terkenal Buddha atau tokoh sejarah, pengembaraan dan kempen ketenteraan mereka. Yang lain menceritakan tentang episod romantis dari kehidupan bangsawan dan pembesar istana.

Gaya skrol awal yang kelihatan unik itu datang daripada lakaran dakwat ringkas pada halaman buku nota Buddha. Ini adalah lukisan mahir yang menggambarkan tingkah laku manusia melalui imej haiwan: monyet dalam pakaian monastik menyembah katak yang melambung, pertandingan antara arnab, monyet dan katak. Ini dan skrol Heian lewat yang lain menyediakan asas untuk skrol naratif yang lebih kompleks dalam gaya maju abad ke-13 dan ke-14.

Zaman Kamakura

(1185–1392). Akhir abad ke-12 membawa perubahan serius kepada kehidupan politik dan agama Jepun dan, sudah tentu, kepada seninya. Keanggunan dan estetika mahkamah Kyoto telah diganti atau, dalam tradisi peraturan "istimewa", "menerima tambahan" dalam bentuk pemerintahan baru, keras dan berani - Keshogunan Kamakura. Walaupun Kyoto secara nominal kekal sebagai ibu kota, shogun Minamoto no Yoritomo (1147–1199) menubuhkan ibu pejabatnya di kota Kamakura dan hanya dalam 25 tahun menubuhkan sistem kediktatoran tentera dan feudalisme yang tegar. Buddhisme, yang telah menjadi begitu kompleks dan ritual sehingga tidak dapat difahami oleh orang awam biasa, juga mengalami perubahan besar yang tidak menjanjikan naungan seni. Mazhab Yodo (“Tanah Tulen”), satu bentuk pemujaan kepada Buddha Amida, di bawah pimpinan Honen Shonin (1133–1212), mengubah hierarki buddha dan dewa-dewa dan memberi harapan keselamatan kepada semua yang hanya percaya kepada Amida . Doktrin syurga yang mudah dicapai ini kemudiannya dipermudahkan oleh rahib lain, Shinran (1173-1262), pengasas mazhab Shin, yang mengakui bahawa pemanjaan Amida sangat besar sehingga tidak perlu melakukan perbuatan keagamaan, hanya mengulangi mantera. "Namu Amida Butsu" (perkataan pertama bermaksud "menyerahkan"; dua yang kedua ialah "Buddha Amida"). Cara mudah untuk menyelamatkan jiwa adalah sangat menarik, dan kini berjuta-juta orang menggunakannya. Satu generasi kemudian, pendakwah militan Nichiren (1222-1282), yang dinamakan mazhab itu, meninggalkan bentuk agama yang dipermudahkan ini. Pengikutnya menghormati Sutra Teratai, yang tidak menjanjikan keselamatan segera dan tanpa syarat. Khutbahnya sering menyentuh topik politik, dan kepercayaannya serta cadangan pembaharuan gereja dan negeri menarik minat kelas pahlawan baru di Kamakura. Akhirnya, falsafah Zen, yang timbul seawal abad ke-8, mula memainkan peranan yang lebih besar dalam pemikiran Buddha pada zaman itu. Zen menekankan kepentingan meditasi dan menghina mana-mana imej yang mungkin menghalang manusia dalam usahanya untuk berhubung dengan Tuhan.

Jadi, ia adalah masa apabila pemikiran agama mengehadkan bilangan lukisan dan arca yang diperlukan sebelum ini untuk ibadat. Namun begitu, beberapa karya seni Jepun yang terbaik telah dicipta semasa zaman Kamakura. Rangsangannya ialah kecintaan Jepun terhadap seni, tetapi kunci kepada teka-teki itu ialah sikap orang ramai terhadap kepercayaan baharu, dan bukannya dogma seperti itu. Malah, karya itu sendiri mencadangkan sebab penciptaan mereka, kerana banyak arca dan lukisan yang penuh dengan kehidupan dan tenaga ini adalah potret. Walaupun falsafah Zen mungkin menganggap objek biasa penyembahan agama sebagai penghalang kepada pencerahan, tradisi menghormati guru agak boleh diterima. Potret itu sendiri tidak boleh menjadi objek penyembahan. Sikap terhadap potret ini tidak unik kepada Buddhisme Zen: ramai menteri mazhab Tanah Tulen dihormati hampir seperti dewa Buddha. Terima kasih kepada potret itu, walaupun bentuk seni bina baharu muncul - mieido, atau gereja potret. Perkembangan realisme yang pesat adalah sepenuhnya mengikut semangat zaman.

Walaupun potret indah para paderi jelas sekali merupakan imej orang tertentu, ia selalunya merupakan lukisan semula lukisan yang menggambarkan pengasas agama Buddha Cina. Mereka dilukis berdakwah, mulut terbuka, tangan mengisyaratkan; kadang-kadang sami-sami pendeta digambarkan melakukan perjalanan yang sukar untuk kemuliaan iman.

Salah satu plot yang paling popular ialah raigo (kedatangan yang dikehendaki), yang menggambarkan Buddha Amida bersama para sahabatnya, turun di atas awan untuk menyelamatkan jiwa seorang mukmin di ranjang kematiannya dan memindahkannya ke syurga. Warna-warna imej sedemikian sering dipertingkatkan dengan emas yang digunakan, dan garisan bergelombang, tanjung yang berkibar, awan yang berpusar memberikan rasa pergerakan kepada penurunan Buddha.

Unkei, yang bekerja pada separuh kedua abad ke-12 dan awal abad ke-13, adalah pengarang inovasi yang memudahkan untuk mengukir kayu, yang kekal sebagai bahan kegemaran pengukir semasa zaman Kamakura. Sebelum ini, induk dihadkan oleh saiz dan bentuk dek atau log dari mana angka itu dipotong. Elemen lengan dan pakaian ditindih secara berasingan, tetapi bahagian siap selalunya menyerupai bentuk silinder asal. Dalam teknik baru, berpuluh-puluh kepingan kecil dipasang dengan teliti antara satu sama lain, membentuk piramid berongga, dari mana perantis kemudiannya boleh memotong angka itu secara kasar. Pemahat mempunyai bahan yang lebih mudah dibentuk dan keupayaan untuk mencipta lebih banyak lagi bentuk kompleks. Pengawal kuil berotot dan dewa dalam jubah dan jubah berkibar kelihatan lebih hidup juga kerana kristal atau kaca mula dimasukkan ke dalam rongga mata mereka; patung-patung mula dihiasi dengan gangsa berlapis emas. Mereka menjadi lebih ringan dan kurang berkemungkinan retak apabila kayu kering. Patung kayu Kuya Shonin yang disebut, karya anak lelaki Unkei Kosho, menunjukkan pencapaian realisme tertinggi era Kamakura dalam arca potret. Sesungguhnya, arca pada masa itu mencapai kemuncaknya dalam perkembangannya, dan seterusnya ia tidak lagi menduduki tempat yang begitu menonjol dalam seni.

Lukisan sekular juga mencerminkan semangat masa itu. Skrol naratif zaman Heian lewat, dalam warna terkawal dan garis anggun, menceritakan kisah romantik Putera Genji atau hiburan wanita istana yang tertutup. Kini, dengan warna-warna cerah dan pukulan yang bertenaga, para artis era Kamakura menggambarkan pertempuran puak yang berperang, istana yang dilalap api dan ketakutan orang ramai yang melarikan diri daripada menyerang tentera. Walaupun apabila kisah agama terungkap pada skrol itu, imej itu tidak begitu menjadi ikon sebagai bukti sejarah perjalanan orang suci dan mukjizat yang mereka lakukan. Dalam reka bentuk plot ini, seseorang boleh mencari cinta yang semakin meningkat untuk alam semula jadi dan kekaguman untuk landskap asli.

Muromachi, atau zaman Ashikaga

(1392–1568). Pada tahun 1392, selepas lebih daripada 50 tahun perselisihan, shogun ketiga keluarga Ashikaga, Yoshimitsu (1358–1408), menyatukan semula negara itu. Kerusi kerajaan sekali lagi menjadi ibu kota nominal Kyoto, tempat shogun Ashikaga membina istana mereka di kawasan Muromachi. (Zaman ini kadang-kadang dipanggil Muromachi, kadang-kadang Ashikaga.) Masa perang tidak melepaskan banyak kuil - repositori seni Jepun, yang dibakar bersama dengan khazanah yang ada di sana. Negara itu musnah teruk, malah keamanan membawa sedikit kelegaan, kerana puak-puak yang berperang, dalam kejayaan mereka, menghulurkan bantuan mengikut kehendak mereka. Nampaknya keadaan itu sangat tidak menguntungkan untuk perkembangan seni, tetapi sebenarnya shogun Ashikaga menaunginya, terutamanya pada abad ke-15 dan ke-16, apabila lukisan berkembang.

Seni yang paling penting pada masa ini ialah lukisan dakwat puitis monokrom yang digalakkan oleh Buddhisme Zen dan dipengaruhi oleh reka bentuk Cina dinasti Song dan Yuan. Semasa Dinasti Ming (1368–1644), hubungan dengan China telah diperbaharui, dan Yoshimitsu, seorang pengumpul dan penaung seni, menggalakkan pengumpulan dan kajian lukisan Cina. Dia menjadi model dan titik permulaan untuk artis berbakat yang melukis landskap, burung, bunga, imej imam dan orang bijak dengan sapuan berus yang ringan dan lancar. Lukisan Jepun pada masa ini dicirikan oleh ekonomi talian; artis nampaknya mengekstrak intipati plot yang digambarkan, membolehkan pandangan penonton mengisinya dengan butiran. Peralihan dakwat hitam kelabu dan berkilat dalam lukisan ini sangat dekat dengan falsafah Zen, yang, sudah tentu, memberi inspirasi kepada pengarang mereka. Walaupun akidah ini mencapai pengaruh yang besar walaupun di bawah kuasa tentera Kamakura, ia terus menyebar dengan cepat pada abad ke-15 dan ke-16, apabila banyak biara Zen muncul. Mengkhotbahkan terutamanya idea "keselamatan diri", ia tidak mengaitkan keselamatan dengan Buddha, tetapi lebih bergantung pada disiplin diri manusia yang teruk untuk mencapai "pencerahan" intuitif secara tiba-tiba yang menyatukan dia dengan yang mutlak. Penggunaan dakwat yang jimat tetapi berani dan komposisi yang tidak simetri, di mana bahagian kertas yang tidak dicat memainkan peranan penting dalam menggambarkan landskap yang ideal, bijak dan saintis, adalah selaras dengan falsafah ini.

Salah seorang ahli sumi-e yang paling terkenal, gaya lukisan dakwat monokrom, ialah Sesshu (1420–1506), seorang imam Zen yang hayatnya yang panjang dan produktif memastikan dia terus dihormati. Pada akhir hayatnya, dia mula menggunakan gaya haboku (dakwat cepat), yang, berbeza dengan gaya matang, yang memerlukan pukulan yang jelas dan ekonomik, membawa tradisi lukisan monokrom hampir kepada abstrak.

Aktiviti keluarga artis Kano dan perkembangan gaya mereka jatuh pada tempoh yang sama. Dari segi pilihan subjek dan penggunaan dakwat, ia hampir dengan bahasa Cina, tetapi kekal Jepun dari segi cara ekspresif. Kano, dengan sokongan shogunate, menjadi sekolah "rasmi" atau gaya seni lukisan dan berkembang pesat hingga abad ke-19.

Tradisi naif yamato-e terus hidup dalam karya sekolah Tosa, arah penting kedua lukisan Jepun. Malah, pada masa ini, kedua-dua sekolah, Kano dan Tosa, berkait rapat, mereka disatukan oleh minat dalam kehidupan moden. Motonobu Kano (1476–1559), salah seorang daripada artis yang cemerlang tempoh ini, bukan sahaja mengahwinkan anak perempuannya dengan artis terkenal Tosa, tetapi juga melukis dengan caranya.

Pada abad ke-15-16. terdapat hanya beberapa karya arca yang patut diberi perhatian. Walau bagaimanapun, perlu diingatkan bahawa perkembangan drama noo, dengan pelbagai suasana dan emosi, membuka bidang aktiviti baru untuk pengukir - mereka mengukir topeng untuk pelakon. Dalam drama Jepun klasik yang dipersembahkan oleh dan untuk golongan bangsawan, pelakon (seorang atau lebih) memakai topeng. Mereka menyampaikan pelbagai perasaan daripada ketakutan, kebimbangan dan kekeliruan kepada kegembiraan yang tertahan. Beberapa topeng itu diukir dengan sangat hebat sehinggakan sedikit pusingan kepala pelakon menyebabkan perubahan halus dalam ekspresi. Contoh luar biasa topeng ini telah disimpan selama bertahun-tahun oleh keluarga yang menjadi ahlinya.

tempoh Momoyama

(1568–1615). Pada tahun 1593, diktator tentera yang hebat Hideyoshi membina istananya di Momoyama, "Bukit Peach," dan dengan nama ini adalah kebiasaan untuk menetapkan tempoh 47 tahun dari kejatuhan keshogunan Ashikaga hingga penubuhan zaman Tokugawa, atau Edo. , pada tahun 1615. Ini adalah masa penguasaan kelas tentera yang sama sekali baru, yang kekayaan besarnya menyumbang kepada perkembangan seni. Istana yang mengagumkan dengan dewan penonton yang besar dan koridor panjang menjadi fesyen pada akhir abad ke-16. dan menuntut perhiasan yang sesuai dengan kehebatan mereka. Ia adalah masa orang yang tegas dan berani, dan pelanggan baru, tidak seperti golongan bangsawan dahulu, tidak begitu berminat dalam usaha intelektual atau kehalusan ketukangan. Nasib baik, generasi baru artis hidup sesuai dengan pelanggan mereka. Dalam tempoh ini, skrin indah dan panel alih muncul dalam warna merah lembayung, zamrud, hijau, ungu dan biru yang terang. Warna dan bentuk hiasan yang begitu meriah, selalunya dengan latar belakang emas atau perak, sangat popular selama seratus tahun, dan penciptanya betul-betul dipanggil "penghias yang hebat." Terima kasih kepada rasa Jepun yang halus, gaya sombong tidak merosot kepada kelucahan, dan walaupun pengekangan dan pernyataan yang meremehkan memberi laluan kepada kemewahan dan keterlaluan hiasan, orang Jepun berjaya mengekalkan keanggunan.

Eitoku Kano (1543–1590), salah seorang pelukis hebat pertama pada zaman ini, bekerja dalam gaya Kano dan Tosa, mengembangkan konsep lukisan bekas dan menggabungkannya dengan kekayaan warna yang terakhir. Walaupun hanya beberapa karya yang Eitoku boleh dikenal pasti sebagai pengarangnya telah terselamat, dia dianggap sebagai salah seorang pengasas gaya Momoyama, dan kebanyakan artis pada zaman ini adalah pelajarnya atau dipengaruhi olehnya.

Zaman Edo atau Tokugawa

(1615–1867). Tempoh keamanan yang panjang yang datang ke Jepun yang baru bersatu dipanggil sama ada masa Tokugawa, selepas nama pemerintah, atau Edo (Tokyo moden), sejak pada tahun 1603 bandar ini menjadi pusat kuasa baru. Dua jeneral terkenal zaman Momoyama yang singkat, Oda Nobunaga (1534–1582) dan Toyotomi Hideyoshi (1536–1598), melalui tindakan ketenteraan dan diplomasi, akhirnya berjaya mendamaikan puak berkuasa dan paderi militan. Dengan kematian Hideyoshi pada tahun 1598, kuasa diserahkan kepada Ieyasu Tokugawa (1542–1616), yang menyelesaikan langkah-langkah yang dimulakan bersama. Pertempuran Sekigahara yang menentukan pada tahun 1600 menguatkan kedudukan Ieyasu, kejatuhan Istana Oska pada tahun 1615 disertai dengan keruntuhan terakhir rumah Hideyoshi dan penubuhan pemerintahan tidak berbelah bahagi Keshogunan Tokugawa.

Pemerintahan aman Tokugawa berlangsung selama 15 generasi dan berakhir hanya pada abad ke-19. Ia pada asasnya adalah tempoh dasar "pintu tertutup". Dengan dekri 1640, orang asing dilarang masuk ke Jepun, dan Jepun tidak boleh pergi ke luar negara. Satu-satunya hubungan komersial dan budaya adalah dengan Belanda dan Cina melalui pelabuhan Nagasaki. Seperti dalam tempoh pengasingan yang lain, terdapat peningkatan perasaan kebangsaan dan kemunculan pada akhir abad ke-17. sekolah yang dipanggil seni lukis dan ukiran bergenre.

Ibu kota Edo yang berkembang pesat menjadi pusat bukan sahaja kehidupan politik dan perniagaan empayar pulau itu, tetapi juga pusat seni dan kraf. Keperluan bahawa daimyo, raja feudal wilayah, berada di ibu negara untuk bahagian tertentu setiap tahun mewujudkan keperluan untuk bangunan baru, termasuk bangunan istana, dan oleh itu artis menghiasinya. Kelas peniaga kaya tetapi bukan bangsawan yang muncul serentak memberikan perlindungan baharu dan selalunya tidak profesional kepada artis.

Seni zaman Edo awal sebahagiannya diteruskan dan mengembangkan gaya Momoyama, meningkatkan kecenderungannya ke arah kemewahan dan kemegahan. Kekayaan imej pelik dan polikromi yang diwarisi dari tempoh sebelumnya terus berkembang. Gaya hiasan ini mencapai kemuncaknya pada suku terakhir abad ke-17. dalam yang dipanggil. era Genroku zaman Tokugawa (1688–1703). Dalam seni hiasan Jepun, ia tidak mempunyai persamaan dalam kemewahan dan kekayaan warna dan motif hiasan dalam lukisan, fabrik, lakuer, dalam perkara kecil artistik - sifat gaya hidup mewah.

Memandangkan kita bercakap tentang tempoh sejarah yang agak lewat, maka tidak hairanlah jika banyak nama artis dan karya mereka telah dipelihara; di sini adalah mungkin untuk menamakan hanya beberapa yang paling menonjol. Antara wakil sekolah hiasan yang tinggal dan bekerja pada zaman Momoyama dan Edo ialah Honnami Koetsu (1558–1637) dan Nonomura Sotatsu (m. 1643). Hasil kerja mereka menunjukkan corak, komposisi dan warna yang luar biasa. Koetsu, seorang ahli seni seramik dan lakuer yang berbakat, terkenal dengan keindahan kaligrafinya. Bersama-sama dengan Sotatsu, mereka mencipta puisi skrol yang bergaya pada masa itu. Dalam gabungan kesusasteraan, kaligrafi dan lukisan ini, imej-imej itu bukan sekadar ilustrasi: mereka mencipta atau mencadangkan suasana yang sesuai dengan persepsi teks. Ogata Korin (1658–1716) adalah salah seorang pewaris gaya hiasan dan, bersama adiknya Ogata Kenzan (1663–1743), menyempurnakan tekniknya. Kenzan, yang lebih dikenali sebagai tukang seramik daripada artis, menembak kapal yang bertulis reka bentuk abangnya yang terkenal. Kebangkitan semula sekolah ini pada awal abad ke-19. oleh penyair dan pelukis Sakai Hoitsu (1761–1828) merupakan lonjakan terakhir dalam gaya hiasan. Skrol dan skrin Horitsu yang cantik menggabungkan deria lukisan Korin dengan minat naturalisme Maruyama terhadap alam semula jadi, menghasilkan kekayaan warna dan motif hiasan pada zaman terdahulu, dibaja oleh kemegahan dan kehalusan sapuan berus.

Bersama-sama dengan gaya hiasan polikrom, lukisan dakwat sekolah Kano tradisional terus menjadi popular. Pada tahun 1622 Kanō Tanyu (1602–1674) telah dilantik sebagai pelukis istana kepada shogun dan dipanggil ke Edo. Dengan pelantikannya ke jawatan ini dan penubuhan sekolah lukisan Kano Edo di Kobikito, tempoh setengah abad kepimpinan artistik tradisi ini bermula, yang memulihkan keunggulan keluarga Kano dan menjadikan karya zaman Edo paling banyak. penting dalam lukisan Kano. Walaupun populariti skrin yang dicat dengan warna emas dan terang, dicipta oleh "penghias hebat" dan saingan, Tangyu, berkat kekuatan bakat dan kedudukan rasminya, dapat mempopularkan lukisan sekolah Kano yang dihidupkan semula di kalangan bangsawan. Tanyu menambah kuasa dan kesederhanaan pada ciri tradisional sekolah Kano, berdasarkan garis putus yang tegar dan susunan elemen gubahan yang difikirkan dengan baik pada permukaan bebas yang besar.

Trend baru, di mana ciri utamanya adalah minat terhadap alam semula jadi, mula diguna pakai pada akhir abad ke-18. Maruyama Okyo (1733–1795), ketua sekolah baru, adalah seorang petani, kemudian menjadi pendeta, dan akhirnya seorang artis. Dua kelas pertama tidak membawanya kebahagiaan atau kejayaan, tetapi sebagai seorang artis dia mencapai tahap yang tinggi dan dianggap sebagai pengasas sekolah realistik Maruyama. Dia belajar dengan tuan sekolah Kano, Ishida Yutei (d. c. 1785); berdasarkan ukiran Belanda yang diimport, dia memahami teknik perwakilan perspektif Barat, dan kadang-kadang hanya menyalin ukiran ini. Beliau juga mempelajari gaya Cina dari dinasti Song dan Yuan, termasuk gaya halus dan realistik Chen Xuan (1235–1290) dan Shen Nanping; yang terakhir tinggal di Nagasaki pada awal abad ke-18. Okyo membuat banyak karya dari alam semula jadi, dan pemerhatian saintifiknya membentuk asas untuk persepsi alam semula jadi, yang menjadi asas kepada mazhab Maruyama.

Selain minat dalam naturalisme pada abad ke-18. pengaruh tradisi seni Cina yang diperbaharui. Wakil-wakil aliran ini tertarik kepada sekolah lukisan Ming (1368–1644) dan Qing (1644–1912), saintis pelukis, walaupun idea mereka tentang keadaan seni seni di China adalah terhad. Seni sekolah Jepun ini dipanggil bujinga (seni orang terpelajar). Salah seorang pakar gaya Bujinga yang paling berpengaruh ialah Ikeno Taiga (1723–1776), seorang pelukis dan kaligrafer terkenal. Gaya matangnya dicirikan oleh garis kontur tebal yang dipenuhi dengan sapuan berbulu ringan dalam ton dan dakwat terang; dia juga melukis dengan sapuan dakwat hitam yang luas dan bebas, menggambarkan batang buluh yang tunduk ditiup angin dan hujan. Dengan garisan pendek dan melengkung, dia mencapai kesan yang mengingatkan pada ukiran dalam imej gunung berkabus di atas tasik yang dikelilingi oleh hutan.

kurun ke 17 melahirkan satu lagi arah seni yang luar biasa pada zaman Edo. Ini adalah apa yang dipanggil ukiyo-e (gambar dunia yang berubah-ubah) - adegan genre yang dicipta oleh dan untuk orang biasa. Ukiyo-e awal berasal dari ibu kota lama Kyoto dan kebanyakannya indah. Tetapi pusat pengeluaran mereka tidak lama lagi berpindah ke Edo, dan perhatian tuan tertumpu pada potongan kayu. Perkaitan rapat cetakan kayu dengan ukiyo-e telah membawa kepada salah tanggapan bahawa cetakan kayu adalah penemuan pada zaman ini; sebenarnya, ia berasal dari abad ke-11. Imej awal sedemikian adalah sifat nazar, menggambarkan pengasas agama Buddha dan dewa, dan semasa zaman Kamakura, beberapa skrol naratif telah diterbitkan semula daripada blok berukir. Walau bagaimanapun, seni ukiran menjadi sangat popular dalam tempoh dari pertengahan abad ke-17 hingga ke-19.

Subjek ukiran ukiyo-e adalah pelacur yang cantik di kawasan gay, pelakon kegemaran dan adegan dari drama. Awal, kononnya. ukiran primitif dilakukan dalam warna hitam, dengan garis beralun berirama yang kuat, dan dibezakan dengan reka bentuk yang ringkas. Mereka kadang-kadang dicat dengan tangan dalam warna oren-merah yang dipanggil tan-e (lukisan merah terang), dengan tanda kuning sawi dan hijau. Beberapa artis "primitif" menggunakan lukisan tangan yang dipanggil urushu-e (lukisan lakuer), di mana kawasan gelap dipertingkatkan dan dibuat lebih cerah dengan penambahan gam. Cetakan pelbagai warna awal, yang muncul pada tahun 1741 atau 1742, dipanggil benizuri-e (cetakan lembayung) dan biasanya menggunakan tiga warna - merah mawar, hijau, dan kadang-kadang kuning. Ukiran benar-benar pelbagai warna, menggunakan keseluruhan palet dan dipanggil nishiki-e (imej brokat), muncul pada tahun 1765.

Di samping mencipta cetakan individu, ramai pengukir menggambarkan buku dan menghasilkan wang dengan membuat ilustrasi erotik dalam buku dan pada skrol. Perlu diingat bahawa ukiran ukiyo-e terdiri daripada tiga jenis aktiviti: ia adalah hasil kerja seorang pelukis, yang namanya cetakan, pengukir dan pencetak.

Hishikawa Moronobu (c. 1625–1694) dianggap sebagai pengasas tradisi mencipta cetakan ukiyo-e. Artis "primitif" lain dalam aliran ini ialah Kiyomasu (1694-1716) dan kumpulan Kaigetsudo (komuniti artis yang aneh, kewujudannya masih tidak jelas), serta Okumura Masanobu (1686-1764).

Artis peralihan yang menghasilkan cetakan benizuri-e ialah Ishikawa Toyonobu (1711–1785), Torii Kiyohiro (aktif c. 1751–1760), dan Torii Kiyomitsu (1735–1785).

Karya Suzuki Harunobu (1725–1770) mengantar era ukiran polikrom. Dipenuhi dengan warna lembut, hampir neutral, dihuni oleh wanita anggun dan pencinta gagah, cetakan Harunobu adalah satu kejayaan yang besar. Pada masa yang sama, Katsukawa Shunsho (1726–1792), Torii Kienaga (1752–1815) dan Kitagawa Utamaro (1753–1806) bekerja dengannya. Setiap daripada mereka menyumbang kepada pembangunan genre ini; tuan membawa ukiran yang menggambarkan keindahan anggun dan pelakon terkenal kepada kesempurnaan. Selama beberapa bulan pada 1794-1795, Tosusai Saraku yang misterius mencipta potret pelakon-pelakon pada zaman itu yang sangat kuat dan terus terang kejam.

Pada dekad pertama abad ke-19 genre ini telah mencapai kematangan dan mula merosot. Katsushika Hokusai (1760-1849) dan Ando Hiroshige (1797-1858) adalah pakar terhebat era itu, yang karyanya menghubungkan kemerosotan seni ukiran pada abad ke-19. dan kebangkitan barunya pada awal abad ke-20. Kedua-duanya adalah terutamanya pelukis landskap, membetulkan peristiwa kehidupan moden dalam ukiran mereka. Penguasaan cemerlang teknik pengukir dan pencetak memungkinkan untuk menyampaikan garis aneh dan sedikit rona matahari terbenam atau kabus yang terbit pada waktu subuh dalam ukiran.

Pemulihan Meiji dan Zaman Moden.

Selalunya berlaku bahawa seni purba seseorang atau orang lain adalah miskin dalam nama, tarikh dan karya yang masih hidup, jadi sebarang pertimbangan hanya boleh dibuat dengan berhati-hati dan konvensyen. Walau bagaimanapun, tidak kurang sukar untuk menilai seni kontemporari, kerana kita tidak mempunyai perspektif sejarah untuk menilai dengan betul skala mana-mana pergerakan atau artis dan karyanya. Kajian seni Jepun tidak terkecuali, dan perkara yang paling boleh dilakukan ialah mempersembahkan panorama seni kontemporari dan membuat beberapa kesimpulan awal sementara.

Pada separuh kedua abad ke-19 Pelabuhan Jepun dibuka semula untuk perdagangan, perubahan besar berlaku dalam kancah politik. Pada tahun 1868, keshogunan telah dimansuhkan dan pemerintahan Maharaja Meiji telah dipulihkan. Ibu kota rasmi dan kediaman maharaja telah dipindahkan ke Edo, dan bandar itu sendiri dikenali sebagai Tokyo (ibu kota timur).

Seperti yang telah berlaku pada masa lalu, berakhirnya pengasingan negara menimbulkan minat yang besar terhadap pencapaian negara lain. Pada masa ini, Jepun membuat lompatan besar dalam sains dan teknologi. Secara artistik, permulaan era Meiji (1868–1912) menunjukkan penerimaan segala-galanya Barat, termasuk teknologi. Walau bagaimanapun, semangat ini tidak bertahan lama, dan ia diikuti oleh tempoh asimilasi, kemunculan bentuk baru, menggabungkan kembali kepada tradisi mereka sendiri dan trend Barat baru.

Antara pelukis, Kanō Hōgai (1828–1888), Shimomura Kanzan (1873–1916), Takeuchi Seihō (1864–1924), dan Tomioka Tessai (1836–1942) mendapat perhatian. Tiga yang pertama mematuhi gaya dan subjek Jepun tradisional, walaupun mereka berusaha untuk menunjukkan keaslian dalam mood dan teknik. Seihō, sebagai contoh, bekerja dalam suasana tenang dan konservatif Kyoto. Karya-karya awalnya dilakukan dengan cara naturalistik Maruyama, tetapi kemudiannya dia mengembara secara meluas di China dan sangat dipengaruhi oleh lukisan dakwat Cina. Lawatannya ke muzium dan pusat seni terkemuka di Eropah juga meninggalkan kesan pada karyanya. Daripada semua artis terkemuka masa ini, hanya Tomioka Tessai yang hampir membangunkan gaya baharu. Dalam karyanya yang bertenaga dan penuh kekuatan, garisan kasar, berpintal, bergerigi dan calitan dakwat hitam digabungkan dengan tompok warna yang ditulis dengan halus. Pada tahun-tahun kemudian, beberapa pelukis minyak muda berjaya di mana datuk mereka telah gagal. Percubaan pertama untuk bekerja dengan bahan luar biasa ini mengingatkan kanvas Paris dan tidak dibezakan oleh nilai istimewa atau ciri khas Jepun. Walau bagaimanapun, karya menarik yang luar biasa kini dicipta, di mana deria warna dan keseimbangan Jepun yang tersendiri bersinar melalui tema abstrak. Artis lain, bekerja dengan dakwat yang lebih semula jadi dan tradisional dan kadangkala menggunakan kaligrafi sebagai titik permulaan, mencipta kepingan abstrak bertenaga dalam warna hitam cemerlang dengan rona kelabu.

Seperti pada zaman Edo, pada abad ke-19 dan ke-20. arca tidak popular. Tetapi walaupun di kawasan ini, wakil generasi moden, yang belajar di Amerika dan Eropah, bereksperimen dengan sangat berjaya. Arca gangsa kecil, dalam bentuk abstrak dan dinamakan aneh, menunjukkan deria garisan dan warna Jepun, yang menampakkan dirinya dalam penggunaan patina berwarna hijau lembut atau coklat hangat; ukiran kayu membuktikan kecintaan orang Jepun terhadap tekstur bahan.

Sosaku hanga, "cetakan kreatif" Jepun, hanya muncul pada dekad pertama abad ke-20, tetapi sebagai hala tuju seni istimewa ia mengatasi semua bidang seni moden yang lain. Cetakan moden ini, secara tegasnya, bukanlah pengganti kepada potongan kayu ukiyo-e yang lebih lama; mereka berbeza dalam gaya, plot dan kaedah penciptaan. Seniman, yang kebanyakannya banyak dipengaruhi oleh lukisan Barat, menyedari kepentingan mereka sendiri warisan seni dan menemui bahan yang sesuai dalam kayu untuk menyatakan cita-cita kreatif mereka. Tuan Hanga bukan sahaja melukis, tetapi juga mengukir imej pada blok kayu dan mencetaknya sendiri. Walaupun kerja kayu berada pada tahap tertinggi dalam bentuk seni ini, semua teknik cetakan Barat moden digunakan. Bereksperimen dengan daun, benang dan "objek ditemui" dalam beberapa kes membolehkan anda mencipta kesan tekstur permukaan yang unik. Pada mulanya, tuan aliran ini terpaksa mendapatkan pengiktirafan: selepas semua, walaupun pencapaian terbaik sekolah ukiyo-e dikaitkan oleh artis intelektual dengan orang ramai yang buta huruf dan dianggap sebagai seni plebeian. Seniman seperti Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi, dan Maekawa Senpan banyak berjasa untuk memulihkan penghormatan terhadap seni cetak dan menjadikannya sebagai cabang seni halus yang layak. Mereka menarik ramai artis muda ke kumpulan mereka dan pengukir kini berjumlah ratusan. Antara sarjana generasi ini yang mencapai pengiktirafan di Jepun dan di Barat ialah Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen dan Saito Kiyoshi. Ini adalah sarjana yang inovasi dan bakat yang tidak dapat dinafikan telah membolehkan mereka menduduki jawatan yang layak di kalangan artis terkemuka Jepun. Ramai rakan sebaya mereka dan lain-lain, artis hanga yang lebih muda juga menghasilkan ukiran yang luar biasa; hakikat bahawa kita tidak menyebut nama mereka di sini tidak bermakna penilaian yang rendah terhadap kerja mereka.

SENI DAN SENI GUNAAN, SENIBINA DAN TAMAN

Dalam bahagian sebelumnya, ia adalah terutamanya mengenai lukisan dan arca, yang di kebanyakan negara dianggap sebagai jenis utama seni halus. Mungkin adalah tidak adil untuk memasukkan pada akhir artikel seni hiasan dan kraf rakyat, seni taman dan seni bina - bentuk yang merupakan bahagian penting dan penting dalam seni Jepun. Walau bagaimanapun, mungkin dengan pengecualian seni bina, mereka memerlukan pertimbangan khusus selain daripada periodisasi umum seni Jepun dan perubahan dalam gaya.

Seramik dan porselin.

Seni dan kraf yang paling penting di Jepun ialah seramik dan porselin. Seni seramik secara semula jadi terbahagi kepada dua kategori. Polikrom halus Imari, Nabeshima dan Kakiemon china mengambil namanya dari tempat pengeluaran, dan lukisannya yang kaya pada permukaan krim atau putih kebiruan ditujukan untuk golongan bangsawan dan mahkamah. Proses membuat porselin sebenar mula dikenali di Jepun pada akhir abad ke-16 atau awal abad ke-17; pinggan dan mangkuk dengan sayu licin, dengan corak asimetri atau seperti brokat, dihargai di rumah dan di Barat.

Berbeza dengan porselin dalam tembikar kasar yang diperbuat daripada tanah liat atau jisim batu berkualiti rendah, yang tipikal untuk Shino, Oribe dan Bizen, perhatian tertumpu pada bahan, nampaknya cuai, tetapi susunan elemen hiasan yang bijak. Dipengaruhi oleh konsep Zen Buddhisme, kapal sebegini sangat popular dalam kalangan intelektual dan digunakan secara meluas, terutamanya dalam upacara minum teh. Dalam banyak cawan, teko dan kedi, sifat-sifat seni upacara minum teh, intipati Zen Buddhisme terwujud: disiplin diri yang keras dan kesederhanaan yang ketat. Semasa zaman kegemilangan seni hiasan Jepun, artis berbakat Korin dan Kenzan terlibat dalam menghias produk seramik. Harus diingat kemasyhuran Kenzan lebih dikaitkan dengan bakatnya sebagai ahli seramik, dan bukannya sebagai pelukis. Beberapa jenis dan teknik yang lebih mudah untuk membuat kapal berasal dari tradisi kraf rakyat. Bengkel moden, meneruskan tradisi lama, menghasilkan produk cantik yang menggembirakan dengan kesederhanaan elegannya.

Produk lakuer.

Sudah dalam abad ke-7-8. varnis dikenali di Jepun. Dari masa ini, penutup peti mati, dihiasi dengan imej orang dan motif geometri, yang digunakan dengan garisan emas nipis, telah dipelihara. Kami telah pun bercakap tentang kepentingan teknik lakuer kering untuk arca pada abad ke-8 dan ke-9; pada masa yang sama dan kemudiannya, objek hiasan seperti kotak surat atau kotak kemenyan telah dibuat. Semasa zaman Edo, produk ini dibuat dalam kuantiti yang banyak dan dengan hiasan yang paling hebat. Kotak yang dihias mewah untuk sarapan pagi, untuk kek, untuk kemenyan dan ubat-ubatan, dipanggil inro, mencerminkan kekayaan dan cinta kemewahan yang wujud pada masa ini. Permukaan objek dihiasi dengan corak serbuk emas dan perak, kepingan kerajang emas, bersendirian atau digabungkan dengan tatahan cangkerang, ibu-mutiara, aloi timah dan plumbum, dsb.; corak ini berbeza dengan permukaan merah, hitam atau coklat bervarnis. Kadang-kadang artis seperti Korin dan Koetsu membuat reka bentuk lakuer, tetapi tidak mungkin mereka secara peribadi mengambil bahagian dalam karya ini.

Pedang.

Orang Jepun, seperti yang telah dikatakan, telah menjadi bangsa pahlawan untuk tempoh yang agak lama dalam sejarah mereka; senjata dan perisai dianggap sebagai barang penting bagi sebahagian besar penduduk. Pedang adalah kebanggaan seorang lelaki; kedua-dua bilah itu sendiri dan semua bahagian lain pedang, terutamanya pemegang (tsuba), dihiasi dengan pelbagai teknik. Tsuba yang diperbuat daripada besi atau gangsa dihiasi dengan tatahan emas dan perak, diukir, atau dipangkas dengan kedua-duanya. Mereka menggambarkan landskap atau figura manusia, bunga atau jata keluarga (mon). Semua ini melengkapkan kerja pembuat pedang.

Kain.

Sutera bercorak mewah dan fabrik lain, digemari oleh mahkamah dan paderi pada masa kemewahan dan kelimpahan, serta fabrik biasa dengan ciri reka bentuk hampir primitif seni rakyat, juga merupakan ekspresi bakat kebangsaan Jepun. Setelah mencapai kemuncaknya semasa era Genroku yang kaya, seni tekstil telah berkembang semula di Jepun moden. Ia menggabungkan idea dan gentian tiruan dari Barat dengan warna tradisional dan motif hiasan.

Taman-taman.

Dalam beberapa dekad kebelakangan ini, minat terhadap taman dan seni bina Jepun telah meningkat disebabkan oleh pendedahan yang lebih luas oleh masyarakat Barat terhadap bentuk seni ini. Taman di Jepun mempunyai tempat yang istimewa; ia adalah ungkapan dan simbol kebenaran agama dan falsafah yang tinggi, dan nada simbolik yang kabur ini, digabungkan dengan keindahan taman yang jelas, membangkitkan minat dunia Barat. Tidak boleh dikatakan agama atau idea falsafah adalah sebab utama penciptaan taman, tetapi dalam merancang dan mencipta taman, perancang mempertimbangkan unsur-unsur tersebut, yang renungan akan membawa penonton untuk memikirkan pelbagai kebenaran falsafah. Di sini aspek kontemplatif Buddhisme Zen terkandung dalam sekumpulan batu yang luar biasa, ombak pasir dan kerikil yang diraut, digabungkan dengan rumput, atau tumbuh-tumbuhan yang disusun supaya aliran di belakangnya hilang dan muncul semula, yang semuanya menggalakkan penonton untuk menyelesaikan secara bebas ditetapkan semasa idea taman pembinaan. Keutamaan untuk pembayang yang tidak jelas berbanding penjelasan yang boleh difahami adalah ciri falsafah Zen. Pokok kerdil bonsai dan taman pasu kecil, kini popular di Barat, telah menjadi kesinambungan idea ini.

Seni bina.

Monumen seni bina utama Jepun ialah kuil, kompleks monastik, istana feudal dan istana. Dari zaman purba hingga ke hari ini, kayu telah menjadi bahan binaan utama dan sebahagian besarnya menentukan ciri reka bentuk. Bangunan keagamaan tertua adalah kuil agama Jepun kebangsaan Shinto; berdasarkan teks dan lukisan, mereka adalah bangunan yang agak ringkas dengan bumbung jerami, seperti kediaman purba. Bangunan kuil yang didirikan selepas penyebaran agama Buddha dan dikaitkan dengannya adalah berdasarkan prototaip Cina dalam gaya dan susun atur. Seni bina kuil Buddha telah berubah dari semasa ke semasa, dan hiasan serta susunan bangunan telah berbeza-beza dalam mazhab yang berbeza. Bangunan Jepun dicirikan oleh dewan besar dengan bumbung tinggi dan sistem konsol yang kompleks, dan hiasannya mencerminkan rasa masa mereka. Seni bina kompleks Horyu-ji yang ringkas dan megah, dibina berhampiran Nara pada awal abad ke-7, adalah sebagai ciri zaman Asuka seperti keindahan dan keanggunan perkadaran Hoodo, "Dewan Phoenix" Uji yang tercermin di Tasik Lotus , ialah zaman Heian. Struktur yang lebih rumit pada zaman Edo menerima hiasan tambahan dalam bentuk pintu gelangsar yang dicat dengan mewah dan skrin yang dibuat oleh "penghias hebat" yang sama yang menghiasi bahagian dalam istana berparit dan istana feudal.

Seni bina dan taman-taman Jepun sangat berkait rapat sehingga boleh dianggap bahagian antara satu sama lain. Ini terutama berlaku untuk bangunan dan rumah taman untuk upacara minum teh. Keterbukaan, kesederhanaan, dan sambungan yang direka dengan teliti kepada landskap dan perspektif mempunyai pengaruh yang besar pada seni bina kontemporari di Barat.

IMPAK SENI JEPUN DI BARAT

Dalam masa satu abad sahaja, seni Jepun mula dikenali di Barat dan memberi kesan yang ketara ke atasnya. Terdapat juga kenalan terdahulu (contohnya, Belanda berdagang dengan Jepun melalui pelabuhan Nagasaki), tetapi objek yang sampai ke Eropah pada abad ke-17 kebanyakannya adalah karya seni gunaan - porselin dan pernis. Mereka tidak sabar-sabar dikumpulkan sebagai rasa ingin tahu dan disalin dalam pelbagai cara, tetapi eksport hiasan ini tidak mencerminkan intipati dan kualiti seni Jepun malah memberi Jepun idea yang tidak menarik tentang rasa Barat.

Buat pertama kalinya, lukisan Barat mengalami pengaruh langsung seni Jepun di Eropah pada tahun 1862 semasa besar Pameran Antarabangsa di London. Diperkenalkan di Pameran Paris lima tahun kemudian, cetakan blok kayu Jepun membangkitkan minat baharu. Beberapa koleksi peribadi ukiran segera muncul. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh dan lain-lain mengambil cetakan warna Jepun sebagai pendedahan; pengaruh seni cetak Jepun yang sedikit tetapi sentiasa dapat dikenali ke atas Impresionis sering diperhatikan. Whistler Amerika dan Mary Cassatt tertarik dengan kekangan garisan dan warna-warna cerah cetakan dan lukisan ukiyo-e.

Pembukaan Jepun kepada orang asing pada tahun 1868 mencipta daya tarikan dengan semua perkara Barat dan membuat orang Jepun berpaling daripada budaya dan warisan seni mereka sendiri yang kaya. Pada masa ini, banyak lukisan dan arca yang cantik dijual dan berakhir muzium barat dan koleksi peribadi. Pameran barang-barang ini memperkenalkan Barat ke Jepun dan merangsang minat untuk mengembara ke Timur Jauh. Tidak dinafikan, pendudukan Jepun oleh tentera Amerika pada penghujung Perang Dunia II membuka lebih banyak peluang berbanding sebelum ini untuk kenalan dan kajian lebih mendalam tentang kuil Jepun dan khazanah mereka. Minat ini dicerminkan dalam kehadiran muzium Amerika. Minat terhadap Timur secara umumnya disebabkan oleh penganjuran pameran seni Jepun yang dipilih daripada koleksi awam dan swasta Jepun dan dibawa ke Amerika dan Eropah.

Penyelidikan saintifik dalam beberapa dekad kebelakangan ini telah banyak membantu untuk menyangkal pandangan bahawa seni Jepun hanyalah cerminan seni Cina, dan banyak penerbitan Jepun dalam bahasa Inggeris telah memperkenalkan Barat kepada cita-cita Timur.

 Kategori Butiran: Seni Halus dan Seni Bina abad ke-19 Dihantar pada 08/14/2017 18:30 Paparan: 1604

Pada separuh pertama abad XIX. Ukiyo-e masih mendominasi lukisan Jepun. Pada tahun 1868, selepas revolusi Meiji dan pembukaan sempadan, pencapaian tamadun Barat menjadi lebih mudah diakses di Jepun, dan ukiyo-e secara beransur-ansur hilang dari fesyen, digantikan dengan fotografi.
Tetapi perkara pertama dahulu.

Gaya Ukiyo-e

Ukiyo-e(Lukisan Jepun (imej) dunia yang berubah-ubah) - trend dalam seni halus Jepun. Pada mulanya, istilah Buddha ini digunakan dalam makna "dunia fana, lembah kesedihan." Tetapi pada zaman Edo, dengan kemunculan blok bandar yang ditetapkan khas, di mana teater kabuki berkembang pesat dan menjadi rumah geisha dan pelacur, istilah itu difikirkan semula, dan ia mula difahami sebagai "dunia keseronokan sekejap, dunia cinta."
Cetakan Ukiyo-e adalah jenis utama potongan kayu di Jepun. Bentuk seni ini menjadi popular dalam budaya bandar pada separuh kedua abad ke-17. Pengasas ukiyo-e ialah seorang pelukis dan artis grafik Jepun. Hisikawa Moronobu.

H. Moronobu “Musim luruh di Asakusa. Bunga sakura di Taman Ueno. Lukisan skrin. Galeri Freer (Washington)
Pada mulanya, ukiran adalah hitam dan putih, dibuat dalam dakwat. Dari awal abad XVIII. beberapa karya telah dilukis dengan tangan dengan berus.
Cetakan Ukiyo-e ditujukan terutamanya untuk penduduk kota yang tidak mampu membeli lukisan bergambar yang lebih mahal.
Tema Ukiyo-e ialah gambar kehidupan seharian: geisha yang cantik, gusti sumo, pelakon teater popular kabuki dan cetakan landskap kemudiannya.

Katsushika Hokusai "The Great Wave off Kanagawa" (1823-1831)
Dalam tempoh abad XVIII-XIX. artis terkenal ialah Utamaro, Hokusai, Hiroshige, dan Toshusai Syaraku.
Pada masa gaya ukiyo-e mula keluar dari fesyen di Jepun, ia mendapat populariti di Eropah Barat dan Amerika, ahli sejarah seni mula membeli ukiran secara besar-besaran.
Ukiran Jepun memberi inspirasi kepada ramai artis Eropah yang bekerja dalam gaya Kubisme, Impresionisme, Pasca-Impresionisme: Vincent van Gogh, Claude Monet, dan lain-lain. Pengaruh ini dipanggil "Jepun".

Vincent van Gogh "Potret Papa Tanguy" (1887-1888). Kanvas, minyak. Muzium Rodin (Paris)

Artis ukiyo-e terkenal:

Hisikawa Moronobu (abad ke-17)
Kitagawa Utamaro (abad XVIII)
Kawanabe Kyosai (abad ke-19)
Katsushika Hokusai (abad XVIIII-XIX)
Utagawa Hiroshige (abad ke-19)
Utagawa Kunisada (abad ke-19)
Utagawa Kuniyoshi (abad ke-19)
Keisai Eisen (abad ke-19)
Suzuki Harunobu (abad ke-19)
Toyohara Kunitika (abad ke-19)
Tsukioka Yoshitoshi (abad ke-19)
Ogata Gekko (abad XIX-XX)
Hasui Kawase (abad XX)

Pertimbangkan kerja sesetengah daripada mereka.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Katsushika Hokusai. potret diri
Artis ukiyo-e Jepun yang terkenal, ilustrator, pengukir. Bekerja di bawah banyak alias (sekurang-kurangnya 30). Dilahirkan dalam keluarga tukang, dia mula melukis pada usia 6 tahun. Bekerja di kedai buku, dia belajar membaca dan menulis. Kemudian dia bekerja di bengkel pengukir - ukiran sangat popular di Jepun pada masa itu.
Pada tahun 1793-1794. kehidupan bebas artis bermula, agak sukar dari segi material, tetapi tepu dengan seni - dia mempelajari sekolah lukisan yang berbeza: sekolah Kano (landskap, imej burung dan haiwan, pemandangan setiap hari; mereka menghiasi pintu skrin gelongsor dengan corak); Sekolah Sotatsu (imej kehidupan seharian Jepun dan landskap Jepun di pintu gelangsar). Artis secara beransur-ansur mula mengembangkan gayanya sendiri.
Pada tahun 1796, artis mula menggunakan apa yang kemudiannya menjadi meluas alias terkenal Hokusai. Pada tahun 1800, pada usia 41 tahun, artis itu mula memanggil dirinya Gakejin Hokusai ("Lukisan Mad Hokusai").
Artis memahami gambaran dunia melalui kesedaran tentang kepentingan, nilai istimewa kehidupan seharian manusia, kerja dan kebimbangan mereka. Kehidupan alam semula jadi, makna dan keindahannya di landskap Hokusai menjadi jelas hanya kerana kehadiran di dalamnya orang yang terlibat dalam urusan biasa mereka. Hokusai menghabiskan sebahagian besar hidupnya mengembara ke seluruh negara, melakar semua yang dilihatnya. Hokusai dikenali bukan sahaja sebagai pengukir, tetapi juga sebagai penulis, penyair dan pelukis.
Beliau adalah yang pertama daripada artis ukiran Jepun, di mana karya landskapnya memperoleh kepentingan genre bebas. Landskap Hokusai merakamkan suasana Jepun yang meriah dan megah.
Untuk saya lama aktiviti seni beliau mencipta kira-kira 30,000 lukisan dan ukiran serta menggambarkan kira-kira 500 buah buku.
Zaman kegemilangan kreativiti Hokusai bermula pada tahun 1820-an dan awal 1830-an. Pada masa ini, dia mencipta siri landskap terbaiknya. Siri-siri ini memukau dengan kedalaman dan kekayaan visi artistik Hokusai - daripada pemahaman falsafah yang luas tentang pandangan dunia dalam siri "36 Pemandangan Gunung Fuji" (1823-1829), menunjukkan keagungan epik alam semula jadi dalam siri "Bridges" ( 1823-1829), mengagumi kuasa unsurnya dalam "Air Terjun" (1827-1830) kepada pengalaman lirik alam semula jadi yang halus dalam siri "Penyair China dan Jepun" (1830).

Angin Selatan Katsushika Hokusai. Hari yang cerah". Potongan kayu berwarna (1823-1831) dari siri "Thirty-Six Views of Fuji"
Salah satu karya Hokusai yang paling penting, yang paling mendedahkan keaslian karyanya sebagai seorang pemikir artis, ialah siri "36 Views of Fuji". Kebanyakan helaian dalam siri ini mewakili pelbagai adegan genre: seorang nelayan melempar pukatnya; sawyers bekerja di gudang kayu; cooper membuat tab, dsb. Semua adegan ini ditetapkan dalam landskap dengan Gunung Fuji di latar belakang.
Kreativiti Hokusai menyebabkan banyak peniruan, bilangan pelajarnya sangat ramai. Tetapi hampir semua pengikut artis dicirikan oleh asimilasi hanya sisi luaran kaedah kreatifnya.

Surimono

Surimono adalah sejenis seni tradisional Jepun, potongan kayu berwarna, yang menjadi hadiah di kalangan cerdik pandai bandar Jepun. Ulang tahun, kelahiran anak lelaki, permulaan musim bunga sakura, Tahun Baru yang akan datang, dan lain-lain boleh menjadi sebab untuk hadiah sedemikian. Genre surimono adalah pelbagai: imej figura, imej haiwan, bunga dan burung, landskap.
Imej yang dicipta dengan cara visual, puitis dan teknikal perlu mempunyai integriti. Surimono adalah seni, dan permainan, dan cara hiburan, sebahagian daripada kehidupan seharian penduduk bandar.

Katsushika Hokusai "Carps" (surimono)
Merit Hokusai dalam peningkatan populariti surimono adalah hebat: dia menjadikannya yang paling penting daripada jenis potongan kayu Jepun.
Orang di surimono Hokusai "hidup". Digambarkan dengan latar belakang landskap, mereka secara aktif berinteraksi dengannya: mereka menutup mata mereka dari matahari dengan tangan mereka, menunjuk ke awan, mengintip ke hamparan yang tidak berkesudahan, kadang-kadang berpaling ke belakang kepada penonton.

Katsushika Hokusai. Surimono

Manga

"Manga" (bahasa Jepun secara harfiah "lukisan Hokusai") adalah salah satu karya terpenting dalam warisan kreatif artis, dicipta olehnya di puncak kemasyhuran. "Manga" adalah ungkapan pandangan Hokusai tentang kreativiti, falsafahnya, mendedahkan rahsia tuan; ia berharga bukan sahaja sebagai tonggak dalam kehidupan Hokusai, tetapi juga sebagai sumber maklumat penting tentang budaya dan seni Jepun pada era feudalisme lewat. Manga Hokusai sering dirujuk sebagai "encyclopedia of the Japanese people". Kebanyakan lukisan menggambarkan pemandangan dari kehidupan bandar; terdapat banyak lakaran orang. Koleksi itu adalah diari di mana tuannya memasukkan semua yang dia lihat dalam kehidupan dalam bentuk lukisan (bukan teks).

Katsushika Hokusai "Renungan Gunung Fuji" (1814) Manga
Hokusai, seperti seni Jepun pada umumnya, mempunyai kesan yang besar terhadap seni Eropah pada abad ke-19, termasuk impresionisme Perancis. Tema ukiran Hokusai terdapat dalam karya Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir dan lain-lain.
Wakil penting terakhir ukiran Jepun pada separuh pertama abad ke-19. pelukis landskap Ando Hiroshige.

Ando Hiroshige (1797-1858)

Utagawa Hiroshige ialah artis grafik Jepun, wakil arah ukiyo-e, mahir dalam potongan kayu berwarna. Pengarang sekurang-kurangnya 5400 ukiran. Dalam landskap lirik dengan motif genre, dia menyampaikan keadaan alam semula jadi yang tidak stabil, kesan atmosfera salji dan kabus. Bekerja di bawah nama samaran Ando Hiroshige.
Dia kehilangan ayah dan ibunya awal. Dia mula melibatkan diri dalam seni halus selepas dia melihat karya Hokusai.
Hiroshige ialah pelajar pengukir Utagawa Toyohiro (1763-1828). Karya pertama yang membawa kemasyhuran Hiroshiga ialah siri cetakan "53 Stesen Tokaido", yang dicetak pada tahun 1834. Meneruskan genre landskap Hokusai, Hiroshige mengembangkannya dengan caranya sendiri.
Tokaido adalah salah satu daripada lima jalan yang menghubungkan Edo dengan bahagian lain di Jepun. Ia berjalan di sepanjang pantai timur Honshu. Di sepanjangnya terdapat 53 stesen pos, di mana pelancong ditawarkan penginapan, makanan dan kandang kuda.
Pada tahun 1832, Hiroshige mengembara melalui Tokaido sebagai sebahagian daripada delegasi rasmi mengangkut kuda untuk mahkamah empayar. Landskap memberi kesan yang kuat kepada artis, dan dia membuat banyak lakaran. Apabila pulang ke rumah, dia mencipta kitaran 53 karya. Kejayaan siri ini menjadikan Hiroshige sebagai salah satu pembuat cetakan yang paling penting dan diiktiraf.

A. Hiroshige. Stesen Pertama: Shinogawa

A. Hiroshige. Stesen ke-30: Maisaka

A. Hiroshige. Stesen ke-32: Shirasuka
DALAM kecantikan semula jadi sifat Hiroshige menarik ekspresif.
Karya Hiroshige melengkapkan tempoh berbunga cemerlang potongan kayu warna Jepun pada separuh ke-18 dan pertama abad ke-19. Ukiran 1850-1860 tidak mengemukakan satu artis utama, penggayaan dan eklektikisme menjadi lebih dan lebih ketara di dalamnya.
Pada tahun 1868, revolusi borjuasi berlaku di Jepun, dan pada tahun 1880-an ia menjadi monarki. Peristiwa ini menandakan permulaan peringkat baru dalam sejarah seni Jepun, kerana. Jepun memasuki sistem dunia negara kapitalis. Dalam seni Jepun pada zaman ini, banyak sekolah dan kumpulan timbul. Sebahagian daripada mereka mengambil jalan untuk menguasai seni Eropah, artis Jepun yang lain (contohnya, Kuroda Kiyoteri (1866-1924) pergi belajar di Eropah. Tetapi ada juga yang berusaha untuk mengekalkan kesucian tradisi negara.
Akhir ke-19-awal abad ke-20 dalam seni Jepun adalah masa penyemakan tradisi seni lama, perkembangan seni Eropah, pencarian yang baru, serta cara pembangunannya sendiri.

Seni Gunaan Jepun

Zaman kegemilangan seni terapan Jepun bermula pada akhir abad ke-16. Pada abad ke-19 ukiran kayu, ukiran tulang, seramik, dan porselin digunakan secara meluas.
Ia juga harus dikatakan tentang netsuke- arca kecil, karya seni dan kraf Jepun. Netsuke ialah rantai kunci berukir kecil yang digunakan pada pakaian tradisional Jepun, kimono dan kosode.

Netsuke menggambarkan Hotei (dewa komunikasi, keseronokan dan kemakmuran). Gading, karya kontemporari
Netsuke pertama muncul di Jepun pada separuh kedua abad ke-16 dan awal abad ke-17. Dari akhir abad ke-19 dan sepanjang abad ke-20. netsuke dibuat untuk eksport. Mereka masih dibuat hari ini. Ini adalah produk cenderamata, dihasilkan dengan kaedah penghantar, tidak berkualiti tinggi. Tetapi seni netsuke tidak hilang. Dan hari ini ada master yang kepakarannya ialah ukiran netsuke.

Netsuke dengan rahsia

Mempunyai sejarah yang sangat kaya; tradisinya adalah meluas, dengan kedudukan unik Jepun di dunia sebahagian besarnya mempengaruhi gaya dan teknik dominan artis Jepun. Fakta yang terkenal bahawa Jepun telah agak terpencil selama berabad-abad adalah disebabkan bukan sahaja oleh geografi, tetapi juga kecenderungan budaya Jepun yang dominan untuk pengasingan yang telah menandakan sejarah negara. Selama berabad-abad yang mungkin kita panggil "tamadun Jepun", budaya dan seni berkembang secara berasingan daripada yang ada di seluruh dunia. Dan ini juga ketara dalam amalan lukisan Jepun. Sebagai contoh, lukisan Nihonga adalah antara amalan lukisan Jepun. Ia berdasarkan tradisi lebih seribu tahun, dan lukisan biasanya dibuat dengan berus pada (kertas Jepun) atau egina (sutera) anda.

Walau bagaimanapun, seni dan lukisan Jepun dipengaruhi oleh asing amalan seni. Pertama, seni Cina pada abad ke-16 dan lukisan Cina serta tradisi seni Cina yang sangat berpengaruh dalam beberapa cara. Pada abad ke-17, lukisan Jepun juga dipengaruhi oleh tradisi Barat. Khususnya, semasa tempoh sebelum perang, yang berlangsung dari 1868 hingga 1945, lukisan Jepun dipengaruhi oleh impresionisme dan romantisme Eropah. Pada masa yang sama, pergerakan seni baru Eropah juga banyak dipengaruhi oleh teknik seni Jepun. Dalam sejarah seni, pengaruh ini dirujuk sebagai "Jepun", dan ia amat penting bagi kaum Impresionis, Kubis dan artis yang dikaitkan dengan modenisme.

Sejarah panjang lukisan Jepun boleh dilihat sebagai sintesis beberapa tradisi yang mencipta bahagian-bahagian estetika Jepun yang diiktiraf. Pertama sekali, kaedah seni dan lukisan Buddha, serta lukisan keagamaan, telah meninggalkan kesan yang ketara pada estetika lukisan Jepun; lukisan landskap dakwat air dalam tradisi lukisan sastera Cina adalah satu lagi elemen penting yang diiktiraf dalam banyak lukisan Jepun yang terkenal; lukisan haiwan dan tumbuh-tumbuhan, terutamanya burung dan bunga, adalah sesuatu yang biasanya dikaitkan dengan gubahan Jepun, seperti landskap dan pemandangan dari kehidupan seharian. Akhirnya, idea-idea purba tentang kecantikan daripada falsafah dan budaya Jepun purba mempunyai pengaruh yang besar terhadap lukisan Jepun. Wabi, yang bermaksud kecantikan sementara dan keras, sabi (keindahan patina semula jadi dan penuaan) dan yugen (anggun dan kehalusan yang mendalam) masih mempengaruhi cita-cita dalam amalan lukisan Jepun.

Akhir sekali, jika kita memberi tumpuan kepada memilih sepuluh karya Jepun yang paling terkenal, kita mesti menyebut ukiyo-e, yang merupakan salah satu genre seni yang paling popular di Jepun, walaupun ia tergolong dalam seni cetak. Ia mendominasi seni Jepun dari abad ke-17 hingga abad ke-19, dengan artis yang tergolong dalam genre ini menghasilkan potongan kayu dan lukisan subjek seperti gadis cantik, pelakon kabuki dan ahli gusti sumo, serta adegan dari sejarah dan cerita rakyat, adegan perjalanan dan landskap, flora dan fauna, dan juga erotika.

Ia sentiasa sukar untuk membuat senarai gambar terbaik daripada tradisi seni. Banyak karya menakjubkan akan dikecualikan; namun, senarai ini menampilkan sepuluh lukisan Jepun yang paling dikenali di dunia. Artikel ini hanya akan membentangkan lukisan yang dicipta dari abad ke-19 hingga ke hari ini.

Lukisan Jepun mempunyai sejarah yang sangat kaya. Selama berabad-abad, artis Jepun telah membangunkan sejumlah besar teknik dan gaya unik yang merupakan sumbangan Jepun yang paling berharga kepada dunia seni. Salah satu teknik ini ialah sumi-e. Sumi-e secara literal bermaksud "lukisan dakwat", menggabungkan kaligrafi dan lukisan dakwat untuk mencipta keindahan jarang gubahan yang dilukis dengan berus. Keindahan ini adalah paradoks - purba namun moden, ringkas namun kompleks, berani namun tenang, sudah pasti mencerminkan asas rohani seni dalam Buddhisme Zen. Paderi Buddha membawa blok dakwat keras dan berus buluh ke Jepun dari China pada abad keenam, dan sepanjang 14 abad yang lalu, Jepun telah membangunkan warisan lukisan dakwat yang kaya.

Tatal ke bawah dan lihat 10 Karya Lukisan Jepun

1. Katsushika Hokusai "Mimpi Isteri Nelayan"

Salah satu lukisan Jepun yang paling dikenali ialah The Dream of the Fisherman's Wife. Ia ditulis pada tahun 1814 artis terkenal Hokusai. Dengan definisi yang ketat, karya yang menakjubkan oleh Hokusai ini tidak boleh dianggap sebagai lukisan, kerana ia adalah potongan kayu ukiyo-e daripada Young Pines (Kinoe no Komatsu), iaitu sebuah buku shunga tiga jilid. Komposisi itu menggambarkan seorang penyelam ama muda yang terjalin secara seksual dengan sepasang sotong. Imej ini sangat berpengaruh pada abad ke-19 dan ke-20. Karya itu mempengaruhi artis kemudiannya seperti Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf dan Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro menulis puisi nostalgia sambil melihat bulan"

Tessai Tomioka ialah nama samaran seorang artis dan ahli kaligrafi Jepun yang terkenal. Dia dianggap sebagai artis utama terakhir dalam tradisi Bunjing dan salah seorang artis utama pertama gaya Nihonga. Bunjinga ialah sebuah sekolah lukisan Jepun yang berkembang pada zaman Edo lewat di kalangan artis yang menganggap diri mereka celik huruf atau intelektual. Setiap artis ini, termasuk Tessaia, mengembangkan gaya dan teknik mereka sendiri, tetapi mereka semua peminat seni dan budaya China.

3. Fujishima Takeji "Matahari terbit di atas Laut Timur"

Fujishima Takeji ialah seorang artis Jepun yang terkenal dengan karyanya dalam membangunkan Romantikisme dan Impresionisme dalam gerakan seni Yoga (gaya Barat) pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20. Pada tahun 1905 dia pergi ke Perancis, di mana dia dipengaruhi oleh pergerakan Perancis pada masa itu, terutamanya Impresionisme, seperti yang dapat dilihat dalam lukisannya pada tahun 1932 Sunrise over the East Sea.

4. Kitagawa Utamaro "Sepuluh jenis wajah wanita, koleksi kecantikan yang mendominasi"

Kitagawa Utamaro ialah seorang artis Jepun terkemuka yang dilahirkan pada tahun 1753 dan meninggal dunia pada tahun 1806. Dia setakat ini terkenal dengan siri yang dipanggil Sepuluh Jenis Wajah Wanita. Koleksi keindahan yang memerintah, tema cinta hebat puisi klasik" (kadangkala dipanggil "Wanita Bercinta", mengandungi ukiran berasingan "Cinta Telanjang" dan "Cinta Termenung"). Dia adalah salah seorang artis paling penting yang tergolong dalam genre potongan kayu ukiyo-e.

5. Kawanabe Kyosai "Harimau"

Kawanabe Kyosai adalah salah seorang artis Jepun yang paling terkenal pada zaman Edo. Seninya dipengaruhi oleh Tohaku, seorang pelukis Kano abad ke-16 yang merupakan satu-satunya pelukis pada zamannya yang melukis skrin sepenuhnya dalam dakwat dengan latar belakang halus serbuk emas. Walaupun Kyosai dikenali sebagai kartunis, dia menghasilkan beberapa lukisan paling terkenal dalam sejarah seni Jepun abad ke-19. "Harimau" ialah salah satu lukisan yang Kyosai gunakan cat air dan dakwat untuk dihasilkan.

6. Hiroshi Yoshida Fuji dari Tasik Kawaguchi

Hiroshi Yoshida dikenali sebagai salah seorang tokoh utama gaya shin-hanga (shin-hanga ialah gerakan seni di Jepun pada awal abad ke-20, semasa zaman Taisho dan Showa, yang menghidupkan semula seni tradisional ukiyo-e , yang berakar pada zaman Edo dan Meiji (abad XVII - XIX)). Beliau telah dilatih dalam tradisi lukisan minyak Barat, yang diterima pakai di Jepun semasa zaman Meiji.

7. Takashi Murakami "727"

Takashi Murakami mungkin artis Jepun yang paling popular pada zaman kita. Kerjanya dijual dengan harga astronomi di lelongan utama, dan kreativiti sudah memberi inspirasi kepada generasi baru artis bukan sahaja di Jepun, tetapi juga di luar negara. Seni Murakami termasuk pelbagai medium dan biasanya digambarkan sebagai super-rata. Karya beliau terkenal dengan penggunaan warna, menggabungkan motif dari budaya tradisional dan popular Jepun. Kandungan lukisannya sering digambarkan sebagai "comel", "psychedelic", atau "satira".

8. Yayoi Kusama "Labu"

Yaoi Kusama juga merupakan salah seorang artis Jepun yang terkenal. Dia bekerja dalam pelbagai medium, termasuk lukisan, kolaj, arca scat, seni persembahan, seni alam sekitar dan pemasangan, yang kebanyakannya menunjukkan minat tematiknya dalam warna psychedelic, pengulangan dan corak. Salah satu siri paling terkenal artis hebat ini ialah siri Labu. Sebiji labu biasa bertitik-titik berwarna kuning terang ditunjukkan pada jaring. Bersama-sama, semua elemen tersebut membentuk bahasa visual yang tidak dapat disangkal dengan gaya artis, dan telah dibangunkan serta diperhalusi selama berdekad-dekad dalam pembuatan dan pembiakan yang teliti.

9. Tenmyoya Hisashi "Semangat Jepun #14"

Tenmyoya Hisashi ialah seorang artis Jepun kontemporari yang terkenal dengan lukisan neo-nihonganya. Beliau mengambil bahagian dalam menghidupkan semula tradisi lama lukisan Jepun, yang bertentangan dengan lukisan Jepun moden. Pada tahun 2000, beliau juga mencipta gaya baharunya, butouha, yang menunjukkan sikap teguh terhadap sistem seni berwibawa melalui lukisannya. "Semangat Jepun No. 14" telah dicipta sebagai sebahagian daripada skema artistik "BASARA", yang ditafsirkan dalam budaya Jepun sebagai tingkah laku memberontak golongan bangsawan bawahan semasa zaman Negara Berperang, untuk melucutkan keupayaan pihak berkuasa untuk mencapai cita-cita. gaya hidup dengan memakai pakaian yang rimbun dan mewah serta bertindak bebas.kehendak yang tidak sesuai dengan kelas sosial mereka.

10. Katsushika Hokusai "The Great Wave Off Kanagawa"

Akhirnya, The Great Wave off Kanagawa mungkin merupakan lukisan Jepun yang paling dikenali pernah dilukis. Ini sebenarnya adalah karya seni yang paling terkenal yang dicipta di Jepun. Ia menggambarkan ombak besar mengancam bot di luar pantai Prefektur Kanagawa. Walaupun kadang-kadang disalah anggap sebagai tsunami, ombak, seperti yang ditunjukkan oleh nama lukisan itu, kemungkinan besar hanya mempunyai ketinggian yang tidak normal. Lukisan itu dibuat dalam tradisi ukiyo-e.

Daripada: ,  18346 paparan

- Sertai sekarang! Nama awak:

Satu komen: