Rahsia kehebatan karya utama seni Jepun. Perkembangan seni lukis Jepun

Dengan artikel ini, saya memulakan satu siri artikel mengenai sejarah Jepun seni visual. Catatan ini akan memberi tumpuan terutamanya kepada lukisan bermula dari zaman Heian, dan artikel ini adalah pengenalan dan menerangkan perkembangan seni sehingga abad ke-8.

tempoh Jomon
Budaya Jepun mempunyai akar yang sangat kuno - penemuan terawal bermula pada alaf ke-10 SM. e. tetapi secara rasmi permulaan zaman Jomon dianggap sebagai 4500 SM. e. Mengenai tempoh ini nekokit menulis jawatan yang sangat baik.
Keunikan seramik Jemon ialah kebiasaannya rupa seramik seiring dengan perkembangan pertanian menandakan bermulanya zaman Neolitik. Walau bagaimanapun, walaupun dalam era Mesolitik, beberapa ribu tahun sebelum kedatangan pertanian, pemburu-pengumpul Jomon mencipta tembikar dalam bentuk yang agak kompleks.

Walaupun kemunculan tembikar sangat awal, orang zaman Jomon mengembangkan teknologi dengan sangat perlahan dan kekal pada tahap Zaman Batu.

Semasa zaman Jōmon Tengah (2500-1500 SM), patung-patung seramik muncul. Tetapi dalam kedua-dua tempoh Pertengahan dan Akhir (1000-300 SM) mereka kekal abstrak dan sangat bergaya.

Daripada Ebisuda, Tajiri-cho, Miyagi.H. 36.0.
Zaman Jomon, 1000-400B.C.
Muzium Negara Tokyo

Dengan cara ini, ahli ufologi percaya bahawa ini adalah imej makhluk asing. Dalam patung-patung ini mereka melihat pakaian angkasa lepas, cermin mata dan topeng oksigen pada muka mereka, dan imej lingkaran pada "pakaian angkasa" dianggap sebagai peta galaksi.

Masa Yayoi
Yayoi adalah tempoh yang singkat dalam sejarah Jepun, yang berlangsung dari 300 SM hingga 300 AD, di mana perubahan budaya yang paling dramatik berlaku dalam masyarakat Jepun. Dalam tempoh ini, suku kaum yang datang dari tanah besar dan menggantikan penduduk asli kepulauan Jepun membawa budaya dan teknologi baharu mereka, seperti penanaman padi dan pemprosesan gangsa. Sekali lagi, kebanyakan seni dan teknologi zaman Yayoi diimport dari Korea dan China.

Tempoh kofun
Antara 300 dan 500 tahun, ketua puak telah dikebumikan dalam busut yang dipanggil "Kofun". Tempoh ini dipanggil dengan nama ini.

Benda-benda yang mungkin diperlukan oleh si mati diletakkan di dalam kubur. Ini adalah makanan, alat dan senjata, barang kemas, tembikar, cermin dan yang paling menarik - patung tanah liat yang dipanggil "haniwa".

Daripada Kokai, Oizumi-machi, Gunma.H.68.5.
Zaman Kofun, abad ke-6.
Muzium Negara Tokyo

Tujuan sebenar patung-patung itu masih tidak diketahui, tetapi ia ditemui di semua tanah perkuburan era Kofun. Dari patung-patung kecil ini seseorang boleh membayangkan bagaimana orang hidup pada masa itu, kerana orang digambarkan dengan alat dan senjata, dan kadang-kadang di sebelah rumah.

Arca-arca ini, yang dipengaruhi oleh tradisi Cina, mempunyai unsur-unsur bebas yang hanya wujud dalam seni tempatan.

Penari wanita, dinasti Han Barat (206 B.C.–A.D. 9), abad ke-2 B.C.
China
Muzium Seni Metropolitan, NY

Semasa tempoh Kofun, patung-patung menjadi lebih halus dan lebih dan lebih berbeza. Ini adalah imej askar, pemburu, penyanyi, penari, dan sebagainya.

Daripada Nohara, Konan-machi, Saitama. Sekarang H. 64.2, 57.3.
Zaman Kofun, abad ke-6.
Muzium Negara Tokyo

Terdapat satu lagi ciri arca ini. Haniva mewakili bukan sahaja fungsi sosial, tetapi juga mood tokoh itu. Sebagai contoh, seorang pahlawan mempunyai ekspresi yang tegas di wajahnya. dan di wajah para petani tersenyum lebar.

Daripada Iizuka-cho, Ota-shi, Gunma.H. 130.5.
Zaman Kofun, abad ke-6.
Muzium Negara Tokyo

tempoh Asuka
Sejak zaman Yayoi, seni visual Jepun tidak dapat dipisahkan daripada Korea atau seni cina. Ini menjadi paling ketara pada abad ketujuh dan kelapan, apabila seni Jepun mula berkembang pesat menjadi pelbagai genre visual.

Pada abad ke-6, perubahan kardinal berlaku dalam masyarakat Jepun: negara Jepun pertama Yamato akhirnya terbentuk, dan juga, pada tahun 552, agama Buddha datang ke Jepun, membawa bersamanya arca Buddha dan konsep kuil, yang menyebabkan penampilan. kuil di Jepun - sebagai Shinto, serta Buddha.
Kuil Shinto mengikut seni bina jelapang (Kuil Shinto terawal ialah jelapang tempat perayaan menuai diadakan. Semasa perayaan ritual, orang percaya bahawa tuhan sedang berpesta bersama mereka.)
Dewa Shinto - pertama sekali kuasa semula jadi supaya seni bina kuil ini sepadu dengan alam semula jadi seperti sungai dan hutan. Ini penting untuk difahami. Dalam seni bina Shinto, struktur buatan manusia dimaksudkan untuk menjadi lanjutan dunia semula jadi.

Kuil Buddha pertama, Shitennoji, hanya dibina pada 593 di Osaka. Kuil awal ini adalah tiruan kuil Buddha Korea, yang terdiri daripada pagoda tengah yang dikelilingi oleh tiga bangunan dan koridor berbumbung.

Penyebaran agama Buddha memudahkan hubungan antara Jepun dan Korea dengan China dan integrasi budaya Cina ke dalam budaya Jepun.

Jepun? Bagaimana ia berkembang? Kami akan menjawab soalan ini dan soalan lain dalam artikel. Budaya Jepun terbentuk hasil daripada gerakan sejarah yang bermula apabila Jepun berpindah dari tanah besar ke Nusantara dan lahir tamadun zaman Jomon.

Eropah, Asia (terutamanya Korea dan China) dan Amerika Utara telah sangat mempengaruhi pencerahan semasa umat ini. Salah satu tanda budaya Jepun ialah perkembangannya yang panjang dalam era pengasingan lengkap negara (dasar sakoku) dari semua negara lain semasa pemerintahan Keshogunan Tokugawa, yang berlangsung hingga pertengahan abad ke-19 - permulaan zaman. Zaman Meiji.

Pengaruh

Bagaimana budaya seni Jepun? Tamadun itu dipengaruhi dengan ketara oleh lokasi wilayah terpencil negara, iklim dan ciri geografi, serta fenomena semula jadi (taufan dan gempa bumi yang kerap). Ini dinyatakan dalam sikap luar biasa penduduk terhadap alam semula jadi sebagai makhluk hidup. ciri watak kebangsaan Jepun adalah keupayaan untuk mengagumi keindahan alam semesta semasa, yang dinyatakan dalam pelbagai jenis seni di sebuah negara kecil.

Budaya seni Jepun dicipta di bawah pengaruh agama Buddha, Shintoisme dan Konfusianisme. Aliran yang sama ini mempengaruhi perkembangan selanjutnya.

zaman purba

Setuju, budaya seni Jepun sangat mengagumkan. Shintoisme berakar umbi pada zaman dahulu. Agama Buddha, walaupun ia muncul sebelum era kita, mula tersebar hanya dari abad kelima. Zaman Heian (abad ke-8-12) dianggap sebagai era keemasan negara Jepun. Dalam tempoh yang sama, budaya indah negara ini mencapai titik tertinggi.

Konfusianisme muncul pada abad ke-13. Pada peringkat ini, terdapat pemisahan falsafah Confucius dan Buddhisme.

Hieroglif

Imej budaya seni Jepun terkandung dalam versifikasi unik, yang dipanggil Di negara ini, seni kaligrafi juga sangat maju, yang, menurut legenda, timbul dari imej ilahi syurga. Merekalah yang menghembuskan kehidupan ke dalam tulisan, jadi penduduknya baik hati terhadap setiap tanda dalam ejaan.

Khabar angin mengatakan bahawa hieroglif yang memberikan budaya Jepun, kerana imej yang mengelilingi tulisan itu muncul daripada mereka. Tidak lama kemudian, gabungan kuat unsur lukisan dan puisi dalam satu karya mula diperhatikan.

Jika anda mengkaji skrol Jepun, anda akan mendapati bahawa karya itu mengandungi dua jenis simbol. Ini adalah tanda-tanda penulisan - anjing laut, puisi, kolofen, serta indah. Pada masa yang sama, teater Kabuki mendapat populariti yang besar. Jenis teater yang berbeza - Tetapi - disukai terutamanya oleh anggota tentera. keterukan dan kekejaman mereka mempunyai pengaruh yang kuat terhadap No.

Melukis

Budaya seni telah dikaji oleh ramai pakar. Peranan besar dalam pembentukannya dimainkan oleh lukisan kaiga, yang dalam bahasa Jepun bermaksud lukisan atau lukisan. Seni ini dianggap sebagai jenis lukisan tertua di negeri ini, yang ditentukan oleh sejumlah besar penyelesaian dan bentuk.

Di dalamnya, tempat istimewa diduduki oleh alam semula jadi, yang menentukan prinsip suci. Pembahagian lukisan kepada sumi-e dan yamato-e telah wujud sejak abad kesepuluh. Gaya pertama berkembang lebih dekat ke abad keempat belas. Ia adalah sejenis cat air monokrom. Yamato-e ialah skrol berlipat mendatar yang biasa digunakan dalam hiasan karya sastera.

Tidak lama kemudian, pada abad ke-17, percetakan pada tablet muncul di negara ini - ukiyo-e. Sarjana menggambarkan landskap, geisha, pelakon terkenal teater kabuki. Lukisan jenis ini pada abad ke-18 mempunyai pengaruh yang kuat terhadap seni Eropah. Aliran yang muncul dipanggil "Jepun". Pada Zaman Pertengahan, budaya Jepun melangkaui sempadan negara - ia mula digunakan dalam reka bentuk dalaman yang bergaya dan bergaya di seluruh dunia.

kaligrafi

Oh, indahnya budaya seni Jepun! Kefahaman tentang keharmonian dengan alam semula jadi dapat dilihat pada setiap segmennya. Apakah kaligrafi Jepun moden? Ia dipanggil shodo ("cara pemberitahuan"). Seni khat, seperti menulis, adalah disiplin wajib. Para saintis mendapati bahawa seni ini datang ke sana serentak dengan tulisan Cina.

Ngomong-ngomong, pada zaman dahulu, budaya seseorang dinilai oleh tahap kaligrafinya. Hari ini ada nombor besar gaya penulisan, dan dikembangkan oleh sami Buddha.

arca

Bagaimanakah budaya Jepun terhasil? Kami akan mengkaji perkembangan dan jenis bidang kehidupan manusia ini dengan seberapa terperinci yang mungkin. Arca adalah jenis seni tertua di Jepun. Pada zaman dahulu, masyarakat negara ini membuat patung berhala dan hidangan daripada seramik. Kemudian orang ramai mula memasang patung-patung khaniv, yang dibuat dari tanah liat yang dibakar, di atas kubur.

Perkembangan kraf arca dalam moden budaya Jepun dikaitkan dengan penyebaran agama Buddha di negeri itu. Salah satu wakil monumen Jepun yang paling kuno dianggap sebagai patung Buddha Amitabha, diperbuat daripada kayu, diletakkan di kuil Zenko-ji.

Patung-patung sering dibuat daripada rasuk, tetapi mereka kelihatan sangat kaya: para pengrajin menutupinya dengan varnis, emas dan warna-warna cerah.

Origami

Adakah anda suka budaya seni Jepun? Pemahaman tentang keharmonian dengan alam semula jadi akan membawa pengalaman yang tidak dapat dilupakan. ciri ciri Budaya Jepun telah menjadi produk origami yang menakjubkan ("kertas berlipat"). Kemahiran ini berhutang asal usulnya kepada China, di mana, sebenarnya, parchment telah dicipta.

Pada mulanya, "kertas berlipat" digunakan dalam upacara keagamaan. Seni ini hanya boleh dipelajari oleh golongan atasan. Tetapi selepas Perang Dunia Kedua, origami meninggalkan rumah para bangsawan dan menemui pengagumnya di seluruh Bumi.

Ikebana

Semua orang harus tahu apa itu budaya seni negara-negara Timur. Jepun telah melabur banyak kerja dalam pembangunannya. Satu lagi komponen budaya ini negara yang indah ialah ikebana (“bunga hidup”, “kehidupan baru bunga”). Orang Jepun adalah peminat estetika dan kesederhanaan. Ia adalah tepat kedua-dua kualiti yang dilaburkan dalam kerja-kerja. Kecanggihan imej dicapai melalui penggunaan berfaedah keindahan semula jadi tumbuh-tumbuhan. Ikebana, seperti origami, juga berfungsi sebagai sebahagian daripada upacara keagamaan.

Miniatur

Mungkin ramai yang sudah faham bahawa budaya seni China Purba dan Jepun saling berkait rapat. Dan apakah bonsai? Ia adalah kemahiran unik Jepun untuk memupuk replika miniatur pokok sebenar yang hampir tepat.

Di Jepun, ia juga biasa membuat netsuke - arca kecil yang merupakan sejenis rantai kunci. Selalunya patung-patung sedemikian dalam kapasiti ini dilekatkan pada pakaian orang Jepun, yang tidak mempunyai poket. Mereka bukan sahaja menghiasinya, tetapi juga berfungsi sebagai pengimbang asal. Cincin kunci dibuat dalam bentuk kunci, kantung, bakul rotan.

Sejarah lukisan

Budaya seni jepun purba minat ramai orang. Lukisan di negara ini berasal semasa zaman Paleolitik Jepun dan berkembang dengan cara ini:

• tempoh Yamato. Semasa zaman Asuka dan Kofun (abad ke-4-7), bersama-sama dengan pengenalan hieroglif, penciptaan rejim negara gaya Cina dan mempopularkan agama Buddha, banyak karya seni dibawa ke Jepun dari China. Selepas itu, lukisan gaya Cina mula diterbitkan semula di Negara Matahari Terbit.
• Masa Nara. Pada abad VI dan VII. Agama Buddha terus berkembang di Jepun. Dalam hal ini, lukisan keagamaan mula berkembang, digunakan untuk menghiasi banyak kuil yang dibina oleh golongan bangsawan. Secara amnya, semasa era Nara, sumbangan terhadap perkembangan seni arca dan seni lebih besar berbanding seni lukis. Lukisan awal dalam kitaran ini termasuk mural di dinding dalaman Kuil Horyu-ji di Wilayah Nara, yang menggambarkan kehidupan Buddha Shakyamuni.
• era Heian. Dalam lukisan Jepun, bermula dari abad ke-10, trend yamato-e dibezakan, seperti yang kami tulis di atas. Lukisan sedemikian adalah skrol mendatar yang digunakan untuk menggambarkan buku.
• Zaman Muromachi. Pada abad XIV, gaya Supi-e (cat air monokrom) muncul, dan pada separuh pertama abad XVII. artis mula mencetak ukiran pada papan - ukiyo-e.
• Lukisan zaman Azuchi-Momoyama sangat berbeza dengan lukisan zaman Muromachi. Ia mempunyai gaya polikrom dengan penggunaan perak yang meluas dan dalam tempoh ini, institusi pendidikan Kano menikmati prestij dan kemasyhuran yang hebat. Pengasasnya ialah Kano Eitoku, yang mengecat siling dan pintu gelangsar untuk memisahkan bilik. Lukisan sedemikian menghiasi istana dan istana bangsawan tentera.
• zaman Maiji. Sejak separuh kedua abad ke-19, seni telah berpecah kepada gaya tradisional dan Eropah yang bersaing. Semasa era Maiji, Jepun mengalami sosial yang hebat dan perubahan politik dalam proses pemodenan dan Eropah yang dianjurkan oleh pihak berkuasa. Artis muda yang menjanjikan dihantar ke luar negara untuk belajar, dan artis luar negara datang ke Jepun untuk mencipta program seni sekolah. Walau apa pun, selepas rasa ingin tahu awal tentang gaya artistik Barat, bandul berayun masuk sisi terbalik, dan gaya tradisional Jepun dihidupkan semula. Pada tahun 1880, amalan seni Barat diharamkan daripada pameran rasmi dan dikritik hebat.

Puisi

Budaya seni Jepun purba masih dikaji. Cirinya adalah serba boleh, beberapa sintetik, kerana ia terbentuk di bawah pengaruh agama yang berbeza. Telah diketahui bahawa puisi klasik Jepun muncul dari kehidupan seharian, bertindak di dalamnya, dan kebumian ini dipelihara sedikit sebanyak dalam bentuk tradisional puisi hari ini - haiku tiga baris dan tanka lima baris, yang dibezakan dengan sebutan yang jelas. watak jisim. Ngomong-ngomong, kualiti inilah yang membezakan mereka daripada "ayat bebas" yang tertarik ke arah elitisme, yang muncul di Jepun pada awal abad ke-20 di bawah pengaruh puisi Eropah.

Adakah anda perasan bahawa peringkat perkembangan budaya seni Jepun adalah pelbagai rupa? Puisi dalam masyarakat negara ini memainkan peranan yang istimewa. Salah satu genre yang paling terkenal ialah haiku, anda boleh memahaminya hanya dengan membiasakan diri dengan sejarahnya.

Ia pertama kali muncul pada era Heian, mirip dengan gaya renga, yang merupakan sejenis saluran penyair yang ingin berehat dari ayat-ayat wah yang bernas. Haikai telah menjadi genre bebas pada abad ke-16, kerana renga menjadi terlalu serius dan haiku bergantung kepada bahasa sehari-hari dan masih berjenaka.

Sudah tentu, budaya seni Jepun diterangkan secara ringkas dalam banyak karya, tetapi kami akan cuba membincangkannya dengan lebih terperinci. Adalah diketahui bahawa pada Zaman Pertengahan salah satu genre sastera Jepun yang paling terkenal adalah tanka ("lagu laconic"). Dalam kebanyakan kes, ini ialah lima baris, terdiri daripada sepasang rangkap dengan bilangan suku kata tetap: 5-7-5 suku kata dalam tiga baris rangkap pertama, dan 7-7 dalam dua baris kedua. Bagi kandungan, tanka menggunakan skema berikut: bait pertama mewakili imej semula jadi tertentu, dan yang kedua mencerminkan perasaan seseorang yang menggemakan imej ini:

• Di pergunungan yang jauh
  Pegar ekor panjang tidur -
  Malam yang panjang dan panjang ini
  Bolehkah saya tidur seorang diri? ( Kakinomoto no Hitovaro, awal abad ke-8, diterjemahkan oleh Sanovich.)

dramaturgi Jepun

Ramai yang berpendapat bahawa budaya seni China dan Jepun memukau. Adakah anda suka seni persembahan? Dramaturgi tradisional Tanah Matahari Terbit dibahagikan kepada joruri (teater boneka), dramaturgi teater Noh (kyogen dan yokyoku), teater kabuki dan shingeki. Adat resam seni ini merangkumi lima genre teater asas: kyogen no, bugaku, kabuki dan bunraku. Kesemua lima tradisi ini masih ada sehingga kini. Walaupun terdapat perbezaan yang besar, ia disambungkan oleh prinsip estetik biasa yang menyokong seni Jepun. Ngomong-ngomong, dramaturgi Jepun berasal dari pentas No.

Teater Kabuki muncul pada abad ke-17 dan mencapai puncaknya menjelang akhir abad ke-18. Bentuk persembahan yang dibangunkan dalam tempoh tertentu dikekalkan pada pentas moden Kabuki. Pengeluaran teater ini, berbeza dengan peringkat No, yang memfokuskan pada lingkaran sempit pengagum seni kuno, direka untuk penonton massa. Akar-akar kemahiran Kabuki berasal daripada persembahan pelawak - penghibur sandiwara kecil, adegan yang terdiri daripada tarian dan nyanyian. Kemahiran teater Kabuki menyerap unsur joruri dan no.

Kemunculan teater Kabuki dikaitkan dengan nama pekerja tempat suci Buddha O-Kuni di Kyoto (1603). O-Kuni membuat persembahan di atas pentas dengan tarian keagamaan, yang termasuk pergerakan tarian rakyat Nembutsu-odori. Persembahannya diselitkan dengan lakonan komik. Pada peringkat ini, produksi itu dipanggil yujo-kabuki (kabuki para pelacur), o-kuni-kabuki atau onna-kabuki (kabuki wanita).

ukiran

Pada abad yang lalu, orang Eropah, dan kemudian Rusia, menghadapi fenomena seni Jepun melalui ukiran. Sementara itu, di Tanah Matahari Terbit, lukisan pada pokok pada mulanya tidak dianggap sebagai kemahiran sama sekali, walaupun ia mempunyai semua sifat budaya massa - murah, ketersediaan, peredaran. Para penikmat Ukiyo-e dapat mencapai kebolehfahaman dan kesederhanaan tertinggi baik dalam penjelmaan plot dan dalam pilihan mereka.

Ukiyo-e ialah sekolah seni khas, jadi dia dapat mengemukakan beberapa sarjana yang cemerlang. Oleh itu, nama Hisikawa Moronobu (1618-1694) dikaitkan dengan fasa awal pembangunan ukiran plot. Pada pertengahan abad ke-18, Suzuki Harunobu, pakar pertama ukiran pelbagai warna, dicipta. Motif utama karyanya adalah adegan lirik, di mana perhatian tidak diberikan kepada tindakan, tetapi kepada penghantaran perasaan dan perasaan: cinta, kelembutan, kesedihan. Seperti seni purba yang indah pada era Heian, ukiyo-e virtuosos menghidupkan semula kultus luar biasa kecantikan wanita dalam persekitaran bandar yang telah diubah suai.

Satu-satunya perbezaan adalah bahawa bukannya bangsawan Heian yang bangga, cetakan itu menggambarkan geisha yang anggun dari daerah hiburan Edo. Artis Utamaro (1753-1806) mungkin adalah contoh unik seorang profesional dalam sejarah lukisan, yang sepenuhnya menumpukan ciptaannya untuk menggambarkan wanita dalam pelbagai pose dan pakaian, dalam pelbagai keadaan kehidupan. Salah satu karya terbaiknya ialah ukiran "Geisha Osama", yang disimpan di Moscow, di Muzium Lukisan Pushkin. Artis luar biasa secara halus menyampaikan kesatuan gerak isyarat dan mood, ekspresi muka.

Manga dan anime

Ramai artis cuba mengkaji lukisan Jepun. Apakah anime (animasi Jepun)? Ia berbeza daripada genre animasi lain dengan lebih menyesuaikan diri dengan penonton dewasa. Di sini terdapat pembahagian pendua kepada gaya untuk yang tidak jelas penonton sasaran. Ukuran penghancuran ialah jantina, umur atau potret psikologi penonton wayang. Selalunya, anime ialah filem adaptasi komik manga Jepun, yang juga mendapat kemasyhuran hebat.

Bahagian asas manga direka untuk penonton dewasa. Menurut data 2002, kira-kira 20% daripada keseluruhan pasaran buku Jepun diduduki oleh komik manga.

Jepun dekat dengan kita secara geografi, tetapi, walaupun ini, untuk masa yang lama kekal tidak dapat difahami dan tidak dapat diakses oleh seluruh dunia. Hari ini kita tahu banyak tentang negara ini. Pengasingan sukarela yang lama telah membawa kepada fakta bahawa budayanya berbeza sama sekali daripada budaya negeri lain.

Jepun adalah negara terkecil di Timur Jauh - 372 ribu kilometer persegi. Tetapi sumbangan yang telah dilakukan oleh Jepun kepada sejarah kebudayaan dunia tidak kurang daripada sumbangan negara-negara purba yang besar.

Asal-usul seni negara purba ini bermula sejak alaf ke-8 SM. Tetapi peringkat yang paling penting dalam semua bidang kehidupan seni terdapat satu tempoh yang bermula pada abad ke-6-7 dari R.Kh. dan berterusan sehingga pertengahan abad ke-19. Perkembangan seni Jepun berjalan secara tidak sekata, tetapi ia tidak mengetahui perubahan yang terlalu tajam atau penurunan mendadak.

Seni Jepun berkembang dalam keadaan semula jadi dan sejarah yang istimewa. Jepun terletak di empat pulau besar (Honshu, Hokkaido, Kyushu dan Shioku) dan banyak lagi yang lebih kecil. Untuk masa yang lama dia tidak dapat ditembusi dan tidak tahu perang luar. Kedekatan Jepun dengan tanah besar menjejaskan hubungan dengan China dan Korea pada zaman dahulu. Ini mempercepatkan perkembangan seni Jepun.

Seni zaman pertengahan Jepun berkembang di bawah pengaruh budaya Korea dan Cina. Jepun menerima pakai skrip Cina dan ciri-ciri pandangan dunia Cina. Agama Buddha menjadi agama negeri Jepun. Tetapi orang Jepun membias dengan cara mereka sendiri idea cina dan menyesuaikannya dengan cara hidup mereka.

Rumah Jepun, dalaman Jepun
Rumah Jepun itu jelas dan ringkas di bahagian dalam seperti di luar. Ia sentiasa bersih. Lantai, digilap hingga bersinar, ditutup dengan tikar jerami ringan - tatami, membahagikan bilik menjadi segi empat tepat. Kasut ditanggalkan di ambang pintu, barang-barang disimpan di dalam almari, dapur berasingan dari tempat tinggal. Di dalam bilik, sebagai peraturan, tidak ada perkara kekal. Mereka dibawa masuk dan dibawa pergi mengikut keperluan. Tetapi setiap perkara di dalam bilik kosong, sama ada bunga dalam pasu, gambar atau meja lakuer, menarik perhatian dan memperoleh ekspresi yang istimewa.

Semua jenis seni dikaitkan dengan reka bentuk ruang rumah, kuil, istana atau istana pada zaman pertengahan Jepun. Masing-masing berfungsi sebagai pelengkap kepada yang lain. Sebagai contoh, sejambak yang dipilih dengan mahir melengkapi dan mencetuskan mood yang disampaikan dalam lukisan landskap.

Ketepatan sempurna yang sama, rasa bahan yang sama, seperti dalam hiasan rumah Jepun, dirasai dalam produk seni hiasan. Bukan tanpa sebab pada upacara minum teh, sebagai permata terhebat, peralatan yang dibuat oleh tangan digunakan. Tempayannya yang lembut dan tidak rata menyimpan kesan jari-jari yang memahat tanah liat yang basah. Sayu mutiara merah jambu, biru biru atau kelabu-biru tidak menarik, tetapi mereka merasakan sinaran alam semula jadi itu sendiri, dengan kehidupan yang dikaitkan dengan setiap objek seni Jepun.

tembikar Jepun
Bejana tanah liat yang tidak disalut, dibentuk dengan tangan dan dibakar pada suhu rendah menyerupai seramik orang purba yang lain. Tetapi mereka sudah mempunyai ciri yang unik kepada budaya Jepun. Corak jag dan hidangan pelbagai bentuk mencerminkan idea tentang unsur taufan, laut dan gunung yang menghirup api. Fantasi produk ini seolah-olah telah didorong oleh alam semula jadi itu sendiri.

Jag besar, mencapai hampir satu meter tinggi dengan corak berkas tanah liat cembung yang tersepit menyerupai sama ada cangkerang berliku, atau terumbu karang bercabang, atau kusut alga, atau tepi gunung berapi yang bergerigi. Pasu dan mangkuk yang megah dan monumental ini bukan sahaja berkhidmat untuk domestik, tetapi juga untuk tujuan ritual. Tetapi pada pertengahan milenium ke-1 SM. barangan gangsa mula digunakan dan peralatan seramik kehilangan tujuan ritualnya.

Di sebelah seramik, produk baru kraf artistik muncul - senjata, barang kemas, loceng gangsa dan cermin.

barangan rumah Jepun
Pada abad ke-9 hingga ke-12 Masihi, cita rasa golongan bangsawan Jepun didedahkan dalam seni hiasan. Barangan lakuer yang licin, tahan lembapan, ditabur dengan serbuk emas dan perak, ringan dan elegan, seolah-olah menerangi senja bilik Jepun, dan terdiri daripada pelbagai jenis barangan harian. Lacquer digunakan untuk membuat mangkuk dan peti mati, peti dan meja, alat muzik. Setiap perkara kecil dalam kuil dan kehidupan seharian - kutleri perak untuk makanan, pasu untuk bunga, kertas bercorak untuk surat, tali pinggang bersulam - mendedahkan sikap puitis dan emosi orang Jepun kepada dunia.

lukisan Jepun
Dengan perkembangan seni bina istana monumental, aktiviti pelukis sekolah mahkamah menjadi lebih aktif. Artis terpaksa melukis permukaan yang besar bukan sahaja pada dinding, tetapi juga skrin lipatan kertas berbilang lipatan, yang memainkan peranan kedua-dua lukisan dan sekatan mudah alih di dalam bilik. Satu ciri cara kreatif tukang berbakat ialah pemilihan perincian landskap yang besar dan pelbagai warna pada satah panel dinding atau skrin yang luas.

Komposisi bunga, herba, pokok dan burung, yang dilakukan oleh Kano Eitoku pada latar belakang bersinar keemasan dengan bintik-bintik tebal dan berair, idea umum tentang kuasa dan keagungan alam semesta. Wakil-wakil sekolah Kano, bersama-sama dengan motif semula jadi, termasuk dalam lukisan dan subjek baru yang mencerminkan kehidupan dan kehidupan bandar Jepun pada abad ke-16.

Terdapat juga landskap monokrom pada skrin istana. Tetapi mereka mempunyai kesan hiasan yang hebat. Begitulah skrin yang dilukis oleh pengikut Sesshu, Hasegawa Tohaku (1539-1610). Permukaan matte putihnya ditafsirkan oleh pelukis sebagai selubung kabut tebal, dari mana, seperti penglihatan, siluet pain lama tiba-tiba keluar. Dengan hanya beberapa gumpalan dakwat yang berani, Tohaku mencipta gambaran puitis tentang hutan musim luruh.

Skrol landskap monokrom, dengan keindahan lembutnya, tidak dapat menandingi gaya bilik istana. Tetapi mereka mengekalkan kepentingan mereka sebagai bahagian yang tidak boleh diketepikan dalam astaka teh chashitsu, yang direka untuk penumpuan rohani dan kedamaian.

Karya seni oleh tuan Jepun bukan sahaja kekal setia kepada gaya kuno, tetapi juga sentiasa mempunyai sesuatu yang baru dalam mereka yang tiada karya seni lain. Dalam seni Jepun tidak ada tempat untuk klise dan templat. Di dalamnya, seperti dalam alam semula jadi, tidak ada dua ciptaan yang sama sepenuhnya. Dan sekarang pun, karya seni oleh sarjana Jepun tidak boleh dikelirukan dengan karya seni dari negara lain. Dalam seni Jepun, masa telah menjadi perlahan, tetapi ia tidak berhenti. Dalam seni Jepun, tradisi zaman dahulu masih kekal hingga ke hari ini.

« Ombak besar di Kanagawa" oleh Katsushika Hokusai (1760-1849) adalah salah satu ukiran paling terkenal dan helaian pertama siri Thirty-six Views of Fuji. Pada awal 1830-an, Katsushika Hokusai, yang ditugaskan oleh rumah penerbitan Eijudo, mula mencipta satu siri 46 helaian (36 utama dan 10 tambahan), dan The Great Wave off Kanagawa ialah ukiran yang membuka keseluruhan siri.

Koleksi ukiran sedemikian berfungsi sebagai sejenis "perjalanan maya" untuk penduduk bandar pada masa itu, cara yang mudah dan murah untuk memuaskan rasa ingin tahu. Cetakan seperti Fuji berharga kira-kira 20 bulan - hampir sama dengan dua bahagian mi di kedai makan Jepun pada masa itu. Walau bagaimanapun, kejayaan itu begitu hebat sehinggakan pada tahun 1838 kos helaian Hokusai telah meningkat kepada hampir 50 mon, dan selepas kematian tuannya, Wave sahaja telah dicetak semula daripada papan baharu lebih daripada 1000 kali.

Anehnya, walaupun tema yang dinyatakan dalam keseluruhan siri, Fuji dalam The Wave nampaknya memainkan peranan kedua. "Watak" utama dalam ukiran ini adalah gelombang, dan di latar depan adegan dramatik perjuangan seorang lelaki dengan unsur-unsur terungkap. Tepi jambul buih kelihatan seperti jari-jari yang dipintal oleh syaitan yang marah yang hebat, dan ketiadaan wajah serta ketidakaktifan figura manusia di dalam bot tidak meragukan siapa yang akan menjadi pemenang dalam pertarungan ini. Namun, bukan konfrontasi inilah konflik yang mencipta plot ukiran.
Dengan menghentikan saat selepas bot itu terhempas, Hokusai membenarkan penonton melihat Fuji seketika di atas langit kelabu, menjadi gelap ke arah ufuk. Walaupun pengukir Jepun sudah biasa dengan prinsip-prinsip perspektif linear dan udara Eropah pada masa itu, mereka tidak merasakan keperluan untuk teknik ini. Latar belakang yang gelap, serta perjalanan mata yang jauh dari latar depan dengan perahu melalui pergerakan ombak ke Fuji, meyakinkan mata bahawa gunung suci itu terpisah dari kita oleh hamparan laut.

Fuji naik jauh dari pantai sebagai simbol kestabilan dan keteguhan, bertentangan dengan unsur ribut. Perpaduan dan saling bergantungan yang bertentangan mendasari idea susunan kosmik dan keharmonian mutlak dalam pandangan dunia Timur Jauh, dan merekalah yang menjadi tema utama ukiran "The Great Wave off Kanagawa", yang membuka siri itu oleh Katsushika Hokusai.

"Beauty Nanivaya Okita" oleh Kitagawa Utamaro, 1795-1796

Kitagawa Utamaro (1753-1806) boleh dipanggil penyanyi kecantikan wanita dalam cetakan Jepun ukiyo-e: dia mencipta beberapa imej kanonik kecantikan Jepun ( bijinga) - penduduk rumah teh dan kawasan hiburan terkenal Yoshiwara di ibu negara Jepun, Edo edo — nama Tokyo sebelum 1868..

Dalam ukiran bijinga, semuanya tidak seperti yang dilihat oleh penonton moden. Wanita bangsawan yang berpakaian mewah, sebagai peraturan, terlibat dalam kraf yang memalukan dan tergolong dalam kelas bawahan, dan ukiran dengan potret kecantikan mempunyai fungsi pengiklanan secara terbuka. Pada masa yang sama, ukiran itu tidak memberikan gambaran tentang penampilan gadis itu, dan walaupun Okita dari rumah teh Nanivaya berhampiran kuil Asakusa dianggap sebagai keindahan pertama Edo, wajahnya dalam ukiran itu adalah langsung tidak mempunyai keperibadian.

Sejak abad ke-10, imej wanita dalam seni Jepun telah tertakluk kepada kanun minimalisme. "Line-eye, hook-nose" - penerimaan hikime-kagihana membenarkan artis hanya untuk menunjukkan bahawa seorang wanita tertentu telah digambarkan: dalam budaya tradisional Jepun, isu kecantikan fizikal sering ditinggalkan. Pada wanita kelahiran mulia"kecantikan hati" dan pendidikan lebih dihargai, dan penduduk di kawasan yang ceria berusaha untuk meniru standard tertinggi dalam segala hal. Menurut Utamaro, Okita benar-benar cantik.

Lembaran "Beauty Nanivaya Okita" dicetak pada 1795-1796 dalam siri "Kecantikan Terkenal Diibaratkan Enam Penyair Abadi", di mana salah seorang penulis abad ke-9 sepadan dengan setiap kecantikan. Pada helaian dengan potret Okita di sudut kiri atas terdapat imej Arivara no Narihira (825-880), salah seorang penyair yang paling dihormati di Jepun, yang secara tradisinya dikaitkan dengan novel Ise Monogatari. Bangsawan yang mulia dan penyair yang cemerlang ini juga terkenal dengan hubungan cintanya, yang sebahagiannya menjadi asas novel.

Lembaran ini adalah penggunaan teknik yang unik mitate(perbandingan) dalam ukiran Jepun. Kualiti "prototaip" yang berwibawa dipindahkan kepada kecantikan yang digambarkan, dan pelacur yang elegan, dengan wajah tenang melayani tetamu secawan teh, sudah dibaca oleh penonton sebagai seorang wanita yang mahir dalam puisi dan perbuatan cinta. Perbandingan dengan Arivara no Narihira benar-benar satu pengiktirafan keunggulannya di kalangan kecantikan Edo.

Pada masa yang sama, Utamaro mencipta imej lirik yang mengejutkan. Mengimbangi bintik-bintik gelap dan terang pada daun dan menggariskan bentuk dengan garisan yang merdu dan elegan, dia mencipta imej keanggunan dan keharmonian yang benar-benar sempurna. "Pengiklanan" surut, dan keindahan yang dirakam oleh Utamaro kekal abadi.

Skrin "Irises" oleh Ogata Korin, 1710s

Sepasang skrin iris enam panel - kini khazanah negara Jepun - telah dicipta oleh Ogata Korin (1658-1716) sekitar 1710 untuk kuil Nishi Hongan-ji di Kyoto.

Sejak abad ke-16, melukis pada panel dinding dan skrin kertas telah menjadi salah satu genre seni hiasan yang terkemuka di Jepun, dan Ogata Korin, pengasas sekolah seni Rinpa, adalah salah seorang sarjana terhebatnya.

Skrin di pedalaman Jepun memainkan peranan penting. Premis istana yang luas secara strukturnya tidak berbeza dengan kediaman orang Jepun yang sederhana: mereka hampir tidak mempunyai dinding dalaman, dan ruang itu dizonkan dengan skrin lipat. Hanya lebih sedikit daripada satu setengah meter tinggi, skrin direka untuk tradisi Jepun biasa semua kelas untuk hidup di atas lantai. Di Jepun, kerusi dan meja tinggi tidak digunakan sehingga abad ke-19, dan ketinggian skrin, serta komposisi lukisannya, direka untuk pandangan seseorang yang duduk di atas lututnya. Dengan sudut pandangan inilah kesan yang menakjubkan timbul: iris kelihatan mengelilingi orang yang duduk - dan seseorang dapat merasakan dirinya di tebing sungai, dikelilingi oleh bunga.

Iris dicat dengan cara yang tidak kontur - hampir impresionistik, sapuan lebar tempera biru tua, ungu dan ungu menyampaikan kehebatan bunga ini. Kesan yang indah dipertingkatkan oleh kilauan emas yang kusam, yang menggambarkan iris mata. Skrin tidak menggambarkan apa-apa selain bunga, tetapi garis pertumbuhan sudutnya menunjukkan bahawa bunga itu membengkok di sekitar aliran sungai yang berliku atau zigzag jambatan kayu. Adalah wajar bagi orang Jepun untuk melihat jambatan yang hilang dari skrin, "jambatan lapan papan" khas ( yatsuhashi), dikaitkan dengan iris dalam klasik kesusasteraan Jepun. Novel Ise Monogatari (abad ke-9) menggambarkan perjalanan sedih seorang wira yang diusir dari ibu negara. Setelah menetap bersama rombongannya untuk berehat di tebing sungai berhampiran jambatan Yatsuhashi, wira itu, melihat iris, mengingati kekasihnya dan mengarang puisi:

kekasihku dalam pakaian
Anggun di sana, di ibu kota,
Cinta pergi...
Dan saya fikir dengan kerinduan berapa banyak
saya jauh dari dia... Terjemahan oleh N.I. Konrad.

"Jadi dia melipat, dan semua orang menitiskan air mata pada nasi kering mereka, sehingga ia membengkak dengan kelembapan," tambah pengarang dan wira lirik bercerita, Arivara no Narihira.

Bagi orang Jepun yang berpendidikan, hubungan antara iris di tepi jambatan dan Ise monogatari, iris dan tema cinta yang berpisah adalah jelas, dan Ogata Korin mengelakkan keterlaluan dan ilustrasi. Dengan bantuan lukisan hiasan, dia hanya mencipta ruang ideal yang dipenuhi dengan cahaya, warna dan konotasi sastera.

Pavilion Emas Kinkakuji, Kyoto, 1397

Kuil Emas adalah salah satu simbol Jepun, yang, ironisnya, lebih dimuliakan oleh kemusnahannya daripada pembinaannya. Pada tahun 1950, seorang sami Biara Rokuonji yang tidak stabil mentalnya, di mana bangunan ini dimiliki, membakar sebuah kolam yang berdiri di permukaan
astaka Semasa kebakaran pada tahun 1950, kuil itu hampir musnah. Kerja-kerja pemulihan di Kinkaku-ji bermula pada tahun 1955, pada tahun 1987 pembinaan semula secara keseluruhan telah selesai, tetapi pemulihan hiasan dalaman yang hilang sepenuhnya berterusan sehingga tahun 2003.. Motif sebenar perbuatannya masih tidak jelas, tetapi dalam tafsiran penulis Yukio Mishima, keindahan yang tidak dapat dicapai, hampir mistik kuil ini harus dipersalahkan. Sesungguhnya, selama beberapa abad, Kinkakuji dianggap sebagai lambang kecantikan Jepun.

Pada tahun 1394, Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), yang menundukkan hampir seluruh Jepun mengikut kehendaknya, secara rasmi bersara dan menetap di sebuah vila yang dibina khas di utara Kyoto. Bangunan tiga tingkat di tasik buatan Kyokoti ("cermin tasik") memainkan peranan sejenis pertapaan, astaka terpencil untuk bersantai, membaca dan berdoa. Ia mengandungi koleksi lukisan oleh shogun, perpustakaan dan koleksi peninggalan Buddha. Terletak di atas air berhampiran pantai, Kinkakuji hanya mempunyai komunikasi bot dengan pantai dan merupakan pulau yang sama dengan pulau buatan dengan batu dan pokok pain yang bertaburan di sekitar Kyokoti. Idea "pulau cakerawala" dipinjam dari mitologi Cina, di mana tempat tinggal syurga berfungsi sebagai pulau Penglai, pulau abadi. Pantulan pavilion di dalam air sudah membangkitkan persatuan Buddha dengan idea tentang sifat ilusi dunia fana, yang hanya merupakan pantulan pucat dari kemegahan dunia kebenaran Buddha.

Walaupun semua nada mitologi ini adalah spekulatif, lokasi pavilion memberikannya keharmonian dan keharmonian yang menakjubkan. Refleksi menyembunyikan kekongkongan bangunan, menjadikannya lebih tinggi dan lebih langsing; pada masa yang sama, ia adalah ketinggian pavilion yang memungkinkan untuk melihatnya dari mana-mana tebing kolam, sentiasa dengan latar belakang gelap kehijauan.

Ia masih, bagaimanapun, tidak sepenuhnya jelas betapa emas pavilion ini dalam bentuk asalnya. Mungkin, di bawah Ashikaga Yoshimitsu, ia sememangnya ditutup dengan daun emas dan lapisan pelindung varnis. Tetapi jika anda percaya gambar-gambar abad ke-19 - awal abad ke-20 dan Yukio Mishima, maka pada pertengahan abad ke-20, penyepuhan itu hampir terkelupas dan mayatnya hanya kelihatan di tingkat atas bangunan. Pada masa ini, dia lebih menyentuh jiwa dengan pesona kehancuran, jejak masa, tidak dapat dielakkan walaupun kepada perkara yang paling indah. Daya tarikan melankolis ini sepadan dengan prinsip estetika sabi sangat dihormati dalam budaya Jepun.

Satu cara atau yang lain, kemegahan bangunan ini sama sekali tidak dalam emas. Keterukan bentuk Kinkakuji yang indah dan keharmonian yang sempurna dengan landskap menjadikannya salah satu karya seni bina Jepun.

Mangkuk "Iris" dalam gaya karatsu, abad XVI-XVII

Perkataan itu meibutsu- benda dengan nama. Mangkuk ini benar-benar hanya mempunyai nama, kerana tidak Masa yang tepat dan tempat penciptaannya, mahupun nama tuannya tidak terpelihara. Namun begitu, ia tersenarai di antara khazanah negara Jepun dan merupakan salah satu contoh seramik paling terang dalam gaya kebangsaan.

Pada akhir abad ke-16, upacara minum teh cha-no-yu terbengkalai porselin Cina halus dan seramik dengan sayu mengingatkan bahan berharga. Kecantikan mereka yang menakjubkan kelihatan terlalu tiruan dan terus terang kepada tuan teh. Barang-barang yang sempurna dan mahal - mangkuk, bekas air dan kendi teh - tidak sepadan dengan kanun rohani Zen Buddhisme yang hampir pertapa, dalam semangat yang berkembang dalam upacara minum teh. Revolusi sebenar dalam tindakan teh adalah tarikan kepada seramik Jepun, jauh lebih mudah dan tidak berseni pada masa bengkel Jepun baru mula menguasai teknologi tembikar benua.

Bentuk mangkuk Iris adalah ringkas dan tidak teratur. Lengkungan sedikit dinding, lekuk tukang periuk kelihatan di seluruh badan memberikan mangkuk itu dengan mudah. Serpihan tanah liat ditutup dengan sayu ringan dengan rangkaian retakan - craquelure. Di bahagian depan, yang menyapa tetamu semasa upacara minum teh, imej iris digunakan di bawah sayu: lukisan itu naif, tetapi dilaksanakan dengan berus bertenaga, betul-betul, seolah-olah dalam satu pergerakan, dalam semangat Zen kaligrafi. Nampaknya bentuk dan hiasan boleh dibuat secara spontan dan tanpa penggunaan pasukan khas.

Spontan ini mencerminkan ideal wabi- kesederhanaan dan ketiadaan seni, menimbulkan rasa kebebasan dan keharmonian rohani. Mana-mana orang atau bahkan objek tidak bernyawa dalam pandangan pengikut Jepun Buddhisme Zen mempunyai sifat pencerahan Buddha, dan usaha pakar itu bertujuan untuk menemui sifat ini dalam dirinya dan dunia di sekelilingnya. Perkara-perkara yang digunakan dalam upacara minum teh, untuk semua kekok mereka, sepatutnya membangkitkan pengalaman mendalam tentang kebenaran, kaitan setiap saat, terpaksa mengintip ke dalam bentuk yang paling biasa dan melihat keindahan sebenar di dalamnya.

Berbeza dengan tekstur kasar mangkuk dan kesederhanaannya adalah pemulihan dengan lakuer emas sumbing kecil (teknik ini dipanggil kintsugi). Pemulihan telah dijalankan pada abad ke-18 dan menunjukkan penghormatan yang digunakan oleh tuan teh Jepun merawat peralatan untuk upacara minum teh. Jadi majlis minum teh menyediakan peserta dengan "cara" untuk menemui keindahan sebenar sesuatu, seperti mangkuk Iris. Tersirat, kerahsiaan telah menjadi asas kepada konsep estetik wabi dan bahagian penting dalam pandangan dunia Jepun.

Potret Monk Gandzin, Nara, 763

Pada abad VIII, arca menjadi bentuk utama ekspresi artistik era, era Nara (710-794), yang dikaitkan dengan pembentukan negara Jepun dan pengukuhan agama Buddha. Sarjana Jepun telah pun melepasi peringkat perantisan dan tiruan buta teknik dan imej benua dan mula secara bebas dan jelas menyatakan semangat zaman mereka dalam seni arca. Penyebaran dan pertumbuhan kewibawaan agama Buddha menyebabkan kemunculan potret arca Buddha.

Salah satu karya agung genre ini ialah potret Gandzin, yang dicipta pada tahun 763. Dibuat dalam teknik lakuer kering (dengan membina lapisan lakuer pada bingkai kayu yang ditutup dengan kain), arca itu hampir Saiz hidup telah dicat secara realistik, dan di dalam separa kegelapan kuil, Ganjin duduk dalam pose meditasi "seolah-olah hidup." Keserupaan hidup ini adalah fungsi kultus utama potret sedemikian: guru harus sentiasa berada di dalam dinding biara Todaiji di bandar Nara dan hadir pada upacara ketuhanan yang paling penting.

Kemudian, pada abad ke-11-13, potret arca mencapai ilusionisme yang hampir tanpa belas kasihan, menggambarkan kelemahan nyanyuk guru yang dihormati, mulut cekung mereka, pipi kendur dan kedutan yang dalam. Potret ini melihat penganut agama Buddha dengan mata yang hidup, bertatahkan kristal batu dan kayu. Tetapi wajah Gandzin kelihatan kabur, tidak ada kontur yang jelas dan bentuk yang jelas di dalamnya. Kelopak mata mata separuh tertutup dan tidak berkerak kelihatan bengkak; mulut yang tegang dan lipatan nasolabial yang dalam menyatakan kewaspadaan biasa daripada kepekatan meditasi.

Semua ciri ini mendedahkan biografi dramatik sami ini, kisah pertapaan dan tragedi yang menakjubkan. Ganjin, seorang sami Buddha Cina, telah dijemput ke Jepun untuk upacara penyucian biara terbesar Nara, Todaiji. Kapal itu ditangkap oleh lanun, skrol yang tidak ternilai dan arca Buddha yang bertujuan untuk kuil Jepun yang jauh hilang dalam kebakaran, Ganjin membakar mukanya dan kehilangan penglihatannya. Tetapi dia tidak meninggalkan keinginan untuk berdakwah di pinggiran tamadun yang jauh - iaitu, bagaimana Jepun dianggap oleh benua itu pada masa itu.

Beberapa lagi percubaan untuk menyeberangi laut berakhir dengan cara yang sama tidak berjaya, dan hanya pada percubaan kelima, Ganjin yang sudah pertengahan umur, buta dan uzur itu sampai ke ibu kota Jepun, Nara.

Di Jepun, Ganjin tidak mengajar undang-undang Buddha untuk masa yang lama: peristiwa dramatik dalam hidupnya menjejaskan kesihatannya. Tetapi kuasanya sangat tinggi sehingga, mungkin, sebelum kematiannya, ia telah diputuskan untuk mencipta arcanya. Tidak dinafikan, sami artis berusaha untuk memberikan arca sebanyak mungkin persamaan dengan model itu. Tetapi ini dilakukan bukan untuk mengekalkan penampilan luaran seseorang, tetapi untuk menangkap pengalaman rohani individunya, jalan sukar yang dilalui Ganjin dan yang dipanggil ajaran Buddha.

Daibutsu - Buddha Besar Kuil Todaiji, Nara, pertengahan abad ke-8

Pada pertengahan abad ke-8, Jepun mengalami bencana alam dan wabak, dan tipu daya keluarga Fujiwara yang berpengaruh dan pemberontakan yang mereka bangkitkan memaksa Maharaja Shomu meninggalkan ibu kota, bandar Nara. Dalam pengasingan, dia berikrar untuk mengikuti ajaran Buddha dan pada tahun 743 mengarahkan pembinaan kuil utama negara itu dimulakan dan penuangan kuil besar. patung gangsa Buddha Vairochana (Matahari Besar Buddha atau Semua Cahaya Menerangi). Dewa ini dianggap sebagai penjelmaan universal Buddha Shakyamuni, pengasas ajaran Buddha, dan sepatutnya menjadi penjamin perlindungan maharaja dan seluruh negara semasa tempoh pergolakan dan pemberontakan.

Kerja bermula pada 745 dan telah dimodelkan pada patung Buddha gergasi di kuil gua Longmen berhampiran ibu kota China Luoyang. Patung di Nara, seperti mana-mana imej Buddha, sepatutnya menunjukkan "tanda-tanda besar dan kecil Buddha." Kanun ikonografi ini termasuk cuping telinga yang memanjang, mengingatkan fakta bahawa Buddha Shakyamuni berasal dari keluarga pangeran dan dari zaman kanak-kanak memakai anting-anting berat, ketinggian di bahagian atas kepalanya (ushnisha), titik di dahinya (guci).

Ketinggian patung itu ialah 16 meter, lebar mukanya 5 meter, panjang telapak tangan yang dihulurkan ialah 3.7 meter, dan tempayan itu lebih besar daripada kepala manusia. Pembinaan mengambil 444 tan tembaga, 82 tan timah dan sejumlah besar emas, pencarian yang dilakukan khas di utara negara itu. Di sekeliling patung itu didirikan sebuah dewan - Daibutsuden, yang direka untuk melindungi kuil. Dalam ruang kecilnya, patung Buddha duduk yang sedikit tunduk memenuhi seluruh ruang, menggambarkan salah satu postulat utama Buddhisme - idea bahawa dewa itu ada di mana-mana dan meliputi segala-galanya, ia merangkumi dan memenuhi segala-galanya. Ketenangan transendental wajah dan isyarat tangan dewa (mudra, isyarat memberi perlindungan) melengkapi perasaan keagungan dan kuasa Buddha yang tenang.

Walau bagaimanapun, hanya beberapa serpihan patung asal yang kekal pada hari ini: kebakaran dan peperangan menyebabkan kerosakan besar pada patung itu pada abad ke-12 dan ke-16, dan patung moden kebanyakannya adalah tuangan abad ke-18. Semasa pemulihan abad ke-18, angka gangsa tidak lagi ditutup dengan emas. Semangat Buddhis Maharaja Shomu pada abad ke-8 secara praktikal mengosongkan perbendaharaan dan menumpahkan darah negara yang sudah terkejut, dan pemerintah kemudiannya tidak lagi mampu membayar perbelanjaan yang tidak wajar itu.

Walau bagaimanapun, kepentingan Daibutsu bukan terletak pada emas dan bukan juga pada keaslian yang boleh dipercayai - idea tentang penjelmaan ajaran Buddha yang begitu hebat adalah monumen kepada era apabila seni monumental Jepun mengalami pembungaan yang tulen, membebaskan dirinya daripada penyalinan buta sampel benua dan mencapai integriti dan ekspresif, yang kemudiannya hilang.

Orang Jepun menemui keindahan yang tersembunyi dalam perkara-perkara pada abad ke-9-12, pada era Heian (794-1185) dan malah menetapkannya dengan konsep istimewa "mono tidak sedar" (物の哀れ (もののあわれ)), yang bermaksud " pesona sedih perkara. “Pesona benda” ialah salah satu takrifan terawal kecantikan dalam kesusasteraan Jepun, ia dikaitkan dengan kepercayaan Shinto bahawa setiap benda mempunyai dewa tersendiri - kami - dan daya tarikan tersendiri. Avare adalah intipati dalaman sesuatu, yang menyebabkan kegembiraan, keseronokan.

- Washi (wasi) atau wagami (wagami).
Pembuatan kertas manual. Jepun zaman pertengahan menghargai washi bukan sahaja untuk kualiti praktikalnya, tetapi juga untuk kecantikannya. Dia terkenal dengan kehalusannya, hampir ketelusan, yang, bagaimanapun, tidak menghilangkan kekuatannya. Washi diperbuat daripada kulit pokok kozo (mulberi) dan beberapa pokok lain.
Kertas washi telah dipelihara selama berabad-abad, bukti ini adalah album dan jilid kaligrafi Jepun kuno, lukisan, skrin, ukiran yang telah turun selama berabad-abad hingga ke hari ini.
Kertas Vasya berserabut, jika anda melihat melalui mikroskop, anda akan melihat retakan di mana udara dan cahaya matahari menembusi. Kualiti ini digunakan dalam pembuatan skrin dan tanglung tradisional Jepun.
Cenderamata Washi sangat popular di kalangan orang Eropah. Banyak barangan kecil dan berguna dibuat daripada kertas ini: dompet, sampul surat, kipas. Mereka agak tahan lama tetapi ringan.

- Gohei.
Jimat dari jalur kertas. Gohei - kakitangan ritual seorang paderi Shinto, di mana jalur zigzag kertas dilampirkan. Jalur-jalur kertas yang sama digantung di pintu masuk ke kuil Shinto. Peranan kertas dalam Shinto secara tradisinya sangat hebat, dan produk kertas sentiasa diberikan makna esoterik. Dan kepercayaan bahawa setiap perkara, setiap fenomena, malah perkataan, mengandungi kami - dewa - menjelaskan kemunculan jenis seni gunaan seperti gohei. Shintoisme agak serupa dengan paganisme kita. Bagi penganut Shinto, kami amat bersedia untuk menetap dalam apa jua perkara yang di luar kebiasaan. Sebagai contoh, di atas kertas. Dan lebih-lebih lagi dalam gohei yang dipintal menjadi zigzag yang rumit, yang tergantung hari ini di hadapan pintu masuk ke kuil Shinto dan menunjukkan kehadiran dewa di kuil. Terdapat 20 cara untuk melipat gohei, dan kaedah yang dilipat secara luar biasa menarik minat kami. Gohei kebanyakannya berwarna putih, tetapi emas, perak dan banyak lagi warna lain turut ditemui. Sejak abad ke-9, terdapat adat di Jepun untuk menguatkan gohei pada tali pinggang ahli gusti sumo sebelum permulaan pertarungan.

- Anesama.
Ini adalah pembuatan anak patung kertas. Pada abad ke-19, isteri samurai membuat anak patung kertas yang dimainkan oleh kanak-kanak, memakaikan mereka dengan pakaian yang berbeza. Pada masa-masa ketika tidak ada mainan, anesama adalah satu-satunya teman bicara untuk kanak-kanak, "melaksanakan" peranan ibu, kakak, anak dan kawan.
Anak patung itu dilipat dari kertas washi Jepun, rambut diperbuat daripada kertas berkerut, dicelup dengan dakwat dan ditutup dengan gam, yang memberikannya kilauan. Ciri tersendiri ialah hidung kecil yang bagus pada muka yang memanjang. Hari ini, mainan mudah ini, yang tidak memerlukan apa-apa selain tangan yang mahir, dalam bentuk tradisional, terus dibuat dengan cara yang sama seperti dahulu.

- Origami.
Seni kuno melipat kertas (折り紙, lit.: "kertas berlipat"). Seni origami berakar umbi di China purba, tempat kertas dicipta. Pada mulanya, origami digunakan dalam upacara keagamaan. Untuk masa yang lama, jenis seni ini hanya tersedia untuk wakil kelas atasan, di mana tanda rasa yang baik adalah pemilikan teknik lipatan kertas. Hanya selepas Perang Dunia Kedua, origami melangkaui Timur dan datang ke Amerika dan Eropah, di mana ia segera menemui peminatnya. Origami klasik dilipat dari sehelai kertas persegi.
Terdapat satu set simbol konvensional tertentu yang diperlukan untuk melakar skema lipatan walaupun produk yang paling kompleks. Kebanyakan tanda-tanda konvensional telah diamalkan pada pertengahan abad ke-20 oleh tuan Jepun yang terkenal Akira Yoshizawa.
Origami klasik menetapkan penggunaan satu helaian kertas berwarna sama rata tanpa gam dan gunting. Bentuk moden seni kadang-kadang menyimpang dari kanun ini.

- Kirigami.
Kirigami ialah seni memotong pelbagai bentuk daripada helaian kertas yang dilipat beberapa kali dengan bantuan gunting. Sejenis origami yang membolehkan penggunaan gunting dan pemotongan kertas dalam proses membuat model. Ini adalah perbezaan utama antara kirigami dan teknik lipatan kertas lain, yang ditekankan dalam nama: 切る (kiru) - potong, 紙 (gami) - kertas. Kita semua suka memotong kepingan salji pada zaman kanak-kanak - varian kirigami, anda boleh memotong bukan sahaja kepingan salji, tetapi juga pelbagai figura, bunga, kalungan dan benda kertas comel lain menggunakan teknik ini. Produk ini boleh digunakan sebagai stensil untuk cetakan, hiasan album, poskad, bingkai foto, reka bentuk fesyen, reka bentuk dalaman dan pelbagai hiasan lain.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 atau いけばな) diterjemahkan daripada Bahasa Jepun- ike" - kehidupan, "bana" - bunga, atau "bunga yang hidup". Seni gubahan bunga Jepun merupakan salah satu tradisi terindah masyarakat Jepun. Apabila menyusun ikebana, bersama-sama dengan bunga, dahan potong, daun dan pucuk digunakan.Prinsip asasnya adalah kesederhanaan yang indah, untuk mencapainya mereka cuba menekankan keindahan semula jadi tumbuhan. Ikebana adalah penciptaan bentuk semula jadi yang baru, di mana keindahan bunga dan keindahan jiwa tuan mencipta komposisi digabungkan secara harmoni.
Hari ini di Jepun terdapat 4 sekolah utama ikebana: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Sebagai tambahan kepada mereka, terdapat kira-kira seribu arah dan aliran berbeza yang mematuhi salah satu sekolah ini.

- Oribana.
Pada pertengahan abad ke-17, dua sekolah ohara (bentuk utama ikebana - oribana) dan koryu (bentuk utama - sek) bertolak dari ikenobo. By the way, sekolah ohara masih belajar hanya oribanu. Seperti yang orang Jepun katakan, adalah sangat penting bahawa origami tidak berubah menjadi origami. Gomi bermaksud sampah dalam bahasa Jepun. Lagipun, seperti yang berlaku, anda melipat sekeping kertas, dan kemudian apa yang perlu dilakukan dengannya? Oribana menawarkan banyak idea untuk karangan bunga untuk menghias pedalaman. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Kesilapan.
Sejenis seni halus yang lahir daripada floristry. Floristri muncul di negara kita lapan tahun yang lalu, walaupun ia telah wujud di Jepun selama lebih daripada enam ratus tahun. Suatu ketika pada Zaman Pertengahan, samurai memahami cara seorang pahlawan. Dan oshibana adalah sebahagian daripada laluan itu, sama seperti menulis hieroglif dan menghunus pedang. Maksud kesilapan itu ialah dalam keadaan kehadiran total pada masa itu (satori), tuan mencipta gambar bunga kering (bunga ditekan). Kemudian gambar ini boleh berfungsi sebagai kunci, panduan bagi mereka yang bersedia untuk memasuki kesunyian dan mengalami satori yang sama.
Intipati seni "oshibana" ialah, dengan mengumpul dan mengeringkan bunga, herba, daun, kulit kayu di bawah tekanan dan melekatkannya di pangkalan, pengarang mencipta dengan bantuan tumbuhan sebuah karya "lukisan" yang benar-benar. Dalam erti kata lain, salah adalah melukis dengan tumbuhan.
Kreativiti artistik kedai bunga adalah berdasarkan pemeliharaan bentuk, warna dan tekstur bahan tumbuhan kering. Orang Jepun telah membangunkan teknik untuk melindungi lukisan "oshibana" daripada pudar dan gelap. Intipatinya ialah udara dipam keluar antara kaca dan gambar dan vakum dicipta yang menghalang tumbuhan daripada rosak.
Ia menarik bukan sahaja ketidakkonvensionalan seni ini, tetapi juga peluang untuk menunjukkan imaginasi, rasa, pengetahuan tentang sifat tumbuhan. Kedai bunga mencipta perhiasan, landskap, masih hidup, potret dan lukisan cerita.

- Bonsai.
Bonsai, sebagai fenomena, muncul lebih daripada seribu tahun yang lalu di China, tetapi budaya ini mencapai kemuncak pembangunannya hanya di Jepun. (bonsai - Jepun 盆栽 lit. "tanam dalam pasu") - seni menanam salinan tepat pokok sebenar dalam bentuk mini. Tumbuhan ini ditanam oleh sami Buddha beberapa abad sebelum era kita dan seterusnya menjadi salah satu aktiviti golongan bangsawan tempatan.
Bonsai menghiasi rumah dan taman Jepun. Pada era Tokugawa, reka bentuk taman menerima dorongan baru: penanaman azalea dan maple menjadi hobi untuk orang kaya. Pengeluaran tanaman kerdil (hachi-no-ki - "pokok dalam pasu") juga berkembang, tetapi bonsai pada masa itu sangat besar.
Sekarang pokok biasa digunakan untuk bonsai, ia menjadi kecil kerana pemangkasan berterusan dan pelbagai kaedah lain. Pada masa yang sama, nisbah saiz sistem akar, terhad oleh jumlah mangkuk, dan bahagian tanah bonsai sepadan dengan perkadaran pokok dewasa dalam alam semula jadi.

- Mizuhiki.
Analog Macrame. Ini adalah seni terapan Jepun purba untuk mengikat pelbagai simpulan daripada kord khas dan mencipta corak daripadanya. Karya seni sedemikian mempunyai skop yang sangat luas - daripada kad hadiah dan surat kepada gaya rambut dan beg tangan. Pada masa ini, mizuhiki digunakan secara meluas dalam industri hadiah - untuk setiap peristiwa dalam kehidupan, hadiah sepatutnya dibungkus dan diikat dengan cara yang sangat khusus. Terdapat banyak simpulan dan gubahan dalam seni mizuhiki, dan tidak semua orang Jepun mengetahui semuanya dengan hati. Sudah tentu, terdapat simpulan yang paling biasa dan mudah yang paling kerap digunakan: untuk ucapan tahniah atas kelahiran anak, untuk perkahwinan atau peringatan, ulang tahun atau kemasukan universiti.

- Kumihimo.
Kumihimo ialah tali jalinan Jepun. Apabila menenun benang, reben dan tali diperolehi. Tali ini ditenun pada mesin khas - Marudai dan Takadai. Mesin Marudai digunakan untuk menganyam tali bulat, dan Takadai untuk yang rata. Kumihimo dalam bahasa Jepun bermaksud "menenun tali" (kumi - menganyam, melipat bersama, himo - tali, renda). Walaupun fakta bahawa ahli sejarah berdegil menegaskan bahawa tenunan serupa boleh didapati di kalangan orang Scandinavia dan penduduk Andes, seni kumihimo Jepun sememangnya salah satu jenis tenunan yang paling kuno. Sebutan pertama mengenainya bermula pada tahun 550, apabila agama Buddha tersebar di seluruh Jepun dan upacara khas memerlukan hiasan khas. Kemudian, tali kumihimo mula digunakan sebagai pengancing untuk tali pinggang obi pada kimono wanita, sebagai tali untuk "membungkus" seluruh senjata samurai (samurai menggunakan kumihimo untuk tujuan hiasan dan berfungsi untuk mengikat perisai dan perisai kuda mereka) dan juga untuk mengikat objek berat.
Pelbagai corak kumihimo moden ditenun dengan mudah pada alat tenun kadbod buatan sendiri.

- Komono.
Apakah yang tinggal pada kimono selepas ia habis pada zamannya? Adakah anda fikir ia dibuang? Tiada yang seperti ini! Orang Jepun tidak akan berbuat demikian. Kimono mahal. Tidak terfikir dan mustahil untuk membuangnya begitu sahaja... Bersama-sama dengan jenis kitar semula kimono yang lain, tukang-tukang membuat cenderahati kecil daripada serpihan kecil. Ini adalah mainan kecil untuk kanak-kanak, anak patung, kerongsang, kalungan bunga, barang kemas wanita dan produk lain, kimono lama digunakan dalam pembuatan perkara comel kecil, yang secara kolektif dipanggil "komono". Perkara-perkara kecil yang akan menjalani kehidupan mereka sendiri, meneruskan laluan kimono. Inilah maksud perkataan "komono".

- Kanzashi.
Seni menghias klip rambut (paling kerap dihiasi dengan bunga (rama-rama, dll.) diperbuat daripada kain (terutamanya sutera). Kanzashi Jepun (kanzashi) ialah jepit rambut panjang untuk gaya rambut wanita Jepun tradisional. Ia diperbuat daripada kayu, lakuer, perak, kulit kura-kura yang digunakan dalam gaya rambut tradisional Cina dan Jepun. Kira-kira 400 tahun yang lalu, di Jepun, gaya gaya rambut wanita berubah: wanita berhenti menyikat rambut mereka dalam bentuk tradisional - taregami (rambut lurus panjang) dan mula menggayakannya dengan rumit. dan bentuk pelik - nihongami. menggunakan pelbagai barang - penyepit rambut, tongkat, sikat.Pada masa itu, sisir kushi yang ringkas pun bertukar menjadi aksesori elegan kecantikan yang luar biasa, yang menjadi karya seni sebenar.Pakaian tradisional wanita Jepun tidak membenarkan perhiasan pergelangan tangan dan rantai, jadi hiasan gaya rambut adalah kecantikan dan medan utama untuk ekspresi diri - serta menunjukkan rasa dan ketebalan dompet pemilik. Pada ukiran yang anda boleh lihat - jika anda melihat dengan teliti - bagaimana wanita Jepun dengan mudah menggantung sehingga dua puluh kanzashi mahal dalam gaya rambut mereka.
Kini terdapat kebangkitan semula dalam tradisi penggunaan kanzashi di kalangan wanita muda Jepun yang ingin menambah kecanggihan dan keanggunan pada gaya rambut mereka, barret moden boleh dihiasi dengan hanya satu atau dua bunga buatan tangan yang cantik.

- Kinusiga.
Jenis jahitan yang menakjubkan dari Jepun. Kinusiga (絹彩画) ialah kacukan antara batik dan kain perca. Idea utama ialah lukisan baharu dicantumkan daripada kimono sutera lama - karya seni sebenar.
Pertama, artis membuat lakaran di atas kertas. Kemudian lukisan ini dipindahkan ke papan kayu. Kontur corak dipotong dengan alur, atau alur, dan kemudian carik kecil, padanan warna dan ton, dipotong daripada kimono sutera lama, dan tepi carik ini memenuhi alur. Apabila anda melihat gambar sedemikian, anda mendapat perasaan bahawa anda sedang melihat gambar, atau walaupun hanya melihat landskap di luar tingkap, ia sangat realistik.

- Temari.
Ini adalah bola bersulam geometri Jepun tradisional yang dibuat dengan jahitan ringkas yang dahulunya merupakan mainan kanak-kanak dan kini telah menjadi satu bentuk seni dengan ramai peminat bukan sahaja di Jepun tetapi di seluruh dunia. Adalah dipercayai bahawa satu masa dahulu produk ini dibuat oleh isteri samurai untuk hiburan. Pada awalnya, mereka benar-benar digunakan sebagai bola untuk permainan bola, tetapi secara beransur-ansur mereka mula memperoleh unsur artistik, kemudian bertukar menjadi perhiasan hiasan. Keindahan halus bola ini diketahui di seluruh Jepun. Dan hari ini, produk yang berwarna-warni dan dibuat dengan teliti adalah salah satu jenis kraf rakyat di Jepun.

- Yubinuki.
Bidal Jepun, apabila menjahit atau menyulam dengan tangan, ia diletakkan pada phalanx tengah jari tengah tangan yang bekerja, dengan bantuan hujung jari jarum diberikan arah yang dikehendaki, dan jarum ditolak melalui cincin di tengah. jari dalam kerja. Pada mulanya, bidal yubinuki Jepun dibuat dengan ringkas - jalur kain padat atau kulit selebar kira-kira 1 cm dalam beberapa lapisan dililit pada jari dan diikat bersama dengan beberapa jahitan hiasan ringkas. Sejak yubinuk adalah subjek yang diperlukan di setiap rumah, mereka mula dihiasi dengan sulaman geometri dengan benang sutera. Daripada jalinan jahitan, corak berwarna-warni dan kompleks dicipta. Yubinuki dari barang rumah yang ringkas juga telah bertukar menjadi objek untuk "mengkagumi", hiasan kehidupan seharian.
Yubinuki masih digunakan dalam jahitan dan sulaman, tetapi ia juga boleh didapati hanya dipakai pada tangan pada mana-mana jari, seperti cincin hiasan. Sulaman gaya Yubinuki digunakan untuk menghiasi pelbagai objek dalam bentuk cincin - cincin serbet, gelang, berdiri temari, dihiasi dengan sulaman yubinuki, dan terdapat juga katil jarum bersulam dalam gaya yang sama. Corak Yubinuki boleh menjadi inspirasi hebat untuk sulaman temari obi.

- Suibokuga atau sumie.
Lukisan dakwat Jepun. Gaya lukisan Cina ini telah diterima pakai oleh artis Jepun pada abad ke-14, dan pada akhir abad ke-15. menjadi aliran utama seni lukis di Jepun. Suibokuga ialah monokrom. Ia dicirikan oleh penggunaan dakwat hitam (sumi), bentuk pepejal arang atau diperbuat daripada jelaga dakwat Cina, yang dikisar dalam periuk dakwat, dicairkan dengan air, dan disapu dengan berus pada kertas atau sutera. Monokrom menawarkan tuan pilihan pilihan tonal yang tidak berkesudahan, yang dahulu dikenali oleh orang Cina sebagai "warna" dakwat. Suibokuga kadangkala membenarkan penggunaan warna sebenar, tetapi mengehadkannya kepada sapuan nipis dan telus yang sentiasa berada di bawah garisan dakwat. Lukisan dakwat berkongsi dengan seni kaligrafi ciri-ciri penting seperti ekspresi dikawal ketat dan penguasaan teknikal bentuk. Kualiti lukisan dakwat turun, seperti dalam kaligrafi, kepada integriti dan ketahanan terhadap koyak garis yang dilukis dalam dakwat, yang, seolah-olah, memegang karya seni pada dirinya sendiri, seperti tulang memegang tisu pada diri mereka sendiri.

- Etegami.
Poskad yang dilukis (e - gambar, ditandakan - huruf). Membuat poskad sendiri secara amnya merupakan aktiviti yang sangat popular di Jepun, dan sebelum cuti popularitinya semakin meningkat. Orang Jepun suka menghantar poskad kepada rakan mereka, dan mereka juga suka menerimanya. Ini adalah jenis surat cepat pada kosong khas, ia boleh dihantar melalui pos tanpa sampul surat. Bukan dalam etegami peraturan khas atau juruteknik, ia boleh menjadi mana-mana orang tanpa latihan khas. Etagami membantu dengan tepat menyatakan perasaan, kesan, ini adalah poskad buatan tangan yang terdiri daripada gambar dan surat pendek, menyampaikan emosi pengirim, seperti kemesraan, keghairahan, penjagaan, cinta, dll. Mereka menghantar poskad ini untuk cuti dan begitu sahaja, menggambarkan musim, aktiviti, sayur-sayuran dan buah-buahan, manusia dan haiwan. Lebih mudah gambar ini dilukis, lebih menarik ia kelihatan.

- Furoshiki.
Teknik membalut Jepun atau seni melipat kain. Furoshiki memasuki kehidupan orang Jepun untuk masa yang lama. Skrol kuno dari zaman Kamakura-Muromachi (1185 - 1573) telah dipelihara dengan imej wanita yang membawa berkas pakaian yang dibalut dengan kain di atas kepala mereka. Teknik menarik ini bermula seawal 710 - 794 Masihi di Jepun. Perkataan "furoshiki" secara literal diterjemahkan kepada "permaidani mandi" dan merupakan sehelai kain persegi yang digunakan untuk membungkus dan membawa objek dari semua bentuk dan saiz.
Pada zaman dahulu, adalah kebiasaan untuk berjalan di mandi Jepun (furo) dengan kimono kapas ringan, yang dibawa oleh pelawat dari rumah. Pemandian itu juga membawa permaidani (shiki) khas untuk dia berdiri semasa membuka pakaian. Setelah bertukar menjadi kimono "mandi", pelawat itu membungkus pakaiannya dengan permaidani, dan selepas mandi membungkus kimono basah dalam permaidani untuk dibawa pulang. Oleh itu, tikar mandi telah menjadi beg pelbagai fungsi.
Furoshiki sangat mudah digunakan: fabrik mengambil bentuk objek yang anda balut, dan pemegang memudahkan untuk membawa beban. Di samping itu, hadiah yang dibalut bukan dengan kertas keras, tetapi dalam kain lembut, berbilang lapisan, memperoleh ekspresi istimewa. Terdapat banyak skim untuk melipat furoshiki untuk sebarang majlis, setiap hari atau perayaan.

- Amigurumi.
Seni Jepun mengait atau mengait haiwan boneka kecil dan makhluk humanoid. Amigurumi (編み包み, lit.: "berbalut rajutan") adalah haiwan yang paling kerap comel (seperti beruang, arnab, kucing, anjing, dll.), lelaki kecil, tetapi mereka juga boleh menjadi objek tidak bernyawa yang dikurniakan harta manusia. Contohnya kek cawan, topi, beg tangan dan lain-lain. Amigurumi dikait atau dikait atau dirajut. Baru-baru ini, amigurumi mengait telah menjadi lebih popular dan lebih biasa.
rajutan dari benang dalam kaedah mengait mudah - dalam lingkaran dan, tidak seperti kaedah mengait Eropah, bulatan biasanya tidak disambungkan. Mereka juga dirajut pada saiz yang lebih kecil berbanding dengan ketebalan benang untuk menghasilkan fabrik yang sangat padat tanpa sebarang celah untuk pemadat terkeluar. Amigurumi selalunya dibuat daripada bahagian dan kemudian disatukan, kecuali beberapa amigurumi, yang tidak mempunyai anggota badan, tetapi hanya mempunyai kepala dan badan, yang merupakan satu keseluruhan. Anggota badan kadangkala diisi dengan kepingan plastik untuk memberi mereka berat hidup, manakala bahagian badan yang lain dipenuhi dengan serat.
Penyebaran estetika amigurumi dipermudahkan oleh kecomelan mereka ("kawaii").