Projek bandar ideal Renaissance Itali. Kumpulan seni bina Paris
Sergey Khromov
Walaupun tidak ada satu pun bandar ideal yang terwujud dalam batu, idea mereka menemui kehidupan di bandar-bandar sebenar Renaissance...
Lima abad memisahkan kita daripada tempoh apabila arkitek mula-mula beralih kepada isu-isu membina semula bandar. Dan soalan-soalan yang sama adalah akut untuk kita hari ini: bagaimana untuk mencipta bandar baharu? Bagaimana untuk membina semula yang lama - untuk dimuatkan ke dalamnya ensemble berasingan atau untuk merobohkan dan membina semula segala-galanya? Dan yang paling penting, apakah idea yang perlu dimasukkan ke dalam bandar baharu?
Sarjana Renaissance merangkumi idea-idea yang telah didengari dalam budaya dan falsafah kuno: idea-idea humanisme, keharmonian alam dan manusia. Orang ramai sekali lagi beralih kepada impian Plato untuk sebuah negeri yang ideal dan sebuah bandar yang ideal. Imej baharu bandar itu lahir dahulu sebagai imej, sebagai formula, sebagai pelan, mewakili aplikasi berani untuk masa depan - seperti banyak ciptaan lain Quattrocento Itali.
Pembinaan teori bandar berkait rapat dengan kajian warisan kuno dan, pertama sekali, keseluruhan risalah "Sepuluh Buku Seni Bina" oleh Marcus Vitruvius (separuh kedua abad ke-1 SM) - seorang arkitek dan jurutera dalam tentera Julius Caesar. Risalah ini ditemui pada tahun 1427 di salah satu biara. Kewibawaan Vitruvius ditekankan oleh Alberti, Palladio, dan Vasari. Pakar terbesar tentang Vitruvius ialah Daniele Barbaro, yang pada tahun 1565 menerbitkan risalahnya dengan ulasannya. Dalam karyanya yang didedikasikan kepada Maharaja Augustus, Vitruvius meringkaskan pengalaman seni bina dan perancangan bandar di Greece dan Rom. Beliau menganggap isu klasik yang kini memilih kawasan yang sesuai untuk penubuhan bandar, penempatan dataran dan jalan bandar utama, dan tipologi bangunan. Dari sudut pandangan estetik, Vitruvius menasihati pematuhan kepada pentahbisan (mengikut perintah seni bina), perancangan yang munasabah, keseragaman irama dan struktur, simetri dan perkadaran, kesepadanan bentuk dengan tujuan dan pengagihan sumber. |
Dalam perancangan bandar Renaissance, teori dan amalan dibangunkan secara selari. Bangunan baru sedang dibina dan yang lama sedang dibina semula, ensembel seni bina sedang dibentuk dan risalah sedang ditulis pada masa yang sama, khusus untuk seni bina, perancangan dan pengukuhan bandar. Antaranya karya terkenal Alberti dan Palladio, skim bandar yang ideal Filarete, Scamozzi dan lain-lain. Pemikiran penulis jauh mendahului keperluan pembinaan praktikal: mereka tidak menerangkan projek siap pakai mengikut mana bandar tertentu boleh dirancang, tetapi idea yang digambarkan secara grafik, konsep bandar. Perbincangan diberikan mengenai lokasi bandar dari sudut ekonomi, kebersihan, pertahanan, dan estetika. Pencarian sedang dijalankan untuk rancangan optimum untuk kawasan kediaman dan pusat bandar, taman dan taman. Isu komposisi, keharmonian, keindahan, dan perkadaran dikaji. Dalam pembinaan yang ideal ini, susun atur bandar dicirikan oleh rasionalisme, kejelasan geometri, kepusatan komposisi dan keharmonian antara keseluruhan dan bahagian. Dan akhirnya, apa yang membezakan seni bina Renaissance daripada era lain ialah lelaki yang berdiri di tengah, di tengah-tengah semua pembinaan ini. Perhatian kepada keperibadian manusia sangat hebat sehinggakan struktur seni bina diumpamakan badan manusia sebagai standard perkadaran dan kecantikan yang sempurna.
Teori
Pada 50-an abad ke-15. risalah "Ten Books on Architecture" oleh Leon Alberti muncul. Ini, pada dasarnya, kerja teori pertama era baru mengenai topik ini. Ia mengkaji banyak isu perancangan bandar, daripada pemilihan tapak dan susun atur bandar kepada tipologi dan hiasan bangunan. Yang menarik adalah perbincangannya tentang kecantikan. Alberti menulis bahawa "kecantikan adalah keharmonian berkadar yang ketat dari semua bahagian, disatukan oleh apa yang mereka miliki, sehingga tiada apa yang boleh ditambah, dikurangkan, atau diubah tanpa memburukkan lagi." Malah, Alberti adalah orang pertama yang mengisytiharkan prinsip asas ensembel bandar Renaissance, menghubungkan rasa perkadaran purba dengan permulaan rasionalistik era baharu. Nisbah ketinggian bangunan yang diberikan kepada ruang yang terletak di hadapannya (dari 1:3 hingga 1:6), ketekalan skala seni bina bangunan utama dan sekunder, keseimbangan komposisi dan ketiadaan kontras sumbang - ini adalah prinsip estetik perancang bandar Renaissance.
Bandar yang ideal membimbangkan ramai orang hebat pada zaman itu. Leonardo da Vinci juga memikirkannya. Ideanya adalah untuk mewujudkan bandar dua tingkat: tingkat atas bertujuan untuk pejalan kaki dan jalan permukaan, dan tingkat bawah adalah untuk terowong dan terusan yang disambungkan ke ruang bawah tanah rumah, di mana pengangkutan barang bergerak. Rancangannya untuk pembinaan semula Milan dan Florence, serta projek bandar berbentuk gelendong, diketahui.
Seorang lagi ahli teori bandar yang terkenal ialah Andrea Palladio. Dalam risalahnya "Empat Buku tentang Seni Bina," dia mencerminkan integriti organisma bandar dan kesalinghubungan unsur spatialnya. Dia berkata bahawa “sebuah bandar tidak lebih daripada sesuatu yang pasti rumah besar, dan belakang, rumah itu adalah sejenis bandar kecil.” Mengenai ensembel bandar dia menulis: "Kecantikan adalah hasilnya bentuk yang cantik dan kesesuaian keseluruhan dengan bahagian, bahagian antara satu sama lain, dan juga bahagian kepada keseluruhan.” Tempat yang menonjol dalam risalah diberikan kepada bahagian dalam bangunan, dimensi dan perkadarannya. Palladio cuba menyambung secara organik ruang luar jalan dengan bahagian dalam rumah dan halaman.
Menjelang akhir abad ke-16. Ramai ahli teori tertarik dengan isu ruang runcit dan struktur pertahanan. Oleh itu, Giorgio Vasari Jr. di bandar idealnya memberi banyak perhatian kepada pembangunan dataran, arked beli-belah, loggia dan palazzo. Dan dalam projek Vicenzo Scamozzi dan Buanaiuto Lorrini, isu seni benteng menduduki tempat yang penting. Ini adalah tindak balas kepada susunan zaman - dengan penciptaan peluru letupan, dinding kubu dan menara digantikan dengan benteng tanah yang diletakkan di luar sempadan bandar, dan bandar dalam garis besarnya mula menyerupai bintang berbilang sinar. Idea-idea ini terkandung dalam kubu Palmanova yang sebenarnya dibina, penciptaan yang dikaitkan dengan Scamozzi.
berlatih
Walaupun tidak ada satu pun kota yang ideal terwujud dalam batu, kecuali kota-kota kecil berkubu, banyak prinsip pembinaannya sudah menjadi kenyataan pada abad ke-16. Pada masa ini, di Itali dan negara-negara lain, jalan-jalan lurus dan lebar telah dibentangkan, menghubungkan unsur-unsur penting ensemble bandar, dataran baru dicipta, yang lama dibina semula, dan kemudiannya taman dan ensemble istana dengan struktur biasa muncul.
| Bandar Ideal Antonio Filarete Bandar ini ialah sebuah bintang segi lapan dalam pelan, dibentuk oleh persimpangan pada sudut 45° dua segi empat sama dengan sisi 3.5 km. Terdapat lapan menara bulat di tonjolan bintang, dan lapan pintu bandar di dalam "poket". Pintu dan menara disambungkan ke pusat melalui jalan jejari, sebahagian daripadanya adalah terusan perkapalan. Di bahagian tengah bandar, di atas bukit, terdapat dataran utama, segi empat tepat dalam pelan, di sisi pendek yang sepatutnya ada istana putera dan katedral bandar, dan di sisi panjang - institusi kehakiman dan bandar. . Di tengah-tengah dataran itu terdapat kolam dan menara pengawal. Bersebelahan dengan dataran utama terdapat dua lagi, dengan rumah penduduk paling terkemuka di bandar itu. Di persimpangan jalan jejari dengan jalan lingkaran terdapat enam belas lagi dataran: lapan kawasan membeli-belah dan lapan untuk pusat paroki dan gereja. |
Walaupun fakta bahawa seni Renaissance agak bertentangan dengan seni Zaman Pertengahan, ia dengan mudah dan organik sesuai dengan bandar zaman pertengahan. Dalam aktiviti praktikal mereka, arkitek Renaissance menggunakan prinsip "membina sesuatu yang baru tanpa memusnahkan yang lama." Mereka berjaya mencipta ensembel harmoni yang menghairankan bukan sahaja dari bangunan dengan gaya yang sama, seperti yang dapat dilihat di Piazza Annuziata di Florence (reka bentuk oleh Filippo Brunelleschi) dan Capitol di Rom (reka bentuk oleh Michelangelo), tetapi juga untuk menggabungkan bangunan dari pelbagai kali menjadi satu gubahan. Jadi, di dataran St. Marka di Venice, bangunan zaman pertengahan digabungkan menjadi ensembel seni bina dan ruang dengan bangunan baharu abad ke-16. Dan di Florence, Jalan Uffizi, dibina mengikut reka bentuk Giorgio Vasari, mengalir dengan harmoni dari Piazza della Signoria dengan Palazzo Vecchio zaman pertengahan. Selain itu, ensembel Katedral Florentine Santa Maria del Fiore (pembinaan semula oleh Brunelleschi) menggabungkan tiga gaya seni bina dengan sempurna: Romanesque, Gothic dan Renaissance.
Kota Zaman Pertengahan dan kota Renaissance
Bandar ideal Renaissance muncul sebagai sejenis protes terhadap Zaman Pertengahan, yang dinyatakan dalam pembangunan prinsip perancangan bandar purba. Tidak seperti bandar zaman pertengahan, yang dianggap sebagai "Jerusalem Syurgawi" tertentu, walaupun tidak sempurna, penjelmaan bukan manusia, tetapi rancangan ilahi, kota Renaissance dicipta oleh pencipta manusia. Manusia tidak hanya menyalin apa yang sudah ada, dia mencipta sesuatu yang lebih sempurna dan melakukannya mengikut "matematik ketuhanan." Bandar Renaissance dicipta untuk manusia dan harus sesuai dengan susunan dunia duniawi, struktur sosial, politik dan hariannya yang sebenar.
Kota zaman pertengahan dikelilingi oleh tembok yang kuat, berpagar dari dunia, rumahnya lebih seperti kubu dengan beberapa celah. Bandar Renaissance terbuka, ia tidak dilindungi daripada dunia luar, dia mengawalnya, menundukkannya. Dinding bangunan, membatasi, menyatukan ruang jalan dan dataran dengan halaman dan bilik. Mereka telap - mereka mempunyai banyak bukaan, arked, tiang, laluan, tingkap.
Jika bandar zaman pertengahan adalah penempatan volum seni bina, maka bandar Renaissance lebih kepada pengedaran ruang seni bina. Pusat bandar baru bukanlah bangunan katedral atau dewan bandar, tetapi ruang kosong dataran utama, terbuka ke atas dan ke sisi. Mereka memasuki bangunan dan keluar ke jalan dan dataran. Dan jika bandar zaman pertengahan secara komposisi ditarik ke arah pusatnya - ia adalah sentripetal, maka kota Renaissance adalah sentrifugal - ia diarahkan ke arah dunia luar.
| Kota Ideal Plato Secara perancangan, bahagian tengah bandar itu adalah selang-seli air dan cincin tanah. Lingkaran air luar disambungkan ke laut melalui terusan sepanjang 50 stadia (1 stadia - lebih kurang 193 m). Cincin tanah yang memisahkan cincin air mempunyai saluran bawah tanah berhampiran jambatan, disesuaikan untuk laluan kapal. Lingkaran air terbesar adalah tiga peringkat lebar, dan cincin tanah yang mengikutinya adalah sama; dua gelang seterusnya, air dan tanah, lebarnya dua peringkat; Akhirnya, cincin air yang mengelilingi pulau di tengah-tengah adalah selebar stade. |
Bandar zaman pertengahan mengikuti landskap semula jadi, menggunakannya untuk tujuannya sendiri. Bandar Renaissance adalah, sebaliknya, sebuah karya seni, "permainan geometri." Arkitek mengubah suai rupa bumi dengan menindih di atasnya grid geometri ruang yang digariskan. Bandar sedemikian mempunyai bentuk yang jelas: bulatan, persegi, oktagon, bintang; sungai-sungai di dalamnya pun diluruskan.
Bandar zaman pertengahan adalah menegak. Di sini segala-galanya diarahkan ke atas, ke langit - jauh dan tidak boleh diakses. Bandar Renaissance adalah mendatar, perkara utama di sini adalah perspektif, aspirasi ke jauh, ke arah ufuk baharu. Bagi orang zaman pertengahan, jalan ke Syurga adalah kenaikan, boleh dicapai melalui pertobatan dan kerendahan hati, penolakan segala sesuatu yang duniawi. Bagi orang-orang Renaissance, ini adalah pendakian melalui memperoleh pengalaman mereka sendiri dan memahami undang-undang Ilahi.
Impian sebuah bandar yang ideal memberi dorongan kepada usaha kreatif ramai arkitek bukan sahaja Renaissance, tetapi juga zaman kemudian; ia memimpin dan menerangi jalan menuju keharmonian dan keindahan. Bandar ideal sentiasa wujud dalam bandar sebenar, berbeza daripadanya seperti dunia pemikiran dari dunia fakta, seperti dunia imaginasi dari dunia fantasi. Dan jika anda tahu bagaimana untuk bermimpi seperti yang dilakukan oleh tuan-tuan Renaissance, maka anda boleh melihat bandar ini - Kota Matahari, Kota Emas.
Artikel asal ada di laman web majalah "Acropolis Baru".
Klasikisme dalam seni bina Eropah Barat
Mari kita serahkan kepada orang Itali
Tinsel kosong dengan kilauan palsunya.
Jumlah makna lebih penting, tetapi untuk datang kepadanya,
Kita perlu mengatasi halangan dan jalan,
Ikuti laluan yang ditetapkan dengan ketat:
Kadang-kadang fikiran hanya mempunyai satu jalan...
Anda perlu memikirkan maknanya dan barulah menulis!
N. Boileau. "Seni Puisi".
Terjemahan oleh V. Lipetskaya
Ini adalah bagaimana salah seorang ahli ideologi klasikisme utama, penyair Nicolas Boileau (1636-1711), mengajar orang sezamannya. Peraturan klasikisme yang ketat terkandung dalam tragedi Corneille dan Racine, komedi Moliere dan satira La Fontaine, muzik Lully dan lukisan Poussin, seni bina dan hiasan istana dan ensembel Paris...
Klasikisme paling jelas ditunjukkan dalam karya seni bina yang memberi tumpuan kepada pencapaian terbaik budaya kuno - sistem susunan, simetri yang ketat, perkadaran jelas bahagian komposisi dan subordinasinya kepada konsep umum. "Gaya ketat" seni bina klasikisme, nampaknya, bertujuan untuk mewujudkan formula ideal "kesederhanaan yang mulia dan keagungan yang tenang." Dalam struktur seni bina klasikisme, bentuk yang mudah dan jelas dan keharmonian perkadaran yang tenang didominasi. Keutamaan diberikan kepada garis lurus dan hiasan yang tidak mengganggu yang mengikut kontur objek. Kesederhanaan dan keluhuran hiasan, kepraktisan dan kesesuaian jelas dalam segala-galanya.
Berdasarkan idea arkitek Renaissance tentang "bandar ideal", arkitek klasikisme dicipta jenis baru sebuah ensembel istana dan taman yang megah, tertakluk kepada satu pelan geometri tunggal. Salah satu struktur seni bina yang luar biasa pada masa ini ialah kediaman raja-raja Perancis di pinggir Paris - Istana Versailles.
"Fairytale Dream" of Versailles
Mark Twain, yang melawat Versailles pada pertengahan abad ke-19.
“Saya memarahi Louis XIV, yang membelanjakan 200 juta dolar di Versailles apabila orang ramai tidak cukup untuk mendapatkan roti, tetapi kini saya telah memaafkannya. Ia sangat cantik! Anda melihat, merenung dan cuba memahami bahawa anda berada di bumi, dan bukan di Taman Eden. Dan anda hampir bersedia untuk mempercayai bahawa ini adalah tipuan, hanya mimpi dongeng.”
Sesungguhnya, "mimpi dongeng" Versailles masih mengagumkan hari ini dengan skala susun atur biasa, kemegahan fasadnya dan kecemerlangan hiasan dalaman. Versailles menjadi penjelmaan yang kelihatan dari seni bina rasmi upacara klasikisme, menyatakan idea model dunia yang teratur secara rasional.
Seratus hektar tanah dalam sangat masa yang singkat(1666-1680) telah diubah menjadi syurga yang dimaksudkan untuk golongan bangsawan Perancis. Arkitek Louis Levo (1612-1670), Jules Hardouin-Mansart (1646-1708) dan Andre Le Nôtre(1613-1700). Sepanjang beberapa tahun, mereka membina semula dan banyak berubah dalam seni binanya, sehingga kini ia merupakan gabungan kompleks beberapa lapisan seni bina, menyerap ciri-ciri klasikisme.
Pusat Versailles ialah Istana Besar, yang menuju ke arah tiga jalan akses bertumpu. Terletak di atas bukit tertentu, istana menduduki kedudukan dominan di kawasan itu. Penciptanya membahagikan fasad sepanjang hampir setengah kilometer kepada bahagian tengah dan dua sayap sisi - risalit, yang memberikannya kesungguhan istimewa. Fasad diwakili oleh tiga tingkat. Yang pertama, berfungsi sebagai pangkalan besar-besaran, dihiasi dengan rustication mengikut contoh istana-palazzo Itali zaman Renaissance. Di bahagian kedua, hadapan, terdapat tingkap melengkung tinggi, di antaranya terdapat tiang Ionic dan pilaster. Tingkatan yang memahkotai bangunan itu memberikan rupa monumental kepada istana: ia dipendekkan dan berakhir dengan kumpulan arca, memberikan bangunan itu keanggunan dan ringan yang istimewa. Irama tingkap, pilaster dan tiang pada fasad menekankan keterukan dan kemegahan klasiknya. Bukan kebetulan bahawa Moliere berkata tentang Istana Besar Versailles:
"Hiasan artistik istana sangat selaras dengan kesempurnaan yang diberikan oleh alam semula jadi sehingga ia boleh dipanggil istana ajaib."
Bahagian dalam Istana Besar dihiasi dalam gaya Baroque: mereka banyak dalam hiasan arca, hiasan kaya dalam bentuk acuan dan ukiran stuko berlapis emas, banyak cermin dan perabot yang indah. Dinding dan siling ditutup dengan papak marmar berwarna dengan corak geometri yang jelas: segi empat sama, segi empat tepat dan bulatan. Panel dan permaidani yang indah pada tema mitologi memuliakan Raja Louis XIV. Candelier gangsa besar-besaran dengan penyepuhan melengkapkan kesan kekayaan dan kemewahan.
Dewan istana (terdapat kira-kira 700 daripadanya) membentuk enfilades yang tidak berkesudahan dan bertujuan untuk perarakan upacara, perayaan yang megah dan bola penyamaran. Di dewan rasmi terbesar istana, Galeri Cermin (panjang 73 m), pencarian untuk kesan ruang dan pencahayaan baru ditunjukkan dengan jelas. Tingkap di satu sisi dewan sepadan dengan cermin di sisi lain. Dalam cahaya matahari atau pencahayaan buatan, empat ratus cermin mencipta kesan spatial yang luar biasa, menyampaikan permainan pantulan yang ajaib.
Gubahan hiasan Charles Lebrun (1619-1690) di Versailles dan Louvre sangat menarik perhatian upacara mereka. "Kaedah menggambarkan keghairahan" yang diisytiharkannya, yang melibatkan pujian megah terhadap orang berpangkat tinggi, membawa artis itu kejayaan yang memeningkan. Pada tahun 1662, beliau menjadi pelukis pertama raja, dan kemudian pengarah kilang permaidani diraja (gambar permaidani tenunan tangan, atau permaidani) dan ketua semua kerja hiasan di Istana Versailles. Di Galeri Cermin istana, Lebrun melukis
tudung lampu berlapis emas dengan banyak komposisi alegori pada tema mitologi, memuliakan pemerintahan "Raja Matahari" Louis XIV. Alegori dan sifat bergambar yang bertimbun, warna terang dan kesan hiasan Baroque jelas berbeza dengan seni bina klasikisme.
Bilik tidur raja terletak di bahagian tengah istana dan menghadap ke arah matahari terbit. Dari sinilah terdapat pemandangan tiga lebuh raya yang menyimpang dari satu titik, yang secara simbolik mengingatkan fokus utama kuasa negara. Dari balkoni, raja dapat melihat segala keindahan Taman Versailles. Pencipta utamanya, Andre Le Nôtre, berjaya menghubungkan elemen seni bina dan seni landskap. Tidak seperti taman landskap (Inggeris), yang menyatakan idea perpaduan dengan alam semula jadi, taman biasa (Perancis) menundukkan alam semula jadi kepada kehendak dan rancangan artis. Taman Versailles memukau dengan kejelasan dan organisasi ruang yang rasional; lukisannya telah disahkan dengan tepat oleh arkitek menggunakan kompas dan pembaris.
Lorong-lorong taman itu dianggap sebagai kesinambungan dewan istana, setiap satunya berakhir dengan takungan. Banyak kolam mempunyai yang betul bentuk geometri. Pada waktu sebelum matahari terbenam, cermin air licin memantulkan sinaran matahari dan bayang-bayang pelik yang dipancarkan oleh semak dan pokok yang dipangkas dalam bentuk kubus, kon, silinder atau bola. Kehijauan membentuk sama ada dinding pepejal, tidak boleh ditembusi, atau galeri yang luas, dalam ceruk tiruan yang mana komposisi arca, herms (tiang tetrahedral di atasnya dengan kepala atau dada) dan banyak pasu dengan lata aliran air nipis diletakkan. Keplastikan kiasan air pancut dibuat tuan terkenal, bertujuan untuk memuliakan pemerintahan raja mutlak. "Raja Matahari" muncul dalam diri mereka sama ada dalam samaran tuhan Apollo atau Neptunus, menunggang keluar dari air dengan kereta kuda atau berehat di kalangan nimfa di gua yang sejuk.
Permaidani licin rumput memukau dengan warna terang dan pelbagai warna dengan corak bunga yang rumit. Pasu (terdapat kira-kira 150 ribu daripadanya) mengandungi bunga segar, yang diubah sedemikian rupa sehingga Versailles sentiasa mekar pada bila-bila masa sepanjang tahun. Laluan taman itu ditaburi pasir berwarna. Sebahagian daripada mereka dilapik dengan cip porselin yang berkilauan di bawah sinar matahari. Semua kemegahan dan kemewahan alam semula jadi ini dilengkapi dengan bau badam, melati, delima dan limau, yang merebak dari rumah hijau.
Terdapat alam semula jadi di taman ini
Seolah-olah tidak bermaya;
Seolah-olah dengan soneta yang sombong,
Kami bermain-main dengan rumput di sana.
Tiada tarian, tiada raspberi manis,
Le Nôtre dan Jean Lully
Di taman dan tarian kekacauan
Mereka tidak tahan.
Pohon yew membeku, seolah-olah sedang berkhayal,
Semak meratakan garisan,
Dan mereka curtsied
Bunga hafal.
V. Hugo Terjemahan oleh E. L. Lipetskaya
N. M. Karamzin (1766-1826), yang melawat Versailles pada tahun 1790, bercakap tentang kesannya dalam "Surat Pengembara Rusia":
"Kebesaran, keharmonian bahagian yang sempurna, tindakan keseluruhan: inilah yang tidak dapat digambarkan oleh pelukis dengan berus!
Mari pergi ke taman, ciptaan Le Nôtre, yang genius beraninya di mana-mana meletakkan Seni yang bangga di atas takhta, dan melemparkan Alam yang rendah hati, seperti hamba yang miskin, di kakinya...
Jadi, jangan mencari Alam di taman Versailles; tetapi di sini pada setiap langkah Seni memikat mata...”
Ensembel seni bina Paris. Gaya empayar
Selepas selesai kerja pembinaan utama di Versailles, pada pergantian abad ke-17-18, Andre Le Nôtre melancarkan kerja aktif untuk pembangunan semula Paris. Dia menjalankan susun atur Taman Tuileries, dengan jelas menetapkan paksi tengah pada kesinambungan paksi membujur ensembel Louvre. Selepas Le Nôtre, Louvre akhirnya dibina semula dan Place de la Concorde telah dicipta. Paksi utama Paris memberikan tafsiran bandar yang sama sekali berbeza, memenuhi keperluan kebesaran, kemegahan dan kemegahan. Komposisi ruang bandar terbuka dan sistem jalan dan dataran yang direka bentuk seni bina menjadi faktor penentu dalam perancangan Paris. Kejelasan corak geometri jalan dan petak yang dihubungkan menjadi satu keseluruhan akan selama bertahun-tahun menjadi kriteria untuk menilai kesempurnaan pelan bandar dan kemahiran perancang bandar. Banyak bandar di seluruh dunia akan mengalami pengaruh model klasik Paris.
Pemahaman baru tentang bandar sebagai objek pengaruh seni bina terhadap manusia mendapati ekspresi yang jelas dalam kerja pada ensembel bandar. Dalam proses pembinaannya, prinsip utama dan asas perancangan bandar klasikisme telah digariskan - pembangunan bebas di angkasa dan hubungan organik dengan alam sekitar. Mengatasi kekacauan pembangunan bandar, arkitek berusaha untuk mencipta ensemble yang direka untuk pemandangan percuma dan tanpa halangan.
Impian Renaissance untuk mewujudkan "bandar ideal" terkandung dalam pembentukan jenis persegi baru, sempadannya bukan lagi fasad bangunan tertentu, tetapi ruang jalan dan kejiranan bersebelahan, taman atau taman, dan sungai. tambak. Seni bina berusaha untuk menyambung dalam perpaduan ensemble tertentu bukan sahaja bangunan yang bersebelahan antara satu sama lain, tetapi juga tempat yang sangat jauh di bandar.
Separuh kedua abad ke-18. dan sepertiga pertama abad ke-19. di Perancis mereka meraikannya peringkat baru perkembangan klasikisme dan penyebarannya di negara-negara Eropah - neoklasikisme. Selepas Revolusi Perancis Besar dan Perang Patriotik 1812, keutamaan baru muncul dalam perancangan bandar, selaras dengan semangat zaman mereka. Mereka mendapati ekspresi mereka yang paling jelas dalam gaya Empayar. Ia dicirikan oleh ciri-ciri berikut: kesedihan upacara kebesaran empayar, monumentaliti, daya tarikan kepada seni empayar Rom dan Mesir Purba, penggunaan sifat-sifat sejarah ketenteraan Rom sebagai motif hiasan utama.
Intipati gaya artistik baru disampaikan dengan sangat tepat dalam kata-kata penting Napoleon Bonaparte:
"Saya suka kuasa, tetapi sebagai seorang artis... saya sukakannya untuk mengeluarkan bunyi, kord, harmoni daripadanya."
Gaya empayar menjadi personifikasi kuasa politik dan kemuliaan tentera Napoleon, dan berfungsi sebagai manifestasi unik kultusnya. Ideologi baru sepenuhnya sepadan dengan kepentingan politik dan cita rasa seni pada masa baru. Kumpulan seni bina besar dataran terbuka, jalan dan jalan yang luas dicipta di mana-mana, jambatan, monumen dan bangunan awam didirikan, menunjukkan keagungan dan kuasa empayar.
Sebagai contoh, Jambatan Austerlitz memperingati pertempuran hebat Napoleon dan dibina daripada batu Bastille. Di Place Carrousel telah dibina Gerbang Kemenangan sempena kemenangan di Austerlitz. Dua petak (Concord dan Stars), terletak pada jarak yang agak jauh antara satu sama lain, disambungkan oleh perspektif seni bina.
Gereja Saint Genevieve, yang didirikan oleh J. J. Soufflot, menjadi Pantheon - tempat berehat orang-orang hebat Perancis. Salah satu monumen yang paling menakjubkan pada masa itu ialah lajur Tentera Besar di Place Vendôme. Disamakan dengan lajur Rom kuno Trajan, ia sepatutnya, mengikut rancangan arkitek J. Gondoin dan J. B. Leper, untuk menyatakan semangat Empayar Baru dan dahagakan kebesaran Napoleon.
Dalam hiasan dalaman istana dan bangunan awam yang terang, kesungguhan dan kemegahan sangat dihargai; hiasan mereka sering dipenuhi dengan peralatan tentera. Motif yang dominan adalah kombinasi warna yang berbeza, unsur-unsur perhiasan Rom dan Mesir: helang, griffin, guci, karangan bunga, obor, grotesques. Gaya Empayar menjelma dengan jelas di bahagian dalam kediaman empayar Louvre dan Malmaison.
Era Napoleon Bonaparte berakhir pada tahun 1815, dan tidak lama kemudian mereka mula secara aktif menghapuskan ideologi dan citarasanya. Daripada Empayar "hilang seperti mimpi", yang tinggal hanyalah karya seni dalam gaya Empayar, jelas menunjukkan kehebatannya dahulu.
Soalan dan tugasan
1. Mengapakah Versailles boleh dianggap sebagai karya yang cemerlang?
Bagaimana idea perancangan bandar klasikisme abad ke-18 mendapati penjelmaan praktikal mereka dalam ensembel seni bina Paris, sebagai contoh, Place de la Concorde? Apakah yang membezakannya daripada dataran barok Itali di Rom pada abad ke-17, seperti Piazza del Popolo (lihat ms 74)?
2. Apakah ungkapan perkaitan antara seni bina Baroque dan klasikisme? Apakah idea yang diwarisi oleh klasikisme daripada Baroque?
3. Apakah latar belakang sejarah kemunculan gaya Empayar? Apakah idea-idea baru pada zamannya yang dia cuba nyatakan dalam karya seni? yang mana prinsip seni adakah dia condong?
Bengkel kreatif
1. Berikan rakan sekelas anda lawatan surat-menyurat ke Versailles. Untuk menyediakannya, anda boleh menggunakan bahan video dari Internet. Taman Versailles dan Peterhof sering dibandingkan. Pada pendapat anda, apakah alasan untuk perbandingan sedemikian?
2. Cuba bandingkan imej "bandar ideal" Renaissance dengan ensembel klasik Paris (St. Petersburg atau pinggir bandarnya).
3. Bandingkan reka bentuk hiasan dalaman (dalaman) galeri Francis I di Fontainebleau dan Galeri Cermin Versailles.
4. Berkenalan dengan lukisan artis Rusia A. N. Benois (1870-1960) dari siri "Versailles. The King's Walk" (lihat ms. 74). Bagaimanakah mereka menyampaikan suasana umum kehidupan istana raja Perancis Louis XIV? Mengapa mereka boleh dianggap sebagai sejenis lukisan simbolik?
Topik projek, abstrak atau mesej
"Pembentukan klasikisme dalam seni bina Perancis pada abad ke-17-18"; "Versailles sebagai model keharmonian dan keindahan dunia"; "Perjalanan melalui Versailles: hubungan antara komposisi istana dan susun atur taman"; "Karya Seni Bina Klasik Eropah Barat"; "Gaya Empayar Napoleon dalam seni bina Perancis"; "Versailles dan Peterhof: pengalaman ciri perbandingan»; « Penemuan artistik dalam ensembel seni bina Paris"; "Dataran Paris dan pembangunan prinsip perancangan bandar biasa"; "Kejelasan komposisi dan keseimbangan jumlah Katedral Invalides di Paris"; "Place de la Concorde adalah peringkat baru dalam pembangunan idea perancangan bandar klasikisme"; "Ekspresi keras jilid dan hiasan jarang Gereja Saint Genevieve (Pantheon) oleh J. Soufflot"; "Ciri-ciri klasikisme dalam seni bina negara-negara Eropah Barat"; "Arkitek cemerlang klasikisme Eropah Barat."
Buku untuk bacaan lanjut
Arkin D. E. Imej seni bina dan imej arca. M., 1990. Kantor A. M. et al. Seni abad ke-18. M., 1977. (Sejarah kecil seni).
Klasikisme dan Romantikisme: Seni Bina. arca. Melukis. Lukisan / ed. R. Toman. M., 2000.
Kozhina E. F. Seni Perancis pada abad ke-18. L., 1971.
LenotreJ. Kehidupan harian Versailles di bawah raja-raja. M., 2003.
Miretskaya N.V., Miretskaya E.V., Shakirova I.P. Budaya Pencerahan. M., 1996.
Watkin D. Sejarah seni bina Eropah Barat. M., 1999. Fedotova E.D. Gaya Empayar Napoleon. M., 2008.
Semasa menyediakan bahan, teks buku teks "Dunia budaya seni. Dari abad ke-18 hingga sekarang" (Pengarang G. I. Danilova).
Renaissance adalah salah satu zaman terpenting dalam perkembangan budaya kemanusiaan, kerana pada masa inilah asas-asas budaya baru muncul, banyak idea, pemikiran, simbol muncul yang akan digunakan secara aktif oleh generasi berikutnya. Pada abad ke-15 Di Itali, imej baru bandar sedang dilahirkan, yang sedang dibangunkan lebih sebagai projek, model masa depan, daripada penjelmaan seni bina sebenar. Sudah tentu, dalam Renaissance Itali mereka melakukan banyak penambahbaikan bandar: mereka meluruskan jalan, meratakan muka depan, membelanjakan banyak wang untuk mencipta turapan, dll. Arkitek juga membina rumah baru, memasangkannya ke dalam ruang kosong, atau, dalam kes yang jarang berlaku , mendirikannya dan bukannya merobohkan bangunan lama Secara umum bandar Itali sebenarnya ia kekal abad pertengahan dalam landskap seni binanya. Ini bukanlah tempoh pembangunan bandar yang aktif, tetapi pada masa inilah isu-isu bandar mula diiktiraf sebagai salah satu bidang pembinaan budaya yang paling penting. Banyak risalah menarik telah muncul mengenai apa itu bandar, bukan sahaja sebagai politik, tetapi juga sebagai fenomena sosiobudaya. Bagaimanakah sebuah bandar baru, berbeza dari zaman pertengahan, muncul di mata para humanis Renaissance?
Dalam semua model perancangan bandar, projek dan utopia mereka, bandar itu pertama sekali dibebaskan daripada prototaip sucinya - Baitulmuqaddis syurgawi, bahtera, yang melambangkan ruang keselamatan manusia. Semasa Renaissance, idea tentang bandar yang ideal timbul, yang dicipta bukan mengikut prototaip ilahi, tetapi sebagai hasil daripada aktiviti kreatif individu arkitek. L. B. Alberti yang terkenal, pengarang klasik "Sepuluh Buku Mengenai Seni Bina," berhujah bahawa idea seni bina asal sering datang kepadanya pada waktu malam, apabila perhatiannya terganggu dan dia mempunyai mimpi di mana perkara-perkara yang tidak mendedahkan diri mereka semasa terjaga. Penerangan sekular tentang proses kreatif ini agak berbeza daripada tindakan penglihatan Kristian klasik.
Bandar baru muncul dalam karya-karya humanis Itali sebagai tidak sepadan dengan peraturan syurgawi, tetapi dengan peraturan duniawi dalam tujuan sosial, politik, budaya dan hariannya. Ia dibina bukan berdasarkan prinsip penguncupan suci-ruang, tetapi berdasarkan perbezaan ruang yang berfungsi, sepenuhnya sekular, dan dibahagikan kepada ruang petak dan jalan, yang dikumpulkan di sekeliling bangunan kediaman atau awam yang penting. Pembinaan semula sedemikian, walaupun sebenarnya dilakukan pada tahap tertentu, contohnya di Florence, telah direalisasikan pada tahap yang lebih besar dalam seni yang bagus, dalam pembinaan lukisan Renaissance dan dalam projek seni bina. Bandar Renaissance melambangkan kemenangan manusia ke atas alam semula jadi, kepercayaan optimis bahawa "pemisahan" tamadun manusia dari alam semula jadi ke dunia buatan manusia yang baru mempunyai alasan yang munasabah, harmoni dan indah.
Manusia Renaissance adalah prototaip tamadun menakluki ruang, yang dengan tangannya sendiri menyelesaikan apa yang belum diselesaikan oleh pencipta. Itulah sebabnya, apabila merancang bandar, arkitek berminat untuk mencipta projek yang indah, berdasarkan kepentingan estetik pelbagai kombinasi bentuk geometri, di mana ia perlu untuk meletakkan semua bangunan yang diperlukan untuk kehidupan masyarakat bandar. Pertimbangan utilitarian memudar ke latar belakang, dan permainan estetik percuma fantasi seni bina menundukkan kesedaran perancang bandar pada masa itu. Idea kreativiti bebas sebagai asas untuk kewujudan individu adalah salah satu keperluan budaya yang paling penting dalam Renaissance. Kreativiti seni bina dalam dalam kes ini juga merangkumi idea ini, yang dinyatakan dalam penciptaan projek pembinaan yang lebih seperti beberapa jenis fantasi hiasan yang rumit. Dalam amalan, idea-idea ini direalisasikan terutamanya dalam penciptaan pelbagai jenis turapan batu, yang ditutup dengan papak bentuk yang betul. Ini adalah inovasi utama yang dibanggakan oleh penduduk bandar, memanggil mereka "berlian."
Bandar ini pada mulanya dianggap sebagai karya buatan, bertentangan dengan alam semula jadi dunia, kerana, tidak seperti zaman pertengahan, ia menundukkan dan menguasai ruang hidup, dan tidak hanya sesuai dengan rupa bumi. Oleh itu, bandar-bandar ideal Renaissance mempunyai bentuk geometri yang ketat dalam bentuk persegi, salib atau oktagon. Seperti yang dikatakan oleh I. E. Danilova dengan tepat, projek seni bina pada masa itu, seolah-olah, ditumpangkan pada rupa bumi dari atas sebagai setem penguasaan minda manusia, yang mana segala-galanya tertakluk. Dalam era moden, manusia berusaha untuk menjadikan dunia boleh diramal, munasabah, dan menyingkirkan permainan peluang atau nasib yang tidak dapat difahami. Oleh itu, L. B. Alberti dalam karyanya "On the Family" berhujah bahawa alasan bermain dalam hal ehwal sivil dan dalam kehidupan manusia peranan yang jauh lebih besar daripada kekayaan. Ahli teori seni bina dan perancangan bandar yang terkenal bercakap tentang keperluan untuk menguji dan menakluk dunia, memperluaskan peraturan matematik dan geometri gunaan kepadanya. Dari sudut pandangan ini, bandar Renaissance mewakili bentuk tertinggi penaklukan dunia dan ruang, untuk projek perancangan bandar melibatkan penyusunan semula landskap semula jadi akibat pengenaan grid geometri ruang yang digariskan di atasnya. Ia, tidak seperti Zaman Pertengahan, adalah model terbuka, pusatnya bukan katedral, tetapi ruang kosong dataran, yang dibuka di semua sisi dengan jalan-jalan, dengan pemandangan ke kejauhan, di luar tembok kota.
Pakar moden dalam bidang kebudayaan, semakin banyak perhatian diberikan kepada masalah organisasi spatial bandar Renaissance, khususnya, topik dataran bandar, genesis dan semantiknya dibincangkan secara aktif di pelbagai jenis simposium antarabangsa. R. Barth menulis: “Bandar itu adalah kain yang tidak terdiri daripada unsur-unsur yang setara di mana fungsi mereka boleh disenaraikan, tetapi unsur-unsur, penting dan tidak penting... Lebih-lebih lagi, saya mesti ambil perhatian bahawa semakin banyak kepentingan mula dilampirkan kepada kekosongan yang ketara sebaliknya kekosongan yang ketara. Dalam erti kata lain, elemen menjadi semakin ketara bukan pada diri mereka sendiri, tetapi bergantung pada lokasinya."
Bandar zaman pertengahan, bangunannya, gereja merangkumi fenomena ketertutupan, keperluan untuk mengatasi beberapa halangan fizikal atau rohani, sama ada katedral atau istana yang serupa dengan kubu kecil, ini adalah ruang khas yang dipisahkan dari dunia luar. Penembusan di sana sentiasa melambangkan pengenalan dengan beberapa rahsia tersembunyi. Dataran itu adalah simbol era yang sama sekali berbeza: ia merangkumi idea keterbukaan bukan sahaja ke atas, tetapi juga ke sisi, melalui jalan, lorong, tingkap, dll. Orang ramai sentiasa memasuki dataran dari ruang tertutup. Mana-mana kawasan yang dicipta, sebaliknya, perasaan ruang terbuka dan terbuka serta-merta. Dataran bandar seolah-olah melambangkan proses pembebasan daripada rahsia mistik dan merangkumi ruang yang didesakralisasi secara terbuka. L. B. Alberti menulis bahawa hiasan bandar yang paling penting diberikan oleh kedudukan, arah, surat-menyurat, dan penempatan jalan dan dataran.
Idea-idea ini disokong oleh amalan sebenar perjuangan untuk membebaskan ruang bandar daripada kawalan klan keluarga individu, yang berlaku di Florence pada abad ke-14 dan ke-15. Dalam tempoh ini, F. Brunelleschi mereka bentuk tiga dataran baharu di bandar ini. Batu nisan pelbagai orang bangsawan dikeluarkan dari dataran, dan pasar dibina semula dengan sewajarnya. Idea keterbukaan ruang diwujudkan oleh L. B. Alberti berhubung dengan dinding. Beliau menasihatkan menggunakan tiang sekerap mungkin untuk menekankan kesesuaian dinding sebagai sesuatu yang menjadi penghalang. Itulah sebabnya gerbang Alberti dianggap sebagai bertentangan dengan pintu gerbang bandar yang terkunci. Gerbang sentiasa terbuka; ia berfungsi sebagai bingkai untuk pemandangan pembukaan dan dengan itu menghubungkan ruang bandar.
Pembandaran Renaissance tidak membayangkan penutupan dan pengasingan ruang bandar, tetapi, sebaliknya, penyebarannya di luar bandar. Kesakitan serangan agresif "penakluk alam" ditunjukkan oleh projek Francesco di Giorgio Martini. Yu. M. Lotman menulis tentang dorongan spatial ini, ciri risalahnya. Kubu Martini dalam kebanyakan kes mempunyai bentuk bintang, yang dinyalakan ke semua arah oleh sudut-sudut dinding dengan benteng yang kuat dilanjutkan ke luar. Penyelesaian seni bina ini sebahagian besarnya disebabkan oleh ciptaan bola meriam. Senjata-senjata itu, yang dipasang di kubu-kubu yang dilanjutkan jauh ke angkasa, memungkinkan untuk secara aktif menentang musuh, memukul mereka pada jarak yang jauh dan menghalang mereka daripada mencapai dinding utama.
Leonardo Bruni, dalam karya pujiannya yang didedikasikan untuk Florence, nampaknya tidak kepada kita bandar sebenar, tetapi doktrin sosiobudaya yang terkandung, kerana dia cuba "membetulkan" perancangan bandar dan menerangkan susun atur bangunan dengan cara yang baharu. Akibatnya, Palazzo Signoria muncul di tengah-tengah bandar, dari mana, sebagai simbol kuasa bandar, menyimpang lebih luas daripada cincin realiti dinding, kubu, dan lain-lain. Dalam penerangan ini, Bruni berpindah dari model tertutup bandar zaman pertengahan dan cuba untuk menjelmakan idea baru idea pengembangan bandar, yang merupakan sejenis simbol era baru. Florence merampas tanah berhampiran dan menundukkan wilayah yang luas.
Oleh itu, bandar yang ideal pada abad ke-15. diilhamkan bukan dalam unjuran sacralized menegak, tetapi dalam ruang sosiobudaya mendatar, yang difahami bukan sebagai sfera keselamatan, tetapi sebagai persekitaran hidup yang selesa. Itulah sebabnya bandar yang ideal digambarkan oleh artis abad ke-15. bukan sebagai matlamat yang jauh, tetapi dari dalam, sebagai sfera kehidupan manusia yang indah dan harmoni.
Walau bagaimanapun, perlu diperhatikan percanggahan tertentu yang pada mulanya hadir dalam imej bandar Renaissance. Walaupun pada hakikatnya dalam tempoh ini, kediaman jenis baru yang megah dan selesa muncul, dicipta terutamanya "demi rakyat", bandar itu sendiri sudah mula dianggap sebagai sangkar batu yang tidak membenarkan pembangunan sebuah personaliti manusia yang bebas dan kreatif. Landskap bandar boleh dilihat sebagai sesuatu yang bercanggah dengan alam semula jadi, dan, seperti yang diketahui, alam semula jadi (manusia dan bukan manusia) yang menjadi subjek kekaguman estetik oleh seniman, penyair dan pemikir pada masa itu.
Permulaan pembandaran ruang sosiobudaya, walaupun dalam bentuk utama, asas dan yang dirasakan dengan penuh semangat, telah membangkitkan perasaan kesunyian ontologikal, pengabaian dalam dunia baru yang "mendatar". Pada masa hadapan, dualitas ini akan berkembang, bertukar menjadi percanggahan akut dalam kesedaran budaya zaman moden dan membawa kepada kemunculan senario anti-bandar utopia.
Kami mempunyai pangkalan data maklumat terbesar dalam RuNet, jadi anda sentiasa boleh mencari pertanyaan yang serupa
Topik ini tergolong dalam bahagian:
Kajian budaya
Teori budaya. Budaya dalam sistem pengetahuan sosio-kemanusiaan. Teori asas budaya dan sekolah zaman kita. Dinamik budaya. Sejarah kebudayaan. Tamadun purba - buaian budaya Eropah. Budaya Zaman Pertengahan Eropah. Masalah sebenar budaya moden. Wajah budaya kebangsaan dalam dunia globalisasi. Bahasa dan kod budaya.
Bahan ini termasuk bahagian:
Budaya sebagai syarat kewujudan dan perkembangan masyarakat
Kebudayaan sebagai bidang ilmu yang bebas
Konsep kajian budaya, objek, subjek, tugas
Struktur pengetahuan budaya
Kaedah kajian budaya
Kesatuan sejarah dan logik dalam pemahaman budaya
Idea kuno tentang budaya
Memahami Budaya pada Zaman Pertengahan
Memahami budaya dalam falsafah Eropah zaman moden
Ciri-ciri umum kajian budaya abad ke-20.
Konsep budaya O. Spengler
Teori integrasi budaya oleh P. Sorokin
Konsep psikoanalisis budaya
Pendekatan asas untuk menganalisis intipati budaya
Morfologi budaya
Norma dan nilai budaya
Fungsi budaya
Seni Renaissance
Renaissance- ini adalah zaman kegemilangan semua seni, termasuk teater, kesusasteraan, dan muzik, tetapi, tidak syak lagi, yang utama di antara mereka, yang paling menyatakan semangat zamannya, adalah seni halus.
Bukan kebetulan bahawa terdapat teori bahawa Renaissance bermula dengan fakta bahawa artis tidak lagi berpuas hati dengan kerangka gaya "Byzantine" yang dominan dan, dalam mencari model untuk kreativiti mereka, adalah yang pertama beralih kepada kepada zaman dahulu. Istilah "Renaissance" diperkenalkan oleh pemikir dan artis era itu sendiri, Giorgio Vasari ("Biografi Pelukis, Pengukir dan Arkitek Terkenal"). Ini adalah bagaimana dia menamakan masa dari 1250 hingga 1550. Dari sudut pandangannya, ia adalah masa kebangkitan zaman dahulu. Bagi Vasari, zaman dahulu muncul sebagai imej yang ideal.
Selepas itu, kandungan istilah itu berkembang. Kebangkitan itu mula bermakna pembebasan sains dan seni daripada teologi, penyejukan terhadap etika Kristian, kemunculan kesusasteraan kebangsaan, dan keinginan seseorang untuk bebas daripada sekatan Gereja Katolik. Iaitu, Renaissance, pada dasarnya, mula bermakna kemanusiaan.
KEBANGKITAN, RENAISSANCE(Renaissance Perancis - renaissance) - salah satu era terbesar, titik perubahan dalam perkembangan seni dunia antara Zaman Pertengahan dan zaman moden. Renaissance meliputi abad XIV-XVI. di Itali, abad XV-XVI. di negara Eropah yang lain. Tempoh dalam perkembangan budaya ini menerima namanya - Renaissance (atau Renaissance) berkaitan dengan kebangkitan minat dalam seni kuno. Walau bagaimanapun, artis masa ini bukan sahaja menyalin model lama, tetapi juga memasukkan kandungan baru secara kualitatif. Renaissance tidak boleh dianggap sebagai gaya atau pergerakan artistik, kerana pada zaman ini terdapat pelbagai gaya artistik, arah, trend. Ideal estetik Renaissance dibentuk berdasarkan pandangan dunia progresif baru - humanisme. Dunia sebenar dan manusia diisytiharkan sebagai nilai tertinggi: Manusia adalah ukuran bagi semua perkara. Peranan personaliti kreatif telah meningkat terutamanya.
Kecemasan humanistik era itu paling baik terkandung dalam seni, yang, seperti pada abad-abad sebelumnya, bertujuan untuk memberikan gambaran tentang alam semesta. Apa yang baru ialah mereka cuba menggabungkan material dan spiritual menjadi satu keseluruhan. Sukar untuk mencari orang yang tidak peduli dengan seni, tetapi keutamaan diberikan kepada seni halus dan seni bina.
Lukisan Itali abad ke-15. kebanyakannya monumental (lukisan dinding). Lukisan menduduki tempat yang terkemuka di kalangan jenis seni halus. Ia sepenuhnya sepadan dengan prinsip Renaissance "meniru alam semula jadi." Sistem bergambar baharu sedang dibangunkan berdasarkan kajian alam semula jadi. Artis Masaccio membuat sumbangan yang layak kepada pembangunan pemahaman volum dan penghantarannya dengan bantuan chiaroscuro. Penemuan dan justifikasi saintifik undang-undang linear dan perspektif udara sangat mempengaruhi nasib masa depan lukisan Eropah. Bahasa plastik baru arca sedang dibentuk, pengasasnya ialah Donatello. Dia menghidupkan semula patung bulat yang berdiri bebas itu. Karya terbaiknya ialah arca David (Florence).
Dalam seni bina, prinsip sistem susunan kuno dibangkitkan, kepentingan perkadaran dinaikkan, jenis bangunan baru dibentuk (istana bandar, vila desa, dll.), Teori seni bina dan konsep bandar yang ideal dibangunkan . Arkitek Brunelleschi membina bangunan di mana dia menggabungkan pemahaman kuno seni bina dan tradisi Gothic lewat, mencapai kerohanian imaginatif seni bina baru yang tidak diketahui oleh orang dahulu kala. Semasa Renaissance yang tinggi, pandangan dunia baru paling baik terkandung dalam karya artis yang berhak dipanggil genius: Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione dan Titian. Dua pertiga terakhir abad ke-16. dipanggil Renaissance lewat. Pada masa ini, krisis melanda seni. Ia menjadi rejimen, sopan, dan kehilangan kehangatan dan keasliannya. Walau bagaimanapun, beberapa artis hebat - Titian, Tintoretto - terus mencipta karya agung dalam tempoh ini.
Renaissance Itali mempunyai pengaruh yang besar terhadap seni Perancis, Sepanyol, Jerman, England, dan Rusia.
Peningkatan perkembangan seni di Belanda, Perancis dan Jerman (abad XV-XVI) dipanggil Renaissance Utara. Karya pelukis Jan van Eyck dan P. Bruegel the Elder adalah kemuncak zaman perkembangan seni ini. Di Jerman, artis terhebat Renaissance Jerman ialah A. Durer.
Penemuan yang dibuat semasa Renaissance dalam bidang budaya dan seni rohani mempunyai kepentingan sejarah yang besar untuk perkembangan seni Eropah pada abad-abad berikutnya. Minat terhadap mereka berterusan pada zaman kita.
Renaissance di Itali melalui beberapa peringkat: Renaissance awal, Renaissance tinggi, Renaissance lewat. Florence menjadi tempat kelahiran Renaissance. Asas seni baru telah dibangunkan oleh pelukis Masaccio, pemahat Donatello, dan arkitek F. Brunelleschi.
Sarjana terbesar Proto-Renaissance adalah yang pertama mencipta lukisan dan bukannya ikon Giotto. Beliau adalah orang pertama yang berusaha untuk menyampaikan idea-idea etika Kristian melalui gambaran perasaan dan pengalaman manusia yang sebenar, menggantikan simbolisme dengan gambaran ruang sebenar dan objek tertentu. Dalam lukisan dinding terkenal Giotto Chapel del Arena di Padua Anda boleh melihat watak yang sangat luar biasa di sebelah orang kudus: gembala atau pemutar. Setiap individu dalam Giotto menyatakan pengalaman yang sangat khusus, watak yang khusus. 
Semasa Renaissance awal dalam seni, warisan seni kuno telah dikuasai, cita-cita etika baru dibentuk, artis beralih kepada pencapaian sains (matematik, geometri, optik, anatomi). Peranan utama dalam pembentukan prinsip ideologi dan gaya seni Renaissance awal dimainkan oleh Florence. Imej-imej yang dicipta oleh pakar seperti Donatello dan Verrocchio didominasi oleh patung ekuestrian dari condottiere Gattamelata's David" prinsip heroik dan patriotik Donatello ("St. George" dan "David" oleh Donatello dan "David" oleh Verrocchio). 
Pengasas lukisan Renaissance ialah Masaccio(lukisan Kapel Brancacci, "Trinity"), Masaccio tahu bagaimana untuk menyampaikan kedalaman ruang, menghubungkan angka dan landskap dengan konsep komposisi tunggal, dan memberikan ekspresi potret kepada individu.
Tetapi pembentukan dan evolusi potret bergambar, yang mencerminkan minat budaya Renaissance pada manusia, dikaitkan dengan nama-nama artis sekolah Umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.
Karya artis itu menonjol pada zaman Renaissance awal Sandro Botticelli. Imej yang dia cipta adalah rohani dan puitis. Penyelidik mencatatkan abstraksi dan intelektualisme yang diperhalusi dalam karya artis, keinginannya untuk mencipta gubahan mitologi dengan kandungan yang rumit dan disulitkan ("Spring", "Birth of Venus"). Salah seorang penulis kehidupan Botticelli berkata bahawa Madonnas and Venusesnya memberi kesan kehilangan, membangkitkan dalam diri kita perasaan sedih yang tidak terhapuskan... Ada yang hilang syurga, ada yang hilang bumi. 
"Musim bunga" "Kelahiran Venus"
Kemuncak dalam perkembangan prinsip ideologi dan seni Renaissance Itali menjadi Renaissance Tinggi. Leonardo da Vinci dianggap sebagai pengasas seni Renaissance Tinggi. artis hebat dan saintis.
Dia mencipta beberapa karya: "Mona Lisa" ("La Gioconda") Tegasnya, wajah Gioconda dibezakan oleh kekangan dan ketenangan, senyuman yang mencipta kemasyhuran dunianya dan yang kemudiannya menjadi bahagian yang sangat diperlukan dalam karya Sekolah Leonardo hampir tidak kelihatan di dalamnya. Tetapi dalam jerebu yang mencair lembut menyelubungi wajah dan figura, Leonardo berjaya membuat seseorang merasakan kebolehubahan tanpa had ekspresi muka manusia. Walaupun mata Gioconda memandang dengan penuh perhatian dan tenang kepada penonton, terima kasih kepada teduhan soket matanya, seseorang mungkin berfikir bahawa mereka sedikit berkerut; bibirnya dimampatkan, tetapi berhampiran sudutnya terdapat bayang-bayang halus yang membuatkan anda percaya bahawa setiap minit mereka akan membuka, tersenyum dan bercakap. Sangat kontras antara pandangannya dan senyuman separuh di bibirnya memberikan idea tentang ketidakkonsistenan pengalamannya. Tidak sia-sia Leonardo menyeksa modelnya dengan sesi yang panjang. Tidak seperti orang lain, dia dapat menyampaikan bayang-bayang, warna dan halftone dalam gambar ini, dan ia menimbulkan perasaan hidup yang bersemangat. Ia bukan tanpa alasan bahawa Vasari menyangka bahawa urat sedang berdenyut di leher Gioconda.
Dalam potret Gioconda, Leonardo bukan sahaja menyampaikan badan dan udara di sekelilingnya dengan sempurna. Dia juga memasukkan ke dalamnya pemahaman tentang apa yang diperlukan oleh mata untuk gambar untuk menghasilkan kesan yang harmoni, itulah sebabnya segala-galanya kelihatan seolah-olah bentuk itu lahir secara semula jadi antara satu sama lain, seperti yang berlaku dalam muzik apabila disonansi tegang diselesaikan dengan akord yang menggembirakan. . Gioconda ditulis dengan sempurna dalam segi empat tepat berkadar, separuh badannya membentuk sesuatu yang utuh, tangannya yang dilipat memberikan kesempurnaan imejnya. Kini, sudah tentu, tidak ada persoalan tentang keriting khayalan "Pengumuman" awal. Walau bagaimanapun, tidak kira betapa lembutnya semua kontur itu, helaian rambut Mona Lisa yang beralun selaras dengan tudung lutsinar, dan kain tergantung yang dilemparkan ke bahunya mendapat gema dalam lilitan halus jalan yang jauh. Dalam semua ini, Leonardo menunjukkan keupayaannya untuk mencipta mengikut undang-undang irama dan harmoni. “Dari sudut teknik pelaksanaan, Mona Lisa sentiasa dianggap sesuatu yang tidak dapat dijelaskan. Sekarang saya rasa saya boleh menjawab teka-teki ini,” kata Frank. Menurutnya, Leonardo menggunakan teknik "sfumato" yang dibangunkannya (bahasa Itali "sfumato", secara harfiah "hilang seperti asap"). Tekniknya ialah objek dalam lukisan tidak sepatutnya mempunyai sempadan yang jelas, semuanya harus lancar berubah menjadi satu sama lain, garis besar objek harus dilembutkan dengan bantuan jerebu udara ringan di sekelilingnya. Kesukaran utama teknik ini terletak pada calitan terkecil (kira-kira satu perempat milimeter), yang tidak dapat dikenali sama ada di bawah mikroskop atau menggunakan sinar-X. Oleh itu, ia mengambil beberapa ratus sesi untuk melukis lukisan Da Vinci. Imej Mona Lisa terdiri daripada kira-kira 30 lapisan cat minyak cecair, hampir lutsinar. Untuk kerja-kerja perhiasan seperti itu, artis itu nampaknya terpaksa menggunakan kaca pembesar. Mungkin penggunaan teknik intensif buruh sedemikian menerangkan masa yang lama dihabiskan untuk mengerjakan potret - hampir 4 tahun. 
, "Makan Malam Terakhir" memberi kesan yang berkekalan. Di dinding, seolah-olah mengatasinya dan membawa penonton ke dunia yang harmoni dan penglihatan yang megah, drama Injil kuno tentang kepercayaan yang dikhianati terungkap. Dan drama ini menemui resolusinya dalam dorongan umum yang ditujukan kepada watak utama - seorang suami dengan wajah sedih yang menerima apa yang berlaku sebagai tidak dapat dielakkan. Kristus hanya memberitahu murid-murid-Nya, “Salah seorang daripada kamu akan mengkhianati Aku.” Pengkhianat duduk bersama orang lain; tuan-tuan tua menggambarkan Yudas duduk secara berasingan, tetapi Leonardo mendedahkan pengasingannya yang suram dengan lebih meyakinkan, menyelubungi wajahnya dalam bayangan. Kristus tunduk kepada nasibnya, dipenuhi dengan kesedaran pengorbanan prestasinya. Kepalanya yang tertunduk dengan mata yang tunduk dan isyarat tangannya sangat cantik dan megah. Pemandangan indah terbuka melalui tingkap di belakang susuk tubuhnya. Kristus adalah pusat dari keseluruhan komposisi, dari semua pusaran nafsu yang berkecamuk di sekeliling. Kesedihan dan ketenangannya seolah-olah kekal, semula jadi - dan inilah makna mendalam drama yang ditunjukkan. Dia mencari sumber bentuk seni yang sempurna dalam alam semula jadi, tetapi dialah yang N. Berdyaev anggap bertanggungjawab untuk proses mekanisasi yang akan datang dan mekanisasi kehidupan manusia, yang memisahkan manusia dari alam semula jadi.
Lukisan mencapai keharmonian klasik dalam kreativiti Raphael. Seninya berkembang daripada imej-imej Umbria awal yang menyendiri tentang Madonnas (“Madonna Conestabile”) kepada dunia “Kekristianan yang bahagia” karya Florentine dan Rom. "Madonna with the Goldfinch" dan "Madonna in the Armchair" adalah lembut, berperikemanusiaan dan juga biasa dalam kemanusiaan mereka. 
Tetapi imej "Sistine Madonna" adalah megah, secara simbolik menghubungkan dunia syurga dan duniawi. Paling penting, Raphael dikenali sebagai pencipta imej lembut Madonnas. Tetapi dalam lukisan dia merangkumi kedua-dua cita-cita manusia sejagat Renaissance (potret Castiglione) dan drama peristiwa sejarah. "The Sistine Madonna" (c. 1513, Dresden, Galeri Gambar) ialah salah satu karya artis yang paling diilhamkan. Dilukis sebagai imej mezbah untuk gereja biara St. Sixta di Piacenza, lukisan dalam konsep, gubahan dan tafsiran imej ini jauh berbeza daripada "Madonnas" zaman Florentine. Daripada imej intim dan duniawi seorang gadis muda yang cantik merendahkan diri menonton hiburan dua kanak-kanak, di sini kita melihat penglihatan yang indah tiba-tiba muncul di langit dari sebalik tirai yang ditarik oleh seseorang. Dikelilingi oleh cahaya keemasan, Mary yang khusyuk dan megah berjalan melalui awan, memegang bayi Kristus di hadapannya. Ke kiri dan ke kanan St. berlutut di hadapannya. Sixtus dan St. Varvara. Komposisi simetri, seimbang ketat, kejelasan siluet dan generalisasi bentuk yang monumental memberikan "Sistine Madonna" keagungan istimewa.
Dalam lukisan ini, Raphael, mungkin lebih daripada tempat lain, berjaya menggabungkan kebenaran penting imej dengan ciri-ciri kesempurnaan yang ideal. Imej Madonna adalah kompleks. Kesucian dan kenaifan yang menyentuh hati seorang wanita muda digabungkan dalam dirinya dengan keazaman yang teguh dan kesediaan heroik untuk berkorban. Kepahlawanan ini menghubungkan imej Madonna dengan tradisi terbaik kemanusiaan Itali. Gabungan ideal dan nyata dalam gambar ini membuatkan kita teringat kata-kata terkenal Raphael dari sepucuk surat kepada rakannya B. Castiglione. "Dan saya akan memberitahu anda," tulis Raphael, "bahawa untuk melukis kecantikan, saya perlu melihat banyak kecantikan... tetapi disebabkan kekurangan... wanita cantik, saya menggunakan beberapa idea yang terlintas di fikiran saya. . Saya tidak tahu sama ada ia mempunyai kesempurnaan, tetapi saya berusaha keras untuk mencapainya." Kata-kata ini memberi penerangan tentang kaedah kreatif artis. Bermula dari realiti dan bergantung padanya, dia pada masa yang sama berusaha untuk menaikkan imej di atas segala-galanya secara rawak dan sementara.
Michelangelo(1475-1564) sudah pasti salah seorang artis yang paling terinspirasi dalam sejarah seni dan, bersama-sama dengan Leonardo Da Vinci, tokoh paling berkuasa dalam Renaissance Tinggi Itali. Sebagai seorang pemahat, arkitek, pelukis dan penyair, Michelangelo mempunyai pengaruh yang besar pada sezamannya dan pada seni Barat seterusnya secara umum.
Dia menganggap dirinya seorang Florentine - walaupun dia dilahirkan pada 6 Mac 1475 di kampung kecil Caprese berhampiran bandar Arezzo. Michelangelo sangat menyayangi kotanya, seni, budayanya, dan membawa cinta ini hingga akhir zamannya. Dia menghabiskan sebahagian besar masa dewasanya di Rom, bekerja atas arahan daripada paus; bagaimanapun, dia meninggalkan wasiat, mengikut mana jenazahnya dikebumikan di Florence, di sebuah makam yang indah di gereja Santa Croce.
Michelangelo membuat arca marmar Pieta(Lamentation of Christ) (1498-1500), yang masih terletak di lokasi asalnya - Basilika St Peter. Ini adalah salah satu karya paling terkenal dalam sejarah seni dunia. Pieta mungkin telah disiapkan oleh Michelangelo sebelum dia berumur 25 tahun. Ini sahaja kerja yang dia tandatangani. Mary muda digambarkan dengan Kristus yang mati berlutut, imej yang dipinjam daripada seni Eropah utara. Pandangan Mary tidak begitu sedih kerana ia serius. Ini adalah titik tertinggi karya Michelangelo muda. 
Tidak kurang pentingnya karya Michelangelo muda ialah imej marmar gergasi (4.34 m). David(Accademia, Florence), dilaksanakan antara 1501 dan 1504, selepas kembali ke Florence. Wira Perjanjian Lama Michelangelo digambarkan sebagai seorang lelaki muda yang kacak, berotot, telanjang yang kelihatan cemas ke kejauhan, seolah-olah menilai musuhnya - Goliath, dengan siapa dia harus bertarung. Ekspresi wajah David yang meriah dan sengit adalah ciri kebanyakan karya Michelangelo - ini adalah tanda gaya arca individunya. David, arca Michelangelo yang paling terkenal, menjadi simbol Florence dan pada asalnya diletakkan di Piazza della Signoria di hadapan Palazzo Vecchio, dewan bandar Florence. Dengan patung ini, Michelangelo membuktikan kepada orang sezamannya bahawa dia bukan sahaja mengatasi semua artis kontemporari, tetapi juga sarjana zaman dahulu.
Melukis peti besi Kapel Sistine Pada tahun 1505, Michelangelo telah dipanggil ke Rom oleh Pope Julius II untuk melaksanakan dua perintah. Yang paling penting ialah lukisan fresko bilik kebal Sistine Chapel. Bekerja sambil berbaring di atas perancah tinggi betul-betul di bawah siling, Michelangelo mencipta ilustrasi yang paling indah untuk beberapa kisah alkitabiah antara 1508 dan 1512. Di peti besi gereja paus dia menggambarkan sembilan adegan dari Kitab Kejadian, bermula dengan Pemisahan Terang dari Kegelapan dan termasuk Penciptaan Adam, Penciptaan Hawa, Pencobaan dan Kejatuhan Adam dan Hawa, dan Air Bah. Di sekeliling lukisan-lukisan utama, imej-imej nabi dan sibyl bergantian di atas takhta marmar, watak-watak Perjanjian Lama yang lain dan nenek moyang Kristus.
Untuk mempersiapkan kerja hebat ini, Michelangelo menyiapkan sejumlah besar lakaran dan kadbod, di mana dia menggambarkan sosok pengasuh dalam pelbagai pose. Imej agung dan berkuasa ini menunjukkan pemahaman mahir artis tentang anatomi dan pergerakan manusia, yang memberi dorongan kepada pergerakan baharu dalam seni Eropah Barat. 
Dua lagi patung yang sangat baik, Banduan yang Dibelenggu dan Kematian Seorang Hamba(kedua-duanya c. 1510-13) berada di Louvre, Paris. Mereka menunjukkan pendekatan Michelangelo terhadap arca. Pada pendapatnya, angka itu hanya disertakan dalam blok marmar, dan tugas artis adalah untuk membebaskan mereka dengan mengeluarkan batu yang berlebihan. Selalunya Michelangelo meninggalkan arca yang belum selesai - sama ada kerana mereka menjadi tidak perlu, atau hanya kerana mereka kehilangan minat mereka untuk artis. 
Perpustakaan San Lorenzo Projek untuk makam Julius II memerlukan perincian seni bina, tetapi kerja serius Michelangelo dalam bidang seni bina bermula hanya pada tahun 1519, apabila dia ditugaskan untuk fasad Perpustakaan St. Lawrence di Florence, di mana artis itu kembali. sekali lagi (projek ini tidak pernah direalisasikan). Pada tahun 1520-an dia juga mereka bentuk dewan pintu masuk Perpustakaan yang elegan, bersebelahan dengan Gereja San Lorenzo. Struktur ini telah siap hanya beberapa dekad selepas kematian pengarang.
Michelangelo, seorang penganut puak republik, mengambil bahagian dalam perang melawan Medici pada 1527-29. Tanggungjawabnya termasuk pembinaan dan pembinaan semula kubu di Florence. 
Kapel Medici. Setelah tinggal di Florence untuk tempoh yang agak lama, Michelangelo melaksanakan, antara 1519 dan 1534, perintah daripada keluarga Medici untuk pembinaan dua makam di sakristi baru Gereja San Lorenzo. Dalam sebuah dewan dengan peti besi berkubah tinggi, artis itu mendirikan dua makam yang indah di dinding, bertujuan untuk Lorenzo De' Medici, Duke of Urbino dan untuk Giuliano De' Medici, Duke of Nemours. Kedua-dua kubur kompleks itu bertujuan untuk mewakili jenis yang bertentangan: Lorenzo ialah seorang individu yang mandiri, seorang yang merenung dan menyendiri; Giuliano, sebaliknya, aktif dan terbuka. Pengukir meletakkan arca alegoris Pagi dan Petang di atas kubur Lorenzo, dan alegori Siang dan Malam di atas kubur Giuliano. Kerja pada makam Medici diteruskan selepas Michelangelo kembali ke Rom pada tahun 1534. Dia tidak pernah melawat bandar tercintanya lagi.
Penghakiman Terakhir
Dari 1536 hingga 1541, Michelangelo bekerja di Rom pada lukisan dinding altar Kapel Sistine di Vatican. Fresko terbesar Renaissance menggambarkan hari Penghakiman Terakhir. Kristus, dengan kilat berapi-api di tangannya, tidak dapat dielakkan membahagikan semua penduduk bumi kepada orang-orang benar yang diselamatkan, digambarkan di sebelah kiri komposisi, dan orang-orang berdosa turun ke dalam Dante's. neraka (sebelah kiri lukisan dinding). Mengikut tradisinya sendiri, Michelangelo pada asalnya melukis semua figura dalam keadaan telanjang, tetapi sedekad kemudian seorang artis Puritan "memakai" mereka kerana iklim budaya menjadi lebih konservatif. Michelangelo meninggalkan potret dirinya sendiri di lukisan dinding - wajahnya boleh dilihat dengan mudah pada kulit yang terkoyak dari Rasul Suci Martir Bartholomew.
Walaupun dalam tempoh ini Michelangelo mempunyai komisen lukisan lain, seperti lukisan Kapel St. Paul the Apostle (1940), pertama sekali dia cuba menumpukan seluruh tenaganya kepada seni bina.
Kubah Katedral St. Peter. Pada tahun 1546, Michelangelo dilantik sebagai ketua arkitek pembinaan Basilika St. Peter di Vatican. Bangunan itu dibina mengikut rancangan Donato Bramante, tetapi Michelangelo akhirnya bertanggungjawab untuk pembinaan apse altar dan untuk membangunkan reka bentuk kejuruteraan dan artistik kubah katedral. Penyiapan pembinaan Katedral St. Peter adalah pencapaian tertinggi tuan Florentine dalam bidang seni bina. Semasa hayatnya yang panjang, Michelangelo adalah kawan rapat putera dan paus, dari Lorenzo De' Medici hingga Leo X, Clement VIII, dan Pius III, serta ramai kardinal, pelukis dan penyair. Watak artis, kedudukannya dalam kehidupan sukar difahami dengan jelas melalui karyanya - mereka sangat pelbagai. Hanya dalam puisi, dalam puisinya sendiri, Michelangelo lebih kerap dan lebih mendalam menangani isu kreativiti dan tempatnya dalam seni. Tempat yang besar dalam puisinya dikhaskan untuk masalah dan kesukaran yang dia terpaksa hadapi dalam kerjanya, dan hubungan peribadi dengan wakil yang paling terkenal pada era itu. penyair terkenal Renaissance Ludovico Ariosto menulis epitaph untuk artis terkenal ini: "Michele lebih daripada fana, dia adalah malaikat ilahi." 
