Lukisan Renaissance. Seniman Renaissance Hebat Seniman Renaissance Abad ke-12-16

Pencapaian Renaissance yang tidak diragukan adalah pembinaan gambar yang betul secara geometri. Artis membina imej menggunakan teknik yang dibangunkannya. Perkara utama bagi pelukis pada masa itu ialah memerhatikan perkadaran objek. Malah alam semula jadi jatuh di bawah kaedah matematik untuk mengira perkadaran imej dengan objek lain dalam gambar.

Dalam erti kata lain, artis dalam Renaissance berusaha untuk menyampaikan imej yang tepat, sebagai contoh, seseorang dengan latar belakang alam semula jadi. Jika dibandingkan dengan kaedah moden untuk mencipta semula imej yang dilihat pada beberapa jenis kanvas, maka, kemungkinan besar, gambar dengan pelarasan berikutnya akan membantu memahami apa yang diusahakan oleh artis Renaissance.

Pelukis Renaissance percaya bahawa mereka mempunyai hak untuk membetulkan kelemahan alam semula jadi, iaitu, jika seseorang mempunyai ciri-ciri wajah yang hodoh, para artis membetulkannya sedemikian rupa sehingga wajah menjadi manis dan menarik.

Leonardo da Vinci

Renaissance menjadi terima kasih kepada banyak personaliti kreatif yang hidup pada masa itu. Leonardo da Vinci yang terkenal di dunia (1452 - 1519) mencipta sejumlah besar karya, yang kosnya dianggarkan berjuta-juta dolar, dan ahli seninya bersedia untuk merenungkan lukisannya untuk masa yang lama.

Leonardo memulakan pengajiannya di Florence. Kanvas pertamanya, dicat sekitar 1478, ialah Benois Madonna. Kemudian terdapat ciptaan seperti "Madonna in the Grotto", "Mona Lisa", "Perjamuan Terakhir" yang disebutkan di atas dan pelbagai karya agung lain yang ditulis oleh tangan raksasa zaman Renaissance.

Keterukan perkadaran geometri dan pembiakan tepat struktur anatomi seseorang - inilah yang dicirikan oleh lukisan Leonard da Vinci. Menurut keyakinannya, seni menggambarkan imej tertentu di atas kanvas adalah sains, dan bukan sekadar hobi.

Rafael Santi

Raphael Santi (1483 - 1520) dikenali dalam dunia seni sebagai Raphael mencipta karyanya di Itali. Lukisannya dipenuhi dengan lirik dan keanggunan. Raphael adalah wakil Renaissance, yang menggambarkan seorang lelaki dan keberadaannya di bumi, suka melukis dinding katedral Vatican.

Lukisan-lukisan itu mengkhianati kesatuan angka, korespondensi berkadar ruang dan imej, eufoni warna. Kesucian Perawan adalah asas bagi banyak lukisan Raphael. Imej pertamanya tentang Ibu Tuhan ialah Sistine Madonna, yang dilukis oleh artis terkenal pada tahun 1513. Potret yang dicipta oleh Raphael mencerminkan imej manusia yang ideal.

Sandro Botticelli

Sandro Botticelli (1445 - 1510) juga seorang pelukis Renaissance. Salah satu karya pertamanya ialah lukisan "The Adoration of the Magi". Puisi halus dan mimpi adalah adab asalnya dalam bidang memindahkan imej seni.

Pada awal 80-an abad XV artis hebat mengecat dinding Kapel Vatican. Lukisan dinding yang dibuat olehnya masih menakjubkan.

Lama kelamaan, lukisannya menjadi dicirikan oleh ketenangan bangunan zaman dahulu, kemeriahan watak yang digambarkan, keharmonian imej. Di samping itu, ketertarikan Botticelli dengan lukisan untuk karya sastera terkenal diketahui, yang juga hanya menambah kemuliaan pada karyanya.

Michelangelo Buonarotti

Michelangelo Buonarotti (1475-1564) adalah seorang pelukis Itali yang juga bekerja semasa Renaissance. Apa yang hanya orang ini yang diketahui ramai daripada kita tidak lakukan. Dan arca, dan lukisan, dan seni bina, serta puisi. Michelangelo, seperti Raphael dan Botticelli, melukis dinding kuil-kuil Vatican. Lagipun, hanya pelukis paling berbakat pada masa itu yang terlibat dalam kerja yang bertanggungjawab seperti melukis gambar di dinding katedral Katolik. Lebih daripada 600 meter persegi Kapel Sistine dia terpaksa ditutup dengan lukisan dinding yang menggambarkan pelbagai adegan alkitabiah. Karya paling terkenal dalam gaya ini dikenali kepada kami sebagai Penghakiman Terakhir. Makna cerita alkitabiah dinyatakan dengan lengkap dan jelas. Ketepatan sedemikian dalam pemindahan imej adalah ciri keseluruhan karya Michelangelo.

Epok Renaissance Tinggi(akhir XV - suku pertama abad XVI) - masa kesempurnaan dan kebebasan. Seperti bentuk seni lain pada era ini, lukisan ditandai dengan kepercayaan yang mendalam terhadap manusia, dalam kuasa kreatifnya dan kuasa mindanya. Dalam lukisan tuan-tuan Renaissance Tinggi, cita-cita kecantikan, kemanusiaan dan keharmonian memerintah, orang di dalamnya adalah asas alam semesta.

Pelukis masa ini dengan mudah menggunakan semua cara perwakilan: warna, diperkaya dengan udara, cahaya dan bayang-bayang, dan lukisan, bebas dan tajam; mereka dengan sempurna memiliki perspektif dan jilid. Orang ramai bernafas dan bergerak di atas kanvas artis, perasaan dan pengalaman mereka kelihatan sangat emosional.

Era ini memberi dunia empat jenius - Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Titian. Dalam lukisan mereka, ciri-ciri Renaissance Tinggi - idealiti dan keharmonian, digabungkan dengan kedalaman dan daya hidup imej - menampakkan diri dengan paling jelas.

Leonardo da Vinci

Pada 15 April 1452, di bandar kecil Itali Vinci, yang terletak berhampiran Florence, seorang anak lelaki tidak sah taraf dilahirkan oleh notari Piero da Vinci. Mereka menamakannya Leonardo di ser Piero d'Antonio. Ibu budak itu, Katerina tertentu, berkahwin dengan seorang petani tidak lama kemudian. Bapa tidak meninggalkan bayi tidak sah taraf itu, dia mengangkatnya dan memberinya pendidikan yang baik. Setahun selepas kematian datuk Leonardo, Antonio, pada 1469, notari pergi bersama keluarganya ke Florence.

Sejak kecil, Leonardo membangkitkan minat untuk melukis. Menyedari perkara ini, bapanya menghantar budak lelaki itu untuk belajar dengan salah seorang sarjana seni arca, lukisan dan perhiasan yang paling terkenal pada masa itu, Andrea Verrocchio (1435-1488). Kegemilangan bengkel Verrocchio adalah luar biasa hebat. Dari penduduk bangsawan bandar, banyak pesanan sentiasa diterima untuk pelaksanaan lukisan dan arca. Bukan kebetulan bahawa Andrea Verrocchio menikmati prestij besar di kalangan pelajarnya. Orang sezaman menganggapnya sebagai pengganti paling berbakat idea-idea Renaissance Florentine dalam lukisan dan arca.

Inovasi Verrocchio sebagai seorang artis dikaitkan terutamanya dengan pemikiran semula imej, yang memperoleh ciri naturalistik daripada pelukis. Dari bengkel Verrocchio, sangat sedikit karya yang terselamat sehingga hari ini. Penyelidik percaya bahawa "Baptisan Kristus" yang terkenal telah dicipta dalam bengkel ini. Di samping itu, telah ditetapkan bahawa landskap di latar belakang lukisan dan malaikat di bahagian kirinya adalah milik berus Leonardo.

Sudah dalam kerja awal ini, keperibadian kreatif dan kematangan artis terkenal masa depan menampakkan diri. Landskap, yang dilukis oleh tangan Leonardo, berbeza dengan ketara daripada lukisan alam oleh Verrocchio sendiri. Milik artis muda, ia bagaikan diselubungi jerebu ringan dan melambangkan infiniti dan infiniti angkasa.

Imej yang dicipta oleh Leonardo juga asli. Pengetahuan mendalam tentang anatomi tubuh manusia, serta jiwanya, membolehkan artis mencipta imej malaikat yang luar biasa ekspresif. Penguasaan permainan cahaya dan bayang membantu artis menggambarkan figura yang meriah dan dinamik. Seolah-olah malaikat hanya terkaku seketika. Beberapa minit lagi akan berlalu - dan mereka akan hidup, mereka akan bergerak, bercakap ...

Pengkritik seni dan penulis biografi da Vinci mendakwa bahawa menjelang 1472 Leonardo meninggalkan bengkel Verrocchio dan menjadi tuan dalam bengkel pelukis. Dari 1480, dia beralih kepada arca, yang, menurut Leonardo, adalah cara paling mudah untuk menyatakan dinamik pergerakan tubuh manusia. Sejak itu, dia telah bekerja di Akademi Seni - itulah nama bengkel yang terletak di taman di Dataran San Marco, yang dicipta atas inisiatif Lorenzo the Magnificent.

Pada tahun 1480, Leonardo menerima pesanan daripada Gereja San Donato Scopeto untuk gubahan artistik "The Adoration of the Magi".

Leonardo tidak tinggal lama di Florence. Pada tahun 1482 dia pergi ke Milan. Mungkin, keputusan ini sangat dipengaruhi oleh fakta bahawa artis itu tidak dijemput ke Rom untuk mengerjakan lukisan Kapel Sistina. Satu cara atau yang lain, tidak lama kemudian tuan itu muncul di hadapan Duke kota terkenal Itali Ludovico Sforza. Orang Milan itu menyambut baik Leonardo. Dia menetap dan tinggal lama di suku Porta Ticinese. Dan pada tahun berikutnya, 1483, dia menulis sebuah altarpiece yang ditugaskan untuk Kapel Immacolata di Gereja San Francesco Grande. Karya agung ini kemudiannya dikenali sebagai Madonna of the Rocks.

Pada masa yang sama, Leonardo sedang mengusahakan monumen gangsa untuk Francesco Sforza. Walau bagaimanapun, baik lakaran, mahupun lakaran ujian dan tuangan tidak dapat menyatakan hasrat artis itu. Kerja masih belum selesai.

Dalam tempoh dari 1489 hingga 1490, Leonardo da Vinci melukis Castello Sforzesco pada hari perkahwinan Gian Galeazzo Sforza.

Hampir keseluruhan 1494 Leonardo da Vinci menumpukan kepada pekerjaan baru untuk dirinya sendiri - hidraulik. Atas inisiatif Sforza yang sama, Leonardo membangunkan dan melaksanakan projek untuk mengalirkan wilayah Dataran Lombard. Walau bagaimanapun, sudah pada tahun 1495, sarjana seni halus yang paling hebat kembali ke lukisan. Ia adalah tahun ini yang menjadi peringkat awal dalam sejarah penciptaan lukisan dinding terkenal "The Last Supper", yang menghiasi dinding bilik refectory biara, yang terletak berhampiran gereja Santa Maria delle Grazie.

Pada tahun 1496, berkaitan dengan pencerobohan Kadipaten Milan oleh raja Perancis Louis XII, Leonardo meninggalkan bandar itu. Dia berpindah dahulu ke Mantua dan kemudian menetap di Venice.

Sejak 1503, artis telah tinggal di Florence dan, bersama-sama dengan Michelangelo, telah bekerja pada lukisan Dewan Majlis Besar di Palazzo Signoria. Leonardo sepatutnya menggambarkan "Pertempuran Anghiari". Walau bagaimanapun, tuan, yang sentiasa mencari kreatif, sering meninggalkan kerja yang telah dimulakannya. Jadi ia berlaku dengan "Pertempuran Anghiari" - lukisan dinding itu masih belum selesai. Ahli sejarah seni mencadangkan bahawa pada masa itu Gioconda yang terkenal dicipta.

Dari 1506 hingga 1507 Leonardo sekali lagi tinggal di Milan. Sejak 1512 Duke Maximilian Sforza telah memerintah di sana. 24 September 1512 Leonardo memutuskan untuk meninggalkan Milan dan menetap bersama pelajarnya di Rom. Di sini dia bukan sahaja melukis, tetapi juga beralih kepada kajian matematik dan sains lain.

Setelah menerima jemputan daripada Raja Perancis Francis I pada Mei 1513, Leonardo da Vinci berpindah ke Amboise. Di sini dia hidup sehingga kematiannya: dia melukis, menghias hari cuti, dan bekerja pada aplikasi praktikal projek yang bertujuan menggunakan sungai Perancis.

2 Mei 1519 artis besar meninggal dunia. Leonardo da Vinci dikebumikan di gereja Amboise di San Fiorentino. Walau bagaimanapun, semasa kemuncak peperangan agama (abad XVI), kubur artis telah musnah dan musnah sepenuhnya. Karya agung beliau, yang dianggap sebagai kemuncak seni halus pada abad ke-15-16, adalah seperti itu hingga ke hari ini.

Antara lukisan oleh da Vinci, lukisan Perjamuan Terakhir menduduki tempat yang istimewa. Sejarah lukisan dinding yang terkenal itu menarik dan menakjubkan. Penciptaannya bermula pada 1495-1497. Ia telah ditugaskan oleh sami-sami perintah Dominican, yang ingin menghiasi dinding refectory di biara mereka, yang terletak berhampiran gereja Santa Maria delle Grazie di Milan. Lukisan dinding itu menggambarkan kisah Injil yang cukup terkenal: jamuan terakhir Yesus Kristus bersama dua belas rasulnya.

Karya agung ini diiktiraf sebagai kemuncak semua karya artis. Imej Kristus dan para rasul yang dicipta oleh tuannya adalah luar biasa terang, ekspresif, dan hidup. Di sebalik kekonkretan dan realiti situasi yang digambarkan, kandungan lukisan dinding itu ternyata dipenuhi dengan makna falsafah yang mendalam. Di sini tema abadi konflik antara yang baik dan yang jahat, rasa puas hati dan tidak berperasaan rohani, kebenaran dan pembohongan diwujudkan. Imej yang diperolehi bukan sahaja satu set ciri watak individu (setiap individu dalam semua kepelbagaian perangainya), tetapi juga sejenis generalisasi psikologi.

Gambar itu sangat dinamik. Para hadirin benar-benar merasakan kegembiraan yang mencengkam semua yang hadir pada jamuan itu selepas kata-kata nubuat yang diucapkan oleh Kristus tentang pengkhianatan yang akan berlaku yang perlu dilakukan oleh salah seorang rasul. Kanvas itu ternyata menjadi sejenis ensiklopedia dengan nuansa emosi dan perasaan manusia yang paling halus.

Leonardo da Vinci menyiapkan kerja itu dengan cepat: selepas hanya dua tahun, gambar itu telah siap sepenuhnya. Walau bagaimanapun, para bhikkhu tidak menyukainya: cara pelaksanaannya terlalu berbeza daripada gaya penulisan bergambar yang diterima sebelum ini. Inovasi tuan terdiri bukan sahaja dan tidak begitu banyak dalam penggunaan cat komposisi baru. Perhatian khusus diberikan kepada cara menggambarkan perspektif dalam gambar. Dibuat dalam teknik khas, lukisan dinding, seolah-olah, mengembang dan membesarkan ruang sebenar. Nampaknya dinding bilik yang digambarkan dalam gambar adalah kesinambungan dari dinding refectory biara.

Para rahib tidak menghargai dan tidak memahami niat kreatif dan pencapaian artis, jadi mereka tidak terlalu mengambil berat tentang memelihara lukisan itu. Sudah dua tahun selepas lukisan lukisan dinding itu, catnya mula merosot dan pudar, permukaan dinding dengan imej yang dikenakan padanya seolah-olah ditutup dengan bahan paling nipis. Ini berlaku, di satu pihak, disebabkan oleh kualiti cat baru yang buruk, dan sebaliknya, disebabkan oleh pendedahan berterusan kepada kelembapan, udara sejuk dan wap yang menembusi dari dapur biara. Penampilan lukisan itu benar-benar hancur apabila para sami memutuskan untuk memotong pintu masuk tambahan ke ruang makan di dinding dengan lukisan dinding. Akibatnya, gambar itu terputus di bahagian bawah.

Percubaan untuk memulihkan karya agung telah dibuat sejak abad ke-13. Walau bagaimanapun, kesemuanya terbukti sia-sia, cat terus merosot. Sebabnya pada masa ini adalah kemerosotan keadaan alam sekitar. Kualiti lukisan dinding dipengaruhi oleh peningkatan kepekatan gas ekzos di udara, serta bahan meruap yang dipancarkan ke atmosfera oleh kilang dan kilang.

Sekarang kita juga boleh mengatakan bahawa kerja awal pemulihan lukisan ternyata bukan sahaja tidak perlu dan tidak bermakna, tetapi juga mempunyai sisi negatifnya. Dalam proses pemulihan, artis sering menambah pada lukisan dinding, mengubah penampilan watak-watak yang dibentangkan pada kanvas dan bahagian dalam yang digambarkan. Jadi, baru-baru ini diketahui bahawa salah seorang rasul pada asalnya tidak mempunyai janggut yang panjang dan melengkung. Di samping itu, kanvas hitam yang digambarkan di dinding refectory ternyata tidak lebih daripada permaidani kecil. Sahaja
pada abad ke-20 berjaya mengetahui dan memulihkan sebahagian perhiasan mereka.

Pemulih moden, di antaranya kumpulan yang bekerja di bawah pimpinan Carlo Berteli menonjol dengan ketara, memutuskan untuk memulihkan penampilan asal lukisan dinding, membebaskannya daripada unsur-unsur yang digunakan kemudian.

Tema keibuan, imej seorang ibu muda yang mengagumi anaknya, kekal sebagai kunci dalam kerja tuan besar untuk masa yang lama. Karya sebenar ialah lukisannya "Madonna Litta" dan "Madonna with a Flower" ("Madonna Benois"). Pada masa ini, "Madonna Litta" disimpan dalam Pertapaan Negeri di St. Petersburg. Lukisan itu dibeli oleh Maharaja Rusia Alexander II pada tahun 1865 dari keluarga Duke Itali Antonio Litta, yang sebelum ini ia telah menjadi hadiah daripada Dukes of Visconti. Atas perintah Tsar Rusia, lukisan itu dipindahkan dari kayu ke kanvas dan digantung di salah satu dewan muzium St. Petersburg yang terkenal.

Sarjana seni percaya (dan Kajian saintifik membuktikan ini) bahawa kerja penciptaan gambar itu tidak disiapkan oleh pengarang sendiri. Ia telah disiapkan oleh salah seorang pelajar Leonardo, Boltraffio.

Kanvas adalah ungkapan yang paling menarik tentang tema keibuan dalam lukisan zaman Renaissance. Imej Ibu Madonna adalah cerah dan rohani. Pandangan yang dihidupkan pada bayi adalah luar biasa lembut, ia pada masa yang sama menyatakan
kesedihan, dan kedamaian, dan kedamaian batin. Di sini, ibu dan anak seolah-olah membentuk dunia mereka sendiri yang unik, membentuk satu keseluruhan yang harmoni. Pemikiran melalui gambar boleh dinyatakan dalam perkataan berikut: dua makhluk hidup, ibu dan anak, mengandungi asas dan makna kehidupan.

Imej Madonna dengan seorang kanak-kanak dalam pelukannya adalah monumental. Kemasan dan penghalusan memberikannya peralihan cahaya dan bayang yang istimewa dan lancar. Kelembutan dan kerapuhan susuk tubuh itu ditekankan oleh langsir jubah yang dilemparkan ke atas bahu wanita itu. Lukisan tingkap yang digambarkan dalam keseimbangan latar belakang dan melengkapkan komposisi, menekankan pemisahan dua orang rapat dari seluruh dunia.

Kanvas "Madonna with a Flower" ("Madonna Benois"), kira-kira 1478, telah dibeli daripada pemilik terakhir Rusia oleh Tsar Nicholas II pada tahun 1914 terutamanya untuk Hermitage. Pemilik awalnya masih tidak diketahui. Hanya ada legenda yang memberitahu bahawa seorang pelakon jelajah Itali membawa lukisan itu ke Rusia, selepas itu ia dibeli di Samara pada tahun 1824 oleh pedagang Sapozhnikov. Kemudian, kanvas itu diwarisi dari bapa kepada anak perempuan, M. A. Sapozhnikova (oleh suaminya - Benois), dari mana maharaja membelinya. Sejak itu, lukisan itu mempunyai dua nama: "Madonna with a Flower" (pengarang) dan "Madonna Benois" (selepas nama pemilik terakhir).

Gambar itu, yang menunjukkan Ibu Tuhan bersama bayi itu, mencerminkan perasaan duniawi yang biasa seorang ibu bermain dengan anaknya. Seluruh adegan dibina secara kontras: seorang ibu yang ketawa dan seorang kanak-kanak yang serius mengkaji bunga. Artis, yang memberi tumpuan kepada penentangan khusus ini, menunjukkan keinginan seseorang untuk pengetahuan, langkah pertamanya di jalan menuju kebenaran. Inilah yang berbohong idea utama kanvas.

Permainan cahaya dan bayang-bayang menetapkan nada yang istimewa dan intim untuk keseluruhan komposisi. Ibu dan bayi berada dalam dunia mereka sendiri, terputus dari kesombongan duniawi. Walaupun terdapat beberapa sudut dan ketegaran pada langsir yang digambarkan, berus Leonardo da Vinci agak mudah dikenali dengan peralihan halus dan lembut bagi rona warna yang digunakan dan gabungan cahaya dan naungan. Kanvas dicat dengan warna lembut, tenang, dikekalkan dalam sistem warna tunggal, dan ini memberikan gambar watak lembut dan membangkitkan perasaan harmoni dan ketenangan kosmik yang tidak wajar.

Leonardo da Vinci adalah ahli potret yang diiktiraf. Antara lukisannya yang paling terkenal ialah "Lady with an Ermine" (sekitar 1483-1484) dan "Portrait of a Musician".

Pengkritik seni dan ahli sejarah mencadangkan bahawa kanvas "Lady with an Ermine" menggambarkan Cecilia Gallerani, yang merupakan kegemaran Duke of Milan Ludovic Moreau sebelum perkahwinannya. Maklumat telah disimpan bahawa Cecilia adalah seorang wanita yang sangat berpendidikan, yang jarang berlaku pada masa itu. Di samping itu, ahli sejarah dan ahli biografi artis terkenal itu juga percaya bahawa dia berkenalan rapat dengan Leonardo da Vinci, yang pernah memutuskan untuk melukis potretnya.

Kanvas ini telah diturunkan kepada kami hanya dalam versi yang ditulis semula, dan oleh itu para saintis telah lama meragui kepengarangan Leonardo. Walau bagaimanapun, bahagian lukisan yang dipelihara dengan baik yang menggambarkan seekor cerpelai dan wajah seorang wanita muda membolehkan kita bercakap dengan yakin tentang gaya tuan besar da Vinci. Ia juga menarik bahawa latar belakang gelap yang padat, serta beberapa butiran gaya rambut, adalah lukisan tambahan yang dibuat kemudian.

"Lady with an Ermine" ialah salah satu kanvas psikologi paling terang dalam galeri potret artis. Seluruh sosok gadis itu menyatakan dinamisme, berusaha ke hadapan, membuktikan watak manusia yang luar biasa kuat dan kuat. Ciri muka yang betul hanya menekankan perkara ini.

Potret itu benar-benar kompleks dan pelbagai rupa, keharmonian dan kesempurnaan imej dicapai dengan menggabungkan beberapa elemen: ekspresi muka, pusingan kepala, kedudukan tangan. Mata seorang wanita mencerminkan minda, tenaga, wawasan yang luar biasa. Bibir termampat ketat, hidung lurus, dagu tajam - semuanya menekankan kehendak, keazaman, kemerdekaan. Pusingan kepala yang anggun, leher terbuka, tangan dengan jari-jari panjang membelai haiwan yang anggun menekankan kerapuhan dan keharmonian keseluruhan sosok itu. Tidak semena-mena wanita itu memegang cerpelai di tangannya. Bulu putih haiwan itu, serupa dengan salji pertama, melambangkan di sini kesucian rohani seorang wanita muda.

Potret itu sangat dinamik. Tuannya berjaya menangkap dengan tepat saat apabila satu pergerakan harus lancar beralih ke yang lain. Itulah sebabnya nampaknya gadis itu akan hidup, pusingkan kepalanya dan tangannya akan meluncur ke atas bulu lembut haiwan itu ...

Ekspresi luar biasa komposisi diberikan oleh kejelasan garis yang membentuk angka, serta penguasaan dan penggunaan teknik peralihan cahaya ke dalam bayang-bayang, dengan bantuan bentuk yang dibuat pada kanvas.

"Potret Seorang Pemuzik" adalah satu-satunya potret lelaki di antara karya agung Leonardo da Vinci. Ramai penyelidik mengenal pasti model itu dengan pemangku Katedral Milan, Francino Gaffurio. Walau bagaimanapun, sebilangan saintis menyangkal pendapat ini, mengatakan bahawa bukan seorang bupati yang digambarkan di sini, tetapi seorang lelaki muda biasa, seorang pemuzik. Walaupun terdapat beberapa ciri perincian teknik penulisan da Vinci, ahli sejarah seni masih meragui kepengarangan Leonardo. Mungkin, keraguan ini berkaitan dengan penggunaan pada kanvas unsur-unsur ciri tradisi seni Pelukis potret Lombard.

Teknik potret itu dalam banyak cara mengingatkan karya Antonello da Messina. Dengan latar belakang rambut kerinting yang subur, garis wajah yang jelas dan ketat menonjol agak ketara. Muncul di hadapan penonton lelaki pandai dengan watak yang kuat, walaupun pada masa yang sama seseorang dapat menangkap sesuatu yang tidak wajar, rohani di matanya. Mungkin pada saat inilah melodi ilahi yang baru lahir dalam jiwa pemuzik, yang selepas beberapa lama akan memenangi hati ramai orang.

Walau bagaimanapun, seseorang tidak boleh mengatakan bahawa artis itu cuba untuk meninggikan seseorang secara buatan. Guru secara halus dan mahir menyampaikan semua kekayaan dan keluasan jiwa manusia, tanpa menggunakan hiperbola dan kesedihan.

Salah satu yang paling lukisan terkenal da Vinci ialah "Madonna of the Rocks" yang terkenal (1483-1493). Ia dibuat oleh Leonardo atas perintah sami-sami gereja San Francesco Grande di Milan. Komposisi itu bertujuan untuk menghiasi mezbah di Kapel Immacolata.

Terdapat dua versi lukisan itu, satu daripadanya disimpan di Louvre di Paris, dan satu lagi di Galeri Nasional di London.

Ia adalah Louvre "Madonna in the Rocks" yang menghiasi mezbah gereja. Para saintis mencadangkan bahawa artis itu sendiri memberikannya kepada raja Perancis Louis XII. Dia melakukan ini, menurut ahli sejarah, sebagai tanda terima kasih atas penyertaan raja dalam menyelesaikan konflik yang timbul antara pelanggan lukisan dan artis persembahan.

Versi sumbangan telah digantikan dengan lukisan lain, yang kini berada di Galeri Nasional London. Pada tahun 1785, seorang Hamilton membelinya dan membawanya ke England.

Ciri tersendiri "Madonna in the Rocks" ialah gabungan figura manusia dengan landskap. Ini adalah gambar pertama artis hebat, di mana imej orang-orang kudus terjalin secara harmoni dengan alam semula jadi yang diilhamkan oleh kehadiran mereka. Buat pertama kalinya dalam karya tuan, angka-angka digambarkan bukan dengan latar belakang mana-mana elemen struktur seni bina, tetapi seolah-olah ia tertutup dalam landskap berbatu yang keras. Perasaan ini juga tercipta dalam gubahan kerana permainan khas cahaya dan bayang-bayang yang jatuh.

Imej Madonna dibentangkan di sini sebagai luar biasa rohani dan tidak wajar. Cahaya lembut jatuh pada wajah malaikat. Artis membuat banyak lakaran dan lakaran sebelum wataknya dihidupkan dan imej mereka menjadi terang dan ekspresif. Salah satu lakaran menggambarkan kepala malaikat. Kami tidak tahu sama ada ia perempuan atau lelaki. Tetapi satu perkara boleh dikatakan dengan pasti: ini adalah makhluk yang tidak wajar, penuh dengan kelembutan, kebaikan, kesucian. Keseluruhan gambar disemai dengan rasa tenang, damai dan tenang.

Versi yang dilukis oleh tuan kemudiannya berbeza dari yang pertama dalam beberapa butiran: lingkaran cahaya muncul di atas kepala orang-orang kudus, Yohanes Pembaptis kecil memegang salib, kedudukan malaikat berubah. Dan teknik pelaksanaan itu sendiri menjadi salah satu sebab untuk mengaitkan kepengarangan lukisan itu kepada pelajar Leonardo. Di sini semua angka dibentangkan lebih dekat, pada skala yang lebih besar, dan selain itu, garisan yang membentuknya ternyata lebih ketara, lebih berat, lebih tajam. Kesan ini dicipta dengan menebalkan bayang-bayang dan menyerlahkan tempat tertentu dalam gubahan.

Versi kedua gambar, menurut ahli sejarah seni, adalah lebih biasa dan biasa. Mungkin sebab ini adalah fakta bahawa gambar itu telah disiapkan oleh pelajar Leonardo. Walau bagaimanapun, ini tidak menjejaskan nilai kanvas. Hasrat artis jelas kelihatan di dalamnya, tradisi tuan dalam mencipta dan meluahkan imej dikesan dengan baik.

Tidak kurang menarik ialah kisah lukisan terkenal Leonardo da Vinci The Annunciation (1470-an). Penciptaan lukisan itu tergolong dalam tempoh awal dalam karya artis, hingga masa pengajiannya dan bekerja di studio Andrea Verrocchio.

Sebilangan elemen teknik penulisan memungkinkan untuk menyatakan dengan yakin bahawa pengarang karya terkenal itu ialah Leonardo da Vinci dan mengecualikan penyertaan Verrocchio atau pelajarnya yang lain dalam penulisannya. Walau bagaimanapun, beberapa butiran dalam komposisi adalah ciri tradisi seni sekolah Verrocchio. Ini menunjukkan bahawa pelukis muda itu, walaupun keaslian dan bakat yang sudah terserlah ketika itu, masih sedikit sebanyak dipengaruhi oleh gurunya.

Komposisi gambar agak mudah: landskap, vila luar bandar, dua tokoh - Mary dan malaikat. Pada latar belakang
kita lihat kapal, beberapa bangunan, pelabuhan. Kehadiran butiran sedemikian bukan sepenuhnya ciri kerja Leonardo, dan mereka bukanlah yang utama di sini. Bagi artis, adalah lebih penting untuk menunjukkan gunung yang tersembunyi dalam jerebu berkabus, yang jauh, dan langit yang terang, hampir telus. Imej rohani seorang wanita muda yang menunggu berita baik dan seorang malaikat adalah luar biasa cantik dan lembut. Garis-garis bentuk mereka direka dengan cara da Vinci, yang memungkinkan pada satu masa untuk menentukan kanvas sebagai karya agung milik berus Leonardo awal.

Ciri-ciri tradisi tuan terkenal juga merupakan teknik pelaksanaan butiran kecil: bangku yang digilap, parapet batu, rak buku, dihiasi dengan dahan-dahan tumbuhan yang berpusing yang rumit. Prototaip yang terakhir, dengan cara itu, adalah sarkofagus makam Giovanni dan Piero de Medici, yang dipasang di gereja San Lorenzo. Unsur-unsur ini, yang wujud dalam mazhab Verrocchio dan ciri-ciri karya yang terakhir, agak difikirkan semula oleh da Vinci. Mereka hidup, besar, harmoni ditenun ke dalam komposisi keseluruhan. Nampaknya pengarang menetapkan matlamatnya sendiri, mengambil himpunan gurunya sebagai asas, untuk mendedahkan dunia bakatnya, menggunakan teknik dan cara ekspresi artistiknya sendiri.

Pada masa ini, satu versi lukisan itu berada di Galeri Uffizi di Florence. Versi kedua komposisi disimpan di Louvre di Paris.

Lukisan Louvre agak lebih kompleks daripada versi sebelumnya. Di sini anda dapat melihat dengan jelas garisan geometri yang betul pada dinding tembok batu, coraknya diulangi oleh bangku yang terletak di belakang sosok Maryam. Imej-imej yang diketengahkan diletakkan dalam gubahan dengan sewajarnya dan logik. Pakaian Maria dan malaikat, berbanding dengan versi pertama, dilukis dengan lebih ekspresif dan konsisten. Maria, dengan kepala tunduk rendah, berpakaian gaun biru tua dengan jubah biru langit yang tersarung di bahunya, kelihatan seperti makhluk yang tidak wajar. Warna gelap pakaian menyerlahkan lebih cerah dan menyerlahkan keputihan wajahnya. Tidak kurang ekspresif adalah imej malaikat yang membawa berita baik kepada Madonna. Baldu kekuningan, jubah merah yang kaya dengan langsir turun dengan lancar melengkapkan imej hebat malaikat yang baik hati.

Kepentingan khusus dalam komposisi lewat adalah landskap yang dilukis secara halus oleh tuan: tanpa sebarang konvensyen, pokok-pokok yang hampir benar-benar kelihatan tumbuh di kejauhan, langit biru muda, telus, gunung tersembunyi oleh kabus cahaya, bunga segar di bawah kaki bidadari.

Lukisan "Saint Jerome" merujuk kepada tempoh kerja oleh Leonardo da Vinci di bengkel Andrea Verrocchio (tempoh Florentine yang dipanggil karya artis). Lukisan itu masih belum selesai. Tema utama gubahan ialah wira yang kesepian, pendosa yang bertaubat. Badannya kering kerana kelaparan. Walau bagaimanapun, pandangannya, penuh keazaman dan kemahuan, adalah ungkapan yang jelas tentang stamina dan kekuatan rohani seseorang. Dalam tiada imej yang dicipta oleh Leonardo, kita akan mendapati dualiti, kekaburan penglihatan.

Watak-watak dalam lukisannya sentiasa menyatakan tahap tertinggi keghairahan dan perasaan mendalam yang sangat pasti.

Kepala pertapa yang dilukis dengan mahir juga membuktikan kepengarangan Leonardo. Bukan giliran biasa yang bercakap tentang penguasaan teknik lukisan yang sangat baik dan pengetahuan tuan tentang selok-belok anatomi tubuh manusia. Walaupun perlu membuat tempahan kecil: dalam banyak cara, artis mengikuti tradisi Andrea del Castagno dan Domenico Veneziano, yang, seterusnya, berasal dari Antonio Pollaiolo.

Sosok Jerome adalah luar biasa ekspresif. Nampaknya bertapa yang melutut semuanya dihalakan ke hadapan. Di sebelah kanan
dia memegang batu di tangannya, sekejap lagi - dan dia akan memukul dirinya di dada dengannya, menyesah tubuhnya dan mengutuk jiwanya kerana dosa yang dilakukan ...

Gubahan lukisan itu juga menarik. Semuanya ternyata, seolah-olah, dikelilingi dalam lingkaran, yang bermula dengan batu, diteruskan dengan sosok singa, terletak di kaki orang yang bertaubat, dan berakhir dengan sosok seorang pertapa.

Mungkin yang paling popular daripada semua karya seni halus dunia ialah Gioconda. Fakta menarik ialah, setelah menyelesaikan kerja pada potret itu, artis itu tidak berpisah dengannya sehingga kematiannya. Kemudian, lukisan itu datang kepada raja Perancis Francis I, yang meletakkannya di Louvre.

Semua sarjana seni bersetuju bahawa gambar itu dilukis pada tahun 1503. Walau bagaimanapun, masih terdapat pertikaian mengenai prototaip gadis muda yang digambarkan dalam potret itu. Ia diterima umum (tradisi berasal dari ahli biografi terkenal Giorgio Vasari) bahawa potret itu menggambarkan isteri warga Florentine Francesco di Giocondo, Mona Lisa.

Melihat gambar itu, kita boleh mengatakan dengan yakin bahawa artis telah mencapai kesempurnaan dalam mencipta imej manusia. Di sini tuannya bertolak dari cara yang diterima dan meluas sebelum melakukan potret. Gioconda ditulis pada latar belakang yang terang dan, lebih-lebih lagi, dipusing tiga perempat pusingan, pandangannya diarahkan terus kepada penonton - ini adalah baru dalam seni potret pada masa itu. Terima kasih kepada landskap terbuka di belakang gadis itu, sosok yang terakhir ternyata, seolah-olah, sebahagian daripada landskap, secara harmoni bergabung dengannya. Ini dicapai kerana teknik artistik dan visual khas yang dicipta oleh Leonardo dan digunakan olehnya dalam karyanya - sfumato. Intipatinya terletak pada fakta bahawa garis kontur tidak digariskan dengan jelas, ia kabur, dan ini mewujudkan dalam komposisi perasaan penggabungan, interpenetrasi bahagian individunya.

Dalam potret, teknik ini (penyatuan figura manusia dan landskap semula jadi berskala besar) menjadi cara untuk menyatakan idea falsafah: dunia manusia adalah sama besar, berskala besar dan pelbagai seperti alam semula jadi di sekeliling kita. Tetapi, sebaliknya, tema utama gubahan juga boleh diwakili sebagai ketidakmungkinan pengetahuan lengkap tentang alam semula jadi oleh minda manusia. Dengan pemikiran inilah ramai ahli sejarah seni mengaitkan senyuman ironis yang beku di bibir Mona Lisa. Dia seolah-olah berkata: "Semua usaha seseorang untuk mengetahui dunia adalah sia-sia dan sia-sia."

Potret Mona Lisa, menurut ahli sejarah seni, adalah salah satu pencapaian tertinggi Leonardo da Vinci. Di dalamnya, artis benar-benar dapat menjelmakan dan menyatakan sepenuhnya idea keharmonian dan keluasan dunia, idea keutamaan sebab dan seni.

Michelangelo Buonarroti

Michelangelo Buonarroti, seorang pelukis, pengukir, arkitek dan penyair Itali, dilahirkan di bandar Caprese berhampiran Florence pada 6 Mac 1475. Bapa Michelangelo, Lodovico Buonarroti, adalah datuk bandar bandar Caprese. Dia bermimpi bahawa anaknya akan segera menggantikannya di pejabat. Walau bagaimanapun, bertentangan dengan kehendak bapanya, Michelangelo memutuskan untuk menumpukan hidupnya untuk melukis.

Pada tahun 1488, Michelangelo pergi ke Florence dan memasuki sekolah seni di sana, yang kemudiannya dipimpin oleh sarjana seni halus terkenal Domenico Ghirlandaio. Setahun kemudian, pada tahun 1489, artis muda itu sudah bekerja di bengkel yang diasaskan oleh Lorenzo Medici. Di sini lelaki muda itu belajar melukis daripada seorang lagi artis dan pengukir terkenal pada zamannya, Bertoldo di Giovanni, yang merupakan pelajar Donatello. Dalam bengkel ini, Michelangelo bekerja dengan Angelo Poliziano dan Pico della Mirandola, yang sangat mempengaruhi pembentukan kaedah artistik pelukis muda. Bagaimanapun, karya Michelangelo ternyata tidak ditutup di ruang bulatan Lorenzo Medici. Bakatnya sentiasa berkembang. Perhatian artis itu semakin tertarik kepada besar imej heroik karya Giotto dan Masaccio yang hebat.

Pada separuh pertama tahun 90-an. Pada abad ke-15, arca pertama yang dibuat oleh Michelangelo muncul: "Madonna at the Stairs" dan "Battle of the Centaurs".

Dalam "Madonna" seseorang dapat melihat pengaruh cara perwakilan artistik yang diterima umum dalam seni pada masa itu. Dalam karya Michelangelo terdapat perincian yang sama tentang angka plastik. Walau bagaimanapun, sudah di sini seseorang dapat melihat teknik individu semata-mata pemahat muda, yang menunjukkan dirinya dalam penciptaan imej yang tinggi dan heroik.

Dalam relief "Battle of the Centaurs" tidak ada kesan pengaruh luar. Karya ini adalah karya bebas pertama seorang tuan berbakat, menunjukkan gaya individunya. Pada kelegaan di hadapan penonton dalam kepenuhan kandungan terdapat gambaran mitologi pertempuran Lapiths dengan centaur. Adegan ini dibezakan oleh drama dan realisme yang luar biasa, yang dinyatakan oleh keplastikan yang disampaikan dengan tepat dari angka yang digambarkan. Arca ini boleh dianggap sebagai lagu pujian kepada wira, kekuatan dan kecantikan manusia. Di sebalik semua drama plot, komposisi keseluruhan mengandungi keharmonian dalaman yang mendalam.

Sarjana seni menganggap "Battle of the Centaurs" sebagai titik permulaan karya Michelangelo. Mereka mengatakan bahawa genius artis berasal tepat dalam karya ini. Kelegaan, merujuk kepada karya awal tuan, adalah sejenis cerminan kekayaan cara artistik Michelangelo.

Dari 1495 hingga 1496 Michelangelo Buonarroti berada di Bologna. Di sini dia berkenalan dengan kanvas Jacopo della Quercia, yang menarik perhatian artis muda dengan monumentaliti imej yang dicipta.

Pada tahun 1496, tuannya menetap di Rom, di mana dia mempelajari keplastikan dan cara pelaksanaan yang baru ditemui. arca antik, antaranya ialah "Laocoön" dan "Belvedere Torso". Cara artistik pengukir Yunani kuno dicerminkan oleh Michelangelo di Bacchus.

Dari 1498 hingga 1501, artis itu bekerja pada penciptaan kumpulan marmar, yang dipanggil "Pieta" dan membawa kemasyhuran kepada Michelangelo sebagai salah seorang tuan pertama Itali. Seluruh adegan, mewakili seorang ibu muda menangisi mayat anak lelakinya yang dibunuh, diresapi dengan perasaan dermawan dan kelembutan yang luar biasa. Bukan kebetulan bahawa artis memilih seorang gadis muda sebagai model - imej yang melambangkan kesucian rohani.

Karya seorang tuan muda ini, menunjukkan wira yang ideal, berbeza dengan ketara daripada arca yang dicipta pada abad ke-15. Imej Michelangelo lebih mendalam dan lebih psikologi. Perasaan pilu dan pilu diluahkan secara halus melalui riak wajah ibu yang istimewa, kedudukan tangan, badan, lekuk tubuh yang ditekankan oleh kain kain yang lembut. Imej yang terakhir, dengan cara itu, boleh dianggap sebagai langkah mundur dalam kerja tuan: perincian terperinci unsur-unsur komposisi (dalam kes ini, lipatan pakaian dan tudung) adalah ciri ciri seni Pra-Renaissance. Komposisi keseluruhan adalah luar biasa ekspresif dan menyedihkan, yang merupakan ciri tersendiri karya pengukir muda.

Pada tahun 1501, Michelangelo, yang sudah menjadi ahli arca yang terkenal di Itali, sekali lagi pergi ke Florence. Di sinilah marmarnya "David". Tidak seperti pendahulunya (Donatello dan Verrocchio), Michelangelo menggambarkan wira muda yang hanya bersedia untuk pertempuran. Patung besar (ketinggiannya 5.5 m) menyatakan kehendak seseorang yang luar biasa kuat, kekuatan fizikal dan kecantikan tubuhnya. Imej seseorang dalam fikiran Michelangelo adalah serupa dengan tokoh raksasa gergasi mitologi. David muncul di sini sebagai penjelmaan idea orang yang sempurna, kuat dan bebas, bersedia untuk mengatasi sebarang halangan di jalannya. Semua keghairahan yang berkobar-kobar dalam jiwa pahlawan itu disampaikan melalui perubahan badan dan ekspresi wajah David, yang bercakap tentang wataknya yang tegas dan berkemauan keras.

Bukan kebetulan bahawa patung Daud menghiasi pintu masuk ke Palazzo Vecchio (bangunan kerajaan kota Florence) sebagai simbol kuasa, kekuatan luar biasa dan kemerdekaan negara kota itu. Keseluruhan komposisi menyatakan keharmonian jiwa manusia yang kuat dan badan yang sama kuat.

Pada tahun 1501, bersama dengan patung David, karya pertama lukisan monumental ("Battle of Kashin") dan easel ("Madonna Doni", format bulat) muncul. Yang terakhir kini disimpan di Galeri Uffizi di Florence.

Pada 1505 Michelangelo kembali ke Rom. Di sini dia sedang mengusahakan penciptaan makam Pope Julius II. Menurut rancangan itu, makam itu sepatutnya merupakan struktur seni bina yang megah, di sekelilingnya terdapat 40 patung yang diukir daripada relief marmar dan gangsa. Walau bagaimanapun, selepas beberapa lama, Pope Julius II menolak perintahnya, dan rancangan hebat Michelangelo tidak ditakdirkan untuk menjadi kenyataan. Sumber memberi keterangan bahawa pelanggan melayan tuannya dengan agak kasar, akibatnya dia, tersinggung hingga ke inti, memutuskan untuk meninggalkan ibu kota dan kembali sekali lagi ke Florence.

Walau bagaimanapun, pihak berkuasa Florentine memujuk pengukir terkenal itu untuk berdamai dengan Pope. Tidak lama kemudian dia beralih kepada Michelangelo dengan cadangan baru - untuk menghiasi siling Kapel Sistine. Tuan, yang menganggap dirinya sebagai seorang pemahat, menerima pesanan itu dengan berat hati. Walaupun begitu, dia mencipta kanvas yang masih merupakan karya seni dunia yang diiktiraf dan meninggalkan ingatan pelukis untuk beberapa generasi.

Perlu diingatkan bahawa Michelangelo bekerja untuk mengecat siling, kawasan yang lebih daripada 600 meter persegi. m, sepenuhnya bersendirian, tanpa pembantu. Walau bagaimanapun, empat tahun kemudian lukisan itu siap sepenuhnya.

Seluruh permukaan siling untuk mengecat dibahagikan kepada beberapa bahagian. Tempat pusat diduduki oleh sembilan adegan yang menggambarkan penciptaan dunia, serta kehidupan orang pertama. Di sudut-sudut setiap adegan seperti itu terdapat figura pemuda berbogel. Di kiri dan kanan gubahan ini terdapat lukisan dinding dengan imej tujuh nabi dan lima peramal. Siling, bilik kebal melengkung dan pelucutan dihiasi dengan pemandangan alkitabiah individu. Perlu diingatkan bahawa angka-angka Michelangelo di sini mempunyai skala yang berbeza. Teknik istimewa ini membolehkan pengarang menumpukan perhatian penonton pada episod dan imej yang paling penting.

Sehingga kini, ahli sejarah seni hairan dengan masalah tersebut konsep ideologi lukisan dinding. Hakikatnya ialah semua plot yang membentuknya ditulis dengan melanggar urutan logik perkembangan plot alkitabiah. Jadi, sebagai contoh, lukisan "The Drunkenness of Noah" mendahului komposisi "Separation of Light from Darkness", walaupun ia sepatutnya sebaliknya. Walau bagaimanapun, taburan plot sedemikian sama sekali tidak menjejaskan kemahiran artistik pelukis. Nampaknya, masih lebih penting bagi artis untuk tidak mendedahkan kandungan naratif, tetapi sekali lagi (seperti dalam patung Daud) untuk menunjukkan keharmonian jiwa yang indah dan mulia seseorang dan tubuhnya yang kuat dan kuat.
Ini disahkan oleh imej penatua seperti titan Sabaoth (lukisan dinding "Penciptaan Matahari dan Bulan"), yang mencipta peneraju.

Dalam hampir semua lukisan dinding yang menceritakan tentang penciptaan dunia, seorang lelaki raksasa muncul di hadapan penonton, di mana, atas permintaan pencipta, kehidupan, keazaman, kekuatan dan akan bangun. Idea kemerdekaan berjalan melalui lukisan "The Fall", di mana Hawa, mencapai buah terlarang, seolah-olah mencabar nasib, menyatakan keinginan yang tegas untuk kebebasan. Imej-imej lukisan dinding "The Flood" penuh dengan ketidakfleksibelan dan kehausan hidup yang sama, wira yang percaya pada kesinambungan kehidupan dan kebaikan.

Imej-imej sibyls dan nabi diwakili oleh tokoh-tokoh manusia, menggambarkan perasaan yang kuat dan keperibadian watak yang cerah. Yoel yang bijak berada di sini bertentangan dengan Yehezkiel yang putus asa. Penonton kagum dengan imej Yesaya yang dirohanikan dan yang cantik, ditunjukkan pada saat ramalan, Delphic Sibyl dengan mata yang besar dan jelas.

Di atas, kesedihan dan monumentaliti imej yang dicipta oleh Michelangelo telah diperhatikan lebih daripada sekali. Fakta yang menarik ialah walaupun apa yang dipanggil. tokoh bantu ternyata dikurniakan oleh tuan dengan ciri yang sama seperti watak utama. Imej lelaki muda, yang terletak di sudut lukisan individu, adalah penjelmaan kegembiraan hidup yang dialami oleh seseorang dan kesedaran kekuatan rohani dan jasmaninya sendiri.

Ahli sejarah seni menganggap lukisan Kapel Sistine sebagai karya yang melengkapkan tempoh perkembangan kreatif Michelangelo. Di sini tuan membahagikan siling dengan jayanya sehingga, walaupun terdapat pelbagai subjek, lukisan dinding secara keseluruhannya memberikan gambaran keharmonian dan perpaduan imej yang dicipta oleh artis.

Sepanjang masa kerja Michelangelo pada lukisan dinding, kaedah artistik tuan secara beransur-ansur berubah. Watak kemudiannya dipersembahkan lebih besar - ini sangat meningkatkan monumentaliti mereka. Di samping itu, skala imej sedemikian telah membawa kepada fakta bahawa keplastikan angka telah menjadi lebih rumit. Walau bagaimanapun, ini tidak menjejaskan ekspresi imej. Mungkin di sini, lebih daripada di tempat lain, bakat pengukir terserlah, yang berjaya menyampaikan secara halus setiap baris pergerakan figura manusia. Seseorang mendapat gambaran bahawa lukisan itu tidak dicat dengan cat, tetapi direka bentuk pelepasan tiga dimensi dengan mahir.

Sifat lukisan dinding di bahagian siling yang berlainan adalah berbeza. Sekiranya bahagian tengah menyatakan perasaan yang paling optimistik, maka di dalam peti besi melengkung terdapat imej yang menggambarkan semua nuansa perasaan suram: kedamaian, kesedihan dan kebimbangan digantikan di sini oleh kekeliruan dan kebas.

Tafsiran imej nenek moyang Kristus yang disampaikan oleh Michelangelo juga menarik. Sebahagian daripada mereka menyatakan perasaan perpaduan sesama kaum. Yang lain, sebaliknya, penuh dengan niat jahat dan kebencian antara satu sama lain, yang tidak tipikal untuk pahlawan alkitabiah yang dipanggil untuk membawa cahaya dan kebaikan ke dalam dunia. Ahli sejarah seni menganggap lukisan kapel kemudiannya sebagai manifestasi kaedah artistik baru, permulaan tempoh baru secara kualitatif dalam karya pelukis tuan terkenal.

Dalam 20-an. Pada abad ke-16, karya Michelangelo muncul, yang bertujuan untuk menghiasi makam Pope Julius II. Perintah untuk pembinaan yang terakhir diterima oleh seorang pengukir terkenal dari pewaris Paus. Dalam versi ini, makam itu sepatutnya mempunyai saiz yang lebih kecil dengan bilangan patung yang minimum. Tidak lama kemudian tuan itu menyelesaikan kerja pada pelaksanaan tiga arca: patung dua hamba dan Musa.

Michelangelo bekerja pada imej tawanan dari 1513. Tema utama kerja ini menjadi seorang lelaki yang bergelut dengan kuasa yang memusuhinya. Di sini, tokoh monumental pahlawan yang menang digantikan dengan watak yang mati dalam perjuangan yang tidak seimbang menentang kejahatan. Lebih-lebih lagi, imej-imej ini ternyata menjadi subordinat bukan kepada satu matlamat dan tugas artis, tetapi mewakili jalinan emosi dan perasaan.

Fleksibiliti imej dinyatakan dengan bantuan sejenis kaedah artistik dan visual yang digunakan oleh tuan. Jika sehingga masa itu Michelangelo berusaha untuk menunjukkan figura atau kumpulan arca dari satu sisi, kini imej yang dicipta oleh artis menjadi plastik, berubah. Bergantung pada sisi patung yang dilihat, ia mengambil garis besar tertentu, sementara masalah ini atau itu dipertajam.

Ilustrasi di atas boleh berfungsi sebagai "Bound Prisoner". Jadi, jika penonton berjalan mengelilingi arca mengikut arah jam, dia akan dengan mudah melihat perkara berikut: pertama, sosok tawanan yang terikat dengan kepalanya dibuang ke belakang dan badan yang tidak berdaya menyatakan penderitaan yang tidak berperikemanusiaan dari kesedaran mati pucuknya sendiri, kelemahan jiwa dan raga manusia. Walau bagaimanapun, apabila anda bergerak lebih jauh di sekeliling arca, imej berubah dengan ketara. Bekas kelemahan banduan hilang, otot-ototnya penuh dengan kekuatan, kepalanya dengan bangganya naik. Dan sekarang sebelum penonton bukan lagi syahid yang letih, tetapi sosok pahlawan titan yang kuat, yang, oleh beberapa kemalangan yang tidak masuk akal, ternyata terbelenggu. Nampaknya sekejap lagi - dan belenggu akan dipecahkan. Walau bagaimanapun, ini tidak berlaku. Bergerak, penonton melihat bagaimana tubuh manusia lemah semula, kepalanya tenggelam ke bawah. Dan di sini sekali lagi kita mempunyai seorang banduan yang sengsara, pasrah dengan nasibnya.

Kebolehubahan yang sama boleh dikesan dalam patung "The Dying Prisoner". Semasa anda maju, penonton melihat bagaimana tubuh, berdegup dalam kesakitan, beransur-ansur tenang dan menjadi kebas, membangkitkan pemikiran kedamaian dan ketenangan abadi.

Arca tawanan adalah ekspresif yang luar biasa, yang dicipta kerana pemindahan realistik keplastikan pergerakan angka. Mereka hidup di hadapan mata penonton. Dari segi kuasa pelaksanaan, patung-patung tawanan hanya boleh dibandingkan dengan arca terawal tuan - "Battle of the Centaurs".

Patung Musa, tidak seperti Tawanan, agak lebih terkawal dalam watak, tetapi tidak kurang ekspresif. Di sini Michelangelo sekali lagi merujuk kepada penciptaan imej wira manusia raksasa. Sosok Musa adalah penjelmaan seorang pemimpin, seorang pemimpin, seorang lelaki yang mempunyai kehendak yang luar biasa kuat. Hakikatnya paling terserlah sepenuhnya dibandingkan dengan Daud. Jika yang terakhir melambangkan keyakinan pada kekuatan dan kebal seseorang, maka Musa di sini adalah personifikasi idea bahawa kemenangan memerlukan usaha yang besar. Ketegangan rohani wira ini disampaikan oleh tuan bukan sahaja melalui ekspresi yang menggerunkan di wajahnya, tetapi juga dengan bantuan keplastikan sosok itu: garis-garis pembiasan tajam pada lipatan pakaian, helaian janggut Musa terbalik. .

Sejak 1519, Michelangelo telah mengusahakan penciptaan empat lagi patung tawanan. Walau bagaimanapun, mereka masih belum selesai. Selepas itu, mereka menghiasi gua di Taman Boboli, yang terletak di Florence. Pada masa ini, patung-patung itu disimpan di Akademi Florentine. Dalam karya ini, tema baharu untuk Michelangelo muncul: hubungan antara patung arca dan bongkah batu yang diambil sebagai bahan sumber. Pemahat mengemukakan di sini idea tujuan utama artis: untuk membebaskan imej dari belenggu batu. Disebabkan fakta bahawa arca ternyata belum selesai dan kepingan batu mentah kelihatan jelas di bahagian bawahnya, penonton dapat melihat keseluruhan proses mencipta imej. Di sini konflik artistik baru ditunjukkan: manusia dan dunia di sekelilingnya. Selain itu, konflik ini tidak diselesaikan memihak kepada orang tersebut. Segala perasaan dan nafsunya dipendam oleh persekitaran.

Lukisan Kapel Medici di Florence adalah karya yang menandakan berakhirnya Renaissance Tinggi dan pada masa yang sama peringkat baru dalam karya Michelangelo. Kerja itu dijalankan selama 15 tahun, dari 1520 hingga 1534. Untuk beberapa lama, artis itu terpaksa menangguhkan kerja berkaitan dengan peristiwa politik yang berlaku di Itali. Pada tahun 1527, sebagai tindak balas kepada kekalahan Rom, Florence mengisytiharkan dirinya sebagai sebuah republik.

Michelangelo, sebagai penyokong sistem negara republik, telah dipilih untuk jawatan ketua kerja-kerja kubu dan memberikan sumbangan besar kepada pertahanan kota. Apabila Florence jatuh dan Medici berkuasa semula, ancaman kematian yang serius menimpa artis terkenal itu, dan kini juga seorang ahli politik. Keselamatan datang secara tidak dijangka. Pope Clement VII Medici, sebagai seorang yang sombong dan sia-sia, menyatakan keinginan untuk meninggalkan ingatan dirinya dan saudara-maranya kepada anak cucu. Siapa lagi kalau bukan Michelangelo yang terkenal dengan seni penulisan gambar yang indah dan melakukan patung yang sangat baik, bolehkah melakukannya?

Jadi, kerja-kerja pembinaan Kapel Medici disambung semula. Yang terakhir adalah bangunan kecil dengan dinding tinggi, dimahkotai dengan kubah di bahagian atas. Terdapat dua makam di kapel: Dukes Giuliano of Nemours dan Lorenzo of Urbino, terletak di sepanjang dinding. Di dinding ketiga, bertentangan dengan mezbah, terdapat patung Madonna. Di kiri dan kanannya terdapat arca yang mewakili imej Saints Cosmas dan Damian. Ia ditubuhkan bahawa mereka dibuat oleh pelajar-pelajar tuan besar. Penyelidik mencadangkan bahawa ia adalah untuk makam Medici bahawa patung Apollo (nama lain ialah David) dan Crouching Boy juga dibuat.

Di sebelah arca duke, yang tidak mempunyai persamaan luaran dengan prototaip mereka, angka alegoris diletakkan: "Pagi", "Siang", "Petang" dan "Malam". Mereka dibentangkan di sini sebagai simbol kefanaan masa duniawi dan kehidupan manusia. Patung-patung yang terletak di ceruk sempit menimbulkan kesan kemurungan, kedatangan sesuatu yang dahsyat dan menggerunkan. Angka volumetrik duke, yang ternyata dihancurkan dari semua sisi oleh dinding batu, menyatakan kehancuran rohani dan kekosongan dalaman imej.

Yang paling harmoni dalam ensemble ini ialah imej Madonna. Luar biasa ekspresif dan penuh dengan lirik, ia tidak samar-samar dan tidak dibebani dengan garis suram.

Kapel Medici mempunyai minat khusus dari sudut pandangan perpaduan artistik bentuk seni bina dan arca. Garis-garis bangunan dan patung-patung adalah subordinat di sini kepada satu idea artis. Kapel adalah contoh paling jelas tentang sintesis dan keharmonian interaksi dua seni - arca dan seni bina, di mana bahagian-bahagian satu secara harmoni melengkapi dan mengembangkan makna unsur-unsur yang lain.

Dari 1534, Michelangelo meninggalkan Florence dan menetap di Rom, di mana dia kekal sehingga akhir hayatnya. Tempoh Rom karya tuan besar berlalu dalam keadaan perjuangan Kontra-Reformasi terhadap idea-idea yang dinyanyikan oleh para penulis, pelukis dan pengukir Renaissance. Kerja-kerja yang terakhir digantikan oleh seni Mannerists.

Di Rom, Michelangelo menjadi rapat dengan orang-orang yang membentuk bulatan agama dan falsafah, yang diketuai oleh penyair Itali terkenal pada masa itu, Vittoria Colonna. Walau bagaimanapun, seperti pada masa mudanya, pemikiran dan idea Michelangelo jauh daripada yang berlegar di kepala bulatan. Malah, tuan itu tinggal dan bekerja di Rom dalam persekitaran yang salah faham dan kesunyian rohani.

Pada masa ini (1535-1541) fresko Penghakiman Terakhir muncul, yang menghiasi dinding mezbah Kapel Sistine.

Kisah alkitabiah di sini difikirkan semula oleh pengarang. Gambaran Penghakiman Terakhir dilihat oleh penonton bukan sebagai permulaan yang positif, kemenangan keadilan tertinggi, tetapi sebagai tragedi universal kematian seluruh keluarga, seperti Apocalypse. Tokoh besar orang meningkatkan drama gubahan.

Sifat unsur gambar sepenuhnya sepadan dengan tugas artis - untuk menunjukkan seseorang yang hilang dalam jisim umum. Terima kasih kepada keputusan imej artistik ini, penonton mempunyai perasaan kesunyian di dunia ini dan tidak berdaya dalam menghadapi kekuatan musuh yang tidak ada gunanya berperang. Nota-nota tragis memperoleh bunyi yang lebih menusuk juga kerana tuannya tidak mempunyai di sini imej monolitik yang penting bagi sekumpulan orang (seperti yang akan dibentangkan pada kanvas artis Zaman Renaissance Akhir), masing-masing menjalani kehidupannya sendiri. Walau bagaimanapun, merit pelukis yang tidak diragui sudah boleh dianggap sebagai fakta bahawa dia menunjukkan jisim manusia, walaupun masih tidak koheren, tetapi tidak lagi bersifat peribadi.

Dalam Penghakiman Terakhir, Michelangelo mempersembahkan teknik warna yang luar biasa ekspresif. Kontras badan telanjang terang dan langit gelap, hitam dan biru meningkatkan kesan ketegangan dan kemurungan yang tragis dalam komposisi.

Michelangelo. Penghakiman yang Mengerikan. Fresco di Kapel Sistine di Vatican. Serpihan. 1535-1541

Dalam tempoh dari 1542 hingga 1550, Michelangelo sedang berusaha mengecat dinding Kapel Paolina di Vatican. Pelukis tuan yang hebat melukis dua lukisan dinding, salah satunya kemudian dipanggil "The Conversion of Paul", dan yang lain - "The Crucifixion of Peter". Dalam yang terakhir, dalam watak-watak yang menonton pelaksanaan Peter, idea persetujuan tersirat, tidak bertindak dan ketaatan seseorang terhadap nasibnya dibentangkan sepenuhnya. Orang ramai tidak mempunyai kekuatan fizikal mahupun mental untuk menentang keganasan dan kejahatan.

Pada akhir tahun 1530-an. terdapat satu lagi arca oleh Michelangelo - patung Brutus. Kerja ini berfungsi sebagai sejenis tindak balas daripada tuan terkenal kepada pembunuhan Duke Alessandro de Medici yang zalim, yang dilakukan oleh saudaranya Lorenzo. Terlepas dari motif sebenar, perbuatan yang terakhir itu disambut dengan gembira oleh artis - penyokong Republikan. Kesakitan awam dipenuhi dengan imej Brutus, yang diwakili oleh tuan yang mulia, bangga, bebas, seorang lelaki yang bijak dan hati yang hangat. Di sini Michelangelo nampaknya kembali kepada imej orang yang sempurna dengan kualiti rohani dan intelek yang tinggi.

Tahun-tahun terakhir karya Michelangelo berlalu dalam suasana kehilangan kawan dan saudara mara dan reaksi orang ramai yang lebih teruk. Inovasi para counter-reformis tidak boleh tidak menjejaskan karya tuan, di mana idea-idea Renaissance yang paling progresif ditunjukkan: humanisme, cinta kebebasan, pemberontakan terhadap nasib. Cukuplah untuk mengatakan bahawa dengan keputusan salah seorang pengagum reformasi balas, Paul IV Caraffa, perubahan dibuat pada komposisi Penghakiman Terakhir oleh pelukis terkenal. Paus menganggap sosok telanjang lucah yang digambarkan dalam lukisan dinding orang. Atas arahannya, pelajar Michelangelo, Daniele da Volterra, menyembunyikan kebogelan beberapa imej Michelangelo dengan tirai jubah.

Suasana kesunyian yang suram dan menyakitkan serta keruntuhan semua harapan telah disemai karya terbaru Michelangelo - satu siri lukisan dan arca. Karya-karya inilah yang paling jelas mencerminkan percanggahan dalaman tuan yang diiktiraf.

Oleh itu, Yesus Kristus dalam "Pieta" dari Palestrina dipersembahkan sebagai pahlawan, dipecahkan di bawah serangan kuasa luar. Imej yang sama dalam "Pieta" ("The Entombment") dari Katedral Florence sudah lebih biasa dan berperikemanusiaan. Ia bukan titan lagi. Ternyata adalah lebih penting bagi artis untuk menunjukkan kekuatan rohani, emosi dan pengalaman watak-watak di sini.

Kontur tubuh Kristus yang pecah, imej seorang ibu yang membongkok mayat anaknya, Nikodemus merendahkan mayat
Yesus ke dalam kubur - semuanya di bawah satu tugas: untuk menggambarkan kedalaman pengalaman manusia. Di samping itu, benar
Kelebihan karya-karya ini adalah tuan mengatasi perpecahan imej. Orang-orang dalam gambar disatukan oleh perasaan belas kasihan yang mendalam dan kepahitan kehilangan. Teknik Michelangelo ini dibangunkan pada peringkat seterusnya dalam pembentukan seni Itali, dalam karya artis dan pengukir Zaman Renaissance Akhir.

Puncak peringkat terakhir karya Michelangelo boleh dianggap sebagai arca, yang kemudiannya dipanggil Pieta Rondanini. Imej yang ditunjukkan di sini dipersembahkan sebagai penjelmaan kelembutan, kerohanian, kesedihan dan kesedihan yang mendalam. Di sini, lebih daripada sebelumnya, tema kesunyian manusia di dunia di mana terdapat begitu ramai orang kedengaran akut.

Motif yang sama bergema dalam karya grafik akhir guru besar, yang menganggap lukisan prinsip asas arca, lukisan dan seni bina.

Imej karya grafik Michelangelo tidak berbeza dengan wira gubahan monumentalnya: wira titan megah yang sama dibentangkan di sini. Dalam tempoh kreativiti terakhir, Michelangelo beralih kepada lukisan sebagai genre seni dan visual yang bebas. Jadi, pada usia 30-40an. Kemunculan komposisi tuan yang paling menarik dan ekspresif adalah milik abad ke-16, seperti: "The Fall of Phaeton" dan "The Resurrection of Christ".

Evolusi kaedah artistik sarjana mudah dikesan pada contoh karya grafik. Jika lukisan pertama yang dibuat dengan pen mengandungi imej angka yang agak spesifik dengan garis besar kontur yang agak tajam, maka imej kemudian menjadi lebih samar dan lembut. Keringanan ini dicipta kerana fakta bahawa artis menggunakan sama ada pensel sanguine atau Itali, dengan bantuan garis yang lebih nipis dan lebih halus dibuat.

Walau bagaimanapun, kerja lewat Michelangelo ditandakan bukan sahaja dengan cara yang tragis tanpa harapan. Struktur seni bina tuan besar, sejak zaman ini, nampaknya meneruskan tradisi Renaissance. Katedral St. Peter dan ensembel seni bina Capitol di Rom adalah penjelmaan idea Renaissance tentang humanisme tinggi.

Michelangelo Buonarroti meninggal dunia di Rom pada 18 Februari 1564. Tubuhnya, dalam keyakinan yang paling ketat, telah dibawa keluar dari ibu kota dan dihantar ke Florence. Artis hebat itu dikebumikan di gereja Santa Croce.

Kerja tuan lukisan dan patung memainkan peranan besar dalam pembentukan dan pembangunan kaedah artistik ramai pengikut Michelangelo. Antaranya ialah Raphael, para peragawati, yang sering menyalin garisan imej yang dicipta oleh pelukis terkenal itu. Seni Michelangelo tidak kurang pentingnya bagi wakil-wakil era Baroque. Walau bagaimanapun, untuk mengatakan bahawa imej barok (seseorang yang dibawa ke hadapan bukan oleh dorongan dalaman, tetapi oleh kuasa luaran) adalah serupa dengan wira Michelangelo, memuliakan humanisme, kehendak dan kekuatan dalaman orang itu akan salah.

Rafael Santi

Rafael Santi dilahirkan di bandar kecil Urbino pada tahun 1483. Tidak mungkin untuk menentukan tarikh sebenar kelahiran pelukis hebat itu. Menurut satu sumber, dia dilahirkan pada 26 atau 28 Mac. Ulama lain mendakwa bahawa tarikh lahir Raphael ialah 6 April 1483.

Menjelang akhir abad ke-15, Urbino menjadi salah satu yang terbesar pusat kebudayaan negara. Ahli biografi mencadangkan agar Rafael belajar dengan bapanya, Giovanni Santi. Sejak 1495, lelaki muda itu telah bekerja di bengkel seni pakar Urbino Timoteo della Vite.

Karya terawal Raphael yang masih hidup dianggap sebagai miniatur "The Dream of the Knight" dan "The Three Graces". Sudah dalam karya-karya ini, cita-cita kemanusiaan yang dikhotbahkan oleh tuan-tuan Renaissance tercermin sepenuhnya.

Dalam "The Knight's Dream" terdapat semacam pemikiran semula tentang tema mitologi Hercules, menghadapi pilihan: Valor or Pleasure? .. Raphael menggambarkan Hercules sebagai kesatria muda yang sedang tidur. Di hadapannya ada dua wanita muda: seorang dengan buku dan pedang di tangannya (simbol pengetahuan, keberanian dan prestasi senjata), yang lain - dengan cawangan berbunga, mempersonifikasikan keseronokan dan keseronokan. Keseluruhan komposisi diletakkan berlatarkan landskap yang indah.

"Three Graces" sekali lagi mempersembahkan imej antik, diambil, kemungkinan besar, dari cameo Yunani kuno (imej pada batu berharga atau semimulia).

Walaupun terdapat banyak peminjaman dalam karya awal artis muda, keperibadian kreatif pengarang sudah jelas ditunjukkan di sini. Ia dinyatakan dalam lirik imej, organisasi berirama khas karya, kelembutan garis yang membentuk angka. Sebagai artis Zaman Renaissance Tinggi, keharmonian luar biasa imej yang dilukis, ciri karya awal Raphael, serta kejelasan dan kejelasan komposisi, bercakap tentang artis.

Pada tahun 1500, Raphael meninggalkan kota asalnya dan pergi ke Perugia, bandar utama Umbria. Di sini dia belajar melukis di bengkel Pietro Perugino, yang merupakan pengasas sekolah seni Umbria. Rakan seangkatan Raphael memberi keterangan: seorang pelajar yang berkebolehan mengamalkan gaya penulisan gurunya dengan begitu mendalam sehingga kanvas mereka tidak dapat dibezakan. Selalunya, Rafael dan Perugino memenuhi perintah itu, bekerja bersama dalam lukisan.

Walau bagaimanapun, adalah salah untuk mengatakan bahawa bakat asal artis muda itu tidak berkembang sama sekali dalam tempoh ini. Ini disahkan oleh Conestabile Madonna yang terkenal, dicipta sekitar 1504.

Dalam kanvas ini, untuk pertama kalinya, imej Madonna muncul, yang pada masa akan datang akan mengambil salah satu tempat terkemuka dalam karya artis. Madonna dicat dengan latar belakang landskap yang indah dengan pokok, bukit dan tasik. Imej-imej itu disatukan oleh fakta bahawa pandangan Madonna dan bayi itu beralih ke buku, yang ibu muda itu sibuk membaca. Kesempurnaan komposisi disampaikan bukan sahaja oleh tokoh watak utama, tetapi juga oleh bentuk gambar - tondo (bulat), yang sama sekali tidak mengehadkan kebebasan imej. Mereka besar dan ringan. Kesan semula jadi dan realisme dicipta melalui penggunaan warna sejuk yang terang dalam komposisi dan kombinasi istimewa mereka: jubah biru tua Madonna, langit biru telus, pokok hijau dan air tasik, gunung yang dilitupi salji dengan puncak putih. Semua ini, apabila melihat gambar, mewujudkan perasaan kesucian dan kelembutan.

Satu lagi karya Raphael yang tidak kurang terkenal, juga berkaitan dengan tempoh awal karyanya, adalah kanvas yang dicipta pada tahun 1504 yang dipanggil "The Betrothal of Mary". Lukisan itu kini disimpan di Galeri Brera di Milan. Kepentingan khusus di sini ialah struktur komposisi. Tindakan keagamaan dan ritual pertunangan telah dipindahkan oleh pelukis dari dinding gereja, kelihatan di kejauhan, ke jalan. Sakramen dilakukan di bawah langit biru muda yang jelas. Di tengah-tengah gambar itu adalah seorang imam, di kiri dan di sebelah kanannya ialah Maria dan Yusuf, di sebelahnya gadis dan lelaki muda berdiri dalam kumpulan kecil. Diletakkan dalam perspektif komposisi, gereja adalah sejenis latar belakang yang menentang pertunangan berlaku. Dia adalah simbol watak ilahi dan kebaikan kepada Maria dan Yusuf. Kesempurnaan logik gambar diberikan oleh bingkai separuh bulatan kanvas di bahagian atasnya, mengulangi garis kubah gereja.

Angka-angka dalam gambar adalah luar biasa lirik dan pada masa yang sama semula jadi. Di sini, pergerakan, keplastikan tubuh manusia disampaikan dengan sangat tepat dan halus. Contoh yang jelas tentang ini ialah sosok seorang budak lelaki, yang terletak di latar depan komposisi, memecahkan tongkat di lututnya. Anggun, hampir halus, Mary dan Joseph kelihatan kepada penonton. Wajah rohani mereka dipenuhi dengan kasih sayang dan kelembutan. Walaupun simetri tertentu dalam susunan angka, kanvas tidak kehilangan bunyi liriknya. Imej-imej yang dicipta oleh Raphael bukanlah skema, mereka adalah orang yang hidup dalam pelbagai perasaan mereka.

Ia adalah dalam karya ini untuk pertama kalinya, berbanding dengan karya sebelumnya, bakat tuan muda menunjukkan dirinya dengan jelas dalam keupayaan untuk mengatur irama komposisi secara halus. Disebabkan harta ini, gambar besar imej struktur seni bina ternyata dimasukkan secara harmoni, yang bukan sahaja merupakan elemen landskap Raphael, tetapi juga menjadi setanding dengan watak utama, mendedahkan intipati dan watak mereka.

Keinginan untuk mencipta irama istimewa dalam karya itu juga ditentukan oleh penggunaan catan oleh artis dengan nada tertentu. Jadi, gubahan "The Betrothal of Mary" dibina pada empat warna sahaja.

Nada kuning keemasan, hijau dan merah, digabungkan dalam pakaian wira, landskap, seni bina dan menetapkan irama yang diperlukan bagi komposisi keseluruhan, membentuk harmoni dengan warna biru muda di langit.

Tidak lama lagi, bengkel seni Perugino menjadi terlalu kecil untuk pertumbuhan selanjutnya bakat pelukis. Pada tahun 1504, Raphael memutuskan untuk berpindah ke Florence, di mana idea dan estetika seni Renaissance Tinggi sedang dibangunkan. Di sini Raphael berkenalan dengan karya Michelangelo dan Leonardo da Vinci. Adalah selamat untuk mengatakan bahawa mereka adalah guru pelukis muda pada peringkat pembentukan kaedah kreatifnya. Dalam karya-karya tuan-tuan ini, artis muda itu menemui sesuatu yang tidak ada di sekolah Umbrian: gaya asal mencipta imej, keplastikan ekspresif angka yang digambarkan, perwakilan realiti yang lebih besar.

Penyelesaian artistik dan visual baharu telah pun dicerminkan dalam karya yang dicipta oleh Raphael pada tahun 1505. Potret Angelo Doni, penaung seni terkenal dari Florence pada masa itu, dan isterinya kini disimpan di Galeri Pitti. Imej-imej itu tidak mempunyai sebarang kepahlawanan dan hiperbolisasi. ini orang biasa namun dikurniakan sifat-sifat manusia yang terbaik, antaranya ialah keazaman dan kemahuan yang kuat.

Di sini, di Florence, Raphael melukis kitaran lukisan yang didedikasikan untuk Madonna. Kanvasnya "Madonna in the Green", "Madonna with a Goldfinch", "Madonna the Gardener" muncul. Gubahan ini adalah varian daripada bahagian yang sama. Semua kanvas menggambarkan Madonna dan Kanak-kanak dengan kecil John the Baptist. Angka-angka itu diletakkan berlatarkan landskap yang sangat indah. Imej Raphael adalah luar biasa lirik, lembut dan lembut. Madonnanya adalah perwujudan kasih sayang ibu yang maha pengampun dan tenang. Dalam karya-karya ini, terdapat sejumlah sentimentaliti dan kekaguman yang berlebihan terhadap kecantikan luaran watak-watak.

Ciri tersendiri kaedah artistik pelukis dalam tempoh ini adalah kekurangan penglihatan warna yang jelas, yang wujud dalam semua sarjana sekolah Florentine. Tiada warna dominan pada kanvas. Imej diberikan dalam warna pastel. Warna untuk artis bukanlah perkara utama di sini. Lebih penting baginya ialah menyampaikan setepat mungkin garisan yang membentuk rajah tersebut.

Di Florence, contoh pertama lukisan monumental oleh Raphael telah dicipta. Di antara mereka, yang paling menarik dicipta dalam tempoh dari 1506 hingga 1507 "Madonna dengan John the Baptist dan St. Nicholas" (atau "Madonna of Ansidei"). hidup kaedah kreatif artis itu sebahagian besarnya dipengaruhi oleh kanvas pelukis Florentine, terutamanya Leonardo da Vinci dan Fra Bartolomeo.

Pada tahun 1507, ingin membandingkan dengan tuan terbaik sekolah Florentine, mereka adalah Leonardo da Vinci dan Michelangelo, Raphael mencipta kanvas yang agak besar, yang dipanggil "The Entombment". Elemen berasingan imej komposisi adalah pengulangan pelukis terkenal. Jadi, kepala dan badan Kristus dipinjam dari arca Michelangelo "Pieta" (1498-1501), dan imej seorang wanita yang menyokong Mary adalah dari kanvas tuan yang sama "Madonna Doni". Ramai ahli sejarah seni tidak menganggap karya Raphael ini asli, mendedahkan bakat asalnya dan ciri-ciri kaedah artistik dan visual.

Walaupun kerja terakhir yang tidak berjaya, pencapaian Raphael dalam seni adalah penting. Tidak lama kemudian, orang sezaman melihat dan mengiktiraf karya artis muda, dan pengarang sendiri diletakkan setanding dengan tuan-tuan cemerlang Renaissance. Pada tahun 1508, di bawah naungan arkitek terkenal Bramante, rakan senegaranya Raphael, pelukis itu pergi ke Rom, di mana dia adalah antara mereka yang dijemput ke mahkamah paus.

Julius II, yang pada masa itu berada di atas takhta kepausan, dikenali sebagai seorang yang sia-sia, tekad dan berkemauan keras.
Semasa pemerintahannya, harta kepausan telah diperluaskan dengan banyaknya dengan bantuan peperangan. Dasar "offensive" yang sama telah dijalankan berhubung dengan pembangunan budaya dan kesenian. Jadi, artis, pengukir dan arkitek yang paling terkenal telah dijemput ke mahkamah paus. Rom, dihiasi dengan banyak bangunan seni bina, mula berubah dengan ketara: Bramante membina Katedral St. Peter; Michelangelo, setelah menangguhkan sementara pembinaan makam Julius II, mula mengecat siling Kapel Sistine. Secara beransur-ansur, bulatan penyair dan saintis terbentuk di sekeliling Paus, menyampaikan prinsip dan idea kemanusiaan yang tinggi. Rafael Santi, yang tiba dari Florence, jatuh ke dalam suasana sedemikian.

Tiba di Rom, Raphael mula bekerja mengecat pangsapuri Pope (yang dipanggil bait). Lukisan dinding itu dicipta dalam tempoh dari 1509 hingga 1517. Mereka dibezakan daripada karya yang serupa oleh tuan lain dengan beberapa ciri. Pertama sekali, ia adalah skala lukisan. Jika dalam karya pelukis terdahulu terdapat beberapa gubahan kecil pada satu dinding, maka Raphael mempunyai dinding yang berasingan untuk setiap lukisan. Sehubungan itu, angka yang digambarkan juga "membesar".

Selanjutnya, perlu diperhatikan ketepuan lukisan dinding Raphael dengan pelbagai elemen hiasan: siling yang dihiasi dengan marmar tiruan dan penyepuhan, komposisi fresco dan mozek, dan lantai yang dicat dengan corak yang mewah. Kepelbagaian sedemikian tidak mewujudkan, bagaimanapun, kesan berlebihan dan huru-hara. Disusun di tempatnya dan elemen hiasan yang disusun dengan mahir membangkitkan rasa harmoni, tertib dan irama tertentu yang ditetapkan oleh tuannya. Hasil daripada inovasi kreatif dan teknikal sedemikian, imej yang dicipta oleh artis dalam lukisan itu dapat dilihat dengan jelas kepada penonton dan oleh itu memperoleh kejelasan dan kejelasan yang diperlukan.

Semua lukisan dinding harus mematuhi tema yang sama: pemuliaan Gereja Katolik dan kepalanya. Dalam hal ini, lukisan-lukisan itu dibina berdasarkan adegan alkitabiah dan adegan dari sejarah kepausan (dengan imej Julius II dan penggantinya Leo X). Walau bagaimanapun, dalam Raphael, imej khusus sedemikian memperoleh makna alegoris umum, mendedahkan intipati idea humanistik Renaissance.

Kepentingan khusus dari sudut pandangan ini ialah Stanza della Senyatura (bilik tandatangan). Lukisan dinding gubahan adalah ekspresi empat bidang aktiviti rohani manusia. Oleh itu, lukisan dinding "Pertikaian" menunjukkan teologi, "The School of Athens" - falsafah, "Parnassus" - puisi, "Kebijaksanaan, Kesederhanaan dan Kekuatan" - keadilan. Bahagian atas setiap lukisan dinding dinobatkan dengan imej alegori figura yang mewakili jenis aktiviti tertentu. Di sudut-sudut peti besi terdapat gubahan kecil, sama dalam tema kepada satu atau lain lukisan dinding.

Komposisi lukisan dalam Stanza della Senyatura adalah berdasarkan gabungan subjek alkitabiah dan Yunani kuno (alkitabiah - "The Fall", antik - "Apollo's Victory over Marsyas"). Fakta bahawa gabungan tema mitologi, pagan dan sekular digunakan untuk menghiasi bilik paus membuktikan sikap orang pada masa itu terhadap dogma agama. Lukisan dinding Raphael menyatakan keutamaan permulaan sekular berbanding agama gereja.

Lukisan fresko kultus agama yang paling menarik dan paling mencerminkan sepenuhnya ialah lukisan "Pertikaian". Di sini komposisi nampaknya dibahagikan kepada dua bahagian: langit dan bumi. Di bawah, di atas tanah, terdapat tokoh-tokoh bapa gereja, serta pendeta, penatua dan belia. Imej mereka luar biasa semula jadi, yang dicipta dengan bantuan pemindahan realistik keplastikan badan, pusingan dan pergerakan angka. Di antara orang ramai di sini anda boleh dengan mudah mengenali Dante, Savonarola, pelukis Fra Beato Angelico.

Di atas angka orang adalah imej yang melambangkan Tritunggal Suci: Tuhan Bapa, sedikit lebih rendah daripadanya - Yesus Kristus dengan Ibu Tuhan dan Yohanes Pembaptis, di bawah mereka - burung merpati - personifikasi Roh Kudus. Di tengah-tengah komposisi keseluruhan, sebagai simbol persekutuan, terdapat tuan rumah.

Dalam "Pertikaian" Raphael muncul sebagai ahli gubahan yang tiada tandingan. Walaupun banyak simbol, gambar itu dibezakan oleh kejelasan imej yang luar biasa dan kejelasan pemikiran pengarang. Simetri susunan rajah di bahagian atas gubahan dilembutkan oleh rajah yang diletakkan hampir kelam kabut di bahagian bawahnya. Oleh itu, beberapa lakaran imej yang pertama menjadi hampir tidak ketara. Unsur gubahan pemotongan silang di sini ialah separuh bulatan: separuh bulatan yang terletak di bahagian atas orang kudus dan rasul di atas awan dan, sebagai gemanya, separuh bulatan orang yang bebas dan lebih semula jadi di bahagian bawah gambar.

Salah satu lukisan dinding dan karya Raphael terbaik dalam tempoh karyanya ini ialah lukisan "The School of Athens". Lukisan dinding ini adalah penjelmaan cita-cita kemanusiaan tinggi yang dikaitkan dengan seni. Yunani purba. Artis itu menggambarkan ahli falsafah dan saintis kuno yang terkenal. Tokoh Plato dan Aristotle diletakkan di bahagian tengah gubahan. Tangan Plato menunjuk ke bumi, dan Aristotle - ke langit, yang melambangkan ajaran ahli falsafah kuno.

Di sebelah kiri Plato adalah sosok Socrates, yang sedang berbual dengan sekumpulan orang, di antaranya wajah Alcibiades muda terserlah dengan ketara, yang tubuhnya dilindungi oleh cangkang, dan kepalanya ditutup dengan topi keledar. Di atas tangga diletakkan Diogenes, pengasas sekolah falsafah sinis. Dia diwakili di sini sebagai pengemis yang berdiri di pintu masuk ke kuil dan meminta sedekah.

Di bahagian bawah komposisi terdapat dua kumpulan orang. Di sebelah kiri ditunjukkan figura Pythagoras, dikelilingi oleh pelajar. Di sebelah kanan - Euclid, melukis sesuatu pada papan batu tulis, juga dikelilingi oleh pelajar. Di sebelah kanan kumpulan terakhir adalah Zoroaster dan memahkotai Ptolemy dengan sfera di tangannya. Berdekatan, pengarang meletakkan potret dirinya dan sosok pelukis Sodom (dialah yang mula bekerja pada lukisan Stanza della Senyatura). Di sebelah kiri tengah, artis meletakkan Heraclitus of Ephesus yang bertimbang rasa.

Berbanding dengan imej pada lukisan dinding Pertikaian, angka-angka Sekolah Athens jauh lebih besar dan lebih monumental. Mereka adalah pahlawan yang dikurniakan minda yang luar biasa dan ketabahan yang hebat. Imej utama lukisan dinding ialah Plato dan Aristotle. Kepentingan mereka ditentukan bukan sahaja dan bukan sahaja oleh tempat dalam komposisi (mereka menduduki tempat utama), tetapi oleh ekspresi muka dan keplastikan khas badan: angka-angka ini mempunyai postur dan gaya berjalan yang benar-benar agung. Fakta menarik ialah Leonardo da Vinci menjadi prototaip imej Plato. Model untuk menulis imej Euclid ialah arkitek Bramante. Prototaip Heraclitus adalah sosok yang digambarkan oleh Michelangelo di siling Kapel Sistine. Sesetengah sarjana mencadangkan bahawa imej Heraclitus disalin oleh tuan dari Michelangelo sendiri.

Tema juga berubah di sini: lukisan dinding berbunyi seperti sejenis lagu kepada minda manusia dan kehendak manusia. Itulah sebabnya semua watak terletak di latar belakang bangunan seni bina yang megah, melambangkan infiniti minda manusia dan pemikiran kreatif. Sekiranya watak-watak "Pertikaian" adalah pasif, maka imej yang dibentangkan dalam "Sekolah Athens" adalah pembina kehidupan mereka yang aktif dan bertenaga, pengubah susunan sosial dunia.

Penyelesaian komposisi lukisan dinding juga menarik. Jadi, tokoh Plato dan Aristotle yang terletak di latar belakang, kerana fakta bahawa mereka ditunjukkan dalam gerakan, adalah yang utama dalam gambar. Di samping itu, mereka membentuk pusat dinamik komposisi. Menonjol dari kedalaman, mereka seolah-olah pergi ke hadapan, ke arah penonton, yang mencipta kesan dinamik, pembangunan komposisi, yang dibingkai oleh gerbang separuh bulatan.

Kerja pada lukisan di belakang bilik meterai Stanza d'Eliodoro telah dijalankan oleh Rafal antara 1511 dan 1514. Subjek untuk lukisan dinding bilik ini adalah legenda alkitabiah dan fakta dari sejarah kepausan, dihiasi dengan cerita di mana tempat utama diberikan kepada ketentuan ilahi dan keajaiban.

Bilik itu mendapat namanya selepas selesainya kerja hiasan pada lukisan dinding "The Expulsion of Eliodor", plot yang berdasarkan kisah komander Syria Eliodor, yang ingin mencuri kekayaan yang disimpan di istana Jerusalem. Namun, penunggang langit itu menghalangnya. Lukisan dinding itu berfungsi sebagai peringatan tentang bagaimana tentera Paus Julius II mengalahkan dan mengusir tentera Perancis secara memalukan dari Negara Kepausan.

Walau bagaimanapun, lukisan dinding ini tidak dibezakan oleh kuasa untuk menyatakan niat kreatif artis. Ini mungkin disebabkan oleh fakta bahawa komposisi keseluruhan dibahagikan kepada dua bahagian yang berasingan. Di sebelah kiri adalah penunggang cantik yang, bersama dua malaikat, cuba menyerang Eliodor. Di sebelah kanan lukisan dinding ialah Julius II, bersandar di atas pengusung. Di antara mereka yang menyokong pengusung, pelukis itu menggambarkan pelukis terkenal Jerman Albrecht Dürer. Walaupun plot plot yang dikatakan heroik, imej Raphael di sini sama sekali tidak mempunyai dinamik dan drama.

Agak lebih kuat dalam perwatakan dan sempurna dalam struktur gubahan ialah lukisan dinding yang dipanggil "Mass in Bolsena". Plotnya adalah berdasarkan kisah tentang seorang imam yang tidak percaya yang wafernya berlumuran darah semasa sakramen. Saksi keajaiban ini di atas kanvas Raphael adalah Paus Julius II, yang terletak di belakangnya, para kardinal dan Swiss dari pengawal.

Ciri tersendiri karya artis terkenal ini adalah besar, berbanding dengan karya sebelumnya, tahap keaslian dan keaslian dalam penggambaran watak. Ini bukan lagi tokoh abstrak yang memukau dengan kecantikan luaran mereka, tetapi orang yang agak nyata. Bukti yang paling ketara tentang ini adalah imej orang Switzerland dari pengawal paus, yang wajahnya penuh dengan tenaga dalaman, menyatakan kehendak manusia yang kuat. Namun, perasaan mereka bukanlah ciptaan kreatif artis. Ini adalah emosi manusia yang sangat nyata.

Dalam karya ini, pengarang memberi banyak perhatian kepada warna, kepenuhan warna pada kanvas dan imej. Pelukis kini prihatin bukan sahaja dengan pemindahan tepat garis kontur angka, tetapi juga dengan ketepuan warna imej, paparan dunia dalaman mereka melalui nada tertentu.

Sama ekspresif adalah lukisan "Pengeluaran Peter", yang menggambarkan adegan pembebasan Rasul Peter oleh malaikat. Ahli sejarah seni percaya bahawa gambar ini adalah simbol pembebasan hebat wakil paus Leo X (yang kemudiannya menjadi Paus) dari penawanan Perancis.

Kepentingan khusus dalam lukisan dinding ini ialah penyelesaian komposisi dan warna yang ditemui oleh pengarang. Ia menghasilkan semula pencahayaan malam, yang meningkatkan sifat dramatik komposisi keseluruhan. Latar belakang seni bina yang dipilih dengan teliti juga menyumbang kepada pendedahan kandungan dan kandungan emosi yang lebih besar bagi gambar: penjara bawah tanah yang dibina daripada batu bata besar, peti besi melengkung yang berat dan bar tebal kekisi.

Lukisan dinding keempat dan terakhir dalam Stanza d'Eliodoro, yang kemudiannya dipanggil "Pertemuan Pope Leo I dengan Attila", telah dibuat mengikut lakaran Raphael oleh pelajarnya, Giulio Romano dan Francesco Penny. Kerja itu dijalankan dalam tempoh dari 1514 hingga 1517. Tuan itu sendiri, yang pada masa itu telah menjadi artis yang luar biasa popular, yang kemasyhurannya meluas ke seluruh Itali, dan yang menerima banyak pesanan, tidak dapat menyelesaikan menghias bilik paus. Di samping itu, Raphael pada masa itu dilantik sebagai ketua arkitek Katedral St. Peter, dan juga menyelia penggalian arkeologi yang kemudiannya dijalankan di wilayah Rom dan sekitarnya.

Lukisan-lukisan yang menghiasi Stanzas del Incendio adalah berdasarkan cerita dari sejarah kepausan. Di antara semua lukisan dinding, mungkin hanya satu yang patut diberi perhatian khusus - "Kebakaran di Borgo". Dia menceritakan tentang kebakaran yang berlaku di salah satu kuarters Rom pada tahun 847. Pope Leo IV kemudian mengambil bahagian dalam memadamkan api. Lukisan dinding ini dibezakan oleh kesedihan yang berlebihan dan drama buatan dalam imej orang yang cuba melarikan diri dari bencana: seorang anak lelaki membawa bapanya, seorang lelaki muda memanjat dinding, seorang gadis memegang jag.

Lukisan dinding bait-bait Vatican dengan baik menunjukkan evolusi karya Raphael: artis secara beransur-ansur bergerak dari imej ideal karya awal kepada drama dan pada masa yang sama lebih dekat dengan kehidupan dalam karya yang dimiliki oleh zaman akhir ( gubahan plot dan potret).

Hampir sejurus ketibaannya di Rom, pada tahun 1509, Raphael, meneruskan tema Madonna, menulis kanvas "Madonna Alba". Berbanding dengan figura Conestabile Madonna, imej dalam Alba Madonna jauh lebih kompleks. Mary digambarkan di sini sebagai seorang wanita muda dengan perwatakan yang kuat, bertenaga dan yakin. Pergerakan bayi sama kuat. Lukisan itu berbentuk tondo. Walau bagaimanapun, angka itu ditulis di sini sepenuhnya, yang tidak biasa untuk kanvas bulat. Susunan angka sedemikian, bagaimanapun, tidak membawa kepada kemunculan imej statik. Mereka, serta keseluruhan komposisi secara keseluruhan, ditunjukkan dalam dinamik. Perasaan ini dicipta kerana hakikat bahawa tuan secara halus dan tepat menyampaikan keplastikan pergerakan tubuh manusia.

Kepentingan khusus untuk pembentukan kaedah kreatif artis ialah lukisan "Madonna in the Chair" (atau "Madonna della sedia"), kerja yang telah disiapkan sekitar 1516. Imej Madonna yang agak ideal diturunkan ke bumi di sini oleh memperkenalkan unsur-unsur sebenar yang spesifik ke dalam gubahan. Jadi, sebagai contoh, dada Mary ditutup dengan selendang lebar terang dengan pinggir. Tudung seperti itu pada masa itu adalah pakaian kegemaran semua wanita petani Itali.

Tokoh-tokoh Madonna, kanak-kanak Kristus dan John the Baptist yang kecil terletak berdekatan antara satu sama lain. Nampaknya imej-imej itu mengalir dengan lancar antara satu sama lain. Keseluruhan gambar disemai dengan perasaan lirik yang luar biasa terang. Tema cinta keibuan yang sentiasa hidup disampaikan di sini bukan sahaja dalam pandangan Mary, tetapi juga dalam keplastikan figuranya. Bentuk tondo memberikan keseluruhan komposisi satu kelengkapan logik. Sosok Mary dan bayi itu, diletakkan di atas kanvas bulat, adalah simbol perpaduan dua orang terdekat: ibu dan anak. ini
lukisan oleh Raphael diiktiraf oleh sezamannya sebagai kemuncak lukisan kuda-kuda, bukan sahaja dari segi pembinaan komposisi, tetapi juga disebabkan oleh pemindahan halus garis plastik imej.

Dari 10-an. abad ke-16 Raphael sedang mengusahakan gubahan untuk altarpieces. Jadi, pada tahun 1511, Foligno Madonna muncul. Dan pada tahun 1515, artis terkenal mula mencipta kanvas, yang kemudiannya akan membawa pelukis kemuliaan seorang tuan yang hebat dan memenangi hati lebih daripada satu generasi orang. "The Sistine Madonna" adalah lukisan yang menandakan peringkat akhir dalam pembentukan kaedah artistik Raphael. Tema keibuan telah diterima di sini, berbanding dengan karya sebelumnya, pembangunan terbesar dan pelaksanaan yang paling lengkap.

Apabila memasuki katedral, mata penonton serta-merta tertarik kepada sosok agung Madonna, menggendong bayi Yesus Kristus dalam pelukannya. Kesan ini dicapai dengan susunan komposisi khas watak-watak. Tirai separuh terbuka, mata Saints Sixtus dan Barbara, beralih kepada Mary - semua ini bertujuan untuk menyerlahkan dan menjadikan ibu muda sebagai pusat komposisi.

Dalam mendedahkan imej Madonna, Raphael berlepas jauh dari artis Renaissance. Madonna di sini bercakap terus kepada penonton. Dia tidak sibuk dengan seorang kanak-kanak (seperti Madonna of Leonardo da Vinci) dan tidak tenggelam dalam dirinya sendiri (seperti heroin karya awal tuannya). Mary ini, bergerak melalui awan seputih salji ke arah penonton, sedang berbual dengannya. Di matanya yang luas, anda boleh melihat kasih sayang ibu, dan beberapa kekeliruan, dan keputusasaan, dan kerendahan hati, dan keprihatinan yang mendalam terhadap nasib masa depan anaknya. Dia, sebagai pelihat, tahu segala-galanya yang akan berlaku kepada anaknya. Namun, demi menyelamatkan orang, ibu bersedia untuk mengorbankannya. Imej bayi Kristus dikurniakan kesungguhan yang sama. Di matanya, seolah-olah, seluruh dunia tertutup, dia, seperti seorang nabi, memberitahu kita nasib manusia dan miliknya.

Raphael. Sistine Madonna. 1515-1519

Imej Mary penuh dengan drama dan ekspresif yang luar biasa. Walau bagaimanapun, ia tidak mempunyai idealisasi dan tidak dikurniakan ciri hiperbolik. Perasaan kesempurnaan, kesempurnaan imej dicipta di sini kerana kedinamikan gubahan, yang dinyatakan oleh pemindahan keplastikan tokoh yang tepat dan setia, dan tirai pakaian para pahlawan. Semua angka dibentangkan, hidup, mudah alih, terang. Wajah Mary, seperti bayi Kristus dengan mata sedih yang tidak kekanak-kanakan, mengekspresikan keseluruhan perasaan yang berubah satu demi satu secara literal di hadapan mata penonton: kesedihan, kebimbangan, kerendahan hati dan, akhirnya, keazaman.

Di kalangan ahli sejarah seni, persoalan prototaip Sistine Madonna masih terbuka. Sesetengah sarjana mengenal pasti imej ini dengan imej seorang wanita muda yang digambarkan dalam potret "Lady in a Veil" (1514). Walau bagaimanapun, menurut kesaksian artis sezaman, Mary pada kanvas "Sistine Madonna" adalah jenis wanita umum, ideal Raphaelian, dan bukannya imej khusus sesiapa sahaja.

Antara karya potret Raphael, potret Pope Julius II, yang dilukis pada tahun 1511, sangat diminati. Orang sebenar ditunjukkan di sini sebagai sejenis ideal, yang merupakan ciri ciri kaedah kreatif pelukis.

Nota khusus ialah potret Count Baldassare Castiglione, yang dicipta pada tahun 1515, yang menggambarkan seorang yang tenang, seimbang, maju secara harmoni. Rafael muncul di sini sebagai ahli warna yang hebat. Dia menggunakan kombinasi warna yang kompleks dan peralihan nada. Penguasaan rona yang sama juga dibezakan oleh karya pelukis lain: potret wanita "Lady in a Veil" ("La donna velata", 1514), di mana warna dominan adalah cat putih (pakaian salji putih wanita itu bermula. tudung cahaya).

Bahagian penting dalam karya Raphael diduduki oleh karya monumental. Di antara karya-karyanya yang serupa, yang paling menarik ialah, pertama sekali, lukisan dinding yang menghiasi dinding Villa Farnesina pada tahun 1515 (dahulunya milik Chigi yang kaya) "The Triumph of Galatea". Gambar ini dibezakan oleh suasana gembira yang luar biasa. Imej-imej itu benar-benar dilimpahi dengan kebahagiaan. Nada serupa dicipta melalui penggunaan gabungan khas warna-warna terang dan tepu: badan putih telanjang digabungkan secara harmoni di sini dengan langit biru telus dan ombak biru laut.

Kerja monumental terakhir Raphael adalah hiasan dinding galeri melengkung, yang terletak di tingkat dua Istana Vatican. Hiasan untuk dewan dihiasi dengan lukisan dan mozek yang diperbuat daripada marmar tiruan. Plot untuk lukisan dinding telah dilukis oleh artis dari legenda alkitabiah dan apa yang dipanggil. grotesques (lukisan yang terdapat pada makam Yunani purba - grottoes). Terdapat 52 lukisan kesemuanya. Mereka kemudiannya digabungkan menjadi satu kitaran di bawah nama umum "Raphael's Bible". Menarik juga bahawa artis terkenal itu menjalankan kerja menghias dewan Istana Vatican bersama pelajarnya, di antaranya Giulio Romano, Francesco Penny, Perino del Vaga, Giovanni da Udine menduduki tempat yang terkenal.

Lukisan kuda-kuda Raphael yang kemudiannya adalah sejenis refleksi dan ekspresi krisis kreatif tuan yang semakin berkembang. Mengikuti laluan dramatisasi imej yang semakin meningkat yang dicipta oleh tuan-tuan Renaissance Tinggi, tetapi pada masa yang sama kekal dengan kaedah perwakilan artistiknya sendiri, yang telah ditetapkan, Raphael datang kepada percanggahan gaya. Cara dan cara beliau meluahkan fikiran ternyata terlalu sedikit untuk mencipta imej baharu secara kualitatif, lebih sempurna dari segi menyampaikan dunia dalaman dan kecantikan luaran mereka. Contoh nyata yang menggambarkan tempoh kerja Raphael ini ialah "Memikul Salib" (1517), kitaran "Keluarga Suci" (kira-kira 1518), komposisi altar "Transfigurasi".

Ada kemungkinan bahawa pelukis berbakat seperti Raphael akan menemui jalan keluar dari kebuntuan kreatif itu, jika tidak kerana kematian mengejut yang mengejutkan semua orang sezaman dengan tuannya. Rafael Santi meninggal dunia pada 6 April 1520 pada usia 37 tahun. Pengebumian yang mewah telah diadakan. Abu pelukis hebat itu dikebumikan di Pantheon di Rom.

Karya Raphael sehingga hari ini kekal sebagai karya seni dunia. Gambar-gambar ini adalah contoh seni klasik, dipanggil untuk menunjukkan kepada manusia kecantikan yang sempurna dan tidak wajar. Mereka mempersembahkan penonton dengan dunia di mana orang mempunyai perasaan dan pemikiran yang tinggi. Karya Raphael adalah sejenis lagu kepada seni, yang mengubah seseorang, menjadikannya lebih bersih, lebih cerah, lebih cantik.

Titian (Tiziano Vecellio)

Tiziano Vecellio dilahirkan dalam keluarga tentera di bandar kecil Pieve di Cadore, yang terletak di pergunungan dan sebahagian daripada harta benda Venice. Para saintis tidak dapat menentukan dengan tepat tarikh dan tahun kelahiran Titian. Sesetengah percaya bahawa ini adalah 1476-1477, yang lain - 1485-1490.

Para saintis mencadangkan bahawa keluarga Vecellio adalah kuno dan cukup berpengaruh di bandar itu. Melihat bakat awal kanak-kanak itu untuk melukis, ibu bapa memutuskan untuk memberikan Tiziano ke bengkel seni tuan mozek Venice. Beberapa ketika kemudian, Vecellio muda ditugaskan untuk belajar di bengkel, pertama di Gentile Bellini, dan kemudian Giovanni Bellini. Pada masa ini, artis muda bertemu Giorgione, yang pengaruhnya tercermin dalam karya awalnya.

Semua kerja artis boleh dibahagikan kepada dua tempoh: yang pertama - yang dipanggil. dzhordzhonevsky - sehingga 1515-1516 (apabila pengaruh Giorgione paling kuat dinyatakan dalam karya pelukis); yang kedua - dari 40-an. Abad ke-16 (pada masa ini, Titian adalah seorang sarjana yang sudah mapan mewakili seni Renaissance Akhir).

Mengikuti pada peringkat awal kaedah artistik Giorgione dan pelukis Renaissance, Titian memikirkan semula cara menyelesaikan masalah artistik. Imej-imej baharu keluar dari bawah berus artis, yang berbeza dengan ketara daripada tokoh-tokoh agung dan halus, seperti Raphael dan Leonardo da Vinci. Wira-wira Titian adalah duniawi, berbadan penuh, berahi, mereka mempunyai permulaan pagan pada tahap yang besar. Kanvas awal pelukis dibezakan oleh komposisi yang agak mudah, yang, bagaimanapun, diserap dengan suasana gembira yang luar biasa dan kesedaran kebahagiaan tanpa awan, kepenuhan dan ketakterhinggaan kehidupan duniawi.

Antara karya zaman ini, yang paling mengekspresikan kaedah kreatif artis, salah satu yang paling menarik ialah lukisan "Cinta di Bumi dan Syurga", bertarikh 10-an. abad ke-16. Adalah penting bagi pengarang bukan sahaja untuk menyampaikan plot, tetapi juga untuk menunjukkan landskap yang indah yang membangkitkan pemikiran kedamaian dan kebahagiaan, dan kecantikan sensual seorang wanita.

Tokoh-tokoh wanita tidak diragukan lagi luhur, tetapi mereka tidak disarikan dari kehidupan dan tidak diidealkan oleh pengarang. Landskap, dicat dengan warna lembut dan diletakkan di latar belakang, berfungsi sebagai latar belakang yang sangat baik untuk anggun dan elegan, tetapi pada masa yang sama agak nyata, imej wanita khusus: Cinta Bumi dan Cinta Syurga. Komposisi yang digubah dengan mahir dan rasa warna yang halus membantu artis mencipta karya harmoni yang luar biasa, setiap elemen yang ternyata menjadi bawahan kepada keinginan pengarang untuk menunjukkan keindahan semula jadi alam dan manusia duniawi.

Dalam karya Titian yang kemudiannya, Assunta (atau Ascension of Mary), sejak tahun 1518, tidak ada renungan dan ketenangan yang setenang itu dalam karya Lovely Earthly and Heavenly. Terdapat lebih banyak dinamik, kekuatan, tenaga. Tokoh utama komposisi adalah Mary, ditunjukkan sebagai seorang wanita muda yang penuh dengan kecantikan dan kekuatan duniawi. Pandangan para rasul ditujukan kepadanya, imej yang menyatakan daya hidup dan tenaga dalaman yang sama. Sejenis himne untuk kecantikan manusia dan perasaan manusia yang kuat ialah gubahan "Bacchus dan Ariadne" (dari kitaran "Bacchanalia", 1523).

Memuliakan duniawi kecantikan wanita menjadi tema karya lain oleh Titian, yang dipanggil "Venus of Urbino". Ia dicipta pada tahun 1538. Walaupun fakta bahawa tidak ada keluhuran dan kerohanian imej sama sekali, yang terakhir masih tidak mengurangkan nilai estetik kanvas. Venus memang cantik di sini. Walau bagaimanapun, kecantikannya adalah duniawi dan semula jadi, yang membezakan imej yang dicipta oleh Titian daripada Venus Botticelli.

Walau bagaimanapun, adalah salah untuk mengatakan bahawa imej tempoh awal perkembangan karya artis hanya memuliakan kecantikan luaran seseorang. Keseluruhan penampilan mereka menggambarkan orang yang harmoni, yang kecantikan luarannya disamakan dengan rohani dan merupakan sisi terbalik dari jiwa yang sama cantiknya.

Dari sudut pandangan ini, yang paling menarik ialah imej Yesus Kristus pada kanvas "Caesar's Denarius", yang dicipta dalam tempoh dari 1515 hingga 1520. Yesus Titian tidak ditunjukkan sama sekali sebagai makhluk surgawi yang ilahi, dimuliakan. Ekspresi wajahnya yang kerohanian menunjukkan bahawa di hadapan penonton adalah seorang yang mulia dengan organisasi mental yang sempurna.

Imej-imej yang dicipta dalam komposisi mezbah "Madonna Pesaro", yang ditulis dalam tempoh dari 1519 hingga 1526, dipenuhi dengan kerohanian yang sama. Wira ini bukan skema atau abstraksi. Penciptaan gambaran sebenar yang meriah sebahagian besarnya difasilitasi oleh penggunaan tuan dalam julat pelbagai warna: tudung Mary's salji putih, biru langit, merah tua, merah terang, pakaian pahlawan keemasan, permaidani hijau yang kaya. Pelbagai nada seperti itu tidak menimbulkan kekacauan ke dalam komposisi, tetapi, sebaliknya, membantu pelukis untuk mencipta sistem imej yang harmoni dan harmoni.

Pada tahun 1520-an Titian mencipta karya pertama yang bersifat dramatik. Ini adalah lukisan terkenal "The Entombment". Imej Kristus di sini ditafsirkan dengan cara yang sama seperti dalam lukisan "Caesar's Denarius". Yesus dipersembahkan bukan sebagai makhluk yang turun dari syurga untuk menyelamatkan umat manusia, tetapi sebagai pahlawan duniawi sepenuhnya yang gugur dalam pertempuran yang tidak seimbang. Di sebalik semua tragedi dan drama plot, kanvas tidak menyebabkan penonton berasa putus asa. Sebaliknya, imej yang dicipta oleh Titian adalah simbol optimisme dan kepahlawanan, mempersonifikasikan kecantikan dalaman seseorang, kemuliaan dan kekuatan semangatnya.

Watak ini dengan ketara membezakan karya artis ini daripada karyanya yang kemudian dengan nama yang sama, bertarikh 1559, di mana mood optimistik digantikan oleh tragedi yang tiada harapan. Di sini, serta dalam lukisan lain oleh Titian - "The Assassination of St. Peter the Martyr", penciptaan yang bermula sejak 1528 hingga 1530, tuan menggunakan kaedah perwakilan artistik baru. Gambar-gambar alam semula jadi yang dipersembahkan pada kanvas (matahari terbenam dalam "The Entombment" yang disampaikan dalam warna gelap, suram dan pokok-pokok yang membongkok di bawah tiupan angin yang kuat dalam "The Assassination of St. Peter the Martyr") ternyata menjadi sejenis luahan perasaan dan nafsu manusia. Alam Ibu yang Agung tunduk di sini kepada Manusia Berdaulat. Titian dalam komposisi yang disebutkan di atas, seolah-olah, mengesahkan idea bahawa segala-galanya yang berlaku di alam semula jadi adalah disebabkan oleh tindakan manusia. Dia adalah tuan dan penguasa dunia (termasuk alam).

Tahap baru dalam perkembangan kemahiran artis dalam mencipta gubahan berbilang angka ialah kanvas bertajuk "Pengenalan Kuil", bertarikh 1534-1538. Walaupun fakta bahawa Titian menulis banyak imej di sini, mereka semua ternyata bersatu menjadi satu keseluruhan komposisi oleh minat dalam peristiwa penting yang berlaku di depan mata mereka - pengenalan Maria ke dalam kuil. Sosok watak utama dipisahkan daripada watak-watak kecil (tetapi tidak kurang pentingnya) dengan jeda spatial: dia dipisahkan daripada orang ramai yang ingin tahu dan imam dengan langkah-langkah tangga. Suasana perayaan, rasa kepentingan apa yang berlaku dicipta dalam komposisi oleh gerak isyarat dan keplastikan angka. Walau bagaimanapun, disebabkan oleh kemasukan dalam gambar figura peniaga telur, diletakkan di latar depan, kesedihan karya yang berlebihan dikurangkan dan kesan realisme dan semula jadi situasi yang digambarkan oleh artis dipertingkatkan.

Pengenalan kepada komposisi imej rakyat adalah ciri ciri kaedah artistik dan visual Titian dalam tempoh dari 30-an. abad XVI. Imej-imej ini yang membantu tuan mencipta gambaran yang sangat jujur.

Idea kreatif yang paling lengkap untuk menunjukkan orang yang harmoni, cantik dalam jiwa dan badan, terkandung dalam karya potret Titian. Salah satu karya pertama alam ini ialah "Potret seorang lelaki muda dengan sarung tangan." Penciptaan kanvas merujuk kepada tempoh dari 1515 hingga 1520. Imej seorang lelaki muda mewakili seluruh generasi orang pada masa itu - Renaissance. Potret itu merangkumi idea keharmonian roh dan tubuh manusia. Bahu lebar, keplastikan badan yang longgar, kolar baju yang dibuka secara kasual, keyakinan tenang yang diungkapkan oleh rupa seorang lelaki muda - semuanya bertujuan untuk menyampaikan idea utama pengarang tentang kegembiraan kewujudan manusia dan kebahagiaan orang biasa. orang yang tidak tahu kesedihan dan tidak terkoyak oleh percanggahan dalaman.

Jenis yang sama orang gembira yang disusun secara harmoni boleh dilihat pada kanvas "Violante" dan "Potret Tommaso Mosti" (kedua-duanya - 1515-1520).

Dalam potret yang dibuat lebih lama kemudian, penonton tidak lagi akan mendapati keterusterangan dan kepastian yang jelas tentang sifat imej, yang biasa untuk karya serupa dalam tempoh 1515-1520. Intipati watak-watak akhir Titian, berbanding dengan watak-watak awal, jauh lebih kompleks dan pelbagai rupa. Contoh nyata perubahan dalam kaedah artistik pengarang ialah lukisan "Potret Ippolito Riminaldi", yang dicipta pada akhir 1540-an. Potret itu menggambarkan seorang lelaki muda yang mukanya, bersempadan dengan janggut kecil, menyatakan perjuangan dalaman yang mendalam perasaan dan emosi.

Imej-imej yang dicipta oleh Titian dalam tempoh ini tidak tipikal untuk seni Renaissance Tinggi: ia adalah kompleks, dalam banyak cara bercanggah dan dramatik. Ini adalah wira komposisi, yang dipanggil "Potret Pope Paul III dengan Alessandro dan Ottavio Farnese." Kanvas itu dicipta dalam tempoh dari 1545 hingga 1546. Pope Paul III ditunjukkan sebagai seorang yang licik dan tidak percaya. Dia memerhati dengan prihatin dan berniat jahat Ottavio, anak saudaranya, seorang penyanjung dan munafik yang terkenal di mahkamah.

Titian menunjukkan dirinya sebagai seorang ahli gubahan artistik yang luar biasa. Intipati watak orang terserlah dalam karya ini melalui interaksi watak antara satu sama lain, melalui gerak geri dan postur mereka.

Potret yang menggambarkan Charles V (1548) dibina di atas gabungan elemen hiasan dan realistik yang megah. Dunia dalaman model ditunjukkan dengan ketepatan yang mahir. Penonton memahami apa yang ada di hadapannya orang yang istimewa dengan watak yang kompleks, ciri-ciri utamanya adalah minda dan ketabahan yang hebat, serta licik, kekejaman, kemunafikan.

Dalam potret ciptaan Titian, yang lebih ringkas dari segi pembinaan gubahan, semua perhatian penonton tertumpu kepada dunia dalaman imej. Sebagai contoh, seseorang boleh memetik kanvas "Potret Aretino", bertarikh 1545. Model itu dipilih oleh artis sebagai orang terkenal di Venice pada masa itu, Pietro Aretino, yang menjadi terkenal kerana ketamakan yang luar biasa untuk wang dan duniawi. kesenangan. Walau bagaimanapun, walaupun ini, dia sangat menghargai seni, dia sendiri adalah pengarang beberapa artikel kewartawanan, sejumlah besar komedi, cerpen dan puisi (walaupun tidak selalu
kandungan yang baik).

Titian memutuskan untuk menangkap orang seperti itu dalam salah satu karyanya. Aretinonya adalah imej realistik yang kompleks, mengandungi perasaan dan sifat perwatakan yang paling pelbagai, kadang-kadang malah bercanggah.

Konflik tragis seseorang dengan kekuatan yang memusuhinya ditunjukkan dalam lukisan "Behold the Man", yang dilukis pada tahun 1543. Plot itu diilhamkan oleh reaksi umum yang semakin meningkat dari para penyokong Counter-Reformation terhadap idea-idea humanistik Renaissance. di Itali ketika itu. Dalam komposisi, imej Kristus sebagai pembawa cita-cita universal yang tinggi menentang Pilatus, yang ditunjukkan sebagai sinis, ganas dan hodoh. Dalam itu
buat pertama kalinya, nota penafian keseronokan berahi, duniawi dan kegembiraan muncul dalam kerja.

Titian. Potret Pope Paul III dengan Alessandro dan Ottavio Farnese. 1545-1546

Kontras yang sama mencolok menandakan imej kanvas "Danae", yang ditulis sekitar 1554. Karya ini dibezakan oleh tahap drama yang tinggi. Di dalamnya, pengarang, seperti sebelumnya, menyanyikan keindahan dan kebahagiaan manusia. Walau bagaimanapun, kebahagiaan adalah sementara dan sekejap. Dalam gambar itu tidak ada perubahan mood dan ketenangan yang tenang bagi watak-watak yang membezakan imej yang dicipta sebelum ini ("Cinta di bumi dan syurga", "Venus of Urbino").

Tema utama dalam karya ialah pertembungan yang cantik dan hodoh, tinggi dan rendah. Dan jika seorang gadis muda menyatakan semua yang paling agung dalam diri seseorang, maka seorang pembantu rumah tua yang cuba menangkap syiling hujan emas melambangkan sifat manusia yang paling rendah: kepentingan diri, tamak, sinis.

Drama ditekankan dalam gubahan oleh gabungan nada gelap dan terang tertentu. Ia adalah dengan bantuan cat bahawa artis meletakkan aksen semantik dalam gambar. Jadi, seorang gadis muda melambangkan kecantikan dan perasaan yang cerah. Dan wanita tua itu, yang dikelilingi oleh nada gelap yang suram, mengandungi ungkapan permulaan asas.

Tempoh kerja Titian ini dicirikan bukan sahaja oleh penciptaan imej bercanggah penuh drama. Pada masa yang sama, artis melukis beberapa karya, yang temanya ialah kecantikan wanita yang mempesonakan. Walau bagaimanapun, masih perlu diperhatikan fakta bahawa karya-karya ini tidak mempunyai mood optimistik dan menegaskan kehidupan, yang berbunyi, sebagai contoh, dalam Cinta di Bumi dan Syurga dan Bacchanalia. Antara lukisan yang paling diminati ialah "Diana dan Actaeon", "Shepherd and Nymph" (1559), "Venus with Adonis".

Satu daripada karya terbaik Titian ialah lukisan yang dipanggil "Kayushda Mary Magdalene", yang dicipta pada tahun 60-an. abad ke-16. Ramai artis Renaissance beralih kepada kisah alkitabiah ini. Walau bagaimanapun, Titian menafsirkan semula imej Maria Magdalena yang bertaubat. Sosok seorang wanita muda, penuh dengan kecantikan dan kesihatan, menyatakan daripada pertaubatan Kristian, tetapi kesedihan dan kerinduan untuk kebahagiaan hilang selama-lamanya. Manusia, seperti biasa, cantik di Titian, tetapi kesejahteraan, ketenangan dan ketenangan fikirannya bergantung pada kuasa luar. Merekalah yang, mengganggu nasib seseorang, memusnahkan keharmonian semangat. Bukan kebetulan bahawa imej Magdalena, yang dilanda kesedihan, ditunjukkan dengan latar belakang landskap suram yang memahkotai langit gelap dengan awan hitam yang akan datang - gambaran awal
ribut petir.

Tema penderitaan manusia yang sama juga didengar dalam karya-karya terkemudian dari tuan terkenal: "Penobatan dengan Mahkota Duri" (1570) dan "St. Sebastian" (1570).

Dalam The Crowning with Duri, Yesus dipersembahkan oleh artis dalam bentuk orang biasa, mengatasi penyiksanya dalam kualiti fizikal, dan yang paling penting, kualiti moral.

Walau bagaimanapun, dia bersendirian dan hanya oleh itu tidak boleh menjadi pemenang. Keamatan emosi yang dramatik pada adegan itu dipertingkatkan dengan warna gelap yang suram.

Tema wira kesepian yang berkonflik dengan dunia luar juga didengar dalam karya "St. Sebastian". Protagonis ditunjukkan di sini sebagai titan yang megah - ciri imej seni Renaissance. Namun, dia masih tewas.

Landskap, yang melambangkan kuasa yang memusuhi watak, memainkan peranan bebas di sini. Walaupun drama plot, komposisi secara keseluruhannya diserap dengan suasana yang menegaskan kehidupan.

Sejenis pujian kepada minda manusia, kebijaksanaan dan kesetiaan kepada cita-cita yang diterima adalah potret diri tuan, yang dicipta pada tahun 60-an. abad ke-16

Salah satu lukisan paling ekspresif oleh Titian diiktiraf sebagai "Pieta" (atau "Lamentation of Christ"), yang ditulis sekitar 1576. Sosok-sosok wanita yang dilanda kesedihan digambarkan di sini dengan berlatar belakangkan ceruk batu dan landskap yang suram. Mary, seperti patung, terkaku dalam kesedihan. Imej Magdalena luar biasa cerah dan dinamik: sosok seorang wanita yang sedang berusaha ke hadapan, tangan terangkat, rambut merah berapi-api melambung, mulut yang sedikit terbuka, dari mana tangisan putus asa akan keluar. Yesus ditunjukkan bukan sebagai makhluk angkasa ilahi, tetapi cukup orang sebenar, dikalahkan dalam pertempuran yang tidak sama rata dengan kekuatan yang memusuhi dunia manusia. Tragedi imej dinyatakan dalam gambar dengan bantuan peralihan tonal dan cahaya-dan-bayang. Watak-watak utama ternyata, seolah-olah, diragut oleh sinar cahaya dari kegelapan malam.

Karya Titian ini memuliakan seorang lelaki yang dikurniakan perasaan yang mendalam. Lukisan "Pieta" adalah sejenis lagu perpisahan yang didedikasikan untuk wira cahaya, agung dan agung yang dicipta pada zaman Renaissance.

Pelukis hebat, yang memberikan imej indah kepada dunia, meninggal dunia pada 27 Ogos 1576, mungkin akibat wabak. Dia meninggalkan banyak kanvas yang masih memukau penonton dengan penguasaan pelaksanaan dan deria warna yang halus. Titian muncul di hadapan kita sebagai ahli psikologi yang hebat, ahli jiwa manusia. Antara pelajarnya ialah artis seperti Jacopo Nigreti (Palma the Elder), Bonifacio de Pitati, Paris Bordone, Jacopo Palma the Younger.

Ciri ciri dalam seni Renaissance

Perspektif. Untuk menambah kedalaman dan ruang tiga dimensi pada karya mereka, artis Renaissance meminjam dan meluaskan konsep perspektif linear, garis ufuk dan titik lenyap.

§ Perspektif linear. Melukis dengan perspektif linear adalah seperti melihat ke luar tingkap dan melukis dengan tepat apa yang anda lihat pada anak tetingkap. Objek dalam gambar mula mempunyai dimensi tersendiri, bergantung pada jarak. Mereka yang lebih jauh dari penonton berkurangan, dan sebaliknya.

§ Skyline. Ini ialah garis pada jarak objek mengecut ke titik setebal garis ini.

§ Titik lenyap. Ini adalah titik di mana garis selari kelihatan bertumpu jauh dalam jarak, selalunya di garis ufuk. Kesan ini boleh diperhatikan jika anda berdiri di landasan kereta api dan melihat rel yang menuju ke ya. l.

Bayang-bayang dan cahaya. Artis bermain dengan minat tentang cara cahaya jatuh pada objek dan mencipta bayang-bayang. Bayang-bayang dan cahaya boleh digunakan untuk menarik perhatian pada titik tertentu dalam lukisan.

Emosi. Artis Renaissance mahu penonton, melihat karya, merasai sesuatu, mengalami pengalaman emosi. Ia adalah satu bentuk retorik visual di mana penonton berasa terinspirasi untuk menjadi lebih baik dalam sesuatu.

Realisme dan naturalisme. Di samping perspektif, artis berusaha untuk menjadikan objek, terutamanya orang, kelihatan lebih realistik. Mereka mempelajari anatomi manusia, mengukur perkadaran dan mencari bentuk manusia yang ideal. Orang ramai kelihatan nyata dan menunjukkan emosi yang tulen, membolehkan penonton membuat kesimpulan tentang perkara yang difikirkan dan dirasai oleh orang yang digambarkan.

Era "Renaissance" dibahagikan kepada 4 peringkat:

Proto-Renaissance (separuh kedua abad ke-13 - abad ke-14)

Renaissance awal (awal ke-15 - akhir abad ke-15)

Renaissance Tinggi (akhir ke-15 - 20 tahun pertama abad ke-16)

Renaissance Akhir (pertengahan 16hb - 1590an)

Proto-Renaissance

Proto-Renaissance berkait rapat dengan Zaman Pertengahan, sebenarnya, ia muncul pada Akhir Zaman Pertengahan, dengan tradisi Byzantine, Romanesque dan Gothic, tempoh ini adalah pelopor Renaissance. Ia dibahagikan kepada dua sub-tempoh: sebelum kematian Giotto di Bondone dan selepas (1337). Artis dan arkitek Itali, pengasas era Proto-Renaissance. Salah satu tokoh utama dalam sejarah seni Barat. Setelah mengatasi tradisi lukisan ikon Byzantine, dia menjadi pengasas sebenar sekolah lukisan Itali, membangunkan pendekatan yang sama sekali baru untuk menggambarkan ruang. Karya Giotto diilhamkan oleh Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo. Tokoh utama lukisan ialah Giotto. Seniman Renaissance menganggapnya sebagai pembaharu lukisan. Giotto menggariskan jalan yang dilalui oleh perkembangannya: mengisi bentuk keagamaan dengan kandungan sekular, peralihan beransur-ansur daripada imej satah kepada imej tiga dimensi dan relief, peningkatan dalam realisme, memperkenalkan jumlah plastik angka ke dalam lukisan, menggambarkan dalaman dalam lukisan .

Pada akhir abad ke-13, bangunan kuil utama, Katedral Santa Maria del Fiore, telah didirikan di Florence, pengarangnya ialah Arnolfo di Cambio, kemudian Giotto meneruskan kerja.

Penemuan yang paling penting, tuan paling cemerlang hidup dan bekerja dalam tempoh pertama. Segmen kedua berkaitan dengan wabak wabak yang melanda Itali.

Seni proto-Renaissance mula-mula menampakkan dirinya dalam arca (Niccolò dan Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). Lukisan diwakili oleh dua sekolah seni: Florence dan Siena.

Renaissance awal

Tempoh apa yang dipanggil "Renaisans Awal" di Itali merangkumi masa dari 1420 hingga 1500. Selama lapan puluh tahun ini, seni masih belum sepenuhnya meninggalkan tradisi masa lalu baru-baru ini (Abad Pertengahan), tetapi cuba mencampurkan ke dalamnya unsur-unsur yang dipinjam dari zaman kuno klasik. Hanya kemudian, di bawah pengaruh keadaan hidup dan budaya yang semakin berubah, para artis benar-benar meninggalkan asas zaman pertengahan dan dengan berani menggunakan contoh seni kuno, baik dalam konsep umum karya mereka dan dalam butiran mereka.

Walaupun seni di Itali sudah dengan tegas mengikuti jalan peniruan zaman klasik, di negara lain ia telah lama berpegang pada tradisi gaya Gothic. Utara Alps, dan juga di Sepanyol, Renaissance datang hanya pada penghujung abad ke-15, dan tempoh awal berlangsung sehingga kira-kira pertengahan abad yang akan datang.

Seniman Zaman Renaissance Awal

Salah satu wakil pertama dan paling cemerlang dalam tempoh ini dianggap sebagai Masaccio (Masaccio Tommaso Di Giovanni Di Simone Cassai), pelukis Itali yang terkenal, tuan terbesar sekolah Florentine, pembaharu lukisan era Quattrocento.

Dengan karyanya, dia menyumbang kepada peralihan dari Gothic kepada seni baru, memuliakan kehebatan manusia dan dunianya. Sumbangan Masaccio kepada seni telah diperbaharui pada tahun 1988 apabila ciptaan utamanya - Lukisan dinding di Kapel Brancacci di Santa Maria del Carmine, Florence- telah dipulihkan kepada bentuk asalnya.

- Kebangkitan anak lelaki Theophilus, Masaccio dan Filippino Lippi

- Penyembahan Majusi

- Keajaiban dengan stater

Wakil penting lain dalam tempoh ini ialah Sandro Botticelli. pelukis Renaissance Itali yang hebat, wakil sekolah lukisan Florentine.

- Kelahiran Venus

- Zuhrah dan Marikh

- Musim bunga

- Pemujaan orang Majusi

Renaissance Tinggi

Tempoh ketiga Renaissance - masa perkembangan gayanya yang paling mengagumkan - biasanya dipanggil "High Renaissance". Ia meluas ke Itali dari kira-kira 1500 hingga 1527. Pada masa ini, pusat pengaruh seni Itali dari Florence berpindah ke Rom, terima kasih kepada kenaikan takhta kepausan Julius II - seorang lelaki yang bercita-cita tinggi, berani, berdaya usaha, yang menarik artis terbaik Itali ke istananya, menduduki mereka. dengan banyak dan kerja-kerja penting dan memberi contoh cinta kepada seni kepada orang lain. Di bawah Paus ini dan di bawah pengganti terdekatnya, Rom menjadi, seolah-olah, Athens baru pada zaman Pericles: banyak bangunan monumental dibina di dalamnya, karya arca yang indah dicipta, lukisan dinding dan lukisan dicat, yang masih dianggap sebagai mutiara lukisan; pada masa yang sama, ketiga-tiga cabang seni secara harmoni berjalan seiring, membantu antara satu sama lain dan saling bertindak antara satu sama lain. Zaman purba kini sedang dikaji dengan lebih teliti, diterbitkan semula dengan lebih teliti dan konsisten; ketenangan dan maruah menggantikan keindahan suka bermain yang menjadi aspirasi tempoh sebelumnya; kenangan zaman pertengahan hilang sepenuhnya, dan kesan klasik sepenuhnya jatuh pada semua karya seni. Tetapi peniruan orang purba tidak menyekat kemerdekaan mereka dalam artis, dan dengan kepintaran yang besar dan keceriaan imaginasi, mereka bebas memproses dan memohon kepada perniagaan apa yang mereka anggap sesuai untuk meminjam sendiri dari seni Yunani-Romawi kuno.

Karya tiga tuan besar Itali menandakan kemuncak Renaissance, ini adalah Leonardo da Vinci (1452-1519) Leonardo di Ser Piero da Vinci pelukis Renaissance Itali yang hebat, wakil sekolah lukisan Florentine. Artis Itali (pelukis, pengukir, arkitek) dan saintis (ahli anatomi, naturalis), pencipta, penulis, pemuzik, salah satu wakil terbesar seni Renaissance Tinggi, contoh jelas " manusia sejagat»

Makan malam terakhir

Mona Lisa,

-Lelaki Vitruvian ,

- Madonna Litta

- Madonna dalam batu

-Madonna dengan gelendong

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni. Pemahat Itali, pelukis, arkitek [⇨], penyair [⇨], pemikir [⇨]. . Salah seorang sarjana terhebat Renaissance [⇨] dan Baroque awal. Karya-karyanya dianggap sebagai pencapaian tertinggi seni Renaissance semasa hayat tuannya sendiri. Michelangelo hidup selama hampir 89 tahun, seluruh era, dari Renaissance Tinggi hingga asal-usul Counter-Reformation. Dalam tempoh ini, tiga belas Paus digantikan - dia menjalankan perintah untuk sembilan daripada mereka.

Penciptaan Adam

Penghakiman Terakhir

dan Raphael Santi (1483-1520). pelukis Itali yang hebat, artis grafik dan arkitek, wakil sekolah Umbrian.

- Sekolah Athens

-Sistine Madonna

- Transformasi

- Tukang kebun yang hebat

Renaissance lewat

Zaman Renaissance Akhir di Itali merangkumi tempoh dari 1530-an hingga 1590-an-1620-an. Counter-Reformation berjaya di Eropah Selatan ( kontra-reformasi(lat. Kontrareformasi; daripada kontra- menentang dan reformatio- transformasi, reformasi) - gerakan politik gereja Katolik di Eropah pada pertengahan abad ke-16-17, yang ditujukan menentang Reformasi dan bertujuan memulihkan kedudukan dan prestij Gereja Roman Katolik.), yang melihat dengan berhati-hati pada mana-mana yang bebas. pemikiran, termasuk nyanyian tubuh manusia dan kebangkitan cita-cita zaman dahulu sebagai batu asas ideologi Renaissance. Percanggahan pandangan dunia dan perasaan krisis yang umum menyebabkan Florence dalam seni "gugup" warna-warna yang mengada-ada dan garis putus-putus - sikap. Di Parma, tempat Correggio bekerja, Mannerism hanya dicapai selepas kematian artis pada tahun 1534. Tradisi seni Venice mempunyai logik pembangunan mereka sendiri; sehingga akhir tahun 1570-an, Palladio bekerja di sana (nama sebenarnya Andrea di Pietro). arkitek Itali yang hebat pada zaman Renaissance dan Mannerisme lewat.( Mannerism(dari bahasa Itali maniera, cara) - Gaya sastera dan seni Eropah Barat pada abad ke-16 - sepertiga pertama abad ke-17. Ia dicirikan oleh hilangnya keharmonian Renaissance antara jasmani dan rohani, alam dan manusia.) Pengasas Palladianisme ( Palladianisme atau Seni bina Palladian- bentuk klasikisme awal, yang berkembang daripada idea arkitek Itali Andrea Palladio (1508-1580). Gaya ini berdasarkan pematuhan ketat kepada simetri, dengan mengambil kira perspektif dan meminjam prinsip seni bina kuil klasik Yunani Purba dan Rom.) Dan klasikisme. Mungkin arkitek paling berpengaruh dalam sejarah.

Karya bebas pertama Andrea Palladio, sebagai pereka berbakat dan arkitek berbakat, adalah Basilika di Vicenza, di mana bakat aslinya yang tidak dapat ditandingi telah ditunjukkan.

Di antara rumah desa, ciptaan tuan yang paling cemerlang ialah Villa Rotunda. Andrea Palladio membinanya di Vicenza untuk seorang pegawai Vatican yang bersara. Ia terkenal sebagai bangunan sekular pertama Renaissance, dibina dalam bentuk kuil purba.

Contoh lain ialah Palazzo Chiericati, yang luar biasa kerana tingkat pertama bangunan itu hampir sepenuhnya diberikan kepada kegunaan awam, yang konsisten dengan keperluan pihak berkuasa bandar pada masa itu.

Di antara pembinaan bandar Palladio yang terkenal, seseorang pasti harus menyebut Teater Olimpico, yang direka dalam gaya amfiteater.

Titian ( Titian Vecellio) Pelukis Itali, wakil terbesar sekolah Venetian Zaman Renaissance Tinggi dan Akhir. Nama Titian adalah setanding dengan artis Renaissance seperti Michelangelo, Leonardo da Vinci dan Raphael. Titian melukis gambar pada subjek alkitabiah dan mitologi, dia menjadi terkenal sebagai pelukis potret. Dia ditugaskan oleh raja-raja dan paus, kardinal, duke dan putera raja. Titian belum berusia tiga puluh tahun apabila dia diiktiraf sebagai pelukis terbaik di Venice.

Dari tempat kelahirannya (Pieve di Cadore di wilayah Belluno, Republik Venice), dia kadang-kadang dirujuk sebagai da cadore; juga dikenali sebagai Titian the Divine.

- Kenaikan Perawan Maria

- Bacchus dan Ariadne

- Diana dan Actaeon

- Venus Urbino

- Penculikan Eropah

yang kerjanya mempunyai sedikit persamaan dengan fenomena krisis dalam seni Florence dan Rom.

Permulaan lukisan Renaissance dianggap era Ducento, i.e. akhir abad ketiga belas. Proto-Renaissance masih berkait rapat dengan Romanesque zaman pertengahan. Tradisi Gothic dan Byzantine. Artis akhir XIII - awal abad XIV. masih jauh dari kajian saintifik tentang realiti sekeliling. Mereka menyatakan idea mereka mengenainya, masih menggunakan imej konvensional sistem visual Byzantine - bukit berbatu, pokok simbolik, menara bersyarat. Tetapi kadang-kadang penampilan struktur seni bina dihasilkan semula dengan tepat sehingga ini menunjukkan kewujudan lakaran dari alam semula jadi. Watak keagamaan tradisional mula digambarkan dalam dunia yang dikurniakan sifat realiti - kelantangan, kedalaman ruang, kebendaan material. Pencarian kaedah penghantaran pada satah isipadu dan ruang tiga dimensi bermula. Sarjana pada masa ini menghidupkan semula prinsip kuno yang terkenal tentang pemodelan bentuk chiaroscuro. Terima kasih kepadanya, angka dan bangunan memperoleh ketumpatan dan kelantangan.

Rupa-rupanya, orang pertama yang menggunakan perspektif kuno ialah Florentine Cenny di Pepo (data dari 1272 hingga 1302), digelar Cimabue. Malangnya, karyanya yang paling penting - satu siri lukisan bertemakan Apocalypse, kehidupan Maria dan Rasul Petrus di gereja San Francesco di Assisi, telah sampai kepada kita hampir dalam keadaan hancur. Gubahan mezbahnya, yang berada di Florence dan di Muzium Louvre, dipelihara dengan lebih baik. Mereka juga kembali ke prototaip Byzantine, tetapi mereka dengan jelas menunjukkan ciri pendekatan baru untuk lukisan keagamaan. Cimabue kembali daripada lukisan Itali pada abad ke-13, yang menerima pakai tradisi Byzantine, kepada asal-usul mereka yang terdekat. Dia merasakan di dalamnya apa yang tidak dapat diakses oleh orang sezamannya - permulaan yang harmoni dan keindahan Hellenic yang agung dari imej-imej itu.

Artis hebat muncul sebagai inovator berani yang menolak sistem tradisional. Pembaharu seperti itu dalam lukisan Itali abad XIV harus diiktiraf Giotto di Bondone(1266-1337). Dia adalah pencipta sistem bergambar baru, pembaharu hebat semua lukisan Eropah, pengasas sebenar seni baru. Ini adalah seorang genius yang mendahului orang sezamannya dan ramai pengikutnya.

Seorang Florentine sejak lahir, dia bekerja di banyak bandar Itali, dari Padua dan Milan di utara hingga Naples di selatan. Karya Giotto yang paling terkenal yang telah sampai kepada kami ialah kitaran mural di kapel del Arena di Padua, yang didedikasikan untuk kisah-kisah Injil tentang kehidupan Kristus. Ensambel bergambar unik ini merupakan salah satu karya penting dalam sejarah seni Eropah. Daripada adegan berasingan terpencil dan figura tipikal lukisan zaman pertengahan, Giotto mencipta satu kitaran epik. . Daripada latar belakang Byzantine emas biasa, Giotto memperkenalkan latar belakang landskap. Angka-angka itu tidak lagi terapung di angkasa, tetapi memperoleh tanah yang kukuh di bawah kaki mereka. Dan walaupun mereka masih tidak aktif, mereka menunjukkan keinginan untuk menyampaikan anatomi tubuh manusia dan semula jadi pergerakan.

Pembaharuan yang dibuat oleh Giotto dalam lukisan memberi kesan mendalam kepada semua orang sezamannya. Ulasan sebulat suara tentang dia sebagai pelukis yang hebat, banyak pelanggan dan pelanggan, komisen kehormat di banyak bandar di Itali - semua ini menunjukkan bahawa orang sezaman dengan sempurna memahami kepentingan seninya. Tetapi generasi seterusnya meniru Giotto sebagai pelajar yang pemalu, meminjam butiran daripadanya.

Pengaruh Giotto memperoleh kekuatan dan hasil hanya selepas satu abad. Artis Quattrocento menjalankan tugas yang ditetapkan oleh Giotto.

Kemuliaan pengasas lukisan Quattrocento adalah milik artis Florentine Masaccio yang meninggal sangat muda (1401-1428). Dia adalah orang pertama yang menyelesaikan masalah utama lukisan Renaissance - linear dan perspektif udara. Pada lukisan dindingnya di Kapel Brancacci di gereja Florentine Santa Maria del Carmine, figura yang dilukis mengikut undang-undang anatomi disambungkan antara satu sama lain dan dengan landskap.

Gereja Santa Maria del Carmine menjadi sejenis akademi, di mana generasi artis yang dipengaruhi oleh Masaccio belajar: Paolo Uccello, Andrei Castagno, Domenico Veniziano dan ramai lagi sehingga Michelangelo.

Sekolah Florentine untuk masa yang lama kekal terkemuka dalam seni Itali. Ia juga mempunyai trend yang lebih konservatif. Beberapa artis aliran ini adalah sami, jadi dalam sejarah seni mereka dipanggil monastik. Salah satu yang paling terkenal di antara mereka ialah fra (iaitu saudara - rayuan sami antara satu sama lain) Giovanni Beato Angelico da Fiesole(1387-1455). Imej watak alkitabiahnya ditulis dalam semangat tradisi zaman pertengahan, penuh dengan lirik, maruah tenang dan renungan. Latar belakang landskapnya disemai dengan rasa keceriaan, ciri-ciri Renaissance.

Salah seorang artis Quattrocento yang paling cemerlang - Sandro Botticelli(1445-1510) - seorang eksponen cita-cita estetik mahkamah yang terkenal zalim, ahli politik, dermawan, penyair dan ahli falsafah Lorenzo de' Medici, yang digelar Magnificent. Mahkamah raja yang tidak bertakhta ini adalah pusatnya budaya seni, menyatukan ahli falsafah, saintis, artis terkenal.

Renaissance awal berlangsung selama kira-kira satu abad. Ia disiapkan oleh tempoh Renaissance Tinggi, yang hanya kira-kira 30 tahun. Rom menjadi pusat utama kehidupan seni pada masa ini.

Menjelang abad XV-XVI. termasuk permulaan campur tangan asing yang lama di Itali, pemecahan dan perhambaan negara, kehilangan kemerdekaan bandar-bandar bebas, pengukuhan reaksi Katolik feudal. Tetapi perasaan patriotik tumbuh di kalangan orang Itali, menyumbang kepada aktivisme politik dan pertumbuhan identiti kebangsaan, keinginan untuk penyatuan nasional. Peningkatan kesedaran popular ini mewujudkan asas rakyat yang luas untuk budaya Renaissance Tinggi.

Penghujung Cinquecento dikaitkan dengan 1530, apabila negara-negara Itali kehilangan kebebasan mereka, menjadi mangsa monarki Eropah yang berkuasa. Krisis sosio-politik dan ekonomi Itali, bukan berdasarkan revolusi perindustrian, tetapi pada perdagangan antarabangsa, sedang disediakan untuk masa yang lama. Penemuan Amerika dan laluan perdagangan baru menghilangkan kelebihan bandar Itali dalam Perdagangan Antarabangsa. Tetapi, seperti yang anda ketahui, dalam sejarah budaya, tempoh perkembangan seni tidak bertepatan dengan perkembangan sosio-ekonomi umum masyarakat. Dan dalam tempoh kemerosotan ekonomi dan perhambaan politik, pada masa-masa sukar untuk Itali, satu abad pendek Renaissance Itali bermula - Renaissance Tinggi. Pada masa inilah budaya humanistik Itali menjadi warisan dunia, tidak lagi menjadi fenomena tempatan. artis Itali mula menikmati populariti semua-Eropah, yang mereka benar-benar layak.

Jika seni Quattrocento adalah analisis, pencarian, penemuan, kesegaran pandangan dunia muda, maka seni Renaissance Tinggi adalah hasil, sintesis, kematangan yang bijak. Pencarian ideal artistik semasa zaman Quattrocento membawa seni kepada generalisasi, kepada pendedahan corak umum. Perbezaan utama antara seni Renaissance Tinggi ialah ia meninggalkan butiran, butiran, butiran atas nama imej umum. Semua pengalaman, semua carian untuk pendahulu dimampatkan oleh pakar besar Cinquecento dalam generalisasi yang hebat.

Kaedah realistik artis Zaman Renaissance Tinggi adalah pelik. Mereka yakin bahawa yang penting hanya boleh wujud dalam cangkang yang indah. Oleh itu, mereka cenderung untuk melihat hanya fenomena luar biasa yang meningkat di atas kehidupan seharian. Artis Itali mencipta imej personaliti heroik, orang yang cantik dan kuat semangat.

Ia adalah era raksasa Renaissance, yang memberikan budaya dunia karya Leonardo, Raphael, Michelangelo. Dalam sejarah budaya dunia, ketiga-tiga jenius ini, walaupun semua perbezaan mereka, keperibadian kreatif, mempersonifikasikan nilai utama Renaissance Itali - keharmonian keindahan, kuasa dan intelek. Nasib artis-artis ini (keperibadian manusia dan artistik yang kuat memaksa mereka untuk bertindak sebagai saingan, untuk memperlakukan satu sama lain dengan permusuhan) mempunyai banyak persamaan. Ketiga-tiganya dibentuk di sekolah Florentine, dan kemudian bekerja di mahkamah penaung, terutamanya paus. Kehidupan mereka adalah bukti perubahan sikap masyarakat terhadap personaliti kreatif artis yang bercirikan zaman Renaissance. Sarjana seni menjadi tokoh terkemuka dan berharga dalam masyarakat, mereka betul-betul dianggap sebagai orang yang paling berpendidikan pada zaman mereka.

Ciri ini, mungkin lebih daripada tokoh-tokoh Renaissance yang lain, sesuai untuk Leonardo da Vinci(1452-1519). Dia menggabungkan genius artistik dan saintifik. Leonardo adalah seorang saintis yang mengkaji alam semula jadi bukan untuk kepentingan seni, tetapi demi sains. Oleh itu, begitu sedikit karya Leonardo yang telah siap telah disampaikan kepada kami. Dia memulakan gambar dan meninggalkannya sebaik sahaja masalah itu nampaknya diartikulasikan. Banyak pemerhatiannya menjangkakan perkembangan sains dan lukisan Eropah selama berabad-abad. Moden penemuan saintifik menimbulkan minat terhadap lukisan kejuruteraan sci-finya. Refleksi teori Leonardo tentang warna, yang digariskannya dalam Treatise on Painting, menjangkakan premis utama Impresionisme abad kesembilan belas. Leonardo menulis tentang kesucian bunyi warna hanya pada bahagian cahaya subjek, tentang pengaruh warna bersama, tentang keperluan untuk melukis di udara terbuka. Pemerhatian Leonardo ini tidak digunakan sama sekali dalam lukisannya. Dia lebih ahli teori daripada praktikal. Hanya pada abad ke-20, pengumpulan aktif dan pemprosesan warisan manuskripnya yang besar (kira-kira 7,000 halaman) bermula. Kajiannya sudah pasti akan membawa kepada penemuan baru dan penjelasan tentang misteri karya legenda raksasa zaman Renaissance ini.

Tahap baru dalam seni ialah lukisan dinding refectory biara Santa Maria delle Grazie pada plot Perjamuan Terakhir, yang dilukis oleh ramai artis Quattrocento. "The Last Supper" adalah asas seni klasik, ia menjalankan program Renaissance Tinggi. Ia dipengaruhi oleh pemikiran mutlak, penyelarasan bahagian dan keseluruhan, oleh kuasa penumpuan rohaninya.

Leonardo mengerjakan karya ini selama 16 tahun.

Salah satu lukisan paling terkenal di dunia ialah karya Leonardo "La Gioconda". Potret isteri saudagar del Giocondo ini telah menarik perhatian selama berabad-abad, beratus-ratus halaman komen telah ditulis tentang dia, dia diculik, dipalsukan, disalin, dia dikreditkan dengan kuasa sihir. Ekspresi wajah Mona Lisa yang sukar difahami bertentangan dengan penerangan dan pembiakan yang tepat. Perubahan sedikit dalam warna (yang mungkin hanya bergantung pada pencahayaan potret) di sudut bibir, dalam peralihan dari dagu ke pipi, mengubah watak wajah. Pada pembiakan yang berbeza, Gioconda kelihatan sedikit berbeza, kadang-kadang lebih lembut, kadang-kadang lebih ironis, kadang-kadang lebih bijak. Sukar dalam penampilan Mona Lisa, dalam pandangannya yang tajam, seolah-olah tidak dapat dipisahkan mengikut penonton, dalam senyumannya yang separuh. Potret ini telah menjadi karya seni Renaissance. Buat pertama kali dalam sejarah seni dunia, genre potret telah meningkat ke tahap yang sama dengan gubahan bertemakan keagamaan.

Idea-idea seni monumental Renaissance menemui ekspresi yang jelas dalam karya Rafael Santi(1483-1520). Leonardo mencipta gaya klasik, Rafael meluluskan dan mempopularkannya. Seni Raphael sering ditakrifkan sebagai "makna emas". Komposisinya mengatasi segala-galanya yang telah dicipta dalam lukisan Eropah, dengan keharmonian mutlak perkadarannya. Selama lima abad, seni Raphael telah dianggap sebagai mercu tanda tertinggi dalam kehidupan rohani manusia, sebagai salah satu contoh kesempurnaan estetik. Kerja Raphael dibezakan oleh kualiti klasik - kejelasan, kesederhanaan mulia, keharmonian. Dengan semua intipatinya, ia dikaitkan dengan budaya rohani Renaissance.

Karya monumental Raphael yang paling menonjol adalah mural di pangsapuri Vatican paus. Gubahan berskala besar berbilang angka meliputi semua dinding tiga dewan. Murid membantu Raphael melukis. Lukisan dinding terbaik, seperti, sebagai contoh, "The School of Athens", dia membuat persembahan dengan tangannya sendiri. Subjek mural termasuk lukisan dinding-alegori sfera utama aktiviti rohani manusia: falsafah, puisi, teologi dan keadilan. Dalam lukisan dan lukisan dinding Raphael - imej yang ideal bagi imej Kristian, mitos kuno dan sejarah manusia. Dia tahu bagaimana untuk menggabungkan nilai-nilai kewujudan duniawi dan idea-idea yang ideal seperti yang lain daripada tuan-tuan Renaissance. Merit sejarah seninya ialah dia menghubungkan dua dunia menjadi satu keseluruhan - dunia Kristian dan dunia pagan. Sejak masa itu, cita-cita artistik baru telah ditubuhkan dengan kukuh dalam seni keagamaan Eropah Barat.

Genius Raphael yang terang adalah jauh dari kedalaman psikologi ke dunia dalaman seseorang, seperti Leonardo, tetapi lebih asing kepada pandangan dunia tragis Michelangelo. Dalam karya Michelangelo, keruntuhan gaya Renaissance ditunjukkan dan tunas pandangan dunia artistik baru telah digariskan. Michelangelo Buonarroti(1475-1564) menjalani kehidupan yang panjang, sukar dan heroik. Kejeniusannya memanifestasikan dirinya dalam seni bina, lukisan, puisi, tetapi paling jelas dalam arca. Dia melihat dunia secara plastik, dalam semua bidang seni dia terutamanya seorang pengukir. Tubuh manusia seolah-olah dia subjek yang paling layak untuk imej itu. Tetapi ini adalah seorang lelaki yang mempunyai baka yang istimewa, berkuasa, heroik. Seni Michelangelo didedikasikan untuk memuliakan pejuang manusia, aktiviti heroik dan penderitaannya. Seninya dicirikan oleh gigantomania, permulaan raksasa. Ini adalah seni dataran, bangunan awam, dan bukan dewan istana, seni untuk rakyat, dan bukan untuk bangsawan istana.

Karya-karyanya yang paling megah ialah lukisan peti besi Kapel Sistine. Michelangelo melakukan kerja yang benar-benar hebat - selama empat tahun dia sendiri melukis kawasan seluas kira-kira 600 meter persegi. meter. Hari demi hari, dia menulis pada ketinggian 18 meter, berdiri di atas perancah dan melemparkan kepalanya ke belakang. Selepas tamat lukisan, kesihatannya terjejas sepenuhnya, dan badannya cacat (dadanya tenggelam, badannya melengkung, gondok tumbuh; untuk masa yang lama artis itu tidak dapat melihat terus ke hadapan dan membaca, mengangkat buku di atasnya. kepala). Lukisan yang megah didedikasikan untuk adegan sejarah suci, bermula dari penciptaan dunia. Michelangelo melukis kira-kira 200 angka dan komposisi kiasan di siling. Tidak pernah dan tidak pernah ada sesuatu seperti rancangan Michelangelo dalam skop dan integriti. Di bilik kebal Sistine Chapel, dia mencipta himne untuk kemuliaan kemanusiaan heroik. Wiranya adalah orang yang hidup, tidak ada apa-apa yang ghaib dalam diri mereka, tetapi pada masa yang sama, mereka adalah personaliti hebat yang hebat dan hebat. Lama sebelum Michelangelo, ahli Quattrocento menggambarkan pelbagai episod tradisi gereja di dinding gereja; Michelangelo ingin membentangkan nasib manusia sebelum penebusan di peti besi.

Sebarang pemikiran bahawa gambar itu adalah kapal terbang hilang. Angka-angka itu bergerak bebas di angkasa. Lukisan lukisan oleh Michelangelo menembusi satah dinding. Ilusi ruang dan pergerakan ini adalah pencapaian besar seni Eropah. Penemuan Michelangelo bahawa hiasan boleh menolak ke hadapan atau menolak dinding dan siling kemudian menggunakan seni hiasan Baroque.

Seni, yang setia kepada tradisi Renaissance, terus hidup pada abad ke-16 di Venice, bandar yang paling lama mengekalkan kemerdekaannya. Di republik patrician-pedagang yang kaya ini, yang telah lama mengekalkan hubungan perdagangan dengan Byzantium, dengan Timur Arab, cita rasa dan tradisi oriental diproses dengan cara mereka sendiri. Pengaruh utama lukisan Venetian adalah dalam warna yang luar biasa. Kecintaan warna secara beransur-ansur membawa para artis sekolah Venetian kepada prinsip bergambar baharu. Kelantangan, materialiti imej dicapai bukan dengan pemodelan hitam dan putih, tetapi oleh seni pemodelan warna.

Zaman Renaissance merupakan fenomena fenomenal dalam sejarah umat manusia. Tidak pernah lagi ada kilat cemerlang dalam bidang seni. Pemahat, arkitek dan artis Renaissance (senarainya panjang, tetapi kami akan menyentuh yang paling terkenal), yang namanya diketahui oleh semua orang, memberikan dunia yang tidak ternilai. Orang yang unik dan luar biasa menunjukkan diri mereka bukan dalam satu bidang, tetapi dalam beberapa sekaligus.

Lukisan Renaissance awal

Renaissance mempunyai jangka masa yang relatif. Ia pertama kali bermula di Itali - 1420-1500. Pada masa ini, lukisan dan semua seni secara umum tidak jauh berbeza dengan masa lalu. Walau bagaimanapun, unsur-unsur yang dipinjam dari zaman kuno klasik mula muncul buat kali pertama. Dan hanya pada tahun-tahun berikutnya, pengukir, arkitek dan artis Renaissance (senarainya sangat panjang), di bawah pengaruh keadaan hidup moden dan trend progresif, akhirnya meninggalkan asas zaman pertengahan. Mereka berani menerima contoh terbaik seni purba untuk karya mereka, baik secara umum dan dalam butiran individu. Nama mereka dikenali ramai, mari kita fokus pada personaliti paling terang.

Masaccio - genius lukisan Eropah

Dialah yang memberi sumbangan besar kepada pembangunan lukisan, menjadi seorang pembaharu yang hebat. Tuan Florentine dilahirkan pada tahun 1401 dalam keluarga tukang seni, jadi deria rasa dan keinginan untuk mencipta berada dalam darahnya. Pada usia 16-17 dia berpindah ke Florence, di mana dia bekerja di bengkel. Donatello dan Brunelleschi, pemahat dan arkitek yang hebat, dianggap sebagai gurunya. Komunikasi dengan mereka dan kemahiran yang diperoleh tidak boleh tetapi menjejaskan pelukis muda. Dari yang pertama, Masaccio meminjam pemahaman baru tentang keperibadian manusia, ciri-ciri arca. Pada tuan kedua - asas Para penyelidik menganggap Triptych of San Giovenale (dalam foto pertama) sebagai kerja pertama yang boleh dipercayai, yang ditemui di sebuah gereja kecil berhampiran bandar di mana Masaccio dilahirkan. Kerja utama adalah lukisan dinding yang didedikasikan untuk sejarah kehidupan St. Peter. Artis mengambil bahagian dalam penciptaan enam daripadanya, iaitu: "Keajaiban dengan Stater", "Pengusiran dari Syurga", "Pembaptisan Neophytes", "Pembahagian Harta dan Kematian Ananias", "Kebangkitan daripada Theophilus' Son", "St. Peter Menyembuhkan Orang Sakit dengan Bayang-Nya" dan "Saint Peter in the Mimbar".

Artis Itali Renaissance adalah orang yang mengabdikan diri sepenuhnya kepada seni, tidak memberi perhatian kepada masalah sehari-hari biasa, yang kadang-kadang membawa mereka kepada kewujudan yang buruk. Masaccio tidak terkecuali: tuan cemerlang meninggal dunia sangat awal, pada usia 27-28, meninggalkan kerja-kerja hebat dan sejumlah besar hutang.

Andrea Mantegna (1431-1506)

Ini adalah wakil sekolah pelukis Padua. Dia mendapat asas kemahiran daripada bapa angkatnya. Gaya itu dibentuk di bawah pengaruh karya Masaccio, Andrea del Castagno, Donatello dan lukisan Venetian. Ini menentukan sikap Andrea Mantegna yang agak keras dan keras berbanding dengan orang Florentine. Beliau adalah seorang pengumpul dan pakar karya budaya zaman purba. Terima kasih kepada gayanya, tidak seperti yang lain, dia menjadi terkenal sebagai seorang inovator. Karya beliau yang paling terkenal ialah: "Dead Christ", "Caesar's Triumph", "Judith", "Battle of the Sea Gods", "Parnassus" (gambar), dsb. Dari 1460 hingga kematiannya, dia bekerja sebagai pelukis istana dalam keluarga Dukes of Gonzaga.

Sandro Botticelli(1445-1510)

Botticelli ialah nama samaran nama sebenar- Filipepi. Dia tidak segera memilih jalan seorang artis, tetapi pada mulanya belajar membuat perhiasan. Dalam karya bebas pertama (beberapa Madonnas), pengaruh Masaccio dan Lippi dirasai. Pada masa hadapan, dia juga memuliakan dirinya sebagai pelukis potret, sebahagian besar pesanan datang dari Florence. Sifat halus dan halus karyanya dengan unsur-unsur penggayaan (generalisasi imej menggunakan teknik konvensional - kesederhanaan bentuk, warna, kelantangan) membezakannya daripada tuan lain pada masa itu. Seorang kontemporari Leonardo da Vinci dan Michelangelo muda meninggalkan tanda yang cerah pada seni dunia ("Kelahiran Venus" (foto), "Musim Bunga", "Pemujaan Magi", "Venus dan Marikh", "Krismas", dll. .). Lukisannya tulus dan sensitif, dan jalan hidupnya rumit dan tragis. Persepsi romantis dunia pada usia muda digantikan dengan mistik dan pengagungan agama dalam kematangan. Tahun-tahun terakhir hidupnya, Sandro Botticelli hidup dalam kemiskinan dan kelalaian.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

Seorang pelukis Itali dan seorang lagi wakil Renaissance awal, yang berasal dari Tuscany. Gaya pengarang dibentuk di bawah pengaruh sekolah lukisan Florentine. Sebagai tambahan kepada bakat artis, Piero della Francesca mempunyai kebolehan yang luar biasa dalam bidang matematik, dan menumpukan tahun-tahun terakhir hidupnya kepadanya, cuba menghubungkannya dengan seni tinggi. Hasilnya ialah dua risalah saintifik: "Mengenai Perspektif dalam Lukisan" dan "Buku Lima Pepejal Betul". Gayanya dibezakan oleh kesungguhan, keharmonian dan kemuliaan imej, keseimbangan komposisi, garis dan pembinaan yang tepat, julat warna lembut. Piero della Francesca mempunyai pengetahuan yang luar biasa pada masa itu sisi teknikal lukisan dan ciri-ciri perspektif, yang memberikannya prestij tinggi di kalangan sezamannya. Karya yang paling terkenal: "The History of the Queen of Sheba", "The Flagellation of Christ" (gambar), "The Altar of Montefeltro", dll.

Lukisan Renaissance Tinggi

Jika Proto-Renaissance dan era awal masing-masing berlangsung hampir satu setengah abad dan satu abad, maka tempoh ini hanya meliputi beberapa dekad (di Itali dari 1500 hingga 1527). Ia adalah kilat yang terang dan mempesonakan yang memberikan dunia seluruh galaksi orang yang hebat, serba boleh dan cemerlang. Semua cabang seni berjalan seiring, begitu banyak sarjana juga saintis, pengukir, pencipta, dan bukan hanya artis Renaissance. Senarai itu panjang, tetapi kemuncak Renaissance ditandai dengan karya L. da Vinci, M. Buanarotti dan R. Santi.

Genius Luar Biasa Da Vinci

Mungkin ini adalah personaliti yang paling luar biasa dan cemerlang dalam sejarah budaya seni dunia. Dia adalah orang yang universal dalam erti kata penuh dan memiliki pengetahuan dan bakat yang paling serba boleh. Artis, pengukir, ahli teori seni, ahli matematik, arkitek, ahli anatomi, ahli astronomi, ahli fizik dan jurutera - semua ini mengenai dia. Lebih-lebih lagi, di setiap kawasan, Leonardo da Vinci (1452-1519) menunjukkan dirinya sebagai seorang inovator. Setakat ini, hanya 15 lukisannya, serta banyak lakaran, terselamat. Dengan menakjubkan tenaga hidup dan dahagakan ilmu, dia tidak sabar, dia terpesona dengan proses ilmu. Pada usia yang sangat muda (20 tahun) dia layak sebagai sarjana Guild of St. Luke. Karya-karyanya yang paling penting ialah lukisan dinding "The Last Supper", lukisan "Mona Lisa", "Madonna Benois" (gambar di atas), "Lady with an Ermine", dll.

Potret oleh artis Renaissance jarang berlaku. Mereka lebih suka meninggalkan imej mereka dalam lukisan dengan banyak wajah. Jadi, sekitar potret diri da Vinci (gambar), perselisihan tidak reda hingga ke hari ini. Versi dikemukakan bahawa dia membuatnya pada usia 60 tahun. Menurut penulis biografi, artis dan penulis Vasari, tuan besar itu sedang mati dalam pelukan rakan karibnya Raja Francis I di istana Clos Luce.

Raphael Santi (1483-1520)

Artis dan arkitek berasal dari Urbino. Namanya dalam seni selalu dikaitkan dengan idea keindahan agung dan keharmonian semula jadi. Untuk kehidupan yang agak singkat (37 tahun), dia mencipta banyak lukisan, lukisan dinding dan potret yang terkenal di dunia. Plot yang digambarkannya sangat pelbagai, tetapi dia sentiasa tertarik dengan imej Ibu Tuhan. Sememangnya wajar Raphael dipanggil "tuan Madonnas", mereka yang dilukisnya di Rom sangat terkenal. Di Vatican, dia bekerja dari 1508 hingga akhir hayatnya sebagai artis rasmi di mahkamah paus.

Berbakat secara menyeluruh, seperti ramai artis hebat Renaissance yang lain, Raphael juga seorang arkitek, dan juga terlibat dalam penggalian arkeologi. Menurut satu versi, hobi terakhir mempunyai kaitan langsung dengan kematian pramatang. Agaknya, dia dijangkiti demam Rom semasa penggalian. Tuan besar dikebumikan di Pantheon. Foto itu adalah potret dirinya.

Michelangelo Buoanarroti (1475-1564)

Lelaki yang berusia 70 tahun ini sangat cerah, dia meninggalkan kepada keturunannya ciptaan abadi bukan sahaja lukisan, tetapi juga arca. Seperti artis Renaissance hebat yang lain, Michelangelo hidup dalam masa yang penuh dengan peristiwa bersejarah dan kejutan. Seninya adalah nota akhir yang indah dari seluruh Renaissance.

Tuan meletakkan arca di atas semua seni lain, tetapi dengan kehendak takdir dia menjadi seorang pelukis dan arkitek yang cemerlang. Karyanya yang paling bercita-cita tinggi dan luar biasa ialah lukisan (gambar) di istana di Vatican. Keluasan lukisan dinding melebihi 600 meter persegi dan mengandungi 300 figura manusia. Yang paling mengagumkan dan biasa ialah adegan Penghakiman Terakhir.

Seniman Renaissance Itali adalah bakat pelbagai rupa. Jadi, sedikit orang tahu bahawa Michelangelo juga seorang penyair yang hebat. Aspek geniusnya ini terserlah sepenuhnya pada akhir hayatnya. Kira-kira 300 puisi telah terselamat sehingga hari ini.

Lukisan zaman Renaissance lewat

Tempoh akhir meliputi tempoh masa dari 1530 hingga 1590-1620. Menurut Encyclopædia Britannica, Renaissance sebagai zaman sejarah berakhir dengan kejatuhan Rom pada tahun 1527. Sekitar masa yang sama, Counter-Reformation berjaya di selatan Eropah. Arus Katolik memandang dengan khuatir pada mana-mana pemikiran bebas, termasuk nyanyian keindahan tubuh manusia dan kebangkitan seni zaman purba - iaitu, segala-galanya yang menjadi tonggak Renaissance. Ini mengakibatkan trend khas - tingkah laku, yang dicirikan oleh kehilangan keharmonian antara rohani dan fizikal, manusia dan alam semula jadi. Tetapi walaupun dalam tempoh yang sukar ini, beberapa artis Renaissance terkenal mencipta karya agung mereka. Antaranya ialah Antonio da Correggio, (dianggap sebagai pengasas klasikisme dan Palladianisme) dan Titian.

Titian Vecellio (1488-1490 - 1676)

Dia berhak dianggap sebagai titan Renaissance, bersama dengan Michelangelo, Raphael dan da Vinci. Malah sebelum dia berumur 30 tahun, Titian dikenali sebagai "raja pelukis dan pelukis raja." Pada asasnya, artis itu melukis gambar pada tema mitologi dan alkitabiah, lebih-lebih lagi, dia menjadi terkenal sebagai pelukis potret yang hebat. Orang sezaman percaya bahawa dicetak dengan berus seorang tuan yang hebat bermakna memperoleh keabadian. Dan memang begitu. Perintah kepada Titian datang dari orang yang paling dihormati dan mulia: paus, raja, kardinal dan duke. Berikut adalah beberapa karya beliau yang paling terkenal: "Venus of Urbino", "The Abduction of Europe" (gambar), "Carrying the Cross", "Coronation with Duri", "Pesaro Madonna", "Wanita dengan Cermin", dsb.

Tiada yang diulang dua kali. Era Renaissance memberikan manusia keperibadian yang cemerlang dan luar biasa. Nama mereka tertera di dalamnya sejarah dunia huruf emas seni. Arkitek dan pengukir, penulis dan artis Renaissance - senarai mereka sangat panjang. Kami hanya menyentuh tentang raksasa yang mencipta sejarah, membawa idea-idea pencerahan dan humanisme kepada dunia.