› › Sejarah Ringkas Orkestra Simfoni. Keajaiban bunyi (tentang orkestra simfoni) Cerita tentang orkestra simfoni untuk kanak-kanak

Sejarah Ringkas Orkestra Simfoni. Keajaiban bunyi (tentang orkestra simfoni) Cerita tentang orkestra simfoni untuk kanak-kanak

Muzik adalah, pertama sekali, bunyi. Mereka boleh kuat dan senyap, cepat dan perlahan, berirama dan tidak begitu…

Tetapi setiap daripada mereka, setiap nota bunyi dengan cara tertentu mempengaruhi kesedaran seseorang yang mendengar muzik, keadaan fikirannya. Dan jika ini adalah muzik orkestra, maka ia pasti tidak boleh meninggalkan sesiapa pun acuh tak acuh!

Orkestra. Jenis-jenis orkestra

Orkestra ialah sekumpulan pemuzik yang memainkan alat muzik, karya yang direka khusus untuk instrumen ini.

Dan dari apa komposisi ini, orkestra mempunyai kemungkinan muzik yang berbeza: dari segi timbre, dinamik, ekspresif.

Apakah jenis orkestra yang ada? Yang utama ialah:

  • simfoni;
  • instrumental;
  • orkestra alat muzik rakyat;
  • angin;
  • jazz;
  • pop.

Terdapat juga pancaragam tentera (mempersembahkan lagu-lagu tentera), pancaragam sekolah (yang termasuk pelajar sekolah), dan sebagainya.

Orkestra Simfoni

Orkestra jenis ini mengandungi tali, tiupan dan alat perkusi.

Terdapat orkestra simfoni kecil dan orkestra besar.

Maly ialah yang memainkan muzik komposer lewat abad ke-18 - awal abad ke-19. Repertoarnya mungkin termasuk variasi moden. Orkestra simfoni yang besar berbeza daripada yang kecil dengan menambahkan lebih banyak instrumen pada komposisinya.

Komposisi yang kecil semestinya mengandungi:

  • biola;
  • alto;
  • cello;
  • bes berganda;
  • bassoon;
  • tanduk;
  • paip;
  • timpani;
  • seruling;
  • klarinet;
  • oboe.

Yang besar termasuk alat berikut:

  • seruling;
  • oboes;
  • klarinet;
  • kontrabassoon.

By the way, ia boleh termasuk sehingga 5 instrumen setiap keluarga. Dan juga dalam orkestra besar hadir:

  • tanduk;
  • sangkakala (bass, kecil, alto);
  • trombon (tenor, tenorbass);
  • tiub.

Dan, sudah tentu, alat perkusi:

  • timpani;
  • loceng;
  • kecil dan gendang besar;
  • segi tiga;
  • pinggan;
  • tom-tom India;
  • kecapi;
  • piano;
  • harpsichord.

Satu ciri orkestra kecil ialah terdapat kira-kira 20 alat bertali di dalamnya, manakala dalam orkestra besar terdapat kira-kira 60.

Konduktor mengarahkan orkestra simfoni. Dia secara artistik mentafsir kerja yang dilakukan oleh orkestra dengan bantuan skor - notasi muzik lengkap semua bahagian setiap instrumen orkestra.

Orkestra instrumental

Orkestra jenis ini berbeza dalam bentuknya kerana ia tidak mempunyai jumlah alat muzik kumpulan tertentu yang jelas. Dan juga dia boleh melakukan apa-apa muzik (tidak seperti orkestra simfoni, yang membuat persembahan klasik secara eksklusif).

Tiada jenis orkestra instrumental yang khusus, tetapi secara konvensional ia termasuk pelbagai orkestra, serta orkestra yang mempersembahkan klasik dalam pemprosesan moden.

mengikut latar belakang sejarah, muzik instrumental mula aktif berkembang di Rusia hanya di bawah Peter the Great. Dia, sudah tentu, mempunyai pengaruh Barat ke atas dirinya, tetapi dia tidak lagi berada di bawah larangan seperti pada zaman dahulu. Dan sebelum ia sampai ke tahap yang dilarang bukan sahaja untuk bermain, tetapi untuk membakar alat muzik. Gereja percaya bahawa mereka tidak mempunyai jiwa mahupun hati, dan oleh itu mereka tidak dapat memuliakan Tuhan. Dan oleh itu muzik instrumental berkembang terutamanya di kalangan orang biasa.

Mereka bermain dalam orkestra instrumental dengan seruling, kecapi, cithara, seruling, trompet, oboe, rebana, trombon, paip, muncung dan alat muzik lain.

Paling popular orkestra instrumental Abad XX - ini adalah orkestra Paul Mauriat.

Dia adalah konduktor, ketua, pengaturnya. Orkestranya memainkan banyak karya muzik popular abad ke-20, serta komposisinya sendiri.

Orkestra Rakyat

Dalam orkestra sebegini, instrumen utama adalah folk.

Sebagai contoh, untuk orkestra rakyat Rusia, yang paling tipikal ialah: domras, balalaikas, psaltery, akordion butang, harmonika, zhaleika, seruling, tanduk Vladimir, tamborin. Selain itu, alat muzik tambahan untuk orkestra seperti itu ialah seruling dan oboe.

Orkestra rakyat pertama kali muncul pada akhir abad ke-19, yang dianjurkan oleh V.V. Andreev. Orkestra ini banyak melawat dan mendapat populariti yang meluas di Rusia dan di luar negara. Dan pada awal abad ke-20 orkestra rakyat mula muncul di mana-mana: di kelab, di istana budaya, dan sebagainya.

Pancaragam tembaga

Orkestra jenis ini menunjukkan bahawa ia termasuk pelbagai alat tiupan dan perkusi. Ia datang dalam bentuk kecil, sederhana dan besar.

orkestra jazz

Satu lagi orkestra jenis ini dipanggil kumpulan jazz.

Ia terdiri daripada alat muzik seperti: saksofon, piano, banjo, gitar, perkusi, trompet, trombon, double bass, klarinet.

Secara umum, jazz adalah arah dalam muzik yang telah berkembang di bawah pengaruh irama dan cerita rakyat Afrika, serta keharmonian Eropah.

Jazz pertama kali muncul di selatan Amerika Syarikat pada awal abad ke-20. Dan tidak lama lagi merebak ke semua negara di dunia. Di rumah, arah muzik ini berkembang dan ditambah dengan yang baru ciri ciri yang muncul di satu wilayah atau yang lain.

Pada suatu ketika di Amerika, istilah "jazz" dan "muzik popular" mempunyai makna semantik yang sama.

Orkestra jazz mula aktif terbentuk pada tahun 1920-an. Dan mereka kekal begitu sehingga 40-an.

Sebagai peraturan, peserta memasuki kumpulan muzik ini seawal remaja, melakukan bahagian khusus mereka - dihafal atau dari nota.

Tahun 1930-an dianggap sebagai puncak kegemilangan bagi orkestra jazz. Pemimpin orkestra jazz yang paling terkenal pada masa itu ialah: Artie Shaw, Glenn Miller, dan lain-lain. Karya muzik mereka kedengaran di mana-mana pada masa itu: di radio, di kelab tarian dan sebagainya.

Kini, orkestra dan melodi jazz yang ditulis dalam gaya jazz juga sangat popular.

Dan walaupun terdapat lebih banyak jenis orkestra muzik, artikel itu membincangkan yang utama.

Orkestra(dari orkestra Yunani) - satu pasukan besar pemuzik instrumental. Tidak seperti ensembel bilik, dalam orkestra beberapa pemuziknya membentuk kumpulan yang bermain secara serentak, iaitu, mereka memainkan bahagian yang sama.
Idea pembuatan muzik serentak oleh sekumpulan penghibur instrumental kembali ke zaman purba: walaupun di Mesir purba, kumpulan kecil pemuzik bermain bersama pada pelbagai cuti dan pengebumian.
Perkataan "orchestra" ("orchestra") berasal dari nama platform bulat di hadapan pentas dalam teater Yunani kuno, yang menempatkan koir Yunani kuno, peserta dalam sebarang tragedi atau komedi. Semasa Renaissance dan seterusnya XVII abad, orkestra itu telah berubah menjadi lubang orkestra dan, dengan itu, memberikan nama kepada kumpulan pemuzik yang terletak di dalamnya.
Terdapat pelbagai jenis orkestra: orkestra tembaga dan tiupan kayu tentera, orkestra alat muzik rakyat, orkestra tali. Yang terbesar dalam komposisi dan terkaya dari segi keupayaannya ialah orkestra simfoni.

simfonidipanggil orkestra, terdiri daripada beberapa kumpulan instrumen yang heterogen - keluarga rentetan, tiupan dan perkusi. Prinsip persatuan sedemikian telah berkembang di Eropah pada XVIII abad. Pada mulanya, orkestra simfoni termasuk kumpulan alat tunduk, alat tiupan kayu dan loyang, yang bercantum dengan beberapa alat muzik perkusi. Selepas itu, komposisi setiap kumpulan ini berkembang dan mempelbagaikan. Pada masa ini, di antara beberapa jenis orkestra simfoni, adalah kebiasaan untuk membezakan antara orkestra simfoni kecil dan besar. Orkestra Simfoni Kecil ialah orkestra dengan komposisi kebanyakannya klasik (memainkan muzik lewat ke-18 - awal abad ke-19, atau pastiche moden). Ia terdiri daripada 2 seruling (jarang seruling kecil), 2 obo, 2 klarinet, 2 bassoon, 2 (jarang 4) tanduk, kadangkala 2 sangkakala dan timpani, kumpulan rentetan tidak lebih daripada 20 instrumen (5 biola pertama dan 4 saat, 4 viola, 3 cello, 2 bes berganda). Orkestra simfoni besar (BSO) termasuk trombon wajib dalam kumpulan tembaga dan boleh mempunyai sebarang komposisi. Selalunya instrumen kayu (seruling, obo, klarinet dan bassoon) mencapai sehingga 5 instrumen bagi setiap keluarga (kadangkala lebih klarinet) dan termasuk jenis (seruling pick dan alto, cupid oboe dan oboe Inggeris, klarinet kecil, alto dan bass, contrabassoon). Kumpulan tembaga boleh termasuk sehingga 8 tanduk (termasuk tuba Wagner khas), 5 sangkakala (termasuk kecil, alto, bass), 3-5 trombon (tenor dan tenorbass) dan tuba. Saksofon sering digunakan (dalam orkestra jazz, kesemua 4 jenis). Kumpulan rentetan mencapai 60 atau lebih instrumen. Alat perkusi adalah banyak (walaupun timpani, loceng, gendang kecil dan besar, segitiga, simbal dan tam-tom India membentuk tulang belakang mereka), kecapi, piano, harpsichord sering digunakan.
Untuk menggambarkan bunyi orkestra, saya akan menggunakan rakaman konsert akhir"Orkestra Simfoni YouTube". Konsert itu berlangsung pada tahun 2011 di bandar Sydney, Australia. DALAM hidup ia telah ditonton di televisyen oleh berjuta-juta orang di seluruh dunia. Simfoni YouTube didedikasikan untuk memupuk minat muzik dan mempamerkan kepelbagaian kreatif manusia yang luas.


Program konsert itu termasuk karya terkenal dan kurang dikenali oleh komposer terkenal dan kurang dikenali.

Berikut adalah program beliau:

Hector Berlioz - Karnival Rom - Overture, Op. 9 (menampilkan Android Jones - artis digital)
Temui Maria Chiossi
Percy Grainger - Ketibaan di Platform Humlet dari in a Nutshell - Suite
Johan Sebastian Bach
Temui Paulo Calligopoulos - Gitar Elektrik dan biola
Alberto Ginastera - Danza del trigo (Tarian Gandum) dan akhir Danza (Malambo) dari balet Estancia (dikendalikan oleh Ilyich Rivas)
Wolfgang Amadeus Mozart - "Caro" loceng "idol mio" - Canon dalam tiga suara, K562 (menampilkan Sydney Children's Choir dan soprano Renee Fleming melalui video)
Bertemu Xiomara Mass - Oboe
Benjamin Britten - Panduan Orang Muda untuk Orkestra, Op. 34
William Barton - Kalkadunga (menampilkan William Barton - Didgeridoo)
Timothy Konstabel
Temui Roman Riedel - Trombone
Richard Strauss - Fanfare for the Vienna Philharmonic (menampilkan Sarah Willis, Horn, Berlin Philharmoniker dan dikendalikan oleh Edwin Outwater)
*PREMIERE* Mason Bates - Mothership (digubah khas untuk Orkestra Simfoni YouTube 2011)
Temui Su Chang
Felix Mendelssohn - Konsert Violin dalam E minor, Op. 64 (Akhir) (menampilkan Stefan Jackiw dan dikendalikan oleh Ilyich Rivas)
Temui Ozgur Baskin - Violin
Colin Jacobsen dan Siamak Aghaei - Ascending Bird - Suite untuk orkestra tali (menampilkan Colin Jacobsen, biola dan Richard Tognetti, biola dan Kseniya Simonova - artis pasir)
Temui Stepan Grytsay - Violin
Igor Stravinsky - The Firebird (Tarian Infernal - Berceuse - Finale)
*ENCORE* Franz Schubert - Rosamunde (menampilkan Eugene Izotov - oboe, dan Andrew Mariner - klarinet)

Sejarah orkestra simfoni

Orkestra simfoni telah dibentuk selama berabad-abad. perkembangannya untuk masa yang lama berlaku di kedalaman opera dan ensembel gereja. Pasukan sedemikian dalam XV - XVII berabad-abad adalah kecil dan pelbagai. Mereka termasuk kecapi, biola, seruling dengan obo, trombon, kecapi, dan gendang. Secara beransur-ansur, alat tunduk bertali memenangi kedudukan dominan. Biola digantikan dengan biola dengan bunyinya yang lebih kaya dan merdu. Kembali ke atas XVIII V. mereka sudah pun memerintah dalam orkestra. Kumpulan berasingan dan alat tiup (seruling, obo, bassoon) telah bersatu. Dari orkestra gereja mereka beralih kepada trompet simfoni dan timpani. Harpsichord adalah ahli ensembel instrumental yang sangat diperlukan.
Komposisi sedemikian adalah tipikal untuk J. S. Bach, G. Handel, A. Vivaldi.
Dari tengah XVIII V. genre simfoni mula berkembang dan konsert instrumental. Penyimpangan daripada gaya polifonik menyebabkan para komposer berusaha untuk mendapatkan kepelbagaian timbre, kelegaan yang menjelma daripada suara orkestra.
Fungsi alat baru berubah. Harpsichord, dengan bunyi yang lemah, secara beransur-ansur kehilangan peranan utamanya. Tidak lama kemudian, komposer meninggalkannya sepenuhnya, bergantung terutamanya pada kumpulan rentetan dan angin. Menjelang akhir XVIII V. apa yang dipanggil komposisi klasik orkestra telah dibentuk: kira-kira 30 tali, 2 seruling, 2 obo, 2 bassoon, 2 paip, 2-3 tanduk dan timpani. Klarinet tidak lama kemudian menyertai loyang. J. Haydn, W. Mozart menulis untuk komposisi sedemikian. Begitulah orkestra dalam gubahan awal L. Beethoven. DALAM XIX V.
Perkembangan orkestra berjalan terutamanya dalam dua arah. Di satu pihak, peningkatan dalam komposisi, ia diperkaya dengan pelbagai jenis instrumen (merit komposer romantis, terutamanya Berlioz, Liszt, Wagner, sangat bagus untuk ini), sebaliknya, keupayaan dalaman orkestra berkembang: warna bunyi menjadi lebih bersih, tekstur lebih jelas, sumber ekspresif lebih menjimatkan (seperti orkestra Glinka, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov). Memperkaya palet orkestra dan banyak komposer Allahyarham dengan ketara XIX - separuh pertama XX V. (R. Strauss, Mahler, Debussy, Ravel, Stravinsky, Bartok, Shostakovich dan lain-lain).

Komposisi orkestra simfoni

Orkestra simfoni moden terdiri daripada 4 kumpulan utama. Asas orkestra adalah kumpulan rentetan (biola, biola, cello, bes berganda). Dalam kebanyakan kes, rentetan adalah pembawa utama permulaan melodi dalam orkestra. Bilangan pemuzik bermain rentetan adalah lebih kurang 2/3 daripada keseluruhan kumpulan. Kumpulan alat tiup kayu termasuk seruling, obo, klarinet, bassoon. Setiap daripada mereka biasanya mempunyai parti bebas. Mengalah kepada yang tunduk dalam ketepuan timbre, sifat dinamik dan pelbagai teknik bermain, alat tiup mempunyai kuasa yang hebat, bunyi padat, rona berwarna-warni yang terang. Kumpulan ketiga instrumen orkestra ialah loyang (tanduk, trompet, trombon, trompet). Mereka membawa warna-warna terang baharu kepada orkestra, memperkayakan keupayaan dinamiknya, memberikan kuasa dan kecemerlangan kepada bunyi, dan juga berfungsi sebagai sokongan bes dan berirama.
Semua nilai yang lebih besar memperoleh alat perkusi dalam orkestra simfoni. Fungsi utama mereka adalah berirama. Di samping itu, mereka mencipta latar belakang bunyi dan bunyi khas, melengkapkan dan menghiasi palet orkestra dengan kesan warna. Mengikut sifat bunyi, gendang dibahagikan kepada 2 jenis: ada yang mempunyai nada tertentu (timpani, loceng, gambang, loceng, dll.), yang lain tidak mempunyai nada yang tepat (segitiga, rebana, gendang kecil dan besar, simbal) . Daripada alat muzik yang tidak termasuk dalam kumpulan utama, peranan kecapi adalah yang paling penting. Kadangkala, komposer memasukkan celesta, piano, saksofon, organ dan instrumen lain dalam orkestra.
Maklumat lanjut tentang instrumen orkestra simfoni - kumpulan tali, tiupan kayu, loyang dan perkusi boleh didapati di tapak.
Saya tidak boleh mengabaikan satu lagi tapak berguna, "Kanak-kanak tentang Muzik", yang saya temui semasa penyediaan jawatan itu. Tidak perlu takut dengan fakta bahawa ini adalah tapak untuk kanak-kanak. Terdapat beberapa perkara yang agak serius di dalamnya, hanya diceritakan dalam bahasa yang lebih mudah dan difahami. Di sini pautan pada dia. By the way, ia juga mengandungi cerita tentang orkestra simfoni.

Sepanjang sejarahnya, beribu-ribu tahun, manusia telah mencipta alat muzik dan menggabungkannya ke dalam pelbagai kombinasi. Tetapi ia hanya kira-kira empat ratus tahun yang lalu bahawa gabungan instrumen ini berkembang menjadi bentuk yang sudah hampir dengan orkestra moden.

Pada zaman dahulu, apabila pemuzik berkumpul untuk bermain, mereka menggunakan apa sahaja instrumen yang ada di sekeliling. Jika ada tiga pemain kecapi, dua kecapi dan seruling, begitulah cara mereka bermain. Menjelang awal abad ke-16, era yang dikenali sebagai Renaissance, perkataan "ensemble" digunakan untuk merujuk kepada sekumpulan pemuzik, kadangkala penyanyi, yang mempersembahkan muzik bersama-sama atau "dalam ensembel".

Komposer kebangkitan awal mereka biasanya tidak menyatakan untuk instrumen yang mereka tulis bahagian itu. Ini bermakna bahagian boleh dimainkan pada mana-mana instrumen yang tersedia. Tetapi pada permulaan abad ke-17 di Itali, komposer Claudio Monteverdi memilih instrumen mana yang harus mengiringi opera Orpheusnya (1607), dan menunjukkan dengan tepat untuk instrumen mana bahagian-bahagian itu ditulis: lima belas viola pelbagai saiz, dua biola, empat seruling ( dua besar dan dua sederhana), dua obo, dua kornet (paip kayu kecil), empat trompet, lima trombon, kecapi, dua harpsichord dan tiga organ kecil.

Seperti yang dilihat, " orkestra renaissance"Monteverdi sudah kelihatan seperti apa yang kita bayangkan sebagai orkestra: instrumen disusun mengikut kumpulan, terdapat banyak instrumen tali tunduk, pelbagai jenis.

Pada abad berikutnya (sehingga 1700, zaman J.S. Bach), orkestra berkembang lebih banyak lagi. Keluarga biola (biola, viola, cello dan bass) menggantikan biola, dalam orkestra Baroque, keluarga biola jauh lebih mewakili daripada biola dalam orkestra Renaissance. Kepimpinan muzik dalam orkestra Baroque dipegang oleh papan kekunci, pemuzik yang memainkan harpsichord atau kadangkala organ bertindak sebagai pemimpin. Apabila J.S. Bach bekerja dengan orkestra, dia duduk di organ atau harpsichord dan mengetuai orkestra dari tempat duduknya.

Pada era Baroque, seorang konduktor muzik kadangkala mengetuai orkestra sambil berdiri, tetapi ini belum lagi menjadi konduktor yang kita tahu sekarang. Jean-Baptiste Lully, yang bertanggungjawab terhadap muzik di mahkamah raja Perancis pada tahun 1600-an, pernah mengalahkan irama untuk pemuziknya dengan galah panjang di atas lantai, tetapi suatu hari dia secara tidak sengaja mencederakan kakinya, gangren berkembang, dan dia mati!

Pada abad ke-19 seterusnya, zaman Haydn dan Beethoven, terdapat perubahan yang lebih mendalam dalam orkestra. Alat tunduk bertali telah menjadi lebih penting berbanding sebelum ini, dan instrumen papan kekunci sebaliknya, mereka pergi ke dalam bayang-bayang. Komposer mula menulis untuk alat muzik tertentu. Ini bermakna mengetahui suara setiap instrumen, memahami jenis muzik yang akan berbunyi lebih baik dan lebih mudah untuk dimainkan pada instrumen yang dipilih. Komposer telah menjadi lebih bebas dan malah mencabar dalam menggabungkan instrumen untuk menghasilkan bunyi dan nada yang lebih kaya dan pelbagai.

Pemain biola pertama (atau pemain pengiring) mengarahkan persembahan orkestra dari kerusinya, tetapi kadang-kadang dia terpaksa memberi arahan dengan gerak isyarat, dan untuk lebih dilihat, dia mula-mula menggunakan helaian kertas putih biasa yang digulung ke dalam tiub. Ini membawa kepada kemunculan baton konduktor moden. Pada awal 1800-an, komposer-konduktor seperti Carl Maria von Weber dan Felix Mendelssohn adalah yang pertama memimpin pemuzik dari podium di tengah di hadapan orkestra.

Apabila orkestra semakin besar, tidak semua pemuzik dapat melihat dan mengikuti pengiring. Menjelang akhir abad ke-19, orkestra mencapai saiz dan perkadaran yang kita ketahui hari ini dan bahkan melebihi yang moden. Beberapa komposer, seperti Berlioz, mula mengarang muzik hanya untuk orkestra besar itu.

Reka bentuk, pembinaan dan kualiti alat muzik sentiasa diperbaiki, dicipta alat muzik baru yang mendapat tempat mereka dalam orkestra, seperti piccolo (piccolo) dan sangkakala. Banyak komposer, termasuk Berlioz, Verdi, Wagner, Mahler dan Richard Strauss, menjadi konduktor. Percubaan mereka dengan orkestrasi (seni mengedarkan bahan muzik di antara alat-alat orkestra untuk menggunakan setiap instrumen yang paling berfaedah) menunjukkan jalan ke abad ke-20.

Wagner pergi lebih jauh lagi, dia mereka bentuk dan menghasilkan trompet bass ( sangkakala Wagner), menggabungkan unsur terompet dan sangkakala untuk memperkenalkan bunyi baharu yang istimewa kepada opera abadinya Der Ring des Nibelungen. Dia juga merupakan konduktor pertama yang membelakangkan penonton untuk mengawal orkestra dengan lebih baik. Dalam salah satu simfoninya, Strauss menulis bahagian untuk tanduk alpine, alat muzik rakyat kayu sepanjang 12 kaki. Kini tanduk alpine digantikan dengan paip. Arnold Schoenberg mencipta karyanya "Songs Gurre" (Gurrelieder) untuk orkestra dengan 150 instrumen.

Abad ke-20 adalah abad kebebasan dan eksperimen baharu dengan orkestra. Konduktor menjadi individu sepenuhnya dan superstar mereka sendiri muncul di kalangan mereka. Tanggungjawab telah meningkat berkali-kali, tetapi pengiktirafan penonton juga.

Asas orkestra adalah seperti pada akhir abad ke-19, dan komposer kadangkala menambah atau mengeluarkan instrumen, bergantung pada kesan yang mereka inginkan. Kadangkala ia merupakan kumpulan alat perkusi yang sangat meluas atau tiupan kayu dan loyang. Tetapi komposisi orkestra telah menjadi tetap dan pada asasnya kekal: sekumpulan besar alat tunduk dan kumpulan kecil tiupan, perkusi, kecapi dan alat papan kekunci.

Selepas bertahun-tahun, ia masih berfungsi!

, cello , double bass . Dikumpul bersama, di tangan pemuzik berpengalaman, tertakluk kepada kehendak konduktor, mereka membentuk alat muzik yang mampu mengekspresikan dan menyampaikan dengan bunyi apa-apa kandungan muzik, apa-apa imej, apa-apa pemikiran. Banyak kombinasi instrumen orkestra memberikan set bunyi pelbagai yang hampir tidak habis-habis - daripada gemuruh, memekak hingga hampir tidak kedengaran, daripada memotong telinga secara mendadak kepada lembut belaian. Dan kord berbilang tingkat dengan sebarang kerumitan, dan plexus bercorak dan berliku-liku dari perhiasan melodi heterogen, dan kain nipis sarang labah-labah, bunyi kecil "serihan" apabila, mengikut ungkapan kiasan S. S. Prokofiev, "seolah-olah mereka membersihkan orkestra", dan gabungan kuat banyak instrumen pada masa yang sama memainkan bunyi yang sama - semua ini tertakluk kepada orkestra. Mana-mana kumpulan orkestra - rentetan, angin, perkusi, dipetik, papan kekunci - dapat memisahkan daripada yang lain dan memimpin penceritaan muziknya sendiri manakala yang lain senyap; tetapi kesemuanya sepenuhnya, sebahagian atau sebagai wakil individu, bergabung dengan kumpulan lain atau sebahagian daripadanya, membentuk aloi timbre yang kompleks. Selama lebih daripada dua abad, pemikiran komposer yang paling dihargai, pencapaian paling cemerlang dalam sejarah seni bunyi, telah dikaitkan dengan muzik yang disusun, ditulis, dan kadang-kadang juga diatur untuk orkestra simfoni.

Susunan alat muzik orkestra simfoni.

Semua orang yang suka muzik tahu dan mengingati nama-nama J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, F. Schubert, R. Schumann, I. Brahms, G. Berlioz, F. Liszt, S. Frank, J. Bizet, J. Verdi , P. I. Tchaikovsky, N. A. Rimsky-Korsakov, A. P. Borodin. M. P. Mussorgsky , S. V. Rachmaninov , A. K. Glazunov , I. F. Stravinsky , S. S. Prokofiev , N. Ya. Myaskovsky , D. D. Shostakovich , A. I. Khachaturian , K. Debussy, M. Ravel, B. Bartoks, symphonics symphonys, suites yang symphonics, symphonics symphonies, suites, symphonics oversms, suites yang symphonics, symphonics symphonies lain-lain. , lukisan, fantasi, konsert instrumental yang diiringi oleh orkestra, dan akhirnya, cantata, oratorio, opera dan balet ditulis untuk orkestra simfoni atau melibatkan penyertaannya . Keupayaan untuk menulis untuknya adalah bidang seni komposisi muzik yang paling tinggi dan paling kompleks, yang memerlukan pengetahuan khusus yang mendalam, pengalaman yang luas, latihan, dan yang paling penting - istimewa keupayaan muzik, bakat, bakat.

Sejarah kemunculan dan perkembangan orkestra simfoni adalah sejarah penstrukturan semula secara beransur-ansur yang lama dan penciptaan instrumen baru, peningkatan dalam komposisinya, sejarah penambahbaikan cara gabungan instrumen digunakan, iaitu, sejarah bidang sains muzik yang dipanggil orkestrasi atau instrumentasi, dan, akhirnya, sejarah muzik simfoni, opera, oratorio. Kesemua empat istilah ini, empat sisi konsep "orkes simfoni", berkait rapat. Pengaruh mereka terhadap satu sama lain adalah dan masih pelbagai.

Perkataan "orkes" di Greece Purba bermaksud kawasan separuh bulatan di hadapan pentas teater, di mana koir itu terletak - peserta yang sangat diperlukan dalam persembahan dramatik di era Aeschylus, Sophocles, Euripides, Aristophanes. Sekitar tahun 1702, perkataan ini mula-mula menandakan ruang kecil yang bertujuan untuk ensemble pemain instrumental yang mengiringi opera. Jadi dipanggil kumpulan instrumental dalam muzik bilik. Pada pertengahan abad XVIII. memperkenalkan perbezaan yang menentukan untuk sejarah orkestra - orkestra besar menentang muzik bilik kecil - ensemble. Sehingga masa itu, tiada garis jelas dibuat antara muzik bilik dan muzik orkestra.

Konsep "orkes simfoni" muncul dalam era klasikisme, apabila K. V. Gluck, L. Boccherini, Haydn, Mozart hidup dan bekerja. Ia sudah timbul selepas komposer mula menulis dengan tepat dalam nota nama setiap instrumen yang memainkan suara ini atau itu, garis muzik ini atau itu. Seawal awal abad ke-17. K. Monteverdi dalam "Orpheus" sebelum setiap nombor hanya menyenaraikan instrumen yang boleh melaksanakannya. Persoalan siapa yang harus memainkan barisan yang masih terbuka. Oleh itu, dalam mana-mana 40 rumah opera di Venice asalnya, satu persembahan Orpheus mungkin berbeza dengan yang lain. J. B. Lully, komposer, pemain biola, konduktor, mungkin yang pertama menulis untuk set instrumen tertentu, untuk apa yang dipanggil "24 Violins of the King" - ensembel rentetan yang dibentuk di mahkamah Louis XIV dan diketuai oleh Lully sendiri . Dia mempunyai suara atas kumpulan rentetan juga disandarkan oleh obo, dan suara rendah oleh bassoon. Obo dan bassoon tanpa tali, berbeza dengan komposisi penuh, mengambil bahagian di bahagian tengah gubahannya.

Sepanjang abad ke-17 dan separuh pertama abad ke-18. asas awal orkestra terbentuk - kumpulan rentetan. Secara beransur-ansur, wakil keluarga angin ditambah - seruling, obo dan bassoon, dan kemudian tanduk. Klarinet memasuki orkestra tidak lama kemudian kerana ketidaksempurnaannya yang melampau pada masa itu. M. I. Glinka dalam "Notes on Instrumentation" beliau memanggil bunyi klarinet "angsa". Namun kumpulan angin sebagai sebahagian daripada seruling, obo, klarinet dan tanduk (semuanya dua) muncul dalam Simfoni Prague Mozart, dan sebelum itu dengan kontemporari Perancisnya, F. Gossec. Dalam Simfoni London Haydn dan simfoni awal L. Beethoven, dua sangkakala muncul, serta timpani. Pada abad ke-19 kumpulan angin dalam orkestra dipertingkatkan lagi. Buat pertama kali dalam sejarah muzik orkestra, seruling piccolo, contrabassoon dan tiga trombon, yang sebelum ini hanya digunakan dalam opera, mengambil bahagian dalam kemuncak simfoni ke-5 Beethoven. R. Wagner menambah satu lagi tuba dan menjadikan bilangan paip kepada empat. Wagner pada dasarnya adalah seorang komposer opera, tetapi pada masa yang sama dia berhak dianggap sebagai ahli simfoni yang cemerlang dan pembaharu orkestra simfoni.

Keinginan para komposer abad XIX-XX. Untuk memperkayakan palet bunyi membawa kepada pengenalan ke dalam orkestra beberapa instrumen dengan keupayaan teknikal dan timbre khas.

KEPADA lewat XIX V. komposisi orkestra dibawa kepada mengagumkan, dan kadang-kadang kepada perkadaran gergasi. Oleh itu, simfoni ke-8 Mahler tidak sengaja dipanggil "simfoni seribu peserta." Dalam kanvas simfoni dan opera R. Strauss, pelbagai jenis alat tiup muncul: seruling alto dan bes, bariton oboe (haeckelphone), klarinet kecil, klarinet kontrabas, paip alto dan bes, dsb.

Pada abad XX. orkestra diisi semula terutamanya dengan alat perkusi. Sebelum ini, ahli orkestra biasa ialah 2–3 timpani, simbal, bes dan gendang jerat, segitiga, kurang kerap rebana dan tom-tom, loceng, gambang. Kini komposer menggunakan set loceng orkestra yang memberikan skala kromatik, celesta. Mereka memperkenalkan ke dalam orkestra instrumen seperti flexatone, loceng, kastanet Sepanyol, kotak kayu yang berdenting, kompang, keropok cambuk (tiupannya seperti tembakan), siren, mesin angin dan guruh, malah nyanyian burung bulbul. direkodkan pada rekod khas (ia digunakan V puisi simfoni Komposer Itali O. Respighi "The Pines of Rome").

Pada separuh kedua abad XX. daripada jazz ke orkestra simfoni datang alat perkusi seperti vibrafon, tomtom, bongos, gabungan kit gendang- dengan "Charleston" ("hi-hat"), maracas.

Bagi kumpulan rentetan dan angin, pembentukan mereka pada 1920 pada dasarnya telah siap. Orkestra kadangkala termasuk wakil individu kumpulan saksofon (dalam karya Wiese, Ravel, Prokofiev), band tembaga (kornet oleh Tchaikovsky dan Stravinsky), harpsichord, domra dan balalaika, gitar, mandolin, dll. Komposer semakin mencipta karya untuk komposisi separa orkestra simfoni: untuk rentetan sahaja, untuk rentetan dan loyang, untuk kumpulan angin tanpa rentetan dan perkusi, untuk rentetan dengan perkusi.

Komposer abad ke-20 menulis banyak muzik untuk orkestra bilik. Ia terdiri daripada 15-20 tali, setiap satu tiup kayu, satu atau dua tanduk, kumpulan perkusi dengan seorang pemain, kecapi (sebaliknya mungkin terdapat piano atau harpsichord). Bersama-sama dengan ini, karya muncul untuk ensemble pemain solo, di mana terdapat seorang wakil dari setiap varieti (atau dari beberapa daripada mereka). Begitulah simfoni dan drama bilik oleh A. Schoenberg, A. Webern, suite Stravinsky "The Story of a Soldier", karya komposer Soviet - sezaman kita M. S. Weinberg, R. K. Gabichvadze, E. V. Denisov dan lain-lain. Semakin banyak, pengarang beralih kepada gubahan yang luar biasa, atau, seperti yang mereka katakan, kecemasan. Mereka memerlukan bunyi yang luar biasa dan jarang berlaku, kerana peranan timbre dalam muzik kontemporari telah berkembang seperti sebelum ini.

Namun begitu, untuk sentiasa berpeluang mempersembahkan muzik, baik yang lama mahupun yang baru, dan yang terkini, komposisi orkestra simfoni kekal stabil. Orkestra simfoni moden dibahagikan kepada orkestra simfoni besar (kira-kira 100 pemuzik), sederhana (70–75), kecil (50–60). Berdasarkan orkestra simfoni yang besar, adalah mungkin untuk memilih untuk setiap karya komposisi yang diperlukan untuk persembahannya: satu untuk "Lapan Lagu Rakyat Rusia" oleh A.K. » Stravinsky atau Bolero yang berapi-api Ravel.

Bagaimanakah pemuzik di atas pentas? Pada abad XVIII-XIX. biola pertama duduk di sebelah kiri konduktor, dan yang kedua di sebelah kanan, biola duduk di belakang biola pertama, dan cello di belakang yang kedua. Di belakang kumpulan rentetan, mereka duduk dalam barisan: di hadapan kumpulan tiup kayu, dan di belakangnya kumpulan tembaga. Bes berganda terletak di latar belakang di sebelah kanan atau kiri. Ruang selebihnya dikhaskan untuk kecapi, celesta, piano dan perkusi. Di negara kita, pemuzik duduk mengikut skema yang diperkenalkan pada tahun 1945 oleh konduktor Amerika L. Stokowski. Mengikut skema ini, cello diletakkan di latar depan dan bukannya biola kedua di sebelah kanan konduktor; tempat mereka dahulu kini diduduki oleh biola kedua.

Orkestra simfoni diketuai oleh seorang konduktor. Dia menyatukan pemuzik orkestra dan mengarahkan semua usaha mereka ke arah merealisasikan rancangan persembahannya semasa latihan dan di konsert. Mengendalikan adalah berdasarkan sistem pergerakan tangan yang direka khas. Konduktor biasanya memegang baton di tangan kanannya. Peranan yang paling penting dimainkan oleh wajah, rupa, ekspresi mukanya. Konduktor mestilah seorang yang berpendidikan tinggi. Dia memerlukan pengetahuan tentang muzik pelbagai era dan gaya, instrumen orkestra dan keupayaan mereka, telinga yang tajam, keupayaan untuk menembusi secara mendalam ke dalam niat komposer. Bakat penghibur mesti digabungkan dengan kebolehan organisasi dan pedagoginya.

  • latar belakang
  • Genre orkestra dan bentuk
  • Kapel Mannheim
  • pemuzik mahkamah

latar belakang

Sejak zaman purba, orang ramai mengetahui tentang kesan bunyi alat muzik pada mood manusia: permainan kecapi, kecapi, cithara, kemancha atau seruling buluh yang lembut tetapi merdu menimbulkan perasaan gembira, cinta atau damai, dan bunyi tanduk haiwan (contohnya, shofar Ibrani ) atau paip logam menyumbang kepada kemunculan khidmat dan perasaan beragama. Dram dan perkusi lain, ditambah pada tanduk dan sangkakala, membantu mengatasi ketakutan dan membangkitkan keagresifan dan militan. Telah lama diperhatikan bahawa permainan bersama beberapa instrumen serupa meningkatkan bukan sahaja kecerahan bunyi, tetapi juga kesan psikologi pada pendengar - kesan yang sama yang berlaku apabila sebilangan besar orang menyanyikan melodi yang sama bersama-sama. Oleh itu, di mana sahaja orang menetap, persatuan pemuzik secara beransur-ansur mula muncul, mengiringi pertempuran atau acara khidmat awam dengan permainan mereka: ritual di kuil, perkahwinan, pengebumian, pertabalan, perarakan tentera, hiburan di istana.

Rujukan bertulis yang pertama untuk persatuan sedemikian boleh didapati dalam Pentateukh Musa dan dalam Mazmur Daud: pada permulaan beberapa mazmur terdapat rayuan kepada ketua paduan suara dengan penjelasan tentang instrumen mana yang harus digunakan untuk mengiringi. teks ini atau itu. Terdapat kumpulan pemuzik di Mesopotamia dan firaun Mesir, di China dan India purba, Yunani dan Rom. Dalam tradisi Yunani kuno melakukan tragedi, terdapat platform khas di mana pemuzik duduk, mengiringi persembahan pelakon dan penari dengan bermain instrumen. Ketinggian platform sedemikian "orkestra" dipanggil. Jadi paten untuk penciptaan perkataan "orkes" kekal dengan orang Yunani kuno, walaupun sebenarnya orkestra wujud lebih awal.

Lukisan dinding dari vila Rom di Boscoreal. 50-40an SM e. Muzium Seni Metropolitan

Dalam budaya Eropah Barat, persatuan pemuzik sebagai orkestra tidak segera mula dipanggil. Pada mulanya, pada Zaman Pertengahan dan dalam Renaissance, ia dipanggil sebuah gereja kecil. Nama ini dikaitkan dengan kepunyaan tempat tertentu di mana muzik dipersembahkan. Kapel seperti itu pada mulanya gereja, dan kemudian mahkamah. Dan terdapat juga kapel kampung, yang terdiri daripada pemuzik amatur. Kapel ini boleh dikatakan fenomena massa. Dan walaupun tahap penghibur kampung dan instrumen mereka tidak dapat dibandingkan dengan mahkamah profesional dan kapel kuil, seseorang tidak boleh memandang rendah pengaruh tradisi kampung, dan kemudiannya muzik instrumental rakyat bandar pada komposer hebat dan budaya muzik Eropah secara keseluruhan. Muzik Haydn, Beethoven, Schubert, Weber, Liszt, Tchaikovsky, Bruckner, Mahler, Bartok, Stravinsky, Ravel, Ligeti benar-benar disuburkan oleh tradisi pembuatan muzik instrumental rakyat.

Seperti juga dalam budaya yang lebih kuno, di Eropah tidak ada pembahagian awal kepada muzik vokal dan instrumental. Bermula dari awal Zaman Pertengahan, gereja Kristian menguasai segala-galanya, dan muzik instrumental di gereja berkembang sebagai iringan, sokongan untuk perkataan Injil, yang sentiasa mendominasi - selepas semua, "pada mulanya adalah Firman." Oleh itu, kapel awal adalah orang yang menyanyi dan orang yang mengiringi penyanyi.

Pada satu ketika, perkataan "orchestra" muncul. Walaupun tidak di mana-mana pada masa yang sama. Di Jerman, sebagai contoh, perkataan ini ditubuhkan lebih lewat daripada di negara-negara Romantik. Di Itali, orkestra sentiasa bermaksud instrumental dan bukannya bahagian vokal muzik. Perkataan orkestra dipinjam terus daripada tradisi Yunani. Orkestra Itali muncul pada pergantian abad ke-16-17, bersama-sama dengan kemunculan genre opera. Dan kerana populariti luar biasa genre ini, perkataan ini dengan cepat menakluki seluruh dunia. Oleh itu, adalah selamat untuk mengatakan bahawa muzik orkestra kontemporari mempunyai dua sumber: kuil dan teater.

Misa Krismas. Miniatur dari Magnificent Book of Hours of the Duke of Berry oleh saudara Limburg. abad ke-15 Cik. 65/1284, fol. 158r / Musee Conde / Wikimedia Commons

Dan di Jerman untuk masa yang lama mereka berpegang pada nama kebangkitan zaman pertengahan "kapel". Sehingga abad ke-20, banyak orkestra mahkamah Jerman dipanggil kapel. Salah satu orkestra paling kuno di dunia hari ini ialah Kapel Negeri Saxon (dan pada masa lalu - Mahkamah Saxon) di Dresden. Sejarahnya kembali lebih 400 tahun. Dia muncul di mahkamah Pemilih Saxon, yang sentiasa menghargai yang cantik dan mendahului semua jiran mereka dalam hal ini. Masih terdapat Berlin dan Weimar State Chapels, serta Meiningen Court Chapel yang terkenal, di mana Richard Strauss bermula sebagai ketua kumpulan (kini seorang konduktor). Ngomong-ngomong, perkataan Jerman "kapellmeister" (tuan gereja) masih kadang-kadang digunakan hari ini oleh pemuzik sebagai setara dengan perkataan "konduktor", tetapi lebih kerap dalam erti kata ironis, kadang-kadang malah negatif (dalam erti kata seorang tukang, bukan artis). Dan pada masa itu, perkataan ini diucapkan dengan hormat, sebagai nama profesion yang kompleks: "ketua paduan suara atau orkestra, yang juga mengarang muzik." Benar, dalam beberapa orkestra Jerman perkataan ini telah dipelihara sebagai sebutan kedudukan - contohnya, dalam Orkestra Leipzig Gewandhaus, ketua konduktor masih dipanggil Gewandhaus Kapellmeister.

Abad XVII-XVIII: orkestra sebagai hiasan mahkamah

Louis XIV dalam Royal Ballet of the Night oleh Jean Baptiste Lully. Lakaran oleh Henri de Gisset. 1653 Dalam produksi, raja memainkan peranan matahari terbit. Wikimedia Commons

Orkestra Renaissance, dan kemudian orkestra Baroque, kebanyakannya adalah mahkamah atau gerejawi. Tujuan mereka adalah untuk mengiringi ibadah atau untuk menenangkan dan menghiburkan mereka yang berkuasa. Walau bagaimanapun, ramai pemerintah feudal mempunyai rasa estetik yang cukup maju, dan selain itu, mereka suka menunjuk-nunjuk antara satu sama lain. Seseorang bermegah dengan tentera, seseorang - seni bina yang pelik, seseorang meletakkan taman, dan seseorang menyimpan teater mahkamah atau orkestra.

Raja Perancis Louis XIV, misalnya, mempunyai dua orkestra seperti itu: Ensemble of the Royal Stables, yang terdiri daripada tiupan dan alat perkusi, dan apa yang dipanggil "24 biola raja", yang diketuai oleh komposer terkenal Jean Baptiste Lully, yang juga bekerjasama dengan Moliere dan turun dalam sejarah sebagai pencipta opera Perancis dan konduktor profesional pertama. Kemudian, Raja Inggeris Charles II (anak kepada Charles I yang dihukum mati), kembali dari Perancis semasa Pemulihan monarki pada tahun 1660, juga mencipta "24 Violin Raja" beliau di Royal Chapel mengikut model Perancis. Kapel Diraja itu sendiri telah wujud sejak abad ke-14 dan mencapai kemuncaknya semasa pemerintahan Elizabeth I - organis istananya ialah William Bird dan Thomas Tallis. Dan di mahkamah Charles II, komposer Inggeris yang cemerlang Henry Purcell berkhidmat, menggabungkan kedudukan organ di Westminster Abbey dan di Royal Chapel. Pada abad ke-16-17 di England terdapat satu lagi, nama khusus untuk orkestra, biasanya yang kecil - "permaisuri". Pada era Baroque kemudiannya, perkataan "permaisuri" tidak lagi digunakan, dan konsep ruang, iaitu, muzik "bilik" muncul sebaliknya.

Kostum pahlawan dari Royal Ballet of the Night. Lakaran oleh Henri de Gisset. 1653 Wikimedia Commons

Bentuk hiburan barok semakin menjadi-jadi lewat XVII- permulaan abad XVIII, lebih dan lebih mewah. Dan ia tidak lagi boleh diuruskan dengan sebilangan kecil alat - pelanggan mahukan "lebih besar dan lebih mahal". Walaupun, tentu saja, semuanya bergantung pada kemurahan hati "penaung tersohor". Jika Bach terpaksa menulis surat kepada tuannya, memujuk mereka untuk memperuntukkan sekurang-kurangnya dua atau tiga biola bagi setiap bahagian instrumental, maka di Handel, pada masa yang sama, 24 oboist, 12 bassoonist, 9 pemain tanduk mengambil bahagian dalam persembahan pertama "Muzik untuk Bunga Api Diraja" , 9 pemain trompet dan 3 pemain timpani (iaitu 57 pemuzik untuk 13 bahagian yang ditetapkan). Dan dalam persembahan "Messiah" Handel di London pada tahun 1784, 525 orang mengambil bahagian (walaupun acara ini milik zaman kemudian, apabila pengarang muzik itu tidak lagi hidup). Kebanyakan pengarang barok menulis opera, dan orkestra opera teater sentiasa menjadi sejenis makmal kreatif untuk komposer - tempat untuk semua jenis eksperimen, termasuk dengan instrumen yang luar biasa. Jadi, sebagai contoh, pada awal abad ke-17, Monteverdi memperkenalkan bahagian trombone kepada orkestra operanya Orfeo, salah satu opera pertama dalam sejarah, untuk menggambarkan kemarahan neraka.

Sejak zaman Florentine Camerata (pergantian abad ke-16-17), dalam mana-mana orkestra terdapat bahagian basso continuo, yang dimainkan oleh seluruh kumpulan pemuzik dan dirakam pada satu baris dalam clef bass. Nombor-nombor di bawah garisan bes menandakan urutan harmonik tertentu - dan para penghibur perlu menambah baik semua tekstur dan hiasan muzik, iaitu mencipta baharu dengan setiap persembahan. Ya, dan komposisinya berbeza-beza bergantung pada instrumen apa yang digunakan oleh gereja tertentu. Kehadiran satu instrumen papan kekunci, selalunya harpsichord, adalah wajib. muzik gereja instrumen ini selalunya organ; satu busur bertali - cello, viola da gamba atau violone (pendahulu double bass moden); satu kecapi petik bertali atau theorbo. Tetapi ia berlaku bahawa dalam kumpulan basso continuo enam atau tujuh orang bermain pada masa yang sama, termasuk beberapa harpsichord (Purcell dan Rameau mempunyai tiga atau empat daripadanya). Pada abad ke-19, papan kekunci dan instrumen yang dipetik hilang daripada orkestra, tetapi muncul semula pada abad ke-20. Dan sejak tahun 1960-an, ia telah menjadi mungkin untuk menggunakan hampir mana-mana instrumen di dunia dalam orkestra simfoni - fleksibiliti hampir barok dalam pendekatan kepada instrumentasi. Oleh itu, kita boleh menganggap bahawa Baroque melahirkan orkestra moden.

Instrumentasi, struktur, tatatanda


Miniatur dari Commentary on the Apocalypse of Beat of Lieban dalam senarai biara San Millan de la Cogoglia. 900-950 Biblioteca de Serafín Estébanez Calderón y de San Millán de la Cogolla

Perkataan "orchestra" untuk pendengar moden kemungkinan besar dikaitkan dengan petikan daripada muzik Beethoven, Tchaikovsky atau Shostakovich; dengan bunyi yang sangat monumental dan pada masa yang sama halus, yang disimpan dalam ingatan kami daripada mendengar orkestra moden - secara langsung dan dalam rakaman. Tetapi orkestra tidak selalu berbunyi seperti ini. Di antara banyak perbezaan antara orkestra kuno dan moden, perkara utama ialah instrumen yang digunakan oleh pemuzik. Khususnya, semua instrumen berbunyi lebih senyap daripada yang moden, kerana bilik di mana muzik dimainkan (umumnya) jauh lebih kecil daripada yang moden. dewan konsert. Dan tiada tanduk kilang, tiada turbin nuklear, tiada enjin pembakaran dalaman, tiada pesawat supersonik - bunyi umum kehidupan manusia beberapa kali lebih senyap daripada hari ini. Kenyaringannya masih diukur dengan fenomena semula jadi: bunyi ngauman haiwan liar, guruh semasa ribut petir, bunyi air terjun, gemeretak pokok tumbang atau gemuruh gunung jatuh, dan raungan orang ramai di dataran bandar pada pameran hari. Oleh itu, muzik boleh bersaing dalam kecerahan hanya dengan alam semula jadi itu sendiri.

Tali yang diikat pada alat bertali diperbuat daripada otot lembu (hari ini diperbuat daripada logam), busurnya lebih kecil, ringan dan sedikit berbeza bentuknya. Disebabkan ini, bunyi tali adalah "lebih panas", tetapi kurang "halus" berbanding hari ini. kayu alat tiup tidak mempunyai semua injap moden dan peranti teknikal lain yang membolehkan anda bermain dengan lebih yakin dan tepat. Tiupan kayu pada masa itu kedengaran lebih individu dari segi timbres, kadangkala agak tidak selaras (semuanya bergantung pada kemahiran pelaku) dan beberapa kali lebih senyap daripada yang moden. Alat tiup tembaga semuanya semulajadi, iaitu, ia hanya boleh menghasilkan bunyi skala semula jadi, yang selalunya hanya cukup untuk memainkan bunyi gemuruh pendek, tetapi bukan melodi yang dilanjutkan. Kulit haiwan diregangkan di atas gendang dan timpani (amalan ini masih wujud hari ini, walaupun alat perkusi dengan membran plastik telah lama muncul).

Susunan orkestra biasanya lebih rendah daripada hari ini - secara purata sebanyak separuh nada, dan kadangkala dengan nada keseluruhan. Tetapi di sini tidak ada peraturan tunggal: sistem nada untuk oktaf pertama (mengikut orkestra ditala secara tradisional) di mahkamah Louis XIV ialah 392 pada skala Hertz. Di mahkamah Charles II, mereka menala A dari 400 hingga 408 hertz. Pada masa yang sama, organ-organ di kuil sering ditala kepada nada yang lebih tinggi daripada harpsichord yang berdiri di dalam bilik istana (mungkin ini disebabkan oleh pemanasan, kerana instrumen rentetan naik selaras dari panas kering, dan, sebaliknya, berkurangan. dari sejuk; alat tiup selalunya mempunyai arah aliran terbalik). Oleh itu, pada zaman Bach, terdapat dua sistem utama: apa yang dipanggil kammer-ton ("garpu tala" moden - perkataan yang berasal daripadanya), iaitu, "sistem bilik", dan orgel-ton, iaitu. , "sistem organ" (aka "nada koral "). Dan penalaan bilik untuk A ialah 415 hertz, manakala penalaan organ sentiasa lebih tinggi dan kadangkala mencapai 465 hertz. Dan jika kita membandingkannya dengan penalaan konsert moden (440 hertz), maka yang pertama ternyata separuh nada lebih rendah, dan yang kedua adalah separuh nada lebih tinggi daripada yang moden. Oleh itu, dalam beberapa cantata Bach, yang ditulis dengan mengambil kira sistem organ, pengarang menulis bahagian alat tiupan serta-merta dalam transposisi, iaitu setengah langkah lebih tinggi daripada bahagian koir dan basso continuo. Ini disebabkan oleh fakta bahawa alat tiup, yang digunakan terutamanya dalam muzik bilik mahkamah, tidak disesuaikan dengan penalaan organ yang lebih tinggi (seruling dan obo bahkan mungkin lebih rendah sedikit daripada camertone, dan oleh itu terdapat juga yang ketiga. - camertone rendah).nada). Dan jika, tanpa mengetahui ini, hari ini anda cuba memainkan cantata seperti itu secara literal dari nota, anda akan mendapat hiruk-pikuk yang tidak dimaksudkan oleh pengarang.

Keadaan dengan sistem "terapung" ini berterusan di dunia sehingga Perang Dunia Kedua, iaitu, bukan sahaja di negara berbeza, tetapi di bandar yang berbeza di negara yang sama, sistem mungkin berbeza dengan ketara antara satu sama lain. Pada tahun 1859, kerajaan Perancis membuat percubaan pertama untuk menyeragamkan penalaan dengan mengeluarkan undang-undang yang meluluskan penalaan A - 435 hertz, tetapi di negara lain, penalaan terus berbeza. Dan hanya pada tahun 1955 organisasi antarabangsa Mengenai penyeragaman, undang-undang mengenai penalaan konsert 440 hertz telah diterima pakai sehingga hari ini.

Heinrich Ignaz Biber. Ukiran dari 1681 Wikimedia Commons

Pengarang Baroque dan klasik juga menjalankan operasi lain dalam bidang penalaan, yang berkaitan dengan muzik untuk alat bertali. Kami bercakap tentang teknik yang dipanggil "scordatura", iaitu, "menala rentetan." Pada masa yang sama, beberapa rentetan, katakan biola atau biola, telah ditala kepada selang atipikal yang berbeza untuk instrumen itu. Terima kasih kepada ini, komposer mendapat peluang untuk menggunakan, bergantung pada kunci komposisi, bilangan rentetan terbuka yang lebih besar, yang membawa kepada resonans instrumen yang lebih baik. Tetapi scordatura ini sering dirakam bukan dalam bunyi sebenar, tetapi dalam transposisi. Oleh itu, tanpa penyediaan awal instrumen (dan pemain), komposisi sedemikian adalah mustahil untuk dilakukan dengan betul. Contoh terkenal scordatura ialah kitaran biola sonatas Rosary (Misteri) Heinrich Ignaz Bieber (1676).

Pada zaman Renaissance dan pada peringkat awal Baroque, julat mod, dan kemudiannya kunci, di mana komposer boleh mengarang dihadkan oleh halangan semula jadi. Nama penghalang ini ialah koma Pythagoras. Saintis Yunani yang hebat Pythagoras adalah yang pertama mencadangkan alat penalaan mengikut kelima tulen - salah satu selang pertama skala semula jadi. Tetapi ternyata jika anda menala instrumen bertali dengan cara ini, maka selepas melalui bulatan penuh perlima (empat oktaf), not C-sharp berbunyi lebih tinggi dalam C. Dan sejak zaman purba, pemuzik dan saintis telah cuba mencari sistem penalaan instrumen yang ideal, di mana kecacatan semula jadi skala semula jadi ini - ketidaksamaan - dapat diatasi, yang akan membolehkan penggunaan yang sama bagi semua tonaliti.

Setiap zaman mempunyai sistem susunannya sendiri. Dan setiap sistem mempunyai ciri-ciri sendiri, yang kelihatan palsu di telinga kita, terbiasa dengan bunyi piano moden. Sejak awal abad ke-19, semua instrumen papan kekunci telah ditala dalam skala seragam, membahagikan satu oktaf kepada 12 semiton yang sama dengan sempurna. Penalaan sekata adalah kompromi yang sangat dekat dengan semangat moden, yang membolehkan menyelesaikan masalah koma Pythagoras sekali dan untuk semua, tetapi mengorbankan keindahan semula jadi bunyi sepertiga dan kelima tulen. Iaitu, tiada satu pun selang (kecuali untuk oktaf) yang dimainkan oleh piano moden sepadan dengan skala semula jadi. Dan dalam semua banyak sistem penalaan yang telah wujud sejak akhir Zaman Pertengahan, sebilangan selang tulen telah dipelihara, kerana semua kekunci menerima bunyi individu yang tajam. Walaupun selepas penciptaan perangai yang baik (lihat Bach's Well-Tempered Clavier), yang memungkinkan untuk menggunakan semua kekunci pada harpsichord atau organ, kunci itu sendiri masih mengekalkan pewarnaan individu mereka. Oleh itu kemunculan teori mempengaruhi, asas kepada muzik Baroque, mengikut mana semua muzik sarana ekspresi- melodi, harmoni, irama, tempo, tekstur dan pilihan toniti itu sendiri tidak dapat dipisahkan dengan keadaan emosi tertentu. Selain itu, tonaliti yang sama boleh, bergantung pada yang digunakan dalam masa ini bangunan menjadi pastoral yang baik, tidak bersalah atau berahi, sungguh sedih atau menakutkan secara syaitan.

Bagi komposer, pilihan satu kunci atau yang lain berkait rapat dengan set emosi tertentu sehingga pergantian abad ke-18-19. Lebih-lebih lagi, jika untuk Haydn D major terdengar seperti "kesyukuran yang agung, militansi", maka bagi Beethoven ia berbunyi seperti "sakit, kesedihan atau perarakan". Haydn mengaitkan E major dengan "pemikiran kematian", dan bagi Mozart ia bermaksud "transendensi yang sungguh-sungguh dan agung" (semua julukan ini adalah petikan daripada komposer itu sendiri). Oleh itu, antara kebaikan wajib pemuzik yang melakukan muzik awal ialah sistem multidimensi pengetahuan muzik dan budaya umum, yang memungkinkan untuk mengenali struktur emosi dan "kod" gubahan yang berbeza pelbagai pengarang, dan pada masa yang sama keupayaan untuk melaksanakannya secara teknikal dalam permainan.

Di samping itu, terdapat juga masalah dengan notasi: komposer abad ke-17-18 sengaja merekodkan hanya sebahagian daripada maklumat yang berkaitan dengan prestasi kerja yang akan datang; frasa, nuansa, artikulasi, dan hiasan yang sangat indah - sebahagian daripada estetika Baroque - semua ini diserahkan kepada pilihan bebas pemuzik, yang dengan itu menjadi pencipta bersama komposer, dan bukan hanya pelaksana kehendaknya yang taat. Oleh itu, persembahan benar-benar mahir barok dan muzik klasik awal pada instrumen vintaj adalah tugas yang tidak kurang (jika tidak lebih) sukar daripada virtuoso menguasai muzik kemudian pada instrumen moden. Apabila lebih 60 tahun yang lalu peminat pertama bermain alat muzik kuno ("ahli sahih") muncul, mereka sering disambut dengan permusuhan di kalangan rakan sekerja mereka. Ini sebahagiannya disebabkan oleh inersia pemuzik sekolah tradisional, dan sebahagiannya disebabkan oleh kekurangan kemahiran perintis keaslian muzik itu sendiri. Dalam kalangan muzik, terdapat semacam sikap ironis yang merendahkan terhadap mereka sebagai orang yang kalah yang tidak mendapati penggunaan yang lebih baik untuk diri mereka sendiri daripada menerbitkan bleating palsu plaintif pada "kayu layu" (woodwind) atau "logam sekerap berkarat" (brasswinds). Dan sikap ini (sudah tentu malang) berterusan sehingga baru-baru ini, sehingga menjadi jelas bahawa tahap permainan pada instrumen kuno telah berkembang begitu banyak sejak beberapa dekad yang lalu, sekurang-kurangnya dalam bidang barok dan klasik awal, ahli sahih telah lama mengejar dan mengatasi orkestra moden yang lebih membosankan dan membosankan.

Genre dan bentuk orkestra


Serpihan potret Pierre Moucheron bersama keluarganya. Pengarang tidak diketahui. 1563 Rijksmuseum Amsterdam

Sama seperti perkataan "orkes" tidak selalu bermaksud apa yang kita maksudkan hari ini, maka perkataan "simfoni" dan "konsert" pada asalnya mempunyai makna yang sedikit berbeza, dan hanya secara beransur-ansur, dari masa ke masa, mereka memperoleh makna modennya.

Konsert

Perkataan "konsert" mempunyai beberapa kemungkinan asal usul. Etimologi moden cenderung untuk menterjemahkan "untuk mencapai persetujuan" daripada konsert Itali atau "menyanyi bersama, memuji" dari bahasa Latin concinere, concino. Satu lagi terjemahan yang mungkin ialah "perselisihan, persaingan" daripada konsert Latin: penghibur individu (pemain solo atau sekumpulan pemain solo) bersaing dalam muzik dengan pasukan (orkestra). Pada era Baroque awal, karya vokal-instrumental sering dipanggil konserto, kemudiannya dikenali sebagai cantata - dari canto Latin, cantare ("menyanyi"). Lama kelamaan, konsert menjadi semata-mata genre instrumental(walaupun antara karya abad ke-20, seseorang juga boleh menemui sesuatu yang jarang berlaku seperti Konsert untuk Suara dan Orkestra oleh Reinhold Gliere). zaman barok membuat perbezaan antara konserto solo (satu instrumen dan orkestra iringan) dan "konserto besar" (concerto grosso), di mana muzik dipindahkan antara kumpulan kecil pemain solo (concertino) dan kumpulan dengan lebih banyak instrumen (ripieno, iaitu , "mengisi", "mengisi "). Pemuzik kumpulan ripieno dipanggil ripienists. Ripienists inilah yang menjadi pelopor pemain orkestra moden. Sebagai ripieno, hanya instrumen bertali yang terlibat, serta basso continuo. Dan pemain solo mungkin sangat berbeza: biola, cello, oboe, perakam, bassoon, viola d'amour, kecapi, mandolin, dll.

Terdapat dua jenis concerto grosso: concerto da chiesa ("konsert gereja") dan concerto da camera ("konsert bilik"). Kedua-duanya mula digunakan terutamanya terima kasih kepada Arcangelo Corelli, yang mengarang kitaran 12 konserto (1714). Kitaran ini mempunyai pengaruh yang kuat pada Handel, yang meninggalkan kami dua kitaran kasar konserto, yang diiktiraf sebagai karya agung genre ini. Konserto Brandenburg Bach juga mempunyai ciri-ciri jelas konserto grosso.

Zaman kegemilangan konserto solo barok dikaitkan dengan nama Antonio Vivaldi, yang mengarang lebih daripada 500 konsert untuk pelbagai instrumen diiringi rentetan dan basso continuo dalam hidupnya (walaupun dia juga menulis lebih daripada 40 opera, sejumlah besar muzik paduan suara gereja dan simfoni instrumental). Recitals adalah, sebagai peraturan, dalam tiga bahagian dengan tempo berselang-seli: cepat - lambat - cepat; struktur ini menjadi dominan dalam sampel konsert instrumental yang terkemudian - sehingga awal abad ke-21. Ciptaan Vivaldi yang paling terkenal ialah kitaran "The Seasons" (1725) untuk orkestra biola dan tali, di mana setiap konsert didahului oleh puisi (mungkin ditulis oleh Vivaldi sendiri). Puisi-puisi menggambarkan suasana dan peristiwa utama musim tertentu, yang kemudiannya terkandung dalam muzik itu sendiri. Empat konsert ini, yang merupakan sebahagian daripada kitaran yang lebih besar daripada 12 konsert bertajuk Contest of Harmony and Invention, kini dianggap sebagai salah satu contoh pertama muzik program.

Tradisi ini diteruskan dan dikembangkan oleh Handel dan Bach. Selain itu, Handel mengarang, antara lain, 16 konsert organ, dan Bach, sebagai tambahan kepada konserto tradisional pada masa itu untuk satu dan dua biola, juga menulis konserto untuk harpsichord, yang sehingga kini secara eksklusif merupakan alat kumpulan basso continuo. . Jadi Bach boleh dianggap sebagai nenek moyang konserto piano moden.

simfoni

Simfoni dalam bahasa Yunani bermaksud "konsonan", "bunyi bersama". Dalam tradisi Yunani kuno dan zaman pertengahan, simfoni itu dipanggil eufoni harmoni (dalam bahasa muzik hari ini - konsonan), dan sejak kebelakangan ini, pelbagai alat muzik mula dipanggil simfoni, seperti: dulcimer, hurdy gurdy, spinet atau anak dara. Dan hanya pada pergantian abad XVI-XVII perkataan "simfoni" mula digunakan sebagai nama komposisi untuk suara dan instrumen. Contoh terawal simfoni tersebut ialah Simfoni Muzikal oleh Lodovico Grossi da Viadana (1610), Simfoni Suci oleh Giovanni Gabrieli (1615) dan Simfoni Suci (op. 6, 1629, dan op. 10, 1649) oleh Heinrich Schütz. Secara umum, sepanjang tempoh Baroque, pelbagai komposisi, kedua-dua gereja dan sekular, dipanggil simfoni. Selalunya, simfoni adalah sebahagian daripada kitaran yang lebih besar. Dengan kemunculan genre opera seria Itali ("opera serius"), yang dikaitkan terutamanya dengan nama Scarlatti, pengenalan instrumental kepada opera, juga dipanggil overture, dipanggil simfoni, biasanya dalam tiga bahagian: cepat - lambat laju. Iaitu, "symphony" dan "overture" untuk masa yang lama bermaksud perkara yang sama. Ngomong-ngomong, dalam opera Itali, tradisi memanggil overture sebagai simfoni kekal sehingga pertengahan abad ke-19 (lihat opera awal Verdi, sebagai contoh, Nebuchadnezzar).

Sejak abad ke-18, fesyen untuk simfoni berbilang bahagian instrumental telah timbul di seluruh Eropah. Mereka memainkan peranan penting dalam kedua-duanya kehidupan awam serta dalam perkhidmatan gereja. Walau bagaimanapun, tempat asal dan persembahan simfoni utama adalah estet golongan bangsawan. Menjelang pertengahan abad ke-18 (masa kemunculan simfoni Haydn pertama), terdapat tiga pusat utama untuk mengarang simfoni di Eropah - Milan, Vienna dan Mannheim. Terima kasih kepada aktiviti tiga pusat ini, tetapi terutamanya Mannheim Court Chapel dan komposernya, serta karya Joseph Haydn, genre simfoni mengalami berbunga pertama di Eropah pada masa itu.

Kapel Mannheim

Jan Stamitz Wikimedia Commons

Kapel, yang muncul di bawah Pemilih Charles III Philip di Heidelberg, dan selepas 1720 terus wujud di Mannheim, boleh dianggap sebagai prototaip pertama orkestra moden. Malah sebelum berpindah ke Mannheim, kapel itu lebih banyak daripada yang lain di kerajaan sekitarnya. Di Mannheim, ia semakin berkembang, dan disebabkan penglibatan pemuzik paling berbakat pada masa itu, kualiti persembahan juga meningkat dengan ketara. Sejak 1741, koir itu diketuai oleh pemain biola dan komposer Czech Jan Stamitz. Dari masa inilah kita boleh bercakap tentang penciptaan sekolah Mannheim. Orkestra itu termasuk 30 alat muzik bertali, alat tiup berpasangan: dua seruling, dua obo, dua klarinet (ketika itu masih menjadi tetamu yang jarang dalam orkestra), dua bassoon, dua hingga empat tanduk, dua trompet dan timpani - komposisi yang besar untuk masa itu. Sebagai contoh, di kapel Putera Esterhazy, di mana Haydn berkhidmat selama hampir 30 tahun sebagai ketua kumpulan, pada permulaan aktivitinya bilangan pemuzik tidak melebihi 13-16 orang, di Count Morzin, dengan siapa Haydn berkhidmat beberapa tahun sebelum Esterhazy dan menulis simfoni pertamanya, terdapat lebih ramai pemuzik. kurang - di sana, berdasarkan skor Haydn pada tahun-tahun itu, tidak ada seruling pun. Pada akhir 1760-an, Esterhazy Chapel berkembang kepada 16-18 pemuzik dan pada pertengahan 1780-an mencapai bilangan maksimum 24 pemuzik. Dan di Mannheim terdapat 30 orang sahaja.

Tetapi kebaikan utama virtuosos Mannheim bukanlah kuantiti mereka, tetapi kualiti yang luar biasa dan koheren prestasi kolektif pada masa itu. Jan Stamitz, dan selepasnya komposer lain yang menulis muzik untuk orkestra ini, mendapati lebih dan lebih canggih, sehingga kini tidak pernah terdengar kesan yang sejak itu dikaitkan dengan nama Kapel Mannheim: peningkatan bersama dalam bunyi (crescendo), pudar bunyi (diminuendo), secara tiba-tiba gangguan bersama permainan (jeda umum), serta pelbagai tokoh muzik, seperti: roket Mannheim (kenaikan melodi yang cepat mengikut bunyi kord yang terurai), burung Mannheim ( tiruan burung berkicau dalam petikan solo) atau kemuncak Mannheim (persediaan untuk crescendo, dan kemudian pada saat yang menentukan adalah pemberhentian permainan semua alat tiup dan permainan aktif-bertenaga beberapa tali). Kebanyakan kesan ini menemui kehidupan kedua mereka dalam karya rakan seangkatan muda Mannheim, Mozart dan Beethoven, dan beberapa masih wujud hari ini.

Di samping itu, Stamitz dan rakan-rakannya secara beransur-ansur menemui jenis ideal simfoni empat bahagian, yang diperoleh daripada prototaip barok sonata gereja dan sonata ruang, serta pertunjukan opera Itali. Haydn datang ke kitaran empat bahagian yang sama hasil daripada eksperimen bertahun-tahunnya. Mozart muda melawat Mannheim pada tahun 1777 dan sangat kagum dengan muzik dan permainan orkestra yang dia dengar di sana. Bersama Christian Cannabih, yang mengetuai orkestra selepas kematian Stamitz, Mozart mempunyai persahabatan peribadi sejak lawatannya ke Mannheim.

pemuzik mahkamah

Kedudukan pemuzik mahkamah, yang dibayar gaji, sangat menguntungkan pada masa itu, tetapi, sudah tentu, ia mewajibkan banyak. Mereka bekerja sangat keras dan terpaksa memenuhi sebarang kehendak muzik tuan mereka. Mereka boleh dijemput pada pukul tiga atau empat pagi dan diberitahu bahawa pemiliknya mahukan muzik hiburan - untuk mendengar sejenis serenade. Pemuzik miskin terpaksa masuk ke dalam dewan, memasang lampu dan bermain. Selalunya pemuzik bekerja tujuh hari seminggu - konsep seperti kadar pengeluaran atau hari bekerja 8 jam, sudah tentu, tidak wujud untuk mereka (mengikut piawaian moden, seorang pemuzik orkestra tidak boleh bekerja lebih daripada 6 jam sehari, apabila bercakap tentang latihan untuk konsert atau persembahan teater). Kami terpaksa bermain sepanjang hari, jadi kami bermain sepanjang hari. Walau bagaimanapun, pemilik pencinta muzik, paling sering difahami bahawa seorang pemuzik tidak boleh bermain tanpa rehat selama beberapa jam - dia memerlukan kedua-dua makanan dan rehat.

Perincian lukisan oleh Nicola Maria Rossi. 1732 Imej/Foto Bridgeman

Haydn dan Putera Esterhazy Chapel

Legenda mengatakan bahawa Haydn, menulis Simfoni Perpisahan yang terkenal, dengan itu membayangkan kepada tuannya Esterhazy tentang rehat yang dijanjikan tetapi dilupakan. Pada penghujungnya, para pemuzik semua berdiri secara bergilir-gilir, memadamkan lilin dan pergi - petunjuk itu agak difahami. Dan pemilik memahami mereka dan membiarkan mereka pergi bercuti - yang bercakap tentang dia sebagai seorang yang berwawasan dan rasa humor. Walaupun ia adalah fiksyen, ia sangat menyampaikan semangat era itu - pada masa lain, petunjuk sedemikian mengenai kesilapan pihak berkuasa boleh menyebabkan komposer merugikan.

Memandangkan pelanggan Haydn adalah orang yang cukup berpendidikan dan sensitif kepada muzik, dia boleh bergantung pada fakta bahawa mana-mana eksperimennya - sama ada simfoni dalam enam atau tujuh pergerakan atau beberapa komplikasi tonal yang luar biasa dalam episod perkembangan yang dipanggil - tidak akan menjadi. diterima dengan kecaman. Nampaknya malah sebaliknya: bentuk yang lebih kompleks dan luar biasa, semakin mereka menyukainya.
Namun begitu, Haydn menjadi yang pertama komposer yang cemerlang, dibebaskan daripada ini seolah-olah mudah, tetapi secara umum kehambaan kewujudan istana. Apabila Nikolaus Esterházy meninggal dunia, pewarisnya membubarkan orkestra, walaupun dia mengekalkan gelaran Haydn dan (dikurangkan) gaji ketua kumpulan. Oleh itu, Haydn secara tidak sengaja menerima cuti tanpa had dan, mengambil kesempatan daripada jemputan impresario Johann Peter Salomon, pergi ke London pada usia yang agak lanjut. Di sana dia sebenarnya mencipta gaya orkestra baru. Muziknya menjadi lebih mantap dan ringkas. Eksperimen telah dibatalkan. Ini disebabkan oleh keperluan komersial: dia mendapati bahawa orang awam Inggeris adalah kurang berpendidikan berbanding pendengar yang canggih di estet Esterhazy - baginya, anda perlu menulis dengan lebih pendek, lebih jelas dan lebih ringkas. Walaupun setiap simfoni yang ditulis oleh Esterhazy adalah unik, simfoni London adalah daripada jenis yang sama. Kesemuanya ditulis secara eksklusif dalam empat bahagian (pada masa itu ia adalah bentuk simfoni yang paling biasa, yang sudah digunakan sepenuhnya oleh komposer sekolah Mannheim dan Mozart): sonata allegro wajib di bahagian pertama, semakin banyak atau kurang perlahan bahagian kedua, minit dan akhir pantas. Jenis orkestra dan bentuk muzik, serta jenis pembangunan teknikal tema yang digunakan dalam simfoni terakhir Haydn, sudah menjadi model untuk Beethoven.

Akhir abad ke-18 - ke-19: Sekolah Vienna dan Beethoven


Bahagian dalam Teater an der Wien di Vienna. Ukiran. abad ke-19 Imej/Fotodom Brigeman

Kebetulan Haydn hidup lebih lama daripada Mozart, yang 24 tahun lebih muda daripadanya, dan menemui permulaan kerjaya Beethoven. Haydn bekerja hampir sepanjang hayatnya di Hungary hari ini, dan menjelang akhir hayatnya mempunyai kejayaan besar di London, Mozart berasal dari Salzburg, dan Beethoven adalah Fleming yang dilahirkan di Bonn. Tetapi laluan kreatif ketiga-tiga gergasi muzik dihubungkan dengan bandar, yang, semasa pemerintahan Maharani Maria Theresa, dan kemudian anaknya Maharaja Joseph II, mengambil kedudukan ibu kota muzik dunia - dengan Vienna. Oleh itu, karya Haydn, Mozart dan Beethoven turun dalam sejarah sebagai "gaya klasik Vienna". Benar, perlu diingatkan bahawa pengarang sendiri sama sekali tidak menganggap diri mereka "klasik", dan Beethoven menganggap dirinya revolusioner, perintis dan juga subverter tradisi. Konsep "gaya klasik" adalah ciptaan pada masa yang lebih lama ( pertengahan XIX abad). Ciri-ciri utama gaya ini ialah perpaduan bentuk dan kandungan yang harmoni, keseimbangan bunyi tanpa adanya keterlaluan barok dan keharmonian kuno seni bina muzik.

Mahkota orang Vienna gaya klasik dalam bidang muzik orkestra, simfoni London Haydn, simfoni terakhir Mozart, dan semua simfoni Beethoven dipertimbangkan. Dalam simfoni akhir Haydn dan Mozart, leksikon muzik dan sintaks gaya klasik akhirnya ditubuhkan, serta komposisi orkestra, yang sudah terhablur di sekolah Mannheim dan masih dianggap klasik: kumpulan rentetan (terbahagi kepada biola pertama dan kedua, biola, cello dan bes berganda), sepasang gubahan woodwind - biasanya dua seruling, dua obo, dua bassoon. Walau bagaimanapun, bermula dari karya terakhir Mozart, klarinet juga dengan tegas memasuki orkestra dan membentuk diri mereka. Keghairahan Mozart untuk klarinet sebahagian besarnya menyumbang kepada pengedaran meluas instrumen ini sebagai sebahagian daripada kumpulan tiupan orkestra. Mozart mendengar klarinet pada tahun 1778 di Mannheim dalam simfoni Stamitz dan menulis dengan penuh kagum dalam sepucuk surat kepada bapanya: "Oh, sekiranya kita mempunyai klarinet!" - bermaksud "kami" Salzburg Court Chapel, yang memperkenalkan klarinet hanya pada tahun 1804. Perlu diingatkan, bagaimanapun, bahawa seawal 1769 klarinet selalu digunakan dalam kumpulan tentera putera-keuskupan.

Dua tanduk biasanya ditambahkan pada tiupan kayu yang telah disebutkan, dan kadangkala dua sangkakala dan timpani, yang datang ke muzik simfoni dari tentera. Tetapi instrumen ini hanya digunakan dalam simfoni, yang kuncinya membenarkan penggunaan paip semula jadi, yang wujud hanya dalam beberapa tala, biasanya dalam D atau C major; kadangkala sangkakala juga digunakan dalam simfoni yang ditulis dalam G major, tetapi tidak pernah timpani. Contoh simfoni dengan sangkakala tetapi tanpa timpani ialah Simfoni Mozart No. 32. Bahagian timpani kemudiannya ditambahkan pada markah oleh orang yang tidak dikenali dan dianggap tidak sahih. Ia boleh diandaikan bahawa ketidaksukaan pengarang abad ke-18 ini untuk G major berkaitan dengan timpani dijelaskan oleh fakta bahawa untuk timpani Baroque (ditala bukan oleh pedal moden yang mudah, tetapi oleh skru ketegangan manual), mereka secara tradisinya menulis muzik yang hanya terdiri daripada dua not - tonik (derajat ton ke-1) dan dominan ( nada nada ke-5), yang dipanggil untuk menyokong paip yang memainkan nota ini, tetapi not utama utama G major dalam oktaf atas pada timpani berbunyi terlalu tajam, dan di bahagian bawah - terlalu teredam. Oleh itu, timpani dalam G major telah dielakkan kerana disonansi mereka.

Semua instrumen lain dianggap boleh diterima hanya dalam opera dan balet, dan sebahagian daripadanya dibunyikan walaupun di dalam gereja (contohnya, trombone dan hon basset dalam Requiem, trombon, tanduk basset dan piccolo dalam The Magic Flute, perkusi "Janissary" muzik dalam "The Abduction from seraglio" atau mandolin dalam "Don Giovanni" Mozart, tanduk basset dan kecapi dalam balet Beethoven "The Works of Prometheus").

Basso continuo secara beransur-ansur tidak digunakan, mula-mula hilang daripada muzik orkestra, tetapi kekal untuk beberapa lama dalam opera untuk mengiringi bacaan (lihat The Marriage of Figaro, All Women Do It, dan Don Giovanni karya Mozart, tetapi juga kemudian - V awal XIX abad, dalam beberapa opera komik oleh Rossini dan Donizetti).

Jika Haydn turun dalam sejarah sebagai pencipta terhebat dalam bidang itu muzik simfoni, kemudian Mozart lebih banyak bereksperimen dengan orkestra dalam operanya berbanding simfoninya. Yang terakhir adalah jauh lebih ketat dalam pematuhan mereka dengan norma pada masa itu. Walaupun terdapat, tentu saja, pengecualian: contohnya, di simfoni Prague atau Paris tidak ada minuet, iaitu, ia hanya terdiri daripada tiga bahagian. Malah terdapat simfoni satu pergerakan No. 32 dalam G major (namun, ia dibina pada model peralihan Itali dalam tiga bahagian, cepat - lambat - cepat, iaitu, ia sepadan dengan norma pra-Haydnian yang lebih tua) . Tetapi sebaliknya, sebanyak empat tanduk terlibat dalam simfoni ini (sebagaimana, dalam Symphony No. 25 dalam G minor, dan juga dalam opera Idomeneo). Klarinet diperkenalkan ke dalam Symphony No. 39 (kecintaan Mozart terhadap instrumen ini telah pun disebut), tetapi obo tradisional tiada. Dan Symphony No. 40 juga wujud dalam dua versi - dengan dan tanpa klarinet.

Dari segi parameter formal, Mozart bergerak dalam kebanyakan simfoninya mengikut skema Mannheim dan Haydnian - sudah tentu, mendalami dan memperhalusinya dengan kuasa geniusnya, tetapi tanpa mengubah apa-apa yang penting pada tahap struktur atau gubahan. Walau bagaimanapun, pada tahun-tahun terakhir hidupnya, Mozart mula mengkaji secara terperinci dan mendalam hasil kerja ahli polifonis hebat masa lalu - Handel dan Bach. Berkat ini, tekstur muziknya semakin diperkaya dengan pelbagai jenis muslihat polifonik. Contoh cemerlang gabungan gudang homofonik tipikal simfoni lewat abad ke-18 dengan fugue jenis Bach ialah simfoni ke-41 Mozart yang terakhir "Jupiter". Ia memulakan kebangkitan polifoni sebagai kaedah pembangunan yang paling penting dalam genre simfoni. Benar, Mozart mengikuti jalan yang dikalahkan oleh orang lain di hadapannya: akhir dua simfoni oleh Michael Haydn, No. 39 (1788) dan 41 (1789), pastinya diketahui oleh Mozart, juga ditulis dalam bentuk fugue.

Potret Ludwig van Beethoven. Joseph Karl Stieler. 1820 Wikimedia Commons

Peranan Beethoven dalam pembangunan orkestra adalah istimewa. Muziknya adalah gabungan dua era yang hebat: klasik dan romantis. Jika dalam Simfoni Pertama (1800) Beethoven adalah pelajar setia dan pengikut Haydn, dan dalam balet The Works of Prometheus (1801) dia adalah penerus tradisi Gluck, maka dalam Third, Heroic Symphony (1804) terdapat ialah pemikiran semula muktamad dan tidak boleh ditarik balik tentang tradisi Haydn-Mozart dalam kunci yang lebih moden. Simfoni Kedua (1802) secara lahiriah masih mengikuti corak klasik, tetapi terdapat banyak inovasi di dalamnya, dan yang utama ialah penggantian minuet tradisional dengan scherzo petani kasar ("gurau" dalam bahasa Itali). Sejak itu, minuet tidak lagi ditemui dalam simfoni Beethoven, kecuali penggunaan nostalgia ironis perkataan "minuet" dalam tajuk pergerakan ketiga Simfoni Kelapan - "At the pace of the minuet" (oleh masa Kelapan dikarang - 1812 - minit telah pun tidak digunakan di mana-mana, dan Beethoven di sini jelas menggunakan rujukan ini kepada genre sebagai tanda "masa lalu yang manis tetapi jauh"). Tetapi juga banyak kontras dinamik, dan pemindahan sedar tema utama pergerakan pertama kepada cello dan bes berganda, manakala biola memainkan peranan yang luar biasa untuk mereka sebagai pengiring, dan pemisahan kerap fungsi cello dan bes berganda. (iaitu, pembebasan bes berganda sebagai suara bebas), dan diperluaskan, mengembangkan koda di bahagian yang melampau (secara praktikal berubah menjadi perkembangan kedua) adalah semua jejak gaya baru, yang mendapati perkembangannya yang menakjubkan pada seterusnya, Simfoni Ketiga.

Pada masa yang sama, Simfoni Kedua menanggung permulaan hampir semua simfoni Beethoven berikutnya, terutamanya Simfoni Ketiga dan Keenam, serta Kesembilan. Dalam pengenalan kepada bahagian pertama Bahagian Kedua, terdapat motif D-minor iaitu dua titisan yang serupa dengan tema utama bahagian pertama Bahagian Kesembilan, dan bahagian penghubung akhir Kedua adalah hampir satu lakaran "Ode to Joy" dari peringkat akhir Kesembilan yang sama, walaupun dengan instrumentasi yang sama.

Simfoni Ketiga ialah yang terpanjang dan paling kompleks daripada semua simfoni yang ditulis setakat ini, dan bahasa muzik, dan pada kajian bahan yang paling intensif. Ia mengandungi kontras dinamik yang tidak pernah berlaku sebelum ini (dari tiga piano hingga tiga fortes!) dan yang tidak pernah berlaku sebelum ini, walaupun dibandingkan dengan Mozart, bekerja pada "transformasi selular" motif asal, yang bukan sahaja terdapat dalam setiap pergerakan individu, tetapi, seolah-olah, meresap melalui keseluruhan kitaran empat bahagian, mewujudkan rasa naratif yang tunggal dan tidak boleh dibahagikan. The Heroic Symphony bukan lagi urutan harmoni bahagian kontras kitaran instrumental, tetapi genre yang sama sekali baru, sebenarnya, novel simfoni pertama dalam sejarah muzik!

Penggunaan orkestra oleh Beethoven bukan sekadar virtuoso, ia mendorong pemain instrumentalis ke had, dan sering melampaui batasan teknikal yang boleh difikirkan bagi setiap instrumen. Frasa terkenal Beethoven, yang ditujukan kepada Ignaz Schuppanzig, pemain biola dan ketua Kuartet Count Lichnowsky, penghibur pertama banyak kuartet Beethoven, sebagai tindak balas kepada kenyataan kritisnya tentang "kemustahilan" satu petikan Beethoven, sangat mencirikan sikap komposer terhadap masalah teknikal dalam muzik: "Apa yang saya peduli dengan biola malangnya, apabila Roh bercakap kepada saya?!" Idea muzik sentiasa diutamakan, dan hanya selepas idea itu perlu ada cara untuk melaksanakannya. Tetapi pada masa yang sama, Beethoven sangat menyedari kemungkinan orkestra pada zamannya. Ngomong-ngomong, pendapat yang dipegang secara meluas tentang akibat negatif pekak Beethoven, yang didakwa tercermin dalam gubahannya yang kemudian dan oleh itu membenarkan pencerobohan kemudiannya ke dalam skornya dalam bentuk semua jenis retouch, hanyalah mitos. Cukup untuk mendengar persembahan bagus simfoni atau kuartet akhir beliau pada instrumen tulen, untuk memastikan bahawa mereka tidak mempunyai kelemahan, tetapi hanya sikap yang sangat idealistik, tanpa kompromi terhadap seni mereka, berdasarkan pengetahuan terperinci tentang instrumen pada zaman mereka dan keupayaan mereka. Jika Beethoven mempunyai orkestra moden dengan keupayaan teknikal moden yang ada padanya, dia pasti akan menulis dengan cara yang berbeza sama sekali.

Dari segi instrumentasi, dalam empat simfoni pertamanya, Beethoven kekal dengan piawaian simfoni Haydn dan Mozart yang terkemudian. Walaupun Simfoni Heroik menggunakan tiga tanduk dan bukannya dua tanduk tradisional, atau empat tanduk yang jarang tetapi boleh diterima secara tradisi. Iaitu, Beethoven mempersoalkan prinsip yang sangat suci untuk mengikuti mana-mana tradisi: dia memerlukan suara tanduk ketiga dalam orkestra - dan dia memperkenalkannya.

Dan sudah dalam Simfoni Kelima (1808), Beethoven memperkenalkan pada peringkat akhir instrumen orkestra tentera (atau teater) - seruling piccolo, contrabassoon dan trombon. Ngomong-ngomong, setahun sebelum Beethoven, komposer Sweden Joachim Nicholas Eggert menggunakan trombon dalam Symphony dalam E flat major (1807), dan dalam ketiga-tiga pergerakan, dan bukan hanya pada final, seperti yang dilakukan Beethoven. Jadi dalam kes trombon, tapak tangan bukan untuk komposer yang hebat, tetapi untuk rakan sekerjanya yang kurang terkenal.

Simfoni Keenam (Pastoral) ialah kitaran program pertama dalam sejarah simfoni, di mana bukan sahaja simfoni itu sendiri, tetapi juga setiap bahagian, didahului dengan penerangan tentang beberapa jenis program dalaman - penerangan tentang perasaan seseorang. penduduk kota yang mendapati dirinya dalam alam semula jadi. Sebenarnya, penerangan tentang alam semula jadi dalam muzik bukanlah perkara baru sejak zaman Baroque. Tetapi, tidak seperti Vivaldi The Seasons dan contoh barok muzik program yang lain, Beethoven tidak memperkatakan penulisan bunyi sebagai penghujungnya. The Sixth Symphony, dalam kata-katanya sendiri, adalah "sebaliknya ekspresi perasaan daripada lukisan." Simfoni pastoral adalah satu-satunya dalam karya Beethoven di mana kitaran simfoni empat bahagian dilanggar: scherzo diikuti tanpa gangguan oleh pergerakan keempat, bebas dalam bentuk, bertajuk The Thunderstorm, dan selepas itu, juga tanpa gangguan, kesudahannya. ikut. Oleh itu, terdapat lima pergerakan dalam simfoni ini.

Pendekatan Beethoven terhadap orkestrasi simfoni ini sangat menarik: dalam pergerakan pertama dan kedua, dia hanya menggunakan tali, tiupan kayu dan dua tanduk. Dalam scherzo, dua trompet disambungkan kepada mereka, dalam The Thunderstorm timpani, seruling piccolo dan dua trombon bergabung, dan pada akhir timpani dan piccolo kembali senyap, dan trompet dan trombon berhenti melakukan fungsi gembar-gembur tradisional mereka dan bergabung ke dalam koir angin umum doksologi panteistik.

Kemuncak percubaan Beethoven dalam bidang orkestrasi ialah Simfoni Kesembilan: pada penghujungnya, bukan sahaja trombon, seruling piccolo dan contrabassoon yang telah disebutkan digunakan, tetapi juga satu set perkusi "Turki" - gendang bes, simbal. dan segi tiga, dan yang paling penting - koir dan pemain solo! Ngomong-ngomong, trombon pada akhir Kesembilan paling kerap digunakan sebagai penguatan bahagian paduan suara, dan ini sudah menjadi rujukan kepada tradisi gereja dan muzik oratorio sekular, terutamanya dalam pembiasan Haydnian-Mozartian (lihat " Creation of the World" atau "The Seasons" of Haydn, Mass before minor atau Mozart's Requiem), yang bermaksud bahawa simfoni ini adalah gabungan genre simfoni dan oratorio rohani, hanya ditulis pada teks puitis, sekular oleh Schiller. Satu lagi inovasi rasmi utama Simfoni Kesembilan ialah penyusunan semula pergerakan perlahan dan scherzo. Scherzo kesembilan, berada di tempat kedua, tidak lagi memainkan peranan sebagai kontras ceria yang memulakan perlawanan akhir, tetapi bertukar menjadi kesinambungan yang keras dan benar-benar "militaristik" dari bahagian pertama yang tragis. Dan pergerakan ketiga yang perlahan menjadi pusat falsafah simfoni, jatuh tepat pada zon bahagian emas - yang pertama, tetapi bukan kes terakhir dalam sejarah muzik simfoni.

Dengan Simfoni Kesembilan (1824), Beethoven melangkah ke era baharu. Ini bertepatan dengan tempoh transformasi sosial yang paling serius - dengan peralihan terakhir daripada Zaman Pencerahan kepada zaman perindustrian yang baru, peristiwa pertama yang berlaku 11 tahun sebelum akhir abad sebelumnya; acara yang disaksikan oleh ketiga-tiga wakil sekolah klasik Vienna. Kita bercakap, sudah tentu, tentang Revolusi Perancis.

Popular dalam kategori:
Punca lebam bawah mata Lebam abadi bawah mata
Punca lebam bawah mata Lebam abadi bawah mata
membaca
Punca pemberontakan: Pembaharuan dan transformasi Peter I dilakukan secara paksa, (perubahan dalam cara dan kadar kehidupan) Baru
Punca pemberontakan: Pembaharuan dan transformasi Peter I telah dilakukan ...
membaca
Sekolah Pemerintah Tinggi Tentera Kazan Sekolah Kereta Kebal Tentera Tinggi Kazan
Sekolah Pemerintah Tinggi Tentera Kazan Tinggi...
membaca
Peringkat utama dalam sejarah negara-negara Baltik: pembentukan tradisi politik Apa yang berlaku untuk Baltik
Peringkat utama dalam sejarah Negara Baltik: pembentukan politik...
membaca

artikel terbaru
Plat buku. Apa itu exlibris? ada apa...
membaca
Konsep, pengurusan, pembaharuan undang-undang dan...
membaca
Laluan daripada orang Varangian kepada orang Yunani dan "daripada orang Yunani kepada orang Varangian
membaca
Jawatankuasa rahsia Alexander I
membaca
Perjanjian Rusia-Byzantine Perjanjian dengan Yunani...
membaca
Makna dan asal usul perkataan
membaca
Masa penetapan mortar simen
membaca
Armada Pasifik dan Flotilla Amur di...
membaca
Atas