› › Russisk jazzsanger. Kjente russiske jazzsangere

Russisk jazzsanger. Kjente russiske jazzsangere

Oleg Lundstrem - Caravan

Nettleseren din gjengir ikke lydkoden!

Mens jazz utviklet seg aktivt i USA, i det postrevolusjonære Russland på 1920-tallet, begynte den bare sin sjenerte bevegelse. Det kan ikke sies at denne musikalske sjangeren var kategorisk forbudt, men det faktum at utviklingen av jazz i Russland ikke forløp uten kritikk fra myndighetene. Uttrykket "I dag spiller han jazz, og i morgen vil han selge sitt hjemland" (eller en annen mindre populær, "Fra saksofonen til den finske kniven - ett trinn") - gjenspeiler tydelig holdningen til jazz i USSR.

Det er en versjon om at jazz i Sovjetunionen overlevde på grunn av det faktum at den ble ansett som "negrenes musikk", og negrene som en undertrykt nasjon, og derfor vennlig mot sovjetstaten. Derfor ble ikke jazzen i Unionen helt kvalt, til tross for at mange dyktige jazzmenn ikke kunne «slå igjennom» til allmennheten. De fikk ikke lov til å opptre og spille inn på plater. Jazz i Russland ble fortsatt ansett som et angivelig ideologisk våpen som USA skulle slavebinde USSR med. Omtaler av jazz i media ble stilltiende forbudt.

Det første jazzorkesteret i Sovjet-Russland ble opprettet i Moskva i 1922 av poeten, oversetteren, danseren, teaterfiguren Valentin Parnakh og ble kalt "Valentin Parnakhs første eksentriske jazzbandorkester i RSFSR".

Orkesteret til Moskva-pianisten og komponisten Alexander Tsfasman regnes som det første profesjonelle jazzensemblet som opptrådte på radio og spilte inn en plate - orkesteret hans "AMA Jazz" opptrådte på Moskva radio i 1927 og spilte inn plata "Hallelujah". Etter ham spesialiserte de tidlige sovjetiske jazzbandene seg på å utføre fasjonable danser - foxtrot a, Charleston a og andre.

Leonid Utesov kan imidlertid betraktes som "faren" til russisk jazz. I den sovjetiske massebevisstheten begynte jazz å få stor popularitet på 30-tallet, takket være Leningrad-ensemblet ledet av skuespiller og sanger Leonid Utyosov og trompetisten Ya. B. Skomorovsky. Den populære filmkomedien med hans deltagelse "Merry Fellows" (1934, opprinnelig tittelen "Jazz Comedy") var dedikert til historien til en jazzmusiker og hadde et passende lydspor (skrevet av Isaak Dunaevsky). Utyosov og Skomorovsky dannet den originale stilen "te-jazz" (teatralsk jazz), som var basert på en blanding av musikk og teater, operette, det vil si vokalnummer og et element av fremføring spilte en stor rolle i den.

Leonid Utyosov - Mishka Odesit

Arbeidet til komponisten og lederen av orkestrene, Eddie Rosner, påvirket utviklingen av sovjetisk jazz betydelig. Han startet sin karriere i Tyskland og Polen, og da han kom til USSR, ble han en av pionerene innen swing i USSR. En viktig rolle i populariseringen og utviklingen av swingstilen ble også spilt av Moskva-band på 30- og 40-tallet. under ledelse av Alexander Tsfasman a og Alexander Varlamov a. Storbandet til Oleg Lundstrem er også viden kjent (han turnerte i Kina i 1935 - 1947)

Khrusjtsjovs «tining» svekket forfølgelsen av musikere. VI World Youth Festival, som ble holdt i Moskva, fødte en ny generasjon sovjetiske jazzmenn. Sovjetisk jazz entret den europeiske arenaen. Den andre Moscow Jazz Festival gikk ned i historien - plateselskapet Melodiya i hele Union ga ut en samling av de beste musikalske numre festival. Navnene på jazzmusikerne Igor Bril, Boris Frumkin og andre ble kjent. Leonid Chizhiks turer i USA vakte en ekte sensasjon blant den amerikanske offentligheten, og viste det høyeste ferdighetsnivået til russiske pianister.

På 50-60-tallet. I Moskva gjenopptok orkestrene til Eddie Rosner og Oleg Lundstrem sin virksomhet. Blant de nye besetningene er orkestrene til Joseph Weinstein (Leningrad) og Vadim Ludvikovsky (Moskva), samt Riga Variety Orchestra (REO). Storband brakte opp en hel galakse av talentfulle arrangører og solister-improvisatorer. Blant dem er Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexei Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin.

I løpet av denne perioden utviklet kammer- og klubbjazz aktivt i alt dets mangfold av stiler (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexei Kuznetsov , Viktor Fridman , Andrey Tovmasyan, Igor Bril, Leonid Chizhik, etc.) Mange av de ovennevnte mesterne innen sovjetisk jazz begynte sin karriere på scenen til den legendariske Moskva jazzklubben "

Jazzartister oppfant et særegent musikalsk språk basert på improvisasjon, komplekse rytmiske mønstre (swing) og unike harmoniske mønstre.

Jazz oppsto i slutten av XIX - tidlig XX i USA og var en unik sosialt fenomen, nemlig sammensmeltningen av afrikanske og amerikanske kulturer. Videre utvikling og stratifiseringen av jazz i ulike stilarter og understiler skyldes det faktum at jazzutøvere og komponister kontinuerlig fortsatte å komplisere musikken deres, lete etter nye lyder og mestre nye harmonier og rytmer.

Dermed har det samlet seg en enorm jazzarv, der følgende hovedskoler og stiler kan skilles ut: New Orleans (tradisjonell) jazz, bebop, hard bop, swing, kul jazz, progressiv jazz, free jazz, modal jazz, fusion, etc. e. I denne artikkelen er ti fremragende jazzutøvere samlet, etter å ha lest dem, vil du få det mest komplette bildet av tiden med frie mennesker og energisk musikk.

Miles Davis (Miles Davis)

Miles Davis ble født 26. mai 1926 i Alton (USA). Kjent som en ikonisk amerikansk trompetist hvis musikk hadde en enorm innvirkning på jazz- og musikkscenen på 1900-tallet som helhet. Han eksperimenterte mye og frimodig med stiler, og kanskje er det derfor figuren Davis står i opprinnelsen til stiler som kul jazz, fusion og modaljazz. Miles begynte sin musikalske karriere som medlem av Charlie Parker Quintet, men klarte senere å finne og utvikle sin egen musikalske lyd. Miles Davis' viktigste og mest fremtredende album er Birth of the Cool (1949), Kind of Blue (1959), Bitches Brew (1969) og In a Silent Way (1969). Hovedtrekket til Miles Davis var at han hele tiden var i et kreativt søk og viste verden nye ideer, og det er derfor historien til moderne jazzmusikk skylder så mye hans eksepsjonelle talent.

Louis Armstrong (Louis Armstrong)

Louis Armstrong, mannen hvis navn kommer til å tenke på folk flest når de hører ordet "jazz", ble født 4. august 1901 i New Orleans (USA). Armstrong hadde et blendende talent for å spille trompet og gjorde mye for å utvikle og popularisere jazzmusikk over hele verden. I tillegg trollbandt han også publikum med sin husky bassvokal. Veien Armstrong måtte gå fra tramp til tittelen King of Jazz var tornefull. Og det begynte i en koloni for svarte tenåringer, hvor Louis endte opp for en uskyldig spøk - avfyring med pistol mot nyttårsaften. Han stjal forresten en pistol fra en politimann, en klient til moren hans, som var en representant for det eldste yrket i verden. Takket være dette ikke altfor gunstige settet av omstendigheter, fikk Louis Armstrong sin første musikalske opplevelse i leirens brassband. Der mestret han kornett, tamburin og althorn. Med et ord gikk Armstrong fra marsjer i kolonien og deretter episodiske opptredener i klubber til en musiker i verdensklasse, hvis talent og bidrag til jazzskatten knapt kan overvurderes. Påvirkningen fra hans landemerkealbum Ella og Louis (1956), Porgy and Bess (1957) og American Freedom (1961) kan fortsatt høres i spillingene til samtidsartister med forskjellige stiler.

Duke Ellington (Duke Ellington)

Duke Ellinton ble født 29. april 1899 i Washington DC. Pianist, orkesterleder, arrangør og komponist hvis musikk har blitt en reell nyvinning i jazzens verden. Verkene hans ble spilt på alle radiostasjoner, og innspillingene hans er med rette inkludert i "jazzens gullfond". Ellinton har blitt anerkjent over hele verden, mottatt mange priser, skrevet et stort antall geniale verk, som inkluderer "Caravan"-standarden, som gikk verden rundt. Hans mest bemerkelsesverdige utgivelser inkluderer Ellington At Newport (1956), Ellington Uptown (1953), Far East Suite (1967) og Masterpieces By Ellington (1951).

Herbie Hancock (Herbie Hancock)

Herbie Hancock ble født 12. april 1940 i Chicago (USA). Hancock er kjent som pianist og komponist, samt eier av 14 Grammy-priser, som han mottok for sitt arbeid innen jazz. Musikken hans er interessant fordi den kombinerer elementer av rock, funk og soul, sammen med frijazz. Også i komposisjonene hans kan du finne elementer av moderne klassisk musikk og bluesmotiver. Generelt vil nesten alle sofistikerte lyttere kunne finne noe for seg selv i Hancocks musikk. Hvis vi snakker om innovative kreative løsninger, så regnes Herbie Hancock som en av de første jazzutøverne som kombinerte synthesizer og funk på samme måte, musikeren er i spissen for den nyeste jazzstilen - post-bop. Til tross for spesifisiteten til musikken til noen stadier av Herbies arbeid, er de fleste av sangene hans melodiske komposisjoner som har forelsket seg i allmennheten.

Blant albumene hans kan følgende skilles ut: "Head Hunters" (1971), "Future Shock" (1983), "Maiden Voyage" (1966) og "Takin' Off" (1962).

John Coltrane (John Coltrane)

John Coltrane, en fremragende jazzinnovatør og virtuos, ble født 23. september 1926. Coltrane var en talentfull saksofonist og komponist, bandleder og en av de mest innflytelsesrike musikerne på 1900-tallet. Coltrane regnes med rette som en betydelig skikkelse i historien om utviklingen av jazz, som inspirerte og påvirket moderne utøvere, så vel som improvisasjonsskolen generelt. Fram til 1955 forble John Coltrane relativt ukjent inntil han ble med i Miles Davis-bandet. Noen år senere forlater Coltrane kvintetten og begynner å engasjere seg nært i sitt eget arbeid. I løpet av disse årene spilte han inn album som utgjorde den viktigste delen av jazzarven.

Disse er «Giant Steps» (1959), «Coltrane Jazz» (1960) og «A Love Supreme» (1965), som ble ikoner for jazzimprovisasjon.

Charlie Parker (Charlie Parker)

Charlie Parker ble født 29. august 1920 i Kansas City (USA). Kjærlighet til musikk våknet opp i ham ganske tidlig: han begynte å mestre saksofonen i en alder av 11. På 30-tallet begynte Parker å mestre prinsippene for improvisasjon og utviklet i sin teknikk noen av teknikkene som gikk forut for bebop. Senere ble han en av grunnleggerne av denne stilen (sammen med Dizzy Gillespie) og hadde generelt en veldig sterk innflytelse på jazzmusikk. Som tenåring ble musikeren imidlertid avhengig av morfin, og i fremtiden oppsto problemet med heroinavhengighet mellom Parker og musikk. Dessverre, selv etter behandling på klinikken og bedring, kunne Charlie Parker ikke jobbe like aktivt og skrive ny musikk. Til syvende og sist avsporet heroin hans liv og karriere og forårsaket hans død.

Charlie Parkers mest betydningsfulle jazzalbum er Bird and Diz (1952), Birth of the Bebop: Bird on Tenor (1943) og Charlie Parker med strykere (1950).

Thelonious Monk Quartet (Thelonious Monk)

Thelonious Monk ble født 10. oktober 1917 i Rocky Mount (USA). Han er mest kjent som jazzkomponist og pianist, samt en av grunnleggerne av bebop. Hans originale "revne" spillestil absorberte forskjellige stiler - fra avantgarde til primitivisme. Slike eksperimenter gjorde at lyden av musikken hans ikke var helt karakteristisk for jazz, noe som imidlertid ikke hindret mange av verkene hans fra å bli klassikere innen denne musikkstilen. Å være veldig en uvanlig person, som fra barndommen gjorde alt for ikke å være "normal" og som alle andre ble Monk kjent ikke bare for sine musikalske avgjørelser, men også for sine ekstreme kompleks natur. Mange anekdotiske historier er knyttet til navnet hans om hvordan han kom for sent til sine egne konserter, og en gang nektet å spille på en Detroit-klubb i det hele tatt, fordi kona ikke dukket opp til en opptreden. Og slik satt Monk i en stol med armene foldet, til kona hans til slutt ble brakt inn i hallen - i tøfler og morgenkåpe. For øynene på ektemannen ble den stakkars kvinnen raskt levert med fly, hvis bare konserten ville finne sted.

Monks mest bemerkelsesverdige album inkluderer Monk's Dream (1963), Monk (1954), Straight No Chaser (1967) og Misterioso (1959).

Billie Holiday (Billy Holiday)

Billie Holiday, kjent amerikansk jazzvokalist, ble født 7. april 1917 i Philadelphia. Som mange jazzmusikere begynte Holiday sin musikalske karriere på nattklubber. Over tid var hun heldig nok til å møte produsenten Benny Goodman, som organiserte hennes første innspillinger i studio. Berømmelse kom til sangeren etter å ha deltatt i storbandene til slike jazzmestere som Count Basie og Artie Shaw (1937-1938). Lady Day (som fansen hennes kalte henne) hadde en unik fremføringsstil, takket være at hun så ut til å gjenoppfinne en frisk og unik lyd for de mest enkle komposisjonene. Hun var spesielt god på romantiske, langsomme sanger (som "Don't Explain" og "Lover Man"). Billie Holidays karriere var lys og strålende, men ikke lang, for etter tretti år ble hun avhengig av drikking og narkotika, noe som påvirket helsen hennes negativt. Den englestemmen mistet sin tidligere styrke og fleksibilitet, og Holiday mistet raskt publikums gunst.

Billie Holiday beriket jazzkunsten med så fremragende album som "Lady Sings the Blues" (1956), "Body and Soul" (1957) og "Lady in Satin" (1958).

Bill Evans (Bill Evans)

Bill Evans, den legendariske amerikanske jazzpianisten og komponisten, ble født 16. august 1929 i New Jersey, USA. Evans er en av de mest innflytelsesrike jazzartistene på 1900-tallet. Hans musikalske verk er så sofistikert og uvanlig at få pianister er i stand til å arve og låne ideene hans. Han kunne mesterlig svinge og improvisere som ingen annen, samtidig var melodi og enkelhet langt fra fremmed for ham - hans tolkninger av kjente ballader fikk popularitet selv blant ikke-jazzpublikum. Evans ble utdannet som akademisk pianist, og etter å ha tjenestegjort i hæren begynte han å dukke opp offentlig med forskjellige obskure musikere som jazzutøver. Suksessen kom til ham i 1958 da Evans ble med i Miles Davis-sekstetten, sammen med Cannonball Oderley og John Coltrane. Evans regnes som skaperen av kammerjazztrio-sjangeren, som er preget av et ledende improviserende piano, samt solotrommer og kontrabass sammen med det. Hans musikalske stil brakte en rekke farger til jazzmusikk - fra oppfinnsomme grasiøse improvisasjoner til lyrisk-fargede toner.

Til nai beste album Evans kan tilskrives hans soloinnspilling av "Alone" (1968), laget i man-orkester-modus, "Waltz for Debby" (1961), "New Jazz Conceptions" (1956) og "Explorations" (1961).

Dizzy Gillespie (Dizzy Gillespie)

Dizzy Gillespie ble født 21. oktober 1917 i Chirow, USA. Dizzy har mye fortjeneste i historien om utviklingen av jazzmusikk: han er kjent som trompetist, vokalist, arrangør, komponist og leder av orkestre. Gillespie var også med på å grunnlegge improvisasjonsjazz sammen med Charlie Parker. Som mange jazzmenn begynte Gillespie å spille på klubber. Så flyttet han for å bo i New York og kom med hell i det lokale orkesteret. Han var kjent for sin originale, for ikke å si tullete, oppførsel, som med hell snudde menneskene som jobbet med ham mot ham. Fra det første orkesteret, der en meget talentfull, men særegen trompetist Dizz dro på turné i England og Frankrike, ble han nesten kastet ut. Musikerne i hans andre orkester reagerte heller ikke helt hjertelig på Gillespies hån av deres spill. I tillegg var det få som forsto hans musikalske eksperimenter – noen kalte musikken hans «kinesisk». Samarbeidet med det andre orkesteret endte i en kamp mellom Cab Calloway (hans leder) og Dizzy under en av konsertene, hvoretter Gillespie ble utvist fra bandet med et smell. Etter at Gillespie lager sin egen gruppe, der han og andre musikere jobber for å diversifisere det tradisjonelle jazzspråket. Dermed ble stilen kjent som bebop født, på stilen som Dizzy aktivt jobbet med.

De beste albumene til den briljante trompetisten inkluderer "Sonny Side Up" (1957), "Afro" (1954), "Birk's Works" (1957), "World Statesman" (1956) og "Dizzy and Strings" (1954).

I flere tiår har frihetens musikk, fremført av svimlende jazzvirtuoser, vært en stor del av musikkscenen og bare menneskelivet. Navnene på musikerne som du kan se ovenfor er udødeliggjort i minnet til mange generasjoner, og mest sannsynlig vil samme antall generasjoner inspirere og forbløffe med deres ferdigheter. Kanskje hemmeligheten er at oppfinnerne av trompeter, saksofoner, kontrabasser, pianoer og trommer visste at noen ting ikke kunne gjøres på disse instrumentene, men glemte å fortelle jazzmusikere om det.

Historien til sovjetisk (etter 1991 - russisk) jazz er ikke blottet for originalitet og skiller seg fra periodiseringen av amerikansk og europeisk jazz.

Musikkhistorikere deler amerikansk jazz inn i tre perioder:

  • tradisjonell jazz, inkludert New Orleans-stil (inkludert Dixieland), Chicago-stil og swing - med sent XIX V. til 1940-tallet;
  • moderne(moderne jazz), inkludert stilene bebop, kul, progressiv og hard-boys - fra begynnelsen av 40-tallet. og til slutten av 50-tallet. XX århundre;
  • avantgarde(frijazz, modalstil, fusjon og fri improvisasjon) - siden tidlig på 1960-tallet.

Det skal bemerkes at de ovennevnte bare er midlertidige grenser for transformasjonen av en bestemt stil eller retning, selv om de alle eksisterte sammen og fortsetter å eksistere til i dag.

Med all respekt for sovjetjazzen og dens mestere, skal det ærlig innrømmes at sovjetjazzen i sovjetårene alltid var sekundær, basert på ideene som opprinnelig oppsto i USA. Og først etter at russisk jazz hadde kommet langt, på slutten av 1900-tallet. vi kan snakke om originaliteten til jazz, som fremføres av russiske musikere. Ved å bruke jazzens rikdom samlet over et århundre, beveger de seg sin egen vei.

Jazzens fødsel i Russland fant sted et kvart århundre senere enn dens utenlandske motstykke, og perioden med arkaisk jazz som amerikanerne gjennomgikk er slett ikke tilstede i russisk jazzhistorie. På den tiden, da en musikalsk nyhet nettopp ble hørt i det unge Russland, danset Amerika til jazz med stor kraft, og det var så mange orkestre at det ikke var mulig å telle antallet. Jazzmusikken fikk stadig flere publikum, land og kontinenter. Mye mer heldig europeisk offentlighet. Allerede på 1910-tallet, og spesielt under første verdenskrig (1914-1918), forbløffet amerikanske musikere den gamle verden med sin kunst, og plateindustrien bidro også til utbredelsen av jazzmusikken.

1. oktober 1922 regnes som fødselsdagen til sovjetisk jazz, når Storhall Statens institutt teaterkunst ga en konsert "Det første eksentriske jazzbandet i RSFSR". Det var slik de skrev dette ordet – jazzband. Dette orkesteret ble organisert av en poet, oversetter, geograf-reisende og danser Valentin Parnakh(1891-1951). I 1921 kom han tilbake til Russland fra Paris, hvor han hadde bodd siden 1913 og ble kjent med fremragende kunstnere, forfattere og poeter. Det var i Frankrike at denne enestående og høyt utdannede mannen, litt mystisk, som elsket alt avantgarde, møtte de første jazzgjesteartistene fra Amerika og, revet med av denne musikken, bestemte seg for å gjøre russiske lyttere kjent med musikalsk eksotisme. Det nye orkesteret krevde uvanlige instrumenter, og Parnakh brakte til Moskva en banjo, sett med trompetdemper, tomtom med fotpedal, cymbaler og støyinstrumenter. Parnakh, som ikke var musiker, hadde en utilitaristisk holdning til jazzmusikk. "Han ble tiltrukket av denne musikken av uvanlige, ødelagte rytmer og nye, som han sa, "eksentriske" danser," husket han senere. kjent forfatter, dramatiker, manusforfatter Yevgeny Gabrilovich, som i noen tid jobbet som pianist i orkesteret til Valentin Parnakh.

Musikk, ifølge Parnakh, skulle være et akkompagnement til plastiske bevegelser, annerledes enn klassisk ballett. Helt fra begynnelsen av orkesterets eksistens argumenterte dirigenten for at en jazzgruppe burde være et «mimic orchestra», slik at det i dagens forstand er vanskelig å kalle et slikt orkester et jazzorkester fullt ut. Mest sannsynlig var det et støyorkester. Kanskje av denne grunn slo jazzen i Russland først rot i det teatralske miljøet, og i tre år opptrådte Parnakh-orkesteret i forestillinger iscenesatt av teatersjef Vsevolod Meyerhold. I tillegg deltok orkesteret noen ganger i karnevalsfeiringer, fremført i Pressehuset, der Moskva-intelligentsiaen samlet seg. På konserten dedikert til åpningen av den 5. kongressen til Komintern fremførte orkestermedlemmene fragmenter fra Darius Milhauds musikk til balletten «Bull on the Roof» – en ganske vanskelig komposisjon å fremføre. Jazz Band of Parnakh var den første gruppen som ble invitert til State Academic Drama Theatre, men etter en tid passet ikke den anvendte verdien av orkesteret lederen, og Vsevolod Meyerhold ble irritert over at så snart orkesteret begynte å spille, all oppmerksomheten til publikum ble naglet til musikerne, ikke for scenehandling. Til tross for at pressen bemerket den vellykkede bruken av musikk for å «manifestere en dramatisk rytme, slå pulsen på en forestilling», mistet regissør Meyerhold interessen for orkesteret, og lederen av det første jazzbandet i Russland, etter en stor og støyende suksess, vendte tilbake til poesi. Valentin Parnakh var den første russiske forfatteren av artikler om ny musikk, skrev til og med dikt om jazz. Det er ingen innspillinger av Parnakh-ensemblet, siden innspillingen i USSR dukket opp først i 1927, da ensemblet allerede var oppløst. På dette tidspunktet hadde mye mer profesjonelle utøvere oppstått i landet enn "Det første eksentriske orkesteret i RSFSR - jazzbandet til Valentin Parnakh." Dette var orkestre Teplitsky, Landsberg, Utesov, Tsfasman.

På slutten av 1920-tallet entusiaster ble funnet i Sovjetunionen, musikere dukket opp som spilte det som var "på øret", som på en eller annen måte kom fra jazz Mekka, fra Amerika, hvor store swingorkestre begynte å dukke opp på den tiden. I 1926 i Moskva, utdannet ved konservatoriet og en strålende virtuos pianist Alexander Tsfasman(1906-1971) organiserte "AMA Jazz" (ved det kooperative musikkforlaget til Association of Moscow Authors). Det var det første profesjonelle jazzorkesteret i Sovjet-Russland. Musikerne fremførte komposisjonene til lederen selv, hans arrangementer av amerikanske skuespill og de første musikalske opusene til sovjetiske komponister som skrev musikk i en ny sjanger for dem. Orkesteret opptrådte med suksess på scenene til store restauranter, i foajeen til de største kinoene. Ved siden av navnet til Alexander Tsfasman kan du gjentatte ganger gjenta ordet "først". I 1928 opptrådte orkesteret på radio - for første gang hørtes sovjetisk jazz på lufta, og deretter dukket de første innspillingene av jazzmusikk opp ("Hallelujah" av Vincent Youmans og "Seminola" av Harry Warren). Alexander Tsfasman var forfatteren av den første jazzradiosendingen i vårt land. I 1937 ble det gjort innspillinger av Tsfasmans verk: "På en lang reise", "På kysten", "Mislykket dato" (det er nok til å huske linjene: "Vi var begge: jeg var på apoteket, og jeg var ser etter deg på kino, Så det betyr i morgen - på samme sted, til samme time! Tsfasmans tilpasning av den polske tangoen, i daglig tale kjent som "The Burnt Sun", nøt fortsatt suksess. I 1936 ble A. Tsfasmans orkester anerkjent som det beste i showet til jazzorkestre. I hovedsak kan det kalles en jazzfestival organisert av Moscow Club of Art Masters.

I 1939 ble Tsfasman Orchestra invitert til å jobbe på All-Union Radio, og under den store patriotiske krigen reiste musikerne til orkesteret til fronten. Konserter ble holdt i frontlinjen og i frontlinjene, i skoglysninger og i graver. På den tiden ble sovjetiske sanger fremført: "Dark Night", "Dugout", "My Favorite". Musikk hjalp krigere for en kort tid å rømme fra den forferdelige militære hverdagen, bidro til å huske deres hjem, familie, deres kjære. Det var tungt å jobbe på militære sykehus, men også her brakte musikerne gleden av å møte ekte kunst. Men hovedarbeidet for orkesteret forble arbeid på radio, opptredener på fabrikker, fabrikker og rekrutteringssentre.

Det fantastiske Tsfasman-orkesteret, som besto av dyktige jazzmusikere, eksisterte til 1946.

I 1947-1952. Tsfasman ledet den symfoniske jazzen til Hermitage Variety Theatre. I en vanskelig tid for jazz (det var på 1950-tallet), under den kalde krigen med USA og Vesten, da publikasjoner begynte å dukke opp i den sovjetiske pressen som diskrediterte og diskrediterte jazz, jobbet lederen av orkesteret på konsertscenen som en jazzpianist. Så samlet maestroen en instrumentalkvartett for studioarbeid, hvis hits ble inkludert i fondet for sovjetisk musikk:

«Mye kveld», «Venter», «Alltid med deg». Romanser og populære sanger av Alexander Tsfasman, musikk til forestillinger og filmer er kjent og elsket.

I 2000, i "Anthology of Jazz"-serien, ble Tsfasmans album "Tired Sun" gitt ut, spilt inn på CD, som inkluderer komponistens beste instrumentale og vokale stykker. Om Tsfasman i boken "Stjerner på den sovjetiske scenen" (1986) skrev G. Skorokhodov. A. N. Batashev, forfatteren av en av de mest autoritative publikasjonene - "Sovjetjazz" (1972) - snakket i sin bok om livet og arbeidet til Alexander Tsfasman. I 2006 ble boken "Alexander Tsfasman: Coryphaeus of Soviet Jazz" utgitt av Doctor of Philosophy, forfatter og musikkforsker A. N. Golubev.

Samtidig med Tsfasmans «AMA Jazz» i Moskva oppsto det i 1927 en jazzgruppe også i Leningrad. Det var "Det første konsert-jazzbandet" pianist Leopold Teplitsky(1890-1965). Enda tidligere, i 1926, besøkte Teplitsky New York og Philadelphia, hvor han ble sendt av People's Commissariat for Education. Hensikten med turen var å studere musikk til stumfilmillustrasjoner. I flere måneder absorberte musikeren alle rytmene til ny musikk for seg selv, studert med amerikanske jazzmenn. Tilbake til Russland organiserte L. Teplitsky et orkester av profesjonelle musikere (lærere ved konservatoriet, musikkskoler), som dessverre ikke følte jazzspesifikasjonene til musikken de fremførte. Musikerne, som alltid bare spilte fra noter, kunne ikke tenke seg at den samme melodien kunne spilles på en ny måte hver gang, det vil si at det ikke kunne være snakk om improvisasjon. Teplitskys fortjeneste kan betraktes som at musikerne for første gang opptrådte i konsertsaler, og selv om lyden av orkesteret var langt fra et ekte jazzband, var det ikke lenger den eksentriske kunsten til støyorkesteret til Valentin Parnakh. Repertoaret til Leopold Teplitsky-orkesteret besto av skuespill av amerikanske forfattere (dirigenten tok med seg uvurderlig bagasje - en haug med jazzplater og en hel mappe med orkesterarrangementer Paul Whiteman). Teplitskys jazzband varte ikke lenge, bare noen få måneder, men selv i løpet av denne korte tiden introduserte musikerne lytterne til moderne amerikansk dansemusikk, for vakre Broadway-melodier. Etter 1929 utviklet skjebnen til Leopold Teplitsky seg dramatisk: arrestasjon på en falsk fordømmelse, fordømmelsen av NKVD-"troikaen" i ti år i leire, byggingen av Hvithavs-Østersøkanalen. Etter konklusjonen ble Leopold Yakovlevich tvunget til å bosette seg i Petrozavodsk (de fikk ikke komme inn i Leningrad). Den musikalske fortiden er ikke glemt. Teplitsky organiserte et symfoniorkester i Karelen, underviste ved konservatoriet, skrev musikk og dirigerte radiosendinger. Den internasjonale jazzfestivalen "Stars and Us" (organisert i 1986 i Petrozavodsk) siden 2004 har blitt oppkalt etter pioneren innen russisk jazz Leopold Teplitsky.

Musikkritikk på slutten av 1920-tallet kunne ikke sette pris på det nye kulturfenomenet. Her er et utdrag fra den tiden fra en karakteristisk anmeldelse av jazz: «Som et middel for karikatur og parodi ... som et røft, men bitende og pikant rytmisk og klangfarget apparat, egnet for dansemusikk og for billige «musikalske undermalerier» i teatralsk bruk, - et jazzband har sin egen grunn. Utenfor disse grensene er dens kunstneriske verdi liten.

Lagt drivstoff på bålet og Russisk forening proletariske musikere (RAPM), som hevdet den "proletariske linjen" i musikken, og avviste alt som ikke samsvarte med deres ofte dogmatiske syn på kunst. I 1928 publiserte avisen Pravda en artikkel med tittelen "On the Music of the Fat" av den berømte sovjetisk forfatter Maksim Gorkij. Det var en sint brosjyre som fordømte "rovdyrenes verden", "kraften til fettet." Den proletariske forfatteren bodde på den tiden i Italia, på øya Capri, og var mest sannsynlig kjent med den såkalte «restaurantmusikken», som var langt unna ekte jazz. Noen grundige jazzhistorikere hevder at forfatteren rett og slett var "lei" av foxtrots som Gorkys uheldige stesønn spilte hele tiden i første etasje i villaen. På en eller annen måte, men uttalelsen til den proletariske forfatteren ble umiddelbart plukket opp av lederne av RAPM. Og i lang tid ble jazz i vårt land kalt "the music of the fat", uten å vite hvem som var den sanne forfatteren av jazzmusikk, i hvilke rettighetsløse deler av det amerikanske samfunnet den ble født.

Til tross for den vanskelige kritiske atmosfæren, fortsatte jazzen å utvikle seg i USSR. Det var mange mennesker som behandlet jazz som en kunst. Man kan si om dem at de hadde en «medfødt sans for jazz» som ikke kan utvikles ved øvelser: enten er den der eller ikke. Som komponisten sa Giya Kancheli(født 1935), "det er umulig å påtvinge denne følelsen, det er nytteløst å lære det, fordi det er noe opprinnelig, naturlig her."

I Leningrad, i leiligheten til en student ved Agricultural Institute Heinrich Terpilovsky(1908-1989) på slutten av 1920-tallet. det var en hjemmejazzklubb der amatørmusikere hørte på jazz, kranglet mye og lidenskapelig om ny musikk og forsøkte å forstå kompleksiteten til jazz som et kunstnerisk fenomen. De unge musikerne ble så revet med av jazzideer at det snart ble dannet et ensemble som skapte jazzrepertoaret for første gang. Ensemblet ble kalt "Leningrad jazzkapell", hvis musikalske ledere var Georgy Landsberg(1904-1938) og Boris Krupyshev. Landsberg tilbake på 1920-tallet. bodde i Tsjekkoslovakia, hvor Georges far jobbet i handelsmisjonen. Den unge mannen studerte ved Praha polytekniske institutt, gikk inn for idrett, fremmedspråk og musikk. Det var i Praha at Landsberg hørte amerikansk jazz - "Chocolate Boys" Sam Wooding. Praha har alltid vært en musikalsk by: jazzorkestre, ensembler var allerede kjent med den utenlandske nyheten. Så Georgy Landsberg, etter å ha returnert til hjemlandet, var allerede "bevæpnet" med mer enn et dusin jazzstandarder og skrev de fleste arrangementene selv. Han ble hjulpet N. Minh Og S. Kagan. En atmosfære av kreativ konkurranse hersket i laget: musikerne tilbød sine egne versjoner av arrangementer, hvert forslag ble heftig diskutert. Innøvingsprosessen interesserte til tider unge musikere enda mer enn selve forestillingene. "Jazz Capella" fremførte verk ikke bare utenlandske komponister, men også originale skuespill av sovjetiske forfattere: "Jazz Suite" av A. Zhivotov, lyrisk skuespill av N. Minkh "I'm Alone", "Jazz Fever" av G. Terpilovsky. Selv i Leningrad-pressen om ensemblet dukket det opp godkjennende anmeldelser, som bemerket utmerkede utøvere som spilte harmonisk, rytmisk fast og dynamisk. "Leningrad Jazz Capella" turnerte med suksess i Moskva, Murmansk, Petrozavodsk, arrangerte "se"-konserter, og introduserte lyttere for "kulturell kammer-type jazz". Repertoaret ble valgt veldig nøye, tatt i betraktning konsertaktiviteter, men "akademiisme" ga ikke kommersiell suksess, publikum var ikke klare til å lytte til vanskelig musikk. Administratorer av teatre og klubber mistet raskt interessen for ensemblet, og musikerne begynte å flytte til andre orkestre. Georgy Landsberg jobbet med flere musikere på restauranten Astoria, hvor det i begynnelsen av russisk jazz ble holdt jamsessioner med utenlandske jazzmenn som ankom byen på cruiseskip.

I 1930 flyttet mange av G. Landsbergs musikere til det mer suksessrike orkesteret til Leonid Utesov, og Landsberg oppløste orkesteret hans og jobbet som ingeniør en tid (utdanningen mottatt ved Polytechnic Institute kom godt med). Jazz Capella som konsertgruppe ble gjenopplivet igjen med ankomsten av den talentfulle pianisten og arrangøren Simon Kagan, og da G. Landsberg dukket opp igjen i ensemblet i 1934, lød Capella på en ny måte. Med strålende oppfinnelse laget pianisten arrangementer for Bond Leonid Andreevich Diderikhs(1907-?). Han laget instrumentale arrangementer av sanger av sovjetiske komponister, og beriket hvert partitur kreativt. De originale instrumentalstykkene av L. Diderikhs er også kjent - "Puma" og "Under the Roofs of Paris". Bandets turneer i hele Sovjetunionen, som varte i ti måneder, ga stor suksess til laget. I 1935 endte kontraktsperioden med Leningrad Radio, hvis vanlige orkester var Jazz Capella. Musikerne spredte seg igjen til andre orkestre. I 1938 ble G. Landsberg arrestert, anklaget for spionasje og skutt (rehabilitert i 1956). Kapellet sluttet å eksistere, men forble i musikkhistorien som en av de første profesjonelle gruppene som bidro til utviklingen av sovjetisk jazz, og fremførte verk av russiske forfattere. Georgy Landsberg var en fantastisk lærer som oppdro utmerkede musikere som senere jobbet i pop- og jazzorkestre.

Jazz er kjent for å være improvisasjonsmusikk. I Russland på 20-30-tallet. Det 20. århundre det var få musikere som mestret spontan solo-improvisasjon. Innspillingene fra disse årene er hovedsakelig representert av store orkestre, hvis musikere spilte sine deler fra noter, inkludert solo "improvisasjoner". Instrumentale stykker var en sjeldenhet, akkompagnement til vokalister seiret. For eksempel "Tea Jazz", organisert i 1929. Leonid Utyosov(1895-1982) og trompetist-solist i orkesteret til Maly Opera Theatre Yakov Skomorovsky(1889-1955), var et godt eksempel et slikt orkester. Ja, og i navnet inneholdt den en transkripsjon: teaterjazz. Det er nok å minne om Grigory Alexandrovs komedie "Merry Fellows", der hovedrollene ble spilt av Lyubov Orlova, Leonid Utesov og hans berømte orkester. Etter 1934, da "jazz-komedien" (som regissøren først definerte sjangeren til filmen sin) ble sett av hele landet, ble populariteten til Leonid Utyosov som filmskuespiller utrolig. Leonid Osipovich hadde spilt i filmer før, men i "Merry Fellows" var den rustikke hovedpersonen - gjeteren Kostya Potekhin - forståelig for allmennheten: han sang vakre sanger inspirert av komponisten I. O. Dunaevsky, spøkte frekt, utførte typiske Hollywood-triks. Alt dette gledet publikum, selv om få mennesker visste at en slik filmstil lenge hadde blitt oppfunnet i Hollywood. Direktør Grigory Alexandrov måtte bare overføre den til sovjetisk jord.

På 1930-tallet Navnet "Tea Jazz" ble ekstremt populært. Entreprenørielle artister tildelte ofte orkestrene sine dette navnet for rent kommersielle formål, men de var langt fra de virkelig teatralske forestillingene til Leonid Utyosovs orkester, som forsøkte å lage musikalske revyer holdt sammen av en enkelt scenehandling. En slik teatralisering skilte Utesovs underholdningsorkester gunstig fra den instrumentelle karakteren til orkestrene til L. Teplitsky og G. Landsberg, og var mer forståelig for den sovjetiske offentligheten. Dessuten, for felles arbeid, tiltrakk Leonid Utesov kjente og talentfulle sovjetiske låtskrivere, som for eksempel Isaak Dunayevsky, brødre Dmitriy Og Daniil Pokrassy, ​​Konstantin Listov, Matvey Blanter, Evgeny Zharkovsky. Sangene som hørtes ut i programmene til orkesteret, vakkert arrangert, ble ekstremt populære og populært elsket.

Orkesteret til Leonid Utyosov hadde utmerkede musikere som måtte mestre en ny musikalsk sjanger. Deretter skapte artistene til "Tea-Jazz" nasjonalscenen og jazzen. Blant dem var Nikolai Minkh(1912-1982). Han var en fantastisk pianist som gikk gjennom «sine uforglemmelige universiteter», som musikeren selv husket, side om side med Isaac Dunayevsky. Denne erfaringen hjalp Minkh til å lede orkesteret ved Moscow Variety Theatre, og på 1960-tallet. engasjere seg i komponeringsaktiviteter, lage musikalske komedier og operetter.

Et trekk ved sovjetisk jazz på 1930-1940-tallet. det kan anses at jazz på den tiden var "sangjazz" og snarere ble assosiert med typen orkester, der saksofoner og trommer var uunnværlige deltakere, i tillegg til hovedinstrumentene. Det ble sagt om musikerne i slike orkestre at "de spiller jazz", og ikke jazz. Sangformen, som ble tillagt stor betydning, var kanskje formen, veien som åpnet jazzmusikken for millioner av lyttere. Men likevel var denne musikken – sang, dans, heterogen og hybrid – langt fra ekte amerikansk jazz. Ja, og hun kunne ikke i "ren form" slå rot i Russland. Til og med Leonid Osipovich Utyosov selv hevdet at autentisk tidlig amerikansk jazz var fremmed og uforståelig musikk for flertallet av den sovjetiske offentligheten. Leonid Utyosov - en mann av teater, vaudeville, en fan av syntetisk action - koblet teatret med jazz og jazz - med teatret. Slik dukket «Jazz at the Turn», «Music Store» opp – muntre programmer der mirakuløst kombinert musikk og humor. Komponist I. O. Dunaevsky arrangerte noen ganger vittig ikke bare folkesanger og populære sanger: for eksempel den "jazzed" "Song of the Indian Guest" fra operaen "Sadko", "Duke's Song" fra "Rigoletto", jazzfantasi "Eugene Onegin.

Den kjente jazzhistorikeren A. N. Batashev skriver i sin bok "Sovjetjazz": "På midten av 30-tallet, i konsertpraksisen til L. Utesov, ble grunnlaget for sjangeren lagt, bygget på innenlandsk musikalsk og poetisk materiale, syntetiserte enkeltinnslag av utenlandske teaterforestillinger, variasjon og jazz. Denne sjangeren, først kalt "teatralsk jazz", og senere, etter krigen, ganske enkelt " popmusikk", med årene utviklet han seg mer og mer og levde etter sine egne lover."

En spesiell side i livet til orkesteret dirigert av Utyosov er årene med den store patriotiske krigen. På kortest mulig tid ble programmet "Beat the Enemy!" utarbeidet, som musikerne opptrådte med i Hermitage Garden, på jernbanestasjoner for soldater som dro til fronten, i utmarken - i Ural og Sibir, deretter forestillingene av kunstnerne fant sted i hæren, i frontlinjesonen. Under krigen var artister både musikere og krigere. Mange grupper gikk til fronten som del av store konsertlag. De populære jazzorkestrene til Alexander Tsfasman, Boris Karamyshev, Claudia Shulzhenko, Boris Rensky, Alexander Varlamov, Dmitry Pokrass, Isaac Dunayevsky har besøkt mange fronter. Ofte måtte musikere ved fronten jobbe med bygging av militære festningsverk, delta direkte i militære operasjoner og ... dø.

Den berømte sovjetiske komponisten Vano Muradeli, som kom tilbake fra en tur til fronten, vitnet: «Interessen til våre soldater og befal for kultur, for kunst, spesielt for musikk, er veldig stor. Deres store kjærlighet nytes av opptredende grupper som jobber for fronten, ensembler, jazz. Nå stilte ingen av kritikerne som tidligere uttrykte tvil om betydningen av jazzmusikk spørsmålet "Trenger vi jazz?" Kunstnere støttet ikke bare moralen med kunsten sin, men samlet også inn midler til bygging av fly og stridsvogner. Foran var Utesov-flyet "Merry Fellows" kjent. Leonid Utesov var en enestående mester på den sovjetiske scenen, en favoritt blant mange generasjoner av sovjetiske lyttere, som visste hvordan han skulle "smelte sammen" seg med sangen. Så han kalte sin selvbiografiske bok - "Med en sang gjennom livet", utgitt i 1961. Og i 1982 skrev Yu. A. Dmitriev boken "Leonid Utesov", som forteller om den berømte bandlederen, sangeren og skuespilleren.

Selvfølgelig kan det hevdes at datidens orkestre ikke fullt ut kan betraktes som jazz, siden musikerne ved å spille fra notene ble fratatt muligheten til å improvisere, noe som er et brudd på jazzmusikkens viktigste prinsipp. Men jazzmusikk kan ikke alltid være improvisatorisk, fordi enhver musiker i orkesteret, som neglisjerer sin del, ikke kan improvisere. Duke Ellington Orchestra, for eksempel, fremførte ofte stykker der solodelene ble skrevet fra begynnelse til slutt av forfatteren. Men ingen skulle noen gang tro at det ikke var jazz! Og det er mange slike eksempler, fordi tilhørighet til jazz også bestemmes av den særegne karakteren til det musikalske utøvende språket, dets intasjonale og rytmiske trekk.

1930-tallet i USSR var år med enestående oppsving på alle områder av livet til det sovjetiske folket. I løpet av årene med de første femårsplanene var entusiasmen hos folket stor: nye byer, fabrikker, fabrikker ble bygget, jernbaner ble lagt. Denne sosialistiske optimismen, ukjent for hele verden, krevde sin egen musikalske «dekorasjon», nye stemninger, nye sanger. Kunstnerlivet i USSR har alltid vært under nøye oppmerksomhet partiledelsen i landet. I 1932 ble det besluttet å avvikle RAPM og danne en enkelt union av sovjetiske komponister. Resolusjonen fra sentralkomiteen til bolsjevikenes kommunistiske parti "Om restrukturering av litterære og kunstneriske organisasjoner" gjorde det mulig å ta en rekke organisatoriske tiltak knyttet til massesjangre, inkludert jazzmusikk. 1930-tallet i USSR spilte en viktig rolle i utviklingen av sovjetisk jazz. Musikerne gjorde forsøk på å lage sitt eget og originale repertoar, men hovedoppgaven for dem på den tiden var å mestre ferdighetene til jazzutførelse: evnen til å bygge elementære jazzfraser som tillater improvisering, opprettholde rytmisk kontinuitet i gruppen og solospilling – alt som utgjør ekte jazz, selv om det er notert.

I 1934 inviterte Moskva-plakater publikum til en konsert med Alexander Varlamovs jazzorkester.

Alexander Vladimirovich Varlamov ble født i 1904 i Simbirsk (nå Ulyanovsk). Varlamov-familien var berømt. Oldefaren til Alexander Vladimirovich var en komponist, en klassiker innen russisk romantikk ("Red Sundress", "Langs gaten sveiper en snøstorm", "Ved daggry vekker du henne ikke", "Et ensomt seil blir hvitt") . Moren til den fremtidige lederen av orkesteret var en kjent operasanger, faren hans var advokat. Foreldre tok seg av den musikalske utdannelsen til sønnen deres, spesielt siden den unge mannen var veldig dyktig, og ønsket om å bli en profesjonell musiker forlot ikke det unge talentet i alle studieår: først på en musikkskole, deretter på GITIS og ved kjente Gnesinka. Allerede i studieårene så Varlamov revyen «Chocolate Boys» av Sam Wooding, som gjorde et uutslettelig inntrykk på studenten. Varlamov, etter å ha mottatt en utmerket musikalsk utdanning, bestemte seg for å organisere et ensemble som ligner på ensemblet "Hot Seven" kjent fra grammofonplater og radioprogrammer Louis Armstrong."Ledestjernen" for Varlamov var orkesteret Duke Ellington, som beundret den russiske musikeren. Den unge komponisten-dirigenten valgte nøye ut musikere og repertoar til sitt orkester. Fem år har gått siden Varlamov ble uteksaminert fra Gnesinka, og et jazzorkester ved Central House of the Red Army ble opprettet. Det var et instrumentalt orkester, som, i likhet med mange orkestre på den tiden, ikke graviterte mot teatralsk jazz. Musikkens uttrykksevne ble oppnådd gjennom vakre melodier og arrangementer. Slik ble skuespillene født: "At Carnival", "Dixie Lee", "Evening Leaves", "Life is Full of Happiness", "Blue Moon", "Sweet Su". Varlamov oversatte noen amerikanske jazzstandarder til russisk og sang selv. Musikeren hadde ikke enestående vokale evner, men noen ganger lot han seg spille inn på plater, og fremførte sanger melodisk nøyaktig og overbevisende i innhold.

I 1937-1939. Varlamovs karriere utviklet seg ganske vellykket: musikeren ledet først septetten ("Seven"), deretter var han sjefdirigent for jazzorkesteret til All-Union Radio Committee, i 1940-1941 gg. - sjefdirigent USSR State Jazz Orchestra. Men da krigen begynte, ble mange musikere fra orkesteret kalt til fronten. Varlamov ga ikke opp. Han organiserte blant musikerne frigjort fra militærtjeneste, og tidligere sårede, uvanlig (man kan si, merkelig) "Melody Orchestra": tre fioliner, bratsj, cello, saksofon og to pianoer. Musikerne opptrådte med stor suksess i Eremitasjen, Metropol, i militære enheter og sykehus. Varlamov var en patriot. Musikeren donerte sine egne sparepenger til byggingen av den sovjetiske komponisttanken.

Harde tider i historien til landet vårt har gitt gjenklang i skjebnen til millioner av talentfulle, vellykkede og kjente mennesker. Komponisten-dirigenten Alexander Varlamov slapp ikke unna den grusomme skjebnen, i 1943 Da musikerne øvde på George Gershwins berømte Rhapsody in Blues, ble lederen av Melody Orchestra arrestert. Årsaken var oppsigelsen av cellisten, som rapporterte at Varlamov ofte lytter til utenlandske radiosendinger, angivelig ventet på tyskernes ankomst osv. Myndighetene trodde på denne skurken, og Varlamov ble først sendt til tømmerhogst i Nord-Ural, der han jobbet i de tildelte åtte årene. Et stort utløp for fangene var orkesteret, samlet av musikere og sangere fra leiren, som ble like baktalt som lederen av denne gruppen. Dette ekstraordinære orkesteret ga stor glede til alle de ni leirpunktene. Etter å ha sonet sin periode, håpet Alexander Vladimirovich å komme tilbake til Moskva. Men det var fortsatt en kobling til Kasakhstan, hvor musikeren jobbet i små byer: han underviste i barne- og ungdomsmusikk, komponerte verk for det russiske dramateateret. Bare i 1956 by, etter rehabilitering, var Varlamov i stand til å returnere til Moskva, og ble umiddelbart med i de aktive kreativt liv, komponere musikk for kino (animert: "Wonder Woman", "Puck! Puck!", "The Fox and the Beaver", etc.), dramateatre, variasjonsorkestre, TV-produksjoner, i 1990 Ikke lenge før Varlamovs død ble den siste platen med jazz og symfonisk jazzmusikk av den bemerkelsesverdige komponisten og dirigenten gitt ut.

Men la oss gå tilbake til førkrigsårene, da flere jazzorkestre dukket opp i sovjetrepublikkene samtidig, i 1939 ble organisert USSR State Jazz. Det var en prototype av fremtidige pop-symfoniorkestre, hvis repertoar besto av transkripsjoner av klassiske verk for stor symfonisk jazz. "Seriøst" repertoar ble laget av orkestersjefen Victor Knushevitsky (1906-1974). Til USSR State Jazz snakker hovedsakelig på radio, skrev komponister I. O. Dunayevsky, Yu. Milyutin, M. Blanter, A. Tsfasman osv. På Leningrad-radioen i 1939 Nikolai Minkh organiserte et jazzorkester.

Andre fagforeningsrepublikker sakket ikke etter. I Baku skapte Tofig Guliyev State Jazz Orchestra i Aserbajdsjan SSR. Et lignende orkester dukket opp i Armenia under ledelse av Artemy Ayvazyan. Deres republikanske orkestre dukket opp i Moldavian SSR, i Ukraina. Et av de kjente allierte jazzorkestrene var en gruppe fra Vest-Hviterussland ledet av en førsteklasses trompetist, fiolinist, komponist Eddie Rosner.

Eddie (Adolf) Ignatievich Rosner(1910-1976) ble født i Tyskland til en polsk familie, studerte fiolin ved Berlins konservatorium. Han mestret pipen på egenhånd. Hans idoler var berømte Louis Armstrong, Harry James, Bunny Berigen. Etter å ha fått en utmerket musikalsk utdanning, spilte Eddie en stund i et av de europeiske orkestrene, og organiserte deretter sitt eget band i Polen. Når gjorde den andre Verdenskrig, måtte orkesteret flykte fra fascistiske represalier, siden de fleste av musikerne var jøder, og jazz i det fascistiske Tyskland ble forbudt som en «ikke-arisk kunst». Så musikerne fant tilflukt i det sovjetiske Hviterussland. De neste to årene turnerte bandet med suksess i Moskva, Leningrad, og under krigen - på frontene og bak. Eddie Rosner, som ble kalt "hvit Armstrong" i sin ungdom, var en talentfull artist som visste å vinne over publikum med sin dyktighet, sjarm, smil og munterhet. Rosner er musiker, ifølge mester på den russiske scenen Yuri Saulsky,"hadde en ekte jazzbase, smak." Hitene til programmet nøt stor suksess blant lytterne: "Caravan" av Tizol - Ellington, "St. Louis Blues" av William Handy, "Serenade" av Toselli, "Tales of the Vienna Woods" av Johann Strauss, sangen til Rosner selv "Quiet Water", "Cowboy Song", "Mandolin, Guitar and Bass" av Albert Harris. I løpet av krigsårene begynte repertoaret til orkestrene å bruke skuespillene til de allierte oftere: amerikanske og britiske forfattere. Det var mange grammofonplater med innspillinger av innenlandske og utenlandske instrumentalstykker. Mange orkestre har spilt musikk fra Amerikansk film"Sun Valley Serenade", som spilte det berømte Glenn Miller Big Band.

I 1946, da jazz begynte å bli forfulgt, da jazzmenn ble anklaget for kosmopolitisme og bandet ble oppløst, bestemte Eddie Rosner seg for å returnere til Polen. Men han ble anklaget for forræderi og sendt til Magadan. Fra 1946 til 1953 var den virtuose trompetisten Eddie Rosner i Gulag. De lokale myndighetene instruerte musikeren om å danne et orkester fra fangene. Så det gikk åtte lange år. Etter løslatelsen og rehabiliteringen ledet Rosner igjen et storband i Moskva, men selv spilte han trompet mindre og mindre: skjørbuken som led i leirårene påvirket ham. Men populariteten til orkesteret var stor: Rosners sanger nøt konstant suksess, musikerne spilte i 1957 i den populære filmen Carnival Night. På 1960-tallet musikere spilte i orkesteret, som senere skulle utgjøre fargen og glansen til russisk jazz: multiinstrumentalist David Golosjtsjekin, trompetist Konstantin Nosov, saksofonist Gennady Holstein. Flotte arrangementer for bandet skrev Vitaly Dolgov Og Alexey Mazhukov,

som ifølge Rosner ikke arrangerte dårligere enn amerikanerne. Maestroen var selv klar over hva som foregikk i verdensjazzen, og strebet etter å inkludere de beste eksemplene på ekte jazz i programmene, noe Rosner gjentatte ganger ble bebreidet i pressen for å neglisjere det sovjetiske repertoaret. I 1973 vendte Eddie Rosner tilbake til hjemlandet, til Vest-Berlin. Men karrieren til en musiker i Tyskland utviklet seg ikke: artisten var ikke lenger ung, han var ikke kjent for noen, han kunne ikke finne en jobb i sin spesialitet. I noen tid jobbet han som underholder i teatret, som sjefskelner på et hotell. I 1976 døde musikeren. Til minne om den fantastiske trompetisten, bandlederen, komponisten og talentfulle regissøren av programmene hans i 1993 i Moskva, i konsertsalen "Russland", ble det holdt et fantastisk show "I selskap med Eddie Rosner". I samme 1993 ble Yu. Zeitlins bok "The Rise and Fall of the Great Trumpeter Eddie Rosner" utgitt. Om en jazzvirtuos, en ekte showmann, en mann med en kompleks eventyrlig karakter og en vanskelig skjebne, forteller Dmitrij Dragilevs dokumentarroman, utgitt i 2011, historien - "Eddie Rosner: Vi smaker jazzen, koleraen er klar!"

Et godt jazzorkester er vanskelig å lage, men det er enda vanskeligere å opprettholde det i flere tiår. Levetiden til et slikt orkester avhenger først og fremst av originaliteten til lederen - en person og en musiker som er forelsket i musikk. Oleg Lundstrem, komponisten, bandlederen, sjefen for verdens eldste jazzorkester, oppført i Guinness rekordbok, kan kalles en legendarisk jazzmann.

Oleg Leonidovich Lundstrem(1916-2005) ble født i Chita, i familien til en fysiklærer Leonid Frantsevich Lundstrem, en russifisert svenske. Foreldrene til den fremtidige musikeren jobbet på CER (Chinese Eastern Railway, som forbinder Chita og Vladivostok gjennom Kina). I noen tid bodde familien i Harbin, hvor en stor og mangfoldig russisk diaspora samlet seg. Her bodde både sovjetiske borgere og russiske emigranter. Familien Lundstrem har alltid vært glad i musikk: faren spilte piano, og moren sang. Barn ble også introdusert for musikk, men de bestemte seg for å gi barna en "sterk" utdannelse: begge sønnene studerte ved Handelsskolen. Oleg Lundstrems første eksponering for jazz var i 1932, da en tenåring kjøpte en plate av Duke Ellingtons orkester "Dear Old South" (Kjære Gamle Sørland). Oleg Leonidovich husket senere: "Denne platen spilte rollen som en detonator. Hun forandret bokstavelig talt hele livet mitt. Jeg oppdaget et tidligere ukjent musikalsk univers.

Ved Harbin Polytechnic Institute, hvor den fremtidige patriarken for sovjetisk jazz fikk sin høyere utdanning, var det mange likesinnede venner som ønsket å spille favorittmusikken sin. Så en kombinasjon ble laget av ni russiske studenter som spilte på fester, dansegulv, festlige baller, noen ganger opptrådte laget på lokalradio. Musikerne lærte å "fjerne" populære jazzstykker fra plater, laget arrangementer av sovjetiske sanger, først og fremst I. Dunaevsky, selv om senere Oleg Lundstrem husket at han alltid ikke forsto hvorfor melodiene til George Gershwin var ideelle for jazz, men sangene til Det var ikke sovjetiske komponister. De fleste av medlemmene i det første Lundstrem-orkesteret var ikke profesjonelle musikere, de fikk en teknisk utdannelse, men de var så lidenskapelig opptatt av jazz at de bestemt bestemte seg for kun å beskjeftige seg med denne musikken. Etter hvert ble teamet berømt: de jobbet i dansehallene i Shanghai, turnerte i Hong Kong, Indokina og Ceylon. Lederen av orkesteret - Oleg Lundstrem - begynte å bli kalt "Kongen av jazz i Fjernøsten."

Da den store patriotiske krigen begynte, søkte unge mennesker - sovjetiske borgere - til den røde hæren, men konsulen kunngjorde at mens musikere var mer nødvendig i Kina. Det var en vanskelig tid for musikerne: det var lite arbeid, publikum ville ikke ha det moro og danse, og økonomien ble innhentet av inflasjonen. Først i 1947 fikk musikerne tillatelse til å returnere til Sovjetunionen, men ikke til Moskva, slik de ønsket, men til Kazan (Moskva-myndighetene var redde for at "Shanghai" kunne bli rekrutterte spioner). Til å begynne med var det en beslutning om å lage et jazzorkester av Tatar ASSR, men året etter, 1948, ble dekretet fra sentralkomiteen for bolsjevikenes kommunistiske parti "Om operaen "Great Friendship" av Muradeli" ble utstedt, og fordømte formalisme i musikk. I dekretet ble operaen, som Stalin ikke likte, kalt "et ondskapsfullt antikunstnerisk verk", "næret av påvirkningen fra dekadent vesteuropeisk og amerikansk musikk." Og musikerne i Lundstrem orkester fikk tilbud om å «vente med jazz».

Men det er aldri for sent å lære! Og Oleg Lundstrem kom inn på Kazan-konservatoriet i klassen komposisjon og dirigering. Under studiene klarte musikerne å opptre i Kazan, spille inn på radio, og få et rykte som det beste swingorkesteret. Spesielt ble 12 tatariske folkesanger satt pris på, som Lundstrem på glimrende vis arrangerte «til jazz». De fikk vite om Lundstrem og hans "konspiratoriske storband" i Moskva. I 1956 ankom jazzmenn til Moskva i den tidligere "kinesiske" komposisjonen og ble orkesteret til Rosconcerten. Gjennom årene har sammensetningen av orkesteret endret seg. På 1950-tallet "shine": tenorsaksofonist Igor Lundstrem, trompetister Alexey Kotikov Og Innokenty Gorbuntsov, bass spiller Alexander Gravis, trommeslager Zinovy ​​​​Khazankin. solister på 1960-tallet. det var unge improvisatorer: saksofonister Georgy Garanyan Og Alexey Zubov, trombonist Konstantin Bakholdin, pianist Nikolay Kapustin. Senere, på 1970-tallet, ble orkesteret fylt opp med saksofonister Gennady Golstein, Roman Kunsman, Stanislav Grigoriev.

Oleg Lundstrem-orkesteret førte et aktivt turné- og konsertliv, tvunget til å regne med smaken til et bredt publikum, som oppfattet jazzen som en underholdende sang- og dansekunst. Derfor på 1960-1970-tallet. ikke bare jazzmusikere og sangere jobbet i laget, men også popartister. Oleg Lundstrem Orchestra har alltid utarbeidet to programmer: et populært sang- og underholdningsprogram (for innbyggerne i innlandet) og et instrumentalt jazzprogram, som var en stor suksess i Moskva, Leningrad og store byer i Unionen, hvor publikum var allerede kjent med jazzkunst.

Orkesterets instrumentelle program bestod av klassiske jazzstykker (fra repertoaret til storbandene til Count Basie og Glenn Miller, Duke Ellington), samt verk skrevet av bandmedlemmene og maestro Lundstrem selv. Disse var "Fantasy about Moscow", "Fantasy on the temas of Tsfasman's songs", "Spring is coming" - en jazzminiatyr basert på en sang av Isaac Dunayevsky. I musikalske suiter og fantasier - fungerer stor form- musikere-solister kunne vise sine ferdigheter. Det var ekte instrumentaljazz. Og unge jazzmenn, som da vil utgjøre fargen på russisk jazz, - Igor Yakushenko, Anatoly Kroll, Georgy Garanyan- komponerte verkene sine oppfinnsomt og med stor smak. Oleg Lundstrem «oppdaget» dyktige vokalister som fremførte poplåter. Orkesteret sang til forskjellige tider Maya Kristalinskaya, Gyuli Chokheli, Valery Obodzinsky, Irina Otieva. Og selv om låtmaterialet var upåklagelig, var storbandet og dets instrumentalsolister alltid i søkelyset.

Det musikalske "universitetet" til Oleg Lundstrem gjennom flere tiår av orkesterets eksistens har blitt passert av mange russiske musikere, listen over disse ville tatt mer enn én side, men bandet ville ikke høres så profesjonelt ut hvis det ikke var for verket av en av de beste arrangørene - Vitaly Dolgov(1937-2007). Kritiker G. Dolotkazin skrev om mesterens arbeid: «Stilen til V. Dolgov gjentar ikke den tradisjonelle tolkningen av et stort orkester, delt inn i seksjoner (trompeter, tromboner, saksofoner), mellom hvilke det er konstante dialoger og navneopprop. . V. Dolgov er preget av prinsippet om gjennom utvikling av materialet. I hver enkelt episode av stykket finner han et karakteristisk orkesterstoff, originale klangkombinasjoner. V. Dolgov bruker ofte teknikkene polyfoni, overlagre lag av orkestrale sonoriteter. Alt dette gir harmoni og integritet til arrangementene hans.

På slutten av 1970-tallet, da et stabilt jazzpublikum utviklet seg i Russland, begynte det å holdes festivaler, Oleg Lundstrem forlot popnumre og viet seg helt til jazzen. Maestroen komponerte selv musikk for orkesteret: Mirage, Interlude, Humoresque, March Foxtrot, Impromptu, Lilac Blooms, Bukhara Ornament, In the Mountains of Georgia. Det skal bemerkes at til i dag fremfører Oleg Lundstrem Memorial Orchestra verk komponert av mester i russisk jazz med stor suksess. På 1970-tallet komponister som graviterte mot jazz dukket opp i USSR: Arno Babajanyan, Kara Karaev, Andrey Eshpay, Murad Kazhlaev, Igor Yakushenko. Verkene deres ble også fremført av Lundstrem Orchestra. Musikerne turnerte ofte i utlandet, opptrådte på innenlandske og utenlandske jazzfestivaler: Tallinn-67, Jazz Jamboree-72 i Warszawa, Praha-78 og Praha-86, Sofia-86, Jazz in Duketown-88" i Nederland, "Grenoble- 90" i Frankrike, på Duke Ellington Memorial Festival i Washington i 1991. I løpet av de førti årene den har eksistert har Oleg Lundstrems orkester besøkt mer enn tre hundre byer i landet vårt og dusinvis av fremmede land. Det er gledelig å konstatere at den berømte gruppen ofte ble spilt inn på plater: "Oleg Lundstrem's Orchestra", to album, forent med samme navn "Memory of Musicians" (dedikert til Glenn Miller og Duke Ellington), "In Our Time", "I rike toner", etc.

Batashev A.N. sovjetisk jazz. Historisk omriss. S. 43.

  • Cit. Sitert fra: Batashev A.N. Soviet Jazz. Historisk essay. S. 91.
  • Oleg Lundstrem. “Så vi startet” // Jazzportretter. Litterær og musikalsk almanakk. 1999. nr. 5. S. 33.
  • Dolotkazin G. Favorittorkester // Sovjetisk jazz. Problemer. Arrangementer. Masters. M „ 1987. S. 219.

    • Som en av de mest ærede formene musikalsk kunst i Amerika la jazzen grunnlaget for en hel bransje, og introduserte til verden en rekke navn på strålende komponister, instrumentalister og vokalister, og skapte et bredt spekter av sjangere. De 15 mest innflytelsesrike jazzmusikerne er ansvarlige for et globalt fenomen som har oppstått det siste århundret i sjangerens historie.

    Jazz utviklet seg i de senere årene av 1800-tallet og begynnelsen av 1900-tallet som en kombinasjon av klassiske europeiske og amerikanske lyder med afrikanske folkemotiver. Sangene ble fremført med en synkopert rytme, noe som ga fart til utviklingen, og senere dannelsen av store orkestre for å fremføre den. Musikken har tatt et stort steg videre fra ragtime til moderne jazz.

    Påvirkningen fra den vestafrikanske musikkkulturen er tydelig i måten musikk skrives på og hvordan den fremføres. Polyrytme, improvisasjon og synkopering er det som kjennetegner jazz. I løpet av det siste århundret har denne stilen endret seg under påvirkning av samtidige av sjangeren, som brakte sin egen idé til essensen av improvisasjon. Nye retninger begynte å dukke opp – bebop, fusion, latinamerikansk jazz, free jazz, funk, acid jazz, hard bop, smooth jazz, og så videre.

    15 Art Tatum

    Art Tatum er en jazzpianist og virtuos som var praktisk talt blind. Han er kjent som en av de største pianistene gjennom tidene som endret rollen til pianoet i jazzensemblet. Tatum vendte seg til skrittstilen for å skape sin egen unike spillestil, og la til swing-rytmer og fantastiske improvisasjoner til rytmen. Hans holdning til jazzmusikk endret fundamentalt betydningen av piano i jazz som musikkinstrument fra dets tidligere egenskaper.

    Tatum eksperimenterte med harmoniene i melodien, påvirket strukturen til akkorden og utvidet den. Alt dette preget bebop-stilen, som, som du vet, skulle bli populær ti år senere, da de første platene i denne sjangeren dukket opp. Kritikere bemerket også hans upåklagelige spilleteknikk - Art Tatum var i stand til å spille de vanskeligste passasjene med så letthet og hastighet at det så ut til at fingrene hans knapt rørte de svarte og hvite tastene.

    14 Thelonious munk

    Noen av de mest komplekse og varierte lydene finnes i repertoaret til pianisten og komponisten, en av de viktigste representantene for beboppens tid og dens påfølgende utvikling. Selve hans personlighet som en eksentrisk musiker bidro til populariseringen av jazz. Monk, alltid kledd i dress, hatt og solbriller, uttrykte åpent sin frie holdning til improvisasjonsmusikk. Han godtok ikke strenge regler og dannet sin egen tilnærming til å lage komposisjoner. Noen av hans mest strålende og kjente verk er Epistrophy, Blue Monk, Straight, No Chaser, I Mean You og Well, You Needn't.

    Monks spillestil var basert på en innovativ tilnærming til improvisasjon. Verkene hans utmerker seg ved perkussive passasjer og skarpe pauser. Ganske ofte, rett under opptredenene hans, hoppet han opp fra pianoet og danset mens de andre medlemmene av bandet fortsatte å spille melodien. Thelonious Monk er fortsatt en av de mest innflytelsesrike jazzmusikerne i sjangerens historie.

    13 Charles Mingus

    En anerkjent kontrabassvirtuos, komponist og bandleder, han var en av de mest ekstraordinære musikerne på jazzscenen. Han utviklet en ny musikalsk stil, og kombinerte gospel, hard bop, free jazz og klassisk musikk. Samtidige kalte Mingus "arvingen til Duke Ellington" for hans fantastiske evne til å skrive verk for små jazzensembler. I komposisjonene hans demonstrerte alle medlemmene av laget ferdighetene til å spille, som hver også ikke bare var talentfull, men ble karakterisert unik stil spill.

    Mingus valgte nøye ut musikerne som utgjorde bandet hans. Den legendariske kontrabassisten var kjent for temperamentet sitt, og en gang slo han til og med trombonisten Jimmy Knepper i ansiktet og slo ut tannen hans. Mingus led av en depressiv lidelse, men var ikke klar til å tåle at dette på en eller annen måte påvirket hans kreative aktivitet. Til tross for denne lidelsen er Charles Mingus en av de mest innflytelsesrike skikkelsene i jazzhistorien.

    12 Art Blakey

    Art Blakey var en berømt amerikansk trommeslager og bandleder som gjorde et sprut i stilen og teknikken for å spille trommesettet. Han kombinerte swing, blues, funk og hard bop - en stil som i dag høres i enhver moderne jazzkomposisjon. Sammen med Max Roach og Kenny Clarke fant han opp en ny måte å spille bebop på trommer. I over 30 år har bandet hans, The Jazz Messengers, gitt jazz til mange jazzartister: Benny Golson, Wayne Shorter, Clifford Brown, Curtis Fuller, Horace Silver, Freddie Hubbard, Keith Jarrett og flere.

    The Jazz Messengers skapte ikke bare fenomenal musikk – de var en slags «musikalsk prøveplass» for unge talentfulle musikere, som Miles Davis-bandet. Art Blakeys stil endret selve lyden av jazz, og ble en ny musikalsk milepæl.

    11 Dizzy Gillespie (Dizzy Gillespie)

    Jazztrompetist, sanger, låtskriver og bandleder ble en fremtredende skikkelse i beboppens og moderne jazzs dager. Trompetstilen hans påvirket Miles Davis, Clifford Brown og Fats Navarro. Etter sin tid på Cuba, da han kom tilbake til USA, var Gillespie en av de musikerne som aktivt promoterte afro-cubansk jazz. I tillegg til sin uforlignelige opptreden på den karakteristisk buede trompeten, var Gillespie gjenkjennelig på sine hornbriller og umulig store kinn mens han spilte.

    Den store jazzimprovisatoren Dizzy Gillespie, samt Art Tatum, innoverte i harmoni. Komposisjonene til Salt Peanuts og Goovin' High var rytmisk helt forskjellige fra tidligere verk. Trofast mot bebop gjennom hele karrieren, blir Gillespie husket som en av de mest innflytelsesrike jazztrompetistene.

    10 Max Roach

    De 15 mest innflytelsesrike jazzmusikerne i sjangerens historie inkluderer Max Roach, en trommeslager kjent som en av pionerene innen bebop. Han, som få andre, har påvirket den moderne spillestilen på trommesettet. Roach var en borgerrettighetsaktivist og samarbeidet med Oscar Brown Jr. og Coleman Hawkins på albumet We Insist! - Freedom Now ("Vi insisterer! - Freedom now"), dedikert til 100-årsjubileet for undertegningen av frigjøringserklæringen. Max Roach - Representant upåklagelig stil spill, i stand til å fremføre en lang solo gjennom hele konserten. Absolutt ethvert publikum var fornøyd med hans uovertrufne ferdigheter.

    9 Billie Holiday

    Lady Day er favoritten til millioner. Billie Holiday skrev bare noen få sanger, men da hun sang snudde hun stemmen fra de første tonene. Opptredenen hennes er dyp, personlig og til og med intim. Stilen og intonasjonen hennes er inspirert av lyden av musikkinstrumenter hun har hørt. Som nesten alle musikerne beskrevet ovenfor, ble hun skaperen av en ny, men allerede vokal stil, basert på lange musikalske fraser og tempoet til å synge dem.

    Den berømte Strange Fruit er den beste ikke bare i karrieren til Billie Holiday, men i hele jazzens historie på grunn av sangerens sjelfulle opptreden. Hun ble posthumt tildelt prestisjetunge priser og innlemmet i Grammy Hall of Fame.

    8 John Coltrane

    Navnet på John Coltrane er assosiert med virtuos spilleteknikk, utmerket talent for å komponere musikk og en lidenskap for å lære nye fasetter av sjangeren. På terskelen til opprinnelsen til hard bop, oppnådde saksofonisten enorm suksess og ble en av de mest innflytelsesrike musikerne i sjangerens historie. Coltranes musikk hadde en skarp lyd, og han spilte med høy intensitet og dedikasjon. Han var i stand til både å spille alene og improvisere i et ensemble, og skapte solopartier av utenkelig varighet. Ved å spille tenor- og sopransaksofon var Coltrane også i stand til å lage melodiske jevne jazzkomposisjoner.

    John Coltrane er forfatteren av en slags "bebop reboot", som inkluderer modale harmonier i den. Han forble den viktigste aktive figuren i avantgarden, han var en veldig produktiv komponist og sluttet ikke å gi ut plater, og spilte inn rundt 50 album som bandleder gjennom hele karrieren.

    7 Grev Basie

    Den revolusjonære pianisten, organisten, komponisten og bandlederen Count Basie ledet et av de mest suksessrike bandene i jazzhistorien. I løpet av 50 år har Count Basie Orchestra, inkludert utrolig populære musikere som Sweets Edison, Buck Clayton og Joe Williams, opparbeidet seg et rykte som et av USAs mest etterspurte storband. Ni ganger Grammy Award-vinner Count Basie har innpodet kjærlighet til orkesterlyd i generasjoner av lyttere.

    Basie skrev mange jazzstandarder som April in Paris og One O'Clock Jump. Kolleger snakket om ham som en taktfull, beskjeden og entusiastisk person. Hadde det ikke vært for Count Basie Orchestra i jazzhistorien, ville storbandæraen hørt annerledes ut og absolutt ikke så innflytelsesrik som den ble med denne fremragende bandlederen.

    6 Coleman Hawkins

    Tenorsaksofonen er symbolet på bebop og all jazzmusikk generelt. Og for det kan vi være takknemlige for å være Coleman Hawkins. Innovasjonene som Hawkins kom med var avgjørende for utviklingen av bebop på midten av førtitallet. Hans bidrag til populariteten til dette instrumentet kan ha bestemt den fremtidige karrieren til John Coltrane og Dexter Gordon.

    Komposisjonen Body and Soul (1939) ble målestokken for å spille tenorsaksofon for mange saksofonister. Andre instrumentalister ble også påvirket av Hawkins - pianisten Thelonious Monk, trompetisten Miles Davis, trommeslageren Max Roach. Hans evne til ekstraordinære improvisasjoner førte til oppdagelsen av nye jazzsider av sjangeren som ikke ble berørt av hans samtidige. Dette forklarer delvis hvorfor tenorsaksofonen har blitt en integrert del av det moderne jazzensemblet.

    5 Benny Goodman

    De fem beste 15 mest innflytelsesrike jazzmusikerne i sjangerens historie åpner. Den berømte King of Swing ledet nesten det mest populære orkesteret på begynnelsen av 1900-tallet. Hans konsert i Carnegie Hall i 1938 er anerkjent som en av de viktigste live-konsertene i amerikansk musikkhistorie. Dette showet viser fremkomsten av jazztiden, anerkjennelsen av denne sjangeren som en uavhengig kunstform.

    Til tross for at Benny Goodman var forsanger for et stort swingorkester, deltok han også i utviklingen av bebop. Orkesteret hans ble et av de første som forente musikere av forskjellige raser i komposisjonen. Goodman var en vokal motstander av Jim Crow Act. Han avviste til og med en omvisning i sørstatene til støtte for raselikhet. Benny Goodman var en aktiv skikkelse og reformator ikke bare innen jazz, men også innen populærmusikk.

    4 Miles Davis

    En av de sentrale jazzfigurene i det 20. århundre, Miles Davis, sto ved opprinnelsen til mange musikalske begivenheter og så dem utvikle seg. Han er kreditert for å være banebrytende i sjangrene bebop, hard bop, cool jazz, free jazz, fusion, funk og technomusikk. I konstant søk ny musikkstil han har alltid vært vellykket og har vært omgitt av strålende musikere inkludert John Coltrane, Cannoball Adderley, Keith Jarrett, JJ Johnson, Wayne Shorter og Chica Corea. I løpet av sin levetid ble Davis tildelt 8 Grammy Awards og ble innlemmet i Rock and Roll Hall of Fame. Miles Davis var en av de mest aktive og innflytelsesrike jazzmusikerne i forrige århundre.

    3 Charlie Parker

    Når du tenker på jazz, husker du navnet. Også kjent som Bird Parker, var han en jazz-altsaksofonpioner, bebop-musiker og komponist. Hans raskt spill, klar lyd og talentet til en improvisator hadde en betydelig innvirkning på den tidens musikere og vår samtid. Som komponist endret han standardene for jazzmusikkskriving. Charlie Parker var musikeren som dyrket ideen om at jazzmenn er artister og intellektuelle, ikke bare showmenn. Mange artister har prøvd å kopiere Parkers stil. Hans berømte spilleteknikker kan også spores på samme måte som mange nåværende nybegynnermusikere, som tar utgangspunkt i komposisjonen Bird, i samsvar med kallenavnet til alt-sakosofen.

    2 Duke Ellington

    Han var en grandiose pianist, komponist og en av de mest fremragende orkesterlederne. Selv om han er kjent som en jazzpioner, utmerket han seg også i andre sjangre, inkludert gospel, blues, klassisk og populærmusikk. Det er Ellington som er kreditert med å etablere jazz som en distinkt kunstform. Med utallige priser og priser sluttet den første store jazzkomponisten aldri å bli bedre. Han var inspirasjonen til neste generasjoner musikere inkludert Sonny Stitt, Oscar Peterson, Earl Hines, Joe Pass. Duke Ellington er fortsatt et anerkjent jazzpianogeni - instrumentalist og komponist.

    1 Louis ArmstrongLouis Armstrong

    Uten tvil den mest innflytelsesrike jazzmusikeren i sjangerens historie, aka Satchmo er en trompetist og sanger fra New Orleans. Han er kjent som skaperen av jazz, som spilte en nøkkelrolle i utviklingen. De fantastiske evnene til denne utøveren gjorde det mulig å bygge en trompet inn i et solo jazzinstrument. Han er den første musikeren som har sunget og popularisert scat-stilen. Det var umulig å ikke kjenne igjen den lave "dundrende" stemmen hans.

    Armstrongs forpliktelse til sine egne idealer påvirket arbeidet til Frank Sinatra og Bing Crosby, Miles Davis og Dizzy Gillespie. Louis Armstrong påvirket ikke bare jazzen, men hele den musikalske kulturen, og ga verden ny sjanger, en unik måte å synge og spille trompet på.

    Publikasjoner av musikkseksjonen

    De var de første som spilte jazz

    Jazzmusikalske verden ble presentert av møtet mellom to kulturer - europeisk og afrikansk. På en internasjonal bølge tidlig på 20-tallet av det tjuende århundre brast den musikalske retningen inn i Sovjets land. Vi husker artistene som var de første som spilte jazz i USSR.

    Valentin Parnakh med sønnen Alexander. Foto: jazz.ru

    Valentin Parnakh. Foto: mkrf.ru

    "Det første i RSFSR eksentriske orkester av jazzband av Valentin Parnakh" debuterte på scenen i oktober 1922. Det var ikke bare en premiere, men premieren på en ny musikalsk retning. Revolusjonerende for musikken på den tiden ble gruppen satt sammen av en poet, musiker og koreograf, som bodde i Europa i seks år. Parnach hørte jazz på en parisisk kafé i 1921 og ble sjokkert over denne nyskapende musikalske retningen. Han returnerte til Sovjetunionen med et sett med jazzbandinstrumenter. Vi øvde bare i en måned.

    På premieredagen, på scenen til Central College of Theatre Arts - den nåværende GITIS - samlet fremtidig forfatter og manusforfatter Yevgeny Gabrilovich, skuespiller og artist Alexander Kostomolotsky, Mieczysław Kaprovych og Sergei Tizenhaizen. Gabrilovich satt ved pianoet: han spilte godt på gehør. Kostomolotsky spilte trommer, Kaprovych spilte saksofon, Tizengeizen spilte kontrabass og fottromme. Likevel slo kontrabassister rytmen med føttene – det bestemte musikerne.

    På de første konsertene fortalte Valentin Parnakh publikum om den musikalske retningen og at jazz er en kombinasjon av tradisjoner fra ulike kontinenter og kulturer til én «internasjonal fusjon». Den praktiske delen av foredraget ble entusiastisk mottatt. Inkludert Vsevolod Meyerhold, som ikke var sen med å tilby Parnakh å sette sammen et jazzband for opptredenen hans. Populære foxtrots og shimmys ble omtalt i The Magnanimous Cuckold og D.E. Energisk musikk kom godt med selv under 1. mai-demonstrasjonen i 1923. "For første gang deltok et jazzband i statlige feiringer, noe som ikke har skjedd i Vesten før nå!" utbasunerte den sovjetiske pressen.

    Alexander Tsfasman: jazz som yrke

    Alexander Tsfasman. Foto: orangesong.ru

    Alexander Tsfasman. Foto: muzperekrestok.ru

    Verkene til Franz Liszt, Heinrich Neuhaus og Dmitri Shostakovich sameksisterte harmonisk med jazzmelodier i Alexander Tsfasmans verk. Mens han fortsatt var student ved Moskva-konservatoriet, som musikeren senere ble uteksaminert med en gullmedalje, opprettet han den første profesjonelle jazzgruppen i Moskva - AMA Jazz. Den første fremføringen av orkesteret fant sted i 1927 på Kunstnerklubben. Teamet mottok umiddelbart en invitasjon fra et av de mest fasjonable stedene på den tiden - Eremitagehagen. Samme år dukket jazz først opp på den sovjetiske radioen. Og den ble fremført av musikerne Tsfasman.

    "Den trette solen sa ømt farvel til havet" lød i 1937 fra en plate spilt inn av ensemblet til Alexander Tsfasman allerede under navnet "Moscow Guys".

    For første gang i Unionen ble den velkjente tangoen til den polske komponisten Jerzy Petersbursky "Last Sunday" til ordene til dikteren Joseph Alvek hørt i et jazzarrangement. Solisten til Tsfasman Jazz Ensemble Pavel Mikhailov var den første som sang om solens og havets milde farvel. Med musikernes lette hånd ble nok en plate fra samme plate, om en mislykket dato, en hit for alle tider. "Så i morgen, på samme sted, til samme time",- hele landet sang etter jazzensemblet.

    «De som noen gang har lyttet til skuespillet til A. Tsfasman, vil for alltid ha i minnet denne virtuose pianistens kunst. Hans blendende pianisme, som kombinerte uttrykk og ynde, virket magisk på lytteren.

    Alexander Medvedev, musikolog

    Selv om Alexander Tsfasman var engasjert i et jazzensemble, forlot han ikke et soloprogram, han fungerte som pianist og komponist. Sammen med Dmitry Shostakovich jobbet Tsfasman med musikken til den episke filmen "Meeting on the Elbe", og fremførte deretter, på forespørsel fra komponisten, musikken sin til filmen "Unforgettable 1919". Han ble også forfatteren av jazzmusikk, som hørtes ut i det berømte skuespillet "Under rustle of your eyelashes" av dukketeateret til Sergei Obraztsov.

    Leopold Teplitsky. Jazzklassikere

    Leopold Teplitsky. Foto: history.kantele.ru

    Leopold Teplitsky dirigerte symfoniorkestre ved stumfilmvisninger på Hermitage- og Lux-kinoene i St. Petersburg mens han fortsatt studerte ved konservatoriet. I 1926 sendte People's Commissariat en ung musiker til Philadelphia for å opptre kl Internasjonal utstilling. I Amerika hørte Teplitsky symfonisk jazz - musikken i denne retningen ble fremført av Paul Whitemans orkester.

    Da Leopold Teplitsky kom tilbake til USSR, organiserte han "First Concert Jazz Band" fra profesjonelle musikere. Klassikere lød i jazzarrangement - musikk av Giuseppe Verdi, Charles Gounod. Han spilte et jazzband og verk av moderne amerikanske forfattere - George Gershwin, Irving Berlin. Så Leopold Teplitsky befant seg i spissen for profesjonell Leningrad-jazz på 1930-tallet. Leonid Utyosov kalte ham "den første av de innenlandske musikerne som viste et jazzspill."

    Den første opptredenen av jazzmenn fant sted i 1927. Konserten ble innledet med et foredrag "Jazz Band and Music of the Future" av musikkforsker og komponist Iosif Schillinger. Publikum var spesielt interessert i musikken, uvanlig for disse årene, og solisten - pop- og jazzsangeren fra Mexico Coretti Arle-Titz opptrådte sammen med musikerne. Teamets suksess varte ikke lenge: I 1930 ble Leopold Teplitsky arrestert og dømt under artikkelen "spionasje". Han ble løslatt to år senere, men Teplitsky ble ikke i Leningrad - han flyttet til Petrozavodsk.

    Siden 1933 jobbet musikeren som sjefdirigent for Karelian Symfoniorkester, men forlot ikke jazzen - han spilte med et akademisk orkester og et jazzprogram. Teplitsky opptrådte med sitt nye team i Leningrad som en del av tiåret for karelsk kunst. I 1936, med deltakelse av musikeren, dukket det opp en ny gruppe, Kantele, som Teplitsky skrev det karelske preludium for. Ensemblet ble vinneren av First All-Union Radio Festival folkekunst i 1936. Leopold Teplitsky ble igjen for å bo i Petrozavodsk. Festivalen for jazzmusikk "Stars and Us" er dedikert til minnet om den berømte jazzmannen.

    Leonid Utesov. "Sang jazz"

    Leonid Utesov. Foto: music-fantasy.ru

    Leonid Utesov. Foto: mp3stunes.com

    En høylytt premiere på begynnelsen av 1930-tallet var Leonid Utesovs Tea Jazz. Den fasjonable musikalske retningen, med den lette hånden til den kjente popartisten, som forlot handelsskolen for musikkens skyld, har fått skalaen til en teaterforestilling. Utyosov ble interessert i jazz under en turné til Paris, hvor Ted Lewis-orkesteret imponerte den sovjetiske musikeren med sin "teatralisering" i musikksalens beste tradisjoner.

    Disse inntrykkene ble nedfelt i skapelsen av Tea Jazz. Utyosov henvendte seg til den virtuose trompetisten, den akademiske musikeren Yakov Skomorovsky, som også virket interessert i ideen om et jazzorkester. Samling av musikere fra Leningrad-teatrene, "Tea Jazz" i 1929 opptrådte på scenen til Leningrad Maly Opera House. Dette var den første sammensetningen av teamet, som ikke fungerte lenge og snart flyttet til Leningrad Radio i "Concert Jazz Orchestra".

    Utyosov scoret ny komposisjon"Tea Jazz" - musikerne iscenesatte hele forestillinger. En av dem - "Music Store" - dannet senere grunnlaget for den berømte filmen, den første sovjetiske musikalske komedien. Bildet av Grigory Alexandrov "Merry Fellows" med Lyubov Orlova i tittelrollen ble utgitt på skjermene i 1934. Hun ble populær ikke bare hjemme, men også i utlandet. inspirert jazz musikk i 1933 da jeg hørte Duke Ellingtons "Dear Old South"-låt. Imponert malte Lundstrem arrangementet, samlet teamet og satte seg ved pianoet selv. To år senere erobret musikeren Shanghai, hvor han bodde i det øyeblikket. Så skjebnen var bestemt: i utlandet studerte Lundstrem samtidig ved Polytechnic Institute og Music College. Orkesteret hans spilte jazzklassikere og musikken til sovjetiske komponister i jazzarrangement. Pressen kalte Lundstrem «kongen av jazz i Fjernøsten».

    I 1947 bestemte musikerne seg for å flytte til Sovjetunionen – i full kraft, med familiene sine. Alle slo seg ned i Kazan, hvor de studerte ved konservatoriet. Et år senere ble imidlertid en resolusjon fra sentralkomiteen til CPSU utstedt, som fordømte "formalisme i musikk." Teamet returnerte til hjemlandet for å bli en stat jazzgruppe Tatar ASSR, men musikerne ble fordelt i Opera teater og kinoorkestre. Sammen opptrådte de bare på sjeldne engangskonserter.

    "Dyp penetrasjon i jazzens natur, i dens klassiske tradisjoner, på den ene siden, og ønsket om å bidra til denne sjangeren, ved å bruke nasjonal folklore, ved å skape og fremføre originale jazzverk og arrangementer, på den andre - dette er orkesterets trosbekjennelse."

    Oleg Lundstrem

    Bare tøen brakte jazzen tilbake til scenen. I året for 60-årsjubileet kom Oleg Lundstrems orkester inn i Guinness rekordbok som verdens eldste kontinuerlig eksisterende jazzorkester. Musikeren hadde også en sjanse til å møte forfatteren av den samme «Dear Old South» da Duke Ellington kom til Moskva på 1970-tallet. Oleg Lundstrem beholdt platen hele livet, noe som ga ham en forkjærlighet for jazz.

    Populær i kategorien:
    Ditties om pensjonister og pensjonister Ditties for eldredagen for bestemødre
    Ditties om pensjonister og pensjonister Ditties for dagen for eldre ...
    lese
    Scenario for det nye året på skolen
    Scenario for det nye året på skolen
    lese
    Scener for det nye året er morsomme og kule
    Scener for det nye året er morsomme og kule
    lese
    Morsomme spådommer og spådom for det nye året Prediksjonsspill for det nye året
    Morsomme spådommer og spådommer for det nye året Prediksjonsspill på...
    lese
    
    Siste artikler
    Scenario for feiring av bankdagen!
    lese
    Tusen takk til lærere fra...
    lese
    Gjør-det-selv plakater for det nye året
    lese
    Gjør-det-selv veggaviser for det nye året
    lese
    Kjennetegn på de mest bemerkelsesverdige stjernene
    lese
    Psykologi av mannlig utroskap
    lese
    Hvis du lider for mannen som forlot deg ...
    lese
    Hvordan bli en ekte dame?
    lese
    Topp